6 ELEMENTOS DE UNA MEZCLA PROFESIONAL

Cada mezcla se compone de cientos de pequeñas decisiones que dan forma al sonido. Pero cuando
te alejas y miras el panorama general, todas las mezclas requieren atención a los mismos problemas
básicos: equilibrio, tono, dinámica, profundidad y pegamento. Hoy, aprenderás qué cosas buscar en
cada una de estas áreas para crear mezclas más cohesivas y con un sonido profesional.
Mi lema es mantener las cosas lo más sencillas posible para obtener los mejores resultados
musicales. Primero, la automatización de volumen puede mejorar un arreglo mejor que EQ en
muchos casos. Por ejemplo, si tu guitarra rítmica está compitiendo con la voz principal en el verso,
en lugar de cortar el rango medio de la guitarra, considere bajar la guitarra 1 o 3dB durante el verso
y volver a subirla cuando no compita con la voz o cuando la pista necesita un pequeño impulso. En
segundo lugar, si la voz principal tiene algunos momentos de sibilancia o uno o dos p-pops, no seas
perezoso y apliques un de-esser o filtro a toda la pista. Eso degradará toda la pista para solucionar
algunos problemas menores. En su lugar, simplemente procese los puntos problemáticos con un
procesamiento basado en eq dinámica o automatización.

1. Saldos
Una buena mezcla comienza con la base. Comienza marcando los balances de volumen básicos para
que puedas escuchar cada elemento y obtener la sensación básica de la canción. Por supuesto, la voz
debe ser el elemento más principal en la mezcla, normalmente seguida por el kick y la caja, que
impulsan el ritmo. Y el bajo que sumado a ellos te dan la columna vertebral y los cimientos de tu
canción.
Cada género tiene su propia estructura sonora única, por lo que es una buena idea comparar su
mezcla con otras pistas populares del mismo género para tener una idea de qué tan fuertes deben ser
los diferentes elementos. Ten a mano algunas mezclas de referencia para asegurarse de que sigues
bien el rumbo mientras sigues estos pasos. Tu pista puede tener elementos de producción
ligeramente diferentes a los de cualquier referencia dada, pero tu mezcla debe sentirse como la
referencia en cuanto a energía general y cantidad de ritmo frente a melodía.
Una vez que tenga los balances básicos, espero que estés usando los parámetros (1,3,6 y 10) que te
estarán dando grandes resultados, usa los controles de panorama para distribuir diferentes elementos
alrededor del espectro estéreo. Mantén los elementos rítmicos y armónicos equilibrados en cada
lado de la mezcla y verifica tu mezcla en mono para asegurarte de que los elementos importantes no
desaparezcan. Asegúrate de mantener los elementos fundamentales enfocados en el medio: bombo,
bajo, caja y voz principal o instrumento de melodía principal.
Esto a continuación es mejor aplicarlo en etapas avanzadas de la mezcla y no al principio, pero es
una buena idea saber que podemos aplicar; Para empujar ciertos elementos más allá del ancho de
los altavoces, intenta usar un complemento de imagen estéreo como Ozone Imager o Waves S1
Imager para mejorar la imagen estéreo. La panoramización al estilo de Haas con retardos cortos
también puede proporcionar una sensación mejorada de espacio de izquierda a derecha en ciertos
instrumentos. Los elementos que tienden a beneficiarse de la imagen estéreo ultraancha son los
retornos de efectos, los pads y los elementos de percusión que se pueden mantener bajos en la
mezcla pero que todavía “hablan bien” ya que tienen un panorama muy amplio. Ojo que el abuso de
estos efectos puede generarte graves problemas de fase por eso hay que ser cuidadoso con como y
cuánto aplicarlos.

El generador de imágenes estéreo Infected Mushroom Wider (gratuito) de Polyverse es ideal para
hacer efectos más anchos que tus altavoces.

2. Corregir problemas y mejorar las fortalezas con EQ

Después de marcar los niveles y desplazarse, concentra tu atención en los tonos. Empiece por filtrar
cada sonido en las frecuencias que su instrumento no tiene repercusión, luego ve a corregir
cualquier problema de frecuencia que te llame la atención de inmediato. Escucha atentamente cada
rango de frecuencia para asegurarse de que todas las pistas se unan para crear una mezcla cohesiva
libre de acumulaciones o agujeros en cualquier rango de frecuencia. Es posible que quieras poner en
solo las pistas durante este proceso, pero intenta mantener cada sonido en el contexto de toda la
mezcla para ecualizarlo correctamente. No te olvides que el publico escuchará la canción en
conjunto y debe sonar bien así en conjunto, el poner en solo puede ser útil en situaciones puntuales
pero repito trata de mantener tu mezcla en contexto. Las guitarras acústicas brillantes suenan muy
bien por sí mismas, ¡pero pueden saturar la percusión en la mezcla!
Examina cada octava en busca de problemas. Comienza en el rango de subgraves y continúa usando
el ecualizador sustractivo para corregir cualquier problema con la grabación. Presta especial
atención al rango de subgraves, los graves pueden retumbar, los medios bajos para turbidez, la
congestión en los medios y la dureza o sibilancia en los agudos. Consulte mi video “Frecuencias
que estropean tu mezcla” para tener una idea y una escucha mejor de estos ejemplos.
No te olvides que puedes hacer barridos, con una Q no muy estrecha ni muy amplia y no pasandote
de los 10 db en ningun caso, todo arriba de esa frecuencia te sonará extraño, otra recomendación es
mejor hacer los barridos de 3 db hacia abajo. Una vez que hayas resuelto algunos problemas tonales
básicos, usa tus ecualizadores modelados analógicos favoritos para agregar color y carácter a tus
pistas, dándoles un sonido más “musical” y armónicamente rico. No todas las pistas necesitarán EQ,
y eso está bien. La idea es hacer que ciertas pistas se destaquen del resto, ¡no todo puede ser
brillante en una mezcla!
Los instrumentos solistas deben estar ecualizados para resaltar sus características especiales: un
saxo tenor de pecho o un solo de guitarra cortante o una voz de soprano aireada. La batería, el bajo
y los pads deben estar ecualizados para llenar el espacio alrededor de los instrumentos
principales. Si la base es sólida y los instrumentos principales se sienten especiales, todo lo demás a
menudo encaja rápidamente en su lugar.
Si deseas darle a una pista un poco de energía adicional pero no necesitas alterar el balance de
frecuencia, inserta un complemento de saturación para agregar armónicos sin alterar drásticamente
el tono. Prueba excitadores o emulaciones de cinta o transformador como Ozone Exciter, (Waves)
Scheps Omni Channel o Saturn (Fabfilter) o Revival(SlateDigital).

3. Controlar la dinámica
Después de marcar los tonos, es hora de centrar tu atención en la dinámica. Si bien tu primer
instinto puede ser colocar compresores en muchas de tus pistas, te resultará muy útil hacer una
pasada rápida de automatización para nivelar una pista antes de intentar forzarla a darle forma con
demasiado procesamiento dinámico.
Escucha atentamente cada elemento de la mezcla e identifique las pistas que son demasiado
dinámicas o que necesitan un poco más de fuerza. Para interpretaciones excesivamente dinámicas
(estoy hablando de vocalistas y bajistas), usa un compresor con un ataque rápido, una liberación
moderada y una relación alta para controlar rápidamente los picos transitorios. Para suavizar de
manera transparente el volumen promedio de una interpretación vocal, prueba con una relación muy
baja, como 1.3: 1 y un umbral bajo para obtener de 2 a 3dB de compresión constante.
A menudo, una pista vocal sufre principalmente de la desaparición de palabras, como un cantante
que “tira” la última palabra de cada frase. En ese caso, es mejor hacer algo de automatización de
ganancia antes de cualquier compresión para que la interpretación se sienta sólida antes de presionar
el compresor. Waves MV2 (arma secreta) funciona bien para aumentar el volumen y la claridad de
las partes de bajo nivel de una pista de voz o instrumento sin tocar los niveles máximos.
Para las pistas que necesitan un poco más de fuerza, como kicks y cajas, usa la compresión con un
ataque más lento para mejorar el impacto de cada transitorio. No mates el pulso o el golpe de la
canción, pero nivela suavemente la dinámica para mantener una presencia constante de los
instrumentos importantes. Intenta comenzar con solo 1 o 2 dB de compresión para que los golpes
suenen uniformes y sólidos. Una compresión más extrema puede ayudar a dar forma a la envolvente
de la batería si cree que es más apropiado para una producción en particular.
No te olvides que no todos los elementos de percusión necesitan compresión especialmente si son
librerías de instrumentos virtuales o samples generalmente ya vienen nivelados y comprimidos.
Nuevamente, compara con tus pistas de referencia para asegurarte de que tu batería sea tan potente
y directa y que la voz ocupe una cantidad similar de espacio que en las referencias.

4. Construyendo ambientes y dimensión

Con el espectro de frecuencias equilibrado y la dinámica bajo control, tu próximo objetivo es
agregar profundidad a la mezcla utilizando efectos espaciales.
La reverberación y el delay serán sus herramientas principales aquí, y pueden usarse para empujar
instrumentos más atrás en la mezcla o para agregar espacio alrededor de ciertos
instrumentos. Empieza por identificar los instrumentos que deseas que estén al principio de la
mezcla y déjalos sin reverberación o aplique efectos con tiempos de caída cortos.
A continuación, identifica los instrumentos que desees al final de la mezcla y aplica efectos con
tiempos de caída significativamente más largos. No es necesario que uses el mismo tipo de efecto
en cada pista, pero demasiadas reverberaciones y delays diferentes en una mezcla pueden empezar a
sonar feos.
Intenta encontrar algunos lugares para ecos estratégicos en la voz principal o crea una reverb que
extienda un solo de guitarra a la siguiente sección. Pequeños trucos como estos pueden tener un
gran impacto si no se usan en exceso.
A veces, un efecto más seco puede agregar movimiento a los sonidos. Para estas situaciones, prueba
con un phaser, flanger, chorus, tremolo o doblador / armonizador. Estos efectos pueden dar a las
voces de fondo, teclados y pads una sensación de profundidad sin añadir ambiente o “humedad” a
las pistas.

5. Ajuste fino del bus de mezcla

En este punto, deberías haber abordado cualquier problema con el equilibrio, el tono, la dinámica y
la profundidad de cada elemento de la mezcla. 
Vuelve a escuchar la pista y concéntrese en mejorar el sonido de la mezcla en su conjunto. ¿La
mezcla se siente concentrada, sólida y tan densa y contundente como debería? Utiliza EQ,
procesamiento dinámico y ampliación estéreo para unir cada una de las pistas individuales y
mejorar la musicalidad de la pista como un todo.

6. Toques finales
Por último, pero no menos importante, escucha una vez más tu pista y escribe un pase de
automatización. Esta es una excelente manera de darle vida a una mezcla estática y agregar emoción
fácilmente sin perder el equilibrio.

Softube Console 1 Fader proporciona 10 faders motorizados para su DAW.

Un truco poderoso para agregar energía rápidamente a una pista es automatizar el nivel del bus de
mezcla en 1dB durante los coros. Solo asegúrate de no clipear tu mezcla. 
Además de utilizar la automatización para equilibrar los niveles de su mezcla o hacer que el coro
suene, también puedes esculpir la energía de la pista de principio a fin. Si bien cada canción es
diferente, la mayoría de las pistas se vuelven más fuertes lentamente a lo largo de la canción. Intenta
utilizar la automatización para mejorar este efecto haciendo que las partes fuertes sean un poco más
fuertes (y viceversa).
Una vez que hayas completado todos estos pasos, haz una revisión rápida para asegurarte de que
cumpliste todo correctamente. ¡Eso es una mezcla!

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POSICIONAMIENTO DE MONITORES

Consideraciones: Debido al comportamiento omnidireccional de las bajas frecuencias, debemos

intentar no colocar nuestros monitores apoyados directamente sobre la pared, pues esta acción
redundará en un incremento de 6 decibeles en bajas frecuencias. Por supuesto, menos aún en
esquinas o rincones, ya que el incremento pasará a ser de 12 ó 18 decibeles. Esto nos llevaría muy
probablemente a realizar ajustes de graves erróneos, simplemente por intentar compensar la
respuesta en frecuencia percibida. (Fig. 1)             
Fig.                   1                    
Asimismo, debemos evitar que la distancia entre el monitor y la pared trasera sea la misma respecto
de la pared lateral (Fig. 2)

Fig.                   2                    
En una habitación rectangular es conveniente que los monitores se dispongan a lo largo del recinto
(Fig. 3)

Fig.                   3                    
La posición en el eje vertical de los monitores debe ser tal que los tweeters queden a la altura de los
oídos. De estar posicionados más arriba, deberán inclinarse hacia abajo, y en el caso contrario, hacia
arriba, siempre buscando alinearlos con nuestros oídos. Exactamente lo mismo haremos respecto de
su orientación en el plano horizontal. Esto es básicamente debido a la alta directividad de las
frecuencias más altas. (Fig. 4)       

Fig.                   4                    
Debemos intentar siempre posicionarnos en un eje de simetría dentro de la habitación. De este
modo las reflexiones de la sala arribarán a nuestros oídos temporalmente alineadas. Esto es vital
para una buena representación de la imagen estéreo. A su vez, idealmente los monitores deben crear
entre sí un ángulo de 60º. Esto determinará nuestra ubicación en el sweet spot. (Fig. 5)             

Fig.                   5                    
Bajo ningún punto de vista debemos ubicarnos respecto de los monitores en forma escalena. El
modo correcto debe ser equilátero, o a lo sumo isósceles. (Fig. 6)      

Fig.                   6                    
Debemos evitar colocar ambos monitores en una misma superficie, como por ejemplo sobre nuestra
mesa de trabajo. Lo ideal es que cada monitor tenga su propio pedestal o soporte. Esto es para evitar
que la vibración propia de cada monitor se transmita por estructura hacia el otro monitor, con la
diferencia temporal consecuente, produciendo un desfase entre ambos, y consecuentemente
debilitando el sonido resultante. Si ambos estuviesen colocados en una misma superficie, debemos
intentar desacoplarlos de la misma. Para esto existen varios productos especialmente diseñados. De
no contar con productos comprados para tal fin, podemos ubicar en cada monitor cuatro pequeñas
topetinas de entre 5 y 10mm. Una en cada esquina de su base.comprados      para    tal        fin,      
podemos           ubicar             en        cada    monitor          cuatro            pequeñas       topetinas       
de        entre      5          y          10mm.            Una     en        cada    esquina          de        su       
base.              
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Protegido: Los Mejores Audífonos de Estudio

septiembre 11, 2020 • Uncategorized • 2 comentarios

Los audífonos de estudio son una herramienta esencial mezclar música. Son una pieza clave de
cualquier estudio casero. Un buen par de audífonos para mezclar siempre serán útiles en tu estudio.
Incluso si eventualmente compras monitores, tus confiables audífonos seguirán siendo
indispensables para grabar y para referenciar mezclas.

Cómo escoger audífonos

Escoger los audífonos de estudio apropiados es importante, aparte de calidad de sonido, lo más
importante de tener en cuenta a la hora de comprar audífonos
es precio, comodidad, impedancia y diseño abierto o cerrado. El presupuesto es una gran
preocupación en cuanto a audífonos. Las líneas de audífonos de la mayoría de fabricantes
comienzan con «consciente del presupuesto» y llegan hasta «el dinero no es problema.» Determina
tu presupuesto para asegurarte de obtener el mejor valor posible para ese
presupuesto.La comodidad también es un factor importante, si estás planeando tener sesiones de
mezcla largas, asegúrate de revisar cómo se sienten. El diseño abierto o cerrado es probablemente
el factor más importante. Los audífonos cerrados son importantes para grabar, ya que no dejan que
el sonido se escape mucho. ¡No intentes grabar voces sin ellos! Los
audífonos abiertos naturalmente tienen más bleed, pero su sonido es más transparente. Son la mejor
opción para mezclar y para escucha crítica, además que “mas saludables” ¡Puedes considerar tener
un par de cada uno disponibles en tu estudio!

Frecuencia
El oído humano “sólo” escucha entre frecuencias de 20 Hz y 20.000 Hz. Los 20 Hz representan la
frecuencia más grave que puede oír el ser humano, mientras que los 20.000 Hz representan la más
aguda. Es por ello que el estándar en los auriculares sea de esas frecuencias, no debiendo nunca
comprar unos auriculares que tengan menos de esas frecuencias.
Otros auriculares ofrecen frecuencias más amplias, que llegan por ejemplo a entre 5 Hz y 33.000
Hz. El hecho de que se ofrezcan frecuencias superiores a las que puede escuchar el oído humano
tiene que ver con que hay sonidos que se sienten más que que se oyen. Por ejemplo, al ofrecer
unas frecuencias de graves de 5 Hz, los graves se sienten mejor.

Impedancia
La impedancia es la resistencia eléctrica medida en ohmios. Cuanto mayor sea la impedancia,
mayor resistencia, lo cual significa que se necesitará más energía para hacer funcionar los
auriculares. Los auriculares más grandes y de mayor calidad suelen tener una impedancia
mayor, desde 32 hasta los 600 ohmios. Para obtener la mejor calidad de sonido con una alta
impedancia, es muy recomendable utilizar un buen amplificador. Cuanto mayor es la impedancia, al
usarse más energía, las interferencias quedan minimizadas, de ahí que sea más común oírlas en
unos auriculares in-ear de 20 dolares que en unos de 150 dolares. Normalmente, con una
impedancia de 32 o más ohmios el ruido tiende a desaparecer. Lo más común son auriculares in-ear
de 16 ohmios, supraaurales de 32 ohmios y supraaurales de 32 o más ohmios, siendo entre 60 y 80
ohmios más que suficiente para buena calidad de sonido sin necesitar un amplificador. Por
encima de 100 y hasta los 600 ohmios deberíamos plantearnos seriamente utilizar un buen
amplificador.
Algo a tener muy en cuenta es que no existen los audífonos de respuesta frecuencial 100%
plana, por mas que lo diga en el empaque TODOS tienen coloración en determinadas
frecuencias y antes de adquirirlos es bueno informarte de esta curva de coloración y si es muy
exagerada o no para que puedan servirte realmente en mezcla y masterización

Sennheiser
Sennheiser es uno de los nombres más grandes en audífonos. Sus diseños HD600 y HD650 son
algunos de los audífonos más aclamados de la historia. Cualquiera de estos audífonos clásicos son
un paso totalmente seguro para un home studio de gama alta.
Shure
Shure es conocido por producir muchos de los sistemas de monitores in-ear usados en los
escenarios más grandes del mundo. Su línea de audífonos de estudio también es excelente,
especialmente los SRH 440 que son semiabiertos y calidad precio son una excelente opción.
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Protegido: +4dB y -10dB

septiembre 11, 2020 • Uncategorized • No hay comentarios

+4dB(u) y -10dB(v) no son más que el voltaje, al que opera el hardware. Independientemente de si
éste es balanceado/desbalanceado (y si lleva XLR, TRS, Minijack, RCA, etc)
+4dB(u) es el voltaje al que opera el hardware profesional de estudio (mesas de mezcla,
procesadores, tarjetas audio pro…)
-10dB(v) es el voltaje al que opera el hardware doméstico de audio (equipos Hifi, cd, MD, algunas
mesas de Dj, teclados, tarjetas interna PC)
Si tu tarjeta de audio dice que es para audio profesional lo mas probable es que opere a +4dB(u) y
tus monitores tengan una perilla especial para cambiar estos valores y adaptarse (hacer match) con
el equipo que envía la señal.
Todas las partes de una cadena de audio , han de operar con el mismo tipo de señal (+4 o -10) para
que no haya perdida o degradación en la señal resultante. Si mezclas hardware +4dB/-10dB
necesitas conversores que transformen la señal de +4dB/-10dB o al revés.
Si en el manual de tu equipo dice que es un equipo para audio profesional ten en cuenta que debe
estar operando a +4dB(u).
• Conexiones balanceadas: Estas conexiones
eliminan de forma eficaz el ruido procedente de fuentes
externas. Las conexiones balanceadas permiten realizar
tendidos de cables más largos que, sin una conexión de
este tipo, transmitirían ruido.
Conexiones no balanceadas: Normalmente se
utilizan para conectar instrumentos musicales
electrónicos, guitarras, etc. a equipos amplificadores. Si
los tendidos de cable no superan uno o dos metros, es
probable que puedan utilizarse cables no balanceados
sin problemas.