TEMA 22: TENDENCIAS DEL SIGLO XX

El expresionismo abstracto (J. Pollock). El informalismo (M. Millares).

El minimal art (R. Morris). Las tendencias neofigurativas: El pop-art
(A. Warhol). El hiperrealismo (Antonio López). El panorama artístico
actual en Castilla y León.

I. EXPRESIONISMO ABSTRACTO
La guerra hizo que muchos artistas europeos de vanguardia emigraran a Estados Unidos: los
surrealistas constituyeron allí una colonia poderosa que ejerció mucha influencia en las nuevas
generaciones. De ellos aprendieron la primacía del automatismo, asunto clave en las teorizaciones
iniciales del surrealismo pero que nunca había alcanzado la relevancia que lograría después de 1945.
El expresionismo abstracto, la escuela pictórica surgida entonces, se caracteriza por añadir a esa
influencia surrealista otras procedentes de las filosofías orientales; con ambos ingredientes
intelectuales se justificaban el vacío pictórico, el valor de la mancha y la autoexpresión directa sobre
el lienzo sin controlar racionalmente el proceso de ejecución. Aquellos cuadros solían ser de gran
tamaño. Entre los pintores del expresionismo abstracto destacaron Franz Kline (1910-1962), Robert
Motherwell (nacido en 1915) o WiJlem de Kooning (nacido en 1904), excelente "colorista" y el más
figurativo de su generación. El más representativo de aquellos artistas, Jackson Pollock (1912-
1956).
1.1. POLLOCK, JACKSON (1912-1956)
Pintor estadounidense, el miembro más destacado del expresionismo abstracto. Nació en
Cody, Wyoming y estudió en la Art Students League de Nueva York con Thomas Hart Benton. Estuvo
varios años viajando por el país y dibujando. A finales de la década de 1930 y principios de 1940
colaboró en Nueva York en los Proyectos de la Administración para el Federal Art Project (Proyecto
de arte federal). Sus primeras obras, en el estilo naturalista de Benton, representan escenas
estadounidenses de forma realista. Entre 1943 y 1947 Pollock, influido por el surrealismo, adoptó un
estilo más libre y abstracto, como en La loba (1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York).
A partir de 1947 Pollock evolucionó hacia el expresionismo abstracto, desarrollando la técnica
de la action-painting o dripping, consistente en derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre lienzos
sin tensar. Mediante este método Pollock realizó esquemas de formas entrelazadas como se observa
en los ejemplos Full fathom five y Lucifer (ambas de 1947, Museo de Arte Moderno, Nueva York). El
movimiento del artista durante la ejecución era tan importante como el resultado final, y por eso se
Ilamó a este tipo de trabajos action painting (pintura de acción) o pintura gestual. También pertenece
a esta época Marrón y plata I (1951, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid). A partir de 1950 su estilo
cambió de nuevo, retomando la figuración en blanco y negro, dentro de un estilo muy virtuosista.
Entre las pinturas de su último periodo destaca Ocean grayness (1953, Museo Salomon R.
Guggenheim, Nueva York). Murió el 11 de agosto de 1956 a consecuencia de un accidente de
automóvil.

II. EL INFORMALISMO
El expresionismo abstracto recibió otros nombres en Europa, como tachismo (del francés
"tache", mancha) o informalismo. Se trataba siempre de una pintura subjetiva, apasionada, no
figurativa y de apariencia caógena. Cuando se incorporaron al lienzo otros materiales (como
arpilleras, arena, maderas, etc.) recibió la denominación de arte matérico. Estos términos no son
excluyentes: una obra pude ser al mismo tiempo informalista y matérica. Surge tras la Segunda
Guerra Mundial. Inventan una variante del collage al mezclar materiales como yeso, arena, arpillera y
otros, lo que da al lienzo un carácter tridimensional.
Millares, Manuel (1926-1972), pintor español nacido en Las Palmas de Gran Canaria. Su
estancia en Lanzarote, durante la Guerra Civil española (1936-1939) le hace tomar contacto con la
naturaleza, que le influirá en su obra. Al principio, es el surrealismo quien ejerce en él gran influencia;
de esta época (1949) datan sus primeros Pictogramas. Más tarde traba amistad con la escuela de
Altamira y es uno de los colaboradores de LADAC (Los Arqueros del Arte Contemporáneos).

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 Después de ahondar en la idiosincrasia canaria como temática de sus obras, pasa a investigar
las superficies, la materia y las texturas. A partir de ahí elaborará sus arpilleras, donde combina arena
y madera. En el año 1955 realiza sus Perforaciones. Participa en la creación del grupo El Paso, que
influiría de forma decisiva en la difusión del informalismo español o abstracción expresiva. El viaje que
realiza al Sahara en el año 1969, cuyo ambiente le influye en su concepción de la pintura, da como
resultado un predominio del blanco de la arena especialmente. A esta fase le sigue otra titulada
Antropofaunas y Neardentalios, serie compuesta por seres metamorfoseados y convertidos en
fantásticos.
Millares crea superficies pictóricas, de volúmenes casi escultóricos, que provocan en el
espectador una intensa reacción emocional. Su obra, dentro del más puro informalismo, se exhibe en
numerosos museos de todo el mundo como el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), la
Tate Gallery de Londres o el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca.

III. MINIMAL ART

Estas tendencias fueron suplantadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista que
marcó un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura mientras que en Europa el arte
óptico y cinético conocía sus horas de gloria. El final de la década de 1960 vivió el desarrollo de una
abstracción centrada en el análisis de sus propios componentes, o bien orientada hacia los problemas
de definición de la naturaleza de la imagen.
Se desarrolla en Estados Unidos durante la llamada «década prodigiosa» o década de los
sesenta, y se mantiene hasta mediados de los años setenta. Los artistas siguen sus búsquedas y su
indefinición, pero siempre hay unos propósitos y unos rechazos que nos ayudan a comprender lo que
es el minimal-art: una abstracción total, orden, simplicidad, factura, alto grado de acabado.
Dos negaciones nos ayudan a definir el minimal: el rechazo a la tradición europea y el rechazo
del antropomorfismo. Su importancia está en que llevó al extremo la aspiración de las vanguardias de
liberar al arte de la función de representación.
Representan objetos tridimensionales basados en formas geométricas elementales, sin textura,
monocromas o sin colorear, que pueden ser aprehendidas de un vistazo y que establecen con los
espectadores relaciones nuevas... Les muestran la experiencia concreta de un espacio determinado:
cubos o cajas que llamaban «objetos específicos». En su método de trabajo pretenden la
recuperación de las formas simples, lo que les conduce de nuevo a la geometría: acuden al
rectángulo, al cubo y al prisma, formas que pueden ser un universo en miniatura, y recurren a la
repetición, a la serie, para recuperar el espacio real.
Morris, Robert
Escultor estadounidense. Se educa en la Universidad de Kansas City y en el San Francisco Art
Institute (1948 – 1951);. Pronto se convierte en uno de los máximos exponentes del minimalismo,
repudiando la composición basada en la relación de las partes dentro de un conjunto y defendiendo la
estética “no –relacional”: volúmenes inmediatamente percibidos como un todo, que llevan al
espectador a analizar su propio acto de percepción, tal y como se observa en sus Primary Structures.
Estas estructuras primarias surgen como reacción contra el culto a la expresión de la personalidad y
espontaneidad apoyado por el expresionismo abstracto y en oposición a la doctrina que defendía que
la obra de arte es un sistema unificado de las partes con el todo. Durante los años sesenta promueve
la idea de realizar las obras escultóricas "in situ", experimentando también con el arte de la
performance, de los earthworks y los environments.

IV. LAS TENDENCIAS NEOFIGURATIVAS

A principios de la década de 1980 se desató una reacción contra la impersonalidad del
minimalismo y otros estilos abstractos, que provocó un renacimiento de la pintura figurativa
denominado neoexpresionismo. Evocador y provocativo, el neoexpresionismo empleaba con
frecuencia formas distorsionadas y coloridos intensos, inspirados en los expresionistas alemanes de
70 años antes.
Con anterioridad a que el neoexpresionismo devolviera el interés por la pintura figurativa, cierto
número de artistas independientes habían destacado por sus representaciones figurativas. Dubuffet
(Ser y aprecer), que no renunció nunca a una cierta figuración y se aproxima voluntariamente al
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vocabulario infantil y primitivo para comunicarnos un mundo desarticulado y gesticulante; los
personajes atormentados y marginados de Francis Bacon (Retrato de George Dyer en un espejo);
los hábiles retratos urbanos y las escenas frívolas de David Hockney (A Bigger Splash) o el realismo
tradicionalista de Lucian Freud son muestras de la fuerza de esta corriente en el arte del último cuarto
del siglo XX.
1. EL POP-ART
Movimiento artístico iniciado en la década de 1950 en Estados Unidos y Gran Bretaña. Las
imágenes del Pop Art (abreviatura de popular art, 'arte popular') se inspiraron en la cultura de masas.
Algunos artistas reprodujeron latas de cerveza o sopa, tiras de cómic, señales de tráfico y otros
objetos similares en sus pinturas, collages y esculturas. Otros incorporaron estos objetos cotidianos a
sus pinturas o esculturas, a veces completamente modificados. Los materiales fruto de la tecnología
moderna, como el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica ocuparon un lugar destacado. El Pop
Art no sólo influyó en la obra de los artistas posteriores, sino que también ejerció un fuerte impacto en
el grafismo y el diseño de moda.
Los antecedentes históricos del Pop Art se sitúan en la obra provocativa de los artistas
dadaístas. El movimiento Pop Art comenzó como una reacción contra el expresionismo abstracto, que
dominó el arte durante las décadas de 1940 y 1950, al que los artistas pop consideraban demasiado
intelectual y apartado de la realidad social. Los artistas pop se aproximaron con ironía al ambiente de
la vida cotidiana. Emplearon imágenes que reflejaban el materialismo y vulgaridad de la moderna
cultura de masas para transmitir una percepción crítica de la realidad.
La primera obra destacada del Pop Art fue ¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan
distintos, tan simpáticos?) del artista británico Richard Hamilton. En esta satírica obra, que
representa dos absurdas figuras que se pavonean en un salón, se pueden apreciar los principales
rasgos del arte pop de descontextualización, incongruencia, provocación y buen humor.
El Pop Art se difundió rápidamente durante los años sesenta. En 1961 el estadounidense Claes
Oldenburg realizó la primera de sus estridentes esculturas de plástico en forma de hamburguesas y
otras clases de fast food ('comida rápida'). Roy Lichtenstein, ampliaba el campo del Pop Art con sus
enormes pinturas al óleo imitando las viñetas del cómic. Además de emplear las imágenes de la
cultura de masas, el Pop Art se apropió de las técnicas de la producción masiva. Rauschenberg ya
había abandonado la idea de obra única en favor de la producción de composiciones seriadas.
Andy Warhol, (c. 1928-1987), pintor y cineasta estadounidense, líder del movimiento Pop Art.
Empezó su carrera como artista comercial en Nueva York. En los años sesenta atrajo la atención con
exposiciones de imágenes sorprendentemente banales, tales como Lata de sopa Campbell (1965) y
Botellas de Coca-Cola verdes (1962), o de estrellas famosas como Marilyn Monroe (1962). La
importancia de estas imágenes reside en el hecho de que fueran objetos o celebridades cotidianas y
que, al ser impresos, podían ser repetidos mecánicamente hasta el infinito.
2. HIPERREALISMO
Es ésta la tendencia realista más absoluta de la Historia y se afianza en los años sesenta. En
América, donde tanto sentido había alcanzado el Pop-Art, se ha trabajado con la reproducción pintada
de los objetos de consumo y de sus imágenes publicitarias, y en este camino se encuentra la
reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del Hiperrealismo americano. Chuk
Close o Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes esos aspectos aburridos y sin alma característicos
de la civilización de masas, con el mismo objetivismo de una cámara fotográfica. En realidad
transfieren a la plástica las vivencias adquiridas por la cultura de la imagen.
El hiperrealismo propone un detallismo minucioso y presenta las figuras, a veces fragmentadas,
realizadas con soporte fotográfico. Los objetos y piezas forman conjuntos alejados a veces de la
realidad cromática y de la representación.
En Europa, por el contrario, el Hiperrealismo no suele tener connotaciones pop y está
impregnado de un lirismo casi surrealista.
2.1. ANTONIO LÓPEZ (1936-)
En España, el Hiperrealismo se identifica con Antonio López. Este artista manchego comienza
su obra a mediados de los cincuenta, es decir, cuando toda España buscaba desesperadamente los
cauces. Su obra, solitaria, fue siempre de un alto realismo teñido en principio de un cierto surrealismo
mágico, pero abandonado, en los años sesenta, por una mayor veracidad analítica. Su trabajo, hecho

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del natural, transmite las vibraciones lumínicas y cromáticas con la vehemencia del mejor
Impresionismo. Pero sobre todo está la poesía; esa poesía de las cosas aparentemente descuidadas,
que captadas por el ojo y el corazón del artista son, de pronto, mágicos sucesos que nos cautivan. La
magia de su obra no radica en las virtudes imitativas o en las destrezas manuales, sino en la
dimensión de trascendencia que emana de sus imágenes de apariencia intrascendente.
En él ejerció notable influencia la obra de Salvador Dalí de quien toma el gusto acusado por la
realidad y el predominio del dibujo sobre la pintura. La temporalidad y el deterioro de lo material son
notas que definen su estilo hiperrealista. Es un artista que busca, dentro de la realidad que le rodea,
los aspectos más cotidianos tratados con un enorme detallismo fotográfico como lo ejemplifica su
obra titulada Cuarto de baño. Su obra abarca desde las vistas madrileñas (Gran Vía, Madrid desde
Torres Blancas), retratos de sus propios familiares (Los novios), objetos de uso cotidiano (Taza de
water y ventana) o simplemente elementos de la naturaleza (Membrillos y granados). Los objetos y
los sucesos de la vida ordinaria son los que destacan como los protagonistas de sus cuadros.

V. EL PANORAMA ARTÍSTICO ACTUAL EN CASTILLA Y LEÓN.

La región castellano-leonesa se debate entre los polos vasco y madrileño con algún foco local
de limitado alcance. Del primero es deudor Felipe Montes (1951), estando Julián Méndez Sadia
(1943) en el tránsito de lo constructivo a lo orgánico. La obra más rupturista la marca el minimalismo
oriental de Marisa Fernández (1955). Las corrientes de la figuración son alumbradas por Luis Jaime
Martínez del Río (1946) en lo fantástico, Sara Jiménez (1958) en lo primitivo, Francisco Ortega (1942)
en las síntesis volumétricas. La herencia del realismo figurativo y el art-decó se mantiene en Joaquín
Collantes (1945).

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