ARTE TERAPIA

OBRAS

JEISON DAZA MEJIA

JESUS FERNANDO PINO

CINDY PAOLA SANCHEZ

JESSY SOLIS MATUTE

JULIETH VANESSA VASQUEZ

UNIVERSIDAD SIMÓN BOLIVAR

FACULTAD DE CIENCIAS SOCIALES
PROGRAMA DE PSICOLOGÍA
ELECTIVA INTERDISCIPLINAR CLÍNICA

BARRANQUILLA
2020
 1. Obra y autor
EL HIJO DEL HOMBRE

Pintura de René Magritte.

Foto imagen de la obra

Movimiento al que pertenece el artista

Surrealismo, Arte moderno.

Concepto personal de la obra, contexto social, cultural y político

Renè pintó un autorretrato, aunque al personaje no se le ve el rostro. Según algunos

teóricos, este era la representación de un Adán moderno, o partiendo del nombre de la obra
el hijo de Adán.

En esta época los surrealistas se basaban en Freud, al momento de expresar sus

sentimientos ocultos e inconscientes, es por esto, que el cielo y el mar de esta obra de Renè
se toma como un simbolismo. Y la Manzana es la tentación de la vida moderna, a la que se
ve atraído todo hijo de Adán.

El Hijo del Hombre es simple pero llamativo, claro pero enigmático. El enfoque en un
hombre con un traje con el rostro oscurecido, ha capturado la imaginación de millones. Las
pinturas peculiares de Magritte han proporcionado la inspiración para la nueva generación
entera de artistas tales como Andy Warhol y el movimiento del arte pop. Aunque Magritte
el artista pudo haber preferido personalmente mezclarse adentro, algo como su alter ego del
hatter del bowler, sus pinturas asombrosas se destacan ciertamente. Magritte dijo una vez
que el misterio es incognoscible, por lo tanto, así como "El Hijo del Hombre" puede ser
analizado e interpretado, siempre seguirá siendo una obra de arte enigmática que seguirá
sorprendiendo y entreteniendo al espectador.

Al igual que con la mayoría de las pinturas surrealistas, el Hijo del Hombre sólo se entiende
verdaderamente como una obra en su propio derecho una vez que se ha hecho una pequeña
cantidad de estudio sobre él - no puede simplemente navegar a través de imágenes del
trabajo de Magritte y entenderlo de inmediato.

El hijo del hombre de Rene Magritte fue creado en 1964 y representa la mejor obra de arte
que ha venido de la carrera de este innovador belga. La pieza original se encuentra en un
impresionante 116 cm × 89 cm (45,67 pulgadas × 35 pulgadas) y es el típico óleo sobre
lienzo que se encontró a lo largo del siglo XX. Tristemente el Hijo del Hombre es ahora de
propiedad privada, lo que significa que la oportunidad de verlo por ti mismo es raro, a pesar
de su gran fama e importancia dentro del movimiento surrealista europeo en general.
Posibles preguntas que se hizo el autor de la obra

Originalmente pintado en 1964 como un óleo sobre lienzo y midiendo 89cm por 116cm,
esta fascinante pintura comenzó como un autorretrato.

En 1963, el buen amigo, consejero y mecenas de Magritte, Harry Torczyner, encargó un

autorretrato del propio Magritte. Sin embargo, las cartas escritas por Magritte indican que
le resultaba difícil pintar su propio retrato. Magritte describió sus dificultades como un
"problema de conciencia".

Qué quería comunicar el autor con la obra

Buscaba hacer una “critica” o dar a conocer un “pensamiento” que tenía acerca del hombre,
esto se dio a conocer mediante la siguiente declaración: “Todo lo que estamos viendo
esconde otra cosa, nosotros siempre queremos ver lo que está escondido por lo que vemos,
pero es imposible. Los humanos esconden sus secretos demasiado bien…”
 2. Obra y autor

LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA

Cuadro de Salvador Dalí

Foto imagen de la obra

Movimiento al que pertenece el artista:

Surrealismo

Concepto personal de la obra, contexto social, cultural y político:

Este cuadro fue realizado un día en que Dalí se encontraba indispuesto para ir al cine con su
mujer y sus amigos. Mientras estaba solo en casa, el artista pintó el que sería uno de los
cuadros más famosos de la historia del arte. En efecto, la obra se exhibe en el Museo de
Arte Moderno (MoMa) de Nueva York desde 1934.

El resultado es un arte simbólico, lleno de elementos que salen de la racionalidad y lo

evidente. Esto se logra al desnudar los objetos cotidianos de la lógica que los envuelve.

Las obras del estilo surrealista dan pie a diferentes interpretaciones, ya que están cargadas
de gran simbolismo y poseen pocas representaciones convencionales de la realidad. La
persistencia de la memoria aborda la noción de la temporalidad y de la memoria.

Posibles preguntas que se hizo el autor de la obra

En una entrevista en 1935, Dalí, dijo que para la realización de estos relojes se había
inspirado en el queso Camembert:

“Podéis estar seguros de que mis famosos relojes blandos no son otra cosa que el queso
camembert del espacio y el tiempo, que es tierno, extravagante, solitario y paranoico-
crítico”.

Qué quería comunicar el autor con la obra

En “La persistencia de la Memoria” el tema principal es el tiempo, pero también se abordan

otras temáticas debido a su intenso simbolismo. Dalí quiere mostrarnos el paso inevitable
del tiempo, pero no de un tiempo como componente independiente de la realidad, sino de
uno que forma parte y depende del espacio.

El tiempo del cuadro La persistencia de la memoria no es el tiempo real. Es, más bien, el
tiempo del inconsciente. Se sabe que Dalí estuvo influenciado por algunas teorías de Freud,
según quien “El sueño es el camino que conduce al inconsciente”.

La búsqueda de Dalí por el inconsciente está reflejada en el cuadro por su

autorrepresentación. La temporalidad está en otro plano.
 3. Obra y autor

LA CAMA DESECHA

Tracey emin

Foto imagen de la obra

"Estoy al borde del abismo pero la vista desde aquí es excepcional" (Tracey Emin)

Tracey Emin creaba en 1998 una instalación con su propia cama, en la que aseguró
entonces haber permanecido cuatro días seguidos tras una dolorosa situación sentimental,
con pensamientos suicidas y una profunda depresión, que representa la situación personal
que atravesó Emin después de una ruptura sentimental.
Es una instalación fruto de un colapso y una crisis emocional que la artista sufrió en 1993;
uando Tracey tenía trece años fue víctima de una violación. Este hecho ha tenido una gran
repercusión en su vida y obra, Con dieciocho años Emin se quedó embarazada, pero abortó.
Este hecho, junto con otro aborto que sufrió más adelante, también han sido muy
influyentes en su obra. Emin entonces estaba sumida en las drogas y el sexo casual.

Llegó un momento en el que sólo estaba en la cama y sólo se movía para ir al baño, porque
no podía lidiar con la realidad. Así estuvo durante varios días seguidos. Cuando por fin se
levantó, observó su cama y vio, literalmente: “el absoluto desastre y decadencia de mi
vida”. Colillas, condones, ropa interior, botellas de alcohol, pañuelos de papel usados,
pastillas… Un retrato orgánico de la artista en ese momento. Al lado, dos maletas cerradas,
encadenadas: el equipaje emocional que Emin llevababa en aquel momento.

La cama, desecha, era un testimonio de la locura de aquellos días; emin Hizo una breve
afirmación de lo que pasaba por su mente en esos días

“Tuve una especie de pequeña crisis nerviosa en mi apartamento y no me levanté de la

cama durante cuatro días. Cuando por fin logré levantarme me dirigí a la cocina. Mi piso
estaba hecho un verdadero desastre. Al ver mi habitación pensé: «¡Oh, Dios mío! ¿Qué
pasa si me muero y me encuentran aquí? ¿Y qué pasaría si todo esto no estuviera aquí, sino
en otro lugar? ¿Cómo se vería entonces? Y en ese momento lo vi, me parecía una idea
brillante: éste es un hermoso lugar que se mantiene con vida. Convertí mi cama en una
instalación». Emin definió su obra como un autorretrato que a la gente no le gusta ver.

Contexto social, cultural y político

Se ve reflejado que los medios de comunicación omiten el valor filosófico, cultural, político
e incluso antropológico del arte y deciden limitarse al puro morbo, a poner en duda su
precio, criticar sin medida a los artistas, ningunear la técnica o el proceso de creación y, así,
en consecuencia, alejar cada día más al espectador de la obra.
Con pocos medios que hoy en día sean capaces de mantener una postura cordial que ayude
a que todos los ciudadanos consideren el arte cómo herramienta social o cómo recurso
emocional. Aún así, bien cierto es, el arte no pierde su valor espiritual, sentimental,
político, social y cultural... para bien o para mal, nunca deja indiferente a nadie. Ahí reside
su grandeza.

Cuestionamientos

No todos entendieron la pieza. Se convirtió en un objeto que atrajo la atención de crítica y

público que se cuestionaban las premisas del arte contemporáneo. Se estaba llegando a un
punto en el que todo valía. ¿Qué es el arte? Se preguntaban muchos. Y se siguen
preguntando. Se pidió a la audiencia que analizaran y evaluaran la obra. Este objeto obliga
a mirar las cosas con otros ojos, sin ideas preconcebidas. Una revisión de la manera de
mirar cuando nos ponemos frente a una obra de arte. Sea contemporáneo o no.

Qué comunica el autor

Lo que comunica el autor son los acontecimientos personales y las obras que produce,
exponiendo su intimidad con una honestidad brutal. Se podría decir que toda su obra es una
especie de autorretrato en diferentes momentos de su vida.
 4. Autor y obra

LAS DOS FRIDAS

Frida Kahlo

Foto imagen de la obra

Como si fuera una ilusión óptica, la pintora Frida Kahlo se desdobla en esta obra mostrando
una imagen de la compleja dualidad de su persona. La Frida casada y la Frida soltera
conviven en un mismo tiempo y espacio en el cual, pasado y presente convergen en un
mundo onírico. La parte psicológica y el simbolismo toma una gran transcendencia en todo
el trabajo de Kahlo.

Las dos Fridas es un doble autorretrato en el que dos mujeres comparten el mismo asiento y
sus rostros duplicados se muestran inexpresivos. Esa actitud de las mujeres contrasta con el
fondo de amenazantes nubes, reflejo de los dolores físicos y emocionales que Frida Kahlo
mantuvo prácticamente toda su vida. Las sombrías nubes contrastan con los vivos colores
del resto de la composición; esto enfrenta al espectador con la amalgama de sentimientos
encontrados de la pintora. Kahlo nos muestra a una de las Fridas cuando todavía estaba
casada con el muralista Diego Rivera; esta luce un vestido tehuano de colores, signo
reivindicativo de su nacionalidad mexicana y al amor por su marido. La Frida soltera viste
un rico vestido de encaje blanco estilo europeo. Pese a tener los corazones totalmente
expuestos, las dos mujeres se muestran tranquilas. Las dos Fridas tiene su génesis en una
experiencia que la artista tuvo en su infancia. El diario de Frida Kahlo un íntimo
autorretrato Kahlo lo explica así:

Y con un dedo dibujaba una puerta… Por esa puerta salía en la imaginación, con una gran
alegría y urgencia, atravesaba todo el llano que se miraba hasta llegar a una lechería que se
llamaba Pinzón…Por la O de Pinzón entraba y bajaba intempestiva mente al interior de la
tierra, donde mi amiga imaginaria me esperaba siempre.

Uno de los elementos simbólicos que atrapa la atención en esta obra son las rojas arterias.
Estas sirven de transfusión sanguínea, conectando y nutriendo a las dos mujeres. El
intercambio de sangre, de corazón a corazón, es el alimento energético que las dos mujeres
necesitan; el ingrediente vital para sobrellevar la soltería de una Frida y el apasionado, pero
atormentado matrimonio de la otra Frida. La imagen del retrato del niño-Diego que sostiene
en la mano la Frida casada está conectado mediante un arteria al corazón. Sin embargo, la
arteria, que sale del corazón de la Frida europea, derrama sangre a causa de un corte de
tijera, manchando el vestido blanco. Una acción que sirve de símbolo de la ruptura
matrimonial y los diversos abortos de la artista Frida Kahlo.

Las dos Fridas recuerda, en la postura de sus personajes y en el fino simbolismo, a la

maternidad del cuadro renacentista Gabrielle d’Estrées y su hermana. En la obra, Frida
Kahlo hace una búsqueda de ese equilibrio necesario para sobrellevar su divorcio, el dolor
físico que arrastrará toda su vida, debido a un accidente que tuvo a los dieciocho años, y el
intenso dolor de una maternidad quedó interrumpida demasiadas ocasiones. Dolor que hizo
de Frida Kahlo una de las artistas más cotizadas e icono feminista del siglo XXI.

Contexto personal de la obra, contexto social, cultural y político

Personal; Frida plasma en sus obras sus propias vivencias, es exactamente lo que está
viviendo en su presente, como lo interpreta y como cree que los demás lo viven.“Las dos
Fridas”, la cual la podemos ubicamos dentro del surrealismo, porque los surrealistas no les
interesa copiar la realidad sino que prefiera plasmar su realidad, es lo que interpretan de sus
sueños, o en el caso de Frida sus propias vivencias, ya que a partir de ellas pudo crear
maravillosas obras.

Cultural y social; Pretende trasmitir el dolor y busca romper con lo tradicional y es

justamente por esto que su obra está ubicada dentro de esta vanguardia porque ella pretende
expresar su dolor a través de la dualidad que ella misma siente en ese momento, que,
aunque representan algo totalmente contrario están fuertemente unidas por un lazo de
sangre (corazones unidos), así como a nivel de tacto (las manos unidas).

Qué quería comunicar el autor

Esta obra representa temas claves y transversales de la trayectoria de la artista como lo son
la dualidad, los opuestos, la herencia mestiza y la represión de la mujer, mezclado con la
simbología que otorga a los objetos y a su propia anatomía.
 5. Autor y obra

LA COLUMNA ROTA

Frida Kahlo

Foto imagen de la obra

Con 37 años, Frida Kahlo llevaba media vida arrastrando un terrible sufrimiento físico a
causa del accidente de autobús sufrido en 1925. Su columna vertebral había quedado
fracturada en tres partes, sufriendo además fracturas en dos costillas, clavículas y pelvis. Su
pierna derecha se fracturó en once partes. Fue además atravesada por un pasamanos por la
cadera izquierda atravesando su cuerpo hasta salir por la vagina. Kahlo comentaba que esa
fue la brutal forma en la que había perdido su virginidad.

Desde entonces fueron continuas las operaciones (al menos 32 a lo largo de su vida), las
hospitalizaciones y el dolor extremo. Tuvo que ponerse todo tipo de corsés y artilugios para
poder andar y llevar una vida normal. Pero lo único que ayudó a curar su dolor fue el arte.

Este autorretrato explica muy claramente lo que sucedía con su cuerpo. Frida llora porque
tiene rota su columna jónica (lo femenino) y sólo un doloroso corsé de metal la mantiene
moderadamente firme. Tiene clavos por todo su cuerpo, simbolizando el dolor al que quizás
su rostro se ha acostumbrado. Frida aguanta con resignación y estoicismo, sacando belleza
donde no la puede haber, como sacar agua de ese desierto que tiene detrás.

Contexto personal de la obra, contexto social, cultural y político:

Personal; autorretrato la cual era la especialidad del artista, que dice todo el sufrimiento de
una vida.

Social; la columna rota no sólo es precisa el dolor emocional que ella sufrió a causa de la
enfermedad de poli existe una línea de separación entre el interior y el exterior para
expresar esta idea Más que el dolor físico al costo de la enfermedad también resulta de la
falta de atención de sus padres hacia ella.
Cultural; aunque las lágrimas y los clavos representan dolor esta pintura desborda valor y
fortaleza.

Qué quería comunicar el autor con la obra

Esta obra refleja el dolor que experimentaron aquel periodo, así como desde su accidente
tráfico, toda la vida padeció de las séquelas físicas de ese accidente a los 18 años