EL SONIDO

Son vibraciones que se trasmiten a través del aire hasta llegar al oído y al combinarse con la
melodía y el ritmo producen la música.
CUALIDADES DEL SONIDO
1-Timbre:
Cualidad que nos permite distinguir un sonido de otro por ejemplo el sonido de una guitarra con
el de una trompeta.

2-Intensidad:
Es la fuerza con la que se produce un sonido o ruido por ejemplo el de una tambor y el de un
triangulo

3-Altura:
Nos permite distinguir sonidos graves y agudos por ejemplo
El sonido de una moto es grave y el agudo seria el grito de una mujer
4-Duración
Es el tiempo que trascurre desde que inicia un sonido hasta que deja de oírse, se puede decir
también que hay sonidos cortos y largos.

USO DEL DIAPASON Y

METRONOMO

Diapasón
Es un pequeño instrumento como orquilla de metal que al golpearlo produce la nota musical LA y
se utiliza para afinar el sonido de los instrumentos musicales y la voz humana.

Metrónomo:
Es un aparto que se utiliza para medir la duración exacta de los sonidos. Tiene forma piramidal con
mecanismo de reloj.
 FUENTE SONORA

Una fuente sonora es un elemento que emite un sonido. Ejemplos; Una radio, el motor de un

coche, las fuentes sonoras se clasifican en Naturales y Artificiales, se consideran naturales aquellas
que no necesitan de la ayuda del hombre para producir el sonido por ejemplo cuando un
escuchamos en mugido de una vaca, león nuestra propia voz.
Y son artificiales aquellos que necesitan de la ayuda del hombre como por ejemplo un licuadora, la
bocina de un carro.

Percepción Sonora:
Es todo sonido que escuchamos en cualquier lugar que estemos por ejemplo cuando es
semana santa se escucha el sonido de las bandas marciales, de un ronrón de un carro o
sea que es todo lo que escuchamos a nuestro alrededor.

INSTRUMENTOS
CONVENCIONALES Y NO
CONVENCIONALES

Convencionales son aquellos que fueron diseñados para hacer música. Son todos los
instrumentos musicales.

No convencionales son aquellos que producen sonido pero no fueron elaborados para
hacer música por ejemplo una botella plástica

PAISAJE SONORO
Consiste en eventos escuchados y no en objetos vistos, literalmente significa escuchar o
audicionar diferentes eventos de la vida cotidiana. Ejemplo escuchar un audio de la
naturaleza, de la feria.

SONIDOS
NATURALES Y
ARTIFICIALES
Naturales
Son aquellos producidos por los elementos de la naturaleza como los animales, la lluvia,
el mar, el hombre.

Artificiales
Son aquellos producidos por objetos creados por el hombre como vehículos de
transporte, maquinas, teléfonos, radio, instrumentos musicales.

La Acústica

Estudia la producción, transmisión, almacenamiento, percepción o reproducción del sonido Y

La acústica musical es el estudio de la producción de sonido en los instrumentos musicales.

Fenómenos acústicos 
Son consecuencia de algunos efectos auditivos provocados por el sonido.
Si encontrásemos una pared o superficie rígida completamente comprobaríamos que las ondas
sonoras al llegar a ésta, chocarían y cambiarían su sentido sin modificar sus demás características.
La principal característica de este fenómeno es que el ángulo de reflexión de la onda reflejada es
igual al ángulo de choque.

EL ECO
Fenómeno acústico en que se produce la repetición de un sonido al chocar las ondas sonoras
contra un obstáculo y reflejarse hasta llegar al lugar donde se ha emitido, "el niño se puso a hacer
el eco dentro de la catedral; no recibió otra respuesta que el eco de su propia voz;
Para que se produzca eco, la superficie reflectante debe estar separada del foco sonoro una
determinada distancia: 17 m para sonidos musicales y 11.34 m para sonidos secos (la voz)

EL REVERB
Se produce reverberación (o reverb) cuando las ondas reflejadas llegan al oyente antes de la
extinción de la onda directa, es decir, en un tiempo menor que el de persistencia acústica del
sonido. Este fenómeno es de suma importancia, ya que se produce en cualquier recinto en el que
se propaga una onda sonora. Controlando adecuadamente este efecto, se contribuye a mejorar las
condiciones acústicas de los locales tales como teatros, salas de concierto y, en general, todo tipo
de salas. La característica que define la reverberación de un local se denomina tiempo de
reverberación. En esta ilustración comprobamos el comportamiento de las ondas en un recinto
cerrado. Observamos como al sonido directo de la fuente se suman las reflexiones de la sala en
forma de reverb y/o eco (dependiendo de las características de la misma).
EL FLUTTER
Un fenómeno asociado con las frecuencias medias-altas y espacios con superficies paralelas
planas. Suele darse en habitaciones vacías o con poco mobiliario y se puede apreciar dando una
fuerte palmada en su interior.
LA DIFUSIÓN.
Consiste en dispersar las ondas sonoras para que se reflejen en distintas direcciones, evitando de
este modo concentraciones de energía en puntos específicos. Los paneles difusores se encargan
de "romper" las ondas sonoras reflejadas por toda la sala.

Cuando una habitación tiene un sonido muy seco, suele colocarse algún tipo de difusor acústico
consiguiendo de este modo un sonido mucho más natural. Los difusores se suelen colocar detrás
de la posición de escucha ideal y se pueden combinar con paneles absorbentes para redirigir y
absorber las frecuencias medias-altas.

Propagación del sonido.

El sonido se propaga de un lugar a otro, pero siempre lo hace a través de un medio material, como
el aire, el agua. En el vacío, el sonido no puede propagarse, porque no hay medio material. En el
aire el sonido viaja a una velocidad de 343 metros por segundo.

TECNOLOGIA DE AUDIO
El término “audio”, en cambio, se refiere a la señal eléctrica que procede de la captación
de un sonido y que está íntimamente relacionada con éste. Esta “señal de audio” se
propaga, y es procesada por los diferentes dispositivos electrónicos de una cadena de
producción sonora.

Los altavoces son dispositivos que reciben la señal eléctrica en los bornes de una bobina inmersa
en un campo magnético. Las corrientes generadas en la bobina por la señal aplicada en presencia
del campo magnético producen fuerzas en la bobina que la hacen desplazarse. A su vez, la bobina
hace vibrar una membrana, a la que está unida mecánicamente siendo esta membrana la que
produce el sonido.
En el caso de los micrófonos y de los altavoces, tan importantes son las características de los
circuitos eléctricos asociados, como los materiales de que están hechas las membranas, los
muelles que las fijan a su posición de reposo, etc. Una vez que somos capaces de convertir el
sonido en una señal eléctrica y viceversa, tenemos la puerta abierta a su almacenamiento, su
tratamiento, o su
Digitalización y procesamiento informático.

Ecología Acústica

Se encarga del estudio de los paisajes sonoros y la relación con los seres humanos; es decir, como
interpretamos los paisajes sonoros, como influimos en ellos con nuestra interacción con el
ambiente y las consecuencias de los sonidos fuertes en el ser humano.
El sonido se mide por medio de decibeles (dB), es la medida de la intensidad sonora. El exceso de
volumen (mayor a 60 dB) repercute en nuestra salud y en casos extremos puede llevarnos a la
pérdida auditiva parcial y permanente.
EFECTOS NOCIVOS SOBRE EL CUERPO HUMANO EXPUESTO A MAS DE 80 DB
Alteración del sueño irritabilidad
Disminuye agudeza visual, afecta la visión del color
Aumenta la secreción de ciertas hormonas
Aumenta la frecuencia respiratoria
Hipertensión Taquicárdica
Aumenta la secreción gástrica y la motilidad intestinal

El Oído

Es el encargado de captar y percibir todos los sonidos que nos rodean. Es un órgano delicado y
sensible que debemos cuidar.
El oído es un órgano muy desarrollado y complejo que nos permite percibir los sonidos y además,
nos dota del sentido del equilibrio. Cada una de sus partes requiere un cuidado especial que
puede realizarse con estos sencillos pasos y una protección. Solo tenemos dos oídos, por ello
debemos cuidarlos con la mayor atención posible, ya que la esperanza de vida es cada vez mayor.

CUIDADOS DEL OIDO

 Protégete de sonidos fuertes como golpes, el tráfico o neumáticos que chirrían. Intenta
también alejarte de otros sonidos estridentes de tu entorno como obras en la calle o
altavoces en un concierto.
 Usa auriculares o cascos a un volumen adecuado. Siempre por debajo del 60% de su
volumen y procura no abusar de esta práctica durante mucho tiempo porque no es muy
recomendable para tus oídos. La OMS aconseja limitar la escucha a una hora para no
dañar demasiado la salud auditiva.
 Baja el volumen de la televisión, de la radio y de equipos de sonido o reproductores de
música. Tus oídos lo agradecerán.
 Utiliza tapones o cascos aislantes del sonido si trabajas con ruidos fuertes. Estos productos
de protección auditiva ayudarán a que nuestra audición no se vea dañada por sonidos
demasiado intensos.
 Mantén tus oídos limpios lavándolos y secándolos durante tu aseo personal, pero
recuerda que algo de cera es necesaria para mantener el equilibrio del oído y protegerlo
de posibles infecciones.
 Sécate bien los oídos después de ducharte o bañarte en casa o en la piscina. Es una
práctica imprescindible para evitar la humedad en el conducto auditivo y de posibles
infecciones por hongos.
 Evita introducir objetos extraños en tu canal auditivo, también los bastoncillos ya que no
son nada recomendables para la limpieza de nuestros oídos. Su uso puede causar daños
irreversibles relacionados con la pérdida auditiva.
 Cuida especialmente tus oídos en catarros, infecciones o alergias. Tu médico o especialista
puede aconsejarte el tratamiento más adecuado a cada caso.
  No apliques gotas o remedios caseros en tu oído sin la previa consulta a un especialista. Si
notas un oído taponado o pérdida de tu capacidad auditiva acude directamente al médico
para que trate el problema.
 Limita tu tiempo en ambientes y espacios ruidosos. Intenta alternar tus actividades más
ruidosas con períodos de calma. Con este pequeño ejercicio, tu audición verá una mejoría.

Salud auditiva
En nuestros días, la música está presente en la mayor parte de las actividades que realizan los
adolescentes. A esa edad, la música adquiere un rol protagónico en el desarrollo individual y
social y es un elemento central de su identidad. Esta afición a la música se caracteriza por la
tendencia cada vez más acentuada a escucharla a altos niveles sonoros, a volumen alto, ya sea a
través de reproductores personales de música aplicados al oído o exponiéndose en discotecas, en
espectáculos en vivo o en las distintas actividades diarias que realizan.
Este hábito tan común en los adolescentes y jóvenes es considerado como comportamiento de
riesgo para la salud auditiva, por constituir una de las causas principales del deterioro auditivo
prematuro en esas edades.
Esos niveles sonoros se incrementan, por lo general, en forma paralela con los avances
tecnológicos. A medida que estos permiten la aparición de equipos y dispositivos cada vez más
potentes. Esto da lugar a una relación inversa entre avance tecnológico y conservación de la
audición.
Tal es el caso de las discotecas, donde los niveles sonoros medidos exceden siempre los 100
DB(decibeles) lo que constituye un verdadero peligro para la audición.
Los comportamientos de riesgo para la salud auditiva son motivo de verdadera preocupación por
parte de los distintos organismos de salud a nivel mundial y todos ellos señalan la necesidad y
urgencia de llevar a cabo acciones destinadas a conservar y promover la audición en edades
tempranas.
Entre esos organismos, cabe destacar lo expresado por la Organización Mundial de la Salud (OMS),
que considera la pérdida auditiva producida por la excesiva exposición a altos niveles sonoros
como una de las “enfermedades irreversibles más frecuentes” en la actualidad, en especial entre
la gente joven, por lo que señala la necesidad de su diagnóstico temprano y su prevención.
El Comité Científico sobre Riesgos de Salud Emergentes y Recientemente Identificados (Scenihr,
por sus siglas en inglés), de la Comisión Europea, se refiere a la exposición a ruido excesivo como
la causa principal de desórdenes auditivos en el mundo. Esto antes era atribuido a ruido
ocupacional, pero en la actualidad implica considerar además los altos niveles sonoros que
caracterizan a las actividades recreativas de los jóvenes. Este comité estima que en dos décadas
los miembros de la comunidad de jóvenes con exposición social a ruido se habrán triplicado en
relación con la década de 1980, mientras que el ruido en los lugares de trabajo habrá disminuido.
Los estudiosos del tema sostienen que el término “pérdida auditiva inducida por ruido” debería
ser reemplazado en el caso de los jóvenes por “pérdida auditiva inducida por música”.
Investigación y proyección social. Estudios recientes muestran que la exposición continuada tanto
a ruido ocupacional como a ruido recreativo (música) puede ocasionar a lo largo del tiempo
desplazamientos permanentes del umbral auditivo (daño auditivo irreversible).
Esto se debe a la acumulación gradual de daño que se va produciendo en las células externas del
oído interno en las sucesivas exposiciones.
Por lo tanto, los efectos de la exposición al ruido son acumulativos y el daño que ocasiona no
necesariamente se manifiesta en la etapa comprendida entre los 12 y 19 años, sino que puede
evidenciarse con claridad a mediados de la década de los 20 años.
Esto coincide en la mayoría de los casos con el ingreso al mundo laboral, con las consecuencias
que puede traer aparejado.

Ambientación Sonora

El ambiente es lo que da cuerpo al sonido. Lo contextualiza, permitiendo al oyente situarse. La

ambientación es la recreación de un paisaje. Sin embargo, aunque siempre hace referencia a un
entorno real, la ambientación puede ser la recreación de un paisaje que no existe, fruto de la
fantasía de quien la diseña o la introducción de un ser vivo a un lugar y a unas condiciones de vida
distintos de los que había tenido anteriormente. Por ejemplo
AMBIENTACION SONORA EN EL CINE
En el cine, es importante tener en cuenta la ambientación sonora como elemento relevante en la
narración del filme. Para construirla es necesario pensar en la banda sonora, que está compuesta
por voces, ruidos, música y silencio. Cuando se debe construir la banda sonora para un
audiovisual, lo primero que se piensa es en la división entre música, ruidos y voces. Pero no se
tiene en cuenta que estos nos pueden servir para lo que se conoce como “atmósfera sonora”, que
se puede utilizar para crear una sensación en el espectador y sumergirlo en el relato.
La utilización de la música para la construcción de la atmósfera se denomina como ambientación
musical, que es <<el acto de elegir estéticamente la música apropiada a cada escena. Se puede
empezar a hablar de ciertas funciones de la música, tales como la función sustitutiva,
comunicativa, de enlace, de complementariedad, antitética, tensional, de fondo, de anticipación.

Este fenómeno del valor añadido funciona gracias al marco de sincronismo sonido/imagen, es
decir, que permite establecer una relación entre algo que se ve y algo que se oye. Entonces, el
valor añadido es recíproco, pero en las escenas de horror antes de mostrar una determinada
acción en lo visual, ésta es sugerida por la música o el sonido. Se pueden distinguir dos tipos de
sentidos expresivos de la música, un sentido anímico y un sentido imitativo, estando por encima
de diferentes épocas, estilos y formas.

 El sentido anímico es aquel que afecta emocionalmente. Son sentimientos humanos que la
música puede expresar por medio de la melodía, ritmo, armonía, timbre y forma. La música
influye a todos de muy distintas maneras, y cada cual extraerá de la música aquella especie de
sentimiento que le sea natural; pero esta diversidad que se da al escuchar la música en una
audición desprovista de elementos complementarios se unifica y llega a tener un sentido
universal cuando circunstancias específicas influyen anímicamente.
 El sentido imitativo, por su parte, es el que puede hacer superiores en efectividad artística las
situaciones naturales carentes de relieve. Sugiere imágenes mentales. Toda música tiene algo
imitativo, muchos elementos pueden ser “representados” por sonidos y combinaciones
musicales, pero no necesariamente de una manera real sino con la expresión artística propia
de la música descriptiva.
A la hora de armar una ambientación musical, resulta muy frecuente la utilización de lo que se
denomina leit-motiv, o <<motivo conductor de ascendencia wagneriana: células musicales
asociadas a personajes (y también a lugares, épocas, etc.), cuya función es expresar la naturaleza y
sentimientos de estos, o bien subrayar las situaciones representadas en la pantalla. El leit-motiv
puede presentar la forma de un fragmento musical breve o de un ruido repetitivo,

Registro de Audio

Es la evolución de los procesos de grabación, almacenación y reproducción del sonido como la

voz, el canto, la música instrumental.
Walkman Es un productor de audio portátil que reproduce casete de cinta magnética regrabable.
Disco compacto: graba haciendo cavidades cortas y largas en una capa brillante del interior del
disco
Reproductor de CD producto electrónico que permite reproducir archivos de música, video etc en
formato cd
DISMAN: Llego al mercado en 1984, accesible y practico reproduce el formato de cd
MP3 Formato digital de información comprimida que sirve para guardar audio
IPod: reproduce distintos formatos de audio, video, imagen, texto
Teléfono celular Contiene una memoria que puede almacenar y reproducir formatos de audio,
videos, imágenes, texto y puede contar con internet

MEDIOS DE DIFUCION SONORA

Trasmiten música y todo tipo de información como noticias, propagandas de determinado
producto entre ellos están
Radio: Tecnología que permite la trasmisión de señales mediante la modulación de ondas
electromagnéticas a través del aire y el espacio.

Notación
Analógica
Es un sistema de escritura para representar gráficamente una pieza musical
NOTAS MUSICALES
Son los signos que representan el sonido. Existen siete notas musicales, cada una de ellas tiene
distinto nombre y distinta posición dentro del pentagrama.

PENTAGRAMA
Es un conjunto de cinco líneas y cuatro espacios horizontales que se cuentan de abajo para arriba
y es donde se escribe la música.

Notas musicales en la flauta

Ritmo y Movimiento
Ritmo
Es uno de los 3 elementos que integran la música y se puede definir como la combinación
armoniosa de sonidos, voces o palabras, que incluyen las pausas, silencios y los cortes necesarios,
para que resulte grato a los sentidos.
Elementos del ritmo
Pulso: es cada uno de los tiempos o pulsaciones de los compases de 2, 3, 4,6 tiempos. El pulso
musical tiene como representación la figura negra que es el valor de un tiempo.
Acento: es la mayor fuerza con que se ejecuta uno de los pulsos. En la mayoría de las canciones el
acento del compás coincide con el acento de las palabras.
Compás: Es la medida de tiempo que corresponde a cada una de las partes de la expresión sonora
es decir que se dividen en partes iguales

MOVIMIENTO
Es el grado de velocidad de una pieza musical también conocido como tempo y este se
indica por medio de palabras italianas
Largo = muy despacio
Adagio= despacio
Allegro= deprisa
Percusión
Corporal

Es una disciplina que crea sonidos y ritmos usando únicamente partes del cuerpo.
Proporciona una experiencia directa en ritmo, tiempo, las partes del cuerpo que podemos
utilizar son manos, pies.

Música Tradicional
Popular y Latinoamérica

Este término se utiliza para referirse a los ritmos musicales típicos o tradicionales de
Latinoamérica
Argentina malambo
Bolivia taquirari
Brasil batuque
Colombia porro
Costa rica punto Guanacasteco
Cuba rumba
Ecuador Pasacalle
Salvador Barreño
Honduras Xique
México Huapango
Paraguay Polca

Juego Rítmico y Melódicos

Rítmico
Son aquellos en los que interviene el factor musical en los que los movimientos están
determinados por el tiempo, utilizando chasquidos, palmadas, zapateo.

Melódico
Son aquellos en los que interviene las notas musicales y nuestra capacidad auditiva

La Voz

Es el sonido que produce el aire procedente del interior de la caja torácica al hacer vibrar las
cuerdas vocales. Para la emisión de sonidos y palabras por medio de la voz, se requiere de la
interacción de varios órganos que le imprimen ritmo, altura, silencio, acento, fuerza, por eso es
considerada un instrumento musical por la calidad de sonidos corales que produce.
Las voces femeninas y masculinas tienen registros agudos medios y grabes

REGISTRO FEMENINO REGISTRO MASCULINO

Agudo = Soprano Agudo = Tenor
Medio = Mezzosoprano Medio = Barítono
Grave = Contralto Grave = Bajo

Repertorio

Es un conjunto de obras cantadas a una o varias voces.

Existen diferentes repertorios musicales: de concierto, étnico, folklórico y popular. –
El repertorio de concierto se distingue por ser ejecutado la mayoría de las veces por instrumentos
orquestales
Repertorio Étnico es el que corresponde a un pueblo indígena el cual no ha sido influenciado por
otras culturas. Se distinguen por el empleo de su instrumentación que varía depende del pueblo.
Repertorio Folclórico  es el representativo de ciertas culturas, comunidades o países.
Repertorio Popular  se caracteriza por su masiva difusión a través de la radio, televisión o
tendencias que en un momento fueron bajo perfil que con el tiempo se convierten en moda. En
este repertorio nos encontramos con los siguientes géneros musicales: Rock, Jazz, pop, hip- hop.
Repertorio de canciones, es una lista de canciones, interpretadas por diferentes o varios cantantes
solistas e grupos musicales.
Las canciones pueden ser:
Folclóricas: Son las canciones que exaltan la belleza de un lugar o región.
Protestas: Canciones de compromiso social.
Himnos: Exaltan la fe de una creencia a alguna deidad, a la patria o a una institución.
Popular: Proponen en su letra cantar al amor, juventud.
Las composiciones musicales vocales pueden escribirse para una o varias voces.
Las composiciones escritas para una sola voz pueden ser: la melodía, romanza y canción.
Las composiciones musicales también pueden ser para dos, tres y cuatro voces como los dúos,
tríos y cuarteros.
Hay composiciones musicales escritas para ser ejecutadas por gran número de voces. Este tipo de
música se llama música coral o coro que pueden ser solo masculinos o coros femeninos y coros
mixtos, coros constituidos por voces blancas (voces de mujer o niño).
El repertorio vocal que se puede practicar es religioso, popular, tradicional, infantil, dicho
repertorio lo podemos interpretar de una forma que pueda ser con o sin notación musical.

Practica Vocal e Instrumental

Son melodías que se practican con la voz y un instrumento musical.

Planificación de un
Concierto Escolar

Presentar un concierto requiere de una organización previa también conocida como producción y
del acondicionamiento de un espacio en el que se pondrá en escena a un artista o a un grupo
musical que interpretará un cierto número de temas musicales para ser disfrutados por un grupo
de espectadores

1. El Repertorio
Incluye piezas que hemos practicado, las cuales deben estar interiorizadas, perfectamente
memorizadas y, obviamente, procurar que sean del agrado de los intérpretes. Luego de
seleccionarlas debes escoger el orden en que las piezas serán presentadas, teniendo en cuenta
que es bueno ir aumentando paulatinamente las emociones y el goce del público. Por ejemplo,
iniciaremos el concierto con obras suaves y terminaremos con los temas musicales más
impactantes. Nuestros primeros conciertos serán compuestos de obras cortas y sencillas, pero con
el pasar del tiempo y el desarrollo de las destrezas de los estudiantes, interpretaremos obras más
largas y con mayor nivel de dificultad.
2. Lugar del Concierto
Tiene que ser un espacio relativamente amplio, si es posible que sea cerrado o por lo menos
techado, donde el público se pueda sentar cómodamente y puedan presentarse los intérpretes. Es
conveniente procurar presentaciones acústicas, es decir, sin utilizar equipos de amplificación como
micrófonos y altoparlantes, pues generalmente se requiere de un especialista para instalarlos y
controlar adecuadamente el volumen. En un principio, es probable que los conciertos tengan una
veintena de intérpretes y cincuenta personas en el público. Así que con una sala de diez por quince
metros es suficiente, no se requiere de una catedral para alojar a setenta personas. Es
indispensable hacer un ensayo previo en el lugar de la presentación (se le llama “ensayo general”),
así los intérpretes se adaptarán a la acústica, temperatura y tamaño del lugar. Durante el ensayo
general, los intérpretes practicarán las entradas y salidas del escenario, los saludos, los protocolos
diversos y aprenderán a concentrarse en los gestos del director sin dejarse distraer por la
presencia del público.
3. EL CALENTAMIENTO
Se debe realizar como mínimo una hora antes de la presentación. Es importante activar la voz, el
cuerpo y la mente, realizando diversos ejercicios durante unos veinte minutos. Este calentamiento
incluye algunos ejercicios de relajación considerando la ansiedad que ciertos intérpretes pueden
sentir. También se pueden realizar actividades de motivación grupal: ¡por fin los estudiantes van a
interpretar en público toda la música aprendida, poniendo a prueba todos los aprendizajes y
destrezas adquiridas!
4. PUESTA EN ESCENA
Los estudiantes deben sentirse identificados como grupo. Para lograrlo puede diseñar y construir
conjuntamente un vestuario o accesorios que los identifiquen, como máscaras, sombreros o
bufandas. Otra opción es determinar el color de una prenda de vestir, por ejemplo “todos con
camiseta roja”. Es ideal diseñar una escenografía. Habrá que realizar coreografías, sincronizar
entradas y salidas del escenario, planear movimientos diversos… ¡mejor dicho! bienvenidas las
ideas siempre y cuando sean coordinadas y coherentes y sean llevadas a cabo bajo la supervisión
del docente, quien al final será el director de orquesta de sus “Viajeros del Pentagrama”.

Música

Es el arte de combinar los sonidos en forma agradable al oído y es lo que escuchamos en cualquier
lugar.
Música Consiente: es cuando conocemos nuestros gustos musicales un ejemplo son los generos
que a ti te gustan que puede ser desde una bacha, salsa, musica banada, baladas romaticas.
Música Inconsciente: es una repetición de lo que escuchamos ya bien sea en el bus, en una tienda
en cualquier comercio y ahí solo escuchas sin prestar atención a que género pertenece

Mapa Musical
Personal
Es una recopilación de información de la música que escuchamos desde pequeños hasta la edad
que tenemos y va depender mucho del contexto en el que crecimos, así será la historia de la vida
musical que tengamos.

Funciones de la
Música

Música para Moverse

Escrita específicamente para bailar y moverse ya que el ritmo de la música captura los
movimientos de nuestro cuerpo, por ello cuando escuchamos una canción mientras caminamos,
tendemos a sincronizar nuestros pasos con el ritmo de la música, asegurando que los gestos y el
ritmo musical se encuentran constantemente sincronizados
Música para expresarse con el cuerpo
Escrita específicamente para demostrar las habilidades y disciplina del cuerpo, un ejemplo es el
ballet, flamenco, punta, samba.
Música para Terapia
Es la utilización de la música para satisfacer las necesidades físicas, emocionales y socioemocional
en este caso previene el aislamiento. Desde tiempos inmemoriales la música ha sido utilizada
como herramienta terapéutica, pues con ella recuperamos la calma perdida, pero también
avivamos nuestro ánimo. Su compañía mejorará nuestra vida, pero no es una herramienta
neutra: puede beneficiarnos o perjudicarnos. Todo depende de cómo la utilices.
Beneficios de la música como terapia
 Mejora la coordinación motriz. Es decir que ayuda a la coordinación de movimientos
claramente se puede observar en las prácticas de danza cuando iniciamos una coreografía
conforme vamos practicando tenemos mejor coordinación de movimientos y es más fácil
cuando es música de ritmo movido como la canción Macarena
 Ayuda a controlar la ansiedad y no es precisamente la música clásica , más bien es lo que a
ti te gusta escuchar para transformar tu animo
 Mejora el estado de ánimo, favorece el desarrollo emocional y afectivo. Cuando
escuchamos música en la clase que nos gusta todos cambian su estado de ánimo y
demuestran sus emociones

Actividades para la musicoterapias:

Tocar un instrumento que puede ser pandereta, guitarra, flauta, componer cuando nos inspiramos
y hacemos una composición musical propia, cantar y bailar aunque no sepamos lo intentamos y
nos divertimos.

Beneficios del canto:

Libera el estrés, revitaliza nuestras energías, nos hace sentir bien.
Beneficios de ejecutar un instrumento
1 Promueve el bienestar emocional. Y esto lo experimentas, cuando ejecutas una melodía
en flauta y sonríes de felicidad porque la aprendiste completa
2 Mejora las habilidades cognitivas, es decir que favorece la capacidad de concentración,
atención y facilita la resolución de problemas matemáticos
3 Enseña la paciencia. Porque sabes que tienes que practicar una y otra vez hasta
conseguir tu objetivo
4 Desarrolla habilidades motoras gruesas por movientos cuando bailamos y finas por las
posturas en los
Diferentes instrumentos

Música Relajante
Es la música que ayuda a equilibrar la vida por medio de la música instrumental o sonidos de la
naturaleza.
Beneficios:
Reduce el estrés
Los sonidos de la naturaleza favorecen la concentración
Reduce la sensación de dolor
Mejora nuestro descanso nocturno
Mejora la función cerebral
Favorece la función del corazón
Produce más serotonina y endorfinas
Te ayuda a meditar
Te ayuda a estudiar

Música que mueve

Multitudes

Este tipo de música inicia cuando músicos callejeros ofrecían conciertos para
darse a conocer y así se fue extendiendo a varios países Así que cuando vas a
conciertos de artistas sabes que vas a vivir un viaje por la banda sonora de tu
vida". la música popular ganará audiencia como consecuencia del apogeo del mercado
musical, así alcanzan multitud de seguidores.

Música Experimental
En la música experimental se parte de ideas y formas que todavía están en fase de desarrollo en el
ámbito musical y experimentar activamente a fin de encontrar nuevos estímulos (como preparar
instrumentos, agregando otros objetos en ciertas partes de un instrumento para producir distintos
timbres o efectos

Entorno Musical
Es toda la música que nos rodea día con día y depende mucho de las circunstancias, condiciones
laborales, familiares y educativas que tiene una persona.

Música Comercial

Cuando nos referimos a música comercial podemos hacer alusión, de modo general, a

aquellas canciones que son fácilmente “vendibles” o que, directamente, se crean con el
objetivo de conseguir un éxito de ventas.

Música de Nuestra Cultura

La música de Guatemala reúne en sí una amplia gama de estilos de distintas proveniencias. A

través de las diferentes etapas históricas se manifiesta una riqueza musical y cultural de
características muy propias y de validez universal. El son es la música que identifica nuestra
cultura, es aprendido en forma oral, a través del ejemplo y la imitación, de generación en generación. Forma
parte de la tradición de los pueblos.
Existen varios tipos de son.
Son barreños, que une a la cultura española y a la indígena.
Son típico, que es el más representativo de la región y se aprecia en la marimba.
Son chapín, lo encontramos sobre todo en áreas urbanas, interpretado por marimba y bandas.
Son de pascua, desarrollado a finales del siglo XIX, y se interpreta en época navideña.
Son ceremoniales, se interpreta en los atrios de la iglesia, y no es para ser bailado.
Son autóctono, es el son más antiguo y se le pueden agregar instrumentos de cuerda.

Parte de nuestra música también es con los sonidos poli rítmicos de la chirimía el tun, la flauta de
caña y la marimba diatónica a lo largo de siglos para elevar sus notas en melodías que son
transmitidas de generación en generación y que se escuchan celebraciones solemnes y jubilosas
de las comunidades de Guatemala.
 La Marimba

Surge en Mesoamérica entre 1942-1680, como resultado de la fusión de elementos culturales de

África, Europa y América.
Fue adoptada por los guatemaltecos como “Instrumento Nacional de Guatemala, según Decreto
legislativo No. 66-78 y posteriormente por Decreto No. 31-99 se le otorga la categoría de símbolo
patrio.
La marimba es un instrumento musical idiófono, compuesto básicamente de una serie de tablillas
de madera dura, suspendidas en sus nodos de vibración con sendos resonadores, dispuestos sobre
una estructura también de madera, con cuatro patas, al golpear cada tablilla con unas baquetas, el
sonido se transmite a su correspondiente resonador de jícara, de bambú, de madera o de metal,
proporcionándole así la debida amplificación. Dicho instrumento tiene posibilidades melódicas,
rítmicas y armónicas.
La marimba se toca utilizando el huitzil que son las baquetas.

Partes de la marimba
La marimba se divide en tres partes principales: el teclado, el cajoneado y el mueble o bastidor.
 

1. El teclado: consiste en una serie de tablillas o teclas de madera de hormigo, colocadas de

forma suspendida en un par de cordeles o pitas de maguey, atadas a un bastidor. La serie
de teclas forman escalas musicales y están divididas por clavijas de madera de encino por
los cuales se pasa el cordel. Las teclas, dependiendo su sonido, miden desde 50
centímetros de largo por 8 de ancho (para los sonidos más bajos) hasta 10 centímetros de
largo por 2 de ancho (para los sonidos más altos). Todas las teclas normalmente tienen 2
centímetros de espesor y unos agujeros de cinco milímetros de diámetro, a lo ancho de la
tecla y en cada extremo, por los cuales se introducen los cordeles suspensores. Otras
maderas de las cuales se pueden construir las teclas son granadillo, laurel y ébano.
2. El cajoneado: se trata de una serie de cajas rectangulares de madera colocadas debajo de
las teclas con el objeto de producir una resonancia cuando son percutidas. Cada tecla
posee su propia caja de resonancia y están ordenadas de acuerdo a los sonidos bajos,
medios o altos que produzca la marimba. Las maderas utilizadas para su elaboración
pueden ser cedro, palo blanco, ciprés o pino. El extremo superior tiene una abertura de
forma cuadrada, mientras que el extremo inferior está cerrado en forma de cono y en él se
coloca un anillo de cera de abeja y sobre este una tela muy fina que vibra cuando una tecla
 es percutida y la caja resuena. De ahí el  sonido característico de la marimba guatemalteca
actual.
3. El mueble o bastidor: construido de madera de pino, ciprés, palo blanco, caoba o cedro, es
una estructura cuya forma se asemeja a la de una mesa. Sobre dicha estructura se coloca
suspendida y en forma vertical el armazón con las cajas de resonancia y sobre esta, y en
posición horizontal, se coloca el teclado siguiendo el orden de sonidos bajos hacia los
altos. La parte exterior frontal del mueble es adornada con motivos mayas o escenas de
las comunidades con las cuales se identifican los marimbistas. También es común ver en
ella el nombre del conjunto musical o el de la institución u organización a la cual pertenece
la marimba, al artesano que fabrica marimbas se le conoce como “marimbero”.

Tipos de marimba
Los tipos de marimba que existen en Guatemala son tres: la marimba de tecomates, la  marimba
sencilla y la marimba doble.

1. Marimba de tecomates: es una marimba para ser interpretada por un solo ejecutante, el
cual puede utilizar desde dos hasta cinco huitzil o baquetas. Su principal característica es
que, en lugar de cajones construidos de madera, se han suspendido de la marimba una
serie de tecomates, esta marimba se compone de un teclado de tres escalas naturales.

2. Marimba sencilla: generalmente se interpreta de forma colectiva. Cuando son tres

intérpretes se le denomina “melodía” o “tiple, centro y bajo”. Cuando son cuatro
intérpretes se le agrega la “contramelodía” o “contratriple”. Salazar indica que la marimba
sencilla está compuesta por un teclado de cuatro o cinco escalas naturales.

3. Marimba doble: compuesta por dos marimbas. Una pequeña llamada “tenor” y una
grande que es, en sí, una marimba sencilla. También se le conoce como marimba
“cuache”. Se ejecuta colectivamente con siete marimbistas. Salazar dice que el teclado
conocido como “tenor” posee escalas con sostenidos y bemoles. La combinación de los
dos teclados forman las conocidas escalas cromáticas.
En marimba se puede ejecutar melodías sin letra y con letra. Existen gran variedad de
composiciones y compositores que forman parte del repertorio guatemalteco.

Melodía Compositor
1.Luna de Xelajú Francisco Pérez Muñoz (Paco Pérez)
2.Soy de Zacapa José Ernesto Monzón
3.Cobán Domingo Betancourt
4.Ferrocarril de los Altos Domingo Betancourt
5.Noches de Escuintla María del Tránsito Barrios
6. Lágrimas de Telma Gumercindo Palacios
7. Chuchitos Calientes Alberto Velásquez
8. Noche de Luna Entre Ruinas Mariana Valverde
9. Rey Kiche Daniel Hurtado
10 Chichicastenango Francisco Pérez Muñoz

Practica Instrumental

(Melodías Guatemaltecas)

Música Ceremonial y Ritual

La música ceremonial esta entrañablemente ligada al ritual, a los mitos, a la leyenda ancestral,

como fuente de existencia y comunicación con los dioses de la naturaleza. ... El sonido musical es
el poder creador de los mitos y de los ritos que indagan acerca del origen de la creación, de los
misterios de la naturaleza.

Instrumentos Musicales de la
Cultura Afrodescendiente y
Garífunas
Cultura afrodescendiente
Esta cultura se caracteriza por los toques de tambor y de marimba sonajeros y
cantos que eran utilizados por la gente africana para invocar a sus ancestros,
celebrar los nacimientos y despedir a los muertos.

Garífuna
La música garífuna es un tipo de música que se encuentra en América Central, principalmente en
la costa caribeña de Belice, Guatemala, Honduras y Nicaragua. La música y la danza garífuna están
estrechamente relacionadas. Los principales instrumentos tradicionales son.
Caparazón de caracol, maracas de jícaras, tambores garífunas

AGRUPACIONES DE MUSICA MAYA EN GUATEMALA

 SOTZIL
 EL ALBA
 Raxlaxik rajawal

Canciones, compositores e intérpretes populares de la música ladina.

A lo largo de los siglos se han dado una amplia gama de estilos en la música guatemalteca,
abarcando desde las expresiones sonoras prehispánicas, la música litúrgica renacentista, el
Barroco y el período clásico hasta la música de la marimba y los estilos folklóricos y populares que
este instrumento nacional representa. A partir de la tercera década del siglo XX se cultiva la
canción ligera para canto con acompañamiento de piano, marimba u otros conjuntos
acompañantes. En 1933, Martha Bolaños de Prado compone las melodías: “Alma mixqueña”,
“Negros frijolitos”, “El zopilote”, “Chancaca” y “Pepita”; la letra de las mismas fue escrita por
Gustavo Schuartz. En 1943 se inicia la época de oro de la radiodifusión nacional con la TGW.2 En
ese período las emisoras produjeron piezas dramatizadas, surgieron programas de calidad que
podían competir con los extranjeros y la radiodifusión nacional alcanzó su máximo desarrollo. En la
TGW surgieron compositores y cantantes guatemaltecos, algunos interpretaban boleros de tipo
romántico, entre ellos: Paco Pérez (compositor de Luna de Xelajú), Gustavo Adolfo Palma (tenor
lírico, compositor de la canción “Contigo”),3 Juan de Dios Quezada, Manolo Rosales, Jorge Mario
Paredes y Ernesto Rosales. Otros cantantes interpretaban música selecta popular como Julio
Cáceres, Mildred Chávez, Dora René Figueroa, Carmen Yolanda, Lucinda Lara, las hermanas
Gonzáles, el dúo conformado por Magedla y Tatiana García. O bien, música de corte clásico como
Ernesto Ávalos Gutiérrez, Gloria Susana Castañeda de Palacios, los esposos Coronado (Bella
España y René) y la cantante de ópera Lily Andreu Spillari. Tanya Hazel Zea García (Guatemala, 25
de febrero de 1953), nacida aparentemente en Cobán; conocida en el mundo artístico como Tanya
Zea, obtuvo el segundo lugar en el festival de la Organización de Televisión Iberoamericana OTI
1974, con la canción "Yo soy" de su propia inspiración. Edgar Ricardo Arjona Morales
(Jocotenango, Guatemala, 19 de enero de 1964), conocido artísticamente como Ricardo Arjona o
simplemente Arjona, es un cantautor guatemalteco de música pop y baladas quien ha alcanzado
fama internacional y ha cosechado un gran número de éxitos. A inicios del siglo XXI la escena
musical popular guatemalteca está enebullición. También surgen Solistas y cantautores tales como
Carlos Peña (ganador de la segunda edición del reality show Latin American Idol), Ricardo
Andrade, Giovanni Pinzón, Mr Fer, Carlos Catania y Giovanni Passarelli, entre muchos otros,
compiten por hacerse un espacio entre el público local.

En Guatemala hay numerosos músicos instrumentistas de todas las familias de instrumentos.

Entre los intérpretes de viento han sobresalido el saxofonista Arturo Xicay, el intérprete de la
armónica Roberto Abularach, los oboístas Manuel Gómez Samayoa y Fielding Udine Roldán, los
flautistas Julio García y Gabriela Corleto, y el trompetista Nery Cano. Entre los violinistas
destacaron Andrés Archila, José Santos Paniagua, Baudilio Méndez y Henry Raudales, y entre los
intérpretes del violonchelo han sido notables Eduardo Ortiz Lara y Juan Carlos Paniagua. Los
pianistas clásicos, que han sido listados por Carlos Soto, incluyen a Eddy Wunderlich, Zoila Luz
García-Salas, Alma Rosa Gaytán y Tito Alvizúrez. En la percusión se han destacado numerosos
marimbistas, así como bateristas de la talla de Edgar "Manú" Ramírez, Luis Estrada, Carlos Gómez
y Fernando Martín,4 un baterista de trayectoria internacional graduado del PIT (Percusión Institute
of Technology) en el Musicians Institute en Hollywood, California. Los géneros que interpretan
abarcan desde la música clásica y los géneros populares ligeros hasta el rock y el jazz.

Música académica es una denominación general para aquellas tradiciones

musicales que implican consideraciones estructurales y teóricas avanzadas, así como
una tradición musical escrita. Se distingue así pues de otras grandes tradiciones
musicales como son la música popular y la música tradicional.

Compositores Académicos

Maestro Rafael Álvarez Ovalle

Compositor, flautista, guitarrista, pianista y violinista. Autor de la música del Himno Nacional de
Guatemala.6

José Castañeda: director de orquesta que se formó en París. Cuando regresó a Guatemala fundó la
Orquesta Ars Nova, integrada por profesionales y aficionados. A instancias del presidente Jorge
Ubico, esta orquesta fue convertida en la agrupación oficial del Estado, debiendo tomar el nombre
de Orquesta Progresista (1936). Después de la Revolución de 1944, la orquesta pasó a llamarse
Orquesta Sinfónica Nacional (1945). Su facilidad de invención melódica popular ya se había
manifestado en su canción satírica "La Chalana", con letra de Miguel Ángel Asturias, David Vela y
otros miembros de la Generación del 20, escrita en 1922. Esta canción ha sido considerada
emblema de la juventud universitaria en Guatemala, cantándose masivamente en la "Huelga de
Dolores". La cooperación con Miguel Ángel Asturias (Premio Nobel de Literatura 1967) resultó en
obras escénicas como «Emulo Lipolidón» e «Imágenes de Nacimiento».7

Jesús Castillo: músico y compositor que se formó en Quetzaltenango con los maestros pianistas
Miguel Espinoza y Rafael Guzmán. Desde temprano mostró un interés especial en la música
indígena de Guatemala, algunas de cuyas características incorporó a sus propias piezas. Su
Obertura indígena No.1 (1897) es la primera obra de su época de estudiante que basó en motivos
musicales autóctonos. Mientras estudiaba con Rafael Guzmán, Castillo compuso una segunda
obertura de esa naturaleza, beneficiándose de la asesoría de su maestro. Concluida su formación,
se dedicó al magisterio musical en Quezaltenango, actividad que mantendría hasta 1929. A la vez,
recopiló música de los indígenas en varias regiones de Guatemala. Entre sus obras originales
basadas en la música autóctona sobresale la ópera Quiché Vinak (1917-1925), que fue estrenada
en 1924 en el Teatro Abril de la Ciudad de Guatemala.8

Rafael Juárez Castellanos (1913-2000): compositor y director de bandas de Guatemala. Como

compositor se integró completamente al ambiente de su tiempo en Guatemala, siendo
probablemente el compositor más premiado de la historia del país. Sus marchas militares eran
interpretadas tanto en desfile como en concierto; sus obras orquestales interpretadas por la
Orquesta Sinfónica Nacional y, en versiones especiales, por la Banda Sinfónica Marcial. Sus
marchas fúnebres de inmediato pasaron a formar parte del repertorio de las bandas y se escuchan
durante las grandes procesiones de Semana Santa en la Ciudad de Guatemala, la Antigua
Guatemala y muchas localidades del interior de la República que las encargaron. Sus himnos
fueron premiados y cantados en las instituciones para las cuales los escribió.9

Jorge Sarmientos (1931-2012): músico, compositor y director de orquesta, catalogado por algunos
como el más destacado en la historia del país. Dirigió en casi todas las capitales de América Latina
y en diversas ciudades de los Estados Unidos, Francia, Israel, Japón y España, entre otros países.10

Canciones del Repertorio

Guatemalteco
Son mtodas aquellas caniones con letra que pueden ser tradicionales o puplares.
Partituras de repertorio guatemalteco :
Una partitura se refiere a una melodia escrita en el lenguaje que puede ser leida mediante el
conocimiento de los signos de la escritura musical.

Analisis del Himno

Nacional de Guatemala

RIMER ESTROFA
La primer estrofa habla sobre como Guatemala tiene que ser feliz y de como nosotros no tenemos
que dejar que nunca nadie maltrate a nuestra tierra o como lo dice el himno que nadie escupa en
nuestra cara. Tenemos que ser libres y justos.

SEGUNDA ESTROFA

La segunda estrofa nos reta a que nosotros demos todo por nuestra tierra si alguna vez es invadida
por algún extranjero! Nosotros tenemos que luchar con ese extranjero y darlo todo sin importar si
morimos o vivimos lo haremos para honorar nuestra bandera.

TERCERA ESTROFA

Esta nos recuerda que no debemos dejarnos gobernar por alguien que nos esclavice. Porque la
esclavitud ya fue vencida y nosotros vamos a honrar a Guatemala al no ser esclavos de nadie. La
espada se refiere a que tenemos que honrar Guatemala aunque haya guerras.

CUARTA ESTROFA

Nuestros antepasados lograron llenar de paz nuestra bella patria sin enfrentamientos en los que
pudieron haber habido derramamientos de sangre. Y aun así lograron hasta poner a Guatemala en
un trono lleno de amor. Que nos cuesta mantener este trono de amor y paz? No debemos dejar
que nadie nos robe la paz! Hay que mantenerla

QUINTA ESTROFA

La estrofa número cinco nos habla de lo loco que estaría alguien si llegara a manchar los colores de
nuestra hermosa
bandera. Y por manchar no se refiere a manchar con pintura, se refiere a manchar el honor de
Guatemala al no cumplir con las leyes al hacer vandalismo entre otros.
¿Por qué se le consideraría loco al que manche la bandera?
Porque es tanta la blancura y pureza de Guatemala que al mancharla arruinaría todo! Por mas
mínima que sea la mancha lo arruino todo.

SEXTA ESTROFA

Nos reta de nuevo a luchar nosotros como lo hicieron nuestros antepasados! Luchar con todo si
estamos defendiendo a nuestro hogar, nuestra casa. Nosotros tenemos que estar dispuestos a
darlo todo por nuestra hermosa patria sin importar si ganamos o no nosotros debemos hacerlo
como honor a nuestra patria.

SEPTIMA ESTROFA
Nos habla de lo fascinante que es Guatemala! Su belleza natural. En como esta colocada en la
maravillosa cordillera de los andes. En como Dios creo nuestra patria entre los inmensos océanos
Atlántico y Pacífico. En como la hermosa ave de un plumaje verde se adormece en nuestras áreas
salvajes.

OCTABA ESTROFA

Esta es la parte donde nosotros creemos que el Quetzal nuestra bella ave va a volar mas alto que
las aves cóndor y águila real que son dos aves que vuelan muy alto. Se refiere a que Guatemala se
va a levantar en todo sentido de la palabra y va a permanecer como un gran y hermoso nombre
INMORTAL!

DANZA
Es el arte de ejecutar movimientos con el cuerpo al ritmo de la música. Fue una de las expresiones
artísticas de la humanidad, en la prehistoria la utilizaban para agradar a sus dioses o para hacer
peticiones en forma de rituales posteriormente se utilizó con fines políticos y por recreación.

Comunicación No
Verbal
La danza es un medio de comunicación, ya que aunque no tiene un lenguaje verbal, el bailarín
expresa sus emociones y sentimientos a través de sus movimientos, corporales ya que recoge los
elementos plásticos, los gestos, las posturas corporales, la danza es como un espejo donde el
alma habla por medio de los movimientos corporales.

La comunicación no verbal se realiza a través de multitud de signos de gran variedad: Imágenes

sensoriales (visuales, auditivas, olfativas...), sonidos, gestos, movimientos corporales.

Postura
Es la posición del cuerpo que lleva un contrapeso balanceado de forma natural. Una buena
postura se obtiene al alinear la columna y tener un balance correcto en todo el cuerpo. La postura
correcta brinda muchos beneficios al cuerpo y al bailar evita futuras lesiones y se obtiene una
buena fluidez en el cuerpo
Para lograr la postura correcta se deben colocar las partes del cuerpo de la siguiente manera:

Cabeza
Debe de estar derecha con el cuello estirado.
Tronco
Mantener la postura equilibrada entre la cadera, como si estuviera subida y elevar los hombros
hacía atrás.
Cadera
Debe mantenerse relajada, con una postura natural centrada.
Piernas
Deben estar rectas sin que la rodilla se mueva de un lado a otro.
Pies
En ellos recae todo el peso del cuerpo, deben estar firmes al suelo. Aunque no lo creas, los pies
son muy importantes para la práctica.

Gesto

Es un sistema de comunicación por medio de movimientos que se hacen a través del rostro,
manos y cuerpo, sin utilizar palabra. Los gestos nos ayudan a tener una mejor comunicación, las
personas captan con mayor rapidez lo que se siente en ese momento o lo que se desea trasmitir.
Una de las formas también de expresión es la Pantomima es un subgénero dramático que
consiste en representar una historia mediante la mímica, sin diálogos ni palabras, es decir
apoyando la narración con expresiones, gestos o movimientos corporales.

Danza
Es el arte de ejecutar movimientos con el cuerpo al ritmo de la música. Fue una de las expresiones
artísticas de la humanidad, en la prehistoria la utilizaban para agradar a sus dioses o para hacer
peticiones en forma de rituales posteriormente se utilizó con fines políticos y por recreación

Movimiento
Es el cambio de lugar, ubicación o posición del cuerpo. El movimiento de una danza se compone
de varios desplazamientos que se sobrevienen unos a otros, el cuerpo ocupa varios lugares en el
espacio casi simultáneamente. Si tuviésemos la capacidad de detectar cada momento vertiginoso
de la danza, detener la figura danzante por un preciso instante, nuestra mente captaría cada
movimiento de la danza.

La mayoría de los movimientos en la danza persiguen un objetivo y son infinitos; sin embargo,
pueden quedar registrados y clasificados. Por ejemplo un salto, un desplazamiento, un golpe,
zapateo.

Los tipos de movimientos en danza son:

Movimiento Espacial
Es aquel que se realiza en un vacío y se ocupa en un solo lugar.

Movimiento Coordinado
Es cuando el cuerpo realiza movimientos llevando un orden.

Movimiento Grupal
Es aquel donde dos o más individuos tienen un objetivo común, la coordinación es indispensable
para lograr el movimiento grupal.
Movimiento Individual
Es el movimiento que realiza una sola persona, esta puede ser instruida por un coreógrafo,
instructor o profesor.

El Movimiento a
través del Estímulo
Sonoro
Los estímulos sonoros corresponden a los sonidos, esto es, vibraciones que se trasmiten desde
una fuente a través de un medio que puede ser el aire, el agua o cuerpos solidos hasta la
estructura receptora de los organismos quienes los procesan y elaboran una respuesta y este
favorece la concientización, la sensibilización y el descubrimiento del propio ser como fuente
creativa del movimiento expresivo. Y se da por medio de registros discográficos

Criterios del
Espacio
Al ejecutar la danza es necesario conocer el espacio de nuestro cuerpo sobre el escenario y como
este se puede desplazar dentro de un límite de espacio en total armonía.

Criterios de Espacio:
 Trayectoria: Es el camino seguido por el cuerpo en su movimiento.
 Directa: Es el espacio más corto entre dos puntos.
 Indirecta: Cuando el espacio es más lejano que la forma directa.
 Desplazamiento: Distancia lineal entre posición inicial y final, esta distancia puede estar en
línea recta, curva, diagonal, espiral o circular.
 Dirección: Es hacia donde se puede generar una trayectoria o un movimiento y se dividen
en direcciones PRIMARIAS A- Vertical da la sensación de equilibrio. Puede ser abajo-
arriba B- Anteroposterior: se dirige de forma horizontal, adelante-atrás C- Transversal: Se
dirige de derecha-izquierda genera sensación de simetría SECUNDARIAS: A- frontal es la
división del cuerpo de forma vertical, hacia arriba y hacia abajo. B- Sagital: es la división
del cuerpo de forma vertical de izquierda a derecha.

Dimensiones de
la Danza
1.  La dimensión de ocio (como sería la actividad de ocio, la práctica de danza en el tiempo libre de
bienestar, en la que se practicaría en asociaciones culturales, etc. y en la que se llevaría a cabo por
un monitor).

2.  La dimensión artística (la práctica sería hacia una determinada población pues requiere un alto
nivel técnico ya que se trata de realizar coreografías, producciones, etc. en la cual el profesor de
danza sería un entrenador).

3.  La dimensión terapéutica (con fines terapéuticos hacia los niños y con necesidades educativas
especiales, su práctica se realizaría en instituciones por un docente o terapeuta).

4.  La dimensión educativa (la práctica se realizaría a nivel educativo en el ámbito escolar,

trabajando los contenidos conceptuales procedimentales, las actitudes y los valores de la  misma).

Diseño de piso y en el
aire

Se refiere a los movimientos que se realizan en el piso/ o suelo y los movimientos que se pueden
realizar en el aire.
 Niveles de la Danza

1 Nivel Superior o Alto:

Son aquellos movimientos que realizamos en el eje horizontal; utilizamos cabeza, hombros, brazos
y manos. Las piernas están elevadas en cualquier dirección.

2. Nivel Medio:
Los movimientos se realizan en el eje horizontal y vertical del lado izquierda y derecha. Intervienen
todas las partes del cuerpo.

3. Nivel Inferior o Bajo:

En este nivel se utilizan todo el cuerpo sin pasarse del nivel medio. Por ejemplo rodar, arrodillarse,
acostarse sobre el suelo.

Criterios para Integrar

La Danza

Ritmo:
Organización del tiempo sobre los movimientos controlados
Música
Género que se elige para realizar movimientos para bailar.
Peso:
Es lo que el cuerpo debe cumplir como alineación, postura y equilibrio para desarrollar giros y
múltiples movimientos. La distribución del peso corporal va desde la forma en la que se ubican los
pies hasta la cabeza y esto se traduce en la agilidad y eficiencia que pueda tener el bailarín.
Espacio:
Lugar donde se desarrolla un movimiento.
Tiempo:
Es la duración de patrones de movimientos.
Energía:
Es la fuerza con la que se realiza un movimiento y se divide en SÚBITA: Son movimientos
espontáneos y rápidos. SUSTENTADA: Se refiere a un movimiento sostenido, movimiento lento.

Ritmo Libre y Periódico

El ritmo libre: equivale a un ritmo que no es medido.

Ritmo periódico: Se trata de un movimiento controlado o calculado que se produce
por la ordenación de elementos, que incluyen las pausas, los silencios y los cortes
necesarios para que resulte grato a los sentidos.

Combinaciones

Es la unión de varias cosas, llegando a un acuerdo de cómo hacer la unión entre tiempo,
movimiento, ritmo y energía, para crear una armonía.

Frases de Movimientos
Es la organización del movimiento para diseñar la coreografía, su intención es trasmitir los
sentimientos y emociones. Las frases de movimiento se deben crear de forma sencilla en el
proceso creativo improvisado.
Las frases de movimiento son en sí un juego de transiciones. El uso del espacio cambia de niveles,
ritmo y tiempos, son elementos que nos ayudan a llevar un proceso ordenado de movimiento.
Para que la frase del movimiento sea la correcta y no se torne tedioso debe llevar la siguiente
estructura. PRINCIPIO – CENTRO- FINAL.

Ritmo y Música

El ritmo se puede definir como una organización temporal del sonido, que nos permite predecir
cómo van a ir apareciendo en lo sucesivo. Los pasos de danza tienen un ritmo interno propio. Este
debe interactuar con el ritmo de la música para poder coordinarse y conseguir una base firme en
el movimiento.

Improvisación
“la improvisación es un camino directo a la composición que estimula la imaginación y la
exploración del mundo interno y externo a través del sistema sensorial.” En la danza la
improvisación es la búsqueda y la creación de movimientos para lograr una conciencia corporal de
sí mismo, que crea con imaginación y son reacciones de momento.
La improvisación se puede hacer de manera individual, es cuando un solo bailarín realiza un
movimiento que no fue planificado, en pareja, movimiento no planificados de dos bailarines y
grupal cundo se realizan movimientos creativos durante cierto momento de la música.

MOVIMIENTO COMO RESPUESTA AL OTRO

Se refiere a la respuesta que damos de movimiento al ritmo que estamos practicando con otro
compañero tomando en cuenta que se debe llevar ritmo precisión y coordinación.

MOVIMIENTOS EN ESPEJO
Los movimientos del espejo nos permiten percibir las emociones de las demás personas como
expresión facial, lenguaje corporal. Y se realizan en pareja cuando no se tiene un espejo
MOVIMIENTOS ENCONTRAPOSICION

Se refiere a colocar a dos personas una al lado de la otra o frente a frente y esto en danza lo
podemos realizar por medio de

HILERAS que es una formación que se realiza uno de tras de otro realizando movimientos.

CIRCULOS en la danza es una formación que se realiza para la integración de todos los
participantes en forma de rueda.

Molinetes figura de danza en la que los bailarines tomados de la mano y formando una rueda,
giran en distintas direcciones.

Filas es una forma de movimientos  sincronizado en la que los bailarines están

organizados en filas  o líneas, mirando en la misma dirección.

Conexiones Idea-
Cuerpo- Movimiento
Estas áreas se estructuran de la siguiente manera Idea se refiere a lo que mi cerebro procesa,
cuerpo lo que siento al escuchar música y movimiento a través de él  podemos conectar con
nuestras emociones (tristeza, angustia…) y expresarlas cuando estas cuestan de
reconocer o de verbalizar interpretación de mi idea con mi cuerpo.

Idea y Danza
Se relacionan porque al escuchar música tenemos una idea de los movimientos que se pueden
realizar y estos movimientos los podemos realizar por medio de la danza

Criterios para elegir una danza

1 Elegir una canción que sea del agrado de la mayoría

2 Improvisar utiliza la improvisación para crear los primeros pasos
3 Escribe cuando elijan los pasos adecuados para la danza, es importante escribirlos para que no
se
olviden el orden en el que van.
4 Grava cuando ya tengas la danza terminada es necesario gravarla, así te darás cuenta de posibles
errores o cambios que quieran hacer.
5 Cambios No te preocupes si hay que cambiar algunos pasos a la danza esto ayuda a que
tengamos
una buena presentación.
6 Organización Es necesario que repasen la danza una y otra vez, mientras más ensayos mejor
será.

Danza de los Pueblos

Guatemaltecos
La danza siempre ha sido un elemento muy importante dentro de los pueblos. Es a través de la
danza que el ser humano ha podido expresar su cosmovisión y filosofía, compuesta por elementos
únicos e irrepetibles que la convierten en una verdadera riqueza cultural.

Guatemala es un país que está integrado por cuatro grandes pueblos: Garífuna, Xinca, Mestizos y
Mayas. Las mayas y las Xincas dieron origen a sus danzas folklóricas desde la época prehispánica;
con la llegada de los españoles nacieron los mestizos y por supuesto las danzas tuvieron cambios.

Con la danza, los pueblos mayas encontraron una manera de representar su historia, es por eso
que los bailes tienen un alto contenido histórico, dramático, religioso y hasta cómico. Los
indígenas también danzaban a la naturaleza, especialmente para pedir por sus cosechas.
Danzas Mayas
1 Danza del Venado
2 Baile de Mah Nim

Clasificación de las Danzas Guatemaltecas

PREHISPANICA ANTIGUA MESOAMERICANA
El Rabinal Achí, Palo volador, la culebra,
Danza del venado, la paach.

HISPANICA

El español las historia de moros y cristianos

Los doce pares de Francia

COLONIAL
La conquista los toritos
Vaqueros.
AFROCARIBEÑA
Chumba, punta pororó

REPUBLICANO

Los animalitos, los negritos

Danzas
Latinoamericanas

Antes de la conquista los habitantes del nuevo continente ya practicaban diferentes danzas, tras la
conquista la danza se vio influenciada por la cultura española, africana, e inglesa; en espacial de la
española, quienes fueron los que colonizaron la mayor parte de américa; prueba de ello es el paso
plano extraído del flamenco y el paso doble.

La cultura africana llega al continente americano por medio de los esclavos en el año de 1500,
mesclando sonidos y movimientos. Los países que conservan más aporte africano son Cuba, Haití,
Brasil, Panamá, Colombia y Venezuela.
Para diferenciar las danzas latinoamericanas de las europeas, empezaron a llamarlas “bailecitos”.
La danza latinoamericana es muy popular en el mundo por ser apasionada, energética y
contagiosa.

CLASIFICACION

Puerto Rico Son , plena , decima

República Dominicana Merengue , bachata
Cuba Danzón, guajira , rumba, guaracha
México Huapango, corrido, son, jarabe
Panamá Cumbia, tamborito
Colombia Vallenato, cumbia, bambuco, pasillo
Venezuela Vals, joropo, pasillo
Ecuador Pasillo, Sanjuanito
Perú Marinera, londó, huayno
Brasil Samba, batuque, lundú
Paraguay Chopi, polca
Chile Cueca, tirana ,tonada
Argentina Tango, milonga,
Uruguay murga

Danzas del Mundo

Permiten apreciar, comprender y valorar críticamente diferentes manifestaciones
culturales y artísticas, utilizarlas como fuente de disfrute y enriquecimiento personal y
considerarlas como parte del patrimonio cultural de los pueblos.

TEATRO
La palabra teatro proviene del griego Théatron que significa mirar. Teatro se refiere tanto al lugar
donde se llevan a cabo las presentaciones de obras dramáticas, así como a la forma de expresión
artística donde podemos realizar diferentes actividades según nuestras habilidades

Trece Signos del Teatro

Recuerda que un signo es un elemento, fenómeno o acción que representa o sustituye a otro. En
el teatro el signo representa algo específico; dentro de una obra teatral existen varios signos que
se complementan unos con otros.

1. Palabra:
Es lo que dicen los actores en el transcurso de la obra teatral y se divide en:

Plano fonológico o prosódico Es cuando se acentúa la palabra al hablar

Plano sintáctico Es la manera en que se ordenan las palabras para crear frases

Plano semántico Se relaciona con los aspectos de interpretación del significado

de la palabra

2. Tono
Es la acción de acentuar la voz para trasmitir los estados de ánimo del personaje, le da
cierto significado a la frase que se dice y se clasifica en

BAJO Medio
Trasmite cansancio, Se utiliza para trasmitir
temor, aburrimiento cortesía y tranquilidad

Alto

Trasmite euforia, inconformidad,

ironía, exageración y
3. Mímica superioridad
Es el conjunto de rasgos musculares que producen expresiones faciales, si se desarrolla
Correctamente puede sustituir por la palabra.

4. Gestos
Son movimientos realizados para acompañar a la palabra y comunicar un símbolo si los
gestos son claros estos pueden remplazar con éxito a la palabra. Los tipos gestuales se
Clasifican en:

Gesto imitador Gesto Original

Es el que se desarrolla No se da por imitación,
con el personaje es propio de la persona
 5. Movimiento
Se refiere al movimiento dentro del espacio escénico; es decir entradas, salida,
Movimientos colectivos, desplazamientos, espacios sucesivos.

6. Maquillaje
Es esencial al momento de representar un papel que nos sugiere debe ser de cierta época,
edad, raza, salud.

7. Peinado
En conjunto con el maquillaje y el vestuario, el peinado también determina, edad, época,
cultura, cierta generación, costumbres y hábitos.

8. Vestuario o traje
Este también dependerá de la época, edad, historia. El vestuario define, al personaje su
estilo, posición económica, nacionalidad.
9. Accesorios
Está estrechamente relacionados con el traje y el decorado este dependerá del
desempeño o función que determine el dramaturgo.
10. Escenografía o decorado
Su principal función es trasmitir la idea del lugar; por ejemplo de una época. Los
elementos que lo componen son muebles, cuadros, ventanas. El decorado dependerá de
la representación que se necesite para la obra; es un signo muy importante no puede
dejar de existir.
11. Iluminación
Empezó en el teatro griego de modo natural aprovechando la salida del sol cuyo reflejo
daba de frente al escenario. La iluminación teatral determina el lugar físico, da relieve al
acto o a un objeto con relación a su entorno, permite aislar a un actor o a un accesorio.
12. Música
En el teatro la música propicia la atmosfera que se requiere para darle vida a ciertos
ambientes, situaciones, épocas. En los musicales la obra gira en torno a la música.
13. Sonido
Es la parte de los efectos sonoros en las obras teatrales y son importantes para la
realización de esta. Los sonidos pueden ser naturales y artificiales.

Los 3 elementos
del Teatro

Actor/ Actriz
E s la persona que interpreta un papel en una obra teatral, cinematográfica, radiofónica o
televisiva. Para poder interpretar un personaje el actor necesita conocer el libreto, al guionista y
director, también puede aportar ideas para enriquecer el papel.
Público
Conjunto de espectadores que están concentrados en lo dicho y en la acción de los actores /
actrices sobre el espectáculo.

Texto
Pasajes citados de una obra escrita u oral. El texto en el teatro es una guía que se escribe para ser
interpretada sobre un escenario frente a un público. Se clasifica en:
A- Texto Dramático
Es aquel que se da para la puesta en escena. Es la obra en sí.
B- Texto Escénico
Es aquel donde se realizan los esquemas ilustrados, las direcciones que debe tomar el
actor, la escenografía, el vestuario, la interpretación y el sonido.

Areas del Escenario

IZQUIERDA ARRIBA CENTRO ARRIBA DERECHA ARRIBA

CENTRO DERECHA CENTRO

IZQUIERDA CENTRO

CENTRO ABAJO DERECHA ABAJO

IZQUIERDA ABAJO

Niveles del Actor

Arriba: El actor se encuentra de pie y su espalda esta posición recta.

Medio: El intérprete asume una posición de cuclillas (piernas flexionadas)

Abajo. El cuerpo del ejecutante de la acción reposa completamente sobre el escenario o adquiere
una posición cercana.

Posiciones del actor

Estas posiciones se dividen en
A-Abierta
El actor se posiciona frente al público, puede expresarse con una actitud dominante. Se utiliza en
discursos, monólogos o descubrimientos.

B-Cerrada
Es cuando el actor ésta de espalda al público, esta posición se utiliza para ocultar sentimientos,
gestos o expresar inconformismo. El actor no debe permanecer mucho tiempo en esta posición ya
que arriesga el contacto con el público. Se debe tener cuidado de no tapar a otro actor o actriz.

C-Perfil
Es cuando el actor se coloca de lado. Se utiliza para enfrentarse en una discusión con otro actor la
comunicación es poca hacia el público.

Coherencia entre
expresiones de gestos
faciales corporales y de la
voz
En teatro definimos el gesto como el movimiento facial y corporal voluntario por el actor, que va
orientado a reforzar el significado del texto expresado con un tono de voz adecuado o bien
completamente autónomo.

La coherencia gestual es pues, la actitud corporal, movimientos y palabras que el actor ejecuta en
armonía, de forma controlada y voluntaria con la finalidad de crear y exponer cierto personaje.
Para conseguir esa coherencia el actor necesita entrenar arduamente su cuerpo y mente.

Niveles de Actuación

Están organizadas en niveles de acuerdo a la experiencia y el recorrido personal de cada alumno.

Los niveles son Principiante, avanzado, profesional e infantil (en el caso de los menores de 12
años)

ARQUETIPO
Son patrones de los cuales derivan otros elementos o ideas. Puede tratarse de algo físico o
simbólico, siempre capaces de generar algo más a partir de sí mismos.
En el teatro se refiere a maneras de comportamiento, y conductas, que cumplen un papel en
determinado momento de acuerdo a las necesidades del relato.

Expresión Corporal

Es un proceso de desarrollo de conocimiento de habilidades y experiencia en torno al cuerpo y la

expresividad de la persona, del actor.

Dinámica de Movimiento.
Desde que despiertas tu cuerpo inicia una trayectoria de movimientos consientes e inconscientes.
En teatro las dinámicas de movimiento corporal se procuran hacer con tal concentración,
ejecutándolas con diferente fuerza, en diferentes planos del espacio y por supuesto en diferentes
alturas del cuerpo.

Aislamiento Corporal

Las actividades de trabajo corporal aislado instan a concentrar fuerza, movimiento y emoción a
determinadas áreas del cuerpo. Mientras el actor desarrolla técnicas crece el autoconocimiento y
la posibilidad de autocontrol en sus movimientos, así como la relación que establece entre dichos
movimientos y lo que desea comunicar.

Con estos aislamientos corporales conseguimos reforzar la carencia de fuerza, equilibrio,

coordinación y expresión en determinadas áreas de nuestro cuerpo, según la necesidad que
percibimos en este.

El Mimo

Personaje que utiliza la mímica, gestos faciales o movimientos del cuerpo por ejemplo puede
expresar emociones como felicidad, enojo, tristeza, o representar actividades como saludar,
bailar, pescar
Clasificación de los gestos y movimientos según el lugar del cuerpo
Según el lugar del cuerpo donde el mimo utilice el gesto o movimiento, será clasificado de la
siguiente manera:
Gestos analíticos o de partes
Faciales o muecas realizadas con el rostro
Manuales o ademanes o sea con las manos actitud positiva o
Cabeza
Brazos
Tronco
Gesto de piernas y pies

Gestos sintéticos o de totalidad

Corporal o sea con el cuerpo
De actitud representando

Accesorios que utiliza un mimo:

 Maquillaje: blanco en el rostro y rojo en los labios.
 Vestuario: puede utilizar ropa de color negro o pantalón negro y blusa o camisa rayada
 Sonido: Puede colocar música de fondo de acuerdo al acto a representar
 Carteles: Puede realizar frases creativas que le ayuden a representar su acto por ejemplo
cuidemos el medio ambiente

Pantomima
Es todo discurso dramático que se vale del movimiento y gesto
Pasos para hacer una pantomima
 Elaborar una escena que se entienda,
 Manifestar claramente el estado de ánimo,
 Hacer gestos exagerados.

Aparato
Fonador
Aparato fonador es el conjunto de órganos del cuerpo humano encargado de generar y ampliar el
sonido que se produce al habla que ayuda a cambiar el volumen y tono de la voz.

Entonación es la variación de la altura tonal de la voz según las circunstancias en que las
pronunciamos tono de voz en este caso la entonación de un personaje
Tipos de entonación son:
Enunciativa, la interrogativa y la exclamativa,
Según las circunstancias en que las pronunciamos. Un ejemplo si un personaje debe expresar ¡me
saque la lotería! el tono de voz debe ser fuerte y cuando expresamos Que calor hace en esta
ciudad nuestro tono de vos es más suave ahora practica estas frases intercambiando el tono fuerte
y suaves de las frases. Escribe 5 frases cotidianas que utilices de forma fuerte y cinco de forma
suave.

Tono de voz: es expresar las emociones con la voz y depende de las circunstancias del personaje,
como dar un grito, reír, llorar. Si el personaje ríe el tono puede ser exagerado y si llora el tono es
más suave
Respiración es una función automatizada de nuestro  organismo y es un aspecto caudal en la
interpretación teatral  y no puede disociarse del trabajo de la voz y la dicción, antes de interpretar
tu personaje debes de respirar profundamente para que la voz sea clara y la pronunciación sea
correcta sin que se escuche que tiembla tu voz.
La voz humana consiste en un sonido rígido emitido por un ser humano. Y pueden ser grave como
la de papa aguda como la de mama y media como la de nuestro hermanito, aunque hay jóvenes
que tienen la voz bien grave eso es tener voz privilegiada.
Dicción es la forma de emplear las palabras para formar oraciones tomando en cuenta la
respiración, la posición de los labios, la articulación

Epoca Prehispanica del

Teatro

El teatro prehispánico, como expresión cultural, estuvo conformado por actividades de

representación de historias, danzas, farsa y comedias desarrolladas antes de la llegada de los
conquistadores a América. Todas ellas eran ejecutadas en fechas fijas como parte de toda una
cultura ancestral transmitida de forma oral de generación en generación.  
A través del teatro prehispánico, el aborigen americano expresaba sus ritos y creencias. Esta
manifestación artística tuvo mayor fuerza entre los indios que ocupaban toda el área del altiplano
del actual México. De esta zona provinieron los registros más completos y conservados de este
tipo de actividad cultural.
Los frailes misioneros, en su lugar, impusieron comedias de contenidos religiosos que intentaban
instaurar entre los indios los valores cristianos.
En el caso del antiguo teatro prehispánico mexicano, su trascendencia fue posible gracias a la labor
de los frailes Andrés de Olmos y Bernardino de Sahagún.
Estos se dedicaron a recopilar la memoria  oral de los indios y transcribirla en escritura latina. En el
proceso mucha de la originalidad se perdió debido por su inconveniencia para la cultura europea.
ORIGENES
Como las grandes culturas de la antigüedad, el teatro prehispánico tuvo sus orígenes en sus fiestas
y conmemoraciones religiosas. En sus ritos y procesiones, los sacerdotes marchaban, entonando
himnos sagrados, con atavíos representativos de sus dioses y hacían llegar al pueblo sus poemas
divinos.
Con el tiempo, estas ceremonias se recordaban con representaciones simbólicas efectuadas en
fechas fijas. Además, algunos vestigios arqueológicos de la cultura náhuatl dan cuenta de algunos
himnos y danzas que eran ejecutados en diferentes circunstancias.  
Todos ellos tenían el objetivo de agradecer a sus dioses. Estas manifestaciones se hicieron
formales – con libretos y hasta con ropajes especiales – a medida que la cultura se fue asentando.

Características

Desde sus orígenes, el teatro prehispánico tuvo una condición netamente oral y con el propósito
de preservar la memoria histórica. En cada transmisión, se incorporaban cambios que ayudaban al
desarrollo del género.
Por ejemplo, en el mundo náhuatl, el tlamatini  (el que sabe algo) era el encargado de custodiar
la itoloca (lo que se dice de alguien o de algo) y enseñar a los jóvenes los cantos dedicados a los
dioses, la amistad, la guerra, el amor y la muerte. La vía usada para la enseñanza era la palabra
oral y sistemas de escritura no alfabéticos.
De igual manera, existieron en todas las culturas prehispánicas personas encargadas de mantener
la memoria histórica de su pueblo y transmitirla a la siguiente generación. A la llegada de los
conquistadores los misioneros y letrados españoles se auto-denominaron cronistas.
Entonces, comenzaron a recopilar y transcribir esta memoria amerindia. En el proceso, mucho de
lo transmitido fue eliminado o modificado por razones religiosas o políticas.
Ese fue el fin de la oralidad en el registro y transmisión de la cultura prehispánica. Todas las obras
preservadas sufrieron un proceso de alfabetización.

Participación de sacerdotes y el pueblo

En el teatro prehispánico, los actores eran generalmente las personas involucradas en las acciones
que se querían representar. Existían dos clases de actores, los sacerdotes y el pueblo en general.
Estos se disfrazaban, entonaban himnos y se comunicaban con sus dioses dentro de un simbolismo
mítico que rodeaba su cultura.
Algunos actores del pueblo debían interpretar su propia historia representando la figura de uno de
sus dioses. Esta única representación culminaba con su sacrificio como tributo al dios al cual se
ofrendaban.
Con mucha frecuencia, se seleccionaban para el papel doncellas o jóvenes representantes de una
diosa o dios en particular.  
Temas religiosos
Los temas del teatro prehispánico estuvieron siempre relacionados con las fiestas y
conmemoraciones religiosas. Por ejemplo, en la cultura náhuatl prehispánica las fiestas se
relacionaban a sus ciclos de siembras y cosechas, y se escenificaban actos teatrales para agradecer
la bendición de los dioses.
Con frecuencia, precediendo a estas puestas en escena, se efectuaban ayunos y penitencias
rituales. A la obra, se incorporaban hombres disfrazados de bestias feroces como águilas,
serpientes y diversas variedades de pájaros.
El final de las obras era el sacrificio que podía ser de aves o de humanos. En ocasiones, las víctimas
humanas representaban su desapego al mundo y su inmolación gustosa.
A veces, los temas eran cómicos. Así, en las fiestas adoración de Quetzalcóatl (deidad prehispánica
mexicana) los actores salían haciéndose pasar por sordos, afligidos por resfriados, inválidos, ciegos
y sin brazos.
Todos en su representación suplicaban a sus dioses por su sanación. Estas discapacidades eran
motivo de carcajadas para la audiencia.

Epoca colonial del

Teatro

Teatro colonial comenzó como una fuerte herramienta de la que se valieron los españoles para
evangelizar a los indígenas en nuestro país. Mediante obras de teatro sencillas presentaban la vida
de Jesucristo, su Pasión y su Muerte. Muchas de las lecturas halladas en el Nuevo Testamento
fueron representadas en mayor o menor medida para su simple comprensión.
Las conocidas “pastorelas” hoy en día son fruto de aquellas épocas remotas, en donde se
utilizaban vestimentas muy sencillas pero adecuadas, musicalización también bastante
simplificada, cantos, bailes y actuación alegre. Sor Juana Inés de la Cruz escribió algunas comedias
y autos sacramentales (especie de obra de teatro con tema puramente religioso).

Época Contemporánea
del Teatro
Desde el Renacimiento, el teatro intentó mostrar un realismo total, pero a fines
del siglo XIX, hubo una reacción contraria. Los movimientos vanguardistas
experimentaron con alternativas a la producción realista, ya que pensaban que
representaba una visión superficial y limitada de la realidad, entonces buscaron en lo
espiritual, y en el inconsciente. Otras vertientes pensaban que el teatro había perdido
contacto con sus orígenes y que carecía de sentido en la sociedad moderna.

Historia
Durante la segunda mitad del siglo XX La característica primordial del teatro contemporáneo es el
eclecticismo (mezcla de tendencias). Este teatro está influido por una serie de tendencias que se
manifiestan durante la primera mitad del siglo XX. El rasgo común de estas tendencias es el
rechazo al realismo, por lo tanto, utilizará diversas técnicas para romper con la realidad. El teatro
contemporáneo no pretende lograr la identificación del público.

Movimientos teatrales en el teatro contemporáneo

Uno de los principales impulsores del antirrealismo fue el compositor alemán Richter Wagner, ya
que pensaba que el trabajo del dramaturgo consistía en crear mitos, con lo que presentaba un
mundo ideal, para compartir con el público, como se hacía en la antigüedad. Se representaba
entonces el interior de los personajes, priorizados sobre los aspectos realistas. También se le
atribuye haber modificado la arquitectura teatral y la presentación dramática con su teatro en
Bayreuth Alemania, donde sustituyó los palcos y plateas por gradas en abanico.
Simbolismo.
El sistema de símbolos que permite representar un concepto, una creencia o un seceso se conoce
simbolismo. Este sistema funciona a base de la asociación de ideas que promueven los
simbolismos y de las redes de estos que van surgiendo.
Expresionismo
fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que tuvo plasmación en
un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc.
El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma
más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos
más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es
extrapolable a cualquier época y espacio geográfico.
Existencialismo.
El existencialismo es una corriente filosófica que persigue el conocimiento de la realidad a través
de la experiencia inmediata de la propia existencia. No existe, sin embargo, una teoría precisa o
exacta que defina qué quiere decir.

Teatro épico
Brecht incorpora recursos que distancian al público de lo que ocurre en escena
-Uso de elementos musicales
-El uso del verso en los parlamentos
- Un actor puede interpretar varios personajes
Teatro de Realismo Poético -
Corriente cinematográfica y teatral francesa de 1930, la cual fue influenciada por la literatura
vanguardista y el cine expresionista alemán. Se caracteriza por tener personajes de contexto
popular, las narrativas están llenas de fatalismo, de un destino trágico inevitable que le da la
faceta de poética. Los paisajes son urbanos concentrados en la idea de ciudad y los cambios.
Teatro de la crueldad
El obetivo es sorprender e impresionar a los espectadores mediante situaciones impactantes e
inesperadas, los actores minimisan la palabra y se dejan llevar por movimientos y gestos, sonidos
extrabagantes, el escenario debe de ser un lugar de peligro, donde cada vez ocurra algo unico
tanto para los actores como para el publico.

Teatro Absurdo
Tiene fuertes rasgos existenciales y cuetiona la sociedad y al hombre. A traves del humnors y la
mitificacion escondian una actitud muy exigente hacia su arte. La incoherencia, el disparate y lo
logico son tambien rasgos muy representativos de estas obras. Muchows ven el teatro de lo
absurdo como obras sin explicacion logica y sin sentido.

Autores
Guatemaltecos de
Teatro

Biografía Vicenta Laparra de la Cerda

 Fue una reconocida poetisa guatemalteca. Durante su vida, trabajó por los derechos para la
mujer, especialmente el de la educación. También se caracteriza por ser la primera dramaturga
guatemalteca de finales del siglo XIX. Nacimiento: 5 de abril de 1831, Quetzaltenango.
Ocupación: Educadora, escritora, poetisa y periodista.
Fallecimiento: 1905, Ciudad de Guatemala.
Desde muy joven destacó como solista, así como en la poesía y en el teatro.
Aproximadamente en 1850, Vicenta Laparra realizó un concierto a beneficio de la construcción
del Teatro de Quetzaltenango.
 Vicenta y su hermana fundaron en 1885 el primer periódico femenino del país, llamado La
voz de la mujer.
El trabajo de Vicenta como escritora abarcó poesía, obras de teatro, novelas, ensayos y
estudios didácticos. Se caracterizó por ser una gran defensora de los derechos de la mujer y
los indígenas.
Obras destacadas
El ángel caído.
Los lazos del crimen.
La virtud y el vicio.
Hortensia.
La calumnia.
La esposa infeliz.
El honor y el deber.
Una hija maldita.
BIOGRAFIA DE María Luisa Aragón

Fue una actriz guatemalteca, comediógrafa y productora radial.

En 1918 se inició con el Grupo Artístico Nacional -GAN- que representaba operetas y zarzuelas en
el Teatro Renacimiento . En 1945 abandonó los escenarios y se dedicó a la radiodifusión, campo
en el que fundó el Radioteatro Infantil en TGW, La Voz de Guatemala. Presentó las
obras Milagroso Señor de Esquipulas y El precio de una honra, en Radio Reloj, y creó los
programas El Tribunal de la Alegría -en el cual representaba al personaje Cipriana Calandria- y La
Tremenda Corte, ambos en colaboración con Armando Moreno Morales.
Escribió las siguientes comedias: Un loteriazo en plena crisis, Amargo secreto, El misterio de la
cumbre, Tempestad en el alma, El tesoro de los pobres, También los ricos sufren, El testamento del
compadre, Falsa acusación, La fuerza de la verdad, La Cipriana, Martín esta celoso, Madre
querida, Amor indio, Así es Guatemala, ¿Por qué pecan la mujeres?, En la zarabanda nació el
amor, Senderos de angustia, Cadenas de un pecado, Entre el amor y el orgullo, En la red de su
pecado, La culpa de los padres, Frente al destino y Esclavo de su honra (Diccionario Histórico
Biográfico, 2004).
Participó en giras artísticas con compañías extranjeras, actuó también en televisión y en las
películas de largo metraje El Sombrerón y Cuando vuelvas a mí.

Texto Dramatico y Literario

Un texto dramático es un texto que expone un conflicto en la vida de los personajes, tiene por
objetivo representar el conflicto al público, o sea ha sido escrito con el objetivo primario de que
los personajes interactúen mediante diálogos y acciones frente al público en vez de ser leído. 

El texto literario es aquel que usa el lenguaje literario, un tipo de lenguaje que persigue un
cierto fin estético para captar el interés del lector. El autor de literatura busca las palabras
adecuadas para expresar sus ideas de manera depurada y según un cierto criterio de
estilo.

Epocas de la dramatugia
Guatemalteca

Prehispánica
En esta época los sacerdotes eran quienes tenían a cargo el cuidado de los textos escritos; la
escritura maya se plasmaba en piedras modelada en estuco, también se pintaba sobre cerámica,
murales y en los códices. Luego de la colonización, esta se fue perdiendo y son los frailes los que
traen las enseñanzas españolas

Colonial
En Guatemala entre 1524 y 1821 se les considera a los actores fuera de orden social, no existe un
lugar para la presentación de obras. En el ano de 1745 el teatro inicia con el tema litúrgico y es en
el siglo XVIII donde los primeros actores eran parientes de frailes o arzobispos.

Contemporánea
Surgen los teatros para las presentaciones. Los grupos teatrales están compuestos por
empresarios, coreógrafos, coristas, músicos y otros ayudantes. Los empresarios empiezan a
promover el teatro y es así como entre el año 1875 al 1921 nacen los teatros más importantes en
Guatemala.

Teatro Carrera o Colon

Teatro Excélsior
Teatro Variedades
Teatro Abril
Teatro Municipal de Quetzaltenango.

Biografía de Manuel Galich

Galich nació el 30 de noviembre de 1913. Sus padres fueron Luis Galich y María Elizabeth López.
Estudió en la Escuela Normal para Varones, en el [[Instituto Central para
Varones]] y en la Universidad de San Carlos de Guatemala, en la que se graduó de abogado, por lo
cual presentó el trabajo de tesis El Hombre, la Democracia y el Derecho
Internacional Americano en 1948.

Desde muy joven, Manuel Galich estuvo ligado al teatro, tanto como actor desde los once años y
como integrante de un grupo de radioteatro en la radio oficial TGW, La Voz de Guatemala, así
como autor de valiosas obras teatrales.

También desempeñó los cargos de profesor de historia de América en la Universidad de la Habana

y el de director de la revista teatral Conjunto. Entre sus obras políticas destacan Del Pánico al
Ataque -libro que reseña la lucha cívica contra los generales Jorge Ubico y Ponce Vaides-. También
escribió Por qué lucha Guatemala: Arévalo y Árbenz, dos hombres contra un imperio -1952-, Mapa
hablado de la América Latina en el año de la Moncada -1973-, Diez años de Primavera 1944-1955
en el país de la eterna tiranía, La Revolución de Octubre: Diez años de lucha por la democracia en
Guatemala.

Como dramaturgo, integró junto con Carlos Rodríguez Cerna y Miguel Marsicovétere y Duran el
Grupo Artístico Nacional -GAN- que abrió espacio al desarrollo del teatro moderno en Guatemala.
Sus obras teatrales le ubican entre los más importantes autores de ese ramo, tanto por lo profuso
de su producción como por la temática variada que incluye fundamentalmente crítica a la
injusticia social, la defensa de las libertades ciudadanas y el respeto de la soberanía nacional.

Una lista principal de su obra teatral estaría compuesta por las siguientes obras: Los Conspiradores
-1930-, Los Necios -1934-, El señor Gucub Caquix -1939-, El Canciller Cadejo -1940-, De lo Vivo a lo
Pintado -1943-, La Historia a Escena -1949-, El Tren Amarillo -1950-, El Pescado Ingesto -1953-, La
Mugre -1953-, La Trata -1956-, Pascual Abaj -1966- y Mr. John Tenor y yo -1975-. También hizo tres
obras suyas de teatro para adolescentes: Miel Amarga o El Oso Colmenero, Ropa de Teatro y El
Gran Gukub Caquix. Todas fueron publicado bajo el título común de Teatrino en la revista
Coyuntura.

HUGO CARRILLO
Fue un artista guatemalteco, homenajeado en el XVI Festival de Teatro Guatemalteco. Realizó
estudios en la Facultad de Humanidades e Historia en la Universidad de San Carlos de Guatemala
de 1952 a 1953.

Nacimiento: 1929, Cobán, Guatemala

Fallecimiento: 19 de octubre de 1994, ciudad de Guatemala
Ocupación: escritor, novelista, dramaturgo, poeta y director de teatro

Antecedentes
Realizó estudios de Filosofía y letras en la Universidad de México. Un año de estudios en el
Departamento de Teatro en 1954, en la Universidad de Bridgeport, Conn. U.S.A. The Shakespeare
Institute 1969, UNAM, México, Departamento de Letras Inglesas. Realizó estudios teatrales en la
Escuela Dramática de Charles Dullín T.N.P. París, Francia.

Su vida en el teatro

Carrillo fue fundador del Teatro de Arte Universitario de la Universidad de San Carlos, Guatemala
(TAU) en 1951.
Fundador y Director del Teatro Ambulante de Bellas Artes de 1953-1954. (Primera actividad teatral
realizada por la Dirección General de Cultura y Bellas Artes de Guatemala).
Fundador y Director del Teatro Experimental “La Gaviota”, 1954.
Miembro del Teatro Estudiantil de la Universidad Nacional Autónoma de México, de 1954 a 1955.
Miembro del Radio-Teatro Internacional de la UNESCO, París, 1957.
Organizador y Director de la Primera Temporada de Autores Jóvenes, Guatemala 1959.
Con Manuel José Arce y Ligia Bernal organizó y dirigió Teatro Clásico para Estudiantes de 1964 a
1967.
Colaborador del Actor’s Workshop en San Francisco California, de 1961 a 1962.
Director Huésped de la Compañía Nacional de Teatro de la Universidad Popular (UP) de 1973 a
1974.
Organizador y Director Artístico del Teatro Club de Guatemala en 1972.
Organizador y Director del Teatro para Estudiantes de Secundaria de 1974 a 1975.
Director Huésped del Teatro Nacional de Honduras en 1976.
Dramaturgo de planta de la Compañía de Teatro UP.
Hugo Carrillo falleció el 19 de Octubre de 1994.

Biografía Manuel José Leonardo Arce Leal (Ciudad de Guatemala, 1935 - 1985)

fue un poeta, dramaturgo, narrador, periodista y columnista guatemalteco. Es considerado uno de
los escritores más relevantes del país de la segunda mitad del siglo XX.
Fue galardonado con importantes premios centroamericanos, como los Juegos Florales
Centroamericanos de Quetzaltenango en 1958 (bajo la rama de teatro) y en 1969 (bajo la rama de
poesía), y el Premio Centroamericano de Teatro Miguel Ángel Asturias en 1969, patrocinado por el
Consejo Superior Universitario Centroamericano CSUCA). Su obra ha sido traducida, entre otros
idiomas, al alemán, el inglés, el francés y el portugués.

Publicó una columna en el Diario El Gráfico con el nombre de Diario de un escribiente desde la
década de 1960 hasta la de 1980.

En la década de 1980 tuvo que abandonar Guatemala ante las constantes amenazas por parte del
régimen de Romeo Lucas García. Estando en Francia ocurrieron las peores masacres en su patria
bajo los gobiernos de Lucas García y Efraín Ríos Montt. Como protesta por las mismas escribió
unos duros poemas en contra de Efraín Ríos Montt, los cuales fueron censurados.

Falleció de cáncer pulmonar en el exilio en Francia, el 22 de septiembre de 1985. A los 12 años

su primera obra teatral fue El Tamborilero. En 1935, presentando su obra en el teatro Abril, actuó
en una obra teatral que adaptaba la película Ramona.
El gato que murió de histeria, 1961
Diálogo del gordo y el flaco con una rocola, Estrenada en 1964
Aquiles y Quelonio
Sebastián sale de compras
Compermiso
Torotumbo (adaptación de una novela de Miguel Ángel Asturias).
Delito condena y ejecución de una gallina y otras piezas de teatro grotesco, Estrenada en 1969
La última profecía, Estrenada en 1972
Sandino debe nacer, 1975
Rituales y testimonios
Árbenz, el coronel de la primavera, 1991.
Carlos Solórzano 
escritor y dramaturgo guatemalteco, naturalizado mexicano, nacido el 1 de mayo de 1919 en la
ciudad de San Marcos (Guatemala), fallecido el 30 de marzo de 2011 en la ciudad de México,
donde residía desde 1939. Estuvo casado con la escultora mexicana Beatriz Caso Lombardo, la cual
conoció cuando estudiaba Psicología en un instituto privado el cual pagaba con ingresos que
ganaba en una multinacional. Su bisabuelo, Justo Rufino Fue promotor del Teatro Mexicano, por lo
cual obtuvo en 1944 el grado de Maestro en Letras con la tesis:  “Del sentimiento de lo plástico en
la obra de Unamuno”, al año siguiente obtuvo el título de Arquitecto con el proyecto de un teatro
para la ciudad de Guatemala. En 1946 se graduó como Doctor en Letras con la tesis:  “Espejo de
novelas”, un estudio acerca de las novelas de "Unamuno". En 1948 es acreedor a la Beca
Rockefeller, para hacer estudios interdisciplinarios de Arte Dramático en el Conservatorio Nacional
de Francia y en la Sorbona de París, donde conoció y estableció relación con algunos distinguidos
dramaturgos franceses como Albert Camus y Emmanuel Robles.Barrios, fue Presidente de
República de Guatemala (1873-1885).
Creador del “Teatro Universitario” y de la organización del “Teatro Estudiantil Universitario” de
la Universidad Nacional Autónoma de México, también se desempeñó como Coordinador
Ejecutivo del Teatro de la Nación, México (1977-1981). Profesor Emérito de la Universidad
Nacional Autónoma de México (desde 1985). Presidente del Centro Mexicano del Instituto
Internacional de Teatro de la UNESCO (1990-2000). Miembro Adjunto de la Sociedad de Autores y
Compositores Dramáticos de Francia (desde 1963) y Miembro Correspondiente de: la Academia de
Artes y Ciencias de Puerto Rico, de la Academia Guatemalteca de la Lengua,

Premios
Representante de México en el primer seminario de dramaturgia en Puerto Rico. (1960)
Representante de México en el Festival de Teatro de las Naciones en París con su obra "Los
fantoches". (1963)
Representante de México en el XI Congreso de Literatura Iberoamericana en Austin, Texas. (1963)
Es distinguido por la Universidad Nacional Autónoma de México como Profesor Emérito de la
Facultad de Filosofía y Letras. (1985)
El Diploma de Honor del Teatro Universitario de la Universidad de San Marcos de Lima (1987).
El Premio Nacional de Literatura "Miguel Ángel Asturias" (Guatemala, 1989).
El Premio Universidad Nacional, en el área de Aportación Artística y Extensión de la Cultura
(México, 1989).
El Diploma al Mérito Universitario por 35 años de servicio, Universidad Nacional Autónoma de
México. (1991)
Es galardonado como Investigador Nivel III por el Sistema Nacional de Investigadores de México.
(1997)
Doctorado "Honoris Causa" por la Universidad Nacional de San Carlos de Guatemala. (1998)
El Premio "Armando Discepolo" de la Universidad Autónoma de Buenos Aires (2000).
El Diploma al Mérito Teatral de la Asociación Mexicana de Investigadores Teatrales (2003).
El Diploma al Mérito Universitario por 50 años de servicio, Universidad Nacional Autónoma de
México. (2006)
El Premio "Juan Ruíz de Alarcón" (2009).
la "Hispanic Society of América" y de la Academia Interamericana de Puerto Rico.

Obras de teatro
Espejo de Novelas
Doña Beatriz, la sin ventura
El hechicero
Las manos de Dios
El crucificado
Los fantoches de Andalucía
Tres actos
Cruce de vías
El zapato
El sueño del ángel
Los falsos demonios (obra de teatro)
EXPRESION ARTISTICA
I BASICO