Romanticismo Musical 1

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MÚSICA DEL SIGLO XIX

T.1. EL ROMANTICISMO MUSICAL Y SU CONTEXTO


1.1. CLASICISMO Y ROMANTICISMO. CONCEPTOS E HISTORIOGRAFÍA

Concepto de romanticismo como opuesto al clasicismo.

En concepto de romanticismo tiene una evolución en la historia de su concepción. En


el siglo XVIII a finales ya surge con el Sturm und Drang. El romanticismo por esencia
es suspense, emoción, tensión, expresivo, legendario. Se le empieza a llamar música
romántico a la que tiene rasgos de innovación, moderno, nuevo, exótico, etc. Con el
tiempo esta concepción se opondrá a lo clásico (Leer texto de ella en campus). Es
algo más espiritual, exaltación del sentimiento por encima de la razón. Lo romántico
remite a la naturaleza salvaje y oscura de la edad media, pasiones desatadas. Todos
estos paisajes se reflejan en la ópera.

El término romántico viene de roman, que en francés era novela.

El clasicismo normalmente se asemeja a lo clásico, la razón, las formas de la


antigüedad, naturaleza calmada.

El tema contrapuesto aparece ya en el siglo XIX. La frontera surge por la oposición de


la frontera entre el racionalismo. Hay algunos teóricos que piensan que el
romanticismo no pretende romper con lo clásico. Depende de donde se ponga el
acento, o en la forma o en lo expresivo. Y se piensa que en lo clásico puede haber
expresiones románticas, y en el romanticismo estructuras formales.

En esta época comienza el interés por el pasado, que es algo muy romántico que
determina la música.

Se da en España el movimiento del 98, como intento de regenerar la cultura española


y elevar el nivel que había quedado desfasado. Sera la edad de plata española (primer
tercio siglo XX). La parte negativa es que desde el punto de vista historiográfico
parece que en España no ha habido nada anterior.

En ese siglo se da la moda de la historiografía, de conocer el pasado, su historia y


sus héroes. De la historiografía posterior se crean varias visiones que se reflejan en
los índices de los libros teóricos musicales.

En el siglo XIX la música se pone a la cabeza de todas las artes. No se puede


concebir sin música y esta en el centro de todo. Es mucho más importante casi que en
la sociedad actual.

La estética germana también se suele imponer en el resto.

Surgen las concepciones organicistas: concebir las etapas musicales de un autor


según su vida. Vida y Obra.

El paso del XVIII al XIX es muy importante y será progresivo, hay que tenerlo en
cuenta.

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1.2. ASPECTOS ESTÉTICOS

La música va a estar a la cabeza de todas las demás artes, precisamente por su


capacidad de expresión y su abstracción.

Empezaremos a establecer a finales el concepto de música pura como música


instrumental. Hasta entonces se había subordinado la voz a la instrumentación.
Aunque de esto ya veíamos atisbos en CPE Bach y en el Sturm und drag y
emphindsumerstil. En la primera mitad del XIX se valora mucho la música
instrumental, porque ya es posible que la música instrumental exprese ideas sin la
necesidad de texto o palabras. De hecho gran parte de la música se imprime de forma
programática?

Hobman, crítico y escritor del XIX. La quinta sinfonía de Beethoven que tuvo mucho
impacto en ese momento, fue criticado por Hobman: la más celebre de todas y la
primera que da rienda suelta a la imaginacion sin apoyarse en nada estrangero parece
que emana directamente del genio de beethoven y representaran sus sentimientos
más intimos. El genio es muy importante, y su inspiración divina también. Las
melodías y los ritmos salen de los sentimientos del genio. La quinta sinfonía expresa
imágenes. Además, en la crítica del XIX se expresa en términos de sentimientos. Las
explicaciones de los conciertos hasta el año 60 se cuentan de forma expresiva, no se
cuenta que tiene una forma sonata de determinada manera (música programática). La
música de Beethoven no era programática, no pone ningún programa, pero algunas de
sus interpretaciones si que lo era. Aunque en su sexta sinfonía si es algo
programático, Beethoven no pone la primavera como Vivaldi en el titulo, es más
subjetivo y pone en la sexta sinfonía: expresión de sentimientos que despiertan en mi
la contemplación del campo. Para el eso no era programático, pero si expresivo.

La música es expresiva, pero el lenguaje musical tiene su propia gramática y


significado, no hace falta ponerle palabras ni asociarlo a lo literario, a un programa.
Entonces hay que darle a un público unas claves a las que acogerse para que lo
entiendan.

1.3. LA FUNCIÓN DE LA MÚSICA EN LA SOCIEDAD DEL SIGLO XIX

En los conciertos del XIX se interpretan obras contemporáneas para dar a conocer
sus obras. Como empieza a ponerse de moda el historicismo, empiezan a querer
recuperar a los grandes referentes a partir de los años 40. Entonces, los nuevos
compositores tendrán que competir con los músicos del pasado. Llegaban incluso a
contratar a gente para medir el tiempo de los aplausos.

El fin de los empresarios era tener máximos espectadores. Se implanta un modelo de


una buena orquesta, y se pretende fidelidad a un público cada vez más amplio y más
divergente.

Hay un movimiento que ocurre sobre todo en orquestas de Londres. Lo que ellos
proponen es hacer programas como folletos didácticos, donde los temas y las formas
sonatas explicarlo. Entonces la gente puede valorar las obras contemporáneas. Las
orquestas se irán generalizando a finales del XIX. En Madrid por ejemplo nace la
Primera orquesta en 1866.

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La música contemporánea y música del pasado se va a ir separando cada una por


cada sitio. Porque los compositores contemporáneos también tienen que vivir de algo.

En realidad hay buenos compositores y música de calidad, pero no son grandes


genios. Como surge la idea del gran hombre y de los grandes géneros como la
sinfonía y la ópera. Hay unos géneros menores, y una jerarquización de géneros.
También se solía hacer una diferenciación entre cosas serias y obras más triviales o
popular. Es una dicotomía estética. A Sarasarte le ocurre eso, que en los programas
de sus conciertos pone obras serias, y al final en las propinas tocaba sus propias
obras menos serias. Esta dicotomía que surge en el siglo XIX se ha heredado en
nuestros días.

Los auditorios como el auditorio nacional se ponen muy de moda en el siglo XIX. Se
diferencia de los teatros en la jerarquización social con palcos, los modernos ya no lo
están. Los modernos casi siempre están presididos por un órgano y en el escenario o
fuera suele haber estatuas o representaciones de grandes compositores de la historia.
Son como grandes templo donde los dioses son los compositores del pasado donde
para concentrarse se hace sobre la oscuridad y el silencio. Eso es producto de la
introducción de la música en las artes y con el nacimiento de la estética, donde
concebían el arte como objeto de contemplación. En el siglo XVIII con la ilustración es
cuando surge la estética, los museos, las grandes bibliotecas y los conservatorios.

El siglo XIX esta lleno de revoluciones liberales. El primero de ellos el gran impacto de
la Revolución Francesa. La libertad que se reclama se manifiesta en la desaparición
de estamentos en los conciertos. Antes había música en la corte, catedrales y teatros
(operas). Después, empiezan a darse lo conciertos para un Publio más amplio. La
aristocracia en este siglo pierde mucho dinero y poder.

En la sociedad del XIX la música será importantísima y (gil súper Geis, fubini leer).

Además, se da la transformación de estar al servicio de los grandes (músicos al


servicio de príncipes o de la corte). Mozart lucho por ello. Los músicos vivirán
después, de los conciertos, de las clases y de vender sus partituras. Pasaran de
depender de la corte y del poder económico a depender del público. Paso del
sistema del patronazgo al sistema del mecenazgo (obras de encargo). El músico
puede vivir componiendo libremente lo que quiere y el público demanda su genio.

Los músicos del XIX viven sobretodo de música para aficionados, piezas breves para
piano, canciones, etc. Cuando pueden hacen música sinfónica y algunas obras más
importantes. La burguesía asciende enormemente y es el estado predominante.
Demandan el teatro, la ópera. Seguimos teniendo la iglesia aunque con menos fuerza.
Hay un mundo que crece muchísimo, que es el mundo del salón (aristocrático +
burgués). El espíritu de asociación también esta muy presente y viene por la liberad.

Conciertos callejeros y bandas de músicas en quioscos se incrementan por el ocio


ciudadano. Música de cafés. Los auditorios de la música moderna que dejan de lado a
los teatros.

La música es una muestra de cultura y de dinero. Hay que saber música si alguien
quiere ser mínimamente culto. En la enseñanza musical tienen mucha importancia,

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surgen academias, conservatorios, ya que antes se enseñanza en las iglesias y a nivel


privado, por lo que es necesario que la gente se forme en bandas de música,
academias o conservatorios. La gente lo demanda y cada pueblo tendrá que tener su
banda con sus propios músicos. El piano como instrumento domestico. Cultivo masivo
de la música en la sociedad del XIX.

No hay orquestas, asique no compondrán mucha sinfonía.

Dependían bastante del público. El músico ahora compondrá para el futuro, para
perdurar, de universalismo. Aparece el músico como autor o artista, no como artesano.
Idea de la inspiración y de la genialidad como elementos fundamentales en la música.

Hay músicos que malviven y tienen varios trabajos para poder mantener a su familiar.
Pero también esta el mundo de los aficionados. Hay un mundo de confluencia.

1.4. EL LENGUAJE MUSICAL DEL SIGLO XIX

En la música del XIX domina la expresión. Tiene consecuencias desde el punto de


vista del lenguaje.

Se viaja mucho, por el speen (aburrimiento) y hay que buscar la emoción, los paisajes
y lo desconocido.

La consecuencia es que la sucesión de I- V ya aburre, entonces, lo que hacen es


sorprender y desconcertar y romperle las expectativas al oyente. Romper las
expectativas es lo que mejor funciona en el oyente, eso crea desconcierto, interés. No
se pretende romper la forma sonata, se buscan alternativas a la V y el círculo de
quintas estará muy presente. Además, produce una evolución tonal, que produce
sensaciones en el oyente.

La estructura de la ópera tiene transformación en la estructura. Presentación, nudo y


desenlace. La simetría de la estructura clásica no funciona y pretenden mantener la
dominante hasta el final (ejemplo aria casta diva). Al final se introducen muchos tipos
de elementos distorsionadores hasta el final. Se introducen muchas novenas de
dominante para crear una resonancia más fuerte y la huída de la cuadratura de la
frase.

El interés por el sonido y el timbre es muy importante, porque da expresión. Se cuida


mucho la búsqueda imbrica en la orquestación. Beethoven no innova mucho en la
forma sonata ni en la armadura pero si en la tímbrica.

A principio del XIX Haydn y Mozart fueron considerados románticos. Había una
corriente prerromántica, incluso a veces se consideraba a todo una misma corriente:
clasicismo y romanticismo. Es muy difícil ver una línea que separa las dos corrientes,
pero lo que hace evolucionar a la música del XIX es la expresión, la armonía, la forma
y estructura de la frase.

La música del XIX esta totalmente dirigido a un público, que cada vez es más amplio.
Se intenta agradar y sorprender (el afán romántico son las aventuras y sorpresas), a
un potencial publico.

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La España de Carmen, de lo exótico, donde valoran la música popular, la guitarra, etc.


Se busca en las seguidillas, boleros, jotas lo exótico, que representaran a la alambra
(elemento exótico de Andalucía y el orientalismo medieval, lo tenia todo). Lo medieval,
sobrenatural, inalcanzable.

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