UNIVERSIDAD PRIVADA “FRANZ TAMAYO”

FACULTAD DE DISEÑO Y TECNOLOGÍAS CROSSMEDIA

CARRERA DE PUBLICIDAD Y MARKETING

EVIDENCIA SIGNIFICATIVA
ESTUDIANTES:
✔ JESÚS RIVALDO GUACHALLA AYALA
✔ WINNY ALEJANDRA MOLLINEDO CORTEZ
✔ IGNACIO ALVARADO LUJAN
✔ INES MARLENE CALLIZAYA VILLALBA
✔ MIGUEL MISAEL MAMANI VELASCO
✔ LAURA ANDREA MACHACA CATARI
✔ BELÉN SILVIA APAZA YAPITA
✔ LIZ ESTEFANI QUISPE PUSARI
✔ WILLY QUISPE AJPI

DOCENTE:
FATIMA VERONICA LAZARTE SUAREZ
MATERIA:
HISTORIA DEL ARTE
FECHA:
23/06/23
 ÍNDICE

INTRODUCCIÓN

Capítulo 1 DE LA CANCIÓN

1.1 Red Velvet 'Feel My Rhythm'…..…………………………………………………………………...

1.2 Características e Impacto Musical…..……………………………………………………………

1.3 Esencia
Musical…..………………………………………………………………………………………..

Capítulo 2 DE LOS OBJETIVOS

2.1 Objetivo General

……………………………………………………..…………………………………..

2.2 Objetivo Específico ……………………………………………………..………………………………

Capítulo 3 DE LAS REFERENCIAS ARTÍSTICAS

3.1 Piezas gráficas artísticas……………………………………………………………

3.8 El jardín de las delicias ……………………………………………………………

3.9 Landscape Shinnecock, Long Island………………………………………………………………

Capítulo 4 CONCLUSIÓN

Bibliografías

Capítulo 1 DE LA CANCIÓN
1.1 Red Velvet 'Feel My Rhythm'

Feel My Rhythm» es una canción pop-dance que fusiona una elegante muestra de «Air on the G-String»
de Bach con un fuerte ritmo trap. La letra sigue el estado de ánimo de la canción, expresando la libertad
que se siente durante un viaje imaginario a través del espacio y el tiempo. El video musical de la canción
se inspiró en la pieza de Bach, filmada en un formato de ópera que rinde homenaje al período clásico.

Mientras tanto, Red Velvet contó el regreso con los fanáticos a través de una transmisión especial en vivo
una hora antes del lanzamiento del álbum. El grupo también planea regresar a los fanáticos con un
concierto titulado ‘The ReVe Festival 2022: Prologue’, que originalmente estaba programado para el 19 y
20 de marzo, pero desde entonces se propuso para después.

1.2 Características e Impacto Musical

1.3 Esencia Musical

Objetivo general: Realizar un análisis exhaustivo de las obras de arte referenciadas en el video musical de
"Feel My Rhythm", centrándose en el análisis iconográfico, análisis formal y la historia de cada obra
encontrada, con el fin de comprender su relevancia y contribución estética al video.

Objetivos específicos:

1. Identificar las obras de arte referenciadas: Investigar y localizar las obras de arte específicas que
son referenciadas en el video musical de "Feel My Rhythm", asegurando su correcta
identificación y asociación.
 2. Realizar un análisis iconográfico de cada obra: Examinar los elementos simbólicos, alegóricos y
temáticos presentes en cada obra de arte referenciada, buscando comprender su significado y
cómo se relacionan con el mensaje y la estética del video musical.

3. Realizar un análisis formal de cada obra: Analizar los aspectos formales de cada obra de arte,
como la composición, el uso del color, las técnicas y estilos empleados, con el objetivo de
comprender cómo se traducen visualmente en el video musical y contribuyen a su estética.

4. Investigar la historia de cada obra: Indagar en la historia y contexto de cada obra de arte
referenciada, explorando su autor, período artístico, influencias y recepción histórica, para
comprender su importancia y relevancia en el panorama artístico.

Capítulo 3 DE LAS REFERENCIAS ARTÍSTICAS

3.1. OFELIA

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

Esta obra pictórica fue realizada por John Everett Millais, pintor e ilustrador británico. Millais fue la figura
más destacada de la pintura inglesa a mediados del siglo XIX.

Es Componente del grupo londinense conocido como La Hermandad Prerrafaelita, junto a otras grandes
figuras del momento como William Holman Hunt o Dante Gabriel Rossetti, que intentan manifestar sus
ideales en el campo de la creación artística como respuesta a la sociedad industrial de su entorno,
inspirando su obra en el pasado pictórico y rechazando, no solamente el arte de su época, sino todo
aquel que fuera anterior a la figura de Rafael.
La muerte de Ofelia fue motivo de inspiración de un cierto número de artistas del siglo XIX, como Arthur
Hugues, Alexandre Cabanel o John Williams Waterhouse entre otros. Este grupo de jóvenes pintores
buscaban, con su actitud, revitalizar el lenguaje pictórico inglés, que parecía haber perdido su seriedad y
sinceridad.

HISTORIA

El tema representado está inspirado en la obra de teatro “Hamlet” de William Shakespeare. La tragedia
trata sobre el príncipe de Dinamarca, Hamlet, quien, cuando regresa a su patria, descubre que su padre
ha muerto y que su madre, la reina, va a casarse con su tío Claudio.

Después de que el fantasma de su padre se le aparezca y le revele que fue asesinado por su tío, Hamlet
se centrará en vengar su muerte y en impedir que Claudio usurpe el trono. Ofelia, perteneciente a la
nobleza de Dinamarca, es advertida tanto por su padre Polonio como por su hermano Laertes de que no
se involucre con Hamlet, pues, al ser el heredero, no puede casarse con quien él elija.

Creyendo Polonio que Hamlet va a confesarle su amor a Ofelia, le dice a Claudio que se esconda detrás
de un tapiz para escuchar la conversación. Pero Hamlet le dice a Ofelia que se vaya a un convento, que
no va a casarse con ella y, pensando que ataca a Claudio tras la cortina, asesina por error a Polonio.

Ofelia se vuelve loca tras la muerte de su padre, aunque también a causa del abandono de su amante
Hamlet. Ofelia va al lago a coger flores, cuando se subió a una rama, se rompió y cayó al arroyo
muriendo ahogada.

ANÁLISIS FORMAL

En esta pintura se muestra una gran atención por los detalles, destacando la belleza y complejidad del
mundo natural. En la obra de Millais, Ofelia se encuentra flotando en el agua, rodeada de un gran
número de bellas flores, poseyendo cada una de ellas un significado simbólico.

Las margaritas que flotan en el centro del vestido de Ofelia significan “recuerdo” y “dolor de amor”.
Millais situó también una amapola cerca de las margaritas, una de las flores que Hamlet le regaló a
Ofelia. Millais se mantuvo fiel a su ambición de trabajar siguiendo los principios centrales del
Prerrafaelismo, y en particular, la fidelidad a la naturaleza.

La modelo de la obra es Elizabeth Siddall (quien fuera esposa de Dante Gabriel Rossetti, y que falleció en
1862 por suicidio con láudano). El asunto de una joven ahogada no era muy habitual en los cuadros de
aquellos tiempos, lo que brindaba al artista nuevas posibilidades de experimentar lo relacionado con la
ausencia de gracia y equilibrio.

Para su plasmación en el lienzo, el artista pasó varios días junto a un río pintando para poder retratar con
exactitud las flores y plantas. En esta obra, Millais consigue captar y reflejar el momento del tránsito de
la vida a la muerte de la joven mientras ésta flora en el agua mansa mientras de su boca casi puede
apreciarse como escapa el último aliento.
Este cuadro de Millais representa la escena de la muerte de Ofelia, personaje de Hamlet, una de las
obras teatrales más reconocidas de William Shakespeare, descrita en el Acto IV, escena VII, por la Reina
Gertrude. Shakespeare fue una de las fuentes preferidas para los pintores victorianos, y la trágica y
romántica figura de Ofelia era un tema especialmente popular. Esta escena se presta para ser
representada, ya que en la obra el suceso es únicamente narrado por uno de los personajes, ofreciendo
los detalles a la imaginación para que se forje en ella una imagen propia del momento.

En todo el cuadro está presente un nivel exagerado de detalle, característico del realismo, así como el
protagonismo de la mujer, característico a su vez del movimiento de la Hermandad Prerrafaelita, a la cual
pertenecía Millais y que se separó cuando este fue elegido como miembro de la Academia Real.

Predominan los colores brillantes que responden a una luz cálida, contrastando con los tonos pálidos del
rostro y el vestido de la mujer, cuya posición, flotando acostada a merced del río, genera tensión visual.

En las flores representadas se esconde un profundo simbolismo, expresando muerte, amor en vano,
dolor, inocencia y fe.

El proceso de pintar el cuadro constó de dos parte

- El paisaje: Pintó frente al río Hogsmill en Londres, soportando las moscas, trabajando 6 días a la
semana, 11 horas al día durante 5 meses. Cuando llegó el invierno tuvo que refugiarse en una choza que
encontró, sobre la cual dijo que le hizo sentir como Robinson Crusoe, y mandó a realizar una idéntica
para sí mi

- Ofelia: Fue modelada en su estudio por la artista y musa Elizabeth Siddal (de 19 años), quien
posteriormente se casó con Dante Gabriel Rossetti, colega prerrafaelita de Millais.

3.2 Woman with a Parasol

Los impresionistas tomaron la decisión de formar un grupo y exhibir sus obras fuera de aquellos espacios
más convencionales y academicistas. El mantenerse alejados de las limitaciones de las academias
permitió a Monet pintar temas como este, el paseo de su familia por el campo.

En la composición, el espectador está en el lugar donde hubiera estado Monet, dejándonos participar de
ese momento familiar y cotidiano. Un retrato alejado de los retratos de familia convencionales y en el
que se recrea un momento lleno de espontaneidad y naturalidad. Para ello Monet, maestro en captar el
instante, utiliza pinceladas rápidas, creando el efecto de que la escena es una instantánea, aunque, y
como solía ser habitual, la familia posó durante horas.

Monet aplica el color de forma inteligente, esto es, los tonos más llamativos y vibrantes son los verdes
de la hierba, equilibran así el protagonismo y predominio de los azules del cielo. Un verde que también
se repite en la sombrilla, guiando así nuestra mirada de arriba abajo. La figura de Camille se pinta en un
color blanco y azulado que también elevan nuestros ojos hacia el cielo, logrando también que nos
fijemos en el niño al añadirle uno tonos de rojo en el rostro y en sombrero.

Las sombras de las figuras las pinta en tonos violeta, algo muy típico el impresionismo, recreando
también los efectos de la luz sobre cada de las figuras y mostrando su paso a través de la sombrilla,
además del efecto del velo flotante sobre el rostro de Camille.

Mujer con sombrilla recibió numerosos elogios cuando se exhibió en la segunda exposición impresionista
del año 1876, considerándose como una de sus obras atmosféricas más bellas. Esta exposición se celebró
en la Galería Durand-Ruel, presentando Monet unas 18 pinturas. Aunque la exposición no muy celebrada
por la prensa, sí que recibió críticas positivas por la gran calidad en el tratamiento de la luz. Así, Edmond
Duranty, novelista y crítico de arte, señaló en su obra La Nouvelle peinture como los impresionistas
3.3 El columpio

"El columpio", conocida también como "Los azares felices de la escarpoleta", fue encargada por el barón
de Saint-Julien, un prominente miembro de la aristocracia francesa, a Jean-Honoré Fragonard en 1767. El
barón tenía un romance clandestino con una joven de la alta sociedad, y decidió conmemorar su amor a
través de esta obra de arte.

Fragonard, reconocido pintor del período rococó, capturó en la pintura una escena de seducción y
coqueteo. La composición muestra a una joven elegantemente vestida, sentada en un columpio de
cuerda, siendo impulsada por un obispo. Mientras la joven se balancea, su amante se encuentra oculto
en los arbustos, mirándola con deleite y aprovechando la visión sugerente que se revela bajo su falda.

La obra es un ejemplo característico del estilo rococó, que se caracteriza por su enfoque en la belleza, la
frivolidad y la exuberancia decorativa. "El columpio" refleja perfectamente estos aspectos, con su paleta
de colores suaves y luminosos, los detalles intrincados en la vestimenta y los elementos decorativos, así
como la representación de una atmósfera de juego y seducción.

Cuando la obra fue exhibida en el Salón de París en 1767, generó una gran controversia y provocó
reacciones encontradas. Algunos críticos la consideraron una representación inmoral y escandalosa de la
sociedad de la época, mientras que otros la elogiaron como una manifestación del espíritu libertino y la
exuberancia del período rococó.

A pesar de las críticas, "El columpio" se convirtió rápidamente en una de las obras más icónicas de
Fragonard y del rococó en general. Su encanto y su capacidad para evocar emociones y sensaciones le
han valido un lugar destacado en la historia del arte. En la actualidad, la pintura se encuentra
resguardada en el Museo del Louvre de París, donde continúa cautivando a los visitantes con su encanto
seductor y su refinada ejecución artística.
3.4 El jardín de las delicias (el búho)

En el panel del infierno, Hieronymus Bosch representa un mundo caótico y lleno de sufrimiento. El búho
se encuentra en la esquina inferior derecha de esta escena infernal, rodeado de criaturas grotescas y
monstruosas. El búho en sí mismo es una figura intrigante y enigmática en esta composición.

En el contexto medieval y renacentista, el búho se asociaba con la oscuridad, la noche y el misterio. Su

naturaleza nocturna lo vinculaba con lo desconocido y lo sobrenatural. Además, el búho tenía una fuerte
conexión simbólica con la brujería y la magia negra. En muchas culturas, se creía que el búho era un ave
de mal agüero y se le consideraba un símbolo de muerte y desolación.

En "El jardín de las delicias", el búho puede interpretarse de varias maneras en el contexto del infierno
representado por Bosch. Por un lado, su presencia podría enfatizar la oscuridad y la desolación del lugar,
evocando una sensación de amenaza y peligro. También puede simbolizar la astucia maliciosa o la
sabiduría maligna, insinuando que incluso en el infierno hay seres que aprovechan el sufrimiento de los
condenados.

Asimismo, el búho podría representar la dualidad de la naturaleza humana y su propensión al mal. Bosch
utiliza numerosos elementos simbólicos en sus obras para explorar los vicios y los pecados humanos. El
búho, como criatura nocturna, puede simbolizar los aspectos oscuros y ocultos de la naturaleza humana
que emergen en el infierno.

Es importante destacar que las interpretaciones simbólicas de "El jardín de las delicias" y del búho en
particular son especulativas, ya que Bosch no dejó registros escritos sobre sus intenciones. Sin embargo,
es evidente que el búho desempeña un papel significativo en la atmósfera inquietante y surrealista del
panel del infierno, añadiendo una capa adicional de misterio y simbolismo a esta obra maestra del arte
renacentista.

3.5 El jardín de las delicias (la flor)

En el panel central de "El jardín de las delicias", entre las muchas escenas enigmáticas y sugerentes, se
encuentra una piscina rodeada de mujeres desnudas. En el centro de esta piscina se destaca una gran
flor en plena floración. La presencia de esta flor dentro de la piscina de las mujeres es una de las muchas
representaciones simbólicas que se encuentran en la obra.

La flor en sí misma se interpreta como un símbolo de la belleza y la sensualidad. Su presencia en la

piscina, rodeada de mujeres, sugiere una relación entre la belleza natural y la feminidad. La flor, con sus
pétalos abiertos y colores vibrantes, representa la atracción y la tentación que pueden emanar de las
mujeres y su sensualidad.

La piscina en la que se encuentra la flor es un espacio misterioso y paradisíaco. Las mujeres que la
rodean parecen disfrutar de su presencia y se sumergen en el agua mientras interactúan entre sí. Esta
escena ha sido interpretada como una representación de la lujuria y el deseo desenfrenado, donde las
mujeres son vistas como objetos de deseo y tentación.

La presencia de la flor y la piscina de las mujeres en "El jardín de las delicias" forma parte de la visión
surrealista y simbólica de Hieronymus Bosch. A través de su arte, Bosch exploró temas como el pecado,
la moralidad y las consecuencias de los placeres terrenales. La inclusión de esta escena en particular nos
invita a reflexionar sobre la dualidad del placer y el pecado, y cómo pueden interactuar en la experiencia
humana.
En general, "El jardín de las delicias" es una obra intrigante que despierta la imaginación y ha sido objeto
de numerosas interpretaciones a lo largo de los siglos. La presencia de la flor dentro de la piscina de las
mujeres es solo una de las muchas representaciones simbólicas y enigmáticas que hacen de esta obra
una joya del arte renacentista.

3.6 Landscape Shinnecock, Long Island

William Merritt Chase (Americano, 1849–1916), Paisaje: Shinnecock, Long Island, ca. 1896. Óleo sobre
tabla de madera, 36,3 x 40,9 cm; 65,1 × 69,3 × 8,5 cm (marco). Donación de Francis A. Comstock, Clase
de 1919 (y1939-35)

En 1878, después de una amplia formación en la Königliche Akademie de Múnich, William Merritt Chase
regresó a Nueva York para comenzar una larga e influyente carrera docente, primero en la Art Students
League y luego de forma privada. Con el apoyo de patrocinadores adinerados como la Sra. Andrew
Carnegie y la Sra. William K. Vanderbilt, en 1891 fundó la Escuela de Arte de Verano Shinnecock en el
exclusivo Southampton de Long Island, donde durante más de una década enseñó su variedad de pintura
al aire libre hábilmente producida. .

Residiendo en medio de las dunas en una casa diseñada por Stanford White, Chase continuó
produciendo prodigiosamente su propio arte, que en respuesta a su entorno iluminado asumió una
apariencia más clara y espesa, lo que hizo que se identificara cada vez más con el impresionismo
estadounidense que con el realismo. Al igual que con otros seguidores estadounidenses del estilo,
Paisaje: Shinnecock, Long Island es un ejemplo particularmente exitoso de un grupo de escenas similares
que muestran a los miembros de la familia de Chase descansando y jugando. La imagen cuidadosamente
equilibrada combina en su pequeño formato cuadrado el tema favorito del artista, el paisaje con la
representación comprensiva de la clase ociosa, representada en un estilo cuyo énfasis en la superficie y
el acabado sobre el contenido resume su visión de que "El arte trasciende la naturaleza. Uno debe pintar
lo que hay detrás del ojo del artista".

En 1891, con el apoyo de patrocinadores adinerados como la Sra. Andrew Carnegie y la Sra. William K.
Vanderbilt, Chase, bien conectado, fundó la Escuela de Arte de Verano de Shinnecock Hills en el exclusivo
Southampton de Long Island, donde durante más de una década enseñó su variedad de pintura al aire
libre hábilmente producida. Residiendo en medio de las dunas, Chase continuó produciendo su propio
arte, que en respuesta a su entorno asumió una apariencia más ligera. Paisaje: Shinnecock, Long Island
es un ejemplo particularmente exitoso de un grupo de escenas similares que Demuestran a los
miembros de la familia de Chase descansando o jugando. La imagen cuidadosamente equilibrada
combina en su pequeño formato cuadrado el tema favorito del artista: el paisaje y la representación
comprensiva de la clase ociosa.

3.7 LA NOCHE ESTRELLADA

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO

Para abordar el significado de La Noche estrellada de Van Gogh necesitamos conocer el contexto en el
que el genial artista holandés se movía a finales de la década de los 80 del siglo XIX. Vincent estaba
recluido en el sanatorio de Saint-Rémy, ya en la última etapa de su vida. Poco tiempo antes de pintar este
cuadro, se había arrancado el lóbulo de la oreja tras una discusión con su amigo Paul Gauguin.
Se trata, por lo tanto, de un momento convulso en su vida, donde las alucinaciones juegan un papel
importante, que podemos apreciar con facilidad en obras como la que hoy nos ocupa.

Van Gogh representa en esta obra las vistas nocturnas que tenía desde su habitación del manicomio,
aunque curiosamente la obra se pintó de día. Muestra la naturaleza con fuerza y sin titubeos, de la forma
en que él la aprecia en esos momentos de su vida.

ANÁLISIS FORMAL

Dentro de La noche estrellada llama poderosamente la atención el tratamiento de la luz. Los focos que
iluminan la escena nocturna son las estrellas, tratadas de una manera novedosa, que a la postre se
convertiría en característica del estilo de Van Gogh. El genio holandés las construye a través de esferas
que aparecen rodeadas por una especie de halo, compuesto por gruesas y pastosas pinceladas. El resto
del cielo se muestra en forma de espirales, que contribuyen a dar un mayor aspecto alucinógeno al
cuadro.

En primer plano, y como referencia vertical, Van Gogh coloca cipreses. tomados de las estampas
japonesas, que también le influyen en la firmeza de las líneas de los contornos. El otro gran motor que
proporciona fuerza a la obra es el color, característico de estas últimas obras del autor, y que irradia
euforia y emoción a base de tonos morados y amarillos.
3.8 Almond Blossom

ANÁLISIS ICONOGRAFICO

"Almond Blossom" es una obra icónica de Vincent van Gogh y contiene una serie de elementos que
pueden ser analizados desde una perspectiva iconográfica. A continuación, se presenta un análisis de los
principales elementos presentes en la obra:

1. Almendro en flor: El almendro en flor es el elemento central de la pintura y ocupa la mayor parte
del lienzo. Representa la llegada de la primavera y simboliza la renovación, la esperanza y la vida.
Van Gogh utiliza pinceladas rápidas y enérgicas para capturar la vitalidad de las flores y resaltar
su belleza efímera.

2. Ramas entrelazadas: Las ramas del almendro están entrelazadas y forman una especie de cúpula
sobre el fondo azul. Este patrón de ramas crea un efecto visual interesante y puede interpretarse
como un símbolo de unión y protección. También podría evocar la idea de la naturaleza como un
ciclo continuo de crecimiento y renovación.

3. Fondo azul: El fondo azul intenso que rodea al almendro representa el cielo. Este color vibrante
contrasta con los tonos más suaves de las flores y aporta una sensación de calma y serenidad a la
obra. El azul también puede asociarse con la espiritualidad y la trascendencia.
 4. Ausencia de figuras humanas: A diferencia de muchas otras obras de Van Gogh, "Almond
Blossom" no presenta figuras humanas. Esto enfatiza la importancia de la naturaleza y la belleza
de la flora en la obra. La ausencia de figuras humanas también puede evocar una sensación de
tranquilidad y pureza.

5. Significado personal: Esta pintura fue creada por Van Gogh como un regalo para su hermano
Theo y su esposa, quien acababa de dar a luz a su hijo. Por lo tanto, "Almond Blossom" también
puede tener un significado personal y representar la celebración de la vida, el amor y la familia
en la vida del artista.

En general, "Almond Blossom" es una obra que combina elementos naturales con un estilo expresivo y
enérgico. A través de la representación de las flores de almendro en flor, Van Gogh transmite un mensaje
de esperanza, renacimiento y belleza efímera. La combinación de colores vibrantes y pinceladas
enérgicas refuerza el impacto visual de la obra y la convierte en un ejemplo distintivo del estilo
postimpresionista de Van Gogh.

HISTORIA

La historia detrás de "Almond Blossom" tiene sus raíces en el contexto personal y familiar de Vincent van
Gogh. En 1888, su hermano Theo se casó con Johanna Bonger, y en enero de 1890, nació su hijo Vincent
Willem van Gogh, quien más tarde se convertiría en el principal defensor y promotor de la obra de su tío.

Vincent van Gogh tenía una estrecha relación con su hermano Theo, a quien consideraba su confidente y
apoyo emocional. Cuando Theo y Johanna dieron la bienvenida a su hijo, Vincent decidió hacerles un
regalo especial para celebrar el nacimiento.

Fue así como Vincent se inspiró en los almendros en flor que había visto durante su estancia en el sur de
Francia, específicamente en la región de Arlés. La belleza efímera de las flores de almendro en primavera
capturó la atención del artista y decidió plasmarla en una pintura como símbolo de vida, renacimiento y
esperanza.

Van Gogh pintó "Almond Blossom" en febrero de 1890, durante su estancia en el Hospital Psiquiátrico de
Saint-Rémy-de-Provence, donde se encontraba recuperándose de una crisis emocional. La pintura se
convirtió en un regalo de afecto y felicitación para su hermano, su cuñada y su sobrino recién nacido.

El cuadro presenta una composición vibrante, con las ramas entrelazadas del almendro creando una
especie de cúpula sobre un fondo azul intenso. Van Gogh utilizó pinceladas enérgicas y colores audaces
para transmitir la vitalidad y la belleza de las flores.

Tristemente, Vincent van Gogh falleció solo unos meses después de crear "Almond Blossom", en julio de
1890. La pintura pasó a formar parte de la colección de Theo y, más tarde, de su hijo Vincent Willem van
Gogh. A lo largo de los años, la obra ha sido exhibida en diversas galerías y museos, y actualmente se
encuentra en la colección permanente del Museo Van Gogh en Ámsterdam, donde continúa cautivando
a los espectadores con su belleza y simbolismo.

ANÁLISIS FORMAL

"Almond Blossom" de Vincent van Gogh puede ser analizada formalmente desde varios aspectos:

Composición: La composición de la pintura presenta un enfoque central, donde el almendro en flor

ocupa la mayor parte del lienzo. Las ramas entrelazadas forman una especie de arco o cúpula que abarca
el espacio superior de la obra. Esta composición crea un efecto visual dinámico y atractivo, dirigiendo la
atención del espectador hacia las flores y generando un sentido de movimiento ascendente.

Color: Van Gogh utiliza una paleta de colores vibrantes y contrastantes en "Almond Blossom". El fondo
del cielo se representa en un azul intenso, mientras que las flores de almendro presentan tonos suaves
de blanco y rosa. El contraste entre el azul y los tonos suaves resalta la belleza de las flores y crea una
sensación de luminosidad. Los colores intensos y saturados refuerzan la energía y la vitalidad de la
naturaleza representada.

Textura y pinceladas: La pintura muestra la característica pincelada expresiva y enérgica de Van Gogh. Las
pinceladas son visibles y aportan textura a la superficie del cuadro. Van Gogh aplica la pintura con trazos
rápidos y amplios, dando vida a las flores y transmitiendo un sentido de movimiento y vitalidad. La
textura y las pinceladas contribuyen a crear una superficie dinámica y sensorialmente rica.

Perspectiva: La perspectiva en "Almond Blossom" es relativamente plana, con las flores y las ramas
representadas de manera frontal y sin una profundidad espacial pronunciada. Esto enfatiza la
bidimensionalidad de la obra y permite que los detalles y las formas se destaquen. Aunque la
perspectiva es simplificada, se puede apreciar una sensación de volumen y tridimensionalidad en las
flores y las ramas.

Tamaño y formato: Las dimensiones de la pintura son aproximadamente 73.5 cm x 92.4 cm, lo que la
convierte en una obra de tamaño mediano. El formato vertical permite que las ramas del almendro se
extiendan hacia arriba, llenando el espacio de manera vertical y creando una sensación de crecimiento y
verticalidad.

CONCLUSIONES

El uso de referencias de obras artísticas en video clips, como el caso de "Feel My Rhythm", es una
práctica que puede enriquecer y añadir profundidad a la experiencia visual y estética de la música. Estas
referencias permiten establecer un diálogo entre diferentes formas de expresión artística y crear
conexiones que amplían el significado y la interpretación de la obra audiovisual.

En el caso específico de "Feel My Rhythm", el video clip utiliza referencias de reconocidas obras
artísticas, como "Almond Blossom" de Vincent van Gogh, para complementar y enriquecer la narrativa
visual de la canción. Estas referencias pueden tener múltiples propósitos, desde aportar una estética
visual atractiva hasta transmitir significados simbólicos más profundos.
El uso de referencias artísticas en video clips también puede ser una forma de rendir homenaje a la
historia del arte y a los grandes maestros, así como de establecer un diálogo entre el pasado y el
presente. Al incorporar elementos visuales reconocibles y asociados con obras icónicas, se crea una
conexión emocional y estética con el legado artístico y cultural.

Además, el uso de referencias artísticas puede invitar al espectador a reflexionar sobre la

intertextualidad y la influencia de las obras pasadas en la creación contemporánea. Estas referencias
pueden desencadenar una apreciación más profunda de la música y el video clip, así como fomentar el
interés por descubrir y explorar más sobre las obras de arte referenciadas.

Bibliografías

-https://www.mundokpop.website/red-velvet-rinde-un-divertido-homenaje-a-los-clasicos-en-el-mv-d
e-feel-my-rhythm/

- https://lacamaradelarte.com/obra/ofelia/

https://lacamaradelarte.com/obra/la-noche-estrellada/

https://www.vangoghmuseum.nl/en/collection/s0176V1962

https://www.vangoghmuseum.nl/en/collection/s0176V1962

https://artmuseum.princeton.edu/collections/objects/20821

https://artsandculture.google.com/asset/landscape-shinnecock-long-island/7gFng74emDnd6Q

https://historia-arte.com/obras/mujer-con-sombrilla