PATRIMONIO ARTISTICO UNIVERSAL

INTRODUCCIÓN

Usualmente se le llama arte a la actividad mediante el cual el ser humano expresa ideas,
emociones o, en general, una visión del mundo, a través de recursos plásticos, lingüísticos,
sonoros, o mixtos. El arte expresa percepciones y sensaciones que tienen los seres humanos
que no son explicables de otro modo. Se considera que con la aparición del homo sapiens,
el arte tuvo en un principio una función ritual, mágico-religiosa, pero esta función cambió a
través del tiempo.
La noción de arte es hoy sujeta a profundas polémicas. Esto debido a que el significado de
la palabra "arte" varía según la cultura, la época, el movimiento, o el grupo de personas
para las cuales el término es productor de sentido.
El término arte procede del latín ars, y es el equivalente al término griego téchne o tekné
(‘técnica’).
Originalmente se aplicaba a toda la producción realizada por el hombre y a las disciplinas
del saber hacer. Así, un artista, era tanto: el cocinero, el jardinero o el constructor, como el
pintor o el poeta. Con el tiempo la derivación latina (ars -> arte) se utilizó para designar a
las disciplinas relacionadas con las artes de lo estético y lo emotivo; y la derivación griega
(téchne -> técnica), para aquellas disciplinas que tienen que ver con las producciones
intelectuales y de artículos de uso
En la actualidad, es difícil encontrar que ambos términos (arte y técnica) se confundan o
utilicen como sinónimos.
Artes y oficios A finales del siglo XV, durante el Renacimiento italiano, se hace por
primera vez la distinción entre LOS artesano y el artista (artesanía y bellas artes) y,
equivalentemente, entre artesano (productor de obras múltiples), y artista (creador de obras
únicas). Es también en este período cuando se elabora un lenguaje propio para diferenciar
la forma exterior de la representación formal, quedando clasificadas las artes liberales (las
actuales bellas artes) en tres oficios: arquitectos, escultores y pintores.
Las Bellas Artes
Charles Batteux, en su obra de 1746 Les Beaux-Arts réduits à un même principe, acuñó el
término "bellas artes", que aplicó originalmente a la danza, la floricultura, la escultura, la
música, la pintura y la poesía, añadiendo posteriormente la arquitectura y la elocuencia.
Posteriormente, la lista sufriría cambios según los distintos autores que añadirían o
quitarían artes a esta lista. Ricciotto Canudo, el primer teórico del cine, fue el primero en
calificar al cine como el séptimo arte en 1911.
Actualmente se suele considerar la siguiente lista:
Las seis primeras son arquitectura, danza, escultura, música, pintura y poesía (literatura)
según la clasificación usada en la antigua Grecia.
El séptimo es la cinematografía.
El octavo es la fotografía, aunque se alega que es una extensión de la pintura.
El noveno es la historieta, aunque se alega que es un puente entre la pintura y el cine.
Algunos consideran otras artes en la lista, como la televisión, la moda, la publicidad o los
videojuegos.
Disciplinas artísticas
Las artes creativas a menudo son divididas en categorías más específicas, como las artes
decorativas, las artes plásticas, las artes escénicas o la literatura. Así, la pintura es una
forma de arte visual, y la poesía es una forma de literatura. Algunos ejemplos son:
Pintura
Escultura
Arquitectura
Música
Literatura
Teatro
Danza
Fotografía
Cinematografía
Artes gráficas

Arte y estética
Según Arnold Hauser, las «obras de arte son provocaciones con las cuales polemizamos»
pero que no nos explicamos. Las interpretamos de acuerdo con nuestras propias finalidades
y aspiraciones, les trasladamos un sentido cuyo origen está en nuestras formas de vida y
hábitos mentales. Nosotros, «de todo arte con el cual tenemos una relación auténtica
hacemos un arte moderno».
Hoy día, el arte ha establecido unos conjuntos de relaciones que permiten englobar dentro
de una sola interacción la obra de arte, el artista o creador y el público receptor o
destinatario. Hegel, en su Estética, intentó definir la trascendencia de esta relación diciendo
que: «la belleza artística es más elevada que la belleza de la naturaleza, ya que cambia las
formas ilusorias de este mundo imperfecto, donde la verdad se esconde tras las falsas
apariencias para alcanzar una verdad más elevada creada por el espíritu».
El arte es también un juego con las apariencias sensibles, los colores, las formas, los
volúmenes, los sonidos, etc. Es un juego gratuito donde se crea de la nada o de poco más
que la nada una apariencia que no pretende otra cosa que engañarnos. Es un juego
placentero que satisface nuestras necesidades eternas de simetría, de ritmo o de sorpresa. La
sorpresa que para Charles Baudelaire, es el origen de la poesía. Así, según Kant, el placer
estético deriva menos de la intensidad y la diversidad de sensaciones que de la manera, en
apariencia espontánea, por la cual ellas manifiestan una profunda unidad, sensible en su
reflejo, pero no conceptualizable.

Para Ernst Gombrich, «En realidad el arte no existe: sólo hay artistas». Más adelante, en la
introducción de su obra "La historia del arte" dice que no tiene nada de malo que nos
deleitemos en el cuadro de un paisaje porque nos recuerda nuestra casa o en un retrato
porque nos recuerda un amigo, ya que como humanos que somos, cuando miramos una
obra de arte estamos sometidos a un conjunto de recuerdos que para bien o para mal
influyen sobre nuestros gustos.
Siguiendo al mismo Gombrich, se puede ver cómo a los artistas también les sucede algo
parecido: en el Retrato de su hijo Nicolás, el gran pintor flamenco Rubens, lo representó
hermoso ya que seguramente se sentía orgulloso del aspecto del niño y nos quiso transmitir
su pasión de padre a la vez que artista; en el Retrato de su madre, el gran pintor alemán
Durero, la dibujó con la misma devoción y amor que Rubens sentía por su hijo, pero aquí
vemos un estudio fiel de la cara de una mujer vieja, no hay belleza natural pero Durero, con
su enorme sinceridad, creó una gran obra de arte.
EL ARTE DE LA PREHISTORIA
Las manifestaciones artísticas de la prehistoria tienen su máxima representación en los
llamados artes rupestre, mobiliario y megalítico.

El primero de ellos, el arte rupestre, recibe su nombre de las paredes rocosas de las cuevas
y abrigos en los que se realizaban las pinturas. Estas pinturas representaban
fundamentalmente animales y escenas de caza.

El arte rupestre está, sobre todo, representado en España y el sur de Francia. En España
destacan las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira y en Francia las de Lascaux.

En España podemos encontrar dos zonas de pintura rupestre diferenciadas: la zona

cantábrica y la levantina.

En la primera, la cantábrica, las escenas representadas muestran únicamente animales con

un alto nivel de realismo y la utilización de policromías. En la zona levantina, las pinturas
son más estilizadas y representan escenas de caza en las que aparecen figuras humanas. En
esta última zona las pinturas son monocromas.

El arte mobiliario o arte mueble (también llamado arte miniatura o arte portátil) consiste en
figuras y objetos decorativos tallados en hueso, cuernos de animal o piedra o modelados
toscamente en arcilla.

Particular interés ofrecen unas características figuritas femeninas de pequeño tamaño

talladas en piedra. Estas estatuillas tienen una clara tendencia a la esquematización y un
especial interés por resaltar los atributos sexuales.

Arte megalítico
Se reconoce a los monumentos formados por piedras grandes y toscamente labradas,
erguida en solitario o combinadas para formar una estructura, levantadas bien con fines
religiosos o bien como lugares de enterramiento o como monumentos conmemorativos de
sucesos destacados. Los de Europa occidental pertenecen al neolítico y a la edad del
bronce.
Los principales tipos de monumentos megalíticos son:
El menhir: También llamado monolito es una gran piedra clavada verticalmente en el suelo
El dolmen: Se trata de un monumento formado por varios menhires sobre los que descansan
horizontalmente otras grandes piedras. Muchos de estos dólmenes servían como cámara
funeraria.
El crómlech: Círculos formados por varios dólmenes y menhires.
 
Prehistoria
Como el periodo de tiempo previo a la Historia, transcurrido desde el inicio de la evolución
humana hasta la aparición de los primeros testimonios escritos.

Para su estudio, la Prehistoria se divide en tres periodos que se corresponden con la propia
evolución de la humanidad.
El más antiguo de estos tres periodos es el "Paleolítico", cuyo comienzo se remonta a hace
unos 2.500.000 años. En esta etapa el ser humano utilizaba herramientas elaboradas a base
de piedra tallada, hueso y palos. Durante esta época el hombre fue cazador, pescador y
recolector, por lo que llevaba una vida "Nómada" y solitaria y colocaban sus campamentos
en las orillas de los ríos donde se aseguraba el agua y la comida por un tiempo. En esta
época se comenzó a utilizar el fuego (hace 1.500.000 años aproximadamente) y se tenían
creencias religiosas de carácter mágico y se realizaban ceremonias funerarias

Neolítico
El comienzo de esta etapa de la evolución humana es difícil de concretar ya que cada grupo
humano descubrío la agricultura en un momento distinto (incluso hoy quedan en América y
Oceanía, grupos humanos que siguen viviendo en el Paleolítico y desconocen la
agricultura). Como fecha aproximada podemos colocar el inicio de esta época hace unos
5.000 años. Durante el Neolítico, el ser humano descubrió la ganadería y la agricultura
(aunque siguiera practicando la caza y la recolección) lo cual le permitió convertirse en
sedentario
y construir los primeros poblados, así como tener más "tiempo libre" que poder dedicar a
otras tareas distintas de la constante búsqueda de comida. El hombre en esta época utilizaba
herramientas más perfectas realizadas con huesos y piedras pulidas y comenzó a desarrollar
el tejido y la cerámica.

El último periodo de la Prehistoria es la llamada, genéricamente, Edad de los Metales, ya

que en él, los seres humanos descubrirán y utilizarán los metales. A su vez este periodo se
divide en tres etapas que reciben el nombre de los metales que el hombre fue utilizando
progresivamente. La más antigua es la Edad del Cobre, primer metal trabajado,
posteriormente vino la Edad del Bronce y por último la Edad del Hierro. Al igual que en el
Neolítico, los metales no fueron decubiertos a la vez por todos los pueblos, por eso aquellos
pueblos que utizaron el cobre se impusieron a los que sólo utilizaban la piedra, aquellos
fueron sometidos por los que usaron el bronce y por último el hierro se mostró durante
mucho tiempo como el metal más fuerte. En esta etapa se desarrollan las primeras
civilizaciones que acabarían por inventar la escritura, entrando en la Historia.
El arte prehistórico es un fenómeno artístico de alcance geográfico global y una amplitud
temporal suficiente como para afectar a las épocas más diversas. El concepto es mucho más
extenso que el fenómeno rupestre cuaternario, principalmente circunscrito a Europa
occidental, y comprende además las manifestaciones del llamado arte paleolítico.[1]

Aunque cronológicamente, Europa debería ocupar el primer lugar, y a pesar de que muchas
de las expresiones artísticas prehistóricas son relativamente recientes en algunas zonas del
globo, donde han sobrevivido pueblos primitivos, la exposición se realizará siguiendo el
orden alfabético. Aunque ello derive en un problema adicional: ¿es lícito comparar
manifestaciones tan lejanas en el espacio y en el tiempo? En este sentido, la confrontación
de equivalencias culturales, obviando los particularismos empíricos, permite obtener
generalizaciones.

En base a ello, se puede apreciar que, en las artes plásticas y visuales de los pueblos
primitivos, el realismo es algo excepcional, frente al simbolismo, la abstracción, la
estilización y el esquematismo, que parecen una constante mundial.

Otra posible generalización es que casi todo el arte rupestre holoceno se desarrolla en el
exterior, a lo sumo, en abrigos rocosos, desfiladeros y covachas poco profundas.
En tercer lugar, el megalitismo y la construcción de túmulos, en relación al culto a los
muertos, o la necesidad de desarrollar una arquitectura defensiva, a menudo con
construcciones ciclópeas (cuya motivación, excede, con mucho, a las necesidades
militares), también son constantes del arte prehistórico mundial.

Por último, está el hecho de que, a pesar del innegable significado religioso del arte
prehistórico, éste no sólo se asocia al mundo funerario o mitológico, sino que los temas
abarcan todas las facetas de la vida social de los humanos (caza, guerra, trabajos,
ceremonias, jerarquías, sexo, familia, incluso, diversión...) y, sobre todo, a medida que las
sociedades humanas evolucionan, la glorificación del poder y de los poderosos.

Arte africano
Existen pueblos rurales en África que hasta la actualidad conservan antiguas tradiciones
estilísticas de arte rupestre a pesar de la influencia de los patrones preestablecidos de Arte y
belleza de las culturas occidentales contemporáneas. En ese sentido, han logrado
salvaguardar dichos patrimonios culturales a pesar de la presión de los colonizadores
extranjeros que trajeron consigo ideologías artísticas discriminantes entre las que tenemos,
por ejemplo la tendencia iconoclasta islámica. No obstante en este epígrafe nos centraremos
en el arte prehistórico en sí, es decir, hasta la llegada de los europeos, en los siglo XV,
cuando los Yoruba, los Benín, los Sao y otras grandes culturas estaban en su apogeo,
cortado de raíz debido al comienzo de la explotación colonial.

Arte africano en la edad de Piedra

Las primeras manifestaciones artísticas africanas son paleolíticas, pero muy escasas: por un
lado tenemos la dudosa a Venus de Tan-Tan Marruecos, y por otro los testimonios más
firmes del África austral, como la caverna de Blombos Sudafricana, con unos 70 000 años,
donde hay bolas de ocre mineral decoradas con incisiones paralelas, reticuladas y con
motivos geométricos (algunas proceden de inhumaciones rituales). Hace tiempo que se sabe
que el ocre pudo servir para pintar adornos corporales, sin embargo, es la primera vez que
esta especie de lápices de pigmento conservan algún tipo de decoración intencionada.
También en el Paleolítico es la plaqueta pintada con un zoomorfo no identificado datado en
25 000 años de antigüedad de la cueva de Apollo 11 donde, además, hay arte parietal muy
posterior atribuido a los bosquimanos.

El resto del arte africano prehistórico conocido es mucho más tardío, seguramente posterior
al Neolítico. Durante la edad de Piedra distinguimos las siguientes regiones:
Africa del norte: destaca, especialmente, el enorme conjunto de pinturas rupestres de las
montañas del centro-sur del Tibesti Fezzan, que constituyen el más grande núcleo rupestre
del mundo. Esta región, debió ser, en tiempos remotos, mucho más húmeda y rica en fauna,
pues las representaciones son asombrosamente ricas en fauna salvaje elefantes, jirafas,
hipopótamos y domesticaban carneros bueyes, camellos

Las escenas están llenas de vida y optimismo, hay familias, jóvenes zambulléndose, etc.
Probablemente haya varias etapas, una primera fase con pueblos que conocían la ganadería
y la agricultura de subsistencia, pero practicaban la caza del búfalo una segunda de pastores
de bueyes de largos cuernos en los que sus cuidadores portan grandes arcos y una tercera
en la que ya se conocen animales de monta caballos, camellos que aparecen en pleno
galope. Parte de esta cronología es coetánea del Antiguo Egipto y de hecho, en algunas de
las representaciones se demuestran contactos de los pueblos sahrianos con los egipcios.
En África oriental, el propio Louis Leakey ha estudiado una serie de pinturas en diversos
roquedos de la zona del lago Tanganika y del lago Victoria, donde se representan elefantes
rinocerontes y búfalos. Son obras mal datadas y poco conocidas. También destacan, en
Centro frica, el Refugio de Tulu y el Refugio de Kumbala, con personajes estilizados, unos
en rojo y otros en blanco muy diferentes a los del Sáhara meridional.

Africa austral
Esta zona mantuvo una serie de tribus del grupo llamado cuyo nivel estaba en plena edad de
Piedra cuando llegaron los europeos. Los San convivían con los diversos grupos que,
aunque, coetáneos, ya conocían los metales y, por tanto, se estudian en el siguiente
epígrafe. Los San o Bosquimanos desarrollaron un rico arte rupestre en toda esta zona
(destacando Namibia, Drakensberg, Transversal en numerosas grutas y covachas, cuya
antigüedad máxima es discutida, pero podría situarse en el quinto milenio y que perduran
hasta tiempos históricos muy recientes. Su arte es estilizado y fresco, aunque no tan vivaz
como el sahariano, y sus motivos son escenas rituales y animales del entorno, pero su
policromía la más rica y brillante.

Estaciones rupestres, es decir, bosquimanos en el África austral, curiosamente, a pesar de

ser la cuna de la humanidad y de la riqueza étnica africana, los descubrimientos son mucho
más escasos que en Europa o América debido a la dificultad de encontrar y acceder a los
yacimientos, a los problemas socio-políticos y a que amplias zonas del continente han
comenzado a ser exploradas sólo desde hace muy poco tiempo. Las noticias de grandes
estados del Antiguo Egipto son las que han guiado una serie de descubrimientos que, por
otra parte, no dejan de ser aislados y fragmentarios.

EL ARTE DEL ORIENTE

Las culturas primitivas que se desarrollaron en Oriente tuvieron una evolución y unas fases
de desarrollo equivalente a las occidentales y en un momento dado de este proceso también
llegaron a organizar primero, un lenguaje que les permitiera comunicarse y, después, un
sistema de escritura que lo expresara gráficamente. Sin lugar a dudas el lenguaje es una de
las manifestaciones más personales y diferenciadas de cada cultura y su organización nos
permite descubrir muchas de sus características más significativas.

Durante la Edad del Bronce las fases culturales más activas en Oriente se sitúan en la zona
de la actual China y es en ellas donde encontramos los primeros restos de escritura; su
carácter difiere del occidental pues no se basa en un sistema fonético sino ideográfico, sus
signos de escritura transmiten un significado independientemente de su sonido, lo que
permite que habitantes de diferentes regiones e incluso países, con idiomas y
pronunciaciones diferentes incapaces de entenderse oralmente, puedan hacerlo
perfectamente por escrito.  Los restos arqueológicos prueban que hacia el 5000 a. C.
existían ya signos gráficos que corresponden a palabras, aunque todavía sea difícil hablar
de un sistema de escritura, que al parecer no aparece hasta el 3000 a. C.; ya en la fase
Anyang durante la dinastía Shang. Anteriormente a esto, los registros de la dinastía Tang
mencionan que los acontecimientos importantes se mantenían vivos en la memoria
mediante un complejo sistema de nudos en cuerdas o mediante el tallado, en madera, de
muescas o símbolos. Estos símbolos irían evolucionando y formando imágenes
rudimentarias relacionadas con la vida y las necesidades diarias de la comunidad estando,
por tanto, fuertemente vinculadas con la naturaleza. Este tipo de escritura es de una gran
complejidad y su aprendizaje puede parecer utópico a un occidental dada la gran cantidad
de signos que deben conocerse, aunque no hay que olvidar que el conocimiento de ellos es,
en muchos casos intuitivo, y suele estar facilitad por el contexto.
 
 Las primeras muestras de pictogramas las encontramos grabadas en caparazones de
tortugas o huesos de paletillas de vacuno; son los denominados huesos oraculares que
contienen los resultados del oráculo de los antepasados que, una vez consultado, se grababa
en ellos por contacto de un hierro candente y que en muchos casos aún no han sido
descifrados, esta tarea la asumía la casa real ya que el gobernante era tenido por un dios.
 
La escritura clara, regular y uniforme comienza aparece inicialmente en recipientes de
bronce de época Zhou (1027-771 a. C.), formando un tipo de escritura muy expresiva que
se denomina <de sello grande>; la inestabilidad de esta época permitió la creación de varios
tipos de escritura en algunas de las regiones y principados que luego fueron unificados a la
vez que el país por la dinastía Qin en el 231 a. C., aunque para ello se procedió a la
destrucción de un legado cultural importante; esta escritura uniformada se conoce como
<de sello pequeño> y se convirtió en la escritura oficial pudiendo encontrarla en
documentos e inscripciones de la administración y sepulcrales, manteniéndose actualmente
vigente y prácticamente sin cambios, sus ideogramas se distribuyen dentro de un rectángulo
imaginario que tiene como base el lado más ancho.
 
Durante la época Han (206 a. C.-220 d.C.) surgieron otros cuatro tipos de escritura que
siguen vigentes hoy día. La cancilleresca o curial (en China: Lishu y en Japón: Reisho), una
escritura oficial, normalmente sobre bambú o columnas sepulcrales, la tinta china con que
se escribía hacía resaltar muchos sus terminaciones, lo que acentúa su carácter gráfico y la
hace apropiada para usos ceremoniales.

La escritura cuadrada o normal (China: Kaishu, Japón: Kaisho) es un tipo de escritura que
utiliza signos simplificados habitualmente utilizada en libros y revistas. Y también la
corriente o cursiva (China: Xingshu, Japón: Gyosho) creada por la necesidad de llevar un
ritmo rápido en la ejecución lo que al mismo tiempo aumenta la individualización en la
realización de los signos que pueden llegar a superponerse y adquirir un carácter demasiado
personal lo que dificulta su legibilidad, el mejor ejemplo conservado es una carta obra del
calígrafo Wang Xun (350-401), en ella las cinco líneas originales permiten apreciar su
amplia y personal gama de pinceladas, habiéndosele añadido con posterioridad
inscripciones de otros calígrafos y coleccionistas.

Por último la escritura de hierba (China: Caoshu; Japón: Sohsho) una especie de taquigrafía
o signos simplificados que pueden llegar a parecer simples garabatos; en principio fue
usada por funcionarios de baja categoría aunque con el tiempo adquirió gran auge entre
literatos y poetas.
    
Carta. Escritura Lishu
Himno Pintura. Jinnong. Cancilleresca
 
Carta del calígrago Wang Xun
Diseño abanico caochu. 1082-1135
Estos tipos de escritura no están circunscritos, únicamente, al ámbito geográfico chino sino
que en virtud de las vías de comunicación comerciales y/o culturales que se fueron
abriendo, como la ruta de la seda o la filosofía budista, consiguieron traspasar sus fronteras
siendo adoptados por los países del entorno manteniéndose también vigentes en la
actualidad sin apenas variaciones, siendo los tipos que admiten una mayor libertad de
expresión personal las que presentan las características más significativas de cada cultura.
El caso más significativo es el de Japón, la propia esencialidad del carácter japonés unido a
desarrollo del budismo zen en la zona ha permitido a la caligrafía japonesa llegar al
máximo de efectividad expresiva con una total economía de medios y signos.

En Japón se han hallado restos de escritura que han sido datados en el siglo II a. C. lo que
demuestra a la vez los contactos con el continente; aunque las relaciones no debieron ser
fluidas hasta los siglos III y IV; momento en los nativos japoneses comenzaron el
aprendizaje y la adecuación de los ideogramas chinos a su idioma que, al parecer, difiere
tonalmente del chino lo que dificulta su adaptación por lo que debieron crearse unos
alfabetos fonéticos que les permitieran encajarlos en el japonés hablado. El monje de la
secta budista Shingon: Kodo Daishi (774-835) fue quién consiguió crear dos tipos de
escrituras fonéticas que permitieron realizar el proceso; tipos que estaban en vigor ya en el
siglo IX: la Katakana, de forma relativamente cuadrada y la Hiragana más redondeada y
derivada de la escritura china corriente. Ambas añaden 46 signos fonéticos que se
corresponden con la pronunciación de vocales y sus combinaciones que permiten
reproducir cualquier expresión oral japonesa. La primera está especialmente indicada para
sonidos autóctonos y la segunda se utiliza sobre todo para adaptar los extranjerismos.
 
En Oriente el arte y la caligrafía están perfectamente imbricados tanto en los sistemas de
ejecución como en sus propios ejecutantes, ya que el artista calígrafo abarca varias
disciplinas dominándolas todas sin distinción de categorías, siendo algo cercano al
concepto que se tenía de artista durante el Renacimiento europeo. Los materiales que se
emplean en el arte de la caligrafía son los mismos que los que se utilizan en la pintura: el
pincel, la moleta, la tinta china, de la que inicialmente se creía que contenía la esencia de
los colores básicos convirtiéndose así en elemento perfecto para su ejecución. Los soportes
más frecuentes: la seda, el bambú y papel.

La literatura china tradicional hace referencia a esta estrecha relación entre artes y el
dominio que de ellas tienen los calígrafos; lo que se ve favorecido por la capacidad
expresiva del trazo caligráfico que sin duda estrecha su relación aún más, si cabe; pues el
valor de un artista calígrafo viene dada por su capacidad de personalización en el trazado de
los ideogramas convencionales, siendo éste, con frecuencia, el patrón utilizado para juzgar
su calidad. A partir de la dinastía Tang no suele haber separación entre eruditos, calígrafos
y pintores, las biografías de los más importantes mencionan su destreza en el dominio de
diversas disciplinas entre las que destacan: pintura, caligrafía, su actuación como
funcionario de la administración y sus actividades como poetas y/o prosistas.
    

El arte y la caligrafía orientales fueron llegando a Occidente por diferentes vías y en

diferentes fases, su influencia en el arte europeo no tuvo siempre la misma repercusión;
pues las especulaciones de los artistas activos en cada época no siempre estuvo abierta a
influencias exteriores; no obstante, no se puede dejar de mencionar, por significativa, su
repercusión sobre las actividad de artistas vinculados a las primeras vanguardias, ya en las
postrimerías del siglo XIX, cuando muchos de ellos pudieron conocer el arte japonés a
través de sus estampas; lo que les permitió experimentar con concepciones especiales
ajenas al mundo occidental; a la vez que el reconocimiento de la expresividad y gestualidad
de su actividad caligráfica también permitió, a algunos de ellos, avanzar sobre aspectos
relacionados con la representación de la imagen y la pérdida de los referentes figurativos.
    
    
Según la tradición, los orígenes de las artes en China se confunden con el mito y la leyenda.
Se dice que Fu-hi, personaje mitológico, que enseñó los fundamentos de la pesca, la caza y
la domesticación de los animales, inventó también el calendario y echó las bases del arte
chino, pues se agrega que inventó los primeros instrumentos de cuerda. Seis siglos después,
durante el reinado del emperador Shun, la hija de un alto dignatario introdujo el arte de la
pintura, pero nada queda de esa época. Las pinturas más antiguas históricamente
documentadas, datan, aproximadamente, del siglo xv antes de Cristo; representan pájaros y
hombres, y son muy inferiores, en calidad, a las de la caverna de Altamira, en España.

El arte chino, inspirado en la Naturaleza, se caracteriza por su asombrosa continuidad,

consecuencia lógica del aislamiento en que vivió dicho pueblo; sin embargo, recibió
influencias exóticas posteriores que dieron nuevo cuño e imprimieron algunas variantes al
arte nacional.

La cerámica fue tal vez una de las expresiones más antiguas del arte chino, en el que se
destacan, en el tercer milenio antes de Cristo, los recipientes cerámicos de tres patas.
Aunque invariable durante siglos, la arquitectura, a partir del siglo x a. de Cristo, es
original, con aspectos raros y curiosos. Su característica más destacada es el sistema de
techado que empleó, pues cuando quería dar altura a sus construcciones, fue acumulándolos
unos sobre otros hasta el nivel deseado. La base, formada con cañas unidas mediante
ligaduras, dio la caprichosa forma curvada que presentan sus superficies.

LA ARQUITECTURA, LA PINTURA Y LA ESCULTURA EN CHINA

Los chinos, como los japoneses, se preocuparon más por los elementos decorativos que por
el plan estructural. Barnices transparentes y lacas vistosas, rojas, negras, doradas o azules,
aplicados sobre madera, hierro, cobre o bronce, alternan en lo decorativo dándole un sello
muy personal y característico.

La arquitectura china, clasificada tradicionalmente por dinastías, comprende palacios,

templos, portadas triunfales y tumbas. Sus palacios, como el del Emperador; sus templos,
como el de Leo, en Pekín; sus torres, como la torre campanario de Porcelana, en Nankín, de
nueve pisos, destruida durante las sangrientas guerras civiles de mediados del siglo pasado,
se caracterizan por el extraordinario sentido de la verticalidad que los distingue.

La doctrina de Confucio no influyó en la arquitectura porque en China no hubo una casta

sacerdotal y porque, más que religión, fue un compendio de moral. Por eso cuando el
budismo se difundió en cl país, en la segunda y tercera centuria de nuestra era, los chinos
no tenían aún tradición en materia de arquitectura religiosa.

Dentro de la arquitectura religiosa budista, la pagoda fue, probablemente, la construcción

más típica. Aunque, al parecer, los artistas chinos tomaron la idea de la India, ella
constituyó la expresión más acabada de su propia arquitectura. En muchas oportunidades la
pagoda deja de ser templo o monasterio para revestir carácter puramente conmemorativo.
Su forma más típica es de base octogonal con un techo curvo, artísticamente trabajado.

Otras manifestaciones de este arte son los puentes y, sobre todo, la Gran Muralla China,
gigantesca obra militar de gran aliento, cuya idea fue tomada de los caldeos. La Gran
Muralla, con las altas torres que la interrumpen, corre serpenteando por montes y valles en
una extensión de más de 2.400 kilómetros.

En la escultura china se distinguen dos períodos bien definidos: el primero se caracteriza

por su originalidad libre de influencias extrañas, tales como los bajos relieves de la dinastía
de los Han, y el segundo, por la evidente influencia hindú, rica en fantasias como todo el
arte de ese país.

En cuanto a los orígenes de la pintura se ha dicho que son remotos; fundiéndose con el mito
y la leyenda, se ubica a comienzos del siglo ir a. de C., en tiempos del emperador Han-Wu-
Ti (140-86), el probable nacimiento de la pintura retratista. Las crónicas de la época dan
nombres de pintores, funcionarios, letrados, y hasta de un general del ejército imperial, que
se dedicaron a la pintura, pero nada queda de la labor artística de estos precursores.

Con la introducción del budismo se operó un cambio fundamental en la concepción artística

de los chinos. La entrada en el país de pinturas y esculturas indias influyó poderosamente
en esa metamorfosis. Desde entonces la pintura propiamente dicha, de la que quedan
múltiples testimonios, comienza a desarrollarse notablemente. Persiste el sentido
ideográfico-caligráfico, pero sus artistas incorporan ahora el paisaje, donde buscan lo
pintoresco como motivo principal de su temática.

Entre los pintores más afamados tenemos a Sie-Chuan-Se, que descue-lla por las escenas de
cacería que nos dejó; Uang-Uei y Chen-Cheu, paisajistas del siglo xv; posterior a ellos es
Ucn-Cheng-Ming, colorista del siglo xvi, que se equipara a las grandes figuras de la pintura
universal.

LAS ARTES PLÁSTICAS EN EL PAÍS DEL SOL NACIENTE

La civilización nipona comienza en el siglo vi con la introducción del budismo, aunque

previamente había recibido influencias del pueblo chino; en arte, sobre todo, se puede
afirmar que siguió la línea artística de China en sus elementos esenciales.
Dentro de la escultura japonesa, las obras más notables son las distintas representaciones de
Buda, aunque hubo también artistas que cultivaron otros motivos, como Zingoro, en el siglo
xvii, que fue un escultor realista de animales asombrosamente reproducidos. Entre otras
expresiones de la escultura nipona figuran las famosas máscaras y mascarones, rituales o
teatrales.

En cuanto a la pintura, es una de las manifestaciones artísticas más importantes de Japón; se

distingue por la suavidad y sorprendente exactitud de sus diseños, que la colocan en un
plano de preferencia; su influencia se dejó sentir hasta en Occidente. Los japoneses
cultivaron también, siempre dentro del arte pictórico, un tipo de pintura muy especial
llamada kal. emonos, que se realiza en tiras de papel o de seda arrollados en un cilindro de
bambú, generalmente adornado en las dos puntas con marfil, coral o asta.

Entre los pintores japoneses se destacan: Matahet, del siglo xvii, creador de la escuela
realista; GenrokauKorim y Goshin, del siglo xviu; Utamaro, uno de los grandes maestros de
las estampas en color: Yosai, del siglo xix, llamado el poeta de la pintura por lo fino de sus
creaciones; Hiroshigue, considerado entre los grandes paisajistas del mundo, y, sobre todo,
Foujita, pintor de incomparable habilidad, fiel expresión del viejo arte nacional en un Japón
ya europeizado.

ARQUITECTURA JAPONESA Y SUS PERÍODOS DE EVOLUCIÓN

Archipiélago expuesto a continuos terremotos, la arquitectura japonesa, en forma de tronco

piramidal, fue siempre funcional; utilizó preferentemente la piedra. sin desdeñar por ello el
empleo de la madera.
En la historia de su evolución se distinguen dos períodos bien definidos; uno, con
predominio de lo ancestral japonés, y el otro, con marcada influencia china.

La arquitectura japonesa, representada en lo religioso por sus magníficos templos y en lo

profano por sus imponentes palacios y castillos es ágil y esbelta a la vez. Dentro de la
profana se sucedieron estilos diversos, tales como el clásico-oriental, el renacentista (siglo
XVI) y el rococo o Edo (siglos XVII a XIX).

Por lo que se refiere a la arquitectura de la vivienda común, fue en extremo sencilla y

sobria; su principal elemento característico son los jardines que la rodean.

LA EVOLUCIÓN DE LAS BELLAS ARTES EN I.A INDIA

El arte hindú alcanzó un gran desarrollo, y prácticamente se puede decir que, si bien
la corriente nacional sufrió influencias de Persia y de Grecia. Fue el verdadero padre
de todo el arte orientales.

Su apogeo corresponde al reinado de Asoka , que convirtió la doctrina de Gautama Buda en

religión oficial del Estado. De esa época quedan ¡as famosas columnas conmemorativas
que recuerdan los episodios más destacados del monarca.
Si bien el arte hindú extendió su influencia por el Sur hasta Indochina e Indonesia. y por el
Norte hasta Corea, China y Japón, en cambio recabó inspiración de la arquitectura persa y
de la escultura helénica.

A partir del siglo vii se produjo una reorientación artística en la India como consecuencia
del renacimiento brahmánico, y el arte de esa época, llamado por tal causa neobrahmánico,
se bifurcó en dos grandes ramas: la del Norte originó el estilo Orissa. cuyas construcciones
típicas fueron los templos derivados de los carros procesionales, denominado también
gótico horizontal, y la del Sur, que determinó el estilo meridional o barroco tropical, por la
cantidad de piezas escultóricas agazapadas en pequeños nichos u hornacinas

DESARROLLO Y EVOLUCIÓN DE LA ARQUITECTURA HINDU

De cuño esencialmente religioso, el desarrollo y evolución de la arquitectura hindú

encuadran perfectamente dentro de los distintos momentos de las creencias de su pueblos

Se pueden señalar tres tipos bien definidos: uno primitivo, en madera. llamado arquitectura
brah,nánica, anterior al siglo iii antes de Cristo, hoy desaparecida; otro posterior, budista,
con penetración occidental greco-alejandrina, que predominó del siglo ni a. de C. al siglo vi
de nuestra era, y un tercero, brillante y poderoso, que surgió a partir del siglo v, llamado
neobrahrrnúnico.

Cuando el budismo se convirtió en la religión de las distintas razas que pueblan la India, la
arquitectura, tomando nuevo impulso, se tornó una de las expresiones artísticas más
importantes de este país.
El culto de las reliquias se fortaleció cada vez más y motivó la construcción de grandes
tumbas destinadas a conservarlas. De esta manera la arquitectura religiosa se desarrolló
bajo dos formas distintas: las estupas o túmulos semiesféricos, que simbólicamente
representan la tumba de Buda, y las chaityas o salas de reunión, oblongas, excavadas en la
roca.

Las estupas, como la de Sachi y otras similares de la India central, verdaderos relicarios
solares circulares, en ladrillo, imitan la burbuja del agua, con la que Buda comparó lo
deleznable de la vida humana; fueron realizadas con tejas superpuestas en plataforma con
un camino alrededor, para el cortejo, y un montículo en la parte superior, donde se conserva
la reliquia del santo.

Los verdaderos templos o chaityas,en cambio, fueron excavados en el mismo seno de la

roca, con una sola fachada al exteriors Dichos templos rupestres recuerdan, con sus valores
trocados en piedra, antiguas formas en maderas A través de entradas cuadradas y de
grandes columnas esculpidas, los fieles pasaban al oscuro interior, en cuyo extremo opuesto
se encuentra el verdadero santuario. Bordean el corredor de entrada largas hileras de figuras
talladas que representan a Buda sedente. Una gran abertura, en forma de herradura,
excavada sobre el nivel de la puerta. facilita la entrada de la luz en el santuario, dándole un
curioso aspec-to. Los exponentes más bellos de estos templos tallados en la roca se
encuentran en Karli, Ajanta, Elora o Elefanta, en los Gates Occidentales. La influencia del
arte persa en este tipo de arquitectura es evidente.

Durante este segundo período, junto a la arquitectura btídica, se desarrolló otro tipo
diferente, que respondió a la concepción religiosa del jainismo, doctrina contemporánea o
anterior al budisrno. La arquitectura jainista, en lugar de ser sombría y subterránea, se
manifestó a través de refulgentes templos de mármol blanco, verdadera demostración de
esplendor para glorificar la fe de sus sectarios. Tuvo como centro de difusión la región
septentrional de la India. El monte Abu era el lugar sagrado de la secta, ,allí se levantó un
grupo de templos.

Los dos más famosos de dicho conjunto son los de Dilvana y de Rampur. Su interior mueve
a pensar que arquitectos y escultores trabajaron con placer espontáneo, despreocupándose
del sentido de la unidad y la proporción. Tal :Ihundancia de elementos decorativos
concuerda con la modalidad del pueblo hindú.

Cada templo tiene cierto número de ídolos que representan la efigie de la divinidad a la cual
están consagrados, y, además, animales simbólicos esculpidos sobre aquéllos; de ahí la
abundancia de imágenes y símbolos en todos los templos de esta religión.
El resurgimiento del brahmanismo trajo, a su vez, alteraciones en las artes en general, y en
la arquitectura, en particular, la que reveló, en esta tercera etapa de su evolución, en qué
consistía la fantasía extraordinaria de sus arquitectos.
El gran templo de Bubanesvar, en la costa oriental, está considerado como el ejemplar más
hermoso de este nuevo tipo de arquitectura, que se distingue por los jardines que lo rodean
y en cuyos estanques se refleja como en un límpido espejo, la elegante silueta del templo.

La pagoda constituye el auténtico valor de la nueva arquitectura. En ella la fantasía tuvo su

mejor campo de acción, y las masas de la escultura reemplazan o ahogan los planos y lineas
de la arquitectura.

INFLUENCIA MUSULMANA EN LA ARQUITECTURA DE LA INDIA

La invasión musulmana quitó cierta pureza a esa tierra exuberante. Cuando Delhi se
convirtió en la capi-tal de la India mahometana, surgió un nuevo tipo de arquitectura. Junto
al primitivo templo del lugar se levantó la Mezquita de Kutab, erigida a fines del siglo xii,
en mármol blanco combinado con piedra arenisca roja. Con cúpula y patios columnados, en
su interior se levanta una alta torre llamada Minarete Kutab, uno de los más hermosos que
nos legaron los sarracenos.
Durante el siglo xvi surgió una expresión más flna del arte hindú-sarraceno, de líneas
simples y amplias.

Los mármoles y piedras, que tanto abundan en la India, inspiraron un estilo más austero a
los mahometanos, quienes, auxiliados por obreros nativos, crearon una arquitectura
soberbia, cuyos monumentos se admiran en toda la Indias Uno de sus gobernantes, Xa
Jehan, era además un destacado arquitecto cuyas tareas gubernamentales le dejaron tiempo
para que se dedicara también a su arte. Las construcciones por él realizadas perpetuaron su
nombre hasta
nuestros días; la más famosa de ellas es la tumba de Taj Mahal, en Agra. Dicho mausoleo,
erigido en homenaje a la mujer que más amó, es la expresión más delicada de la
imaginación de Xa Jehan. El Taj Mahal se levanta sobre una plataforma de seis metros de
altura en un perímetro de cien metros. En medio de la construcción se destaca una cúpula
en forma de pera, que rodean otras cuatro cúpulas más pequeñas.

ESCULTURA Y LA PINTURA EN LA INDIA SON AUTÓCTONAS

Con respecto a la pintura de quo hablan las epopeyas primitivas, nada queda. La más
antigua, históricamente documentada, es la de la gruta de Ajanta, realizada, probablemente,
entre los siglos i y vil. A partir de entonces, y por espacio de un milenio, la pintura hindú
mantuvo su actividad dividida en numerosas y complicadas escuelas. Por otra parte, de
todas las artes es la que logró mayor vitalidad y la que menos sufrió aportes occidentales,
pues los pintores actuales, si bien hao modernizado sus métodos, mantienen aún las viejas
tradiciones.

LA INFLUENCIA HELENICA SE EXTIENDE POR EL ORIENTE

La influencia helénica se manifestó sobre todo en la escultura, después de las campañas de

Alejandro Magno. La escultura se lnicia con el budismo; los hindúes, que hasta entonces
habían sido refractarios a las representaciones de la divinidad, se iniciaron en la imaginería
búdica después del establecimiento de los príncipes griegos en su país.

Tal resurgimiento de la escultura, que acaeció en el siglo i a. de C., adquirió nuevo impulso
en el u de nuestra era. Kanishka, de la región de Ghandara, alentó ese impulso que adoptó
abiertamente el antropomorfismo religioso helénico, y gracias a ello dio origen a nuevas
escuelas, como la de Mathura, en el Ganges. y la de Amaravatis

La escuela de Mathura conservó en cierto modo la tradición y la pureza hindúes; sus obras,
hechas en piedra rojiza, se distinguen por un enarcado naturalismo. La de Amaravati, en
cambio, estilizando sus líneas, ganó en belleza espiritual lo que perdió en realismo. Esta
escuela dio los exponentes más hermosos de la escultura hindú; en ellos se fundieron las
corrientes primitivas para dar paso a una nueva concepción plástica que llega hasta nuestros
días.

LA CONCEPCIÓN ARTISTICA DE LOS MUSULMANES

Por naturaleza, los árabes constituyeron un pueblo de poetas y artistas Aunque no había una
ley explícita que prohibiera la representación de imágenes talladas o pintadas, mantenían,
sin embargo, un marcado prejuicio que impidió a sus artistas reproducir plásticamente todo
ser viviente, y sólo les estaba para ejercitarse en la combinación de ciertos adornos métricos
o simbólicos con los que lograban romper la monotonía de las paredes de los templos

A pesar de la sequedad del clima, que perjudica los objetos de madera, el tallista árabe, sin
embargo, labró puertas y púlpitos que resistieron a todo cambio de temperatura durante
cuatro o cinco siglos, y se convirtieron en magníficos testimonios del alto nivel artistico
logrado. Frente al escaso desarrollo de la pintura y la escultura, la arquitectura, en cambio,
logró un nivel tan alto que pronto ejerció poderosa influencia hasta en el mundo occidental.

LA ARQUITECTURA ÁRABE ES MUY RICA EN RECURSOS

Un nuevo tipo de arquitectura, distinta de la que estábamos acostumbrados a ver en

Occidente, comenzó a desarrollarse en Arabia, y se extendió por todo el mundo islámico
hasta arraigar con fuerza en España, donde tuvo nuevas proyecciones.
Dicho estilo es conocido, indistintamente, como musulmán, árabe, mahometano, morisco o
sarraceno.

Lo que más interesa en el estudio de la arquitectura de los árabes son los cambios que
sufrio en los distintos países sometidoss Como eran pueblos del desierto que vivían en
tiendas, desconocían los secretos de la construcción en piedra; por eso los edificios más
importantes de los primeros tiempos los levantaron arquitectos extranjeross Así, por
ejemplo, una de las mezquitas más antiguas, La Casa de la Roca, en Jerusalem, fue erigida
por arquitectos bizantinos, en tanto que la mezquita de Aksa, también en Jerusalén, es de
estilo romano, pues inicialmente fue la iglesia cristiana consagrada a la Santísima Virgen
María, Madre de Dios.

Los árabes tuvieron la particularidad de adoptar algo de la arquitectura propia de los países
sometidos, y así originaron estilos híbridos, como el morisco-egipcio, el morisco-español y
el morisco-índico; sin embargo en todos ellos hay algo que los acerca y vincula entre sí.

En el Califato de Bagdad, donde sólo se conocía el ladrillo, los arquitectos, retrocediendo al

antiguo método babilónico, construyeron bóvedas. En el siglo xIV, después del
establecimiento de los mamelucos en Egipto, se desarrolló otro estilo independiente de
arquitectura musulmana, como la Tumba de los Califas y la mezquita del Sultán Hasán,
construidas en El Cairo, por arquitectos sirios que utilizaron las sólidas losas de piedra
provenientes de los antiguos monumentos egipcios.

Entre las múltiples mezquitas de los árabes, que se distinguen por su grandeza y estilo, las
más importantes de todas se encuentran en El Cairo, tales como la de Kait-Bey, que es la
más hermosa, En un mismo nivel de valores figuran la mezquita de Omar, en Jerusalén, y la
Gran Mezquita de La Meca.

También se conservan algunas tumbas en buen estado, como la de Zobeida, esposa de

Harten-Al-Rashid, califa de Bagdad que vivió en el siglo ix y se inmortalizó a través de las
maravillosas narraciones de Las Mil y Una Noches. La tum
ba de Zobeida es de planta octogonal con un extravagante techo piramidal. Fue levantada
cuando Bagdad estaba en su apogeo.

En la India se destaca la maravillosa tumba de Taj-Mahal. Los árabes lograron en España

un estilo propio, del que después se derivaron el mudéjar y el mozárabe.
Dentro de la arquitectura árabe podemos considerar construcciones religiosas, mezquitas y
tumbas o turbes, y construcciones civiles, palacios o alcázares, colegios o medersas, hoteles
del desierto o caravasares, y locales de negocios o bazares. Rica en recursos, la arquitectura
árabe es pintoresca y brillante; sus elementos decorativos, realizados en piedras y maderas,
se complementaron con mosaicos vidriados, yesos, hierros, alfombras y tapices. Amantes
de las formas geométricas, hábiles en la estilización de hojas y flores, estudiosos de su
sistema de escritura y numeración, sus artistas enriquecieron de modo evidente el arte de la
decoración con ese estilo que les es propio y cuyas obras conocemos con el nombre de
arabescos.

Los arquitectos emplearon por lo general cúpulas sobre pechinas, de procedencia persa.
Rompieron la monotonía de los edificios con elegantes torrecillas y vanos para puertas y
ventanas con arcos de distinto tipo: peraltados, en herradura, lobulados, festoneados y en
ojiva, figura arquitectónica formada por dos arcos iguales que se cortan en la parte superior,
de donde toman también el nombre de arcos quebrados.

LA MEZQUITA. EXPRESIÓN MÁXIMA DEL ARTE MUSULMÁN

La expresión más típica del arte árabe es la mezquita, que nada tiene que se asemeje a los
templos construidos por los cristianos, griegos o egipcios, pues le faltan las características
esenciales de la casa de Dios. Eran simples edificios orientados hacia La Meca, Ciudad
Santa donde el pueblo se reunía para orar. Los devotos, acostumbrados a vivir en tiendas, se
ponían en cuclillas en el suelo, pues no se sentaban ni en sillas ni en bancos

Para la comodidad de la congregación, sólo bastaban cuatro paredes y un techado; un nicho

en la pared, para indicar la posición geográfica de La Meca, de modo que los fieles supieran
en qué dirección tenían que prosternarse mientras se entregaban a sus oraciones diarias, y,
finalmente, un púlpito, desde el cual un sabio varón explicaba las palabras del Profeta
durante las recitaciones de los viernes, única ceremonia que podría parecerse en algo al
servicio divino que celebra la Iglesia cristiana. Otro detalle típico que no se encuentra ni en
la sinagoga, ni en el templo, ni en la catedral, es la fuente de agua corriente en la que los
fieles realizan sus abluciones antes de penetrar en la casa de la oración. Sólo los que han
vivido en el desierto pueden apreciar lo que el agua significa para un árabe o un beréber:
por ello, surtidores, fuentes y estanques juegan un papel tan importante en el orden
arquitectónico de los árabes.

Al principio, las mezquitas fueron muy simples, ya que se reducían a un salón de planta
cuadrangular y un techo que cubría el recinto; éste, inicialmente, fue plano, pero luego se lo
reemplazó por una cúpula.
Las características de las construcciones posteriores fueron las cúpulas en forma de pera y
los altos y extravagantes minaretes, especie de torres donde solían subir los sacerdotes para
cotrvocar a los fieles a la oración.
Toda la belleza residía en el interior del templo, en lo cual se parecía a los templos
egipcios, cuyo exterior simple y sencillo tampoco hacía pensar en la magnificencia del
interior. Los árabes tuvieron particular inclinación por los arcos; cuanto más ornados eran
éstos tanto más hermosos fueron para su gusto; los interiores a veces se convertían en
verdaderas selvas de arcos y columnas.

LA ARQUITECTURA MORISCA DEJA EN ESPAÑA MONUMENTOS NOTABLES

La expresión moros en España designa el periodo de la dominación árabe comprendido

entre los años 710 y 1492, en que fueron expulsados por los Reyes Católicos. Ese periodo
se distingue en la peninsula por el notable desarrollo que adquirió allí en ese entonces la
arquitectura.

Entre los monumentos árabes más destacados figura La Giralda de Sevilla, una de las torres
más hermosas del mundo. De tanto en tanto los moros construían torres similares a
La Giralda, sin una finalidad determinada, que revestían, probablemente, carácter
conmemorativo de sus múltiples conquistas. Por desgracia, la pureza de su estilo fue
adulterada por arquitectos del siglo xvi, quienes le agregaron un campanario de estilo
renacentista.

Otra de las maravillas de la arquitectura árabe en España es la Aihambra o palacio rojo de

Granada. La inició uno de los primeros califas del siglo xIV, y fue ampliada durante las dos
generaciones siguientes. Como casi todos los monumentos árabes, se lo construyó más para
deslumbrar que para subsistir. Muchos de sus encantadores arcos son simulados. y, por
tanto, más que funcionales son decorativos. La Alhambra es un complicado conglomerado
de salas y salones, distribuidos en dos enormes patios; entre aquéllos se destaca el de los
Embajadores

En cuanto a la mezquita de Córdoba, es uno de los monumentos más hermosos del arte
morisco en España. Ninguna de las mezquitas españolas tiene cúpulas. La de Córdoba es un
edificio notable de apenas diez metros de altura que cubre una extensa área. Fue construida
quinientos años antes que el palacio del Califa y cimentó la pericia de los arquitectos
sarracenos en adaptar sus construcciones a la arquitectura existente en los países
conquistados. Las columnas, los arcos de medio punto y los capiteles romanos fueron
usados juntamente con diseños y trazados árabes o mosaicos bizantinos. El interior de la
mezquita es rico en colores que realza la luz de las múltiples lámparas que penden del
techo.

Dos consecuencias singulares tuvo la presencia islámica en la península: la arquitectura ni

udéjar, realizada por los moros vencidos y políticamente incorporados al mundo cristiano, y
la mozárabe, ejecutada por cristianos que vivían bajo dominación musulmana y estaban
muy influenciados por ella.

EL ARTE EGIPCIO
Una de las características del Antiguo Egipto es su singular arte, con obras monumentales
que generalmente tenían carácter simbólico funerario o religioso.
Aunque el concepto de Arte es moderno, es perfectamente utilizable en la arquitectura,
escultura, pintura y joyería egipcias, siendo muchas de sus realizaciones auténticas obras de
arte y no simples trabajos de artesanía.
Gracias al seco clima de Egipto y a ser enterradas por la arena del desierto (o por sus
propietarios, para gozar de ellas en la "otra vida") nos han llegado en aceptable estado de
conservación multitud de auténticas obras de arte, a pesar de la utilización de los
monumentos como canteras, las guerras o los innumerables saqueos de tumbas y templos.

Primeras manifestaciones [editar]Las expresiones artísticas egipcias más antiguas se

clasifican en las siguientes etapas: Periodo Neolítico (5300-4000 a. C.), periodo Badariense
(4400-4000 a. C.), Nagada I - Amratiense (4000-3500 a. C.), Nagada II - Grzeense (3500-
3200 a. C.) y Nagada III (3200-3000 a. C.)
En estos periodos predomina la pintura decorativa (en cerámicas) o simbólica (en tumbas) y
pequeños objetos de carácter utilitario y mágico. Destacan las vasijas de piedra, las "mazas"
y "paletas" votivas, como la de Narmer.
Periodo Dinástico (c. 3000 a 30 a. C.) [editar]Asombra la perfección, delicadeza y
monumentalidad del arte egipcio, con un estilo característico que surge en los primeros
siglos y permanece casi inalterado en tres milenios de cultura.
Pintura y bajorrelieves

Bajorrelieve. LouvreSe caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en

planos superpuestos. Las imágenes se representan con criterio jerárquico, por ejemplo: el
faraón tiene un tamaño más grande que los súbditos o los enemigos que están a su lado.
Predominaba el "canon de perfil" que consiste en representar la cabeza y las extremidades
de perfil pero los hombros y los ojos de frente. Las pinturas se encuentran en papiros y
paredes de tumbas, los bajorrelieves principalmente en los muros de los templos. Las
escenas más típicas eran las de la vida cotidiana o las del "Más Allá".
Escultura

Comienza a representarse a faraones y dioses ya en las primeras dinastías, alcanzándose

durante la cuarta dinastía el dominio absoluto de la técnica en elegantes representaciones de
porte majestuoso con acabados pulidos en materiales tan duros como el granito o la diorita.
Predominaba la "ley de la frontalidad", que consistía en concebir las figuras de reyes y
dioses para ser vistas de frente, idealizadas y con fuerte simetría. Las representaciones de
los cortesanos siempre eran más reales. También, en el periodo de Amarna se representó a
la familia real de forma más realista.

Arquitectura
Pirámide de JafraLa arquitectura religiosa egipcia se caracteriza por su monumentalidad a
partir del Imperio Antiguo, con el empleo de piedra, en grandes bloques, sistema
constructivo adintelado y sólidas columnas. En la arquitectura civil se empleó profusamente
el adobe en viviendas, palacios, fortalezas y murallas, perdurando escasos restos.

Surge en una sociedad con un poder político fuertemente centralizado y jerarquizado, con
una concepción religiosa de inmortalidad, al principio sólo del faraón, que debía reflejar
con su magnificencia y durabilidad.

Se consigue gracias a los conocimientos matemáticos y técnicos, a veces desconcertantes

para la época, la existencia de artistas y artesanos muy experimentados, bien organizados y
la abundancia de piedra fácilmente tallable.

Las construcciones más originales de la arquitectura egipcia monumental son los

"complejos de las pirámides", los templos y las tumbas (mastabas e hipogeos)
Véase: Arquitectura del Antiguo Egipto
Imperio Antiguo (c. 2700-2200 a. C.) El escriba sentado, Museo del Louvre.En este
periodo se comienza a erigir enormes edificaciones, construidas con grandes bloques de
piedra tallada. Es la época de la construcción de inmensas pirámides, templos ceremoniales
y bellas esculturas.

Durante la Dinastía III se erige:

La Pirámide escalonada de Zoser en Saqqara

En la Dinastía IV se construyen las mayores pirámides. Destacan:

Las tres pirámides de Seneferu en Meidum y Dahshur.

La Gran Pirámide de Jufu (Keops) en Giza.
La pirámide de Jafra (Kefren) en Giza.
La pirámide de Menkaura (Micerino) en Giza.

Amenemhat III.
Imperio Medio (c. 2040-1795 a. C.) [editar]Se construyen pirámides con materiales más
perecederos (adobe). Los hipogeos van sustituyendo a las mastabas como tumbas.
La escultura se caracterizó por un mayor realismo, sobre todo en los retratos. La realeza era
representada como personalidades de alto rango, pero sin llegar a ser ya la imagen de un
dios en la Tierra, como acontecía en el Imperio Antiguo. Este mismo criterio lo siguió la
nobleza egipcia. En los templos se prodigó el bajorrelieve polícromo. La pintura fue
empleada profusamente en la decoración de tumbas.

La literatura egipcia alcanza su cenit con la Historia de Sinuhé y los Textos de los
Sarcófagos.
Templo de Luxor
Imperio Nuevo (c. 1570-1070 a. C.) [editar]Se enfatiza la construcción de templos e
hipogeos. Entre ellos destacan:
Gran Templo de Amón en Karnak
Templo de Luxor. (Amenhotep III / Ramsés II)
Templo de Hatshepsut en Deir el-Bahari
Templos de Ramsés II en Abú Simbel
Hipogeos del Valle de los Reyes

Dinastía XXII
Periodo Tardío (c. 672-332 a. C.) [editar]Durante la dinastía saíta se imitan los modelos
del Imperio Antiguo, generalizándose el empleo de bronce en las estatuas. Se desarrolló
rápidamente el demótico.

Los reyes persas de la primera dominación respetaron las costumbres egipcias, impulsando
la restauración de algunos templos egipcios. Las lenguas utilizadas fueron el demótico y el
arameo, usándose los jeroglíficos sólo en elementos de arquitectura.

Retrato. El Fayum
Dominación greco-romana (332-30 a. C.) Desde el final del Imperio Nuevo los egipcios
fueron gobernados en algunos periodos por reyes de otras naciones pero mantuvieron su
cultura y costumbres artísticas hasta la época de dominación romana.
Durante el periodo ptolemaico se produjo un gran desarrollo del arte, se construyeron
nuevos templos, el Museo y la Biblioteca de Alejandría, y el Faro de Alejandría. Se
helenizan las formas en la escultura.
Manetón escribió su libro sobre la historia de Egipto.
Destacan los templos erigidos o completados durante la dinastía Ptolemaica
Templo de Jnum en Esna
Templo de Horus en Edfu
Templo de Sobek y Haroeris en Ombos
Templo de Isis en File
Templo de Hator en Dendera
Arte Egipcio
El arte egipcio es, indudablemente, la manifestación artística que más ha subyugado al
hombre moderno.
La civilización egipcia no sólo creó una arquitectura, escultura y pintura de impresionante
belleza, sino también toda una cultura que ha hecho soñar a investigadores, literatos y
personas corrientes, donde se funde lo histórico, lo mítico y lo misterioso.
El arte egipcio es un arte que está muy relacionado con el medio en el que se desarrolla.
Este medio influye en diferentes aspectos: por un lado el medio geográfico determina una
cultura cerrada que hace un arte impermeable a influencias exteriores, que va a evolucionar
poco y cuando lo va a hacer va a ser sobre sus propias formas debido a la falta de
comunicación con el exterior.
Por otro lado, el medio va a determinar unos materiales que nos indican una
despreocupación por la vida terrestre y un deseo de eternizar la moral del difunto y del dios,
por lo que el arte muchas veces está en función de templos y tumbas. Esto está relacionado
con los dos factores determinantes del arte que también vienen dados por el medio: la
monarquía y la religión.
Así, el faraón (y los nobles) y los sacerdotes van a ser los principales clientes. Se trata de un
arte aúlico y oficial, que se desarrolla en virtud de la religión fundamentalmente, y a ésta
está vinculado el faraón. No es por tanto un arte autónomo.
El arte egipcio está siempre sometido a unas normas, por esto es muy semejante y
monótono, tan homogéneo. Es un arte estereotipado en el que se valora más la precisión del
acabado que la originalidad. Además, tienen un gran carácter simbólico y mágico.
Los artistas egipcios van a perder en líneas generales en el anonimato, aunque se conocen
algunos artistas ya del Imperio Antiguo, aunque son más los que se conservan del Imperio
Nuevo. De los artistas los más considerados son los arquitectos, que se relacionan con los
clientes. Sin embargo, los pintores y escultores son considerados como simples artesanos.
Va a haber dos tipos de talleres: los talleres oficiales, que están en torno a los palacios y los
templos y es donde se forman los grandes artistas y obras, y los talleres privados,
destinados a clientes que no estuvieran relacionados ni con la monarquía ni con la religión.
De éstos últimos se han conservado muy pocas obras, entre otros motivos debido a que
utilizaban materiales más endebles que los talleres oficiales.
Escultura Egipcia
La escultura egipcia constituye un capítulo muy interesante en sus dos facetas: escultura de
bulto y de relieve, y en ambas se darán prácticamente las mismas características. La
escultura egipcia surge como representación de la imagen como un elemento de
supervivencia. Es el medio para fijar la personalidad del dios o del difunto. Además está
escultura sirve para la celebración de prácticas religiosas que requiere el difunto para su
peregrinación al otro mundo y la escultura divina para ofrecerle las ofrendas.
El lugar de ubicación es fundamentalmente en las tumbas y en el sancta sanctorum del
templo. Probablemente también había en los palacios, pero no como elemento de
supervivencia sino simplemente como elemento de ornamentación. La figura del faraón es
la que implanta la iconografía, los modelos y las formas en que se hará el resto de la
escultura. Las características principales se mantienen sin cambios importantes a lo largo de
todos los Imperios, aunque se pueden observar pequeñas variaciones:
Mantienen un carácter de rigidez, hieratismo, son muy estáticas. Esto es una manera de
transmitir la permanencia (quieren mantener o fijar la vida). Cuando hay representado un
episodio son escenas relacionadas con la transitoriedad. Esto se ve en las esculturas de los
servidores, los nobles y sobretodo del faraón, muy hierático.
En la escultura de bulto redondo se evitan todo tipo de salientes para evitar el riesgo de
roturas.
Todas obedecen el principio o la ley de la frontalidad (formulada por el danés Lange en el
siglo XIX), son esculturas muy frontales, muy simétricas. Esto se mantendrá en la
Antigüedad hasta Grecia.
Hay una gran geometrización, la estatua se articula con planos horizontales y verticales, de
forma octogonal.
Los materiales más normales son el granito, el basalto y la caliza. También se utilizaba la
madera o, si son pequeñas, otros materiales nobles, como el marfil. Para el faraón se
utilizarán los materiales más nobles.
Especialmente las de madera y las de caliza se solían policromar y pueden llevar materiales
incrustados, sobretodo en los ojos, para dar mayor vida a la escultura.
El tamaño es variable, hay algunas grandes, otras de tamaño natural y otras pequeñas, pero
sí se busca una cierta proporción, nunca hay miembros que desentonen, incluso en las
estatuas colosales.
Realismo, aunque va hacia el idealismo en muchas ocasiones. Son retratos muy veraces de
animales y del faraón, aunque en su caso se suelen evitar los defectos.
Actitud de calma y equilibrio. Esto también está relacionado con el hieratismo y nos
llevaría a una cierta monotonía
Pueden estar decorados con jeroglíficos, sobretodo en las vestiduras o en la base sobre la
que se apoyan, lo que en muchas ocasiones permite identificar a la figura.
Los relieves suelen ser bajorrelieves, que suelen estar siempre policromados. Van a tener
una mayor movilidad que las estatuas, aunque con un movimiento rígido, un tanto
convencional. Estos relieves se rigen por la ley de la máxima claridad: se ve la figura en
relieve como si la viéramos desde distintos punto de vista (ojos y torso de frente, resto del
cuerpo de perfil).
La escultura de bulto se puede dividir en tres grupos: escultura del faraón, escultura
cortesana y escultura popular. Entre las dos primeras las diferencias son mínimas, pero la
popular sí es muy diferente.
Pintura Egipcia
Las ocas de Meidum
Se trata de una pintura en relieve (muy visible por ejemplo en las plumas) que se encontró
en el interior de la mastaba de Nefermaat en Meidum de principios de la IV dinastía.
Representa a seis ocas en dos grupos totalmente simétricos que están sobre un fondo liso y
con pequeñas formas de vegetación a su alrededor. Las aves están realizadas con
muchísima minuciosidad.
Tumba de Nakht
Es la tumba de un noble, Nakht, que fue encontrada en el Valle de los Reyes. Es un ejemplo
de tumba de noble, que solían ser muy sencillas estructuralmente pero todas decoradas con
pinturas.
Aparecen Nakht y su mujer haciendo una ofrenda como escena principal, mientras que hay
varias escenas secundarias en diferentes registros secundarios delimitados por simples
líneas negras en las que los servidores del matrimonio aparecen realizando diferentes
actividades. Mientras que las figuras principales se mantienen con hieratismo, los
servidores manifiestan un gran dinamismo. Hay, como es habitual, un zócalo pintado y una
cenefa que muchas veces culmina con formas geométricas o con el disco solar y la cobra.
También se suelen cerrar los laterales con cenefas.
En otra pared, está representada la falsa puerta rodeada por la izquierda, la derecha y por
debajo por escenas de servidores, simétricos a los lados de la puerta, ofreciendo alimentos.
Otra de las escenas representadas en esta tumba es la de tres figuras femeninas que tocan
instrumentos: el arpa, la flauta y el laúd. El dinamismo lo da la figura central, que está
prácticamente desnuda, toca el laúd y se gira hacia su compañera. Las figuras de los lados,
más hieráticas, están vestidas con túnicas blancas que dejan ver la anatomía gracias a una
línea que la define.
Otra escena es una escena de vendimia, sobre fondo blanco y en distintos registros.
También una pareja arando la tierra, con un registro arriba en el que están recogiendo la
siembra con una hoz y abajo árboles con frutos. Fondo amarillento y gran detallismo.
También en esta tumba aparece una escena paisajística con flores de papiro, aves y
mariposas volando. Entre las flores de papiro aparecen también nidos con huevos. Y por
último, preparación de la momia por Anubis.
Tumba de Nebamum
Escena de viña más simple. No hay dibujo ni gran detallismo. Escena de rituales, danzas y
banquetes. Plañidera, que siempre se representan igual.
Tumba de Ramose
Pese a que quedó acabada, seguramente por la aparición de la escuela amárnica, es muy
llamativa. Ya se habló del personaje en los relieves. Las pinturas son alusivas al cortejo
fúnebre. Hay dos registros: en el superior llevan el féretro y en el inferior aparecen los
servidores del difunto que llevan los objetos que le acompañarán en la vida de ultratumba y
las plañideras.
Tumba de Sennefer
También es llamada "tumba de la viña" debido a las representaciones de racimos en la parte
alta, realizadas con un gran detallismo.
No hay división en registros, sólo una escena de gran tamaño en la que aparecen Sennefer y
su esposa con un sacerdote que derrama sobre ellos un líquido purificador representado por
una línea en zigzag. La mujer lleva una gran cruz de la vida en la mano. La escena está
llena de jeroglíficos.
Tumba de Nefertari
Esta tumba es más grande que las anteriores. La cámara del sarcófago está sostenida por
cuatro pilares cuadrangulares. El techo está pintado de azul con estrellas amarillas,
simbolizando el cielo. En los pilares hay dibujadas figuras de dioses y están llenos de
jeroglíficos. También tienen un zócalo y una cenefa en forma de capitel.
También en esta tumba hay una escena en la que está representada Nefertari dando una
ofrenda a la diosa Hathor, pero no las dos tierras sino simplemente ungüentos, perfumes,
etc. Hay perspectiva abatida en la mesa. Nefertari lleva una túnica blanca de manga corta
(típica de la época) y podemos ver su anatomía gracias a una línea que la marca.
Otra escena en la que también sale representada la reina es en la que está representada
jugando al ajedrez, pero no es una escena lúdica sino ritual: significa que la reina está
recobrando la vida, de la que el ajedrez es también símbolo. Con su vestido entreabierto y
desceñido, Nefertari muestra en su desnudo que ha vuelto a la vida en el recogimiento de su
tumba, idea ésta expresada por el tabernáculo o edículo que la cobija.
Tumba de Amenofis
Representa una sagrada conversación entre el faraón y el dios Osiris. Ambos llevan sus
atributos: Osiris lleva la corona del alto Egipto, la barba postiza acabada en curva, callado,
flagelo y cruz de la vida en las manos, que están cruzadas y son lo único que sobresale del
cuerpo, que está envuelto en lienzo.
El faraón lleva el nemes de oro, el hureus, la barba postiza, está vestido con el faldellín, etc.
Hay un gran predominio del trazado, de hecho sólo hay policromía en algunas partes,
básicamente en los atributos y adornos de las dos figuras. Hay un mayor hieratismo y se
cumple la ley de la máxima claridad.
Capilla funeraria de Tutmosis III
Estaba Dedicada al dios Amón. En la pared, aparece el faraón ofreciendo perfume a Amón,
que está entronizado mientras que el faraón permanece de pie. Hay muchos jeroglíficos y
están destacados sobre un fondo blanco. Hay cenefas de colores que enmarcan la escena.
Tiene una estructura abovedada y la bóveda está pintada de azul con decoración de estrellas
amarillas. Los colores se han conservado perfectamente.
Otras escenas:
Dama que, en una postura muy forzada, es arreglada por sus sirvientas. La figura central es
la que da movimiento. Jerarquización por tamaño.
Escena de cacería, con una postura muy forzada del animal, pero en los cazadores posturas
reales con mucho movimiento.
Escena de servidores que llevan animales y otras ofrendas. Perspectiva inversa. Piel del
animal con manchas de color.
Barcos. A veces eran representados transportando mercancías, pero lo más normal es que
estuvieran relacionados con el viaje a la tumba?. Es un fiel reflejo de cómo eran los barcos.
Representación de trabajadores, con una gran libertad de posturas. A partir del Imperio
Nuevo comienza el factor estético.
Peces, con detalle, pero no tanto como en el Imperio Antiguo.
Capilla de la diosa Hathor en el templo de la reina Hatshepsut en Deir-el-Bahari. Aparece la
diosa con la cruz de la vida y hay una alusión a la arquitectura.

Arte Prehelénico
Se incluye en el perido prehelénico todo el arte desarrollado en las islas y costas de la
Grecia continental en el entorno del mar Egeo. Es el arte cretomicénico, que tiene dos
grandes componentes:
Arte de la isla Creta (arte cretense o minoico)
Arte de Micenas (arte micénico).
Esta zona era un lugar de paso, donde se recibían muchas influencias, por lo que sirvió de
enlace entre el mundo egipcio y de Asia Menor. La isla de Creta fue la más importante
desde el punto de vista artístico, pero también en otras islas, como las Cícladas, hay
representaciones artísticas de valor.
Creta tuvo un gran desarrollo cultural, económico y político, desde finales del III milenio,
pero ya había población procedente de Asia Menor desde el IV milenio. Se dedicaban
fundamentalmente al mar, vivían de él y lo utilizaban para el comercio, por lo que se habla
de la talasocracia cretense. También vivían de la agricultura, cultivando la tríada
mediterránea: trigo, olivo y vino.
Fue una sociedad de carácter fundamentalmente aristocrático. El rey era la figura máxima,
que vivía en un palacio que tenía independencia económica. Estos palacios normalmente se
situaban en alto para poder defenderse. El rey legendario Minos es el que da nombre a la
cultura minoica. Otro rey legendario importante fue Idomeneo. También existieron
caudillos con gran poder, consejos y senados.

El de Creta es un pueblo en el que desde un principio hay representaciones plásticas en

relación a la religión. La diosa de la fecundidad es la principal figura, que fue muy
representada, como mujer, a veces con su hijo, y con animales: serpiente, paloma y toro,
que se van a convertir en símbolos de la religión cretense y que tendrán su representación
en las artes. Otros símbolos religiosos son el labris (la doble hacha), la columna y los
cuernos de consagración. Hay más dioses que surgen en la cultura micénica, con nombre
helénico, que pasarán al panteón griego.
La cronología del arte minoico es muy complicada, con tres períodos principales que a su
vez están divididos en otros tres:
Minoico antiguo o periodo prepalacial: 2700 - 2000 a.C.
Minoico medio o periodo de los primeros palacios: 2000 - 1600 a.C.
Minoico reciente o periodo de los segundos palacios: 1600 - 1200 a.C.
En Creta antes del 2700 a.C. ya se inician asentamientos en una serie de poblados y se
desarrolla la agricultura. En esta época ya se crean algunas estatuillas como culto a la diosa
de la fecundidad. Son muy simples y comunes a todo el Egeo. También se conoce la
cerámica, decorada con incisiones simples y geométricas.
Ya es en el minoico antiguo cuando se forman las primeras ciudades. Son interesantes las
representaciones de las Cícladas: pequeñas esculturas de formas humanas. También se han
encontrado necrópolis con restos de cerámica pintada y decoración geométrica. Al mismo
tiempo se podujo el desarrollo de la metalurgia.
En el minoico medio se produjeron obras muy interesantes. Creta destacó en todo el Egeo.
Es el momento de las grandes construcciones, la época de los primeros palacios que
después serán ampliados o reformados en el siguiente periodo. Destaca la cerámica de
Kamares, muy rica, con decoración figurativa. También aparecen esculturas, figurillas cada
vez más realistas y mejor formadas.
En el minoico reciente, Creta sigue siendo importante, pero será invadida por los
micénicos, que acabarán con su cultura. En esta época continúa la arquitectura, la escultura,
desarrollo de la orfebrería, pintura en palacios y cerámica de palacio, también muy fina.
La civilización micénica debe mucho a la cretense. Su importancia radica en que va a ser la
base de la civilización griega.
La civilización micénica también se divide en tres períodos:
Micénico antiguo: 1600 - 1500 a.C.
Micénico medio: 1500 - 1400 a.C.
Micénico tardío: 1400 - 1100, es el más significativo
Estas civilizaciones se conocen gracias a excavaciones que se llevaron a cabo entre finales
del siglo XIX y principios del siglo XX por arqueólogos fundamentalmente alemanes e
ingleses. El alemán Schliemann fue el mayor descubridor de la civilización micénica,
mientras que el inglés Evans lo será de la minoica.
En estas culturas las influencias principales provienen de Mesopotamia y de Egipto. Quizá
también existieron otras influencias mucho menos significativa como la de los fenicios. Es
un arte de un gran refinamiento, muy cuidado, suave, amable, agradable, que demuestra la
"alegría de vivir" de estos pueblos, el gusto por el lujo, la corte fastuosa, con un carácter
cortesano como en Egipto y Babilonia. Sin embargo, no es un arte monumental, sino más
humano.
Orden y secciones de esta página
La página del ARTE PREHELÉNICO está ordenada por subsecciones que aparecen en la
columna de la izquierda. En cada subsección se estudian diferentes etapas y artes del
mundo griego, con fotografías y descripciones.
ARTE CLASICO GRIEGO
es el estilo elaborado por los antiguos artistas griegos, caracterizado por la búsqueda de la
«belleza ideal», recreando el «mundo ideal» del modelo
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Plat%C3%B3nico" \o "Platónico"
platónico
, o mediante la «imitación de la naturaleza» en el sentido de la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Mimesis" \o "Mimesis"
mimesis
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Aristot%C3%A9lica" \o "Aristotélica"
aristotélica
.
La cultura desarrollada por los antiguos griegos establece los fundamentos de la cultura
occidental. De ella surgieron los conceptos y principios del arte, la filosofía y el saber
posterior.
Los griegos instituyeron el principio de la consideración racional del hombre y de la
naturaleza, en la que encuentran la razón que explica la experiencia sensorial de la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Est%C3%A9tica" \o "Estética"
estética
en el arte griego. La belleza para los griegos estaba en la perfección, la proporción y la
armonía. El
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Sofista" \o "Sofista"
sofista
griego
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Prot%C3%A1goras" \o "Protágoras"
Protágoras
mantenía que el hombre era la 'medida ideal' de todas las cosas. El conocimiento de las
partes, y su relación con el todo, está en la raíz de la belleza y de la virtud para los helenos.
La belleza se define intelectualmente como «la armonía de las partes en el todo».
Estas ideas se plasmaron en la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_en_la_Antigua_Grecia" \o
"Arquitectura en la Antigua Grecia"
arquitectura
y la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_griega" \o "Escultura griega"
escultura
 con la aplicación de los conceptos de 'orden arquitectónico' y 'canon de belleza', en ambos
la belleza se concibe como proporción armónica entre las partes y el todo, sea de un
edificio o del cuerpo.
El arte de la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Antigua_Grecia" \o "Antigua Grecia"
Antigua Grecia
ha ejercido enorme influencia en la cultura de muchos países occidentales desde los
tiempos antiguos hasta el presente, particularmente en la escultura y arquitectura,
evolucionando y vinculándose con la sociedad de la época.
El arte del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Imperio_Romano" \o "Imperio Romano"
Imperio Romano
deriva de los modelos griegos. En Oriente, las conquistas de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Alejandro_Magno" \o "Alejandro Magno"
Alejandro Magno
iniciaron largas décadas de intercambio entre las culturas griega, hindú y asiática,
resultando en el denominado
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Grecobudismo" \l
"Influencias_art.C3.ADsticas" \o "Grecobudismo"
arte Grecobudista
, cuyas ramificaciones llegan incluso hasta
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Jap%C3%B3n" \o "Japón"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento" \o "Renacimiento"
Renacimiento
europeo se nutrió del ideal humanista y de los altos estándares técnicos del arte griego,
inspirando a generaciones de artistas europeos.
La tradición clásica surgida de Grecia dominó periódicamente el arte del mundo occidental
hasta finales del siglo XIX.
Períodos
El arte de la Antigua Grecia se divide estilísticamente en cuatro períodos:
Geométrico
Arcaico
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_cl%C3%A1sico" \o "Arte clásico"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_helen%C3%ADstico" \o "Arte
helenístico"
Helenístico

El arte geométrico se data entorno al año

HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XI_a._C." \o "Siglo XI a. C."
1000 a. C.
, aunque se conoce poco sobre el arte griego durante los 200 años precedentes
(tradicionalmente conocido como
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Edad_Oscura" \o "Edad Oscura"
edad oscura griega
); el período del siglo VII a. C. atestiguó el lento desarrollo del estilo arcaico según lo
observado por el estilo de pintura de 'figura-negra'. El inicio de las
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Guerras_M%C3%A9dicas" \o "Guerras
Médicas"
Guerras Médicas
marcará el final del período Arcaico y el comienzo del clásico; el reinado de Alejandro
Magno (336 a. C. a 323 a. C.) es tomado como la separación entre el arte clásico y el
helenístico.
En realidad, no hubo ninguna transición radical entre un período y otro. Las distintas
formas de arte evolucionaron a ritmos distintos en diferentes lugares del mundo griego, y
como en cualquier época algunos artistas elaboraron estilos más innovadores. Fuertes
tradiciones locales, el carácter conservador, y las exigencias de los
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Religi%C3%B3n" \o "Religión"
cultos religiosos
, permiten a los historiadores localizar los orígenes de obras de arte, incluso de las
desplazadas.

Vestigios
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Ac_artemisephesus.jpg" \o "\"Ruinas
del Templo de Artemisa en Éfeso.\"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Ac_artemisephesus.jpg" \o
"Aumentar"
Ruinas del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Templo_de_Artemisa_en_%C3%89feso" \o
"Templo de Artemisa en Éfeso"
Templo de Artemisa en Éfeso
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Statue_of_Zeus.jpg" \o "\"Grabado de
la estatua de Zeus en Olimpia.\"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Statue_of_Zeus.jpg" \o "Aumentar"
Grabado de la estatua de Zeus en Olimpia.
El arte antiguo griego ha perdurado en la forma de esculturas y arquitectura; también en
artes menores como el diseño de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Moneda" \o "Moneda"
monedas
, el grabado de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Alfarer%C3%ADa" \o "Alfarería"
alfarería
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Gema" \o "Gema"
. Los griegos, como la mayoría de las culturas
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Europa" \o "Europa"
europeas
, consideraron la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura" \o "Pintura"
pintura
como una de las formas más altas de arte. El pintor
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Polignoto" \o "Polignoto"
Polignoto
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Tasos" \o "Tasos"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_griego" \l "cite_note-0#cite_note-0"
que trabajó en el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_V_a._C." \o "Siglo V a. C."
siglo V a. C.
, fue considerado por algunos griegos de igual manera como actualmente se recuerda a
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Leonardo_da_Vinci" \o "Leonardo da Vinci"
Leonardo
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Miguel_%C3%81ngel" \o "Miguel Ángel"
Miguel Ángel
, sus trabajos fueron admirados incluso 600 años después de su muerte, sin embargo,
ninguna obra o copia ha perdurado.
Los pintores griegos trabajaron generalmente con paneles de madera, que se estropeaban
rápidamente (después del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Siglo
%C2%A0IV_a._C.&action=edit&redlink=1" \o "Siglo IV a. C. (aún no redactado)"
siglo IV a. C.
), cuando no eran bien protegidas. Hoy en día no queda casi ninguna pieza de pintura
griega, excepto algunos restos de pinturas en
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Terracota" \o "Terracota"
terracota
y de algunas pinturas en las paredes de tumbas, sobre todo en
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Macedonia_hist%C3%B3rica" \o "Macedonia
histórica"
Macedonia
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Italia" \o "Italia"
Italia
. De las obras maestras de la pintura griega tenemos solamente algunas copias realizadas en
las épocas romanas, la mayoría de ellas son de una calidad inferior. Las pinturas en
cerámica, de la cual han sobrevivido muchas piezas, sobre todo del período arcaico, dan un
cierto sentido de estética a la pintura griega.
Todas las esculturas y obras de arquitectura que ha perdurado, sólo son una pequeña
muestra de la inmensa colección de obras griegas. Muchas esculturas de dioses paganos
fueron destruidas durante la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Era_cristiana" \o "Era cristiana"
era cristiana
. Desgraciadamente, cuando se calcina el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%A1rmol" \o "Mármol"
se produce la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Cal" \o "Cal"
, y ése era el destino de muchas obras de mármol griegas durante la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Edad_Media" \o "Edad Media"
Edad Media
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_griego" \l "cite_note-1#cite_note-1"
Durante ese mismo período, debido a la escasez de metales, la mayoría de las estatuas de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Bronce" \o "Bronce"
bronce
eran fundidas.
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_griego" \l "cite_note-2#cite_note-2"
La gran mayoría de edificios griegos no han perdurado, debido a varias razones: fueron
destruidos en guerras, saqueados para obtener materiales de construcción o abatidos por
terremotos. Solamente un puñado de templos, tales como el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Parten%C3%B3n" \o "Partenón"
Parten
n
y el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Hefesti%C3%B3n_(templo)" \o "Hefestión
(templo)"
templo de Hefesto
en Atenas. De las cuatro
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siete_maravillas_del_mundo" \o "Siete
maravillas del mundo"
maravillas del mundo
creadas por los griegos ninguna ha perdurado:
La
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Estatua_de_Zeus_en_Olimpia" \o "Estatua de
Zeus en Olimpia"
estatua de Zeus en Olimpia
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Templo_de_Artemisa_en_%C3%89feso" \o
"Templo de Artemisa en Éfeso"
templo de Artemisa en Éfeso
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Coloso_de_Rodas" \o "Coloso de Rodas"
Coloso de Rodas
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Faro_de_Alejandr%C3%ADa" \o "Faro de
Alejandría"
Faro de Alejandría
.
A partir del período arcaico del arte griego, las cerámicas pintadas y las escultura son casi
las únicas formas de arte que han perdurado. La pintura estaba en sus inicios durante aquel
período, y ningún ejemplo ha perdurado. Aunque las monedas fueron inventadas en el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Siglo
%C2%A0VII_a._C.&action=edit&redlink=1" \o "Siglo VII a. C. (aún no redactado)"
siglo VII a. C.
, no eran comunes en la mayor parte de Grecia hasta el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_V_a._C." \o "Siglo V a. C."
siglo V a. C.
Cerámica
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Ac.krater.jpg" \o "Aumentar"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Cr%C3%A1tera" \o "Crátera"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Siglo
%C2%A0VI_a._C.&action=edit&redlink=1" \o "Siglo VI a. C. (aún no redactado)"
siglo VI a. C.
Artículo principal:
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Cer%C3%A1mica_griega" \o "Cerámica
griega"
Cerámica griega
De éste período destacan la elaboración de cerámicas para uso cotidiano, o de carácter
fúnebre, donde se emplearon grandes jarrones muy bien provistos.
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_griego" \l "cite_note-3#cite_note-3"
Estos jarrones estaban ornamentados con representaciones lineales, y motivos relacionados
con la muerte, como batallas marítimas o terrestres. La mayor parte de la alfarería está
compuesta por piezas domesticas, de las que perduraron recipientes tales como las
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%81nfora" \o "Ánfora"
nforas
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_griego" \l "cite_note-4#cite_note-4"
peque
as
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Cr%C3%A1tera" \o "Crátera"
cráteras
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_griego" \l "cite_note-5#cite_note-5"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Hidria" \o "Hidria"
hidrias
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_griego" \l "cite_note-6#cite_note-6"
Por otra parte, de la cerámica funeraria se han encontrado varias urnas. También se
fabricaron figurillas en
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Barro" \o "Barro"
cocido, principalmente para ser depositadas como ofrenda en los
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Templo" \o "Templo"
templos
. Durante el período helenístico, fue elaborada una gran variedad de objetos de alfarería,
aunque sólo algunas poseen valor artístico.
Durante los períodos más antiguos, hasta las pequeñas ciudades griegas producían objetos
de alfarería para el mercado local, siendo sus estilos y modelos muy variados. Entre los
años
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_VI_a._C." \o "Siglo VI a. C."
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/A%C3%B1os_480_a._C." \o "Años 480 a. C."
el arte en cerámica sufrió una gran transformación; además, los autores incluyeron sus
nombres, el nombre del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Alfarero" \o "Alfarero"
alfarero
o del pintor que decoraba aquellas piezas (también existían algunos artistas que
practicaban ambos labores). La alfarería
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Atenas" \o "Atenas"
ateniense
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Corintia" \o "Corintia"
Corintia
destacaron por sobre las demás. Atenas creó las primeras representaciones del estilo bello:
recipientes con figuras rojas sobre fondo negro.

ARTE ETRUSCO ROMANO

Los etruscos se establecen en el territorio que luego ocupa Roma hacia el año 900 a. C.
Estos antecesores romanos provienen una parte del norte de Europa y otra son aborígenes
de la zona.
Hacia el año 600 a. C. fundan “la Liga de las doce Ciudades” y dominan el mar tirreno y el
adriático.
Durante el siglo VI se produce el mayor apogeo de este reino y a partir del siglo siguiente,
el V a. C., empieza a decaer.
En el año 380 a. C. desaparece el reino etrusco. Dejan algunos restos de arte que se
caracterizan por: -ser un arte con influencias religiosas.
-emplear la arcilla y el bronce.
-tener un arte realista.
-intentar reflejar los rasgos principales de lo que representan.
Resumiendo es un arte naturalista pues los autores demuestran sus conocimientos sobre esta
ya que intentan representarla.
RESTOS : ARQUITECTURA:
% Templos: Son construcciones de planta rectangular, hechos sobre un podium con un
acceso por medio de una escalinata situada frente a la puerta principal.
Tiene un pórtico con columnas mas profundas que las griegas. En el interior esta dividido
en tres cellas, que son parecidas a capillas, que luego roma dedicara a la “Triada
Capitolina” ( representación de los dioses Júpiter, Juno y Minerva).
Utilizan como material principal la madera.
% Tumbas: Están trabajadas en la roca y abiertas por una cúpula, son parecidas a los
tesoros griegos. Había diversos tipos de tumbas y destaca el túmulo que eran en las que se
construía la tumba y luego esta se tapaba con tierra. Servirán de modelo a las tumbas
romanas como la de Cecilia Metela.
Como elementos constructivos utilizan las pilastras y vigas para sujetar los techos.
ESCULTURA:
% Sarcófagos: Son generalmente de barro cocido, pero luego se hacen de bronce y mármol.
Representan siempre al difunto acompañado de su esposa, suelen estar de cuerpo entero y
reclinados apoyándose en unas almohadas.
Los autores tratan de representar sus expresiones que se nota en la evolución que hay desde
la época arcaica hasta la expresión realista.
% Loba Capitolina:
-fecha y autor: S. VI . El autor es
Volca, su obra parece tener relación con los orígenes de
Roma.
-Visión: bulto redondo.
-Materiales: realizada en bronce
por lo que utiliza la técnica de fundición.
-Características: Posiblemente es
guardiana de alguna tumba o describe la leyenda de Rómulo y Remo aunque las dos figuras
no pertenecen a la figura original.
Representa a la loba en estado de alerta.
% Quimera de Arezzo:
-Fecha y autor: desconocido.
-Visión: bulto redondo.
-Materiales: Bronce, se realiza por la técnica de fundición.
-Características: es una figura realista que supone un gran conocimiento animal pues tiene
cabeza de pájaro, cola de serpiente, y cuerpo de león. Tiene influencias de Oriente.
ARTE-TEMA 3:
ARTE ROMANO:
INTRODUCCIÓN: El gran cliente del arte romano es el estado al que el artista tiene que
enaltecer y reflejar en toda su plenitud. Este centralismo hace que sea un arte unificado, con
características parecidas, y un arte utilitario.
Copian de los etruscos el empleo del arco y de la columna toscana en arquitectura, y el
realismo en escultura.
A roma le influye al final de su historia el arte griego cuando declara a gracia como
republica de Roma y a la Magna Grecia ( colonia de Grecia en la zona sur de Italia)
Los romanos con la conquista de Grecia se llevan sus esculturas a las villas romanas, junto
con artistas griegos que son llevados como esclavos a Roma y a los cuales se les ponía a
trabajar como esclavos.
También tienen influencia de los gobernadores que a su regreso de Grecia traían obras
griegas.
Surgió un movimiento de artistas griegos que se trasladaban a Roma.
La conquista de Grecia por Roma es uno de los pocos casos en que un país vencido vence
cultural y artísticamente a su conquistador, esto se debía a que Roma acepta lo que los
pueblos crean, debido a su mentalidad.

ARTE GOTICO
El arte gótico es un estilo que se desarrolló en
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Europa_occidental" \o "Europa occidental"
Europa occidental
durante los últimos siglos de la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Edad_Media" \o "Edad Media"
Edad Media
, desde mediados del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XII" \o "Siglo XII"
siglo XII
hasta la implantación del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento" \o "Renacimiento"
Renacimiento
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XV" \o "Siglo XV"
siglo XV
para Italia, y bien entrado el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XVI" \o "Siglo XVI"
siglo XVI
en los lugares donde el gótico pervivió más tiempo). Se trata de un amplio período
artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los
países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su
amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en Francia (siendo bien distinto el
de París y el de Provenza), más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia (aunque
al norte se acoge uno de los ejemplos más paradigmáticos, como la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Mil%C3%A1n" \o "Catedral de
Milán"
catedral de Milán
), con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra, Castilla y Aragón.
Origen del término
El término "gótico" fue utilizado por primera vez en el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XVI" \o "Siglo XVI"
siglo XVI
por el italiano
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Giorgio_Vasari" \o "Giorgio Vasari"
Giorgio Vasari
, gran historiador del arte. Con él quería definir el "oscuro" arte de la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Edad_Media" \o "Edad Media"
Edad Media
de manera
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Peyorativa" \o "Peyorativa"
peyorativa
(como propio de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Godo" \o "Godo"
, es decir,
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/B%C3%A1rbaro" \o "Bárbaro"
bárbaros
) frente al glorioso pasado de la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Antig%C3%BCedad_Cl%C3%A1sica" \o
"Antigüedad Clásica"
Antigüedad Clásica
griega y romana; al tiempo que definía lo
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_cl%C3%A1sico" \o "Arte clásico"
(es decir, digno de imitación, mientras que lo "gótico" era rechazado).
El neogótico
En el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XIX" \o "Siglo XIX"
siglo XIX
, el entusiasmo
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Rom%C3%A1ntico" \o "Romántico"
romántico
por lo medieval (como reacción frente al
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Neoclasicismo" \o "Neoclasicismo"
neoclasicismo
academicista) y el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Historicismo" \o "Historicismo"
historicismo
, lleva a cabo amplias restauraciones de edificios medievales, llegándose a establecer el
estilo
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Neog%C3%B3tico" \o "Neogótico"
neogótico
, arquitectura realizada a imitación de la gótica medieval. Se sueña a partir de este momento
con un renacimiento del arte medieval, llenándose de nuevo contenido al término "gótico"
que empieza a distinguirse y separarse claramente del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Rom%C3%A1nico" \o "Románico"
románico
.
Fue destacada la intervención del arquitecto francés
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Viollet-le-Duc" \o "Eugène
Viollet-le-Duc"
Eugène Viollet-le-Duc
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Flagellants.png" \o "\"Flagelantes en
un grabado del siglo XV. La religiosidad extremada fue una de las reacciones a la crisis
demográfica bajomedieval. El grabado abrió nuevas posibilidades no sólo a la expresión
artística, sino al desarrollo tecnológico, a la comunicación de las ideas y a la popularización
de la cultura, que culminó con la imprenta.\"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Flagellants.png" \o "Aumentar"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Flagelante" \o "Flagelante"
Flagelantes
en un
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Grabado" \o "Grabado"
grabado
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XV" \o "Siglo XV"
siglo XV
. La religiosidad extremada fue una de las reacciones a la crisis demográfica bajomedieval.
El grabado abrió nuevas posibilidades no sólo a la expresión artística, sino al desarrollo
tecnológico, a la comunicación de las ideas y a la popularización de la cultura, que culminó
con la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Imprenta" \o "Imprenta"
imprenta
.
Contexto histórico
...El arte gótico propiamente dicho coincide en el tiempo con la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Plena_Edad_Media" \o "Plena Edad Media"
plenitud
y la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Crisis_del_siglo_XIV" \o "Crisis del siglo
XIV"
crisis
de la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Edad_Media" \o "Edad Media"
Edad Media
. Se suele indicar que frente al
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_rom%C3%A1nico" \o "Arte románico"
arte románico
(que refleja una sociedad ruralizada de guerreros y campesinos), el gótico coincide con el
máximo desarrollo de la cultura urbana donde aparece la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Burgues%C3%ADa" \o "Burguesía"
burguesía
, las
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Universidad" \o "Universidad"
universidades
y el florecimiento de las
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%93rdenes_religiosas" \o "Órdenes
religiosas"
rdenes religiosas
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%93rdenes_mon%C3%A1sticas" \o
"Órdenes monásticas"
monásticas
como el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Cister" \o "Cister"
Cister
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%93rdenes_mendicantes" \o "Órdenes
mendicantes"
mendicantes
como
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Franciscanos" \o "Franciscanos"
franciscanos
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Dominicos" \o "Dominicos"
dominicos
), así como la acentuación de los conflictos y la disidencia (revueltas populares,
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Herej%C3%ADa" \o "Herejía"
herejías
, desarrollo y crisis de la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Escol%C3%A1stica" \o "Escolástica"
escolástica
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Cisma_de_Occidente" \o "Cisma de Occidente"
Cisma de Occidente
) y finalmente los pavorosos espectáculos de la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Peste_Negra" \o "Peste Negra"
Peste Negra
y la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Guerra_de_los_Cien_A%C3%B1os" \o
"Guerra de los Cien Años"
Guerra
de los Cien Años en un mundo tan cambiante que sólo puede entenderse en términos de
una mutación fundamental (para la historiografía materialista, la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Transici
%C3%B3n_del_feudalismo_al_capitalismo" \o "Transición del feudalismo al capitalismo"
transición del feudalismo al capitalismo
).
Caracterización
Frente a las pequeñas y oscuras iglesias rurales del románico, el gótico eleva prodigiosas
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Catedral" \o "Catedral"
catedrales
llenas de luz, desarrolla una importante
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/w/index.php?
title=Arquitectura_civil&action=edit&redlink=1" \o "Arquitectura civil (aún no redactado)"
arquitectura civil
e independiza a las otras
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Artes_pl%C3%A1sticas" \o "Artes plásticas"
artes plásticas
(pintura y escultura) de su subordinación al soporte arquitectónico.
No obstante, hay también muchos elementos de continuidad: el predominio de la
inspiración religiosa en el arte sigue siendo indiscutido, el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Monasterio" \o "Monasterio"
monasterio
como institución apenas varía excepto en detalles formales y de adaptación a nuevos
requerimientos, la misma planta de las
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Iglesia_(edificio)" \o "Iglesia (edificio)"
iglesias
sigue siendo predominantemente la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Cruz_latina" \o "Cruz latina"
cruz latina
con cabecera en
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%81bside" \o "Ábside"
orientada al este, aunque se complique o varíe (plantas basilicales, colocación del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Transepto" \o "Transepto"
transepto
en el centro, complicación de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Nave_(arquitectura)" \o "Nave (arquitectura)"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Capilla" \o "Capilla"
capillas
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Girola" \o "Girola"
girolas
). Sin duda el principal elemento de continuidad es la concepción intemporal de la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Obra" \o "Obra"
: en la mayor parte de las construcciones los estilos se suceden y funden al ritmo de los
siglos, sabiendo los contemporáneos que hacen una obra que ellos no verán terminada, ni
quizá sus hijos o nietos. En muchas de ellas, incluso se pone en valor el atrevimiento por
comenzar un desafío técnico o económico (a veces por rivalidad política) que cuando se
inicia no se ha planificado cómo terminar, como es el caso de las catedrales
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Siena" \o "Catedral de Siena"
de Siena
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Florencia" \o "Catedral de
Florencia"
de Florencia
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Plan.cathedrale.Chartres.png" \o
"\"Planta de la catedral de Chartres.\"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Plan.cathedrale.Chartres.png" \o
"Aumentar"
Planta de la catedral de Chartres.
Arquitectura
Artículo principal:
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_g%C3%B3tica" \o "Arquitectura
gótica"
Arquitectura gótica
A nivel arquitectónico, el estilo gótico nació en torno a 1140 en Francia, siendo considerada
como el primer monumento de este movimiento la basílica de la abadía real de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Saint-Denis" \o "Saint-Denis"
Saint-Denis
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Dionisio_de_Par%C3%ADs" \o "Dionisio de
París"
San Dionisio
(edificada por el abad
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Suger" \o "Suger"
, consejero de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Luis_VII_de_Francia" \o "Luis VII de Francia"
Luis VII de Francia
).
También desde finales del siglo XII y comienzos del XIII se divulga por los monasterios de
la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Orden_del_C%C3%ADster" \o "Orden del
Císter"
orden del Císter
un estilo despojado de ornamentación y reducido a la pureza de los elementos
estructurales, expresión de las concepciones estéticas y espirituales de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Bernardo_de_Claraval" \o "Bernardo de
Claraval"
Bernardo de Claraval
, que se suele denominar
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_cisterciense" \o "Arte cisterciense"
arte cisterciense
.
Este arte se ha definido durante mucho tiempo de manera bastante superficial,
exclusivamente por la utilización de uno de sus elementos, el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arco_apuntado" \o "Arco apuntado"
arco apuntado
, al que suele llamarse ojival, del que se deriva la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/B%C3%B3veda_de_crucer%C3%ADa" \o
"Bóveda de crucería"
bóveda de crucería
que permite desplazar los empujes a
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Contrafuerte" \o "Contrafuerte"
contrafuertes
externos, que se alejan aún más de los muros mediante el uso de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arbotante" \o "Arbotante"
arbotantes
. Eso permitió la construcción de edificios mucho más amplios y elevados, y el predominio
de los
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Vano" \o "Vano"
sobre los
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Muro_(arquitectura)" \o "Muro (arquitectura)"
. Los elementos sustentantes (
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Pilar" \o "Pilar"
pilares
de complicado diseño) quedan mucho más estilizados. Pero la utilización de un elemento
no puede definir un estilo de forma global, se trata de un problema más amplio, de una
nueva etapa histórica, una nueva concepción del arte y con el del mundo. Un elemento
estructural, por importante que sea, no puede resumir un concepto global sobre la vida.
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:St_Denis_Choir_Glass.jpg" \o
"\"Vitrales góticos, coro superior de la Basílica de Saint Denis.\"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:St_Denis_Choir_Glass.jpg" \o
"Aumentar"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Vitral" \o "Vitral"
Vitrales
góticos, coro superior de la Basílica de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Saint_Denis" \o "Saint Denis"
Saint Denis
.
La luz
Los nuevos edificios religiosos se caracterizan por la definición de un espacio que quiere
acercar a los fieles, de una manera vivencial y casi palpable, los valores religiosos y
simbólicos de la época. El humanismo incipiente liberaba al hombre de las oscuras tinieblas
y le invitaba a la luz. Como las nuevas técnicas constructivas hicieron virtualmente
innecesarios los muros en beneficio de los vanos, el interior de las iglesias se llenó de luz, y
la luz conformará el nuevo espacio gótico. Será una luz física, no figurada en pinturas y
mosaicos; luz general y difusa, no concentrada en puntos y dirigida como si de focos se
tratase; a la vez que es una luz transfigurada y coloreada mediante el juego de las
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Vidriera" \o "Vidriera"
vidrieras
y los
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Roset%C3%B3n" \o "Rosetón"
rosetones
, que trasforma el espacio en irreal y simbólico. El color alcanzará una importancia crucial.
La luz está entendida como la sublimación de la divinidad. La simbología domina a los
artistas de la época, la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Escuela_de_Chartres" \o "Escuela de Chartres"
escuela de Chartres
considera la luz el elemento más noble de los fenómenos naturales, el elemento menos
material, la aproximación más cercana a la forma pura.
El arquitecto gótico organiza una estructura que le permite, mediante una sabia utilización
de la técnica, emplear la luz, luz transfigurada, que desmaterializa los elementos del
edificio, consiguiendo claras sensaciones de elevación e ingravidez.
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_g%C3%B3tico" \l "cite_note-0#cite_note-
0"
Escultura gótica
Artículo principal:
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_g%C3%B3tica" \o "Escultura
gótica"
Escultura gótica
 HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Gothic_sculpture_15_century.jpg" \o
"\"Retablo, típica talla en madera del siglo XV, conservado en la Catedral de Amiens,
Francia.\"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Gothic_sculpture_15_century.jpg" \o
"Aumentar"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Retablo" \o "Retablo"
Retablo
, típica talla en madera del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XV" \o "Siglo XV"
siglo XV
, conservado en la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Amiens" \o "Catedral de Amiens"
Catedral
de Amiens,
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Francia" \o "Francia"
Francia
HYPERLINK
"http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Verge_del_patrocinio_Cardona2_peq.jpg" \o
"\"Virgen del Patrocinio Parroquia de Sant Miguel de Cardona, España.\"
HYPERLINK
"http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Verge_del_patrocinio_Cardona2_peq.jpg" \o
"Aumentar"
Virgen del Patrocinio Parroquia de Sant Miguel de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Cardona" \o "Cardona"
Cardona
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Espa%C3%B1a" \o "España"
.
En escultura gótica las tallas en piedra continúan usándose para la decoración de la
arquitectura, además de cumplir la función evangelizadora (el catecismo de los analfabetos,
la inmensa mayoría de la población) pero cada vez se emancipa más (paso del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Relieve_(arte)" \o "Relieve (arte)"
relieve
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Bulto_redondo" \o "Bulto redondo"
bulto redondo
). La escultura gótica evolucionó desde un estilo alargado y rígido, aún en parte románico,
hacia un sentimiento espacial y naturalista a finales del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XII" \o "Siglo XII"
siglo XII
y principios del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XIII" \o "Siglo XIII"
siglo XIII
. La influencia de las esculturas griegas y romanas que aún se conservaban se incorporaron
al tratamiento de las telas, las expresiones faciales y la pose.
Las esculturas góticas nacieron en los muros de las iglesias, a mediados del siglo XII en la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Isla_de_Francia" \o "Isla de Francia"
de Francia, cuando el abad
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Suger" \o "Suger"
 hizo construir la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Bas%C3%ADlica_de_Saint-Denis" \o
"Basílica de Saint-Denis"
abadía de Saint-Denis
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/1140" \o "1140"
), considerada el primer edificio gótico, y muy pronto le siguió la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Chartres" \o "Catedral de
Chartres"
catedral de Chartres
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/1145" \o "1145"
). Anteriormente, no había tradición escultórica en la Isla de Francia, así que los escultores
se traían de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Borgo%C3%B1a" \o "Borgoña"
, quienes crearon las revolucionarias figuras que actuaban como
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Columna_(arquitectura)" \o "Columna
(arquitectura)"
columnas
en el Pórtico Real de Chartres. Era un invento enteramente nuevo y proporcionaría el
modelo para una generación de escultores.
Las ideas francesas se divulgaron. En
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Espa%C3%B1a" \o "España"
la penetración del gótico francés se hizo a través de maestros y obras que llegaron
procedentes de este país, por ejemplo en Cataluña la influencia del taller de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Rieux" \o "Rieux"
es bastante evidente en la virgen del Patrocinio de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Cardona" \o "Cardona"
Cardona
. En
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Alemania" \o "Alemania"
Alemania
, desde
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/1225" \o "1225"
en la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Bamberg" \o "Catedral de
Bamberg"
catedral de Bamberg
en adelante, el impacto se encuentra en todos los lugares. La catedral de Bamberg tiene el
más amplio conjunto de escultura del siglo XIII, culminando en 1240 con el Caballero de
Bamberg, la primera estatua ecuestre en el arte occidental desde el siglo VI, y que se cree
que retrataba a Conrado II.
En
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Inglaterra" \o "Inglaterra"
Inglaterra
la escultura estaba más limitada a monumentos funerarios y decoraciones no figurativas, en
parte debido a la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Iconoclasta" \o "Iconoclasta"
iconoclastia
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Orden_del_C%C3%ADster" \o "Orden del
Císter"
cisterciense
. En Italia aún persistía la influencia clásica, destacando obras como el púlpito del
baptisterio de Pisa (1269) y el de la catedral de Siena. Una obra maestra tardía de la
escultura gótica italiana es la serie de tumbas de los Scaligeri en
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Verona" \o "Verona"
Verona
.
Las t
cnicas de tallado de madera se hacen cada vez más sofisticadas, llegando a su máximo
esplendor en la integración del color y el diseño arquitectónico de complejísimos
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Retablo" \o "Retablo"
retablos
. La recuperación de la tradición clásica de la fundición del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Bronce" \o "Bronce"
bronce
deber
esperar al
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento_italiano" \o "Renacimiento
italiano"
renacimiento italiano
.
El escultor flamenco-
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Ducado_de_Borgo%C3%B1a" \o "Ducado de
Borgoña"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Claus_Sluter" \o "Claus Sluter"
Claus Sluter
y el gusto por el naturalismo marcó el comienzo del fin para la escultura gótica,
evolucionando hacia el clasicista estilo renacentista a finales del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XV" \o "Siglo XV"
siglo XV
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Simone_Martini_072.jpg" \o
"\"Simone Martini (1285–1344). Temas oscuros y una intensa emoción se vieron cada vez
más acentuadas en el arte gótico tardío.\"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Simone_Martini_072.jpg" \o
"Aumentar"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Simone_Martini" \o "Simone Martini"
Simone Martini
(1285
1344). Temas oscuros y una intensa emoción se vieron cada vez más acentuadas en el arte
gótico tardío.
Pintura gótica
Artículo principal:
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_g%C3%B3tica" \o "Pintura gótica"
Pintura gótica
Un estilo de pintura que pueda llamarse «gótico» no apareció hasta alrededor de 1200, o
casi 50 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. La transición
del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, pero podemos ver los
comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el periodo previo.
Esta transición ocurre primero en Inglaterra y Francia alrededor de 1200, en Alemania en
torno a 1220 e Italia alrededor de 1300.
Es usual indicar que, mientras en el románico las representaciones figurativas son
simplificadas e idealizadas, en el gótico se tiende a aumentar el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Realismo" \o "Realismo"
realismo
y naturalismo, aproximándose a la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Imitaci%C3%B3n" \o "Imitación"
imitación
a la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Naturaleza" \o "Naturaleza"
naturaleza
que será el ideal del renacimiento, incluyendo la representación de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_de_paisajes" \o "Arte de paisajes"
paisajes
, que, no obstante, sigue siendo poco usual.
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Cimabue_018.jpg" \o "\"Madonna
con ángeles y San Francisco. Asís. Cimabue, hacia 1280\"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Cimabue_018.jpg" \o "Aumentar"
Madonna con ángeles y San Francisco.
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/As%C3%ADs" \o "Asís"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Cimabue" \o "Cimabue"
Cimabue
, hacia 1280
En el gótico, en correspondencia con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas
(recuperación de la filosofía de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arist%C3%B3teles" \o "Aristóteles"
Aristóteles
a través del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Averro%C3%ADsmo" \o "Averroísmo"
averro
smo
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Humanismo" \o "Humanismo"
humanismo
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/San_Francisco_de_As%C3%ADs" \o "San
Francisco de Asís"
San Francisco de Asís
) se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos (los
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Santo" \o "Santo"
santos
, los
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%81ngel" \o "Ángel"
ngeles
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Virgen_Mar%C3%ADa" \o "Virgen María"
Virgen María
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Cristo" \o "Cristo"
Cristo
) en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones (placer, dolor,
ternura, enojo), rompiendo el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/w/index.php?
title=Hieratismo&action=edit&redlink=1" \o "Hieratismo (aún no redactado)"
hieratismo
y formalismo románico.
También hay lentos avances en el uso de la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Perspectiva" \o "Perspectiva"
perspectiva
y de otras cuestiones técnicas en pintura en cuanto al tratamiento de los
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/w/index.php?
title=Soporte_(arquitectura)&action=edit&redlink=1" \o "Soporte (arquitectura) (aún no
redactado)"
soportes
(que permiten la mayor difusión de un arte mobiliar), los pigmentos y los aglutinantes.
La pintura, esto es, la representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo
gótico, se practicaba en cuatro técnicas principales:
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_al_fresco" \o "Pintura al fresco"
Frescos
. La pintura mural o frescos siguieron usándose como el principal medio para la narración
pictórica en las paredes de las iglesias en el Sur de Europa, como una continuación de las
tradiciones cristiana y
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_rom%C3%A1nica" \o "Pintura
románica"
románica
anteriores.
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Vitral" \o "Vitral"
Vidrieras
. En el norte de Europa, las vidrieras fueron el arte preferido hasta el siglo XV.
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_sobre_tabla" \o "Pintura sobre tabla"
Pintura sobre tabla
. Comenzaron en Italia en el siglo XIII y se extendieron por toda Europa, de manera que
para el siglo XV se había convertido en la forma predominante, suplantando incluso a las
vidrieras.
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Miniatura" \o "Miniatura"
Miniaturas
. Los
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Manuscrito" \o "Manuscrito"
manuscritos
iluminados representaron la más completa documentación de la pintura gótica,
documentando la existencia de una serie de estilos en lugares donde no han sobrevivido
otras obras monumentales.
La
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_al_%C3%B3leo" \o "Pintura al óleo"
pintura al óleo
sobre lienzo no se hizo popular hasta los
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XV" \o "Siglo XV"
siglos XV
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XVI" \o "Siglo XVI"
y fue el punto de partida del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/w/index.php?
title=Arte_renacentista&action=edit&redlink=1" \o "Arte renacentista (aún no redactado)"
arte renacentista
.

EL RENACIMIENTO
Renacimiento es el nombre dado al amplio movimiento de revitalización cultural que se
produjo en
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Europa_Occidental" \o "Europa Occidental"
Europa Occidental
en los siglos
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XV" \o "Siglo XV"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XVI" \o "Siglo XVI"
. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes aunque también se produjo
la renovación en la literatura y las ciencias, tanto naturales como humanas.
El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Humanismo" \o "Humanismo"
humanismo
, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo.
El nombre Renacimiento se utilizó porque éste retomó los elementos de la cultura clásica.
Además el papa mando reconstruir la capilla sixtina en este movimiento cultural el cual
término simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de predominio
de la mentalidad dogmática del catolicismo establecida en la Europa de la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Edad_Media" \o "Edad Media"
Edad Media
.El Renacimiento planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, el interés por
las artes, la política y las ciencias, cambiando el teocentrismo medieval, por el
antropocentrismo renacentista.
Sin embargo, Vasari, había formulado una idea determinante, el nuevo nacimiento del arte
antiguo, que presuponía una marcada conciencia histórica individual, fenómeno
completamente nuevo en la actitud espiritual del artista. De hecho el Renacimiento rompe,
conscientemente, con la tradición artística de la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Edad_Media" \o "Edad Media"
Edad Media
, a la que califica, con pleno desprecio, como un estilo de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/B%C3%A1rbaro" \o "Bárbaro"
bárbaros
, que más tarde recibirá el calificativo de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_g%C3%B3tico" \o "Arte gótico"
. Con la misma consciencia, el movimiento renacentista se opone al arte contemporáneo del
Norte de Europa.
Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento
significa una «ruptura» con la unidad estilística que hasta ese momento había sido
«supranacional».
Sobre el significado del concepto de Renacimiento y sobre su colocación cronológica se ha
discutido muchísimo; generalmente con el término Humanismo se indica el proceso
innovador, inspirado en la antigüedad clásica y en la consolidación de la importancia del
Hombre en la organización de la realidad histórica y natural, que se aplicó en los siglos
XIV y XV.
Desarrollo [
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/w/index.php?
title=Renacimiento&action=edit&section=1" \o "Editar sección: Desarrollo"
editar
]
Históricamente, el Renacimiento fue contemporáneo de la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Era_de_los_Descubrimientos" \o "Era de los
Descubrimientos"
de los Descubrimientos y las conquistas ultramarinas. Esta «Era» marca el comienzo de la
expansión mundial de la cultura europea, con los viajes portugueses y el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Descubrimiento_de_Am%C3%A9rica" \o
"Descubrimiento de América"
descubrimiento de América
por parte de los españoles, lo cual rompe la concepción medieval del mundo,
fundamentalmente teocéntrica. Además de esto según la "Enciclopedia Oceano Color" el
renacimiento comienza en el siglo XIV y no antes, aunque, por supuesto, al tratarse de un
proceso histórico, se elige un motivo arbitrario para determinar cronológicamente su
comienzo pero hunde sus raíces en la alta edad media y va tomando forma gradualmente.
El desmembramiento de la cristiandad y el desarrollo de los nacionalismos, la introducción
de la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Imprenta" \o "Imprenta"
imprenta
, entre
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/1460" \o "1460"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/1480" \o "1480"
, y la consiguiente difusión de la cultura fueron de la mano, potenciándose mutuamente,
con la revolución operada en el mundo de las ideas. El determinante, sin embargo, de este
cambio social y cultural fue el desarrollo económico europeo, con los primeros atisbos del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Capitalismo" \o "Capitalismo"
capitalismo
mercantil. En este clima cultural de renovación, que paradójicamente buscaba sus modelos
en la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Antig%C3%BCedad_Cl%C3%A1sica" \o
"Antigüedad Clásica"
Antigüedad Clásica
, surgió a principios del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XV" \o "Siglo XV"
siglo XV
un renacimiento artístico en Italia de empuje extraordinario.
 HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Fornarina.jpg" \o "\"La Fornarina,
obra de Rafael.\"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Fornarina.jpg" \o "Aumentar"
La Fornarina, obra de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Sanzio" \o "Rafael Sanzio"
Rafael
.
El artista tomó conciencia de individuo con valor y personalidad propios, se vio atraído por
el saber y comenzó a estudiar los modelos de la antigüedad clásica a la vez que investigaba
las técnicas del claroscuro, las formas de representar la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Perspectiva" \o "Perspectiva"
perspectiva
, y el mundo natural; especialmente la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Anatom%C3%ADa" \o "Anatomía"
anatom
a
humana y las técnicas de construcción arquitectónica. El paradigma de esta nueva actitud
es
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Leonardo_da_Vinci" \o "Leonardo da Vinci"
Leonardo da Vinci
, personalidad eminentemente renacentista, quien dominó distintas ramas del saber, pero del
mismo modo
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Miguel_%C3%81ngel_Buonarroti" \o "Miguel
Ángel Buonarroti"
Miguel Ángel Buonarroti
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Sanzio" \o "Rafael Sanzio"
Rafael Sanzio
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Sandro_Botticelli" \o "Sandro Botticelli"
Sandro Botticelli
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Bramante" \o "Bramante"
Bramante
fueron artistas conmovidos por la imagen de la Antigüedad y preocupados por desarrollar
nuevas técnicas escultóricas, pictóricas y arquitectónicas, así como por la música, la poesía
y la nueva sensibilidad
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Humanismo" \o "Humanismo"
humanística
. Todo esto formó parte del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_renacentista_italiana" \o "Pintura
renacentista italiana"
renacimiento en las artes en Italia
.
Mientras surgía en
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Florencia" \o "Florencia"
Florencia
el arte del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Cuatrocento" \o "Cuatrocento"
Cuatrocento
 o primer Renacimiento italiano, así llamado por desarrollarse durante los años de 1400
(siglo XV), gracias a la búsqueda de los cánones de belleza de la Antigüedad y de las bases
científicas del arte, se produjo un fenómeno parecido y simultáneo en
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Flandes" \o "Flandes"
Flandes
(especialmente en pintura), basado principalmente en la observación de la vida y la
naturaleza y muy ligado a la figura de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Tom%C3%A1s_de_Kempis" \o "Tomás de
Kempis"
Tomás de Kempis
y la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Devotio_moderna" \o "Devotio moderna"
devotio moderna
, la b
squeda de la humanidad de Cristo. Este Bajo Renacimiento, conjugado con el italiano, tuvo
gran repercusión en la Europa Oriental (la fortaleza moscovita del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Kremlin" \o "Kremlin"
Kremlin
, por ejemplo, fue obra de artistas italianos).
La segunda fase del Renacimiento, o
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Cinquecento" \o "Cinquecento"
Cinquecento
(siglo XVI), se caracterizó por la hegemonía artística de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Roma" \o "Roma"
, cuyos
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Papa" \o "Papa"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Julio_II" \o "Julio II"
Julio II
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Le%C3%B3n_X" \o "León X"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Clemente_VII_(Papa)" \o "Clemente VII
(Papa)"
Clemente VII
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_III" \o "Pablo III"
Pablo III
) (algunos de ellos pertenecientes a la familia florentina de los
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%A9dici" \o "Médici"
) apoyaron fervorosamente el desarrollo de las artes, así como la investigación de la
Antigüedad Clásica. Sin embargo, con las guerras de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Italia" \o "Italia"
Italia
muchos de estos artistas, o sus seguidores, emigraron y profundizaron la propagación de
los principios renacentistas por toda Europa Occidental.
Durante la segunda mitad del siglo XVI empezó la decadencia del Renacimiento, que cayó
en un rígido formalismo, y tras el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Manierismo" \o "Manierismo"
Manierismo
dejó paso al
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Barroco" \o "Barroco"
Barroco
.
Etapas [
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/w/index.php?
title=Renacimiento&action=edit&section=2" \o "Editar sección: Etapas"
editar
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Michelangelos_David.jpg" \o
"\"David de Miguel Ángel.\"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Michelangelos_David.jpg" \o
"Aumentar"
David de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Miguel_%C3%81ngel" \o "Miguel Ángel"
Miguel Ángel
.
Diferentes etapas históricas marcan el desarrollo del Renacimiento:
La primera tiene como espacio cronológico todo el siglo XV, es el denominado
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Quattrocento" \o "Quattrocento"
Quattrocento
, y comprende el Renacimiento temprano que se desarrolla en Italia.
La segunda, afecta al siglo XVI, se denomina
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Cinquecento" \o "Cinquecento"
Cinquecento
, y su dominio artístico queda referido al Alto Renacimiento, que se centra en el primer
cuarto del siglo. Esta etapa desemboca hacia
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/1520" \o "1520"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/1530" \o "1530"
en una reacción anticlásica que conforma el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Manierismo" \o "Manierismo"
Manierismo
.
Mientras que en Italia se estaba desarrollando el Renacimiento, en el resto de Europa se
mantiene el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_g%C3%B3tico" \o "Arte gótico"
en sus formas tardías, situación que se va a mantener, exceptuando casos concretos, hasta
comienzos del siglo XVI.
En Italia el enfrentamiento y convivencia con la antigüedad clásica, considerada como un
legado nacional, proporcionó una amplia base para una evolución estilística homogénea y
de validez general. Por ello, allí, es posible su surgimiento y precede a todas las demás
naciones.
Fuera de Italia la Antigüedad Clásica supondrá un caudal académico asimilable, y el
desarrollo del Renacimiento dependerá constantemente de los impulsos marcados por Italia.
Artistas importados desde Italia o formados allí, hacen el papel de verdaderos transmisores.
Los supuestos históricos que permitieron desarrollar el nuevo estilo se remontan al siglo
XIV cuando, con el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Humanismo" \o "Humanismo"
Humanismo
, progresa un ideal individualista de la cultura y un profundo interés por la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Antig%C3%BCedad_cl%C3%A1sica" \o
"Antigüedad clásica"
literatura clásica
, que acabaría dirigiendo, forzosamente, la atención sobre los restos monumentales clásicos.
Italia en ese momento está integrada por una serie de estados entre los que destacan
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Venecia" \o "Venecia"
Venecia
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Florencia" \o "Florencia"
Florencia
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Mil%C3%A1n" \o "Milán"
y el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Estado_Pontificio" \o "Estado Pontificio"
Estado Pontificio
.
La presión que se ejerce desde el exterior impidió que, como en otras naciones, se
desarrollara la unión de los reinos o estados; sin embargo, sí se produjo el fortalecimiento
de la conciencia cultural de los italianos.

Desde estos supuestos fueron las ciudades las que se convierten en centros de renovación
artística.
En Florencia el desarrollo de una rica
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Burgues%C3%ADa" \o "Burguesía"
burguesía
ayuda al despliegue de las fuerzas del Renacimiento, la ciudad se convierte en punto de
partida del nuevo estilo, y surgen, bajo la protección de los
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%A9dicis" \o "Médicis"
, las primeras obras que desde aquí se van a extender al resto de Italia.
Arquitectura
Artículo principal:
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_del_Renacimiento" \o
"Arquitectura del Renacimiento"
Arquitectura del Renacimiento
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Piranesi_Piazza_San_Pietro.png" \o
"\"Plaza de San Pedro, obra de Gian Lorenzo Bernini.\"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Piranesi_Piazza_San_Pietro.png" \o
"Aumentar"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Plaza_de_San_Pedro" \o "Plaza de San Pedro"
Plaza de San Pedro
, obra de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Gian_Lorenzo_Bernini" \o "Gian Lorenzo
Bernini"
Gian Lorenzo Bernini
.
Hay dos tipos de edificios: los de ladrillo y los de hormigón. Los elementos constructivos
más característicos son:
Estructurales:
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arco_de_medio_punto" \o "Arco de medio
punto"
Arco de medio punto
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Columna_(arquitectura)" \o "Columna
(arquitectura)"
columnas
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%BApula" \o "Cúpula"
semiesférica,
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/B%C3%B3veda_de_ca
%C3%B1%C3%B3n" \o "Bóveda de cañón"
bóveda de cañón
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Cubierta_(construcci%C3%B3n)" \o "Cubierta
(construcción)"
cubierta
plana con
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Caset
%C3%B3n_(arquitectura)&action=edit&redlink=1" \o "Casetón (arquitectura) (aún no
redactado)"
casetones
.
Decorativos:
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Pilastra" \o "Pilastra"
Pilastras
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Front%C3%B3n_(arquitectura)" \o "Frontón
(arquitectura)"
frontones
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/P%C3%B3rtico" \o "Pórtico"
pórticos
, motivos
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Her%C3%A1ldico" \o "Heráldico"
heráldicos
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Almohadillado" \o "Almohadillado"
almohadillados
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/w/index.php?
title=Voluta_(arquitectura)&action=edit&redlink=1" \o "Voluta (arquitectura) (aún no
redactado)"
volutas
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Grutesco" \o "Grutesco"
grutescos
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/w/index.php?
title=Guirnalda_(arquitectura)&action=edit&redlink=1" \o "Guirnalda (arquitectura) (aún
no redactado)"
guirnaldas
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Medall%C3%B3n" \o "Medallón"
medallones
.
Desde hoy, la arquitectura renacentista tuvo un carácter profano y, lógicamente, surgirá en
una ciudad en donde el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_g%C3%B3tica" \o "Arquitectura
gótica"
apenas había penetrado, Florencia; en la Europa de las grandes
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Catedral" \o "Catedral"
catedrales
, se implantará con dificultades.
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Roma-tempiettobramante01R.jpg" \o
"\"Templete de San Pietro in Montorio, de Donato d'Angelo Bramante.\"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Roma-tempiettobramante01R.jpg" \o
"Aumentar"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Templete_de_San_Pietro_in_Montorio" \o
"Templete de San Pietro in Montorio"
Templete de San Pietro in Montorio
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Donato_d%27Angelo_Bramante" \o "Donato
d'Angelo Bramante"
Donato d'Angelo Bramante
.
Se caracterizó por el empleo de proporciones modulares, superposición de órdenes, empleo
de cúpulas e introducción del orden colosal.
En el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Quattrocento" \o "Quattrocento"
Quattrocento
fue frecuente recurrir a columnas y pilastras adosadas, a los capiteles clásicos (con
preferencia el corintio, aunque sustituyendo los caulículos por figuras fantásticas o de
animales), los fustes lisos y el arco de medio punto, a la bóveda de cañón y de arista, así
como a cubiertas de madera con casetones. Lo que fundamentalmente distingue a la
arquitectura del Quattrocento de la del Alto Renacimiento (o
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Cinquecento" \o "Cinquecento"
Cinquecento
) es la decoración menuda (putti, guirnaldas de flores o frutos, grutescos, etc.), el
alargamiento de la cúpula (catedral de Florencia, de
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Filippo_Brunelleschi" \o "Filippo Brunelleschi"
Filippo Brunelleschi
) y las fachadas de piedra tosca (
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Palacio_Medici%E2%88%92Riccardi" \o
"Palacio Medici
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Palacio_Medici%E2%88%92Riccardi" \o
"Palacio Medici−Riccardi"
Palacio Medici
Palacio Medici−Riccardi
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Michelozzo_di_Bartolommeo" \o "Michelozzo
di Bartolommeo"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Michelozzo_di_Bartolommeo" \o "Michelozzo
di Bartolommeo"
Michelozzo di Bartolommeo
Michelozzo di Bartolommeo
) o con los sillares en realce (
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Palacio_Rucellai" \o "Palacio Rucellai"
Palacio Rucellai
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Bernardo_Rossellino" \o "Bernardo Rossellino"
Bernardo Rossellino
, proyecto de Alberti).
La arquitectura del Cinquecento tuvo como centro
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Roma" \o "Roma"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/1506" \o "1506"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Donato_d%27Angelo_Bramante" \o "Donato
d'Angelo Bramante"
Donato d'Angelo Bramante
terminaba su célebre proyecto para la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Bas%C3%ADlica_de_San_Pedro" \o "Basílica
de San Pedro"
basílica de San Pedro
en el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Vaticano" \o "Vaticano"
Vaticano
. Los palacios se adornaron de valiosos bajorrelieves (Palacio Grimani de Venecia,
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/1549" \o "1549"
, obra de Michele Sanmicheli) o de esculturas exentas (biblioteca de San Marcos,
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/1537" \o "1537"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/1550" \o "1550"
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Venecia" \o "Venecia"
Venecia
, obra de Jacopo Sansovino).
Pintura
Artículo principal:
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_renacentista" \o "Pintura renacentista"
Pintura renacentista
En la pintura destaca
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Leonardo_da_Vinci" \o "Leonardo da Vinci"
Leonardo da Vinci
ya que combina la creación artística con la ciencia y tiene obras muy importantes como la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Gioconda" \o "Gioconda"
Gioconda
y la
ltima cena.También destaca en la pintura Rafael Sancio y Miguel Ángel quien en sus
figuras las dota de volumen como la Creación del mundo y el Juicio final en la Capilla
sixtina.

EL RENACIMOIENTO EN FRANCIA Y ESPAÑA.

El renacimiento en Francia

Los franceses fueron reacios a aceptar las innovaciones que se habían producido en el arte
en Italia, aunque durante el siglo XVI fueron finalmente adoptadas en Francia, como
consecuencia de la presencia de muchos artistas italianos en la corte de Francisco I.
Leonardo da Vinci viajó a Francia en 1516 a petición del propio rey, pero debido a su
avanzada edad, murió antes de que pudiera realizar trabajos de importancia. La obra del
palacio de Fontainebleau se convirtió en el punto central del arte renacentista francés.
A finales del siglo XV, Francia había superado las divisiones territoriales de su pasado
feudal y se convirtió en una monarquía nacional que incorporaba la mayoría de los
territorios comprendidos entre los Pirineos y el canal de la Mancha. La estructura social
estaba todavía dominada por la nobleza terrateniente y la tierra seguía siendo la fuente de
riqueza principal. Sin embargo, en la mitad del siglo siguiente, la paz interna, el aumento de
la población, la afluencia a Europa de oro y plata traídos de América por los españoles y los
trabajos públicos del gobierno estimularon el crecimiento de la economía, que elevó la
posición social de los grandes comerciantes, los banqueros y los cobradores de impuestos

Por otra parte, la nobleza, dependiente de las rentas monetarias fijas y de las deudas, vio
cómo la inflación amenazaba su poder económico y su posición social. Los tres primeros
monarcas del periodo —Carlos VIII, Luis XII y Francisco I— aprovecharon el fuerte
crecimiento de la nación y la estabilidad interna para reclamar por las armas el reino de
Nápoles y el Milanesado. En la década de 1520, las guerras italianas se convirtieron en una
larga disputa entre Francia y la dinastía de los Habsburgo reinantes en España y Austria, un
enfrentamiento que continuó de forma intermitente durante un siglo y medio. Las guerras
italianas terminaron finalmente con la Paz de Cateau-Cambrésis (1559), negociada por el
hijo de Francisco I, Enrique II, que reinó desde 1547 hasta 1559. Francia renunció a todas
sus pretensiones en Italia, pero consiguió tres territorios estratégicamente localizados en su
frontera oriental: los obispados de Metz, Toul y Verdún. Francisco I incrementó
significativamente tanto el poder como el prestigio de Francia. Gobernó de forma personal
y nunca convocó a los Estados Generales. Según el Concordato de Bolonia (1516),
negociado con el papa León X, el rey francés alcanzó la prerrogativa de nombrar todos los
obispos y otros cargos beneficiados de la Iglesia, asegurándose de ese modo un clero
manejable. En 1539 excluyó el latín de los actos jurídicos e impuso el uso exclusivo del
francés. Francisco I fue un destacado mecenas que hizo florecer el arte renacentista francés
y la educación.
El aumento de la población, sin el correspondiente aumento en la producción, y la inflación
monetaria llevaron a la mayoría del pueblo a la pobreza. La Reforma protestante, que se
extendió desde Alemania durante el reinado de Francisco I, había atraído a muchos
seguidores; pero en las décadas de 1540 y de 1550 los postulados y doctrinas de Juan
Calvino desarrollaron en Francia una forma peculiar del protestantismo, y consiguió el
apoyo de muchos seguidores entre la nobleza y el pueblo llano. Enrique II consideró el
calvinismo una amenaza a la autoridad real e intentó acabar con él. Bajo el reinado de sus
tres hijos, que le sucedieron, las guerras de Religión, donde se mezclaron conflictos
religiosos, políticos y dinásticos, desgarraron el país. El fanatismo religioso de los
combatientes y la brutalidad de los mercenarios hicieron que en la guerra fueran habituales
los saqueos, la crueldad y las atrocidades
El regimen de Catalina de Medici
A la muerte de Enrique II en 1559, subió al trono su hijo de 15 años de edad Francisco II,
que sucedió a su padre sólo durante dos años, 1559 y 1560. A Francisco le sucedió su
hermano de 13 años, Carlos IX, que reinó hasta 1574. La reina madre, Catalina de Medici,
fue la gobernante virtual durante casi todo este tiempo y continuó influyendo en el reinado
de su tercer hijo, Enrique III (1574-1589). La principal preocupación de Catalina consistió
en defender la autoridad real de sus hijos, comprometida por los enfrentamientos entre
católicos y hugonotes. En este contexto se produjo la famosa masacre de la Noche de San
Bartolomé, que tuvo lugar en París en agosto de 1572, cuando los católicos, aprovechando
una reunión de dirigentes protestantes y sus numerosos seguidores, les atacaron asesinando
a unas 2.000 personas.

El último hermano de Enrique III murió en 1584 y Enrique de Navarra, descendiente de

Luis IX y dirigente de los hugonotes, pasó a ser el heredero del trono. Rechazado por la
perspectiva de ser un rey herético, algunos de los miembros del partido católico conspiraron
para impedir esta sucesión mediante la sustitución del rey Enrique III por Enrique I de
Guisa, dirigente de la Liga Santa. Alertado sobre esto, Enrique III convocó a Enrique de
Guisa a una reunión de los Estados Generales en Blois en 1588, donde éste fue asesinado.
Al año siguiente el propio rey Enrique III —el último de la dinastía de los Valois— cayó
víctima de la espada de un asesino. Enrique de Navarra, como heredero legal, ascendió al
trono con el nombre de Enrique IV de Francia, pero de hecho sólo fue reconocido por los
hugonotes. Tuvo que defender sus pretensiones al trono ante la Liga Santa y sus aliados
españoles, que ocuparon París. Enrique IV comprendió que, aunque él y sus seguidores
fueran protestantes por convicción, la mayoría de los franceses seguían siendo fieles
católicos, por lo que en 1593 se convirtió públicamente al catolicismo. Al año siguiente fue
coronado en la catedral de Chartres y, poco después, le dieron la bienvenida en París, donde
se dice que exclamó: “París bien vale una misa”. Así se estableció la dinastía de los
Borbones en el trono francés

El renacimiento en España
En España, los pintores renacentistas nunca llegaron a alcanzar el nivel artístico de Italia y
los países del norte de Europa, aunque su arte estaba muy ligado a ambas tradiciones. Los
mecenas españoles confiaron a pintores y escultores extranjeros sus obras de arte más
importantes. Incluso en el siglo XVI, Tiziano fue el pintor de la corte española, a pesar de
que no siempre permaneció en el país. En arquitectura, no se construirían edificios en estilo
renacentista hasta finales del siglo XVI. Un ejemplo es el monasterio de El Escorial,
complejo arquitectónico construido por deseo del rey Felipe II cerca de Madrid. En su
construcción intervinieron dos arquitectos: el primero, Juan Bautista de Toledo, se había
formado en Italia y había trabajado a las órdenes de Miguel Ángel. A su muerte en 1567, el
encargado de continuar con las obras fue su ayudante Juan de Herrera. Comprende un
monasterio, un seminario, un palacio y una iglesia (comenzada en el año 1563). Aunque en
deuda con el estilo renacentista, la austera majestuosidad y la desnudez decorativa de esta
estructura, en la que no existe ornamentación que distraiga, marcaron un nuevo estilo
dentro del panorama de la arquitectura española denominado estilo herreriano.
Hechos relevantes en españa durante el renacimiento
1. Renacimiento:
Definición: Como no es posible señalar en que momento finaliza la Edad Media y
comienza la Época moderna, ya que el paso de una a otra es apenas perceptible, se
acostumbra a señalar grandes hechos que se producen en los siglos XV y XVI para marcar
la separación entre estas dos épocas, uno de estos grandes hechos es el renacimiento.
Se da el nombre de renacimiento a la renovación literaria, artística y científica que se
produjo en Europa en los siglos XV y XVI, particularmente bajo la influencia de la cultura
antigua puesta nuevamente de moda. Se manifestó en Italia a fines de la Edad Media y
desde ahí se extendió a España y a Francia. Verificose su apogeo en el siglo XVI.
Fue en este periodo donde surgieron algunos de los más grandes guias que ha dado la
humanidad, muchos de los cuales no han sido igualados hasta el día de hoy.
Este es uno de los momentos más brillantes y más importante de la historia; de los
brillantes, porque los artistas crearon entonces obras maestras, difícilmente superadas
después, y de los más importantes, porque, así como los descubrimientos marítimos de
Cristóbal Colón y otros ensancharon el campo de la actividad material, el renacimiento
ensanchó el campo del pensamiento y de la actividad intelectual.
Durante el renacimiento, en Europa occidental adquirió aproximadamente la configuración
política que tiene hoy. Francia, España, Portugal e Inglaterra definen sus fronteras, más no
así los países que son, precisamente los núcleos fundamentales del renacimiento.

¿Por qué? : Recibió el nombre de renacimiento, porque según los hombres de aquellos
siglos la cultura que habían desarrollado los Griegos y los Romanos y que estuvo detenida
durante la Edad Media, vuelve a nacer, renace en la Época Moderna.

Línea del tiempo del renacimiento: Atendiendo al siglo en que ocurrieron los hechos en el
renacimiento, pueden dividirse en tres grupos:
Prerrenacimiento
Quattrocento
Cinquecento
Siglo XIV
Siglo XV
Siglo XVI

El hombre renacentista: Durante la Edad Media el estudio de Dios o teología era lo que más
había preocupado al hombre. En el Renacimiento son los temas humanos los que se
convierten en el centro de su atención.
De aquí que el hombre se convierte en el centro del universo y de todas las cosas.
El renacimiento buscaba la verdad sobre sí mismo y sobre la naturaleza de las cosas, a
través de su razón, de su inteligencia y del estudio personal. Estro condujo al triunfo de la
razón y del espíritu crítico, sobre la costumbre existente en la Edad Media en que solo el
maestro proporcionaba la verdad y esta no era discutida por los discípulos.
2. Hechos relevantes en España:
Artistas:
Pintor:
El Greco: Pintor manierista español considerado el primer gran genio de la pintura
española.

El Greco, que quiere decir el griego, nació en 1541 en Candía, pero desarrollo su obra en
España. Su nombre era el de Doménikos Thetokópoulos.

Estudió pintura en el pueblo en que nació. Pinto en un estilo bizantino tardío, como era
habitual en Creta en aquella época. Sus obras eran inconfundibles por sus expresivas
figuras alargadas. En obras posteriores aún pueden observarse reminiscencias de este estilo.
El Greco era un hombre de gran erudición, aficionado a la literatura clásica y a la de su
época desde joven.
Murió en Toledo el 7 de abril de 1614 y fue enterrado en la iglesia de Santo Domingo el
Antiguo.
Algunas de sus obras más conocidas son:
La asunción de la virgen: 1577, fue el primer encargo que el Greco pintó en España.
El entierro del conde de Orgaz: 1586, es una obra de gran expresividad y fervor religioso
basada en una leyenda del siglo XIV.
Alonso Berruguete: (1488 - 1561), pintor y escultor español considerado por sus
contemporáneos como uno de los artistas más brillantes del Renacimiento español.
Nació en Paredes de Nava, provincia de Palencia, y se formó junto a su padre, el también
pintor Pedro Berruguete y más tarde en Florencia con Miguel Angel. De regreso a España
en 1520 disfrutó de una fama superior a la de todos los artistas de su generación. En 1523
fue nombrado pintor y escultor de la corte.
Una de sus obras:
Imagen del personaje Bíblico Job, forma parte de su obra principal, la sillería del coro de la
catedral de Toledo (España), creada entre 1539 y 1548.
Escritores:
Luis de Góngora y Argote:
Poeta español, cima de la elegancia de la poesía barroca y modelo de poetas posteriores.
Nació en Córdoba en el año 1561. Estudió en la universidad de Salamanca. Ya en su
juventud era bastante famoso.
A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos, en Góngora, ni la religión ni el amor,
pese a algunas aventuras juveniles, ocupan un lugar importante en su vida o en su poesía.
Parece que le domina un solo sentimientos, el de la belleza, pues el amor y la naturaleza,
asuntos de los que trató con perfecto dominio, más que sentimientos en él aparecen como
pretextos para la creación poética.
La poesía innovadora del poeta, suscitó desde sus orígenes enormes controversias entre sus
defensores y detractores, que duraron hasta 1927.
Al final de su vida. Agobiado por las deudas, se traslada a Córdoba donde muere en el año
1627.
Algunos de sus poemas son:
Oda a la toma de Larache
Polifemo y Galatea
Soledades
Miguel de Cervantes Saavedra:
Dramaturgo, poeta y novelista español, autor de la novela El Ingenioso hidalgo Don
Quijote de la Mancha, considerada como la primera novela moderna de la literatura
universal.
Nació en Alcalá de Henares (Madrid), el 29 de septiembre de 1547.
Cervantes centro sus primeros afanes literarios en la poesía y el teatro, género que nunca
abandonaría. Su obra poética abarca sonetos, canciones, églogas, romances, letrillas y otros
poemas menores dispersos o incluidos en sus comedias y en sus novelas.
Su vida fue difícil, perdió la movilidad del brazo izquierdo, fue encarcelado varias veces y
no fue muy aceptado como dramaturgo.
Murió en Madrid el 22 de abril de 1616.
Alguas de sus obras:
La Galatea (1585)
Novelas Ejemplares
Viaje del Parnaso
Don Quijote de la Mancha
Francisco de Quevedo y Villegas:
Escritor español que cultivó tanto la prosa como la poesía; ambas en multitud de facetas
con resultados extraordinarios, y es una de las figuras más complejas e importantes del
barroco español. Su obra poética forma un conjunto monumental de poesía metafísica,
amorosa, satírica, religiosa y moral.
Nació en Madrid en 1580 y murió en 1645.
Algunas de sus obras son:
La vida del Buscón llamado don Pablo
Los Sueños
Las tres musas
b) Humanismo: El humanismo nació en Italia, en el siglo XIV, y puede definirse como el
aspecto intelectual del Renacimiento.
Los humanistas fueron hombres que se dedicaron con entusiasmo a las obras de la
antigüedad. Buscaron manuscritos griegos y latinos, recuperando así obras olvidadas y
desconocidas, promoviendo con ello una resurrección de gran parte del pasado greco -
romano. Sin embargo, la pasión por lo antiguo no se limitó a las letras, sino que se extendió
también a las artes plásticas y al modo de vida.
Para los humanistas, el mundo alcanzaría una nueva perfección por medio de los estudios
del griego y el latín, viéndose en las antiguas grandes culturas la solución a los problemas.
Esta valoración del mundo clásico no se produjo en forma intempestiva a partir del siglo
XIV, durante toda la Edad Media los monjes de los monasterios dedicaban parte de su
tiempo al estudio de los clásicos.
El humanismo penetró en España en la época de los Reyes Católicos y contó con el apogeo
del Cardenal Francisco Jiménez Cisneros, confesor de la reina Isabel y consejero de los
monarcas.
Este prelado creó la Universidad de Alcalá de Henares, la que constituyó el centro de los
estudios humanistas. En los heruditos estudiaron los manuscritos de las Sagradas Escrituras
y publicaron la llamada Biblia Políglota complutense. Esta Biblia contenía el Antiguo
Testamento en diferentes idiomas (caldeo, hebreo, griego y latín) y el Nuevo Testamento en
griego y en latín y, además, constaba con un vocabulario hebreo - caldeo y una gramática
hebrea. Esta obra es un verdadero monumento a la humanística española.
Antonio de Nebrija y Juan Luis Vives son los máximos exponentes del humanismo español.
Nebrija publicó una gramática española, que fue no solamente la primera editada en
España, sino también la primera en un idioma romance.
Vives, por su parte, conoció a fondo el latín y escribió sobre filosofía, teología, moral y
pedagogía. Fue un critico científico de los métodos y normas vigente en la enseñanza de esa
época.
Su obra más celebrada es “Instrucción de la mujer cristiana”, libro que traza las normas que
deben regular la educación femenina.
c) Monarquía Absoluta: Es la concentración de todos los poderes del estado en manos del
Rey: el poder para dirigir, el poder para dictar leyes y el poder para administrar justicia. Es
decir, los tres poderes: ejecutivo, legislativo y judicial. Rey y estado forman una unidad.
El poder monárquico en España estaba definido por la presencia de los Reyes Católicos,
quienes a fines del siglo XV y comienzos del XVI, llevaron a cabo el proceso unificador, en
el que se distinguen tres etapas: la unificación territorial, la religiosa y la política. Por el
matrimonio de Isabel de Castilla y Fernando de Aragón, se alcanzó la unión de los dos
grandes reinos de la Península Ibérica. Los monarcas se abocaron a la gran empresa
unificadora, que solo concluiría con la conquista militar del reino de Granada, en poder de
los musulmanes (1492), y la posterior anexión del reino de Navarra, realizada en 1512.
Solo el reino de Portugal se mantenía independiente, a pesar de que Fernando e Isabel
intentaron su incorporación a través del matrimonio de sus hijos con los herederos
portugueses.
Unificando el territorio, se presentaba la tarea de unificar la enmarañada madeja de razas y
religiones, en la que cristianos, musulmanes y judíos convivían en medio de conflictos. La
unidad del credo se consiguió con dolorosas medidas coercitivas, como el establecimiento
del Tribunal del Santo Oficio de la Inquisición, encargado de vigilar el estricto
cumplimiento de la fe de los judíos conversos, a los que habían obligado por decreto (1492)
a convertirse o a abandonar el país. Gran parte de ellos optó por lo segundo y dejó España,
pero los otros siguieron fieles a sus costumbres y maneras religiosas: son los sefardíes.
Más tarde, los monarcas iniciaron una labor intensa de cristianización, para neutralizar a los
musulmanes, población numerosa en Andalucía, Valencia y Aragón; pero no tuvo logros
importantes por lo que en 1502, a través de un decreto, se impuso obligatoriamente la
conversión al catolicismo o la expulsión al extranjero. Al contrario que los judíos, la
mayoría se quedo en España pasando a constituir la población morisca.
Los monarcas siguieron tomando medidas con el objeto de someter a la nobleza, que aún
ejercía su poder a través de los municipios. Nombraron a funcionarios llamados
corregidores, que representaban la autoridad real frente a las autoridades locales. De esta
forma quedaba anulado su poder, dejando sin efectividad a las Cortes (apenas las
convocaron). Crearon la Santa Hermandad para mantener el orden en las zonas rurales;
organizaron los Consejos para despachar todo tipo de asuntos y establecieron una eficiente
red administrativa y de tribunales de justicia: las Audiencias. Completó la obra el privilegio
obtenido del papado, que les permitía presentar a los candidatos para ejercer los cargos
eclesiásticos, con lo que, en la práctica, tuvieron poder sobre la Iglesia. Además,
controlaron los nombramientos de los cargos en el tribunal de la Inquisición.

d) Descubrimiento de América: La aventura descubridora más importante de la humanidad,

cuya figura más distinguida y esencial fue la de Cristóbal Colón, y que sobre todo destacó
por hacer posible lo que recientemente se ha dado a llamar el encuentro de dos mundos.

Fue enviado por la reina Isabel de Castilla, la cual vendió todas sus joyas, para que
descubriese una nueva ruta para llegar a la India. Larga y costosa, nada casual, estuvo
motivada por una serie de factores sociales, económicos, religiosos y técnicos; y se apoyó
en impulsos políticos y científicos.
Partió del Puerto de Palos con tres calaveras: la Niña, la Pinta y La Santa María. Colón
llegó a nuevas tierras, desconocidas hasta entonces; era la Isla de San Salvador. A este
nuevo continente lo llamaron América.
Arquitectura del Renacimiento o renacentista es aquella producida durante el período
artístico del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento" \o "Renacimiento"
Renacimiento
 europeo, que abarcó los
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XV" \o "Siglo XV"
siglos XV
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XVI" \o "Siglo XVI"
. Se caracteriza por ser un momento de ruptura en la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_Arquitectura" \o "Historia de la
Arquitectura"
Historia
de la Arquitectura, en especial con respecto al estilo arquitectónico previo:
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_g%C3%B3tica" \o "Arquitectura
gótica"
el Gótico
; mientras que, por el contrario, busca su inspiración en una interpretación propia del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_cl%C3%A1sico" \o "Arte clásico"
Arte clásico
, en particular en su
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_de_la_Antigua_Roma" \o
"Arquitectura de la Antigua Roma"
vertiente arquitectónica
, que se consideraba modelo perfecto de las
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Bellas_Artes" \o "Bellas Artes"
Bellas Artes
.
Produjo innovaciones en diferentes esferas: tanto en los medios de producción (
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/T%C3%A9cnicas_de_construcci%C3%B3n" \o
"Técnicas de construcción"
técnicas
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Materiales_de_construcci%C3%B3n" \o
"Materiales de construcción"
materiales
constructivos) como en el
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Lenguaje_arquitect%C3%B3nico" \o
"Lenguaje arquitectónico"
lenguaje arquitectónico
, que se plasmaron en una adecuada y completa teorización.
Otra de las notas que caracteriza este movimiento es la nueva actitud de los
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Arquitecto" \o "Arquitecto"
arquitectos
, que pasaron del anonimato del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Artesano" \o "Artesano"
artesano
a una nueva concepción de la
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Profesional" \o "Profesional"
profesionalidad
, marcando en cada obra su estilo personal: se consideraban a sí mismos, y acabaron por
conseguir esa consideración social, como
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Artista" \o "Artista"
artistas
interdisciplinares y humanistas, como correspondía a la concepción integral del
HYPERLINK "http://es.wikipedia.org/wiki/Humanismo" \o "Humanismo"
humanismo
renacentista. Conocemos poco de los maestros de obras románicos y de los atrevidos
arquitectos de las grandes catedrales góticas; mientras que no sólo las grandes obras
renacentistas, sino muchos pequeños edificios o incluso meros proyectos, fueron
cuidadosamente documentados desde sus orígenes, y objeto del estudio de tratadistas
contemporáneos.
Períodos [editar]La Historia de la Arquitectura del Renacimiento, como éste mismo, suele
dividirse en dos grandes períodos denominados en italiano por el numeral de los años:[1]

Siglo XV o Quattrocento, el Renacimiento temprano, momento en que se destacan las

figura de Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti. Es una arquitectura que aspira al
Clasicismo y que pone los puntales teóricos de la canonización del estilo, que caracterizará
al período siguiente.
Siglo XVI o Cinquecento, a su vez dividido en dos fases:
Fase de culminación o madurez: el Renacimiento medio, que cubre el primer cuarto del
siglo XVI (hasta el saco de Roma de 1527). Durante ese periodo, los principales arquitectos
italianos intervinieron en los distintos proyectos del inicio de las obras de la Basílica de San
Pedro (Donnato Bramante, Antonio da Sangallo el Viejo, Rafael y Miguel Ángel).
Fase del Manierismo: el Renacimiento tardío, desde mediados del siglo XVI hasta el
comienzo del siglo XVII (en que se inicia la arquitectura barroca). En esta fase, siguiendo
la maniera de Miguel Ángel, las individualidades de los arquitectos comienzan a
sobreponerse al proyecto teórico clásico. Destacan maestros como Andrea Palladio y Giulio
Romano.

Características generales de la Arquitectura del Renacimiento [editar]

Fundamentos generales del Renacimiento [editar]
La Escuela de Atenas, una de las escenas de las Estancias Vaticanas de Rafael Sanzio
(1512-1514) es una obra que muestra la relación del Renacimiento con el Humanismo y el
Clasicismo. En un entorno arquitectónico inspirado en las obras de la Basílica de San Pedro
en que el propio Rafael intervino, aparecen retratados, encarnando a los sabios griegos,
muchos de los arquitectos y artistas contemporáneos.Artículo principal: Renacimiento
La Arquitectura del Renacimiento estuvo bastante relacionada con una visión del mundo
durante ese período sostenida en dos pilares esenciales: el clasicismo y el humanismo.

Hay que destacar que los ideales y valores renacentistas no pudieron surgir totalmente
desvinculados del acervo medieval que le precedió, sin embargo, los conceptos que
subyacen a este estilo arquitectónico se construyeron sobre la consciente y efectiva ruptura
de la producción artística de la Edad Media, en especial del estilo gótico.

Podemos analizar las siguientes características generales:

Búsqueda del ideal clásico: A través del clasicismo, los hombres del Renacimiento miraban
hacia el mundo greco-romano como modelo para su sociedad contemporánea, buscando
aplicar en la realidad material cotidiana aquello que consideraban que pertenecía a un
mundo más idílico que real. En este sentido, la Arquitectura, en especial, intentó concretar
conceptos clásicos como la belleza, surgiendo así la teorización y ordenación del
movimiento, fundamentado en la Arquitectura clásica griega y romana. Según los teóricos
renacentistas éste era el camino idóneo para alcanzar el mundo ideal.
Visión profana sobre temas religiosos: Los valores clásicos, desde el punto de vista del
Cristianismo, de enorme influencia en este período (teniendo el cuenta que el Renacimiento
surge en Italia, donde la presencia de la Iglesia Católica fue decisiva para el Arte), eran
considerados paganos y de carácter pecaminoso. Para superar esta censura de la Iglesia
Católica, se integró la visión del mundo cristiano con el proyecto de recuperación de los
ideales clásicos, a través de escenas desacralizadas y edificios hechos a la medida del
hombre. Esta fue otra de las innovaciones del movimiento.
Influencia de la naturaleza: La naturaleza era vista como la creación suprema de la obra de
Dios y el elemento más próximo a la perfección (otro de los ideales que había que buscar a
través de la estética clásica). Así, se pasa de la búsqueda de la inspiración en la naturaleza,
a la inspiración en las formas de la propia naturaleza, tal como proponen los clásicos,
convirtiéndose esto en un valor autónomo.
Antropocentrismo y humanismo: Además de la naturaleza como creación perfecta, se
vuelve la mirada al ser humano: se deja atrás el teocentrismo medieval para entrar en el
antropocentrismo. El hombre se analiza, en vez de como ser creado a imagen y semejanza
de Dios, como medida y referencia del Universo. Así, será el objeto central de la
manifestación artística, con una importancia aún mayor que durante la Antigüedad clásica.
El humanismo, como corriente filosófica, se manifestó como un sentimiento comprometido
con la representación del hombre en el Universo, que así reafirmaba su presencia.
Propugnaba la filosofía humanista el estudio de la naturaleza como instrumento para llegar
al conocimiento, más del Universo en conjunto, que de las cosas singulares.

La importancia de la perspectiva [editar]

Plaza del Capitolio, en Roma, diseñada por Miguel Ángel, ejemplo de espacio
perspectivo.Un dato importante en la definición de espacialidad del Renacimiento es la
incorporación de la perspectiva como instrumento del proyecto arquitectónico y la noción
de diseño como forma de conocimiento.

La principal ruptura con el espacio medieval se produce en el momento en que los

arquitectos del Renacimiento pasan a diseñar en sus edificios un desarrollo en el que las
reglas del diseño son fácilmente asimilables por los usuarios del mismo. A partir de un
análisis objetivo del espacio, presidido por un cierto sentido empírico, llegan a conclusiones
que impondrán el propio ritmo del edificio y su entorno.

El dominio del lenguaje clásico, para hacer llegar estos efectos útiles en los edificios, hace
posible el estudio de la perspectiva. Como resultado, surge una arquitectura insertada en un
espacio perspectivo, integralmente aprehendido por el observador y cuyas relaciones
proporcionales se muestran de forma analítica y objetiva.

Estas nuevas relaciones espaciales son especialmente evidentes comparadas con el espacio
presente en las catedrales góticas. En ellas, la intención arquitectónica es que el observador,
desde el momento en que entra en el edificio, sea dominado por el espacio e instintivamente
alce su mirada hacia la cima, procurando así un movimiento ascendente en busca de la
figura de Dios. En otras palabras, toda monumentalidad de este espacio gótico tiene una
función, entre otras, que es poseer la voluntad del individuo y determinar sus deseos, la
función de su estancia y el uso del edificio. En el espacio renacentista, la intención es
justamente la contraria: el edificio no domina al individuo, sino que éste reflexiona sobre su
espacialidad y la maneja. Se traslada el concepto de una arquitectura a la medida de Dios a
la de una a la medida del hombre.

La tratadística renacentista Inspiración vitruviana

Leonardo da Vinci fue uno de los artistas que se inspiraron en Vitruvio. Este diseño, el
Hombre de Vitruvio es la interpretación de Leonardo para las reglas de proporción
definidas por Vitruvio en su Diez libros de arquitectura.La recuperación del ideario de la
arquitectura clásica, introducida por la cultura del Renacimiento, debió necesariamente
trascender de la mera observación de la realidad. La arquitectura producida por los artistas
renacentistas, humanistas en general, procuraban mantener una imagen erudita y literaria,
más allá de la mera reproducción de las ruinas greco-romanas. Los arquitectos creaban
siempre en busca de un modelo ideal, en detrimento de los modelos existentes (con gran
número de ruinas en especial en Italia). Estos modelos ideales o idealizados fueron
sistematizados y plasmados de forma teórica, en lo que dará origen a los tratados de
Arquitectura clásica de la época.
Sin duda, para la creación del modelo teórico, la observación de las ruinas fue la
inspiración predominante de los primeros arquitectos renacentistas italianos, pero a medida
que el Renacimiento evolucionaba, los estudiosos, pasarán, sistemáticamente, de ofrecer o
recuperar los cánones y obras técnicas del clasicismo a redactar sus propios tratados del
estilo, que aunque basados en el clasicismo, llegan a ser efectivamente anti-clásicos.

Es destacable para la formación de la tratadística renacentista la preservación de los diez

libros de De Architectura del arquitecto romano Marco Vitruvio, del siglo I a. C., básicos
para la difusión de las ideas de canon y orden. Éste fue el único tratado del período clásico
que sobrevivió tras la caída de Roma, durante la Edad Media, habiendo sido copiado y
conservado, de forma fragmentaria en general, en las bibliotecas de los monasterios. Por
eso, a medida que los volúmenes eran copiados y traducidos, los diseños y dibujos que
componían los tratados fueron perdiéndose, por lo que el contenido del tratado se convirtió
con el paso del tiempo en confuso y en ocasiones, contradictorio. Por este motivo, gran
parte del esfuerzo de los tratadistas renacentistas sería el recuperar el contenido perdido,
llegando para su consumación a aventurar patrones que en modo alguno existían en el texto
original.

El tratado vitruviano, como único gran referente teórico de la arquitectura clásica, y pesar
de su carencia de contenido, sirvió de base para todos los principales estudios realizados
por el Renacimiento. Por ejemplo, un trabajo nítidamente derivado del vitruviano son los
diez libros de Leon Battista Alberti, conocidos como De re aedificatoria.

Los tratados y la posición social del arquitecto La búsqueda del ordenamiento clásico en la
tratadística del período. Esta imagen forma parte de un tratado de Vignola (Las reglas de
los cinco órdenes de la Arquitectura).Junto a la inspiración vitruviana, un elemento que va a
caracterizar los principales tratados renacentistas (especialmente aquéllos que fueron
redactados en los primeros momentos del Renacimiento) es el hecho de que sus autores
procuraban, en ocasiones con una preocupación mayor que el afán investigador, posicionar
al arquitecto como una figura típicamente perteneciente a la élite fundamental en cualquier
estructura social. Tal determinación en cuanto a la profesión no es, claramente un caso de
mero «corporativismo» de aquellos tratadistas, sino un fenómeno que está absolutamente
ligado a la ascensión social que el artesano convertido a artista sufre (véase en las próximas
secciones para un análisis más profundo de esta situación). En este sentido, los tratados
sirven de modo efectivo como medios de propaganda del nuevo profesional, en oposición a
la visión tradicional (que asociaba inexorablemente el arquitecto a las actividades manuales
y por tanto, populares y anti-intelectuales). La constatación de esta modificación en la
categoría de los arquitectos como artistas nobles e intelectuales, diferente de los «meros
artesanos de origen popular» también se evidencia cuando se verifica para quienes estaban
escritos estos tratados: en general, eran dedicados a la nobleza (o un noble en particular),
poseían un estilo refinado y abordaban cuestiones directamente de interés público de los
príncipes que componían la estructura política italiana.

A pesar de que la Arquitectura romana también se preocupó de esta cuestión (El tratado
vitruviano resalta este dato, visto que estaba concebido como una carta dirigida al
emperador), la manifestación de este deseo de afirmación social por parte de los arquitectos
renacentistas es un elemento nuevo de este período cuando se compara con la forma de
producción artística medieval. Ésta se caracterizaba por la creación colectiva (y anónima,
por excelencia) y dominada por la cultura del saber fazer. Los tratados formalizan el deseo
del hombre renacentista de manifestarse como individuo ante el mundo y colaborador
necesario para contextualizar la Arquitectura como disciplina académica.

Toda esta teoría se fija claramente en la ya citada obra albertiana De re aedificatoria. En

ella, Alberti expresa esta nueva visión del arquitecto cuando declara categóricamente que
"el arquitecto es el brazo del príncipe". Retoma la interpretación vitruviana de la
arquitectura y afirma que ésta no se limita a la mera construcción, porque la verdadera
arquitectura está dotada de virtud, concepto clásico asociado al dominio de los hombres. Si
la Arquitectura es virtuosa, naturalmente sirve como pieza del juego político, ya que tal
dominio de los hombres forma parte de la formulación de la política clásica (fundada en la
idea de ciudad como lugar de convivencia y germinadora de la política). En conclusión, el
estudio riguroso que hacen de los órdenes arquitectónicos clásicos está siempre, según su
concepción, ligado a esta característica virtuosa de la arquitectura. La estética del
Renacimiento es, por lo tanto, también un reflejo de un determinado pensamiento político.

Historia de la Arquitectura renacentista Santa Maria della Consolazione en Todi:Típica

iglesia de planta central, tipología extendida en el Renacimiento.La Arquitectura
renacentista se desarrolla a partir del siglo XV principalmente en Italia. Es común atribuir
el lugar de génesis a la ciudad italiana de Florencia, ciudad donde el gótico apenas había
penetrado, en el momento de la construcción de la cúpula de la Catedral de Santa María del
Fiore proyectada por Filippo Brunelleschi. Tal episodio no sólo es un mero cambio en el
perfil estilístico que predominaba en el escenario arquitectónico florentino, sino la
demostración clara de la ruptura que vendría posteriormente en la propia forma de producir
la arquitectura, abriendo camino para, no sólo redescubrir el clasicismo, sino también para
la promoción de la tratadística y para una teorización inédita sobre el tema. Son muchos los
estudiosos que afirman que Brunelleschi construyó, de hecho, no sólo una cúpula, sino el
concepto de un nuevo tipo de arquitecto: altera las reglas de la construcción civil iniciando
un proceso que, gradualmente, separará al proyectista del constructor.

Un hecho a destacar en la producción de Brunelleschi es que se manifiesta más importancia

en el campo de la construcción que en el del estilo. Se asimila esto cuando se observa la
obra en su conjunto, percibiéndose que, a pesar de querer seguir la canonización clásica, se
produce un edificio que no es completamente comprometido con dichas reglas clásicas.
Esto es causado por la carencia del arquitecto de conocimiento profundo de las normas
clásicas, al que accedía más por la observación de las ruinas romanas existentes que por el
estudio de los tratados.

Asimismo, Brunelleschi inicia una tradición que se separa al arquitecto de los antiguos
gremios medievales y cuya profesionalización es cada vez más patente en la época,
afirmándose como intelectuales alejados de la construcción propiamente dicha. Muchos
críticos que analizan el fenómeno desde una óptica marxista identifican aquí el momento en
el que la incipiente burguesía toma de las clases populares el dominio de los medios de
producción (dejando éstas de poder construir y pasarán a poder diseñar), posibilitando así
un proceso de explotación del proletariado por el capital, que se recrudecerá durante la
Revolución Industrial.

Momento inicial: La cúpula de Santa María del Fiore Artículo principal: Santa María del
Fiore

Comienza el Renacimiento en la Arquitectura: cúpula del Duomo de Santa María del

Fiore.La catedral de Santa María del Fiore fue inicialmente ejecutada en estilo tardo-
románico, pero su construcción duró varias generaciones (fue iniciada en 1296 y a la
muerte de Brunelleschi, en 1446, aún no se había concluido). No fue un edificio
proyectado: su diseño y su construcción se armaron de forma paralela. Aunque existía un
plano general para su forma y distribución interna, los detalles constructivos, según era
corriente en la práctica edificativa medieval, iban siendo resueltos a medida que avanzaba
la construcción, en la propia obra. Por tanto, a pesar de que la necesidad de construir una
gran cúpula sobre un determinado punto de la iglesia preexistía, la forma de la misma no
había sido decidida de antemano. Cuando llegó el momento de erigirla, los artesanos
florentinos se encontraron con un vano de 40 metros, imposible de cubrir con las técnicas
constructivas tradicionales.

La solución encontrada en 1418, cuando la República de Florencia ya mostraba claras

intenciones de manifestar su poder económico en la arquitectura de la ciudad —con lo que
la catedral se convirtió, por tanto, casi en una tarjeta de visita—, fue promover una especie
de concurso de ideas para la conclusión del templo, que conllevaba, claro está, la solución
al problema de la cúpula. Filippo Brunelleschi, que era, en la época, un artesano
relativamente reconocido, aceptó el desafío. Decidió, para ello, viajar a Roma en busca de
inspiración. Roma, en ese período, era el lugar del mundo en el que las ruinas de la
Antigüedad clásica eran más visibles, casi integradas en el paisaje. La principal fuente de
inspiración para Brunelleschi fue el Panteón de Agripa: una estructura con un diámetro
similar al de Santa María dei Fiori, rematado con una cúpula en arco pleno. Brunelleschi no
sólo observó la solución constructiva utilizada en el Panteón, sino que comenzó a estudiar
las relaciones estilísticas, proporcionales y formales entre los diferentes elementos que
componían ese espacio. Y fue efectivamente esta actitud la que hizo que se gestara el
espíritu del Renacimiento: un individuo observa una determinada realidad a través del
deseo y de la intención con la que interfiere en aquella realidad antigua para buscar
soluciones útiles aplicables a la realidad moderna. Brunelleschi no tenía plena conciencia
de la teoría clásica, pero reconoció un modelo estilístico que usaría para construir e idear su
propia arquitectura.

A su vuelta a Florencia, lleno de esa experiencia con el mundo clásico, Brunelleschi

propuso una solución para la catedral florentina: una gran cúpula de 42 metros rematada
por una linterna, basándose en sus pesquisas en Roma. Pero no se limitó a reproducir el
modelo romano, sino que propuso una forma totalmente innovadora: su cúpula sería la
primera con tambor octogonal de la historia de la arquitectura. Esta cúpula posee una
función estética (bella pero austera, sin dar sensación de pesadez), pero también una
función ideológica: representa la unidad cristiana. Para su construcción, Brunelleschi utilizó
un juego de doble cúpula, una interna y otra externa, formadas por dos capas construidas
con dos roscas de ladrillo separados por una rosca de ladrillo a perpiaño, que avanzan en
forma de espiral que hace más rígido el conjunto a la vez que configura un espacio como
cámara de aire que da ligereza a la cúpula, dibujando a la vez hilos directores y rematada
con linterna.
El Quattrocento: El dominio del lenguaje clásico
Ventana del palacio Rucellai.Artículo principal: Quattrocento
Brunelleschi, por lo tanto, quedará en la Historia del Arte como el responsable de haber
trazado el camino que prácticamente todos los arquitectos del Renacimiento seguirán para
realizar sus obras. Como se ha dicho antes, sin embargo, el arquitecto florentino no tenía
pleno conocimiento de los diferentes órdenes sistematizados en el lenguaje clásico, lo cual
se pone en evidencia cuando acaba creando un lenguaje arquitectónico propio, en el que los
elementos clásicos aparecen pero no responden al estilo antiguo.

Los arquitectos que siguieron este método trazado por Brunelleschi fueron sin embargo
responsables de la plena recuperación del lenguaje clásico. El dominio del clasicismo se
logró de hecho a lo largo del siglo XV (aunque su sistematización definitiva no llegó hasta
la publicación del tratado de Sebastiano Serlio en el siglo siguiente) y encontró en Donato
Bramante a su figura más paradigmática. Para entonces (especialmente después de que
Alberti expusiera su teoría de la arquitectura en su tratado De re aedificatoria) ya se
conocían de modo más fehaciente las formas constitutivas de las arquitecturas griega y
romana como posibilidades de composición, y tanto sus soluciones concretas como la
síntesis espacial propia de la arquitectura clásica eran, en general, conocidas. Así, los
arquitectos renacentistas tuvieron a su disposición todo el potencial creativo que ofrecían el
lenguaje y la técnica clásicas y el espíritu de su época. El lenguaje arquitectónico del
Renacimiento se expresó a través, no de las copias de los clásicos, sino de su superación.

ARTE BARROCO Y ROCOCO

El arte barroco

El Barroco es el arte del siglo XVII y de comienzos del siglo XVIII. El origen del estilo se
encuentra en la ciudad de Roma, desde donde se difundió hacia toda Europa y hacia
América.

Barroco: Este termino deriva de la palabra "berrueco" que significa piedra irregular
Arte y poder
El Barroco fue la manifestación plástica de los poderes establecidos: el Papado, la
monarquía absoluta y la burguesía mercantil, Cada uno de ellos se sirvió de la arquitectura,
la pintura y la escultura para expresar sus ideas y destacar su papel en la sociedad.

• La monarquía absoluta utilizó la magnificencia y las posibilidades decorativas del

Barroco como arte de propaganda.

• El Papado reaccionó contra la división que provocó la Reforma iniciada por Lutero
generando el movimiento que se conoció como Contrarreforma. Las disposiciones del
Concilio de Trento y la creación de la Compañía de Jesús permitieron reforzar el dogma y
exaltar la autoridad de la Iglesia. La arquitectura, la escultura y la pintura fueron utilizadas
para destacar el prestigio de la autoridad papal e ilustrar las verdades de la fe. Por eso, al
Barroco se lo ha llamado también el arte de la Contrarreforma.

Éxtasis de Santa Teresa. Escultura de Gian Lorenzo Bernini, 1647.

Iglesia de Santa María de la Victoria, Roma.
• La burguesía alcanzó gran importancia durante los siglos XVII y XVIII. Este grupo fue el
soporte de las recientemente independizadas Provincias Unidas de los Países Bajos y fue un
factor determinante para el desarrollo de Inglaterra. En otras naciones, muchos de sus
integrantes más notorios se mezclaron con la antigua nobleza y, en algunos casos,
alcanzaron la nobleza. El arte del Barroco fue usado por la burguesía para expresar sus
ideas y trascender más allá de su época.
Un arte monumental y dramático
El estilo barroco se caracterizó por la monumentalidad de sus creaciones y por producir
efectos teatrales y dramáticos mediante el uso de formas curvas y espiraladas y de colores
fuertemente contrastados.,

• Urbanismo y arquitectura. Una de las características más notables del arte barroco fue el
desarrollo urbanístico. Además de construir avenidas, el urbanismo barroco estableció la
costumbre de abrir amplios espacios delante de los edificios. También fueron frecuentes las
plazas enmarcadas por construcciones, en las que muchas veces se instalaban fuentes. Los
elementos más característicos de la arquitectura barroca son la grandiosidad, tanto en el
exterior como en el interior de los edificios, el triunfo de las líneas curva y mixtilínea sobre
la recta —por ejemplo, en las columnas salomónicas, el fuste o cuerpo de la columna se
retuerce en espiral— y el claroscuro —los planos y las superficies quebradas producen
efectos de luz y sombra en las fachadas y en el interior del edificio. El urbanismo tuvo en
Roma su ejemplo más destacado. La ciudad comenzó a tener, ya desde fines del siglo XVI,
el perfil teatral característico del trazado urbano barroco, que luego se difundió por un gran
número de ciudades europeas y americanas. Domenico Fontana, mediante amplias
avenidas, unificó el centro de la ciudad de Roma y conectó diversas iglesias y monumentos
cristianos.
El Urbanismo Barroco: “El Barroco se caracteriza por su afán integrador de espacios en un
todo unitario, ya sea urbano o paisajístico. Es el gran momento del urbanismo moderno. En
este período surgen los planes reguladores de lo que se ha llamado ‘la ciudad capital’.
Roma es el prototipo de esa ‘ciudad capital’. Su desarrollo urbanístico se había iniciado de
manera efectiva en tiempos de Julio u, pero su máximo organizador fue Sixto y (1585-
1590), ayudado por el arquitecto Domenico Fontana...
JUAN RAMÓN TRIADÓ. Las claves del arte barroco. Barcelona, Ariel, 1985.

De ese modo facilitó la visita de lugares fundamentales para la religión. Los fieles,
siguiendo el trazado de la llamada “Strada Felice” (recibió este nombre porque el papa
Sixto y se llamaba Félix Peretti), podían visitar siete iglesias.
• Escultura. La expresión de movimiento y dinamismo también triunfa en la escultura. Las
imágenes muestran pasiones violentas y exaltadas y actitudes teatrales.
• Pintura. El naturalismo, la expresividad de las figuras representadas y el intenso
claroscuro son las características más importantes de la pintura del período.

Fuente de la Plaza Navona: Esta plaza es otra importante realización barroca. Su forma
alargada y con las puntas redondeadas deriva de que ella se fue constituyendo, a través del
tiempo, sobre las ruinas del circo del emperador romano Domiciano. Durante el siglo xvw
se construyó la iglesia de Santa Inés y las tres fuentes. La central es la Fuente de los Cuatro
Ríos, que en la fotografía aparece en segundo plano. El amplio espacio de la plaza permitía
celebrar fastuosas fiestas, características de la época barroca.

Plaza de la Basílica de San Pedro, Roma. Gian Lorenzo Bernini.

Esta plaza fue construida entre los años 1656 y 1667. La iglesia se abre a un gran espacio
oval, limitado por una doble columnata que simboliza los brazos de la Iglesia, abiertos para
recibir a los cristianos. Sobre la fachada de la basílica aparecen esculturas de Cristo y de los
apóstoles. En cambio, sobre la columnata se encuentran las imágenes de los santos y santas,
los apóstoles y los mártires. El conjunto de todas las imágenes expresa la gloria de la
Iglesia. El amplio espacio limitado por la columnata permite reunir a un gran número de
fieles.
En el centro de la plaza, un obelisco egipcio, coronado con el orbe y la cruz, señala el
triunfo del cristianismo sobre el paganismo. Las dos fuentes situadas a uno y otro lado del
obelisco, representan el bautismo.
El gran espacio de la plaza se convierte, así, en un escenario donde se desarrollan las
grandes ceremonias típicas del período barroco.
Fuente de los Cuatro Ríos. Gian Lorenzo Bernini, 1648 (detalle).
Esta fuente alude al triunfo y a la expansión del cristianismo en la tierra. simbolizados en el
orbe y la cruz que se encuentran sobre el obelisco. Las personificaciones del río Ganges.
del río Danubio, del río Nilo y del Río de la Plata señalan la presencia de la fe en los cuatro
continentes. Cada una de las representaciones está acompañada por plantas y animales
típicos de la región donde se encuentra el correspondiente río.
EL ARTE EN LA HISTORIA - EPOCA BARROCA Ampliar Arte Barroco

Durante este siglo la figura más resaltante es Miguel Ángel Buonarroti, quien realiza
numerosas obras con características muy propias, que lo distinguen de otros escultores de la
misma época, también sobresale la obra de Benvenuto Cellini, entre otros.
 Entre las principales características de estas obras tenemos:
Fuerza expresiva, dinamismo, dramatismo.
Dominio anatómico.
Figuras llenas de abundante vitalidad.
Demostración de gestos y actitudes en sus figuras.
Fuerte influencia clásica.
Materiales: bronce y mármol preferiblemente.
PINTURA
La pintura renacentista está plena de religiosidad, sin embargo, cada artista busca su propio
estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia.
Durante el renacimiento surgen diversas escuelas, estas adquieren el nombre de la ciudad
donde se desarrollan, entre estas se citan: la Escuela Florentina, la Veneciana, la de Siena,
la de Umbría, la de Parma, la de Verona, la de Padua, la de Milán y la de Carrara.
Los pintores también se agrupan, pero por generaciones, así, tenemos los del Quattrocento
(1400) y los del Cinquecento (1500). Hay otra clasificación muy utilizada pra caracterizar
las obras pictóricas del renacimiento, la cual es:

Renacimiento Temprano: que abarca desde el año 1420 hasta el año 1500 y cuyos
representantes más significativos son Fran Angélico de Fiesole, Masaccio, Piero della
Francesca y Sandro Botticelli, entre muchos otros, con pinturas verdaderamente grandiosas.
Alto Renacimiento: que comprende el período que va desde el año 1500 hasta el año de
1527, en el cual se destacaron famosos pintores: Miguel Ángel, Leonardo da Vinci,
Tiziano, Pablo Veronés, Tintoreto, Rafael Sanzio, Juan Van Eyck, Alberto Durero, Jean
Cousin y el Greco.
CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA RENACENTISTA
Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la
mitología o de la historia.
Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están reproducidos
con el mayor cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos reales.
El cuadro se presenta como un escenario: un espacio cúbico, sugerido por medio de los
recursos que enseña la perspectiva geométrica recién descubierta y dan la ilusión de
profundidad. El punto de vista del pintor suele estar en el centro del cuadro.
La composición está sometida a esquemas intelectuales, es decir, razonados. Suele
preferirse la forma simétrica en la distribución de las figuras.
En cuanto a los esquemas de composición preferidos, el triangular (con el vértice arriba o
invertido) y el rectangular con la división del espacio en segmentos áureos. En algunos
casos, los triángulos son dos combinados.
En general, es una pintura dibujística, que se fundamenta en el poder definidor y expresivo
de la línea, y considera el color como un accidente de la materia de importancia secundaria.
Las formas se cierran con un dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es
absoluta.

Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se

estudia y copia cuidadosamente.
A partir del siglo XV, se usará en vez del temple, la técnica del óleo, inventada por los
pintores flamencos, que facilitará el desarrollo de la pintura de caballete.
EL DIBUJO Y EL GRABADO
Los grandes pintores del renacimiento fueron dibujantes de primera. Los apuntes, bocetos y
estudios que conocemos de Boticelli, Durero, Buonarroti, da Vinci o Sanzio, quienes se
destacaron por su majestuosa obra pictórica, revelan gran maestría en el manejo del lápiz.
El que más se destaca como dibujante es Leonardo da Vinci, ya que a través del dibujo
realiza sus famosos estudios anatómico. Su dibujo está pleno de rasgos finos pero firmes,
destacando las expresiones humanas.
Sin embargo, el dibujo como técnica independiente, con valor por sí misma, no fue
considerado en la época, quedando reducido sólo a un medio auxiliar de la pintura, para
tomar apuntes rápidos del natural o hacer estudios de composición, perspectiva,
movimiento, anatomía y otros aspectos del cuadro que iba a pintarse.
Las técnicas que solían emplear eran el carboncillo, la sanguina, el lápiz y la tinta sobre
papel. Pero si el dibujo no tuvo mucho interés para los artistas del renacimiento, en cambio
el grabado, sobre todo entre los alemanes fue muy cultivado y se trabajó como una técnica
autónoma, paralela a la de la pintura, en sus dos formas principales: el grabado en metal
(calcografía) y el grabado en madera (xilografía), a cuya difusión contribuyó el reciente
invento de la imprenta en 1450.
- BARROCO
Este estilo se inicia en Italia en el siglo XVI y perdura hasta finales del siglo XVIII, se
extendió por todos los países europeos, desarrollando características propias en cada país.
En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos
ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos
y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las representaciones de
personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos
de clase social alta, son más adornadas las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos
estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el
manejo de las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color. En Italia se
produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este país se
destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; en Francia destacaron Nicolás
Poussin, Georges de La Tour y Claude Gelée Lorrain; en España el barroco se torna serio y
formal, representado magistralmente por Diego Rodríguez de Silva y Velásquez, Francisco
Zurbarán, José de Ribera y Bartolomé Esteban Murillo. En los países bajos el barroco
generó dos escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue
representada por Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la Holandesa,
la cual produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes personajes: Rembrandt H. Van
Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft.

Este arte se desarrolló entre los siglos XVII y parte del XVIII, su punto de partida fue
Italia, Roma, concretamente, donde dejó monumentos grandiosos en el orden de la
arquitectura. De Italia pasó al resto de Europa y llegó incluso a Rusia. A través de España,
el Barroco se difundió por toda América y alcanza su momento culminante en el siglo
XVIII.
ARQUITECTURA: Los dos tipos de obra arquitectónica que el barroco desarrolla son la
Iglesia y el Palacio. La iglesia, como típico estilo tiene dos robustas torres laterales que
enmarcan la gran linterna con su cúpula. El palacio, que toma por modelo el de Versalles,
consiste en una larga edificación de varias plantas, cuyo cuerpo central contiene la mayor
densidad de elementos decorativos y forma un frontis de gran valor artístico. Elementos
esenciales del palacio barroco son las galerías, que son salones largos, abovedados y con
ventanales, y la escalera "a la imperial".

PINTURA: En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y
los efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales,
vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las
representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales,
pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas, pelucas,
encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la
pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del
color. En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista,
en este país se destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; en Francia
destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y Claude Gelée Lorrain; en España el
barroco se torna serio y formal, representado magistralmente por Diego Rodríguez de Silva,
Velásquez, Francisco Zurbarán, José de Ribera y Bartolomé Esteban Murillo. En los países
bajos el barroco generó dos escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo XVI en
Flandes y fue representada por Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y
la Holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes personajes:
Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft.
ESCULTURA: La escultura barroca muestra las siguientes características:
MOVIMIENTO: las figuras se representan en alguna acción violenta y en actitudes de
esfuerzo y tensión. Las ropas participan también de esta agitación y se arrugan en pliegues
que revolotean como sacudidos por el viento.
PATETISMO: gusta de la expresión de estados anímicos emotivos tales como: éxtasis,
miedo, ansiedad, etc., que los rostros traducen con el más vivo verismo.
CLAROSCURO: se buscan efectos propios de la pintura, de manera que los cuerpos se
perciben como envueltos en una atmósfera luminosa.
TEATRALIDAD: existe una propensión a lo exagerado y a las actitudes elocuentes que
hacen de ella una representación dramática.

- EL ROCOCÓ
Estilo característico del siglo XVIII europeo, que sucedió al barroco y precedió al
neoclásico. El término procede del francés Rocaille, que designaba en el siglo XVII la
decoración de las grutas y jardines renacentistas a base de conchas. El Rococó floreció
principalmente en Francia, en un principio junto con el barroco, hasta que adquirió un
lenguaje propio que se difundió por toda Europa. Mientras la arquitectura conservaba su
rigidez de origen clásico, los elementos decorativos del rococó aportaron fantasía y
elegancia a las construcciones, pero fue sobretodo en los interiores donde la decoración
rococó consiguió los mayores logros.

ARQUITECTURA: Los adornos que, representando falsas rocas, adheríanse a la

arquitectura de las grutas y las cascadas, llamados rocallas, fueron el principal elemento
nuevo, introducido para sustituir el rígido sistema de los órdenes clásicos, para evocar en la
arquitectura el frescor y la alegría de lo primitivo y lo campestre. Los palacios son los
primeros en adoptar como elementos básicos caprichosos recuadros, columnas esculpidas,
conchas, etc.

ESCULTURA: Alemania acogió el rococó con tal entusiasmo que le fue difícil
desprenderse de él . Un gran escultor del siglo rococó fue Andrea Schluter, autor de la
efigie ecuestre del elector Federico Guillermo, en la cual puede observarse como el
movimiento de masas y líneas, que en el tiempo barroco afectaba solamente a la
concepción del conjunto, en el siglo XVIII fue utilizada como un detalle para dar vida a
cada pormenor de los cuerpos.

PINTURA: El carácter de la época rococó, enamorada de la intimidad, favoreció en

pintura, lo mismo que en la escultura, el cultivo del retratismo. Este hubiese carecido de
gracia sin el realismo, y por tanto, se inspiró en la pintura holandesa y flamenca,
especialmente en Van Dyck. El cliente ya no es el Rey, con las grandes necesidades
decorativas de un palacio, sino que se halla entre los nobles y burgueses adinerados a los
que ha dejado de interesar las composiciones históricas y mitológicas, aunque a menudo, se
complacen todavía en hacerse retratar caracterizados como personajes de fábula.

ARTE NEOCLASICO.

El arte neoclásico llega motivado por la nueva atracción que despierta el mundo clásico, el
interés surgido por la arqueología, las excavaciones de Herculano y Pompeya y el rechazo
hacia las formas del barroco.
Características de la arquitectura neoclásica
Se inspira en los monumentos de la antigüedad grecorromana.
Concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en la simetría y en
las proporciones sujetas a las leyes de la medida y las matemáticas.
Reacciona contra los efectos decorativos del barroco y el rococó.
Gusto por la sencillez, con predominio de lo arquitectónico sobre lo decorativo.
Emplea elementos básicos de la arquitectura clásica: columnas, ordenes dórico y jónico,
frontones, bóvedas, cúpulas, etc.
La irrupción del arte neoclásico en España provine del exterior más que por una necesidad
interna de renovación. El desarrollo del barroco quedó interrumpido al sustituir en el trono
de España a la dinastía de los Habsburrgo por la de los Borbones, con Felipe V. El joven
rey, que venía de Francia, se instaló en la corte española con un grupo de artistas franceses
e italianos y con ellos entraron las corrientes artísticas extranjeras.
Las Academias desempeñaron un papel fundamental en la difusión de los principios del
arte clásico ya que eran las encargadas de formar a los artistas. En España se funda la
Academia de Bellas Artes de San Fernando.
El antiguo Alcázar de Madrid, residencia de los Austrias, había sido destruido por un
incendio en 1734. Felipe V se propuso levantar un nuevo palacio, El Palacio Real, en el
mismo emplazamiento, para lo que solicitó la presencia del arquitecto siciliano Filippo
Juvara.
Tras la muerte de Juvara, será su discípulo Giambattista Sacchetti quien continúe con el
proyecto introduciendo algunas mejoras.
El edificio presentado por Sacchetti se desarrolla alrededor de un gran patio cuadrado, con
galerías de circulación en los cuatro lados. En el exterior, las fachadas tienen el cuerpo
central avanzado ligeramente, al igual que los cuerpos de los ángulos que también
sobresalen del plano de la fachada. Los pisos bajos forman como una especie de basamento
sobre el que levantan columnas gigantescas. El patio central no presenta adornos
escultóricos, es de líneas precisas, académicas.
En la obra del Palacio Real se formaron muchos de los futuros arquitectos españoles y
muchos escultores y pintores que trabajaron en su decoración, como es el caso de ventura
Rodríguez.
Ventura Rodríguez (1718-1785)
La trayectoria de Ventura Rodríguez se sitúa a caballo entre las dos grandes corrientes
artísticas del momento, el barroco y el neoclasicismo. A su periodo inicial corresponden sus
obras barrocas, en las que afloran frecuentes influencias del barroco italiano.
La gran obra es la remodelación de la Basílica de El Pilar de Zaragoza, encargada por
Fernando VI a instancia del Cabildo de la Seo zaragozana.
Realizó la capilla que debía albergar la imagen de la Virgen para su culto. Construyó un
templete de orden compuesto a modo de baldaquino con bóveda elipsoidal.
En esta capilla es donde se produce la transición del estilo barroco al neoclásico,
manifestándose éste último en la decoración interior del templo.
A partir de 1760 abandonó la tendencia barroca a favor del neoclasicismo. En la Iglesia de
los Agustinos de Valladolid vemos el triunfo del neoclasicismo en la fachada, aunque el
interior es todavía de planta circular.
Entre sus últimas obras destaca la fachada de la catedral de Pamplona (1873), severamente
clásica, con un pórtico tetrástilo entre dos torres cuadradas.
Francisco Sabatini (1722-1797)
Cuando sube al trono Carlos III y tras la muerte de Sacchetti, el arquitecto italiano es
nombrado arquitecto real, momento en el que Ventura Rodríguez deja de trabajar para la
corte.
Intervino en la edificación de obras monumentales para Madrid, representativas del poder
real, como la Puerta de Alcalá, que conmemora la entrada de Carlos III en la capital. Consta
de cinco vanos, tres con arco de medio punto y dos adintelados.
Realiz
también la escalera principal del Palacio Real de Madrid o el edificio de la Aduana, hoy
Ministerio de Hacienda.
Juan de Villanueva (1739-1811)
Es la figura más importante de la arquitectura neoclásica española. Estudió siete años en
Roma pensionado por la Academia de San Fernando, entrando en contacto directo con la
Antigüedad.
Carlos III lo nombró arquitecto del príncipe y los infantes, trabajando casi en exclusiva para
la casa real.
A su regreso de Roma fue nombrado arquitecto de El Escorial, en cuyas cercanías levantó
la Casa de los Infantes, la Casita de Arriba y la Casita de Abajo, de aspecto totalmente
clasicista. Realizó también la Casita del Príncipe en El Pardo.
Su obra maestra del arte neoclásico es el edificio del Museo del Prado. El museo fue
concebido como Gabinete de Historia Natural y estaba incluido en una zona ajardinada de
función científica en la que se encuentra el Jardín Botánico.
La fachada principal se dispone a lo largo del paseo del Prado. En el centro hay una
monumental portada, constituida por un gigantesco pórtico dórico-toscano, aunque no lo
remata con frontón.
Villanueva concibió un edificio alargado siguiendo el eje de una luminosa galería rematada
e interrumpida en su centro por tres cuerpos de mayor volumen: dos cubos en los extremos
de la galería y una edificación de planta basilical en su eje central.
El cubo norte se articula en torno a una rotonda con columnas jónicas y bóveda y el cubo
sur en torno a un patio. El cuerpo central estaba destinado a las reuniones y sesiones de los
académicos y estudiosos de Historia Natural.
En el edificio de Villanueva predominan las líneas rectas. Hay una disposición
rigurosamente simétrica de los elementos arquitectónicos. Destaca la enorme austeridad
ornamental, la armonía proviene de la combinación de las formas arquitectónicas
(columnas, frontones y ventanas).
Villanueva diseñó también el Observatorio Astronómico, situado en los Jardines del Retiro.
Es un edificio de planta cruciforme rematado por un templete de columnas jónicas.
En otras regiones españolas también se levantaron numerosos edificios en estilo neoclásico,
como la Fábrica de Tabacos de Sevilla, la Lonja de Barcelona o la Plaza Nueva de Vitoria
de Juan Antonio de Olaguibel.
El neoclasicismo es el último movimiento artístico de dimensiones universales. Afecta a
todas las artes y en todo el mundo. Es un movimiento filosófico, moralizante, social e
intelectual muy ligado a los ideales ilustrados y a los de la Revolución francesa de la
burguesía liberal. Aunque afecta a todo el mundo, su centro es Francia, concretamente
París, que se convierte en la capital del mundo artístico reemplazando a Roma.

Este movimiento se fragua en el último cuarto del siglo XVIII. El descubrimiento de

Pompeya y Herculano despierta el gusto por la antigüedad clásica. Pero no es una vuelta
imitativa a los modelos antiguos sino una reinterpretación de sus formas. En Francia
Diderot y D’Alembert han publicado la Enciclopedia, como resultado de la compilación del
saber humano sobre todos los temas. Se trata de un arte didáctico que pretende recuperar
los valores de la antigüedad clásica y el Renacimiento. Francia es la primera potencia
artística del momento.

Arquitectura neoclásica
Escultura neoclásica
Pintura neoclásica

Para otros usos de este término, véase Neoclásico (desambiguación).

El juramento de los Horacios, obra de Jacques-Louis DavidEl término neoclasicismo surgió

en el siglo XVIII para denominar de forma peyorativa al movimiento estético que venía a
reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración que desde mediados del
siglo XVIII, se venía produciendo en la filosofía y que consecuentemente se había
transmitido a todos los ámbitos de la cultura.

Orígenes [editar]Con el deseo de recuperar las huellas del pasado se pusieron en marcha
expediciones para conocer las obras antiguas en sus lugares de origen. La que en 1749
emprendió desde Francia el arquitecto Jacques-Germain Soufflot, dio lugar a la publicación
en 1754 de las Observations sur les antiquités de la ville d'Herculaneum, una referencia
imprescindible para la formación de los artistas neoclásicos franceses. En Inglaterra la
Society of Dilettanti (Sociedad de Amateurs) subvencionó campañas arqueológicas para
conocer las ruinas griegas y romanas. De estas expediciones nacieron libros como las
Antigüedades de Herculano (1757-1792) financiada por el Rey de Nápoles (luego Carlos III
de España), que sirvieron de fuente de inspiración para los artistas.
También hay que valorar el papel que desempeñó Roma como lugar de cita para viajeros y
artistas de toda Europa e incluso de América. En la ciudad se visitaban las ruinas, se
intercambiaban ideas y cada uno iba adquiriendo un bagaje cultural que llevaría de vuelta a
su tierra de origen. Allí surgió en 1690 la llamada Academia de la Arcadia o Arcades de
Roma, que con sus numerosas sucursales o coloniae por toda Italia y su apuesta por el
equilibrio de los modelos clásicos y la claridad y la sencillez impulsó la estética neoclásica.

La villa romana se convirtió en un centro de peregrinaje donde viajeros, críticos, artistas y

eruditos acudían con la intención de ilustrarse en su arquitectura clásica. Entre ellos estaba
el prusiano Joachim Winckelmann (1717-1768), un entusiasta admirador de la cultura
griega y un detractor del rococó francés; su obra Historia del Arte en la Antigüedad (1764)
es una sistematización de los conocimientos artísticos desde la antigüedad a los romanos.

...En Roma también trabajaba Giovanni Battista Piranesi (1720-1778); en sus grabados,
como Antichitá romana (1756) o Las cárceles inventadas (1745-1760), y transmite una
visión diferente de las ruinas con imágenes en las que las proporciones desusadas y los
contrastes de luces y sombras buscan impresionar al espectador.

El trabajo está cargado de simbolismo: la figura en el centro representa la verdad rodeada

por una luz brillante (el símbolo central de la iluminación). Dos otras figuras a la derecha,
la razón y la filosofía, están rasgando el velo que cubre verdad.

La Ilustración representaba el deseo de los filósofos de la época de Razón

(filosofía)racionalizar todos los aspectos de la vida y del saber humanos. Vino a sustituir el
papel de la religión (como organizadora de la existencia del hombre) por una ética laica que
ordenará desde entonces las relaciones humanas y llevará a un concepto deísta de la verdad.

Arquitectura [editar]Artículo principal: Arquitectura Neoclásica

Cenotafio para Isaac Newton.

Puerta de Brandeburgo
Fachada de la Catedral de Pamplona
Representación de la Acrópolis de Atenas. Obra del arquitecto y pintor Leo von Klenze
(detalle).
La arquitectura puede ser interpretada como una rama de las artes social y moral; La
Enciclopedia le atribuyó la capacidad de influir en el pensamiento y en las costumbres de
los hombres. Proliferan así las construcciones que pueden contribuir a mejorar la vida
humana como hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc., pensadas con carácter
monumental. Esta nueva orientación hizo que se rechazara la última arquitectura barroca y
se volvieran los ojos hacia el pasado a la búsqueda de un modelo arquitectónico de validez
universal.

...Nacen movimientos de crítica que propugnan la necesidad de la funcionalidad y la

supresión del ornato en los edificios. Francesco Milizia (1725-1798) en Principi di
Architettura Civile (1781) extendió desde Italia las concepciones rigoristas a toda Europa.
Mientras, en Francia, el abate Marc-Antoine Laugier (1713-1769) propugna en sus obras
Essai sur l'Architecture (1752) y Observations sur l'Architecture (1765) la necesidad de
crear un edificio en el cual todas sus partes tuvieran una función esencial y práctica y en el
que los órdenes arquitectónicos fueran elementos constructivos y no sólo decorativos, todo
ello para hacer una arquitectura verdadera: la construida con lógica.

Todos los arquitectos parten de unos supuestos comunes como son la racionalidad en las
construcciones y la vuelta al pasado. Los modelos de los edificios de Grecia y Roma e
incluso de Egipto y Asia Menor se convierten en referentes que todos emplean aunque
desde puntos de vista distintos.

Los modelos greco-romanos dieron lugar a una arquitectura monumental que reproduce
frecuentemente el templo clásico para darle un nuevo sentido en la sociedad civil. El perfil
de los Propileos de Atenas le sirvió al alemán Carl Gotthard Langhans para configurar su
Puerta de Brandeburgo en Berlín (1789 a 1791),[1] un tipo muy repetido como atestigua la
entrada al Downing College de Cambridge (1806) obra del inglés William Wilkins o la
posterior Gliptoteca de Múnich de Leo von Klenze.[2]

También el inglés James Stuart (1713-1788), un arquitecto arqueólogo al que se ha llamado

el Ateniense, en su monumento a Lisícrates en Staffordshire, reprodujo el monumento
corágico a Lisícrates de Atenas. Los hermanos Adam extendieron por toda Inglaterra un
modelo decorativo para interiores con temas sacados de la arqueología; una de sus obras
más representativas es Osterley Park, con una notable estancia etrusca y un clásico hall de
entrada (1775-80).

Italia prefirió recrear sus modelos antiguos ya bien avanzado el siglo XVIII y en los
comienzos del siglo XIX. El modelo del Panteón de Agripa en Roma se repite en un gran
número de templos, como el de la Gran Madre de Dio en Turín y San Francisco de Paula en
Nápoles, ambos terminados en 1831, que reproducen el pórtico octástilo y el volumen
cilíndrico del Panteón.

Otros arquitectos, los llamados utópicos, revolucionarios o visionarios, plantearon edificios

basados en las formas geométricas. No despreciaron la herencia del pasado clásico y,
aunque respetaron las normas de simetría y la monumentalidad, sus edificios son a veces el
resultado de la combinación caprichosa de las formas geométricas. Étienne-Louis Boullée
(1728-1799) y Claude-Nicolas Ledoux (1736-1806) encabezaron esta postura; entre la gran
cantidad de proyectos no construidos merece la pena mencionar el Cenotafio para Isaac
Newton concebido por Boullée como una esfera, representación del modelo ideal,
levantada sobre una base circular que había de cobijar el sarcófago del científico. Ledoux
ha dejado edificios construidos, entre ellos una parte de la utópica ciudad industrial de las
Salinas de Arc-et-Senans, de planta circular en el Franco Condado o el conjunto de la
Villette en París.

...Entre uno y otro grupos aparece una tercera categoría, la arquitectura pintoresca, a partir
de la creación de jardines ingleses en el siglo XVIII, ordenados de forma natural lejos del
geometrismo del jardín francés. En esta arquitectura se valora la combinación de la
naturaleza con lo arquitectónico, la inclusión en el paisaje natural de edificios que remedan
las construcciones chinas, indias o medievales. Este juego de formas caprichosas y el
aprovechamiento de la luz buscan suscitar sensaciones en el espectador. Catalina Ordoñez
(1717-1797) construyó en Londres (Inglaterra), Strawberry Hill (1753-1756) una fantasía
gótica de la que su autor dijo que le había inspirado para escribir una novela gótica, una
expresión del efecto inspirador de la arquitectura. También William Chambers (1723-1796)
creó un conjunto pintoresco en los Jardines de Kew (Londres) (1757-1763) con la inclusión
de una pagoda china que reflejaba su conocimiento de las arquitecturas orientales.

Escultura [editar]También en la escultura neoclásica pesó el recuerdo del pasado, muy

presente si consideramos el gran número de piezas que las excavaciones iban sacando a la
luz, además de las colecciones que se habían ido formando a lo largo de los siglos.
Hércules, obra de Antonio Canova.Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría
de los casos en mármol blanco, sin policromar, puesto que así se pensaba que eran las
esculturas antiguas, predominando en ellas la noble sencillez y la serena belleza que
Winckelmann había encontrado en la estatuaria griega. En este mismo sentido habían ido
las teorías de Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781) que en su libro Laocoonte, o de los
límites de la pintura y de la poesía (1766) había tratado de fijar una ley estética de carácter
universal que pudiera guiar a los artistas; sus concepciones sobre la moderación en las
expresiones y en el plasmado de los sentimientos son reglas que adoptará el modelo
neoclásico.
Así, los escultores de fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, crearán obras en las que
prevalecerá una sencillez y una pureza de líneas que los apartará del gusto curvilíneo del
Barroco. En todos ellos el desnudo tiene una notable presencia, como deseo de rodear las
obras de una cierta intemporalidad. Los modelos griegos y romanos, los temas tomados de
la mitología clásica y las alegorías sobre las virtudes cívicas llenaron los relieves de los
edificios, los frontones de los pórticos y los monumentos, como arcos de triunfo o
columnas conmemorativas.
El retrato también ocupó un importante lugar en la escultura neoclásica; Antonio Canova
(1757-1822) representó a Napoleón como Marte (1810, Milán) y a su hermana Paulina
como Venus Victrix (1807, Roma) tomando así los modelos de los dioses clásicos. No
obstante otros prefirieron un retrato idealizado pero al tiempo realista que captara el
sentimiento del retratado, como Jean-Antoine Houdon (1741-1828) con su Voltaire anciano
(Museo del Hermitage) o el bello busto de la Emperatriz Josefina (1806, Castillo de
Malmaison) de Joseph Chinard (1756-1813).
Antonio Canova (1757-1822) y Bertel Thorvaldsen (1770-1844) resumen las distintas
tendencias de la escultura neoclásica. Mientras Canova llega al clasicismo desde una
formación barroca y configura un estilo de gran sencillez racional, el danés Thorvaldsen
siguió más directamente las teorías de Winckelmann hasta conseguir un estilo
voluntariamente distante y frío que debe mucho a la estatuaria griega. Su Jasón o Marte y el
Amor reflejan esa fidelidad al modelo griego.

Pintura La fuente, obra de Ingres.Es estética neoclásica. Obras como el Juramento de los
Horacios plantean un espacio preciso en el que los personajes se sitúan en un primer plano;
el predominio del dibujo. Jean Auguste Dominique Ingres (1739-1867) aunque no fue un
pintor neoclásico, tiene obras -como La Fuente- que representan este movimiento artístico.
Los pintores, entre los que destacó Jacques-Louis David, reprodujeron los principales
hechos de la revolución y exaltaron los mitos romanos, a los que se identificó con los
valores de la revolución.

Música Artículo principal: música neoclásica

Después de la Segunda Guerra Mundial varios compositores (como Ígor Stravinski) y (Paul
Hindemith) realizaron composiciones donde se notaba un retorno a los cánones del
clasicismo de la escuela de Viena (de Haydn y Mozart), aunque con una armonía mucho
más disonante y rítmicas irregulares. Ese movimiento tipo de música se denominó
"neoclasicismo".
Según la musicología actual, el término "música clásica" se refiere únicamente a la música
del clasicismo (1750-1827 aprox.), inspirada en los cánones estéticos grecorromanos de
equilibrio en la forma y moderación en la dinámica y la armonía.
Comúnmente se llama "música clásica" al tipo de música que se contrapone a la música
popular y a la folclórica. Esto puede comprobarse en los medios de comunicación, en las
revistas de divulgación musical y los folletos que acompañan a los CD de música
académica). Para definir ese tipo de música que se relaciona con los estudios en
conservatorios y universidades, los musicólogos prefieren el término "música académica".
Como los antiguos griegos y romanos no pudieron inventar maneras de conservar la música
(mediante soportes gráficos como partituras o soportes sonoros como grabadores), el
neoclasicismo de los siglos XVIII y XIX como resurgimiento de las artes clásicas
grecorromanas (arquitectura, escultura, pintura) no alcanzó a la música. De todos modos los
músicos de fines del siglo XVIII, influenciados sin duda por el arte y la ideología de la
época, trataron de generar un estilo de música inspirado en los cánones estéticos
grecorromanos:
notable maestría de la forma,
moderación en el uso de los artificios técnicos (en el barroco el contrapunto y la armonía
habían llegado a un punto que el público consideraba extravagante),
suma reserva en la expresión emocional.

ARTE MODERNO
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Para otros usos de este término, véase Arte de la Edad Moderna.

Almuerzo en la hierba de Pablo Picasso.Arte moderno es un término referido a la mayor

parte de la producción artística desde finales del siglo XIX hasta aproximadamente los años
1970,[1] por oposición al denominado arte académico, que representaría la tradición;
mientras que el arte moderno representaría la experimentación.[2] Producciones recientes
son a menudo denominadas arte contemporáneo, aunque este término también se refiere al
arte de la Edad Contemporánea (desde mediados del siglo XVIII). Hay que entender, por
tanto, que el concepto de arte moderno no es cronológico, sino estético; de estilo, de
sensibilidad o incluso de actitud: un pintor academicista como William Adolphe
Bouguereau (muerto en 1905) no hace arte moderno, mientras que Vincent van Gogh
(muerto en 1890) indudablemente sí.
El arte moderno representa como innovación frente a la tradición artística del arte
occidental una nueva forma de entender la estética, la teoría y la función del arte, en que el
valor dominante (en pintura o escultura) ya no es la imitación de la naturaleza o su
representación literal. La invención de la fotografía había hecho esta función artística
obsoleta. En su lugar, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista,
con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas, a menudo en formas
abstractas.
Otras tradiciones [editar]En su origen, dada su naturaleza reactiva, el arte moderno es un
fenómeno exclusivamente europeo, aunque en algunas ocasiones se planteaba la necesidad
de búsqueda de tradiciones alternativas fuera del arte occidental (en el arte africano
-cubismo-, o en el arte japonés -impresionismo-) o fuera de las fases más clasicistas de la
propia tradición occidental (prerrafaelismo).
Rechazo [editar]El rechazo al arte moderno fue muy fuerte desde que comenzó a acuñarse
el concepto, no sólo en los ambientes sociales conservadores que los artistas modernos
buscaban epatar, sino entre intelectuales que se ocuparon muy seriamente de su análisis,
como fueron los casos, en España, de Eugenio d'Ors, autor de la lapidaria frase: Todo lo
que no es tradición, es plagio; o José Ortega y Gasset, que tituló una de sus obras: La
deshumanización del arte.
El comunismo soviético y el fascismo italiano, que desde su origen y durante los años 1920
estuvieron estrechamente vinculados a las vanguardias (constructivismo, futurismo),
comprobaron a partir de los años 1930 la necesidad de encauzar su manipulación
propagandística en el terreno de la estética a través de un arte mucho más fácilmente
digerible por las masas. Encontraron soluciones casi idénticas en lo que se conoció como
realismo socialista o arte fascista. En el caso del nazismo, identificó el arte moderno con lo
que denominó arte degenerado de los dementes y de las razas inferiores, por contraposición
a los valores de una pretendida estética aria o arte ario. No obstante, la persecución a los
judíos y la ocupación alemana de Europa durante la Segunda Guerra Mundial dio
opurtunidad para el expolio más o menos disimulado de muchas piezas de arte moderno por
parte de los dirigentes nazis (que no lo destruían, sino que se lo apropiaban).
Simultáneamente, el capitalismo estadounidense, en cambio, asumió con gran dinamismo el
arte moderno, implicándolo en el proceso productivo y aprovechando sus grandes
posibilidades para el mercado.[3]

Precedentes [editar]Precedentes de las ideas artísticas modernas ya pueden verse en la

obra de los grandes maestros barrocos (Velázquez o Rembrandt); de autores de finales del
siglo XVIII y comienzos del XIX más o menos cercanos al romanticismo (Goya, David,
Delacroix, Gericault, Friedrich, Turner, William Blake); y de autores de mediados del siglo
XIX más o menos cercanos al realismo (Corot, Millet, Courbet, escuela de Barbizon,
William Morris). Para esas fechas empieza a ser usual la percepción del artista moderno
como un incomprendido social, ajeno a las instituciones; aunque paradójicamente termine
creando su propia institucionalidad alternativa (Salon des Refusés, 1863 -salón de los
rechazados-).

Impresionismo y vanguardias [editar]El impresionismo y el posimpresionismo

significaron ya un arte decidido a experimentar con nuevos modos de representación de la
luz y el espacio a través del color y la pintura, y de la vibración de la materia en escultura
(Rodin). En los años previos a la Primera Guerra Mundial, una explosión de creatividad
tuvo lugar con el fauvismo, cubismo, expresionismo y futurismo.
La Primera Guerra Mundial trajo consigo el fin de esta fase, pero indicó el inicio de una
serie de movimientos antiartísticos, como el dada y el trabajo de Marcel Duchamp y el
surrealismo. También grupos como de Stijl y Bauhaus acababan de comenzar a desarrollar
nuevas ideas sobre la interrelación de las artes, arquitectura, diseño y educación artística.
América [editar]El arte moderno fue introducido en América durante la Primera Guerra
Mundial cuando un número de artistas en los barrios de Montmartre y Montparnasse en
París huyeron de la guerra. Francis Picabia (1879-1953), fue el responsable de la llegada
del arte moderno a la ciudad de Nueva York. Sin embargo, fue solamente tras la Segunda
Guerra Mundial cuando los Estados Unidos se convirtieron en el centro de atención de los
nuevos movimientos artísticos. Los años 1950 y 1960 vieron la aparición del expresionismo
abstracto, arte pop, op art y minimalismo; a finales de los años 1960 y los años 1970,
habían aparecido el Happening, Fluxus, land art, performance art, arte conceptual y
fotorrealismo.

Interpretación posestructuralista del arte contemporáneo

Fuente. Duchamp, 1917.La teoría postestructuralista ha acuñado el término "postmoderno",
ya que desde esa teoría se vislumbra la imposibilidad de seguir creando desde los preceptos
de la originalidad y la novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se
apunta a elementos como reinterpretaciones, resignificaciones y el giro lingüístico con el
fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo.

Este tipo de prácticas se inician desde el cuestionamiento de la institución del arte a partir
de la obra de Marcel Duchamp Fuente (1917), un objeto cotidiano descontextualizado y
exhibido provocativamente como obra de arte (un urinario puesto al revés). Pero este
pensamiento se comienza a ampliar y a tomar seriamente desde la década de los setenta
hasta nuestros días con el redescubrimiento de la obra de Duchamp y de los Dadaistas de
principios del siglo XX a manos de artistas como Robert Rauschemberg, teóricos como
Roslind Krauss y toda la escuela postestructuralista, que pusierón este pensamiento dentro
del main stream internacional.
Lo postmoderno [editar]En esta época, un número de artistas y arquitectos habían
comenzado a rechazar la idea de "moderno" y comenzaron a crear obras típicamente
posmodernistas. De allí la relevancia de la Crisis de las vanguardias artísticas y el debate
modernidad-postmodernidad. Comenzando desde la era de posguerra, menos artistas
usaban pintura como medio principal. En su lugar, se generalizaron las grandes
instalaciones. Desde los años 1970, el media art se ha convertido en una categoría por sí
mismo, con un emergente número de artistas experimentando con las nuevas tecnologías.
El videoarte es el ejemplo mejor conocido.
EL ARTE MODERNO
TRANSFORMACIÓN DEL ARTE.
Los procesos de innovación estética, en el siglo XX presentan características
revolucionarias en la historia del arte. Las manifestaciones culturales, entre ellas es arte,
vivieron condiciones de ruptura con los modelos tradicionales de representación,
replanteando las funciones de los intelectuales y de los artistas, quienes encarnaron
entonces las posibilidades definir estrategias críticas respecto al orden general naciente. A
partir de los desarrollos iniciales del impresionismo, se observa un abandono de los ideales
del arte académico y un retorno a los aspectos inmediatos de la vida cotidiana.

Las vanguardias volcaron la mirada hacia la riqueza espiritual y estética de los pueblos no
europeos, rechazando el legado pictórico de Occidente bajo sus aspectos formales e
introduciendo transformaciones inéditas en las concepciones plásticas. El artista moderno,
el abandonar el universo simbólico de la cultura tradicional, desencadeno una sensibilidad
nueva que refleja la vivencia de un mundo en conflicto, articualndole una cultura de la
máquina que se verá representada positiva o críticamente las producciones artísticas de las
nuevas trasendencias.

Las revoluciones sociales, los enfrentamientos bélicos, el hundimiento del Humanismo y la

angustia del hombre en la sociedad industrializada serán temas recurrentes a lo largo del
siglo XX. El arte alcanza la capacidad provocadora para promover nuevos conceptos de
individuo y realidad, enriqueciendo las categorías de lo urbano, el tiempo y la experiencia
la percepción, los alcances lo la libertad, el compromiso social y la exploración del
inquietante les inconsciente.

En general, hasta fines del siglo XIX, la tradición concebía el arte como lugar privilegiado
y esencial para la representación del hombre y la naturaleza bajo modelos preestablecidos.
La gran ruptura de los movimientos modernos con la tradición fue la desconstrucción del
arte como esencia, para abrir un viaje hacia el universo de la apariencia que se prolonga
hasta el presente.

Las caracteristicas principales del arte moderno son tres y son:

-DADAISMO
-CUBISMO
-SURREALISMO
Cubismo, movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo
principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo
simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos.
Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su
apogeo alrededor de 1914 y continuó evolucionando durante la década de 1920. Al rechazar
la representación realista seguida desde el renacimiento, el cubismo significó un cambio
crucial en la historia del arte, convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la
subjetividad artística. Fue una revolución contra el sentimentalismo y el realismo de la
pintura tradicional, contra la importancia que se daba al efecto de la luz y el color y contra
la ausencia de formas, características del impresionismo. Los cubistas rechazan la
perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea y la forma. Se inspiró
fundamentalmente en el arte de las tribus de África y Oceanía.

Los cubistas seguían la sentencia del postimpresionista francés Paul Cézanne, que afirmaba
que “todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro” y está
influido por el afán constructivo y geometrizante de George Seurat. La expresión más
frecuente dentro del cubismo presenta un enfoque analítico y abstracto del tema; el artista
determina y pinta las formas geométricas básicas que componen el objeto, sobre todo el
cubo o el cono, o los planos básicos que revelan las formas geométricas subyacentes. Otra
fase de la pintura cubista (el cubismo sintético) presenta un objeto desde diferentes ángulos,
imposibles de ver simultáneamente en realidad, unificados en una estructura compositiva.
En ninguno de los dos cubismos, analítico o sintético, se pretende reproducir en detalle el
aspecto real de los objetos. Entre los retratos y naturalezas muertas cubistas destacan los
instrumentos y los arlequines ya que eran fáciles de diseccionar de forma geométrica. Para
evitar todo efecto naturalista y emocional, el cubismo utilizó durante su primer periodo, o
periodo analítico, una paleta muy restringida de grises, marrones, verdes y amarillos, o
recurrió a obras pintadas en diferentes tonalidades de un mismo color. Después de 1914,
durante el periodo sintético, muchos cubistas introdujeron colores más brillantes en sus
obras.

Además de Pablo Picasso y Georges Braque, otros pintores cubistas importantes fueron:
Albert Gleizes, Robert Delaunay, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Roger
de La Fresnaye y Juan Gris. Entre los escultores cubistas más importantes, que aplicaron a
la escultura los mismos principios artísticos que los pintores, se cuentan Pablo Picasso,
Raymond Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz y Alexander Archipenko. Y entre los
incontables artistas influidos por las ideas y técnicas cubistas se encuentran Maurice de
Vlaminck, Stuart Davis y Lyonel Feininger.

Dadá o Dadaísmo, movimiento que abarca todos los géneros artísticos y es la expresión de
una protesta nihilista contra la totalidad de los aspectos de la cultura occidental, en especial
contra el militarismo existente durante la I Guerra Mundial e inmediatamente después. Se
dice que el término dada (palabra francesa que significa caballito de juguete) fue elegido
por el editor, ensayista y poeta rumano Tristan Tzara, al abrir al azar un diccionario en una
de las reuniones que el grupo celebraba en el cabaret Voltaire de Zurich. El movimiento
Dadá fue fundado en 1916 por Tzara, el escritor alemán Hugo Ball, el artista alsaciano Jean
Arp y otros intelectuales que vivían en Zurich (Suiza), al mismo tiempo que se producía en
Nueva York una revolución contra el arte convencional liderada por Man Ray, Marcel
Duchamp y Francis Picabia. En París inspiraría más tarde el surrealismo. Tras la I Guerra
Mundial el movimiento se extendió hacia Alemania y muchos de los integrantes del grupo
de Zurich se unieron a los dadaístas franceses de París. En 1922 el grupo de París se
desintegró.

Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y
todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos
artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e
irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar
perplejo al público con el objetivo de que éste reconsiderara los valores estéticos
establecidos. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la
calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las
obras. El pintor y escritor alemán Kurt Schwitters destacó por sus collages realizados con
papel usado y otros materiales similares. El artista francés Marcel Duchamp expuso como
obras de arte productos comerciales corrientes —un secador de botellas y un urinario— a
los que denominó ready-mades. Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias,
sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición
romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la
sociedad.

Como movimiento, el Dadá decayó en la década de 1920 y algunos de sus miembros se

convirtieron en figuras destacadas de otros movimientos artísticos modernos, especialmente
del surrealismo. A mitad de la década de 1950 volvió a surgir en Nueva York cierto interés
por el Dadá entre los compositores, escritores y artistas, que produjeron obras de
características similares.
Surrealismo (arte), movimiento artístico y literario fundado por el poeta y crítico francés
André Breton.
Breton publicó el Manifiesto surrealista en París en el año 1924 y se convirtió, acto
seguido, en el líder del grupo. El surrealismo surgió del movimiento llamado Dadá, que
reflejaba tanto en arte como en literatura la protesta nihilista contra todos los aspectos de la
cultura occidental. Como el dadaísmo, el surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente
en la actividad creadora, pero lo utilizaba de una manera mucha más ordenada y seria.
En pintura y escultura, el surrealismo es una de las principales tendencias del siglo XX.
Reivindica, como sus antecesores en las artes plásticas, a pintores como el italiano Paolo
Uccello, el poeta y artista británico William Blake y al francés Odilon Redon. En el siglo
XX también son admiradas, y a veces expuestas como surrealistas, ciertas obras de Giorgio
de Chirico, del ruso Marc Chagall, del suizo Paul Klee y de los franceses Marcel Duchamp
y Francis Picabia, así como del español Pablo Picasso, aunque ninguno de ellos formó parte
del grupo. A partir del año 1924 el alemán Max Ernst, el francés Jean Arp así como el
pintor y fotógrafo estadounidense Man Ray se incluyen entre sus miembros. Se unieron por
un corto periodo de tiempo el francés André Masson y el español Joan Miró. Ambos
pintores fueron miembros del grupo surrealista pero, demasiado individualistas para
someterse a los dictados de André Breton, se desligaron del mismo en 1925. Más tarde, se
incorporó el pintor franco-estadounidense Yves Tanguy, así como el belga René Magritte y
el suizo Alberto Giacometti. El pintor catalán Salvador Dalí se asoció en 1930, pero
después sería relegado por la mayoría de los artistas surrealistas, acusado de estar más
interesado en la comercialización de su arte que en las ideas del movimiento. A pesar de
ello, durante cierto tiempo fue el artista más renombrado del grupo. Su personal obra
constituye una de las muestras más representativas del surrealismo.

La pintura surrealista es muy variada en contenidos y técnicas. Dalí, por ejemplo, transcribe
sus sueños de una manera más o menos fotográfica, inspirándose en la primera etapa de la
pintura de De Chirico. Las esculturas de Arp son grandes, lisas y de forma abstracta. Por
otra parte, Miró, miembro formal del grupo durante una corta etapa, representó formas
fantásticas que incluían adaptaciones de dibujos infantiles. El pintor ruso-estadounidense
Pavel Tchelichew pintó cuadros y también creó numerosas escenas para ballets. En la
década de 1940, coincidiendo con el exilio en México de artistas españoles influidos por el
surrealismo, así como la visita de Bretón, que recorrió el país acompañado de Diego Rivera
y del político soviético Trotski, el movimiento se extendió de forma relativa y limitada
entre círculos intelectuales mexicanos (véase Remedios Varo).

La rama surrealista estadounidense está formada por el grupo conocido como Los Realistas
Mágicos, bajo el liderazgo del pintor Paul Cadmus. El escultor Joseph Cornell comenzó
como surrealista, pero más tarde persiguió una forma de expresarse más individual. Una
colección representativa de la obra gráfica de los surrealistas se encuentra en el Museo de
Arte Moderno de Nueva York (MOMA).

ARTE CONTEMPORANEO

El arte contemporáneo se suele definir como el arte elaborado después de la Segunda

Guerra Mundial. Los museos de arte denominan arte contemporáneo a las colecciones de
este período.
En sentido estricto, el arte contemporáneo es el hacer artístico que se desarrolla en nuestra
época, aunque el concepto de la contemporaneidad puede ser entendido de diferentes
maneras: extendido al arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales del
siglo XVIII) o limitado al arte del siglo XX, al arte del mundo actual (que se entendía era el
posterior a la Segunda Guerra Mundial — 1945; y actualmente se entiende que es el
surgido de la caída del muro de Berlín — 1989) o al arte surgido en la historia inmediata
del más cercano presente (tomando como hito, por ejemplo, el atentado de las Torres
Gemelas de Nueva York — 2001). Para mayor confusión, el concepto de Arte moderno no
se aplica al Arte de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII), sino a nuestro arte
contemporáneo. Lo mismo ocurre con los conceptos de arquitectura moderna, pintura
moderna y pintura contemporánea; o con el menos usado concepto de arte postmoderno
(desde los años 1970).
Interpretación posestructuralista del arte contemporáneo
Fuente. Duchamp, 1917.La teoría postestructuralista ha acuñado el término "postmoderno",
ya que desde esa teoría se vislumbra la imposibilidad de seguir creando desde los preceptos
de la originalidad y la novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se
apunta a elementos como reinterpretaciones, resignificaciones y el giro lingüístico con el
fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo.
Este tipo de prácticas se inician desde el cuestionamiento de la institución del arte a partir
de la obra de Marcel Duchamp Fuente (1917), un objeto cotidiano descontextualizado y
exhibido provocativamente como obra de arte (un urinario puesto al revés). Pero este
pensamiento se comienza a ampliar y a tomar seriamente desde la década de los setenta
hasta nuestros días con el redescubrimiento de la obra de Duchamp y de los Dadaistas de
principios del siglo XX a manos de artistas como Robert Rauschemberg, teóricos como
Roslind Krauss y toda la escuela postestructuralista, que reintrodujeron este pensamiento
dentro del main stream internacional.
Antecedentes. Modernidad [editar]La modernidad es un concepto polisémico, que se
identifica con los valores del Humanismo y el Renacimiento de los siglos XV y XVI y con
la Ilustración del siglo XVIII. Ese contexto histórico y temporal, en la historiografía
anglosajona se denomina Modern Times (Tiempos modernos, que llegarían hasta la
actualidad), mientras que en la historiografía latina (francesa y española) se denomina Edad
Moderna, separada de la Edad Contemporánea por el ciclo revolucionario bajo su triple
aspecto de Revolución Burguesa, Revolución Liberal y Revolución Industrial. La sociedad
preindustrial, rural y estamental se ve alterada radicalmente y transformada en una sociedad
industrial, urbana y de clases. La expresión artística no fue ajena a un cambio histórico de
semejantes dimensiones.

El quitasol. Francisco de Goya, 1777.Neoclasicismo, academicismo y prerromanticismo

Artículo principal: Neoclasicismo

Artículo principal: Academicismo
Artículo principal: Prerromanticismo
Véase también: Pintura de Historia

El arte burgués del siglo XIX Artículo principal: Pintura del siglo XIX
El paseante sobre el mar de niebla, Caspar David Friedrich, 1818.Artículo principal:
Romanticismo
Romanticismo

Fue un movimiento artístico, que luego de la Revolución Francesa, ocurren cambios

culturales, sociales y políticos que se van a reflejar en el siglo XIX. Los movimientos
anteriores del neoclasicismo y el rococó, dieron como consecuencia al Movimiento
romántico, que seguiría con el Realismo y posteriormente el Modernismo. La Revolución
Industrial en el siglo XIX, generará un cambio significativo en la industria, las máquinas, y
el inicio del desarrollo de la nueva tecnología o tecnología moderna, incluyendo los
avances en las ciencias. Después de que el neoclasicismo surja como consecuencia al
barroco y al rococó; el romanticismo viene a ser la siguiente tendencia, y antecede e influye
al movimiento moderno. En el movimiento romántico por primera vez se comienza a
desligar en las artes de las formas clásicas, y el artista comienza a liberarse de las normas y
modelos artísticos, que continúan con el realismo, y luego se rompen los esquemas con el
movimiento moderno o modernismo, El hombre romántico busca liberarse de los modelos
clásicos anteriores, lograr un arte más espontáneo, comenzar a cambiar la forma de trabajar
el arte, y verse en su interior.

Fue un movimiento artístico surgido en conjunto y en oposición al romanticismo, por lo

que el realismo se niega a las fantasías y formas poéticas del romanticismo, y busca
representar la imagen artística de formas perceptivas con caracteres reales, acercándose más
a la realidad. Tuvo influencias en las artes surgido el movimiento del capitalismo y la
industrialización con el desarrollo de la industria moderna en Inglaterra. Mientras los
románticos tenían una forma poética del arte, los realistas se acercaban a la realidad.
Courbet fue el máximo representante del Realismo. El Realismo sirvió de base al
movimiento artístico del Impresionismo, que tanto en pintura, escultura y arquitectura
como movimiento; fue el más importante de los tiempos modernos.
Postmodernidad
Brazo del Sena cerca de Giverny. Claude Monet, 1897.
Iglesia de Auvers-sur-Oise. Vincent Van Gogh, 1890.Las transformaciones sociales que
condujeron a la sociedad industrial se habían completado en los países más avanzados
(Europa Occidental, Estados Unidos) a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, en
el horizonte de la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Había comenzando un nuevo ciclo
de la Revolución Industrial (Segunda Revolución Industrial), y se estaba formando una
sociedad de consumo de masas presidida en sus aspectos ideológicos por los modernos
medios de comunicación vinculados a cambios tecnológicos (era de la electricidad). La
Revolución Rusa, los fascismos y la Crisis de 1929 supusieron graves desafíos al sistema
liberal y capitalista, que no obstante sobrevivió a los agitados tiempos de un período de
entreguerras fertilísimo para las artes (vanguardias artísticas) y a la Segunda Guerra
Mundial. Posteriormente a ésta, un nuevo ciclo tecnológico, económico y social (tercera
revolución industrial) conducirá a lo que se conoce como sociedad postindustrial.
Impresionismo
Entre los siglos XIX y XX Las artes figurativas pasan por un proceso de transformación,
cuyos orígenes están en las viejas culturas euroasiáticas, éstas con una motivación religiosa,
firme apoyo en la naturaleza y un centro en el hombre. Desde las cuevas de Altamira al
neoclasicismo, pasando por el Partenón, el arte tiene una justificación humana y naturalista.
La máquina hace su aparición, y con ella, las fuerzas gigantescas de nuestra época. Por eso
los impresionistas utilizan el tema de la locomotora rauda y humeante. Atrae todo aquello
que sea dinámico. Se pinta la luz misma, independiente del objeto. En el impresionismo el
tema quedó separado de toda trascendencia. Es una mera fulguración. Luego, con los
movimientos del siglo XX, el tema acaba desapareciendo, surgiendo lo que se llama el
pretexto. Los artistas ya no tendrán interés en pintar nada concreto, y titularán sus cuadros
figuras, objeto, composición, etc.

El humanismo se agota. Gauguin se marcha a Tahití, en busca de motivos y personas no

contaminadas con las civilizaciones blancas. Hay un afán por conocer. Se alcanza una sobre
valoración del arte de estas aisladas culturas. Surge en la pintura lo que se ha llamado el
ingenuismo, esto es, la espontaneidad de la expresión. Y por eso nada sorprende que haya
interesado especialmente al pintor de hoy, el arte del niño y del demente, regiones que
también se quieren englobar dentro de la producción artística. Se penetra en zonas antes
vedadas, como el subconsciente. Se desea llegar a las fuentes mismas de la energía, y
muchos artistas divagan sobre el problema de la generación (Miró). Existe por tanto, una
notoria insatisfacción, y un inagotable afán de descubrir. Es el mismo proceso que se
observa en las ciencias experimentales. Las artes figurativas podemos advertir dos
tendencias contrapuestas. Una se erige en continuadora del viejo arte. Esta tendencia
conservadora sigue respetando de la forma y la técnica como bases inmutables de la
producción artística. Escultores como: Maillol, Bourdelle, Clará y otros tantos; y pintores
como: Modigliani, son buenos testimonios. La otra tendencia busca la desintegración de la
realidad, deseosa de una especie de liberación de la energía creadora del artista.
Los Simbolistas
Artículo principal: Simbolismo
Movimiento o grupo de artistas que surgen en oposición al Realismo, que considera que el
arte debe ser una idea y una creación a partir de lo perceptivo y visual. Los simbolistas
también se vinculan a la literatura y la filosofía. Se difundió en numerosas revistas, apoyada
por la obra filosófica de Bergson, quien fue el portavoz de los simbolistas. Con Paul
Gauguin, se ve el mundo exterior como lo siente el espectador. Se debía expresar una idea.
Baudelaire inició una propuesta literaria llamada "correspondencia", que es la relación entre
el alma y los que aprecian la naturaleza inanimada. Gauguin, Cézanne, Van Gogh y Seurat,
desarrollan y amplían el impresionismo, cambian y modifican hasta crear el
postimpresionismo. El término postimpresionismo, fue utilizado por el crítico inglés Robert
Fry en la exposición "Manet and the Post-Impresionists" en Londres en 1910.
Postimpresionismo
ARTE CONTEMPORANEO
Dragón de la escalinata del Parque Güell, Barcelona. Antoni Gaudí, 1900-1914.El arte en el
siglo XX, la ruptura con los módulos tradicionales, es una de las características de la vida
contemporánea. Los avances científicos han ofrecido al hombre unas enormes posibilidades
para el desarrollo de su personalidad. El artista ha accedido a su completa libertad. La
técnica dice al hombre, por un lado, que puede intentarlo todo; pero no sucede esto sin
crearle al mismo tiempo una nueva esclavitud: la de la máquina. Vivimos en un mundo de
repetición, que pese a su comodidad, produce un gran desasosiego. De ahí que el arte
exprese la paradoja de nuestra vida. De un lado, la complacencia en un mundo tecnificado,
que busca lo más barato y sencillo, y por otro, la insatisfacción del espíritu. Frente a la
mecanización de la existencia, el hombre trata de escapar buscando la eterna irracionalidad
del arte. La producción artística en nuestro siglo, ha cobrado una intensidad agobiante,
sobre todo en el arte de la pintura. Todo se ha intentado, todo se ha hecho posible. Si se
habla de una nueva arquitectura espacial, si es posible una ciudad subterránea, también la
escultura se ha convertido en un objeto que se mueve, e igualmente la pintura y la misma
escultura, confunden sus límites; hasta la misma música ha llegado a ser conjugada con las
artes plásticas. Nunca ha habido un mayor poder asociativo entre las artes. Pero es evidente
que esta libertad para inventar y crear, ofrecer también un arte "de mal gusto" (o arte
degenerado). Esta es parte de la verdad que encierra un término de moda: el kitsch. Si el
arte debe tener una finalidad trascendente, el kitsch representa la trivialidad, el capricho sin
depurar.
Primera mitad del siglo XX
Retrato de Picasso, por Juan Gris, 1912.Las raíces del Movimiento Moderno
La fecha de nacimiento del movimiento moderno se establece en la primera aparición
publicada de los Fauves en el Salón de Otoño parisino de 1905. En la primera década del
siglo XX, la tecnología, ciertamente, realizaba rápidos progresos, pero aún estaba lejos de
haber penetrado completamente en la vida cotidiana de la mayor parte de los europeos. Las
terribles condiciones sociales que habían impresionado a ciertos grandes escritores del siglo
precedente, como Dickens y Zola, subsistían en gran parte sin que se hubiera puesto
remedio; al abismo entre las distintas clases de la sociedad que persistía en todos los países
de Europa; En Estados Unidos, además, con el nacimiento de una nueva plutocracia —los
Astor, los Vanderbilt, los Guggenheim, los Goluf— parecían incluso hacerse más amplio,
mientras las enormes riquezas de un continente se iban acumulado en manos de unos
cuantos privilegiados.

Solía admitirse que el arte era, y debía seguir siendo, asunto de un grupo que, en relación
con el resto del cuerpo social, era muy reducido, formado por la aristocracia, la plutocracia
y la clase media acomodada y culta, su principal componente. Ciertos intentos, que
existieron, de llevar al contacto con el público más amplio —de los que son ejemplos
distintos, surgidos los dos en Londres, el Victoria and Albert Museum y la Whitechapel Art
Gallery— debían su existencia a aquellos impulsos filantrópicos que fueron característicos
del siglo XIX en la misma medida, al menos que lo fueron las injusticias sociales por otro
lado. De modo significativo, la dirección de estas empresas estaban en manos de la clase
media, y aunque los Fauve de 1905 eran verdaderas "bestias salvajes", como jocosamente
los habían apodado los críticos de moda, no amenazaban más que la tranquilidad de un
pequeño grupo social.

Movimientos artísticos: las «Vanguardias» Artículo principal: Vanguardias artísticas

Fauvismo
Expresionismo
Futurismo
Cubismo
Abstraccionismo (abstracción geométrica y constructivismo; el expresionismo abstracto es
posterior a la Segunda Guerra Mundial)
Dadaísmo
Surrealismo
Segunda mitad del siglo XX
Tres formas: Vertebrae. Henry Moore, 1968-1969.En 1968 aparecería el artículo de Lucy
Lippard y John Chandler, titulado "La desmaterialización del arte", en la Revista Art
International. En el, aunque el propio titulo es ya por si significativo, se analizaba el
proceso de transformación que vivía el arte contemporáneo. Los artistas habían
intensificado la gradual desaparición del objeto a favor del concepto y del Arte efímero.
Muchos de los artistas minimalista, como Morris, Smithson, Andre y otros emprendían
trabajos en los que "el arte como idea" o la realización de obras en escenarios naturales, el
denominado Land Art, eran los nuevos campos de experimentación. De hecho, era una vía
de escape al callejón sin salida en el que parecían debatirse las poéticas más formalistas.
Fue a principios de los sesenta cuando se hizo patente, tanto en el ámbito artístico
estadounidense como el europeo, la cristalización y difusión de un nuevo tipo de arte, de
unos nuevos comportamientos, o si se quiere; de una nueva manera de entender arte y vida.
Nuevos escenarios: la calle, el desierto, las costas australianas, la montaña, es decir,
cualquier lugar de la Naturaleza, pasó a remplazar los lugares habituales del arte. Los
valores que habían ido prevaleciendo a lo largo de los siglos, vinculados a los medios
artísticos, como la armonía, los colores, la composición, la masa, etc., eran repudiados y
afloraban otros basados en el valor por lo efímero, lo pobre, el proceso, la analogía... Los
medios tradicionales parecían no ser ya los apropiados para ser mensajes en si mismo desde
el momento en que se eliminaba casi totalmente visivo-físico.

A fines de los años sesenta, se habían dado algunas manifestaciones, en las que los nuevos
comportamientos artísticos parecían exigir para el arte aquella libertad, que se reclamaba en
los campus universitarios de Europa y valores establecidos, para llegar a un Estado integral,
a un nuevo programa de vida y de intervención social. La misma disposición aparecía en
distintos centros de Occidente con denominaciones diversas: Arte pobre, Land art, Arte
conceptual, Anti-form, Process art, Earth works, Arte microemotivo, etc. Entre las primeras
manifestaciones del Land Art, figuran la celebrada en la Dwan Gallery de Nueva York, en
1968, con el título de "Earth Works", y al año siguiente, la presentada en el White Museum
de Ithaca, como "Earth Art". Con la exposición celebrada en el Museo de Leverkusen, en
octubre de 1969, se aspiraba a hacer el primer balance del Arte conceptual en su tendencia
analítica, lírica y desmaterializada, a la que siguió "Op Losse Schereeven", en el Stedelijk
Museum of Amsterdam, con la que se produjo el reconocimiento museístico y europeo del
Arte Conceptual, el Land Art, el Anti-form y el Earth Works. Finalmente, con la exposición
celebrada en el Museo Cívico de Turín, en 1970, denominada "Conceptual art/ Arte Povera/
Land Art", se llega a la consagración oficial de los nuevos comportamientos artísticos.
Museos específicos dedicados a movimientos artísticos contemporáneos
Museo de Orsay (París), para el realismo e impresionismo francés).
Secesión de Viena para el estilo de ese nombre, con el que se conoce el modernismo
austríaco).
Museo de la Bauhaus (Weimar)[16] y museo-archivo del diseño de la Bauhaus (Berlín)[17]
Museo de Arte Abstracto Español (Cuenca)[18]
Museos específicos dedicados a grandes artistas contemporáneos [editar]Museo Botero
(Bogotá)
Atelier Cézanne (Aix-en-Provence)[19]
Museo Chillida-Leku (San Sebastián)[20]
Fundación y Apartamento-taller Le Corbusier (París)[21]
Museo Dalí (Figueras -Gerona, España- y otro en San Petersburgo, Florida)
Museo van Gogh[22]
Museo Nacional Eugène Delacroix (París)[23]
Museo Escher (La Haya)[24]
Casa-Museo Gaudí (Barcelona)[25]
Casa-Museo Horta (Bruselas).[26]
Museo Ingres (Montauban)[27]
Casa-estudio de Frank Lloyd Wright[28]
Museo César Manrique (Lanzarote)[29]
Museo Matisse (Niza)[30]
Fundación Joan Miró[31]
Museo Picasso (Barcelona, Málaga, Buitrago y Gósol)
Museo Sorolla (Madrid)[32]
Fundación Antoni Tapies (Barcelona)[33]
Museo Andy Warhol (Pittsburg)[34]

Arte Contemporáneo.
El término arte contemporáneo ha sido utilizado para designar genéricamente el arte y la
arquitectura realizados durante el S. XX. El cuestionamiento de los principios artísticos que
se inició en las últimas décadas del S. XIX tuvo una influencia decisiva en la formación del
espíritu crítico propio del S XX. Esta revolución estética no depende de los arbitrios de una
generación de artistas, ya que estos no hacen más que traducir las concepciones
intelectuales y sociales de un momento histórico. Por tanto, son los cambios filosóficos,
científicos y políticos los que exigen del arte una forma diferente de afrontar la realidad.
A finales del S. XIX y principios del S. XX Europa vivía en una situación caracterizada por
la inestabilidad social, la rivalidad económica y política entre las distintas naciones, que
desemboca en la Primera Guerra Mundial, y una fecunda productividad en el ámbito
científico e intelectual. En ello el arte se vio afectado y empezaron a surgir múltiples
corrientes que se denominaron "ismos", eran las diferentes rupturas con los modelos de
belleza dominantes en la época. No todas las tendencias se suceden linealmente en el
tiempo, sino que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones entre sí. Las vanguardias no
se pueden entender intentando establecer un orden cronológico, hasta la II Guerra Mundial
tienen lugar las primeras vanguardias artísticas o vanguardias históricas, mientras que
pasada la guerra aparecen las segundas vanguardias y el postmodernismo.

Las raíces del arte contemporáneo las encontramos a finales del S. XIX. El Impresionismo
y el Postimpresionismo constituyen un punto de partida para las corrientes del S. XX.
Dentro de las vanguardias históricas, las más destacadas fueron el fauvismo, el
expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neoplasticismo, el dadaísmo
y el surrealismo. Todas tienen una serie de elementos comunes en su ideología, pero no en
lo estilístico. Existe una conciencia de grupo dentro de cada uno de ellos y lo dejan
reflejado en sus respectivos manifiestos. Niegan el pasado y buscan un nuevo lenguaje
expresivo basado en una visión diferente de la realidad, a la que ya no imitan, interpretan.
El deseo de novedad los lleva a experimentar con el color, las formas y la composición.
El fauvismo sustituyó la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas por un
fuerte colorido y un dibujo de trazo muy marcado para crear un mayor énfasis expresivo.
George Braque y Henri Matisse fueron algunos de sus integrantes.
Los expresionistas valoraron los contenidos y las actitudes emocionales, la expresión del
propio yo, por ello la composición se hace desgarrada y el color más violento, con
contenidos simbólicos. El primer grupo expresionista se fundó en Alemania y fue conocido
como Die Brûcke (El Puente). Destacan Emil Nolde, Ernest Kichner, Kart Schmidt -
Rottluft y Erich Heckel. A finales de 1910 se constituyó Der Blaue Reiter (El Jinete Azul),
formado por Kandinsky, Franz Mare y El Lissitsky.
El cubismo enfatiza la superficie plana y la bidimensionalidad del lienzo y propone una
forma de perspectiva basada en la multiplicidad de los puntos de vista. En una primera fase,
denominada cubismo analítico los artistas buscaron la descomposición de las formas
tridimensionales en múltiples elementos geométricos a partir de la fragmentación de
elementos cúbicos y proyecciones planas. En una segunda fase, denominada cubismo
sintético, se desarrollaron experiencias con el collage. Materiales como la madera, papeles
de periódico, fotografías o plumas se combinaron con pigmentos planos en la composición
del cuadro. Las obras son más decorativas y las evocaciones figurativas más explícitas.
Robert Delaunay, Picasso, Juan Gris y Frantisek Kupka son destacados exponentes del
cubismo pictórico y Pablo Gargallo y Julio González de la escultura cubista en España.
Los artistas del futurismo italiano, especialmente Gini Severini, Humberto Boccini, Carlo
Cará y Giacomo Balla, trabajaron un estilo que se ha denominado cubismo dinámico
porque se interesaron por la representación del movimiento y la velocidad a través de la
repetición rítmica de líneas e imágenes.
El cubismo también influyó en la aparición del arte no figurativo o abstracto. El suizo Paul
Klee produjo algunas acuarelas abstractas. Los artistas rusos como Maliévich, Rodchenko y
Vladímir Tatlin, evolucionaron hacia un arte abstracto construido geométricamente.
De forma paralela a Rusia, en los Países Bajos se produce un movimiento denominado
Neoplasticismo. Sus principios se divulgaron a través de la revista De Stijl, encabezada por
Theo van Doesburg y Piet Mondrian. El método de composición de Mondrian parte de la
utilización de líneas rectas que delimitan rectángulos de colores primarios. Su meta es
destacar la bidimensionalidad de la superficie del lienzo con el fin de expresar su ideal
basado en la pureza del arte, despojado de lo particular y acorde a las leyes universales del
equilibrio.
El movimiento dadaísta representa la antítesis del racionalismo de Mondrian y otros
teóricos de la abstracción. Disconformes con el sistema de valores burgués, eligieron una
palabra sin sentido, dada, para designar su actividad de protesta y sus obras antiestéticas.
Marcel Duchamp, el artista más conocido, fue el inventor del ready-made, que es la
consideración de objetos cotidianos como obras artísticas, generalmente esculturas. El más
célebre de éstos fue el famoso urinario titulado Fuente.

Los surrealistas trataron de ir más allá de la realidad visible asegurando la superioridad del
subconsciente y la importancia de los sueños en la creación artística. Trabajaron con un
estilo figurativo Marx Ernst, Salvador Dalí, René Magritte y Van Ray, mientras que a la
corriente abstracta pertenecieron Jean Arp, André Masson, Yves Tanguy y Joan Miró.

Tras la II Guerra Mundial surgen las segundas vanguardias. La sociedad de consumo y el

capitalismo se desarrollan, el coleccionismo se dispara y el arte se convierte en un objeto de
especulación. Surge tendencias en contra de estos aspectos, la ironía y el sentido del humor
aparecen en el arte con movimientos como el Pop, mientras que por otra parte se exaltan los
materiales de desperdicio de la sociedad de consumo en el Arte Povera o Nuevo Realismo
Francés. El Arte Conceptual o Minimal nace con la voluntad de intelectualizar el arte, de
llegar directamente al intelecto del espectador y el Expresionismo abstracto de utilizarlo
como medio para exteriorizar los sentimientos del artista.
A partir de 1968 se produce un nuevo cambio en la sociedad y esto será plasmado en la
Postmodernidad.