Historia del Ballet

El ballet es una danza cuyo orígenes se encuentran en el Renacimiento

Italiano, durante los siglos XV y XVI.
El ballet se explayó desde Italia hasta Francia con la ayuda de Catherine de’
Medici, donde el ballet se desarrolló aún más bajo su influencia aristocrática. Un
ejemplo del trabajo expuesto por Catherine se capturó en la pieza llamada  Le
Paradis d’ Amour. Esta pieza fue presentada en la boda de su hija, Marguerite de
Valois y Enrique de Navarre. El dinero aristócrata era el responsable de las etapas
iniciales del desarrollo del ballet de corte.
La literatura y la música utilizada en el ballet tenían como fin entretener
principalmente a los aristócratas de la época. En 1573, se llevó a cabo la primera
puesta en escena de la primera pieza del ballet de corte, cuyo nombre fue Ballet
des Polonais. Esta pieza fue llevada a escena por Catherine de’ Medici en honor del
embajador polaco que estaban de visita en París.
En 1581, Catherine de’ Medici produjo otro ballet de corte llamado: Ballet Comique
de la Reine, sin embargo, su compatriota, Baltasar de Beaujoyeulx , fue quien hizo
todos los arreglos de baile. Catherine de’ Medici y Balthasar de Beaujoyeulx fueron
los encargados de presentar el primer Ballet de corte, tomando como base los
principios de la Academie de Baif. En esta pieza se integró la poesía, la danza, la
música y la escenografía para transmitir una historia dramática unificada.

Foto de la premier del ballet de Tchaikovsky La Bella Durmiente (1890).

A finales del siglo 17 Luis XIV de Francia fundó la Académie Royale de
Musique en la Opera de Paris, en donde surgió la primera compañía profesional: la
compañía de ballet, el Ballet de Opera de Paris.
El predominio francés en el vocabulario del ballet refleja esta historia.

El Ballet Teatral pronto se independizó del arte, aunque todavía mantiene con
frecuencia una estrecha relación con la ópera, y de igual forma se desarrolló desde
el centro de Europa a otras naciones. El Ballet Real de Dinamarca o mejor conocido
como Royal Danish Ballet y el Mariinsky Ballet del Imperio ruso fueron fundados en
el año 1740 y comenzó a tener más fuerza, después del año 1850. En 1907, el ballet
ruso, a su vez se regresó a Francia, donde el Ballets Russes de Sergei Diaghilev y
sus sucesores fueron muy influyentes. Pronto el ballet se dio a conocer en todo el
mundo con la formación de nuevas empresas, entre ellas Londres El Royal Ballet
(1931), Ballet de San Francisco (1933), American Ballet Theatre (1937), El Royal
Winnipeg Ballet (1939), The Australian Ballet (1940), el Ballet de Nueva York (1948),
el Ballet Nacional de Canadá (1951), y el Delhi Ballet (2002).
Durante el siglo 20, los estilos de ballet continuaron desarrollándose fuertemente,
obteniendo una influencia más fuerte en la danza de concierto. En Estados Unidos,
por ejemplo el coreógrafo estadounidense George Balanchine desarrolló lo que
hoy se conoce como el ballet neoclásico, estilos posteriores han incluido ballet
contemporáneo y el ballet post-estructural.
La palabra ballet viene del francés y fue tomado por la lengua inglesa en el siglo
17. La palabra francesa a su vez tiene sus orígenes en italiano con balletto un
diminutivo de ballo que quiere decir danza. Ballet en última instancia se origina
con la remonta a lengua italiana, Ballare significa bailar.
Renacimiento – Italia y Francia
El ballet se originó en el Renacimiento durante una ceremonia en Italia.

Se dice que el ballet fue parte de las bodas aristocráticas, en donde había músicos
y bailarines con el fin de proporcionar un elaborado entretenimiento para ellos. El
ballet del Renacimiento es muy diferente a la forma de entretenimiento teatral
conocido por el público contemporáneo. Los tutus y las zapatillas de ballet aún no
eran parte del vestuario de un bailarín de esos tiempos del renacimiento. La
coreografías se adaptaban a los pasos de baile de la corte. Los bailarines
intérpretes vestían con la moda de la época. Las mujeres debían ponerse vestidos
formales que cubrían sus piernas hasta el tobillo. A principios del ballet era muy
participativo, debido que la audiencia se unía a bailar en el baile final. Domenico
da Piacenza (c. 1400–c. 1470) ) fue uno de los primeros maestros de baile. Junto
con sus alumnos Antonio Cornazzano y Guglielmo Ebreo, fue entrenándose en la
danza, enseñándoles a sus estudiantes la belleza de la danza. Da Piacenza dejó un
pieza llamada: De arte saltandi et choreus ducendi  (En el arte de la danza y la
realización del baile) la cual fue producido por sus alumnos.
En 1489 Gian Galeazzo Sforza, duque de Milán, se casó con Isabel de Aragon, en
Tortona. Para la boda, se llevó a cabo una elaborada pieza de baile coreografiada
por el maestro italiano Bergonzio di Botta. Las danzas estaban vinculadas a la
narrativa de Jason y de Argonauts, además cada baile correspondía a platillo
diferente de la cena. Tristano Calco de Milán escribió sobre el evento, y lo
consideró como un espectáculo impresionante.

El ballet continuó tomando más fuerza con la estructura francesa del Ballet de

cour, el cual consistía de bailes sociales interpretados por la nobleza acompañados
con música, interpretaciones verbales, poesía, el canto, desfiles, decoraciones y
vestuarios. Cuando Catherine de’ Medici, una aristócrata italiana con interés en las
artes, se casó con el heredero de la corona francesa, Henry II, ella trajo a su pasión
por la danza a Francia y obtuvo apoyo financiero. Catherine de’ Medici’s apoyó con
los objetivos de la política y de la corte, los cuales por lo general se organizan en
torno a temas mitológicos.
El ballet continuó tomando más fuerza con la estructura francesa del Ballet de cour,
el cual consistía de bailes sociales interpretados por la nobleza acompañados con
música, interpretaciones verbales, poesía, el canto, desfiles, decoraciones y
vestuarios. La primera pieza del ballet de cour fue el Ballet de Polonais. Esta pieza
de ballet se realizó en 1573 con motivo de la visita del embajador de Polonia. Fue
coreografiada por Balthasar de Beaaujoyeulx y contó con la presentación durante
una hora con dieciséis bailarinas, cada una de las bailarinas representaba una
provincia francesa. El Ballet Comique de la Reine (1581), que también fue
coreografiada y dirigida por Balthasar de Beaujoyeulx, producido por Louise of
Lorraine, reina consorte de Rey Henry III, hijo de Catalina, para celebrar el
matrimonio de Anne de Joyeuse. El ballet se prolongó durante más de cinco horas
y fue bailado por veinticuatro bailarines.
En el mismo año, la publicación de Fabritio Caroso llamado Il Ballarino, fue un
manual técnico sobre el baile, tanto en la interpretación y el efecto en la sociedad.
También ayudó establecer a Italia como un centro de desarrollo técnico de ballet.
Siglo 17 – Francia y la Corte de baile
El Ballet se desarrolló como una forma enfocada en la interpretación del arte en
Francia durante el reinado de Louis XIV, quien era un apasionado de la
danza. Pierre Beauchamp, la persona que creó las cinco posiciones de los pies y
las posiciones de los brazos en el ballet, era profesor de baile personal del rey y su
socio favorito en el Ballet de cour durante el año de 1650.
En 1661 el rey Louis XIV, tuvo la determinación de establecer una nueva escuela
de baile llamada, Académie Royale de Danse. Beauchamp fue
nombrado Intendente des ballets du roi y en 1680 se convirtió en el director de
la academia de baile, cuyo cargo ocupó hasta 168.
Jean-Baptiste Lully, un italiano violinista, bailarín, coreógrafo y compositor, se
unió a la corte de Luis XIV en 1652, tomó un papel importante en la dirección que
el ballet tendía en el futuro. Apoyado y admirado por el rey Louis XIV, Lully a
menduo incorporaba al rey en sus rutinas. La pieza llamada Sun King para el
monarca francés, se originó en la interpretación de Louis XIV en la coreografía de
Lully llamado Ballet de la Nuit (1653). Esta pieza de ballet fue espléndida ya que
contó con una escena en donde una parte de la case fue quemada, también
incluidas las brujas, hombres lobo, gitanos, pastores, ladrones, y las diosas Venus y
Diana. La principal contribución de Lully a esta pieza fueron sus composiciones
matizadas. Su comprensión de movimiento y la danza le permitió una coreografía
inigualable, realizando una fusión con los arreglos musicales y los movimientos de
los bailarines. Lully, también colaboró con el escritor francés Molière. Juntos
crearon un nuevo estilo de teatro llamado “ commedia dell’arte” y fue adaptado al
público francés, creando la “comédie-ballet!, Le Bourgeois Gentilhomme (1670).
En 1669 Louis XIV fundó la Académie d’Opéra con Pierre Perrin como director.
Louix XIV se retiró en 1670, en gran parte, debido a que aumentó mucho de peso.
En 1661 fundó la escuela Adacemie Royale de danse. Beauchamp fue el primer
bailarín de ballet profesional, tenía un gran conocimiento de la Ópera y creó la
coreografía de la primera porducción de la nueva empresa, Pomone con un arreglo
musical de Robert Cambert. Después de Perrin se fuera en bancarrota, el rey
reestableció la ópera como una rama importante de la academia y puso como
director a Lully.
Beauchamp fue uno de los principales coreógrafos. Lully, junto con el libretista,
Philippe Quinault, crearon un nuevo concepto llamado tragédie en musique, en
donde cada acto contaba con un espectáculo de intermedio, el cual era conocido
como divertissement. El divertissement eran pequeñas presentaciones de ballet
durante los intermedios de la obra. En casi todas sus creaciones Jean-Baptiste Lully
creo una fusión de arreglos musicales y drama con elementos franceses e italianos.
Su trabajo dejó un legado que definiría el futuro del ballet.

Popularidad en Europa
La corte de Francia fue en cierto modo el modelo a seguir para las otras cortes
reales de Europa. Los estilos del entretenimiento fueron imitados, incluyendo los
ballets reales. Los tribunales de España, Portugal, Polonia, Alemania, y en otros
lugares se convirtieron en audiencias y practicantes de los ballets. Además de
Francia, Italia se convirtió en una influencia importante en este baile.

Compañías profesionales de ballet comenzaron a organizar y recorrer toda Europa,

actuando para el público aristocrático. En Polonia, el rey Władysław IV Vasa (1633-
1648) propuso a su país como sede del espectáculo de la ópera italiana, la cual
incluía bailarines de ballet en algunas escenas. Los especialistas de ballet que
trabajaron para la corte polaca eran Louis de Poitiers (maestro de ballet), Charles
Duparc, Jean Favier, Antoine Pitrot, Antonio Sacco y Francesco Caselli.

Francia y su desarrollo en la áreas artísticas

El siglo18 fue un período en donde las técnicas de ballet evolucionaron. Además
fue el periodo en donde el ballet se convirtió en una forma de arte dramático a la
par de la ópera. Esta evolución fue gracias al trabajo de Jean-Georges Noverre. En
la coreografía de “Lettres sur la danse et les ballets”  (1760), se encontraron pasos
relacionados con la técnica “ballet d’action” o ballet de acción, ya que el los
movimientos de los bailarines estaban diseñados para expresar la letra de la pieza.
Noverre cree que el drama del ballet debe ser lógico y bien estructurado. Los
coreógrafos, compositores y diseñadores deben de estar al pendiente desde las
primeras etapas de la planificación de un trabajo. Todo debe de ser preciso y
limpio, por ejemplo los productores tienen que cuidar los pequeños detalles como:
retirar las máscaras para lograr una mejor expresión facial, los vestuarios deben ser
recortados para mostrar la figura de los bailarines, y que los coreógrafos deben
tener una educación amplia en donde abarque la pintura y la creatividad, ya que
esto ayudará a darle vida a las presentaciones.
Modificaciones comenzaron a tomar parte del ballet. Christoph Gluck fue uno de
los iniciadores de estos cambios. Finalmente, el ballet fue dividido en tres técnicas
formales llamadas sérieux, demi-caractère and comique . El ballet también comenzó
a tomar parte de los intermedios de las óperas con pequeñas escenas de bailes.

Afuera de Francia
Venecia sigue siendo el centro de danza en Europa, particularmente durante la
época del Venice Carnival, cuando bailarines y visitantes de todo el continente
viajaban a la ciudad para un intercambio cultural. La ciudad del Teatro San
Benedetto se convirtió en un lugar popular de la ciudad, debido a que la mayoría
de las funciones de ballet se realizaban allí. Las técnicas del ballet italiano
mantuvieron una influencia prominente en gran parte del sur y el este de Europa,
hasta que las técnicas rusas las suplantaron en el siglo 20.

Las funciones de ballet tuvieron más popularidad en Europa durante el siglo 18, en
áreas como Hungría. Se establecieron compañías profesionales, las cuales tuvieron
funciones en Hungría y en otras partes del mundo. El Teatro Nacional de Budapest
es reconocido como el hogar de los bailarines.

Algunos de los principales bailarines de la época que viajaron por Europa fueron
Louis Dupré (bailarina), Charles Le Picque, Anna Binetti, Gaetano Vestris y Jean-
Georges Noverre.

Siglo 19
La bailarina se convirtió en el intérprete de baile más popular en Europa durante
primera mitad del siglo. Sucedió una gran transformación, puesto que hubo una
disminución de popularidad entro los bailarines. En muchas obras, los héroes de
ballet eran interpretados por mujeres, como el personaje principal de
“Pantomime”.

La profesionalidad de las compañías de ballet se convirtió en la cuna de una nueva

generación de maestros de ballet y de bailarines. Viena tuvo una gran influencia en
los que practicaban ballet. El primer maestro de ballet del Teatro Nacional y de
Ópera Real de Hungría fue el Frigyes Campilli, quien trabajó en Budapest por 40
años.

El siglo 19 fue un período de grandes cambios sociales, lo cual también se vio

reflejado en el ballet puesto que se comenzaba a perder las sensibilidades
aristocráticas que había dominado durante tantos años en el ballet romántico.
Bailarinas como Geneviève Gosselin, Marie Taglioni y Fanny Elssler experimentaron
con nuevas técnicas tales como el trabajo en punta. Taglioni era conocida como la
“bailarina cristiana”, ya que su imagen era ligera y pura (asociada con su papel en
la pieza La Sylphide). Ella fue entrenada por su padre Filipo Taglioni. En 1834,
Fanny Elssler llegó a la Ópera de París y se convirtió en la Bailarina Pagana, debido
a sus buenas cualidades de poder interpretar la danza “Cachucha”, la cual la hizo
famosa. Maestros como Carlo Blasis codificaron esa técnica de ballet que aún se
usa hoy en día.

Movimiento romántico
El movimiento romántico en el arte, literatura, y el teatro fueron reacciones en
contra de las restricciones formales y los mecanismos de la industrialización.
El zeitgeist llevó a los coreógrafos a componer ballets románticos que tenían como
característica la luz, y movimientos de libertad y de fluidez, los cuales contrastarían
con la difusión de la ciencia reduccionista a través de muchos aspectos de la vida
diaria. Estos bailes “irreales” retrataban a las mujeres como seres sobrenaturales
con una extrema frágiles, que se podían levantar sin esfuerzo y casi parecían como
si flotaran en el aire. Las bailarinas comenzaron a usar disfraces de colores pastel,
con faldas que llegaban hasta los tobillos. Un ejemplo del movimiento romántico
es “La Sylphide” , uno de los bailes románticos más antiguos que aún es
interpretado por bailarines contemporáneos.
El movimiento romántico era una nueva exploración de folklore y de la cultura
tradicional, la cual comenzó a tomar parte del folklor de Europa, África, Asia y
Oriente Medio. En el ballet de esos tiempos los bailarines eran caracterizados como
villanos o como bufones, para que se pudieran adaptar al “Orientalismo”. La Ópera
Nacional de Ucrania, teatro dedicado a las artes escénicas, se estableció en Kiev en
1867. Para 1893, esta compañía creció lo suficiente para tener grandes
presentaciones de bailes de ballet.26

Muchas compañías de ballet europeas aún existen hoy en día y siguen

estableciendo nuevos teatros de ópera en todas las ciudades de Europa durante el
siglo 19, incluyendo el Kiev Ballet, el Ballet Nacional de Hungría, el Teatro Nacional
de Ballet (Praga) y el Ballet Estatal de Viena. En estos teatros había un espacio para
la ópera, el drama y el ballet. Compositores, dramaturgos y coreógrafos fueron
capaces de crear obras que capturaban la fusión entre estas tres vertientes de arte.

Rusia
Mientras que Francia jugó un papel decisivo en el ballet, otros países y culturas
adoptaron pronto esta forma de arte, sobre todo Rusia. Rusia tiene una gran
tradición de ballet, y el ballet ruso ha tenido una gran importancia en su país a lo
largo de la historia. Después de 1850, el ballet comenzó a disminuir su fervor en
París pero comenzó a tener más popularidad en Dinamarca y Rusia gracias a
maestros como August Bournonville, Jules Perrot, Arthur Saint- Léon, Enrico
Cecchetti y Marius Petipa.

A finales del siglo XIX, el orientalismo estaba de moda. El colonialismo trajo a la

vista las culturas de Asia y África, pero no tenían una buena consistencia debido a
la malos recursos de información y la fantasía. El este era percibido como un lugar
muy lejando en donde todo era posbile, siempre era espléndido, exótico y
decadente. Petipa siguió el gusto popular produciendo “La hija del Faraón” (1862),
y más tarde “El talismán” (1889 ) y “La Bayadère” (1877 ). Petipa es recordado por
sus colaboraciones en “Tchaikovsky”. Él utilizó una música especial para su
coreografía del “Cascanueces” (1892) , de “La Bella Durmiente” (1890 ) , y el “Lago
de los Cisnes” (1895) .
Estas obras fueron influenciadas por el folklore europeo.

El ballet alcanza un “Mundo Nuevo”

Compañías de ballet de Europa comenzaron giras lucrativas en los teatros de
Norteamérica, Centroamérica y América del Sur, a mediados del siglo 19 . El
prestigioso Teatro Colón de Buenos Aires, Argentina, ha sido sede de bailarines
extranjeros. Por la década de 1880, el Teatro Colón tuvo su propia compañía de
ballet profesional.

Siglo 20 y el modernismo. Rusia y el Ballets Russes

Trajo el ballet a Paris cuando él abrió su compañía, Ballets Russes. Estaba
compuesto por bailarines de la comunidad francesa que habían sido exiliados de la
Revolución Rusa.
Diaghilev y el compositor Igor Stravinsky fusionaron sus talentos para traer el
folklore ruso a en “El pájaro de fuego” y “Petrushka” con coreografía de Fokine.
Otra coreografía de Diaghilev fue dada a Nijinsky. Su primera pieza de ballet
fue L’apres-midi d’un Faune (Afternoon of a Faun) con música de Debussy. La
presentación con más controversia del Ballets Russes fue “The Rite of Spri”,
coreografiado por Nijinsky con música de Stravinsky. La música moderna de ballet,
las nuevas posturas de los pies y el tema de los sacrificios humanos creo en el
público un sentimiento de desagrado.
Después de la “edad de oro” de Petipa, Michel Fokine comenzó su carrera en San
Petersburgo , pero se mudó a París y trabajó con Diaghilev y los Ballets Russes.

El Ballet ruso continuó su desarrollo bajo el dominio soviético. Quedaba poco

talento después de la revolución, pero esa pequeña porción de talento hizo que se
expandiera a las otras generaciones. Después de un estancamiento en la década de
1920, a mediados de la década de 1930 la nueva generación de bailarines y
coreógrafos apareció en escena. Se promovió la perfección en la técnica y la
precisión en la danza. Agrippina Vaganova, quien fue entrenado por Petipa y
Cecchetti, encabezando la Academia de Ballet Vaganova. Esta escuela fue
diseñada para entrenar a bailarines para el Ballet Kirov en San
Petersburgo/Leningrado.
El ballet obtuvo una buena posición en el gusto del público. Las compañías de
Moscow Bolshoi y la de St. Petersburg Kirov fueron muy populares en el público.

Algunas piezas de la época tuvieron un gran impacto como la de “Romeo y Julieta”

producido por Prokofiev y Lavrovsky. La pieza, “Llamas de Paris”, muestra todas las
facetas del arte realista socialista. La pieza “Fuente de Bakhchisara” con música de
Boris Asafiev y coreografía de Rostislav Zakharov fue todo un éxito.

El ballet reconocido de “La Cenicienta”, en la cual Prokofiev creó la música,

también fue creación del ballet soviético. Durante la era soviética, estas piezas en
su mayoría eran desconocidas. Sin embargo, después del colapso de la Unión
Soviética estas piezas obtuvieron una gran popularidad.
En 1999 se llevó a cabo el estreno de la pieza “The Fountain of Bakhchisarai” por el
Ballet Kirov en Nueva York. La era soviética del ballet ruso puso mucho énfasis en
la técnica, el talento y la fuerza. Se exigía la fuerza para todos los nuevos bailarines
occidentales novatos. Cuando se ve los archivo que se pudieron recuperar, se pode
ver la gran técnica y talentos de bailarines como Galina Ulanova, Natalya
Dudinskaya y Maya Plisetskaya y coreógrafos como Pyotr Gusev.
Las empresas rusas, en particular después de la Segunda Guerra Mundial, tuvieron
muchas presentaciones alrededor del mundo.

Estados Unidos
Tras el traslado del Ballets Russes a Francia, el ballet comenzó a tener una
influencia más amplia, particularmente en los Estados Unidos.

Desde París, Fokine fue a Suecia y luego los EE.UU. y se estableció en Nueva York.

Él creía que el ballet tradicional ofrecía más que movimientos bonitos y una
exhibición atlética. Además de una buena técnica, exigía: drama, expresión y una
autenticidad histórica. El coreógrafo tuvo que investigar el contexto el cual él se
encontraba y así decidió rechazar el tutú tradicional y propuso una tendencia de
vestuario más contemporáneo.
Fokine coreografió “Scheherazade” (Rimsky -Korsakov) ” y “Cleopatra”. También
retomó las piezas “Petrushka” y “El pájaro de fuego”. Una de sus piezas más
famosas fue “La muerte del cisne”, interpretada por Anna Pavlova. Más allá de sus
talentos como bailarina, Pavlova tenía el potencial para llevar a cabo las demandas
que Fokine tenía en el momento de coreografiar la rutina de ballet. La leyenda
cuenta que Pavlova se identificó tanto con el papel de cisne que ella pidió que
cuando muriera la vistieran con el disfraz del cisne.
George Balanchine desarrolló una de las mejores técnicas en América cuando abrió
la escuela en Chicago, y en Nueva York. Adapto el ballet a los nuevos medios de
comunicación, el cine y la televisión. Con esa gran técnica, Balanchine, realizó una
nueva coreografía de clásicos como “Lago de los cisnes” y “La Bella Durmiente”, así
como la creación de nuevos ballets. Él produjo interpretaciones originales de los
dramas de William Shakespeare como: “Romeo y Julieta”, “The Merry Widow” y “A
Midsummer Night’s Dream”.

En 1967, las Joyas de Balanchine rompieron con la tradición narrativa, puesto que
en vez de dramatizar un trama se dedicó a dramatizar un tema. Esta nueva idea
encajaba con lo que se proponía en Estados Unidos de buscar la libertad de pensar
y expresarse. Hoy en día, grancias a Balanchine, el ballet es uno de los bailes mejor
perservados en el mundo.

Barbara Karinska era una inmigrante rusa, la cual colaboró con Balanchine para
mejorar el arte del diseño de vestuario. Ella introdujo el corte llamado “bais cut” y
un tutú clásico que permitía al bailarín tener mayor libertad de movimiento. Con
una atención meticulosa a los detalles, decoró su tutús con abalorios, bordados y
aplicados de tela.

Ballet neoclásico
Se dice que George Balanchine fue el primer pionero de lo que hoy es conocido
como ballet neoclásico, utilizando un estilo de danza entre el ballet clásico y danza
contemporánea de hoy. Tim Scholl, autor de “De Petipa a Balanchine”, consideró a
la pieza “Apollo” (1928), para ser el primer ballet neoclásico. “Apolo” representa de
una forma la respuesta que el coreógrafo Serge Diaghilev tenía. “Apollo” y otras
obras aún se realizan hoy en día, sobre todo por el Ballet de Nueva York.

Frederick Ashton es otro coreógrafo prominente asociado con el estilo neoclásico.

Tres de sus obras se han convertido en piezas muy reconocidas en el repertorio
internacional: Sylvia ( 1952 ), Romeo y Julieta (1956), Ondine (1958 ), y Margot
Fonteyn.

Época contemporánea
Una bailarina que tuvo como maestro a Balanchine y absorbió gran parte de este
estilo neoclásico fue Mikhail Baryshnikov. Tras el nombramiento de Baryshnikov
como director artístico del American Ballet Theatre en 1980, trabajó con diversos
coreógrafos modernos, sobre todo con Twyla Tharp. Tharp coreografió “Push
Comes To Shove” para ABT y Baryshnikov en 1976. En 1986 creó “In The Upper
Room” su propia compañía. Ambas piezas fueron consideradas innovadoras para el
uso de movimientos modernos y por el uso de zapatos de punta. Ahora los
bailarines estaban utilizando la técnica del “ballet contemporáneo”.
Tharp también trabajó con la empresa Ballet Joffrey, fundada en 1957 por Robert
Joffrey. Ella coreografió Deuce Coupe para esa compañía en 1973. En donde se
utilizó música pop y una mezcla de técnicas modernas de ballet. El Ballet Joffrey
continuó realizando numerosas obras contemporáneas, las cuales muchas fueron
coreografiado por Gerald Arpino.

Hoy en día hay muchas compañías contemporáneas con una técnica más
innovadora y con coreógrafos con nuevas rutinas. Estas nuevas compañías incluyen
al Ballet de Madrid, Royal Ballet de Flandes, Alonzo Rey y su compañía, Alonzo
King LINES Ballet, Nacho Duato y Compañia Nacional de Danza, William Forsythe ,
quien ha trabajado extensamente con el Ballet Frankfurt y en la actualidad trabaja
en The Forsythe Company, y Jiří Kylián, que actualmente es el director artístico de
Nederlands Dans Theatre. Tradicionalmente las compañías “clásicas”, como el
Ballet de Kirov y el Ballet Ópera de París llevan a cabo con regularidad obras
contemporáneas.