El Swing

La música swing, también conocida como swing jazz o simplemente swing, es un estilo de
jazz que se originó en Estados Unidos hacia finales del año 1920, convirtiéndose en uno de los
géneros musicales más populares y exitosos del país durante los años 1930. El swing utiliza
instrumentos habituales en el jazz, como una sección rítmica formada por piano, contrabajo y
batería; metales como trompetas y trombones; instrumentos de viento-madera, como saxofones y
clarinetes; y muy ocasionalmente, instrumentos de cuerda como violín o guitarra. El swing utiliza
preferentemente tempos medios y rápidos, generaliza los riffs melódicos y libera el rol del batería
de ciertas restricciones que había tenido hasta entonces. El conjunto característico del estilo fue la
big band, adquiriendo además cada vez mayor importancia el papel del solista. Destacan en este
estilo músicos como Fletcher Henderson, Benny Goodman, Duke Ellington o Count Basie.

La denominación de este estilo como swing se consolida hacia 1935, al producirse una
identificación del mismo con uno de los elementos más característicos en la interpretación
jazzística que, desde mediada la década de 1920, se conocía precisamente como swing.

Características

Elementos innovadores

El swing es un estilo de jazz eminentemente orquestal, influido por la música de origen

europeo y que se caracterizó por aportar al jazz una serie de innovaciones conceptuales
importantes:

• Incrementa el número de miembros de las bandas de hot, mediante la duplicación de

instrumentos.

• Establece una fijación rítmica derivada de la pérdida del concepto de rítmica global, propio
del hot, y, por tanto, de la polirritmia. En el swing, la batería es el único instrumento con
una función totalmente rítmica, lo que le confiere una relevancia especial en cuanto
motor de toda la banda.
• Valoriza los temas melódicos, tanto por la predominancia de pasajes straight, como por la
irrupción de los arreglistas. Se sustituye el concepto polifónico horizontal por una
armonización vertical.

• Establece una estructura invariable de las piezas, fijándose rígidamente el lugar y duración
de las improvisaciones y regulándose mecánicamente la relación entre las partes.

• Utiliza, como recurso de tensión, el riff, frase corta repetida varias veces, con crescendo
final. Por el contrario, elementos típicos del hot, como los breaks y stop times, se
convierten en inusuales.

• Consolida la utilización de los registros altos de los instrumentos, con preferencia sobre los
bajos e, incluso, los medios, lo que condiciona el resultado sonoro del conjunto,
separándolo tímbricamente de la opacidad típica del hot.

Notas:

El término “straight” (literalmente, en inglés, derecho, recto o exacto) se utiliza en el mundo del jazz en
referencia a una forma de tocar a la manera clásica, es decir, tal como está escrita en la partitura, sin ningún tipo de
inflexión jazzística ni improvisaciones.

"Hot" (en inglés, "caliente"), es una denominación genérica que han utilizado los musicólogos para
englobar todos los estilos que se desarrollaron en el jazz anterior a 1930. Engloba, por tanto, los estilos Nueva
Orleans, Dixieland, Chicago, y Nueva York. De una manera un tanto informal, pero de uso extendido, puede
entenderse “Hot Jazz” como sinónimo de “Jazz Tradicional”, si excluimos de este el estilo swing. Frecuentemente,
se conocía también como Two Beat jazz.

En música, un riff es una frase que se repite a menudo, normalmente ejecutada por la sección de
acompañamiento. Así al término riff se le puede llamar como una frase musical, distinguible y que se repita a lo
largo de la pieza, diferenciándose así del solo, que es donde el artista explota sus habilidades, por lo cual no se
repite durante la canción.
Elementos tradicionales

El swing conserva, sin embargo, aspectos importantes de la tradición hot, especialmente en la

forma de abordar el instrumento y la manera de improvisar, así como el carácter continuo del
ritmo.

En la temática, se revaloriza el blues y se adaptan melodías populares del music hall,

produciéndose además una evidente mejoría técnica de los instrumentistas.

Orígenes

El Swing aparece, como estilo, en el momento en que se plantea la crisis económica de

1929. El Mainstream (Estilo Nueva York), cuya subsistencia es cada vez más costosa, se
comercializa, recibiendo influencias muy fuertes de tradición europea y del music hall.

La crítica blanca comienza a valorar los aspectos más asimilables del jazz, buscando
producir una imagen conforme a la normalidad musical occidental. Lo que estaba en juego en
este proceso de dominación económica del jazz por los intereses comerciales blancos
(además, y quizás por ello, de los beneficios que producía), era la garantía de perpetuación de
los mismos mediante toda clase de presiones sobre el desarrollo de la música: Lanzamiento de
modas, de músicos con carisma, de estilos, de bailes... Se trata, en definitiva, de una cada vez
más profunda colonización, pareja a la popularización del jazz (que comienza a trascender
fronteras) y que llevó a su aceptación por la burguesía blanca estadounidense, en sus
versiones más comerciales, vendidas por la prensa incluso con la concesión de títulos tan
ficticios como el de Rey del jazz, otorgado a Benny Goodman. (Ortiz Orderigo,1952)
 Ginger Rogers & Fred Astaire (1936)

Primeras Bandas

Las primeras bandas que se reconocen como Swing, a comienzos de la década de los
30, provienen de Nueva York y aún apenas han entrado en el proceso citado: Fletcher
Henderson, el pianista cuya orquesta fue pionera en el abandono del lenguaje hot y escuela de
grandes instrumentistas; la banda del batería Chick Webb, en la que estuvieron, entre otros,
los saxofonistas Johnny Hodges y Benny Carter, o la cantante Ella Fitzgerald; y, sobre todo, la
orquesta de Duke Ellington, asidua al Cotton Club y especialista en blues, que marcó el punto
de referencia para casi todas las bandas negras de las décadas siguientes.
Las Big Bands blancas

El proceso de comercialización comienza a dominar la escena de la Costa Este, a final

de la década de 1930. Las orquestas, compuestas ya por un número de instrumentistas que
raramente bajaba de 15, se caracterizan por dos puntos de referencia: El Arreglista y el Solista
líder.

El primero llega a ser un auténtico profesional que trabaja para diferentes bandas y
que mantiene un ojo puesto en las taquillas de sus obras en Broadway. Se llega, en
consecuencia, a una estandarización en la que todas las orquestas suenan parecidas, y los
líderes buscan buenos lectores de partituras, por encima de buenos improvisadores.

Algunas de las bandas de esta escuela han sido reconocidas unánimemente, como la
de Benny Goodman entre 1938 y 1941, o la del saxofonista Woody Herman entre 1945 y 1949,
quien supo adaptar las innovaciones pre-bop que se habían producido en los pequeños
combos, abriendo el camino del West Coast jazz o Cool. Además, esta última banda fue la
lanzadera de un número increíble de grandes solistas: Stan Getz, Zoot Sims, Al Cohn, Jimmy
Giuffre...
 Big Band de Tommy Dorsey (1941)

Otras bandas destacan como orquestas de referencia en la época, como es el caso de

las orquestas de Artie Shaw, Stan Kenton o la Casa Loma Band de Glenn Gray. Finalmente,
hubo bandas que consiguieron una gran popularidad, aunque aportaron poco al desarrollo del
jazz: Tommy Dorsey, Bob Crosby, Paul Weston, Buddy Morrow y, como culmen del Swing
comercial, Glenn Miller.

La escuela de Kansas

Fuera de Nueva York, el hot mainstream había sufrido procesos de cambio algo
diferentes. La llamada Escuela de Kansas, había mantenido un aliento puramente hot y
elaboraba su temática bajo una directa influencia del Boogie Woogie y de los Blues al estilo de
Texas.
 Esta peculiar forma de ver el Swing dio a luz, entre 1930 y 1940, a una serie de Big
Bands de alto interés, comenzando por las de Benny Moten y Jesse Stone, y culminando con la
de Count Basie, legendaria por su potente y lineal swing, y por la entonación abierta, sonora y
empastada de sus instrumentos de viento. Por ella pasaron algunos de los mejores
instrumentistas de la década y, además, dio apoyo a un buen número de cantantes (Sarah
Vaughan, Jon Hendricks, Jimmy Rushing, etc.).

Su influencia sobre el área de Nueva York dio lugar a bandas interesantes, como las de Lionel
Hampton o la de Jay McShann, donde comenzó su andadura Charlie Parker.

El Swing de los pequeños combos

Paralelamente al desarrollo del Swing por las Big Bands, se produce una persistente
actividad de pequeños combos, principalmente tríos o cuartetos liderados por pianistas, que
mantienen una postura musicalmente heterodoxa, a pesar de que asuman los postulados
esenciales del Swing. Esta escuela de swingers rebeldes va preparando de forma paulatina la
evolución del jazz hacia formas susceptibles de superar el colapso de las orquestas a finales de
los años '40.

Estos swingers se caracterizan por un fraseo cálido y un concepto de improvisación

complejo, apoyado en un pulso rítmico muy lineal. Entre ellos podemos incluir a pianistas
como Erroll Garner o Teddy Wilson, en los primeros años, y figuras de proyección intemporal,
como los también pianistas Art Tatum, Oscar Peterson o Nat King Cole. Junto a ellos, cantantes
como Billie Holiday, saxofonistas como Lester Young o Ben Webster, guitarristas como Herb
Ellis o Charlie Christian, trompetas como Roy Eldridge o Clark Terry, etc.

Entre ellos había más diferencias que semejanzas, pero todos tenían como
denominador común, la búsqueda de soluciones al estancamiento del jazz en la década 1935-
1945, que trascendían el marco comercial en que se movían, y ello a pesar de que sus
principales momentos se consolidaron en una serie de jam sessions organizadas por emisoras
comerciales de radio, o en las aparatosas JATPs (Jazz at the Philharmonic) del productor
Norman Granz, que fijaron los moldes en que habrían de moverse las jams organizadas de las
siguientes tres décadas.
Nota:

Una jam session (a veces traducido como tocada o zapada) es un encuentro informal de improvisación
musical. La definición clásica de una jam session se debe a George Frazier: “Reunión informal de músicos de jazz,
con afinidad temperamental, que tocan para su propio disfrute de una música no escrita ni ensayada”. En otras
palabras, un músico pude llegar a un lugar y subirse a tocar con los músicos que están tocando en ese lugar sin ni
siquiera conocerse o haberse visto antes.