25.

La ilustración. Antecedentes históricos y figuras destacables. Los géneros y estilos. El

oficio de ilustrador. Ilustración y diseño gráfico.

1. Definición
2. Antecedentes históricos
2.1 Antes de la imprenta
2.2 Imprenta de Gutenberg (1455)
2.3 s. XVI y XVII
2.4 Comenio
2.5 S. XIX
2.6 Modernismo
2.7 La Dictadura
2.8 El último cuarto de siglo
3. Figuras destacables de la ilustración
4. Géneros
4.1 ILUSTRACIÓN CIENTÍFICA
4.2 ILUSTRACIÓN LITERARIA o NARRATIVA
4.3 ILUSTRACIÓN INFANTIL Y JUVENIL
4.4 ILUSTRACIÓN CONCEPTUAL
4.5 ILUSTRACIÓN PUBLICITARIA
4.6 ILUSTRACIÓN EDITORIAL
4.7 ILUSTRACIÓN TÉCNICA
4.8 ILUSTRACIÓN CÓMIC
4.9 ILUSTRACIÓN HUMOR GRÁFICO
4.10 ILUSTRACIÓN CINE
5. Estilos
5.1 ILUSTRACIÓN POP
5.2 ILUSTRACIÓN HIPERREALISTA
5.3 ILUSTRACIÓN PSICODÉLICA
5.4 ILUSTRACIÓN PICTÓRICO UKIYO-E
5.5 ILUSTRACIÓN DE MANGA & ANIME
5.6 ILUSTRACIÓN PUNK
5.7 ILUSTRACIÓN FANTASÍA & CIENCIA FICCIÓN
5.8 ILUSTRACIÓN PICTÓRICO: NAIF O ESTILO INGENUO
5.9 ILUSTRACIÓN FRACTAL
5.10 ILUSTRACIÓN GEOMÉTRICA
6. Técnicas de ilustración
6.1 Dibujo
6.2 Tinta
6.3 Rotuladores
6.4 Lápices de color
6.5 Pastel
6.6 Acuarela
6.7 Pintura acrílica
6.8 Pintura al óleo
 6.9 Collage
6.10 Informática o digital
7. El oficio de ilustrador
8. Ilustración y diseño gráfico
8.1 Diferencias entre ilustración y diseño gráfico
8.2 Semejanzas entre ilustración y diseño gráfico
9. Conclusiones
10. Bibliografía y referencias

1 Definición
Se denomina ilustración al dibujo o imagen que adorna o documenta un texto. Componente
gráfico que complementa o realza un texto o mensaje. Las ilustraciones son imágenes asocia-
das con palabras. Esto significa que podemos producir imágenes que transmitan un mensaje,
como las pinturas rupestres y los murales religiosos.

Se trata de un movimiento relativamente moderno, aunque sus orígenes se remontan a los

libros manuscritos de la antiguedad, pero es a partir de la imprenta que llega a un público más
amplio y su crecimiento más importante es durante el s. XIX a partir de la revolución industrial.

2 Antecedentes históricos
2.1 Antes de la imprenta
Los libros manuscritos anteriores a la imprenta ya estaban acompañados por imágenes y mi-
niaturas decoradas en las iniciales. Estas ilustraciones eran obras únicas y estaban hechas a
mano. Aunque posteriormente se hicieron copias, también a mano.

En ese momento, a la ilustración le competía la tarea de proporcionarnos las imágenes de la

realidad de una forma canónica y, por otro lado, era una producción artesanal y menos artísti-
ca.

2.2 Imprenta de Gutenberg (1455)

Con la llegada de la imprenta inventada por el alemán Johannes Gutenberg (data del 1455
la primera impresión de la Biblia de Gutenberg o Biblia de 42 linias), las nuevas técnicas de
impresión permitieron reproducir textos en serie y acompañarlos con imágenes. Había nacido
una nueva época para el mundo de la cultura y, por extensión, de la ilustración.

Las primeras viñetas tiradas junto con el texto y grabadas en madera o cobre, aparecieron en
los siguientes lugares:
• Florencia, 1496, Sermones de Savonaroia
• Venecia, 1499, Sueño de Polifilo
• Lyon, 1487, Libro de las horas, de Simon Vostre
• Basilea, 1538, La danza de los muertos, Holbein

2.3 s. XVI y XVII

Hasta mediados de s. XVI los grabadores de imágenes para ilustrar libros, grababan en made-
ra sus ilustraciones y las planchas se podían tirar al mismo tiempo que el texto o como lámi-
nas sueltas. En el transcurso del s. XVII y XVIII se perdió casi por completo el arte de grabar
en madera, sustituyéndose por el grabado en cobre, al buril (burí) o al aguafuerte tirados en
talla dulce (talla dolça) sobre la misma hoja que el texto. De aquél entonces, datan ediciones
de valor inestimable:
• Decameron
• Las Fábulas de Lafontaine, por Eisen
Estos volúmenes, además de estampas, contienen cabceceras y finales tirados en talla dulce.

2.4 Comenio
En el s. XVII fue importante la figura de Comenio (Jan Amos Comenius), considerado el padre
de la pedagogía moderna. Comprendió y dio una gran importancia al libro de texto ilustrado y
a la imagen como medio para amenizar el aprendizaje del niño y estimular su imaginación.
A la hora de repasar lo aprendido, es más facil recordar y entender un texto si lo relacionamos
con una imagen o dibujo.

2.5 S. XIX
En el s. XIX se vive la primera época dorada de la ilustración, gracias a la revolución indus-
trial y se inicia una carrera ascendente imparable de la ilustración gráfica. La historia de la
ilustración en este siglo se asocia a la de la libertad de expresión.
Con la invención de la prensa de brazo cobró relevancia el grabado en boj (boix), un tipo de
madera que se trabajaba mejor, sobre todo, desde que el periodismo ilustrado comenzó a
adquirir relevancia. Gracias al inglés Thomas Berwick, que ejecutó a la perfección este arte,
aparecieron grabados con los útiles del grabador en talla dulce.
En España existían las siguientes publicaciones:
• Semanario pintoresco, de Mesonero Romanos
• El Mundo pintoresco de Oliveres, Barcelona
• El Laberinto (1844), de Ignacio Boix, Madrid

Los progresos en las artes fotomecánicas proporcionaron nuevos caminos a la ilustración,

generalizandose:
• La cincografia (plancha de zinc)
• La fototipia, proceso de impresión basado en una emulsión fotosensible
• La tricomia, proceso que añade color al impreso
• La linotipia, que revolucionó la industria al agilizar la composición tipográfica que pasaba
a ser por lineas y no letra por letra
Gracias es estas técnicas los dibujos a pluma o lápiz se podían reproducir directamente sin la
intervención del grabador.
En el s. XIX la burguesía ve en los medios impresos su vehícuo de comunicación por excelen-
cia.
En 1867 aparecen las rotativas, que junto al abaratimiento del papel, permitieron una repro-
ducción de imágenes más rápida y económica.
También se convierte el cartel en el medio publicitario por excelencia.
Crecen el número de publicaciones, tanto de revistas y periódicos como de libros, porqué tam-
bién hay un crecimiento demográfico que facilitó el acceso a la cultura a través de la lectura
de la pequeña burguesía.
Apareció el libró barato com vehículo para democratizar la cultura.
 2.6 Modernismo
A finales de s. XIX y a principios del XX, las artes gráficas fueron una de las manifestaciones
más importantes del Modernismo, una corriente propicia para la ilustración. En ella encontró
un medio para transmitir sus principios estéticos. Es el momento en que la ilustración deja de
tener un papel subordinado al texto o mensaje y una función simplemente decorativa para ga-
nar importancia respeto al mensaje a comunicar. Los ilustradores hasta el momento no habían
firmado sus trabajos y en este periodo lo empiezan a hacer y nos econtramos con ilustradores
que pasan a ser personajes populares como:
• Daniel Urrabieta
• Josep Lluís Pellicer
• Alexandre de Riquer
• Apel·les Mestres
• Junceda
Si antes la ilustración era considerada una actividad menor, una tarea puntual mientras se
aspiraba a ser artista, ahora muchos artistas harán incursiones en el dibujo seriado como una
manera de llegar al público más amplio. Los dibujantes estan orgullosos de sus trabajos.

Los 30 primeros años del s. XX se denominan la Edad de Plata de la Cultura Española, en

esta etapa las artes gráficas se convierten en vehículos de expresión de las nuevas tendencias
pero la censura de la Dictadura de Primo de Rivera (1923-1930) acabó con algunas publicacio-
nes.
Las ilustraciones de la época eran generalmente del estilo Art Déco y eran muy apreciadas
por el público, respondían a la búsqueda de la modernidad.
En 1929 se funda la Unión de Dibujantes para proteger a los ilustradores y darlos a conocer.

Con la segunda república (1931-1939) y la menor censura, crecieron las publicaciones y tam-
bién los ilustradores, que aunque la mayor parte continuaba siendo de estética Déco, algunos
hacían incursiones en el surrealismo, cubismo o futurismo.

En los años 30 el cartelismo alcanzó su gran época, en el que había dos grandes tendencias:
• Estilo cubista: Morell, Antoni Clavé, Felix Alonso, Juan Antonio Morales
• Estilo Decorativismo lírico (procedente de la escuela de París) como Emili Grau Sala

Con el estallido de la guerra civil, el cartel español ascende a la máxima cota como componen-
te propagandístico. La imagen se utiliza como arma política. Los carteles fueron el vehículo de
transmisión ideológica. Artistas como Josep Renau, Bardasano, Puyol, Espert, Pastolozzi…
fueron de los más prolíficos en este campo.

2.7 La Dictadura
Con la dictadura de Franco (1939-1975) se impusieron muevas leyes para “orientar estética-
mente la apariencia del nuevo estado”. El Departamento de Plástica dirigido por el pintor Juan
Cabanas, pasa a ocuparse de tareas propiamente censoras de toda la producción gráfica del
país.

Durante los años sesenta se constituyen los primeros pasos hacia la economía de mercado y
una sociedad de consumo. En ella la ilustración experimenta un gran crecimiento aunque com-
pite cada vez más fuertemente con la fotografía, que acabó dominando las publicaciones.

La ilustración irá adoptando nuevas formas de representación, desde un lenguaje sintético, al

informalismo, hasta el pop con imágenes sintéticas y colores brillantes.

2.8 El último cuarto de siglo

Tras la muerte de Franco renace la ilustración y durante los ‘80 hay protagonistas como
Ceesepe, Mariscal y Pedret. El mundo editorial y publicitario florece de nuevo gracias a la
libertad de expresión, que procede al pensamiento postmoderno.
El desarrollo y la producción industrial aumentaron la demanda publicitaria, y la gran variedad
de productos exigía una diferenciación de cara al público mediante la imagen y la tipografía
específica para cada marca.

En los años ‘90, los ilustradores contarán con nuevas herramientas y nuevas amenazas. El
surgimiento de nuevas tecnologías ofrece oportunidades creativas sin precedentes pero el
incremento de una competencia no cualificada.
Muchos ilustradores combinan la destreza manual con el uso del ordenador. La imagen en
movimiento también es un nuevo competidor para la ilustración.
Acabando el siglo, se multiplicaron aún más los mercados para el diseño, por ejemplo el mun-
do de la música, los cientos de revistas y finalmente, los nuevos medios más allá del papel: La
televisión, la era digital e internet en el que nos hayamos inmersos, en la que no solo las gran-
des empresas, sino cada persona, de forma individual, puede expresarse y mostrar su propio
mundo fantástico y creativo.
Los 90 han dado grandes ilustradores que situan esta especialidad en un momento interesante
gracias a su variedad de estilos, capacidad crítica, soluciones imaginativas e inteligencia.

3. Figuras destacables de la ilustración

Des de finales del s. XVIII a nuestros días, la ilustración ha pasado por muchos estilos y ten-
dencias. Y son muchos los artistas y ilustradores que han abierto nuevos campos y influencia-
do a generaciones posteriores. Es dificil hacer una selección de manera justa, pero aquí hay
una representación de alguno de ellos:

1.- James Audubon (1785):

Ilustrador de origen haitiano, fue considerado el primer ornitólogo de América,
naturista y pintor con influencia francesa. Sus múltiples profesiones lo inspira-
ban a ilustrar a la naturalez y animales, entre estos su mayoría eran aves. Su
técnica era muy apegada a la ciencia pero, al mismo tiempo la mezclaba con el
arte, utilizando colores llamativos y un extremo cuidado en los detalles.

2.- Heinrich Kley, Alemania (1863)

Es un ilustrador de 1863 que se sigue manteniendo vigente por su gran apor-
tación al mundo del arte contemporáneo. Fue un caricaturista alemán, aunque
entre sus primeras obras se encuentran retratos convencionales, paisajes o pin-
turas históricas. Alcanzó notoriedad por sus trabajos realizados a pluma con un
estilo abierto e inacabado. Publicó muchos dibujos en revistas satíricas como
Jugend y Simplicissimus. Las primeras producciones de Disney, como “Fantasía“, revelan una
clara inspiración de Kley.

3.- Beatrix Potter (1866):

Ilustradora de origen ingles, es reconocida en el mundo entero por ser escrito-
ra, naturalista e ilustradora de cuentos infantiles. Su personaje más famoso es
Peter Rabbit. Sus ilustraciones se distiguen sobre los demás por ser dirigidos
100% para niños, usando personajes de la naturaleza. Su estética es totalmen-
te femenina y su técnica de dibujo se basa en la acuarela.

4.- Joseph Christian Leyendecker (1874):

Famoso ilustrador de origen estadounidense, considerado por muchos como
el más grande exponente de su genero y su época. Su trabajo es considerado
como una gran belleza visual. Colaboró para diferentes revistas como Saturday
Evening Post, hizó aproximadamente más de 300 ilustraciones para ésta. Fue
el encargado de popularizar la famosa imagen de Santa Claus vestido en traje
rojo y barba blanca. Es toda una leyenda en el mundo de la ilustración de la
moda y la ilustración de guerra.

5.- George Barbier (1882):

Reconocido pintor francés, diseñador de moda y uno de los más grandes ilus-
tradores del estilo Art Decó. Es icono e inspiración para muchos diseñadores de
moda, trabajó ilustrando a grandes personalidades de la sociedad de la épo-
ca, contribuyó para campañas de publicidad y estuvo ligado a varias firmas de
moda como Lanvin y Cartier. Su obra maestra es el “Almanaque de las modas
pasadas, presentes y futuras“.
Su principal inspiración era el arte griego, las miniaturas indias y las obras de
Aubrey Beardsley.

6.- Alfons Mucha

(1860 – 1939) Moravia, Imperio austríaco. El máximo exponente del Art Nou-
veau. Su estilo influyó en toda una generación de pintores, artistas gráficos,
ilustradores y diseñadores, llegando a personificar este nuevo estilo vanguar-
dista. Inmortalizado en sus legendarios afiches para obras de teatro, continúa
experimentando interés desde entonces, influyendo a varios artistas y diseñado-
res contemporáneos.

7.- Lucian Bernhard (1883)

Artista gráfico alemán autodidacta, uno de los reveladores del estilo Plakastil (o
estilo de cartel), es contemporaneo al Art Nouveau pero su estilo se basaba en
reducir el cartel al nombre y y magen de producto. Es decir, contiene los datos
informativos mínimos. Es uno de los iniciadores del cartel moderno.

8.- George Grosz (1893):

Pintor alemán de la época expresionista. Su trabajo como ilustrador va desde
caricaturas a visiones apocalípticas y violentas. Sus obras están realizas en su
mayoría en acuarela. Su arte es considerado como delirante, grotesco, absurdo
y desquiciado, pero al mismo tiempo maravillosa por retratar de manera humorística la fealdad
y las falsas apariencias.

9.- Paul Colin

(1892–1985) Francia. Famoso por sus más de 1000 afiches (carteles piblicita-
rios). Actualmente junto a Cassandre y Jean Carlu y definieron el estilo gráfico
francés.

10.- Norman Rockwell (1894):

Ilustrador de origen estadounidense que se caracteriza por retratar con un gran
sentido del humor a la sociedad americana. Para la gran mayoría, su arte sigue
siendo un signo de modernidad, ya que su trabajo sigue estando presente en los
rasgos y personalidades de dicho país. Produjo más de 4.000 piezas de arte e
ilustro más de 40 libros, entre ellos Tom Sawyer y Huckleberry Finn. Su trabajo
es muy extenso, participó para varias revistas, creó partituras, carteles y sellos.

11.- Cassandre (1901 – 1968)

Ucrania (de padres franceses, donde vivió toda su vida). Uno de los padres del
cartelismo y del diseño gráfico moderno, un artista que se terminó suicidándose
al negarse a cambiar su estilo cuando este pasó de moda. Los carteles de Cas-
sandre eran una síntesis perfecta, y nunca antes vista, de arte, texto e imagen.
Tanto por las dimensiones de los carteles y su textura como, en un inicio, por las
referencias directas al Cubismo y en etapas posteriores al Surrealismo.

12.- Bob Kane (1915):

Dibujante y escritor de origen estadounidense, se enfocaba a ilustrar cómics y
es considerado como el creador oficial de superhéroes como Batman y Robin
para DC Comics. Maneja una estética pop, contundente y desenfadada que
inspiró a grandes autores como Roy Lichtenstein. Creó una nueva estética en
el mundo de los cómics y es una referencia para grandes artistas de la cultura
popular.

13.- Kiraz (1923):

Edmond Kirazian o conocido como Kiraz, es un artista originario de Armenia pero
nacido en Egipto. Sus obras marcaron tendencia, creó un estilo propio e influenció
a toda una generación. Empezo su carrera como caricaturista político y terminó
como ilustrador humorístico. Sus tiras cómicas “Les parisiennes de Kiraz“, lo han
hecho famoso por todo el mundo, por sus escenas costumbristas y clasistas.

14. Edward Gorey (1925):

Su obra marco un antes y un después en el mundo de la ilustración, ya que ha
influenciado a muchos artistas, entre ellos el reconocido director de cine Tim
Burton. Su estética es considerada como macabra, morbosa y con toques de
gore. Su arte se distingue de los demás por la ausencia de lo infantil, pop inge-
nuo. Los gráficos que utiliza son densos, oscuros y en blanco y negro, con un
gran sentido del humor.
 15.- Maurice Sendak (1928):
Famoso ilustrador y escritor de origen Estadounidense, quien alcanzó la fama
gracias a su cuento infantil “Where the Wild Things Are“. Escribió alrededor de
11 libros infantiles. Su técnica se caracteriza por ser un tanto caricaturesca, diri-
gida a los niños, con un estilo surreal en sus historias, inspirando a quien las lee
a soñar y atravesar todo tipo de limites. Recibió grandes premios por su trabajo
como ilustrador, como el premio Hans Christian Andersen y el premio Memorial
Astrid Lindgren.

16.- Ray Caesar (1958):

Es uno de los mejores e inclasificable artista, quien forma parte del surrealismo
pop. Sus obras son totalmente digitales, usando modelos del diseño 3D, des-
pués los manipula y les agrega textura, formas, sombras, iluminación y reflejos,
hasta llegar al proceso final que transmite un realismo y una gran belleza plás-
tica. Su trabajo es considerado como una perfección y obra de arte inquietante.
Es uno de los ilustradores más famosos dentro de la cultura pop.

17.- Gary Baseman (1960):

Artista contemporáneo, es creador de grandes series para Disney. Su estética
combina imágenes icónicas influencias en el arte pop, mitología intercultural y
arquetipos literarios. Es reconocido por sus personajes que aparecen en todas
sus obras, con un estilo muy infantil, pero con toques de morbo e inquietud. Su
trabajo se asocia al movimiento surrealista pop.

18.- Mark Ryden (1963):

Es uno de los ilustradores más destacados de la escena pop a nivel mundial.
Sus diseños se distinguen por ser una mezcla entre ingunuo, arte con guiños,
surrealismo, macabro e infantil. Sus dibujos se caracterizan por la utilización de
jugetes viejos, modelos anatómocos, animales disecados, misterio, y objetos re-
ligiosos. La psicología de sus personajes son inspirados en el estilo neoKitsck,
hiperealismo y ojos gigantes.

19.- Tom Schamp (1970):

Ilustrador de la época actual, nacido en los años 70´s en la ciudad de Bélgica.
Se destaca por sus aportaciones en el diseño e ilustración editorial, especiali-
zado en la ilustrar libros de corte infantil. También se caracteriza por el uso de
colores brillantes y con toques surrealistas, con influencia en el mundo caribe-
ño. Sus obras atraen tanto a pequeños como a grandes por igual. Ha trabajado
para diferentes periódicos, revistas y agencias de publicidad.

4. Géneros
La ilustración es un concepto global que en realidad contiene muchas técnicas diferentes.
Desde el género cómic hasta los estilos publicitarios, la ilustración se puede clasificar según
su uso:
 4.1 ILUSTRACIÓN CIENTÍFICA
El principal cometido de este tipo de ilustración es exponer de manera efectiva una gran can-
tidad de información precisa y detallada acerca de temas que requieren un importante apoyo
visual.
Cuando hablamos de ilustración científica, nos referimos a un tipo de dibujo muy detallado,
con el propósito de reafirmar visualmente los textos de investigadores de disciplinas como:
Astronomía, Arqueología, Medicina, Odontología, Botánica, Zoología, Microbiología, entre
otras.
La ilustración científica es una de las áreas en la que los avances de la reproducción fotográfi-
ca no han conseguido desbancar el trabajo del ilustrador.

4.2 ILUSTRACIÓN LITERARIA o NARRATIVA

Este tipo de ilustración, a diferencia de la ilustración conceptual, tiene como objetivo la repre-
sentación gráfica de un argumento literario. Así pues, las ilustraciones que encontramos en
el interior de novelas o relatos son de este tipo, y sirven para reforzar o recrear una escena
dentro de la lectura. Dentro de este género también podemos encontrar la ilustración infantil,
de ciencia ficción, humor gráfico, comic, animación, etc.
Fue importante para el desarrollo cultural en el siglo XVIII. Tuvo un número importante de
lectores de mediana edad y por tanto un gran número de artistas que creaban dichas imáge-
nes. Representantes importantes fueron Eugène Delacroix y Gustave Doré. A comienzos de
la época moderna comienza a usarse la ilustración para libros infantiles con ilustradores que
se hicieron famosos:

4.3 ILUSTRACIÓN INFANTIL Y JUVENIL

Entendida como las obras de creación para acompañar a textos en cuentos, libros impresos
o digitales para niños y jóvenes Abarca un gran campo en el que se toma en cuenta la edad
de los lectores y la categoría de las historias. Este tipo de ilustración debe ser clara y legible
además de tener una unidad con el tema o argumento de acuerdo a la obra (narrativa, peda-
gógica, etc.).

4.4 ILUSTRACIÓN CONCEPTUAL

El Arte Conceptual es una forma de ilustración donde el principal objetivo es la representación
visual de un concepto para su uso en cine, animación, cómics, videojuegos, etc.
Las ilustraciones de tipo conceptual no están necesariamente ligadas a un texto, información
o argumento literario, más bien nacen puramente de la imaginación del ilustrador, en base a
una idea o concepto elegido. Son aquellas que dejan un margen más amplio a la creatividad y
al estilo personal.

4.5 ILUSTRACIÓN PUBLICITARIA

Se aplica a la etiquetas de los envases y al packaging de productos variados, folletos promo-
cionales o carteles, y se usa para ofrecer una información sobre el producto a simple vista. En
los últimos 50 años la ilustración publicitaria ha resultado ser importantísima. No sólo para la
creación de carteles, sino también para envases y productos variados, ya que ofrece al es-
pectador una visualización rápida de la información a explicar

4.6 ILUSTRACIÓN EDITORIAL

Es uno de los más fascinantes retos a los que puede enfrentarse un artista gráfico. Desde su
mesa de trabajo, el ilustrador “absorbe” el contenido de un texto, una historia, una noticia de
prensa, “saca” la idea principal y la plasma en imágenes gráficas. La que se emplea en revis-
tas, diseño gráfico, portadas de cd´s, carteles, diseño de webs…

4.7 ILUSTRACIÓN TÉCNICA

La ilustración ha ganado un campo importante en los avances tecnológicos y científicos de hoy
en día, siendo esencial para explicar el funcionamiento de máquinas, aparatos o sistemas, a
través de gráficos, esquemas y diagramas.

4.8 ILUSTRACIÓN CÓMIC

Es la ilustración que interpreta un guion y permite plasmarlo de forma similar a una película de
cine y cuenta una historia con personajes plenamente caracterizados por el autor.

4.9 ILUSTRACIÓN HUMOR GRÁFICO

Transmite ingenio y humor de un individuo a través de una visión personal, por lo general
caricaturesca, los aspectos técnicos quedan totalmente subordinados al ingenio y el talento
personal.

4.10 ILUSTRACIÓN CINE

La primer ilustración usada en el cine fue la del documental “Viaje a la luna” de 1905 En el cine
Hollywoodense, la ilustración se ha usado desde las primeras películas mudas protagonizadas
por Charles Chaplin El uso de las ilustraciones en el cine se hizo más común con las pelícu-
las animadas de Walt Disney … le dan al ilustrador un nuevo límite imaginativo; el poder de
crear nuevos mundos y nuevos ambientes insospechados para el mundo real y su imaginación
cinematográfica. En la actualidad, con la diversa gama de programas de ilustración, se pueden
hacer diversas propuestas de ilustraciones para películas…

5. Estilos
Otra clasificación que se puede hacer de las ilustraciones es según su estilo:

5.1 ILUSTRACIÓN POP

El pop art surge en EEUU hacia 1958 y en Europa a mediados de los años 60. Es una co-
rriente artística cuyos representantes emplean en sus obras formas y motivos tomados de
los medios de comunicación de masas, propios de la sociedad de consumo, o bien productos
industriales.
Las características del pop art son las siguientes:
• Es figurativo y realista.
• Creación de efectos visuales (vibración, parpadeo, movimiento aparente) mediante tra-
zados tramados, líneas sinuosas paralelas, contrastes bi o policromáticos, inversiones de
figura y fondo, cambios de tamaño, combinaciones de formas y figuras ambiguas.
• Diseños de formas geométrico-cromáticas simples, lineales o de masa en combinaciones
complejas.
• Composiciones meticulosamente realizadas.
• Composiciones estructuradas mediante espacios geométricamente ordenados de diferente
tamaño o mediante módulos repetitivos o en variación.
• Ejecución de trazos definidos delineados con precisión.
• Colores planos de contornos netos.
• Colores puros, brillantes, fluorescentes, provocación.
• Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición.
• Una constante provocación llena de humor son algunas de las características más relevan-
tes de este movimiento.
• Participación del espectador: en muchos casos el observador necesita moverse delante de
la obra para apreciar toda la gama de efectos ópticos.
• Empleo frecuente de pintura acrílica para conseguir colores impecables entre lisos y unifor-
mes.
• Está ligado a los medios en el ambiente urbano y a los aspectos especiales de este: comics,
publicidad, fotos, Hollywood, parques de diversiones, medios de masas en su faceta más
sensacionalista, artículos domésticos.
• Los motivos no son tradicionales (una lata de sopa, por ejemplo), lo que capta más la aten-
ción del público.

5.2 ILUSTRACIÓN HIPERREALISTA

El hiperrealismo es un estilo pictórico que nació en Estados Unidos tras el Pop Art y que se
basa en la reproducción detallista y fotográfica de la realidad. También con este estilo existen el
fotorrealismo y el realismo mágico, todos representando la realidad de modo realista y detallista
pero con sus diferencia expresivas. La utilización de nuevas tecnologías, y sobretodo la foto-
grafía, permiten al artista desarrollar este tipo de estilo muy difícil de realizar y que requiere un
gran control de la técnica, tanto dibujo como color.

5.3 ILUSTRACIÓN PSICODÉLICA

La psicodelia es un estado exaltado y revolucionario. Se caracteriza por la abundancia lineal y
colorista.
El estilo psicodélico en pintura nació en los años 60, en diseño gráfico. Hoy en día se sigue
utilizando con técnicas digitales y variaciones en el estilo inicial.
En los diseños predominan las formas radiales, espirales, clonaciones, repeticiones, expansio-
nes de formas… Igual que si estuviésemos drogados y viésemos el mundo con gran transtorno
mental.
El resultado es un mundo con leyes propias, sin gravedad, sin leyes, libre y fantástico.
Destacan mucho las combinaciones de colores, tanto armónicas como contrastadas. Y por
supuesto, el uso de la línea.

5.4 ILUSTRACIÓN PICTÓRICO UKIYO-E

Ukiyo-e “pinturas del mundo flotante” o estampa japonesa. Es un género de grabados (realiza-
dos mediante xilografía o técnica de grabado en madera) producidos en Japón entre los siglos
XVII y XX, entre los que se encuentran imágenes paisajísticas, del teatro y de zonas de alterne.
En el estilo pictórico Ukiyo-e predominan los siguientes elementos:
• El dibujo lineal con contornos suaves. Las líneas son del tipo “sensible”. Generan formas
elegantes en las figuras. Se representan con líneas formas que en la naturaleza no pueden
verse, como el agua, las nubes, el fuego, etc.Esto significa un gran esfuerzo del dibujo y
un gran desarrollo lineal. El uso de la línea sensible genera la fuerza del estilo. Este es el
elemento más importante. Las líneas que delimitan las formas, que contienen los colores,
aportan serenidad y retienen las presiones, incluso cuando la temática requiere elementos
psicológicamente más activos.
• La armonía de los elementos en la composición. La dimensión en profundidad se genera
con la reducción del tamaño hacia el fondo, la perspectiva y la degradación. Esto se hace
con elementos de dibujo y color armónicos y suaves. No es un elemento fundamental del
estilo pero si de la composición. Gracias a este sistema de profundidad se integra el con-
junto con armonía, equilibrio y serenidad. No hay una composición incoherente visualmente
sino que persigue la representación tal y como vemos las cosas. Dentro de estas composi-
ciones con representación fiel a la realidad, se hace la selección de figuras y elementos de
la imagen que aportan el tema del cuadro.
• El color está delimitado por los contornos, así que tiene una función de relleno y estética en
la mayoría de las ilustraciones. Si que existen algunas con una ruptura del contorno y un
mayor uso del color potente. Pero aún así, predomina la serenidad del color y el uso estéti-
co, es decir, aporta belleza y calidad. Este tipo de color aporta a su vez un tipo de emoción
controlada que si es un elemento importante para el estilo.

5.5 ILUSTRACIÓN DE MANGA & ANIME

El manga es un producto impreso, del mismo modo que las historietas, tiras cómicas o cómics.
Y aunque generalmente se utiliza la palabra para referirse a las creaciones propias de Japón,
dentro de dicho país se califica con el mismo término tanto a los cómics orientales como los occi-
dentales.

5.6 ILUSTRACIÓN PUNK

El estilo gráfico y pictórico Punk se caracteriza por la expresión agresiva y rebelde, reflejando
el carácter y filosofía Punk.

5.7 ILUSTRACIÓN FANTASÍA & CIENCIA FICCIÓN

La fantasía y ciencia ficción son géneros o subgéneros que pueden definirse como la intrusión
de lo sobrenatural en un marco realista, o sea, aparición y desarrollo de hechos inexplicables,
mundos maravillosos, personajes místicos, héroes míticos con poderes sobrenaturales , trolls,
hadas, gnomos, elfos, brujos, dragones, monstruos y caballeros.

5.8 ILUSTRACIÓN PICTÓRICO: NAIF O ESTILO INGENUO

Este estilo es sencillo técnicamente pero resulta más complicado temáticamente. Lo que las
obras pueden expresar con este estilo es infinito, no está sujeto a unos temas determinados.
Pero en esta entrada solo trato el estilo en sí mismo, la forma y modos de hacer. Cada artista
Naïf le aporta sus temas y contenidos.
Técnicamente es un estilo despreocupado por impresionar con una representación exacta de
la realidad. Deja fluir la mano y permite que el estilo interno de la persona aflore y le de forma
al mundo. Por esta pequeña libertad, que le permite el artista a su propia mano, surge una for-
ma de representación íntima, sencilla y a la vez compleja, puesto que cada persona tiene una
forma de dibujar y pintar. Cuando alguien copia el estilo de otro está forzando a su mano. Sin
embargo, el estilo Naïf requiere que la persona deje surgir su propio estilo personal.
El estilo Naïf muere con la educación. En el momento que aprendemos a dibujar, a pintar de
cierto modo o a componer pensando ciertas ideas más sofisticadas, el estilo íntimo y personal
con el que nacemos todos y que nos es único y exclusivo, muere porque deja paso a ideas y
conocimientos más sofisticados, pensados, adultos o simplemente, más educados.
 5.9 ILUSTRACIÓN FRACTAL
Es este un estilo experimental de creación abstracta. Se puede dominar el carácter de la forma
pero no la forma concreta. Se puede hacer mucho juego con esta experimentación y extraer
resultados asombrosos.

5.10 ILUSTRACIÓN GEOMÉTRICA

Las ilustraciones geométricas son una tendencia popular del diseño utilizado por los diseña-
dores modernos, que consiste en los bordes afilados y de vencer combinaciones de colores.
Hemos recopilado una colección de algunos de los mejores diseños geométricos vibrantes.

6. Técnicas de ilustración
6.1 Dibujo
Todo ilustrador necesita dominar el dibujo, ya que es la base de cualquier ilustración. Normal-
mente se realiza a lápiz y de forma manual, pero en la actualidad también se suele trabajar
directamente con el ordenador. Cada tipo de ilustración requiere un estilo de dibujo diferente.

6.2 Tinta
Las ilustraciones a tinta son de realización rápida, a base de trazos espontáneos, prácticamen-
te imposibles de rectificar. Hoy en día el dibujo lineal no tiene la misma popularidad de antes,
pero se mantiene en los libros de ilustraciones en blanco y negro para niños más mayores.
Tradicionalmente, casi todo el trabajo lineal se hacía con plumilla y tinta. En la actualidad exis-
ten muchos tipos de rotuladores que permiten todas las posibilidades de grosor y tipo de línea.

6.3 Rotuladores
Los ilustradores emplean los rotuladores en mayor medida que los pintores artísticos. Es un
medio que sirve para lograr coloraciones de tono limpio y ajustado, contornos claros y una ca-
lidad final fácilmente reproducible por medios fotomecánicos. Ofrecen un acabado limpio, pero
también frío. En la actualidad, las técnicas por ordenador han desplazado este tipo de aplica-
ciones. Sin embargo, se siguen utilizando en combinación con otras técnicas. Los más utiliza-
dos son los que contienen una base de alcohol. Una vez secos, el color es indeleble y, al ser
transparente, permite trabajarse por superposición de tonos sin que se mezclen. El ilustrador
profesional suele trabajar con una gama muy extensa de colores, que le evita realizar mezclas,
ya que es muy difícil con esta técnica. Puede dar espléndidos resultados en combinación con
otros procedimientos como el pastel, los lápices de colores o la acuarela.

6.4 Lápices de color

Su principal característica es la facilidad e inmediatez de su utilización. Se maneja igual que un
lápiz, con acabado poco graso, suave y satinado. Se utiliza para originales de pequeño forma-
to, ya que la intensidad de su tono y la capacidad cubriente de su color son menores que las
de otros medios. Tienen como ventaja la posibilidad de ilustrar con un alto grado de detalle, la
permanencia y la inalterabilidad de los colores. Los lápices más duros permiten mayor preci-
sión. Los colores no se mezclan realmente, sino que se superponen. El empleo más común de
los lápices de colores es su combinación con acuarelas, ya que realzan, sombrean y dan volu-
men a las formas previamente pintadas con colores planos. Son los utensilios más cómodos y
limpios de utilizar. Como complemento de otros procedimientos resultan casi insustituibles para
resolver detalles menudos. Como medio exclusivo, sus posibilidades son mayores de lo que
aparentan.
 6.5 Pastel
Los ilustradores raramente utilizan el pastel como medio de trabajo exclusivo. Es una de las
técnicas más utilizadas en conjunción con otros procedimientos (acuarela, guache, acrílicos o
rotuladores). Se trata de barritas de color, que pueden ser al óleo y secos, aunque los más ha-
bituales son estos últimos, quizá porque permiten obtener mejores efectos de mezcla. Tienen
una coloración mucho muy intensa, pero no permiten matizar con mucha precisión.
El pastel es lo más cercano al color puro. Permite obtener coloraciones saturadas, con una
calidad densa y aterciopelada.
La técnica del pastel permite trabajar a partir de trazos y manchas que se difuminan para con-
seguir esas superficies aterciopeladas.
En los últimos años, el pastel se ha convertido en uno de los medios favoritos de los ilustrado-
res. Su calidad puede confundirse con la de la pintura al óleo.

6.6 Acuarela
Es uno de los procedimientos más utilizados en ilustración. Es el más funcional. No requiere
muchos utensilios y permite un alto grado de detalle. Facilita el coloreado de grandes super-
ficies con un acabado de calidad. Permite desde un coloreado muy suave hasta tonos más
sólidos y opacos. Tiene muchas ventajas, entre ellas, que ofrece muchas posibilidades de
combinación con otros procedimientos pictóricos. Se utiliza de forma sencilla y directa.
Los colores son solubles en agua y transparentes. Su intensidad depende del grado en que se
disuelvan en agua. Se mezclan perfectamente entre sí. Es de secado rápido y no necesita de
otras sustancias especiales para su empleo.
En ilustración, la acuarela se emplea de modo diferente a la manera tradicional y pictórica de
los acuarelistas artísticos. El proceso comienza por un dibujo bien acabado, por lo general, a
lápiz. Se empieza a colorear por los tonos claros, diluyéndolos bastante en agua. Progresiva-
mente se pintan todas las zonas de la ilustración aplicando colores degradados en los fondos
amplios, humedeciendo la zona que se va a pintar antes de aplicar el color. Así se consigue
rebajar la intensidad. Al final se intensifican los tonos superponiendo capas de color. Cuando
la obra está seca se hacen los retoques oportunos, donde pueden entrar otros procedimientos,
ya que es compatible con todas las técnicas de dibujo (tinta, pastel, lápices de colores princi-
palmente). La acuarela se emplea en primer lugar, y sobre esta base se pueden utilizar todos
estos otros procedimientos.

6.7 Pintura acrílica

Es el más moderno de todos los procedimientos pictóricos. Se comenzó a utilizar hacia 1930.
Fue la primera aportación importante a la tecnología de la pintura en varios siglos. Aporta tex-
turas y efectos ópticos originales. Se trata de un material de secado rápido y base acuosa que
supone una buena alternativa a la pintura al óleo.
Los colores acrílicos son intensos y vibrantes. La rapidez de su secado explica su importancia
y popularidad entre los ilustradores contemporáneos.
La mayoría de los profesionales emplean los acrílicos sin combinación con otras técnicas, ya
que por sí mismos logran cualquier efecto de color, factura o textura.
Su versatilidad los hace adecuados para los estilos de ilustración más variados.

6.8 Pintura al óleo

Tiene muchos elementos a favor y en contra. Su riqueza y profundidad no se puede comparar
con ninguna otra técnica, pero tiene muchos inconvenientes para el ilustrador. Por eso se usa
poco para ilustración de libros infantiles.
Es un procedimiento de representación sumamente realista, precisamente por eso ha caído en
desuso como técnica de ilustración. Sin embargo, todavía es empleado por los profesionales
que buscan una obra artística de gran calidad artesanal.
Entre sus desventajas más evidentes están el largo tiempo de secado y la toxicidad de los
disolventes. Hoy en día el mercado ofrece una gama de pinturas con base al agua que imitan
muchas propiedades del óleo pero sin estos problemas.

6.9 Collage
Fue una aportación de los artistas de las vanguardias de principios del siglo XX, del cubismo
sobre todo. Es un producto gráfico que abarca todas las técnicas imaginables. Su principio
básico es la yuxtaposición de superficies que, por su distinto color, textura, forma y tamaño dan
lugar a un conjunto interesante y sugestivo visualmente.
El interés de esta técnica reside en aprovechar las coloraciones de los materiales originales, de
forma que pueda reconocerse su procedencia. Es muy importante la pericia artística y el talento
para combinar colores, formas y texturas.
Es una técnica muy sencilla que utilizan los ilustradores para lograr interesantes efectos deco-
rativos.

6.10 Informática o digital

Hoy en día, su papel en el mundo de la ilustración de libros infantiles es básico, y las obras
producidas son cada vez más interesantes e innovadoras.
Para el trabajo de ilustración más básico, el programa ideal es Adobe Photoshop, y para el di-
bujo, Illustrator. Los ordenadores se utilizan principalmente para añadir colores planos a la línea
hecha a mano y escaneada.

7. El oficio de ilustrador
Hasta hace relativamente pocos años la enseñanza de la ilustración no entró a formar parte
de los planes de los estudios artísticos como especialidad definida, compleja y respetable. En
1995 se reconoció por primera vez como un trabajo artístico con personalidad propia y que exi-
gía la adquisisción de conocimientos técnicos y teóricos con una formación reglada. Este hecho
acababa con una larga tradición de autodidactismo.

Si miramos el periodo de los años ‘20 y ‘30 nos encontramos grandes dibujantes ilustradores
con una sólida formación artística. Más tarde, a finales de siglo, son muchos los ilustradores
provinentes del mundo del diseño gráfico, pero siempre ha habido un porcentaje muy elevado
en favor del autodidactismo y en la idea de que ilustrar profesionalmente estaba más cerca de
una casualidad que de una opción creativa.
Tampoco ha ayudado a la profesión la escasa industria cultural del país, en comparación con
otros países como Francia, Gran Bretaña o EUA.

Si se analiza la descripción del perfil profesional contenido en la ley (BOE - 239):

“ El Técnico superior de Ilustración puede ejercer su trabajo dentro de las distintas áreas: agen-
cias de publicidad, editoriales, estudios de diseño, prensa, arquitectura, televisión y como autó-
nomo especializado en alguna técnica o estilo concreto.
Como dibujante capaz de interpretar una historia o concepto dándole la representación gráfica
más adecuada o como especialista que da forma final a un boceto, suministrado por otra per-
sona con una técnica o estilo gráfico concreto.

El profesional de este nivel debe estar capacitado para trabajar:

• Como autónomo o asalariado, entendiendo los detalles y características del trabajo a reali-
zar, lo que implica un conocimiento de las técnicas y procesos de reproducción industrial.
• Como ilustrador en cualquiera de las áreas citadas anteriormente (televisión, agencias de
publicidad, editoriales, etc.).
• Realizando trabajos libres para su posterior comercialización.

Tareas más significativas.

• Realiza ilustraciones empleando alguna de las múltiples técnicas o estilos artísticos.
• Busca documentación o material gráfico de referencia.
• Trabaja en equipo o a las órdenes de un director artístico, diseñador gráfico, editor, etc.
• En algunos casos controla la correcta reproducción de sus originales en los talleres de foto-
mecánica e impresión.
• Crea ilustraciones adaptándose a los aspectos comunicativos técnicos y funcionales que
precise el trabajo.
• Diferencia el fin último de cada ilustración en concreto y discrimina a través de dicha capa-
cidad unos procesos de trabajo u otros, optimizando así el resultado final del trabajo.
• Como trabajador autónomo gestiona, administra y conoce los límites legales en cuanto a la
utilización de la imagen.”

Esta definición detalla las tareas del ilustrador pero una pràctica extendidisima en el mundo
creativo profesional es trabajar en colaboración (y no tanto subordinación) con un director ar-
tístico en los campos editorial, prensa, diseño gráfico y publicitario.

Según los datos de la Federación de Asociaciones de Ilustradores Profesionales (FADIP), el

porcentaje más elevado de ilustradores según las franjas de edad está entre 31 a 45 años, que
indica que no es un sector artístico emergente, sino con una larga trayectoria de experimenta-
ción. También es importante el tramo de 18 a 31 años, que indica una renovación importante
de la profesión.

Llama la atención el carácter multidisciplinar de la gran mayoría de profesionales que abarcan

la simultaneidad de diferentes campos profesionales, la mayor parte en sectores relacionados
con el libro, la publicidad y el cartelismo. Solo un 3% están especializados a un único campo.

Los resultados de las encuestas que hacen a sus asociados dan a entender que este arte
requiere de un proceso de aprendizaje y experimentación contínuo así como de un proceso
de reciclaje profesional, que no siempre se puede econtrar en la oferta formativa del mercado,
para ello la capacidad de ser autodidacta ha sido crucial en esta profesión.

8. Ilustración y diseño gráfico

En la actualidad la actividad de diseño gráfico va muy ligada a la ilustración, ya que es un
recurso dentro de la creación contemporánea, con su propio lenguaje visual, que empatiza de
manera más directa con el consumidor.
Al proceso de construcción de un objeto comunicativo muchas veces hay que añadir la versati-
lidad creativa de la ilustración, dónde el vínculo de arte y diseño es cada vez más difuso pero a
la vez más indispensable para elaborar proyectos comunicativos innovadores.

Ilustración y diseño gráfico son dos artes diferentes pero comparten muchas similitudes como
aquellas que se identifican con los procesos creativos y técnicas. También comparten el sentido
de percepción de la belleza como herramienta subjetiva de captación social.
Dentro de ser dos artes diferentes, la ilustración es una técnica aplicable dentro del mundo del
diseño gráfico. Un proyecto final de diseño gráfico consta de muchos elementos analizados y
elegidos para una finalidad muy concreta que es transmitir a un público potencial o target, un
mensaje determinado a través de unos canales apropiados. Dentro de todos estos factores es-
tudiados, hay diferentes elementos que ayudan al objetivo final, uno de estos elementos puede
ser la ilustración, junto a la tipografía, fotografía, composición, contraste, etc.

8.1 Diferencias entre ilustración y diseño gráfico

• La ilustración es un arte más orientado a la estética y vesante artística.
• El DG también tiene un grado de componente artístico pero no tiene como finalidad expre-
sar el sentir de su creador, sino transmitir una imagen que sirva para comunicar, que sea
estética y a la vez efectiva.
• La ilustración es personal y el estilo del ilustrador es plenamente reconocible, ya que em-
plea sus propias técnicas.
• El DG de un autor también es reconocible pero este se complementa con las tendencias
en diseño y con ciertos criterios comunicactivos para transmitir el mensaje que el producto
requiere de forma efectiva.
• La ilustración por si sola viene a ser el producto de un proceso creativo, mientras que el DG
agrupa varios elementos en un solo trabajo. Estos elementos pueden incluir la ilustracion,
tipografias, fotos, lineas, etc.

8.2 Semejanzas entre ilustración y diseño gráfico

• Ambas carreras son creativas y demandan gran capacidad intelectual de sus autores. La
inteligencia espacial sería la encargada de dotar a estas personas de una capacidad para
ver el mundo desde diversas perspectivas para destacar en áreas artísticas.
• Ambas procesos de creación se originan a partir de un esbozo. A menudo el artista comien-
za creando una primera versión de su personaje, producto o diseño (idea) en una hoja de
papel para luego digitalizar.
• Ambas requieren el uso de de técnicas y programas para la fase de creación, desarrollo y
culminación en formato digital. No obstante, la ilustración es menos dependiente de este
procedimiento, pues también puede manifestarse a plenitud sin el uso de software.

9. Conclusiones
A nivel de conclusión y reflexión sobre el futuro del oficio de ilustrador, el desarrollo de esta dis-
ciplina profesionalmente compitiendo con garantías en el mundo laboral actual se basa en unos
puntos clave:

• Reforzar el papel de las asociaciones profesionales

• Trabajo en red entre ilustradores a todos los niveles
• Concienciar la sociedad sobre los derechos de autor y la Ley de Propiedad Intelectual
• Exigir representatividad y participación del colectivo en instituciones y organismos públicos y
privados relacionados con la cultura
• Garantizar una formación de cualidad a todos los niveles
• Constituir Colegio Oficial o Sindicato
• Reforzar el trabajo cooperativo con otras disciplinas

10. Bibliografía y referencias

Libro blanco de la ilustración gráfica en España, FADIP
Ilustrar lo sublime, por J. Martí País Vasco.
Mekanika, por Oscar Chichoni. Norma Editorial.
El dibujo, técnica y utilidad, por Susan Lambert, Tursen Editorial.
Arte y percepción visual, por Arnhein Rudolph. Alianza Editorial.
Todo sobre la técnica de la ilustración. Barcelona: Parramón, 2003. DI 388
BOE - (239)