Música clásica

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No debe confundirse con Música del Clasicismo.

Montaje de grandes compositores de música clásica. En orden cronológico de izquierda a derecha:

Alto - Antonio Vivaldi, Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven;
segunda fila - Franz Schubert, Frédéric Chopin, Richard Wagner, Pyotr Ilyich Tchaikovsky;
tercera fila - Johannes Brahms, Antonín Dvořák, Igor Stravinsky, Dimitri Shostakovich;
Última fila - Béla Bartók, George Gershwin, Heitor Villa-Lobos, Krzysztof Penderecki

La música clásica (también llamada Música Académica) es la

corriente musical que se basa principalmente en la música producida o derivada
de las tradiciones de la música litúrgica y secular de Occidente,
principalmente Europa Occidental, y que posee un referente de transmisión
fundamentalmente de tipo escrito, lo cual le da un sentido y carácter riguroso para
su reproducción o interpretación. Aunque de forma amplia abarca un periodo de
tiempo que va aproximadamente del siglo XI a la actualidad, es frecuente que se
restrinja su uso para referirse a la Música Académica anterior al siglo xx, aunque
en esencia y a pesar de que la Música Clásica propia del siglo XX posee
estilísticamente diferencias substanciales con la producida en siglos anteriores, es
esta considerada el resultado del mismo proceso evolutivo experimentado
anteriormente. Si bien,1 las principales características del género fueron
codificadas principalmente entre 1550 y 1900, que es habitualmente considerado
como el período característico de producción de la música clásica, su desarrollo se
extiende a todo el siglo XX y XXI. En un sentido historiográfico, la música clásica
antigua se divide en varios periodos: música antigua o medieval, que abarca el
periodo comprendido por la Baja Edad Media en Europa (1000-1400); la música
renacentista (1400-1600); la música barroca, que coincide con desarrollo del arte
barroco (1600-1750); el clasicismo (1750-1800), que en la Historia de la música y
la musicología es a veces llamado «música clásica»;2 el Romanticismo (1800-
1910); y la música contemporánea, que comprende las distintas corrientes de
música clásica del siglo XX, que adopta la composición atonal y disonante y otras
tendencias opuestas a corrientes anteriores.

Debido tanto a sus características técnicas, a la creciente profesionalización de la

profesión de músico y compositor, y al contexto socio-cultural en el que se
desarrolla (bajo el patronazgo de aristocracia, iglesia y burguesía), la música
clásica es habitualmente definida como la música de tradición culta.3

La Música Académica o Música Clásica en general se caracteriza principalmente

por el tipo de lenguaje utilizado, el cual se fundamenta en el desarrollo amplio y
variado de ideas musicales a partir de temas, motivos, sujetos, contrasujetos,
frases, estructuras contrapuntísticas, pasajes modulantes, secciones de
reexposición, variaciones temáticas, etc. las cuales se organizan con el objetivo de
crear una "narrativa" sonora particular. Con ello el compositor crea un entorno
descriptivo de ideas abstractas o concretas convertidas en melodía, armonía y
ritmo, encaminadas a dar forma a una estructura sonora con algún sentido
específico.

En ese sentido, la música clásica se distingue de la música «popular» y de otras

formas musicales no europeas por su característica notación musical simbólica, en
uso desde aproximadamente el siglo XVI.4 Dicha notación permite a
los compositores prescribir de forma detallada el tempo, la métrica, el ritmo,
la altura y la ejecución precisa de cada pieza musical. Esto limita el espacio para
la improvisación o la ornamentación ad libitum, que son frecuentes en la música
artística no-Europea y en la música popular.567 Otra característica es que mientras
la mayoría de los estilos «populares» tienden a desarrollarse alrededor del género
de las canciones, la música clásica se ha caracterizado por el desarrollo de formas
y géneros musicales altamente sofisticados y muy elaborados, basados en
desarrollos complejos y en el empleo de una muy variada y perfeccionada
instrumentación.8 Por ello, la Música Clásica suele requerir, tanto de los músicos
como de los compositores, de un alto grado de profesionalización y
especialización.

El término música clásica aparece por primera vez a principios del siglo XIX, en un

intento para destacar el período como una edad dorada de la música.9110 En la
actualidad dicho término está asociado a la tradición de la Música Culta o Música
Académica descrita arriba, y es a veces sustituido precisamente por los términos
 Música Culta o Música Académica para resaltar su importancia y carácter frente a
la músicas populares que han adquirido estaus "Clásico" como exaltación de un
valor particular (Jazz Clásico, Rock Clásico, Salsa Clásica, Bolero Clásico, Tango
Clásico, etc.). En tal sentido, para la Música Clásica o Académica del siglo XX se
ha reservado el término "Música Contemporánea". Sin embargo, de forma popular,
el término música clásica suele reservarse casi en exclusiva para referirse al
contenido de este artículo.

Índice

 1Formalización y contenido
 2Interpretación
 3Influencias de la música popular
 4Notación musical
 5Instrumentación
 6Historia de la música clásica
o 6.1Orígenes
o 6.2Períodos de hace años
 7Véase también
 8Referencias
 9Bibliografía
 10Enlaces externos

Formalización y contenido[editar]
La música clásica está hecha exclusivamente para ser escuchada, a diferencia de
otras músicas adjuntas a otras formas de entretenimiento (la música de cine a
veces se ejecuta en salas de concierto). Los conciertos de música clásica suelen
tener una atmósfera solemne, se espera que el público esté en silencio para evitar
distraer al músico y los oyentes. Los intérpretes de ordinario visten de manera
formal, una práctica vista como un gesto de respeto para la música y el público; y
tampoco interactúan directamente o bromean con el público.
Como en las bellas artes, la música clásica aspira a comunicar una cualidad
trascendental de la emoción, que expresa algo universal acerca de la condición
humana. Si bien la expresión emocional no es una propiedad exclusiva de la
música clásica, esta honda de exploración en la emoción permite que la mejor
música clásica alcance lo que ha sido denominado lo «sublime» en el arte.
Muchos ejemplos pueden citarse para demostrar esto. Por ejemplo, la
musicalización del poema de Friedrich Schiller «Oda a la Alegría» en la Novena
sinfonía de Beethoven, que suele interpretarse en actos de independencia
nacional o de celebración, como aquella famosa ocasión en que la dirigió Leonard
Bernstein para celebrar la caída del Muro de Berlín, y la tradición japonesa de
tocarla para celebrar el Año Nuevo. Sin embargo, otros compositores, como Iannis
Xenakis, argumentan que el efecto emocional de la música en los oyentes es
arbitrario y que, por lo tanto, la complejidad objetiva o el contenido de información
de la pieza es lo supremo.
A lo largo de la historia, los padres se aseguraron de que sus hijos
fuesen instruidos en la música culta desde muy temprana edad. Una experiencia
musical temprana daba las bases para un estudio serio posterior. Para aquellos
que deseaban ser ejecutantes, cualquier instrumento es prácticamente imposible
de aprender a nivel profesional si, o al menos un instrumento similar, no eran
aprendidos desde la infancia. Algunos padres buscaban la enseñanza musical por
razones sociales o en un esfuerzo por impartirles un útil sentido de
la autodisciplina; las lecciones parecen mostrar también un incremento en
el desempeño académico. Se considera además, que el conocimiento de las obras
de la música clásica es parte de una buena cultura general.

Interpretación[editar]
Los compositores clásicos aspiran a su música de una relación muy profunda
entre su contenido afectivo (emocional), y los medios con los que lo logra. Muchas
de las obras clásicas más elogiadas hacen uso del desarrollo musical, el proceso
por el que un germen, idea o motivo musical es repetido en distintos contextos, o
alterados de tal manera que la mente del oyente, conscientemente o no, compara
las diferentes versiones. Los géneros clásicos de la forma sonata y
la fuga emplean rigurosamente formas de desarrollo musical. Generalmente, las
obras de música clásica muestran una gran complejidad musical gracias al uso
que hace el compositor del desarrollo, modulación (cambios
de tonalidad), variación antes que la exacta repetición, frases musicales que no
siempre tienen la misma longitud, contrapunto, polifonía y una armonía sofisticada.
Además, muchas obras clásicas bastante largas (de 30 minutos a 3 horas) son
construidas a partir de jerarquías de unidades más pequeñas: las frases,
los períodos, las secciones y los movimientos. El análisis schenkeriano es una
rama de la música que intenta distinguir estos niveles estructurales.
Su transmisión escrita, junto con la veneración dada a ciertas obras clásicas, ha
llevado a la expectativa de que el ejecutante tocará la obra de tal modo que
realizará en detalle las intenciones originales del compositor. Por lo tanto, las
desviaciones de las instrucciones del compositor a veces son condenadas como
fallas completas éticas. Durante el siglo XIX, los detalles que los compositores
colocaban en sus partituras fueron incrementándose. Así vemos un opuesto
rechazo-admiración por los ejecutantes que ofrecen nuevas «interpretaciones» de
la obra de un compositor, y no es desconocido que un compositor le pida al
intérprete una mejor realización de sus intenciones originales que la que él mismo
pudo lograr. De este modo, los ejecutantes de música clásica alcanzan a menudo
reputaciones muy altas por su musicalidad, aunque ellos mismos no compongan.
Otra consecuencia de la primacía de la partitura escrita del compositor es que
la improvisación juega una menor presencia, en marcado contraste con otras
tradiciones como el jazz, en donde la improvisación es básica. La improvisación en
la música clásica era mucho más frecuente en el Barroco que en los
siglos XIX y XX, y recientemente la interpretación de aquella música por músicos
clásicos modernos ha sido enriquecida por el resurgimiento de antiguas prácticas
improvisatorias. Durante el periodo clásico, Mozart y Beethoven improvisaban a
veces las cadencias de sus conciertos para piano (y animaban a otros a hacer lo
mismo), pero también tendían a dar cadencias escritas para que otros solistas
pudiesen usarlas.

Influencias de la música popular[editar]

La música académica siempre ha sido influida por, o ha tomado material de,
la música popular. Los ejemplos incluyen música ocasional, como el uso
por Brahms de canciones estudiantiles para la bebida en su Obertura para un
festival académico, géneros ejemplificados por la Ópera de los tres
centavos de Kurt Weill y la influencia del jazz en la música de compositores de
inicios y mediados del siglo XX, como Maurice Ravel. Ciertos compositores
clásicos posmodernos y postminimalistas reconocen su deuda con la música
popular. También hay muchos ejemplos de influencia en el otro sentido,
incluyendo canciones populares basadas en música clásica, el uso que se hizo
del Canon de Pachelbel desde los años setenta, el fenómeno del musical
crossover, en el que los músicos clásicos adquieren gran éxito en el terreno de la
música popular (un notable ejemplo es la serie de grabaciones Hooked on
Classics hechas por la Orquesta Filarmónica Real a inicios de los años ochenta).
De hecho, puede argumentarse que el género completo de la música de
cine puede ser considerada parte de esta influencia, dado que brinda la música
orquestal a vastos públicos de cine meros que de otra manera no escucharían
semejante música (no obstante, la mayoría la escuchan inconscientemente).
Compositores de música clásica han hecho uso de la música folclórica (música
creado por músicos autodidactas, la mayoría de una pura tradición oral). Algunos
lo han hecho con una ideología nacionalista explícita, otros simplemente la han
explotado como parte de su material temático. Algunos fragmentos de música
clásica son frecuentemente usados comercialmente (es decir, en la publicidad o
como parte de las bandas sonoras de películas de entretenimiento). En la
publicidad televisiva, algunos pasajes orquestales poderosos o rítmicos se han
convertido en clichés, pudiendo mencionar el inicio «O Fortuna» de Cármina
Burana de Carl Orff por la fuerte presencia de la percusión y el coro brindando un
pasaje de carácter épico. Se puede mencionar también el «Dies Irae»
del Réquiem de Mozart y selecciones Rodeo de Aaron Copland. Similarmente, en
las películas a menudo se recurre a pasajes clichés de música clásica para
representar el refinamiento o la opulencia: probablemente la obra más escuchada
en esta categoría es Eine Kleine Nachtmusik de Mozart.

Notación musical[editar]
Artículo principal: Notación musical
La música académica occidental ha desarrollado un método de escritura basado en dos ejes: el
horizontal representa el transcurso del tiempo, y el vertical la altura del sonido; la duración de cada
sonido está dada por la forma de las figuras musicales.

Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música occidental) existen formas

de notación musical. Sin embargo, es a partir de la música de la Edad
Media (principalmente canto gregoriano) que se comienza a emplear el sistema de
notación musical que evolucionaría al actual. En el Renacimiento cristalizó con los
rasgos más o menos definitivos con que lo conocemos hoy, aunque ―como todo
lenguaje― ha ido variando según las necesidades expresivas de los usuarios.
El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa gráficamente el
transcurrir del tiempo, y otro vertical que representa gráficamente
la altura del sonido. Las alturas se leen en relación a un pentagrama (un conjunto
de cinco líneas horizontales) que al comienzo tiene una «clave» que tiene la
función de atribuir a una de las líneas del pentagrama una determinada nota
musical. En un pentagrama encabezado por la clave de sol en segunda línea
nosotros leeremos como sol el sonido que se escribe en la segunda línea
(contando desde abajo), como la el sonido que se escribe en el espacio entre la
segunda y la tercera líneas, como si el sonido en la tercera línea, etc. Para los
sonidos que quedan fuera de la clave se escriben líneas adicionales. Las claves
más usadas son las de Do en tercera línea (clave que toma como referencia al Do
de 261,63 Hz, el do central del piano), la de Sol en segunda (que se refiere al Sol
que está una quinta por encima del do central), y la de fa en cuarta (referida
al fa que está una quinta por debajo del do central).
El discurso musical está dividido en unidades iguales de tiempo
llamadas compases: cada línea vertical que atraviesa el pentagrama marca el final
de un compás y el comienzo del siguiente. Al comienzo del pentagrama habrá una
fracción con dos números; el número de arriba indica la cantidad de tiempos que
tiene cada compás; el número de abajo nos indica cuál será la unidad de tiempo.
Para escribir las duraciones se utiliza un sistema de figuras musicales:
la redonda (representada como un círculo blanco), la blanca (un círculo blanco con
un palito vertical llamado plica), la negra (igual que la blanca pero con un círculo
negro), la corchea (igual que la negra pero con un palito horizontal que comienza
en la punta de la plica), la semicorchea (igual que la corchea pero con dos palitos
horizontales), etc. Cada una vale la mitad de su antecesora: la blanca vale la mitad
que una redonda y el doble que una negra, etc.
Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es la unidad de tiempo
en determinada partitura, debemos fijarnos en el número inferior de la indicación
del compás: si es 1, cada redonda corresponderá a un tiempo; si es 2, cada
blanca corresponderá a un tiempo; si es 4, cada tiempo será representado por una
negra, etc. Así, una partitura encabezada por un 3/4 estará dividida en compases
en los que entren tres negras (o seis corcheas, o una negra y cuatro corcheas,
etc.); un compás de 4/8 tendrá cuatro tiempos, cada uno de ellos representados
por una corchea, etc.
Para representar los silencios, el sistema posee otros signos que representan un
silencio de redonda, de blanca, etc.
Como se ve, las duraciones están establecidas según una relación binaria (doble o
mitad), lo que no prevé la subdivisión por tres, que será indicada con «tresillos».
Cuando se desea que a una nota o silencio se le agregue la mitad de su duración,
se le coloca un punto a la derecha (puntillo). Cuando se desea que la nota dure,
además de su valor, otro determinado valor, se escriben dos notas y se las une
por medio de una línea arqueada llamada ligadura de prolongación.
En general, las incapacidades del sistema son subsanadas apelando a palabras
escritas más o menos convencionales, generalmente en italiano. Así, por ejemplo,
las intensidades se indican mediante el uso de una f (forte, fuerte) o una p (piano,
suave), o varias efes y pes juntas. La velocidad de los pulsos o tempo se indica
con palabras al comienzo de la partitura que son, en orden de
velocidad: largo, lento, adagio, moderato, andante, allegro, presto.

Instrumentación[editar]
La música clásica también se distingue por los instrumentos que utilizan. Los
instrumentos usados en la práctica común de la música clásica fueron inventados
antes de la mitad del siglo XIX (la mayoría mucho antes), y codificados en los
siglo XVIII y siglo XIX. Consisten en los instrumentos que encontramos en
la orquesta sinfónica, junto a otros pocos instrumentos solistas (como el piano,
el clavicémbalo y el órgano). Los instrumentos electrónicos, como la guitarra
eléctrica y el violín eléctrico, juegan un papel predominante en la música popular,
pero de hecho no tienen ninguno en la música clásica antes del siglo XX, y sólo
aparecen ocasionalmente en la música clásica del siglo XX y XXI. Tanto los
músicos populares como los clásicos han experimentado en las últimas décadas
con instrumentos eléctricos, como el sintetizador, con técnicas electrónicas y
digitales, como el uso de sonidos sampleados o generados por computador, y el
sonido de instrumentos otras culturas, como el gamelan. Es importante notar que
todos los instrumentos bajos no existían antes del Renacimiento. En la música
medieval, los instrumentos estaban divididos en dos categorías: instrumentos
fuertes para usar en exteriores o en la Iglesia e instrumentos más suaves para uso
en interiores. Muchos de los instrumentos que son asociados hoy con la música
popular tuvieron un papel importante en la música clásica antigua, tales como
la gaita, la vihuela, la zanfona y otros instrumentos de viento. Por otro lado,
la guitarra acústica, asociada a la música popular, ha empezado a ganar
preponderancia en la música clásica a lo largo de los siglo XIX y XX. La voz
humana es también un instrumento musical privilegiado de la música clásica,
aunque también es usado en la música popular. Diversos géneros utilizan las
voces, solas o bien con acompañamiento instrumental: la ópera, la música coral y
el lied.
Mientras que el temperamento igual fue gradualmente aceptado como el sistema
de afinación en el siglo XVIII, otros tipos de temperamento, de origen histórico, se
emplean a menudo en la música de períodos anteriores al Barroco tardío; El clave
bien temperado de Johann Sebastian Bach es utilizado como referencia temporal
para indicar el comienzo de ese cambio de temperamento. Por ejemplo, la música
del Renacimiento inglés se acostumbra a ejecutar con el temperamento medio.

Historia de la música clásica[editar]

Artículo principal: Historia de la música
Orígenes[editar]
Los siglos XVII y XVIII fueron el periodo formativo de la música clásica y vieron
nacer la opera y el oratorio, la sonata, el concierto y la sinfonía. Los italianos
fueron los primeros en desarrollar estos géneros, pero les siguieron pronto los
alemanes, austriacos e ingleses. La música clásica surgió tomando elementos de
otras tradiciones musicales occidentales, tanto litúrgicas como seculares, por caso
la música de la Antigua Grecia o la Música de la Antigua Roma (sobre todo por
sus contribuciones teóricas), o la música de la Iglesia católica (principalmente
el canto gregoriano).
Los hitos que definieron su rumbo, fue el descubrimiento y posterior desarrollo de
la polifónica, así como el posterior desarrollo de la armonía, la revolución musical
conocida como el Ars nova y la evolución de la notación musical, además del
estudio de la estética musical. Con la era de los descubrimientos que comenzó en
el siglo XV y posterior colonialismo, la música clásica llegó a otros continentes y
sufrió una síntesis con las tradiciones musicales de los nuevos territorios.
Encontramos expresiones de la música clásica en Brasil (por ejemplo, Heitor Villa-
Lobos), Estados Unidos (por ejemplo, Charles Ives), Hispanoamericano (por
ejemplo, Alberto Ginastera, José Ángel Montero), Asia (por
ejemplo, Takemitsu, Tan Dun), África y Oceanía, pero que están conectadas a la
música clásica de tradición europea.
Períodos de hace años[editar]
Existe un sistema de división de la historia de la composición de la música clásica
en distintos períodos que es ampliamente aceptado. Las fechas son
generalizaciones, ya que los períodos se sobreponen unos a otros. Algunas voces
autorizadas subdividen los periodos, la fecha o el género. Sin embargo, debe
notarse que estas categorías son arbitrarias; por ejemplo, el uso del contrapunto y
la fuga, que es considerada una característica del Barroco, fue continuado
por Mozart, a quien se considera un compositor clásico, y por Beethoven, a quien
normalmente se le describe como en medio del periodo clásico y romántico; y
también por Brahms, quien es clasificado como romántico. De acuerdo a este
sistema, las principales divisiones son:

 Música renacentista: El concepto de Renacimiento fue empleado por el pintor

Vasari en el año de 1500 y se le emplea habitualmente para referirse al arte de
los siglos XV y XVI en Italia. Este término significa un renacimiento del hombre a
partir de un encuentro deliberado con la Antigüedad. La nueva imagen del
hombre lleva asimismo hacia un nuevo tipo de artista (con precursores en el
siglo XVI): el genio, quien se siente una fuerza creadora en un orden divino. Así
mismo, la nueva conciencia de sí mismo del hombre se refleja en los disturbios
eclesiásticos y en las guerras religiosas, en los numerosos concilios
celebrados en el siglo XV, en la obra reformadora sobre todo de Martín Lutero y
en la Contrarreforma con el Concilio de Trento. Las características estilísticas
que definen la música renacentista son su textura polifónica, que sigue las
leyes del contrapunto, y está regida por el sistema modal heredado del canto
gregoriano. Entre sus formas musicales más difundidas se encuentran
la misa y el motete en el género religioso, el madrigal, el villancico y
la chanson en el género profano, y las danzas, el ricercare y la canzona en la
música instrumental. Entre los compositores más destacados de este periodo
se hallan Josquin Desprez, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlando di
Lasso y Tomás Luis de Victoria.

 Música barroca: Entre 1600 y 1750. Surge el uso de tonalidades más

complejas, en lugar de la modalidad y el contrapunto. Se popularizan
los instrumentos de teclado (el clavicémbalo y el órgano). Los compositores
más destacados del periodo barroco son Georg Friedrich Händel y Johann
Sebastian Bach.

 Música clásica: Entre 1730 y 1820, fue una era importante que estableció
varias de las normas de composición y estructura. El período clásico también
está marcado por la desaparición del clavicémbalo y el clavicordio en favor del
nuevo piano, que a partir de ese momento se convirtió en el instrumento
predominante para la interpretación en teclado y la composición.

 Música romántica: Entre 1815 y 1910. Período en que se codificó la práctica,

se extendió el papel de la música en la vida cultural y se crearon instituciones
para la enseñanza, ejecución y conservación de las obras musicales.

 Música moderna: Entre 1905 y 1985. Representó una crisis en los valores de
la música clásica y su rol dentro de la vida intelectual, y la extensión de la
teoría y la técnica. Algunos teóricos, como Arnold Schoenberg en su
ensayo Brahms, el progresivo, insisten en que el Modernismo representa una
progresión lógica de las tendencias en la composición del siglo XIX. Otros
sostienen un punto de vista opuesto, que indica que el modernismo representa
el rechazo o la negación del método de composición clásica.
 Música del siglo XX: Usado normalmente para describir la amplia variedad de
subgéneros posteriores al Romanticismo empleados hasta el año 2000,
incluyendo a los posromántico, moderno y posmoderno

 Música clásica contemporánea: El término es utilizado a veces para describir

la música compuesta en los últimos años del siglo XX hasta el presente.

 El prefijo neo suele emplearse para describir a una composición del siglo XX o

contemporánea escrita en un género perteneciente a un periodo anterior, como
el clásico, romántico o moderno, pero con un lenguaje moderno. Por ejemplo,
la Sinfonía clásica de Prokofiev ―que acude a los modelos de la sinfonía del
clasicismo de Haydn― es considerada una composición neoclásica.
El siguiente gráfico muestra una selección resumida de los más famosos
compositores de música clásica: