POP ART (1955-1980)

El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y
Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban
vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de
consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.

Aunque lo pueda parecer, el Pop Art (o Arte Popular) no es un estúpido movimiento en el que
los artistas se ponen a crear obras fáciles para un público lento. Si lo pensamos, es más
bien un arte muy político, utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una
postura estética o alcanzar una postura muy consciente de la realidad de nuestra sociedad de
consumo

El Pop Art es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura

caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan
de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de
los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado
indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los
vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte,
surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente
con el mundo de la publicidad. (El arte, más que nada, es otro producto, y para un mayor
rendimiento se puede producir en serie).

El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los motivos y pasan a
primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica. La expresividad queda
desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad
con sutil conformismo.

Llegados a este punto, el arte ya no imita la vida, sino que es la vida que imita el arte.
El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas fáciles y divertidas y
a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad. Al espectador le gustaba reconocer
objetos corrientes en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo que representaba la
interpretación de las obras del expresionismo abstracto, pero no comprendieron su carga de
ironía y de ambigüedad.

Lichtenstein decía:

Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras

que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un
aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo.

El Art Pop eleva los objetos de la vida diaria moderna a obras de arte y, con la frialdad del
distanciamiento, pone su mirada en la atracción estética de los vulgares artículos de consumo.

Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo, en la poca importancia puesta en el
objeto de arte final y en el uso del collage y del fotomontaje.

REPRESENTANTES DEL ART POP

Richard Hamilton (1922-

2011)
Pintor Británico pionero del Pop Art
británico. Su collage titulado ¿Qué es lo que
hace de los hogares de hoy en día tan
diferentes, tan divertidos?, ha sido
considerado la primera obra del Arte Pop.
 ¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos?
(1956)

Hamilton, decide pegar en esta cartulina todo tipo de imágenes sacadas de revistas, y son imágenes
conscientemente seleccionadas de revistas sobre el hogar y la vida ideal que proporciona la sociedad de consumo.

En esta casa vemos a una pareja desnuda posando con todo tipo de mercancías de última generación: desde
electrodomésticos imprescindibles como la aspiradora o la televisión, a una lata de jamón de conserva. Todo es
una oda- hoy bastante kitsch– al nuevo movimiento que daba un poco de color a los grises días de la posguerra.
Hasta el musculoso personaje masculino posa con un chupa-chups con la palabra POP.

El artista dijo que esta era su visión de los nuevos Adán y Eva viviendo felices en un nuevo Edén: el paraíso
consumista, una sociedad optimista y rabiosamente moderna, con ocio de sobras para disfrutar de la vida tras los
malos tiempos.

La posguerra que había devastado Gran Bretaña se estaba acabando y se abría un cielo de cacharros que nos
facilitaban la vida y relaciones basadas en la relajación moral… En 1956 empezaban a divisarse ya los años 60.
 INTERIOR (1964-5)

Marcel-Duchamp-1968
FASHION-PLATE (1970)
 Roy Lichtenstein
(1923-1997) Crying Girl (1963)
Lo más característico de Lichtenstein son sus
composiciones salidas directamente de las
viñetas de los comics, que son ampliaciones
de los personajes de los dibujos animados,
reproducidas a mano, con la misma técnica
de puntos y los mismos colores primarios y
brillantes que se utilizan para imprimirlos.

La técnica del cómic aparece mucho más

remarcada con la inclusión de la Whaam! (1963)
característica onomatopeya. Por ejemplo
en: Good Morning, Darling; Now, mes
petit pour la France o Whamm!.

Girl with Hair Ribbon (1965)

 Tom Wesselmann
(1931-2004)
Tom Wesselmann se interesa por el tema
de la sensualidad y la mujer como reclamo
publicitario y como objeto de consumo.

Elige las partes más sensuales del cuerpo

femenino, las piernas, los labios, etc. y las
mezcla con objetos cotidianos. Trabajó
sobre todo los montajes y las instalaciones,
donde incorpora objetos reales y recrea
espacios habituales de la burguesía
americana.

En las obras de la serie Gran desnudo

americano, incorpora teléfonos reales que Gran desnudo americano
suenan, aparatos de radio y televisores en (1970)
marcha, pegándolos directamente sobre la
superficie pintada, siguiendo el método
tradicional del collage.

En Bañera Collage núm. 1 ilustra una

atmósfera de frío erotismo reivindicando su
valor como objeto de consumo más que
como icono de deseo. Resalta la toalla de
en medio, el rollo de papel higiénico y la
tapa del retrete levantada.
Bañera Collage núm. 1

Still life#30 (1963)

Andy Warhol (1928-1987)
Andy Warhol utilizó fotografías de prensa
contemporáneas y las repitió múltiples
veces en la misma superficie arrancándolas
de su contexto habitual y trasladándolas al
dominio del arte. Describió así la
deshumanización que practican los
modernos medios de comunicación de
masas.

Warhol fue un artista provocador y

escandaloso, nada preocupado en ocultar
su interés por el dinero. Su genialidad
estuvo en la capacidad para romper los
estereotipos artísticos, aplicar al arte
Serie Marilyn Monroe (1962)
criterios de la comunicación publicitaria y
develar la hipocresía del campo de las
artes.

Lata de sopa Campbell convierte un

objeto de uso cotidiano, una sopa de
tomate, en icono de la cultura pop.

Realizó numerosos retratos como los

de Mick Jagger, Jacqueline Kennedy
Onassis, Elizabeth Taylor o Marilyn
Monroe, de la que hizo una serigrafía
basada en un original fotográfico de su
rostro.
 Autorretrato Serigrafia Race Riot (1964)
(1967) Pintura acrílica y serigráfica sobre cuatro
paneles de lino.

Tras los enfrentamientos raciales del año

Warhol pasó muchos años de su vida
1963, Warhol interviene una serie de
obsesionado por hacer dinero, y eso le llevó imágenes provocadoras donde denuncia
a pretender imponerse en el mundo artístico la hipocresía de una nación que dice
aplicando las reglas de la publicidad y
defender la igualdad, pero sigue dando
signos de discriminación racial.
desconociendo deliberadamente las reglas
del arte convencional. Para ello, Warhol reproduce una
fotografía de los acontecimientos y la
Así, Warhol se trató a sí mismo como un interviene con los colores azul, rojo y
blanco, propios de la bandera
ícono de la cultura pop a través de una serie
norteamericana. El gesto sería frontal: si
de autorretratos como se muestra en la la cultura norteamericana está
imagen. Sin embargo, el autor aplicó representada por la sopa y por Marilyn,
diferentes conceptos y técnicas de también la discriminación.

autorretrato a lo largo de su vida.

Warhol se apropió de una fotografía de
Charles Moore publicada en la revista Life,
lo cual supuso una demanda por
infracción de derechos de autor.
El nacimiento de Venus
después de Botticelli -
Serigrafia (1984)
Warhol fue un artista polémico, debido a
diferentes aspectos, entre los que
podemos contar:

• La incorporación de los símbolos de la

cultura de masas al circuito de las bellas
artes.

• La utilización de técnicas de
reproducción seriada cuestionando el
Si de algo estaba consciente Warhol es de
concepto de lo original en el arte.
que no solo los íconos del pop pierden su
significado después de la reiteración • Desmitificación de la idea de que solo un
exacerbada en los medios masivos de arduo y largo proceso de creación le da
comunicación. El vaciamiento de sentido no valor a la obra de arte.
es una exclusividad de las masas. También
• Una comprensión del mundo del arte
desde la cultura de élite el significado se
desprovisto de su aura mística para
pierde, se desdibuja gracias a la mera
repetición del signo vaciado de su contexto. reconocer en él su carácter de mercado,
Así lo evidencia con su serie El nacimiento de negado por los discursos tradicionales.
Venus después de Botticelli.
 Beatriz González
Colombia, 1938.

¡Una artista! Gritó orgullosa una monja al ver la mandarina dibujada por Beatriz
Gonzalez cuando contaba con diez años de edad. Cursaba el grado quinto de primaria en su
ciudad natal (Bucaramanga, Colombia, 1938) y sin embargo sabía con certeza lo que iba a hacer
con todos los días del resto de su vida: una artista. Años más tarde la crítica la nombraría madre
superiora del pop art colombiano, precursora criolla del ready-made, o simplemente, pintora
universal de provincia, categorías que a rechazado siempre con simpatía, pues se define
humildemente como una artista que trabaja como testigo del desarrollo –antinatura- de la
historia, una hacedora de iconos que registra sin adornos el entorno caricaturesco en el que
habita.
Alumna del pintor Juan Antonio Roda, del diseñador David Consuegra y de la crítica e
historiadora de arte Marta Traba, estudia en la facultad de artes de la Universidad de Los
Andes en la ciudad de Bogotá. Luego profundiza en la técnica del grabado en la academia Van
Beeldende Kunsten de Rótterdam. Sus primeros trabajos revelan un estudio muy consciente de
las pinturas hechas por verdaderos gigantes de la historia del arte como Rafael
Sanzio, Sandro Botticelli, Jean-Francois Millet, Paul Cézanne, Paul Gauguin o Edgar
Degas, de quienes toma prestado el tema de sus cuadros. Luego remplazaría el lienzo y el óleo
por objetos de madera y metal como mesas, bandejas, camas o escaparates que compraba en
el mercado local. En ellos plasmaría una variedad de iconos nacionales, utilizando pintura de
esmalte de colores planos y vibrantes. Pero el gran aporte al arte moderno colombiano lo haría
en 1965 con la obra Los suicidas del Sisga, ganadora del Segundo premio especial de
pintura del Salón Nacional de Artistas. Con esta obra Beatriz González no solo define las
bases de su estilo, sino también la dirección temática que tomarían sus pinturas en los años
posteriores. Desde entonces su trabajo –cada vez más comprometido- se alimenta de la
reportería gráfica y la prensa nacional de un país en guerra, que sufre frecuentemente
de olvido e incertidumbre.

De pincelada fuerte, figuras irregulares, escenas crudas y colores planos poco

convencionales, Beatriz González es la artista viva más relevante de su generación
(después del encantador Fernando Botero) que además de la memoria activa de sus pinturas,
nos ofrece una buena serie de publicaciones sobre la historia del arte nacional y un buen número
de exposiciones en donde juega el papel de curadora. ¡Una artista! que no escatima esfuerzo
alguno para enseñar a través de las imágenes todo lo bueno que se puede hacer en la vida.

Hoy sus obras se encuentran en las colecciones del MoMA de Nueva York, el Tate Modern de
Londres, el Museo Reina Sofía de Madrid o el Museo de Bellas Artes de Houston.

OBRAS
Mi lucha (1974) [Serigrafia]

El concordato (1993)
El arzobispo virrey como Salomé (1981)
 Bolívar amarillo (1983)

Más sobre Beatriz Gonzales:

https://www.banrepcultural.org/coleccion-de-arte/artista/beatriz-gonzalez
webgrafía:
https://www.arteespana.com/artepop.htm

https://historia-arte.com/