Impresionismo fuente wikipedia

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Claude Monet, Impression: soleil levant, 1872-1873 (París, Museo Marmottan Monet). Cuadro al que
debe su nombre el movimiento.

El impresionismo es un movimiento artístico1 inicialmente definido para la pintura

impresionista, a partir del comentario despectivo de un crítico de arte (Louis Leroy) ante el
cuadro Impresión, sol naciente de Claude Monet, generalizable a otros expuestos en el salón
de artistas independientes de París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874 (un grupo en
el que estaban Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Alfred
Sisley, Berthe Morisot).
Aunque el adjetivo «impresionista» se ha aplicado para etiquetar productos de otras artes,
como la música (impresionismo musical —Claude Debussy—) y la literatura (literatura del
Impresionismo —hermanos Goncourt—),2 sus particulares rasgos definitorios
(luz, color, pincelada, plenairismo) lo hacen de muy difícil extensión, incluso para otras artes
plásticas como la escultura (Auguste Rodin)3 y la arquitectura;4 de tal modo que suele decirse
que el impresionismo en sentido estricto solo puede darse en pintura y quizá
en fotografía (pictorialismo) y cine (cine impresionista francés o première avant-garde: Abel
Gance, Jean Renoir —hijo del pintor impresionista Auguste Renoir—).5
El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo
XIX en Europa —principalmente en Normandía (Giverny y la costa normanda principalmente)
— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el
instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores
pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban el momento de luz, más allá de las
formas que subyacen bajo este. Fue clave para el desarrollo del arte posterior, a través
del posimpresionismo y las vanguardias.

Índice

 1Representantes
 2Precedentes
o 2.1Paisajistas ingleses
o 2.2Édouard Manet
 o 2.3Corot y la escuela de Barbizon
 3Historia
o 3.1Inicios
o 3.2Florecimiento y primera exposición
o 3.3La difusión
 4Técnica y estética impresionista
o 4.1Colores puros
o 4.2Pincelada gestáltica
o 4.3Forma
o 4.4Variantes en la estética impresionista
 5Pintores impresionistas
 6Cronología
 7La pintura de la época impresionista en el resto de Europa
o 7.1Alemania
o 7.2Bélgica
o 7.3España
o 7.4Estados Unidos
o 7.5Países Bajos
o 7.6Hungría
o 7.7Italia
 8Galería de imágenes
 9Véase también
 10Referencias
 11Bibliografía
 12Enlaces externos

Representantes[editar]
 Eugène Boudin (1824-1898), uno de los precursores del impresionismo y maestro de
Monet en su juventud
 Gustave Courbet (1819-1877), uno de los precursores del Impresionismo
 Édouard Manet (1832-1883), nunca perteneció al Grupo Impresionista
 Edgar Degas (1834-1917), miembro fundador e histórico del Grupo Impresionista
 Paul Cézanne (1839-1906), miembro fundador e histórico del Grupo Impresionista
 Claude Monet (1840-1926), miembro fundador e histórico del Grupo Impresionista
 Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), fundador y miembro histórico del Grupo
Impresionista
 Berthe Morisot (1841-1895), fundadora y miembro histórico del Grupo Impresionista
 Francesco Filippini (1841-1870), precursor y fundador de los impresionistas italianos
 Mary Cassatt (1844-1926), miembro del Grupo Impresionista
 Camilo Monset (1845-1930), miembro del Grupo Impresionista

Precedentes[editar]
John Ruskin, Importante teórico inglés del Romanticismo, defendía la impresión frente a la descripción.

Paisajistas ingleses[editar]
En la primera mitad del siglo XIX, en pleno romanticismo, Joseph Mallord William
Turner y John Constable —pintores paisajistas ingleses— sentarían las bases sobre las que
más adelante trabajarían los impresionistas.[cita  requerida]
De Turner tomarían los impresionistas su gusto por la fugacidad, las superficies borrosas y
vaporosas y el difuminado y mezcla de amarillos y rojos intensos, así como la descripción de
un momento visual más allá de la descripción formal, en el que la luz y los colores dan lugar a
una «impresión» más poderosa. El máximo exponente de estas características lo
encontramos en Lluvia, vapor y velocidad (1844) National Gallery de Londres, un cuadro
preimpresionista.[cita  requerida] Los impresionistas eliminarán el componente sublime de la obra
de Turner, propio de la pintura romántica.

Édouard Manet[editar]

Édouard Manet, Almuerzo sobre la hierba (1863). Museo de Orsay.

Un total autor clave entre los precursores del movimiento impresionista es Édouard Manet.
Dos de sus obras son esenciales en la comprensión de su influencia sobre el grupo.
En su Almuerzo sobre la hierba Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras
representadas son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta.
Esto se evidencia por la ausencia de conexión de unos personajes con otros: tres personajes
van vestidos mientras que el cuarto está desnudo; las miradas nunca se encuentran aunque
haya un personaje hablando y la disposición en primer plano (cesta y comida), en segundo
(grupo) y tercer plano (mujer en el agua) es meramente compositiva. Este trabajo influenciará
a los impresionistas en la desatención del modelo y de la narración.
Por otra parte El bar del Folies-Bergère evidenciará el deseo de tratar los fenómenos
lumínicos al introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las
grandes lámparas de araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y menos directa y,
por tanto, más difícil de pintar, recordándonos a las escenas festivas de Renoir.

Corot y la escuela de Barbizon[editar]

Camille Corot, Autorretrato

Los grandes impresionistas habían tenido un precedente en Camille Corot y la Escuela de

Barbizon. Corot jugó un importante papel en la formulación del Impresionismo, porque
renunció a muchos de los recursos formales renacentistas prefiriendo concentrar su atención
en espacios más planos, más sencillos y en superficies más luminosas.
Y, aunque a diferencia de los impresionistas, nunca llegó a fragmentar la luz en sus
componentes cromáticos y siempre organizó y simplificó sus formas para conseguir una cierta
composición clásica, también usó con frecuencia una elevada clave tonal, así como, en
términos generales, un frescor y una espontaneidad nuevos en el Salón oficial.

Historia[editar]
Inicios[editar]
Con anterioridad al Impresionismo, el marco artístico estaba dominado por el eclecticismo, al
que respondió la generación de las rupturas estilísticas, una serie de rupturas que darán
personalidad propia al arte moderno. La primera de ellas o, si se prefiere, su preámbulo, es el
Impresionismo, un movimiento, resultado de una prolongada evolución, que coloca
definitivamente al siglo XIX bajo el signo del paisaje y que busca un lenguaje nuevo basado en
un naturalismo extremo.
Tiende a usar con creciente frecuencia colores puros y sin mezcla, sobre todo los tres colores
primarios y sus complementarios, y a prescindir de negros, pardos y tonos terrosos.
Aprendieron también a manejar la pintura más libre y sueltamente, sin tratar de ocultar sus
pinceladas fragmentadas, y la luz se fue convirtiendo en el gran factor unificador de la figura y
el paisaje.

Florecimiento y primera exposición[editar]

Portada del catálogo para la primera exposición impresionista (1874).

Artículo principal: Exposiciones impresionistas

El año 1873 marcará un giro característico del Impresionismo: el paso de la fase preparatoria

a la fase de florecimiento. Los tanteos estaban olvidados y el trabajo
adelantado. Pisarro y Monet habían hecho en Londres estudios de edificios envueltos en
nieblas; Alfred Sisley, aún más vaporoso, se les había adelantado por ese camino; Renoir se
hallaba, de momento, bajo la total influencia de Monet; y Edgar Degas empezaba a tratar los
tutús de sus bailarinas del mismo modo que Monet o Renoir las flores del campo.
Todos los impresionistas, incluyendo a Berthe Morisot, eran ya conscientes de formar un
grupo y de tener iguales objetivos que defender. Su primera aparición pública como tal se
estaba fraguando. A fin de pesar más a los ojos del público, intentaron atraerse a otros artistas
y fundaron una Sociedad anónima de pintores, escultores y grabadores que en 1874 logró por
fin organizar una muestra en los salones del fotógrafo Nadar. En total participaron treinta y
nueve pintores con más de ciento sesenta y cinco obras, de las que diez eran de Degas, la
mayor aportación individual del grupo, y entre las que estaba la ya legendaria Impresión: sol
naciente de Monet que, burlonamente citada por un crítico, dio nombre al grupo.

La difusión[editar]
El Impresionismo se difunde por toda Europa, entre otras cosas, gracias a la facilidad y
rapidez.

Técnica y estética impresionista[editar]

Claude Monet, Catedral de Ruan. En la entrada principal de la catedral distinguimos azul
ultramar y violeta para las sombras (colores más saturados que la parte superior, más iluminada) al igual
que naranja dentro de la misma zona de sombra para definir los reflejos en la oscuridad.

Colores puros[editar]
La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes evoluciones científicas y técnicas que
permitieron la creación de nuevos pigmentos con los que los pintores darían nuevos colores a
su pintura, generalmente al óleo. Los pintores consiguieron una pureza y saturación del
color hasta entonces impensables, en ocasiones, con productos no naturales. A partir del uso
de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, es
decir: «todo color es relativo a los colores que le rodean», y la ley de colores
complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo contrastes, generalmente de
fríos y cálidos. Las sombras pasaron de estar compuestas por colores oscuros a estar
compuestas por colores complementarios que, a la vez, creaban ilusión de profundidad. La
característica principal es el uso de complementarios, de la luz a la sombra y en un mismo
valor, esto se denomina modulado del color. Podemos decir que, rompiendo con la dinámica
clásica del claroscuro, donde el contraste se da por valor, esto se denomina modelado del
color; el contraste entre claridad y oscuridad es la que generan la ilusión de profundidad.
Asimismo enriquecieron el lenguaje plástico separando los recursos propios del dibujo y
aplicando únicamente los recursos propios de la pintura: es decir, el color. Para definir la
forma, su riqueza de color les permitió afinar el volumen mediante más matices lumínicos,
creando luces dentro de las zonas de sombra y sombras dentro de las zonas iluminadas
recurriendo únicamente al uso del color. Un buen ejemplo del uso de los colores saturados
para luces y sombras indistintamente lo encontramos en el cuadro La catedral
de Ruan de Claude Monet. Este uso de los colores ejercería notable influencia sobre
las primeras vanguardias, especialmente sobre el fovismo de Matisse o Gauguin.

Pincelada gestáltica[editar]
Claude Monet, Parlamento de Londres. Pinceladas lineales de colores puros dan lugar a una visión
unitaria de atmósfera y gradación de cálidos a fríos.
Seurat, La Parade. Los neoimpresionistas llevaron al extremo esta pincelada gestáltica, en este caso en
forma de puntos, dando lugar a un color y forma unitarios, movimiento denominado divisionismo
o puntillismo.

Aunque la teoría gestáltica apareció más adelante, los pintores impresionistas mostraron

plásticamente lo que la psicología de la Gestalt vendría a
demostrar psicológica y científicamente más adelante: perceptivamente, si se dan ciertas
condiciones, partes inconexas dan lugar a un todo unitario. El uso de pequeñas pinceladas de
colores puros resultó en un todo vibrante; y, aunque las pinceladas aisladamente no
obedecieran a la forma o al color local del modelo, en conjunto —al ser percibidas global y
unitariamente— adquirían la unidad necesaria para percibir un todo definido. Este recurso fue
llevado al máximo por los neoimpresionistas, también conocidos
como puntillistas como Seurat o Signac.

Forma[editar]
Auguste Renoir, La Balançoire. La plasmación de la luz sobre el cuerpo es más importante que la
descripción de su forma.

La descripción de la forma, relegada a segundo plano y dejada a manos del dibujante y no

del pintor, queda subordinada a la definición de las condiciones particulares de iluminación.
Por eso los artistas impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación como
retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial —como Edgar
Degas y sus bailarinas—, la iluminación natural filtrada —como Auguste Renoir y la luz
pasando entre hojas de árboles— o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o
multitudes de gente como Claude Monet. La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es
intrínseco: la luz y el color y en ningún caso a la descripción formal del volumen heredada
del clasicismo; así las formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa
dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da
nombre al movimiento.

Variantes en la estética impresionista[editar]

No todos los pintores del grupo fueron iguales y, ni mucho menos, fielmente ortodoxos con
respecto a la estética impresionista. Las sólidas estructuras de luz y sombra de Eduard Manet
fueron realizadas en su mayoría en interiores, después de muchos estudios preliminares, y
tienen la dicción formal del arte de estudio, no la frescura de la pintura al aire libre. La
atmósfera y el color local no eran, ni mucho menos, sus objetivos primordiales, y cuando
representaba lo que parece, a primera vista, un tema «impresionista» era capaz de cargarlo
con tantas ironías y contradicciones que llegaba a empañar toda su inmediatez.
Dejando aparte a Berthe Morisot, el pintor del grupo que más se le aproxima es Edgar Degas,
con una pintura difícil de comprender por su aguda inteligencia, sus intrigantes mezclas de
categorías, sus influencias poco convencionales y, sobre todo, su tan traída y tan llevada
«frialdad», aquella fría y precisa objetividad que fue una de las máscaras de su infatigable
poder de deliberación estética.
De hecho, ningún pintor del grupo es tan puramente impresionista como Claude Monet. En su
obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre
todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve
únicamente para establecer cierta coherencia.
Por su parte, Renoir es el pintor que nos convence de que la estética del Impresionismo fue,
sobre todo, hedonista. El placer parece la cualidad más evidente de su obra, el placer
inmediato y ardiente que produce en él la pintura. Nunca se dejó agobiar por problemas de
estilo y llegó a decir que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar una pared y
que por eso era importante que los colores fueran agradables por sí mismos.
Sin duda, Camille Pissarro fue el menos espectacular de los impresionistas porque es un
pintor más tonal que esencialmente colorista. Pero, decano del Impresionismo, tuvo un
importante papel como conciencia moral y guía artístico.
Y, por último, trabajando a veces con Renoir y a veces con Monet, estaba Alfred Sisley,
influido por ambos. Durante toda su vida siguió fielmente las directrices de los impresionistas
pero nunca llegó a abandonar «la caza del motivo» y siempre se dejó llevar espontáneamente,
con una facultad de comunicación directa, por un Romanticismo subyacente y lleno de poesía.
La primera manifestación oficial del impresionismo fue la exposición organizada en 1874 en el
estudio del fotógrafo Nadar, al margen del Salón oficial, por un grupo de pintores
(Bazille, Cézanne, Degas, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley), cuyas obras motivaron el
rechazo generalizado de la crítica y del público. Un cuadro de Monet, Impresión, sol naciente,
motivó la denominación «impresionismo», creada con intención peyorativa por el crítico Leroy.
Esta primera muestra fue el punto de llegada de un período de formación iniciado unos quince
años antes por un grupo de artistas de la Academia Suiza (Pissarro, Cézanne, Guillaumin,
Monet, Renoir, Sisley, Bazille), quienes, interesados en romper con los planteamientos
pictóricos tradicionales y a partir de las innovaciones de Corot y de los paisajistas de la
escuela de Barbizon, se centraron en la pintura al aire libre y buscaron el plasmado cambiante
de la luminosidad de los paisajes y de las figuras humanas. Durante este período inicial fue
fundamental la figura de Manet, quien, con La merienda campestre y con Olimpia, se convirtió
en el abanderado del antiacademicismo. Tras la primera exposición, los impresionistas
reunieron sus obras en siete ocasiones más (1876, 1877 —que plasmó el momento de mayor
cohesión del movimiento—, 1879, 1880, 1881, 1882 y 1886), a lo largo de las cuales dejaron
de participar algunos de los artistas pioneros (Cézanne, Monet, Renoir, Sisley) y se añadieron
nuevos nombres (Cassatt, Gauguin, Redon, Seurat, Signac). Las primeras publicaciones
importantes sobre la nueva tendencia fueron los artículos de Zola (en L'Évènement) y de
Castagnary (en Le Siècle), La nouvelle peinture (1876), de Duranti, y la Historia de los
pintores impresionistas (1878), de Duret. El impresionismo creó escuela también en otros
países europeos; son de destacar Zandomeneghi en Italia; en España, Regoyos, finales de
1915, Eugenio Hermoso, La Juma, la Rifa y sus amigas, y 1920 por Sorolla, Claus en Bélgica,
Grabar e Isaac Levitán en Rusia, Steer y Sickert en Gran Bretaña y Sargent, Hassam
y Twachtman en EE UU.
Tenemos que recordar que también implicó a los músicos impresionistas, frente al dramatismo
de los románticos, trataron de aludir más que de afirmar y se expresaron más por medio de la
disociación armónica y del timbre y del color de los instrumentos que por medio de la melodía.
Sus máximos representantes fueron C. Debussy y M. Ravel, aunque también estuvieron
influenciados por esta técnica autores como P. Dukas, F. Delius, A. Caplet, F. Schmitt o R.
Vaughan Williams.

Pintores impresionistas[editar]
 Frédéric Bazille
 Gustave Caillebotte
 Paul Cézanne (considerado impresionista, aunque más adelante dejará el grupo y se
anticipará al Cubismo)
 Edgar Degas
 Armand Guillaumin
 Édouard Manet (considerado el precursor por excelencia de la pintura impresionista)
 Claude Monet (el más prolífico y quien más definió la estética del grupo)
 Pierre-Auguste Renoir
 Henri Rouart
 Alfred Sisley
 Marie Rosalie Bonheur
 Marie Bracquemond
 Mary Cassatt
 Eva Gonzalès
 Catherine Madox Brown
 Berthe Morisot
 Marianne North
 Alberto Valenzuela Llanos
 Ivan Jimenez

Cronología[editar]
Línea del tiempo de los impresionistas franceses

La pintura de la época impresionista en el resto de

Europa[editar]
Alemania[editar]
Los criterios que se utilizan para evaluar el fenómeno estilístico internacional, llamado
Impresionismo, es la proximidad o el alejamiento respecto a la pintura francesa de este
período. Esto es válido también para los países de habla germana. 6
Entre los precursores alemanes de la pintura al aire libre podemos mencionar: Karl
Blechen (1798-1840); Carl Gustav Carus (1789-1869); Johann Georg Dillis (1759-
1841); Wilhelm Leibl (1844-1900); Adolph von Menzel (1815-1905); Carl Schuch (1846-1903);
y, Johannes Sperl (1840-1905).
Muchos pintores impresionistas alemanes tuvieron estadías más o menos prolongadas en
París, que había desplazado a Roma como meca de la peregrinación. Este desplazamiento
fue fuertemente impulsado por el surgimiento de academias, escuelas privadas de arte y por
las exposiciones universales que se organizaron en París desde 1855.
Algunos pintores de la época, con sus obras más significativas son:

 Lovis Corinth (1858-1925);
o El negro "Otelo", 1884, Óleo sobre lienzo 78 x 58,5 cm
o Autorretrato con esqueleto, 1896, Óleo sobre lienzo 66 x 86 cm
o Desnudo acostado, 1899, Óleo sobre lienzo 75 x 120 cm
o Autorretrato con su mujer y copa de champán, 1902, Óleo sobre lienzo 98,5 x
108,5 cm
o En el jardín de Max Halbe, 1899, Óleo sobre lienzo 75 x 100 cm
o Día del Emperador en Hamburgo, 1911, Óleo sobre tela 70 x 90,5 cm
o Retrato de Juluis Meier-Graefe, 1917, Óleo sobre lienzo 90 x 70 cm
o Autorretrato con sombrero de paja, 1913, Óleo sobre lienzo 98 x 66 cm
o Pascua en el Walcheunsee, 1922, Óleo sobre lienzo 60,5 x 80 cm
o Autorretrato con sombrero de paja, 1923, Óleo sobre cartón 68,5 x 84 cm

 Ferdinand Hodler (1853-1918);
o Manzano en flor, hacia 1890, Óleo sobre lienzo 26,5 x 40 cm
o Retrato de Louise Delphine Duchosal, 1885, Óleo sobre lienzo 55 x 46 cm

 Leo von König (1871-1944);

 Gotthard Kuehl (1850-1915);
 Wilhelm Leibl (1844-1900);

 Walter Leistikow (1865-1908);
o Puesta de sol en el Lago de Grunewald, 1898, Óleo sobre lienzo 167 x 252 cm

 Max Liebermann (1874-1935);
o Cervecería con jardín en Múnich, 1884, Óleo sobre lienzo. 95 x 69 cm
o Las desplumadoras de gansos, hacia 1870/71, Óleo sobre lienzo. 172 x 118
cm (considerado por los críticos berlineses como "ideal absoluto de la fealdad"
o Hora de recreo en el orfelinato de Ámsterdam, hacia 1881/82, Óleo sobre
lienzo. 78,5 x 107,5 cm
o Mujer con cabras, 1890, Óleo sobre lienzo. 127 x 172 cm
o Convento de Steven en Laiden, 1889, Óleo sobre lienzo. 78 x 100 cm
o Muchachos bañándese, 1898, Óleo sobre lienzo. 122 x 151 cm
o Jóvenes en la playa, 1900
o El merendero "De Oude Vinck" en Leiden, 1905, Óleo sobre lienzo. 71,7 x 88
cm
o El hombre de los papagayos, 1902, Óleo sobre lienzo. 102,3 x 72,3 cm
o La avenida de los papagayos en el zoológico de Ámsterdam, 1902, Óleo sobre
lienzo. 88 x 72,5 cm
o Escena de playa en Nordwijk, 1908, Óleo sobre lienzo. 663 x 80,5 cm
o Carrera de caballos en los Cascinem, 1909, Óleo sobre lienzo. 52,5 x 74 cm
o Autorretrato, 1911, Óleo sobre lienzo. 81 x 65 cm
 Adolf Friedrich Erdmann von Menzel (1815-1905);
o Partida del Rey Guillermo I al ejercoto el 31 de julio de 1870, 1871, Óleo sobre
lienzo 63 x 78 cm

 Christian Rohlfs (1849-1938);
o Bosque de abedules, 1907, Óleo sobre lienzo 117 x 75 cm

 Max Slevogt (1868-1932);
o Danza de la muerte, 1896, Óleo sobre lienzo 102 x 123 cm
o El hombre de los papagayos, 1901, Óleo sobre lienzo 81,5 x 65,7 cm
o Vista hacia el Alster en Hamburgo, 1905, Óleo sobre lienzo 59 x 76 cm
o Jardín de flores en Neu-Cladow, 1912, Óleo sobre lienzo 66 x 83 cm
o El jardín de la villa de los Steinbart en Berlín, 1911, Óleo sobre lienzo 85,5 x
105,5 cm
o Retrato de la Sra. C., 1917, Óleo sobre lienzo. 71 x 52 cm

 Wilhelm Trübner (1851-1917);
o El restaurante en la Isla de las Mujeres, 1891, Óleo sobre lienzo 48 x 65 cm
o Portal del convento de Neuburg cerca de Heidelberg, 1913, Óleo sobre lienzo
62 x 80 cm

 Fritz von Uhde (1848-1911);

o Hijos de pescadores en Zandvoort, 1882, Óleo sobre lienzo 60 x 80 cm.
Cuadros enraizados en la herencia del realismo.
o La hermana mayor, 1885, Óleo sobre cartón 48,5 x 33 cm
o Ejercicio de tambores (Tambores bávaros), 1883, Óleo sobre madera 72 x 95
cm. El pintor otorga gran importancia al carácter aleatorio de la composición, que sin
embargo concretizó después de numerosos dibujos previos y estudios. El público tubo
bastante dificultad, en apreciar esta obra, al mismo tiempo monumental y casual.
o La marcha hacia Belén (Marcha dura), hacia 1890, Óleo sobre lienzo 117 x
126 cm.
o Dos hijas en el jardín, 1892, Óleo sobre lienzo 145,5 x 116,5 cm. Obra mucho
más impresionista, tanto desde el punto de vista de la temática, como desde el punto
de vista del color.
o En el jardín (Las hijas del artista), 1906, Óleo sobre lienzo 70 x 100 cm

 Lesser Ury (1861-1931);
 Walter Richard Sickert (1860-1942)

 Albert Weisgerber (1878-1915);
o Paseo a caballo por el Jardín Inglés de Múnich, 1910, Óleo sobre lienzo 60 x
70,5 cm

 Heinrich von Zügel (1850-1941).

En general, el "hallazgo" de las nuevas tendencias de la pintura francesa, es reconocida por
los pintores alemanes, a partir de los años 90. Algunos autores consideran que estas
afirmaciones tienen por finalidad evitar que fuera puesta en duda la originalidad de la propia
pintura.
Bélgica[editar]
Con la proclamación del Reino de Bélgica en 1830, y a causa del creciente sentimiento
nacionalista, surgieron esfuerzos destinados a perfilar un arte belga independiente. El arte
belga, derivado de las tradiciones de los Países Bajos, y que con los pintores flamencos Peter
Paul Rubens (1577-1640) y Pieter Bruegel el Viejo (1525/30-1569) podían enorgullecerse de
una importante tradición pictórica propia, pero a mediados del siglo XIX, se encontraba bajo
una fuerte influencia de sus vecinos franceses. En los años sesenta y comienzo de los setenta
fue adquiriendo fuerza la admiración de la nueva pintura francesa, especialmente
de Courbet, Millet, Degas y Manet.7
Sin embargo el Impresionismo entró con vacilación y demora en la pintura belga. En esta
penetración tuvo un importante rol la llamada Escuela de Tervueren. En 1884 surgió el grupo
llamado Les XX (Los Veinte), del cual participaba, como fundador, uno de los pintores más
famosos de la época, Isidore Verheyden ( 1846-1905), quien se manifestaba escéptico
respecto a las últimas consecuencias del impresionismo, lo cual lo condujo más tarde a
abandonar el movimiento. Una de las discípulas más conocidas de Verheyden fue Anna
Boch ( 1848-1936) quien también pertenecía al “Les XX”, percibía con gran lucidez la
problemática y las tendencias del arte moderno. La pintora compró muy pronto obras de
Seurat y Gauguin, y adquirió la única pintura que Van Gogh logró vender en el transcurso de
su vida. El grupo de “Les XX” tuvo un rol fundamental en la entrada, la difusión y el
conocimiento de la pintura impresionista en Bélgica.
En el grupo de "Les XX" se encontraban, entre otros:

 Georges Lemmen (1854-1930)
o Autorretrato - 1890 - Óleo sobre lienzo - 43 x 38 cm (estilo puntillista)
o Vista del Támesis - 1892 - Óleo sobre lienzo - 62 x 86,7 cm (estilo divisionista)

Puesta de sol sobre la nieve - Guillaume Vogels

 Guillaume Vogels (1836-1896)
 Alfred William Finch (1854-1930)
o Los almiares de heno - 1889 - Óleo sobre lienzo - 32 x 50 cm (estilo puntillista)
 Théo van Rysselberghe (1862-1926)
o Grandes nubes, fiordo de Christiania - 1893 - Óleo sobre lienzo - 50,8 x 63 cm
(estilo divisionista)
o Retrato de Auguste Descamps, el tìo del pintor - 1894, 64 x 53 cm - (estilo
divisionista)
o Familia reunida en un huerto - 1890, 115,5 x 161,5 cm
 Fernand Khnopff (1858-1921)
 Henry van de Velde (1863-1957)
o Mujer en la ventana - 1889 - Óleo sobre lienzo - 111 x 125 cm (estilo puntillista)
 o Sillones en la playa en Blankenberge - 1888 - Óleo sobre lienzo - 71 x 100 cm
(estilo puntillista)
Para varios pintores del grupo de "Los Veinte", la manera impresionista y neoimpresionista no
fue otra cosa sino una etapa de transición hacia las corrientes simbolistas y expresionistas,
fenómeno que se ha intentado atribuir a un componente místico de la pintura flamenca.

España[editar]

Niño en las rocas, de Sorolla (1905).

El gallinero, de Regoyos (1912).

La pintura española aportó una fuerte contribución al impresionismo francés. La entonación

grisácea y terrosa predominante en algunas obras de Velázquez (1599-1660), Murillo (1618-
1682), Francisco de Zurbarán (1598-1664) y Francisco de Goya (1746-1828), despertaron
gran interés entre los impresionistas franceses, especialmente en Manet, que manifestó una
gran admiración por la "Edad dorada" de la pintura española, y visitó España en 1865 una
única vez, aunque su admiración por este país es anterior a este viaje, y le llegó a través de
un amigo de su padre, el crítico de arte Charles Blanc.8
El impacto de la revolución del impresionismo en los pintores españoles no es algo muy claro.
Obviamente, se conocían las innovaciones técnicas y estéticas, pero su aplicación no fue ni
inmediata ni total. El uso de la pincelada suelta no tiene por qué ser una influencia
impresionista por sí, y estaba presente con anterioridad en la pintura española. El plenairismo
en la pintura de paisaje se venía empleando también. Los efectos luminosos y cromáticos son
las verdaderas novedades. No obstante, hay una genérica consideración como
"impresionistas" o "pre-impresionistas" de muchos pintores del último tercio del siglo XIX.
Muchos de ellos evolucionaron hacia el impresionismo a partir del realismo (denominación
también muy problemática). También se utiliza la etiqueta "luminista" (no menos ambigua),
especialmente para los pintores valencianos (luminismo valenciano) de entre los que
destacan Joaquín Sorolla o Teodoro Andreu. Otros nombres que se suelen asociar
al impresionismo español son Darío de Regoyos, Ignacio Pinazo, o Aureliano Beruete.
Avanzado el final del siglo, especialmente en Cataluña, cambian los presupuestos estilísticos
de la pintura de vanguardia, que se redefine como modernismo (modernismo
catalán, Santiago Rusiñol, Ramon Casas).
Véase también:

 Adolfo Guiard
 Anselmo Guinea Ugalde
 Luis Jiménez y Aranda, (1845-1928)
 Martín Rico, (1833-1908)
 Luis Gallardo, (1868-1937)
 Marceliano Santa María, (1866-1952)

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español.
Estados Unidos[editar]
Impresionismo americano
Véase también: Colonia artística de Old Lyme

Países Bajos[editar]
La pintura neerlandesa del siglo XVII tuvo una gran influencia en los pintores impresionistas
franceses de la Escuela de Barbizon, quienes encontraban en los paisajes de Salomon van
Ruysdael (1600-1670), por ejemplo, una concepción de la naturaleza moderna que
correspondía a sus propias aspiraciones. Los impresionistas franceses también reconocieron
esas cualidades y en la década de los sesenta, los pintores Frans Hals (1585-1666) y Jan
Vermeer (1632-1675) despertaron profundo interés de aquellos artistas. En la obra de Hals
apreciaban especialmente la pincelada ancha y libre, mientras que en Vermeer admiraban la
virtuosa coloración.9
Los pintores franceses de la época impresionista conocieron estos pintores, no solo a través
de los cuadros expuestos en el Museo del Louvre, sino que también a través de los artículos
del crítico de arte francés Théophile Thoré (1824-1869), y a través de numerosos contactos
personales. Monet, por ejemplo consideraba al neerlandés Johan Barthold Jongkind (1819-
1869) como su maestro más importante, junto a Boudin. En Jongkind se pone de evidencia,
en forma muy especial la acción reciproca que se dio entre los pintores neerlandeses y
franceses, que resultaron más tarde muy importantes para el impresionismo.
En esta línea tuvo importancia, en las décadas de los setenta y ochenta, la llamada Escuela
de la Haya, de la cual participaron, entre otros:
 Floris Arntzenius (1864-1925);
 Adolph Artz
 Gerard Bilders
 Johannes Warnardus Bilders (1811-1890);
 Bernard Blommers
 Hendrik Pieter Bremmer (1871-1956) (Divisionista)
 Théophile de Bock
 Johannes Bosboom
 Paul Gabriël
 Johannes Hubertus Leonardus de Haas
 Jacob Hendricus (1837-1899)
 Matthijs Hendricus (1837-1917)
 Gerrit van Houten
 Jozef Israëls (1824-1911)
 Jacob Maris
 Matthijs Maris
 Willem Maris (1844-1910)
 Anton Mauve (1844-1910)
 Hendrik Willem Mesdag
 Taco Mesdag
 Sina Mesdag-van Houten
 Albert Neuhuys
 Willem Roelofs (1822-1897)
 Philip Sadée
 Julius van de Sande Bakhuyzen
 Willem Bastiaan Tholen
 Jan Theodorus Toorop (1858-1928) (Círculo Artístico de la Haya)
 Johannes Hendrik Weissenbruch (1824-1903)
 Willem de Zwart

Hungría[editar]
La autoestima de los húngaros resultó profundamente dañada a raíz del fracaso de su
sublevación contra los Habsburgo en 1848/49. El país, caracterizado por una producción
agropecuaria basada en el latifundio, se encontraba significativamente retrasado respecto a
los países de Europa Occidental. Este hecho ha influenciado también el desarrollo de las artes
en este período. Las principales motivaciones para los artistas húngaros de este período se
encontraban la representación de la propia historia nacional, y los festejos en torno a las
celebraciones del “milenio” de la conquista del país por parte de los jinetes magiares, y el
descubrimiento y valoración de las particularidades de la vida popular y de las particularidades
del paisaje.10
Mihály Munkácsy (1844-1900) contemporáneo de Monet y Liebermann, adquirió buena
reputación internacional en Düsseldorf y en París, donde permaneció entre 1872 y 1896. Su
fama se basó en su vigoroso realismo, pero manteniendo simultáneamente una eficaz “pintura
de salón”, utilizando una amplia gama de temas que fueron desde las escenas de la alta
sociedad y lujosas decoraciones hasta obras en torno a dramas sociales y las cruentas luchas
de liberación. La luz y el color, en las obras de Munkácsy no fueron influenciadas por la
pintura al aire libre, siendo que solamente sus estudios tenían esa frescura e impulsiva
espontaneidad.
László Páal (1846-1879), amigo de Munkácsy, vivió sus pocos años creativos en una situación
muy difícil en París y Fontainebleau. Después de estudiar en Múnich, fue quien introdujo los
principios de la Escuela de Barbizon en la pintura húngara.
Los principales pintores húngaros que se adhirieron al Impresionismo son:

 László Páal (1846-1879)
o Camino en el bosque de Fontainebleau, 1876, Óleo sobre lienzo, 65 x 46 cm

Pradera con amapolas

 Pál Szinyei Merse (1845-1920)

o Globo cautivo, 1878, óleo sobre lienzo, 41,5 x 39 cm
o Fiesta de mayo o Desayuno al aire libre, 1873, Óleo sobre lienzo, 123 x 161,5
cm
o Pradera con amapolas, 1896, óleo sobre lienzo, 39 x 63,2 cm

 Károly Ferenczy (1862-1917)
o Octubre de 1903, Óleo sobre lienzo, 126 x 107 cm
o Día de verano, 1906, Óleo sobre lienzo, 100 x 103,2 cm

 József Rippl-Rónai (1861-1927)
o Cuando se vive de los recuerdos, 1904, Óleo sobre cartón, 70,5 x 103 cm
o Dama en un vestido con pintas blancas, 1889, Óleo sobre lienzo, 187 x 75 cm
Italia[editar]
Artículo principal: Macchiaioli

El desarrollo que el impresionismo tuvo en Italia fue algo particular, gracias a la experiencia
de Federico Zandomeneghi y Giuseppe De Nittis, y de los Macchiaioli, más próximos, sin
embargo a la tradición del Cuatrocento del siglo XV.11
Se destacan en el período los pintores:

 Giovanni Boldini (1842 - 1931);

o Retrato de Mlle Lantelme, 1907, Óleo sobre lienzo, 227 x 118 cm
 Giuseppe Abbati (1836-1868);
o Paisaje de Castiglioncello, 1863, Óleo sobre madera, 10 x 30 cm

 Giovanni Fattori (1825-1908);
o La rotonda de Palmieri 1866, Óleo sobre lienzo, 12 x 30 cm
o Almiar, después de 1872, Óleo sobre madera, 24 x 43 cm

 Silvestro Lega (1826-1895);
o Bajo la pérgola, 1868, óleo sobre lienzo, 75 x 93,5 cm
o Mazzini moribundo, 1873, óleo sobre lienzo, 76 x 96,6 cm
o La lectura, 1875, Óleo sobre lienzo, 38,5 x 22,5 cm

 Serafino de Tívoli (1826-1892);
 Vincenzo Cabianca (1827-1902);
 Adriano Cecioni (1836-1886);
 Raffaelo Sernesi (1838-1866);
o Pratone alle Cascine, hacia 1860, óleo sobre cartón 12 x 19,5 cm

 Telemaco Signorini (1835-1901);
o El suburbio Porta Adriana en Ravenna, 1875, óleo sobre lienzo, 66 x 100 cm
o La sala de dementes de San Bonifacio, Florencia, hacia 1866/67, óleo sobre
lienzo, 63 x 95 cm
 Gugliermo Ciardi (1842-1917);
o Mies de oro, 1883, óleo sobre lienzo, 132 x 275 cm

 Giuseppe De Nittis (1846-1884);
o Victoria Embankment, Londres, 1875, óleo sobre lienzo, 19 x 31 cm
o Desayuno en el jardín, hacia 1884, óleo sobre lienzo, 81 x 117 cm

 Federico Zandomeneghi (1841-1931);
o Pescando en el Sena (El Sena) 1878, óleo sobre madera, 16 x 29 cm
o Le Moulin de la Galette, 1878, óleo sobre lienzo, 80 x 120 cm
o Plaza de Amberes en París, 1880, óleo sobre lienzo, 100 x 135 cm
o Juegos en el Parque Monceau, óleo sobre lienzo, 73 x 92 cm
o Señora en la pradera, 1895, óleo sobre lienzo, 46 x 38 cm
o Retrato de una muchacha joven, hacia 1893-1895, óleo sobre lienzo, 60,5 x
73,5 cm

 Gaetano Previati (1852-1920);
o En la pradera, 1889/90, óleo sobre lienzo, 62 x 56,5 cm

 Giovanni Batista Segantini (1858-1899);

o Mediodía sobre los Alpes (Día de viento), 1891, Óleo sobre lienzo, 77,5 x 71,5
cm [1]
o El arado, 1890, Óleo sobre lienzo, 116 x 227 cm

 Giacomo Balla (1871-1958);
 o La novia de Villa Borghese, 1901, Óleo sobre lienzo, 60,5 x 90 cm

 Umberto Boccioni (1882-1916);
o Retrato de la pintora Adriana Bisi-Fabbri, 1907, óleo sobre lienzo, 52 x 95 cm

 Giuseppe Pellizza de Volpedo (1868-1907);

o Ropa al sol, 1905, óleo sobre lienzo, 87 x 131 cm