El dibujo y la pintura

Nombre: Isaac David Quiñones Nuñez

Grado : 2°

Sección: B

Curso : Arte y cultura

Profesor: Eduardo Muñoz Arroyo

 El dibujo

Historia:

Desde los inicios de la humanidad, el ser humano ha tenido la necesidad de

plasmar todo lo que le rodeaba, su naturaleza, su manera de vivir, entre

otros. Ellos encontraron en el dibujo esa especie de lenguaje universal que

les sirvió para inmortalizar sus testimonios en relatos gráficos que, hasta la

fecha, nos han dado conocimiento de cómo eran estas personas y cuáles

fueron las creencias más importantes en sus vidas.

Los primeros dibujos se remontan en el Paleolítico Superior, aproximadamente hace 35,000 años, cuando

el Homo Sapiens plasmaba sobre las piedras o paredes rocosas de las cuevas o sobre la piel de animales

que cazaban. En el mundo han encontrado estas pinturas rupestres, que hoy es símbolo del arte desde los

inicios de la humanidad.

Se puede considerar que el dibujo es el origen de todas las artes. A través de los años, pasó de ser un

importante recurso de comunicación, a ser considerado y valorado también como un arte en el que se

han producido gran cantidad de obras a lo largo del mundo, cada una de ellas con características

particulares y con un estilo único que fue mejorando conforme el hombre evolucionaba.

Reconocemos la importancia del dibujo en la historia del ser humano, por eso te contaremos cuál es el

origen del dibujo, dónde surgió, cómo se ha ido manifestando este arte a través de cada etapa y cultura y

también cómo se ve reflejado hoy en día, sumado a los particulares cambios que se fueron introduciendo

gracias a sus técnicas.

El origen artístico del hombre es casi tan antiguo como la humanidad, pues siempre el hombre buscó

expresarse. En un papel instrumental y subordinado, se desarrolló junto con las otras artes en la

antigüedad y la Edad Media. Ya fueran bocetos preliminares para mosaicos y murales, o dibujos y
diseños

arquitectónicos para estatuas y relieves, dentro de la variada producción artística de los edificios góticos

medievales y los talleres artísticos de la época, el dibujo como habilidad auxiliar no autónoma estaba

subordinado a las otras artes. Limitadamente se puede hablar de centros de dibujo en la Alta Edad Media;

es decir, los scriptorium de los monasterios de Corbie y Reims en Francia, así como los de Canterbury y

Winchester en Inglaterra, y también algunos lugares en el sur de Alemania, donde se cultivaron varios

estilos de iluminación de libros fuertemente delineatorios (ilustrados gráficamente).

¿Qué es?

El dibujo es una forma de expresión gráfica que consiste en plasmar imágenes sobre

un espacio plano a través de distintos tipos de instrumentos de dibujo. Dibujar

implica delinear imágenes de forma manual sobre un material de dibujo. El

concepto de dibujo refiere tanto al proceso mismo como al producto final.

Los dibujos pueden ser representativos, si reproducen de manera más o menos fiel un objeto

real, abstractos, si evocan sensaciones o emociones sin representación física, o simbólicos, si recurren a

convenciones culturales (por ejemplo, el dibujo de una señal de tránsito).

El dibujo puede realizarse con una gran cantidad de elementos de dibujo, tales como lápices,

marcadores, y tintas, y se realiza generalmente sobre toda clase de papeles, que son el soporte más

utilizados, aunque también pueden hacerse dibujos sobre casi cualquier tipo de material, desde plástico

hasta metales.

Hablar sobre qué es el dibujo puede ser algo muy, pero muy largo si nos metemos a

fondo entre los resquicios de las especificidades, técnicas, materiales, y demás

aspectos que lo componen. Afortunadamente, hay manera de sintetizar y de acabar

todos felices con una necesaria cantidad de información sobre este medio,

considerado como la base de todas las artes gráficas por muchos.

El deseo de compartir esto viene de contribuir a que la gente tenga una idea

diferente de lo que se trata el dibujar y facilitar el concebirlo como algo que va más

allá de esta idea moderna de hacer contornos en un papel sin más.

No quiero imaginar qué pensarían los grandes pintores y dibujantes del pasado si uno les saliera con una

definición tan simplona sobre qué es el dibujo, cuando desde sus inicios el dibujo ha estado imbuido no

sólo de la propiedad de plasmar todo tipo de cosas en una superficie, sino también cargado de filosofía,

significado y un mundo entero de simbolismo propio de un lenguaje que se abstiene de las letras.
Tipos:

En la actualidad existen muchos tipos de dibujos, los cuales se clasifican según su objetivo, de la

siguiente manera:

Dibujo técnico: es un tipo de dibujo especializado, en el que se emplean expresiones gráficas

precisas y exactas. Por lo que, debe ser aplicado por profesionales calificados en el área, entre los

que se pueden encontrar ingenieros, arquitectos, geólogos, etc.

Dibujo artístico: en este se expresan los sentimientos, emociones o la perspectiva del artista sobre

la realidad. También se puede emplear para representar ideas estéticas o filosóficas.

Dibujo geométrico: es representado por gráficas planas. El mismo se emplea como método para

enseñar a estudiantes desde nivel básico hasta universitario, los fundamentos necesarios para el

manejo de la mano sobre el papel. Además, se muestra cómo construir las principales figuras

geométricas de manera lógica.

Arquitectónico: son dibujos muy precisos y detallados que se utilizan como base para la

construcción de edificios. Lo que se busca con ello, es representar infraestructuras con las que se

pretende modificar el entorno humano.

Mecánico: es el tipo de dibujo aplicado para la representación de piezas de máquinas de gran

tamaño, como helicópteros, grúas, aviones, motos, etc. El mismo puede dividirse en tres estilos

diferentes: de pieza, de montaje y de conjunto. Los cuales se usan para representar una parte de la

máquina, el ensamblaje de las mismas y la maquinaria completa con cada una de sus piezas,

respectivamente.

Geodésico: en esta representación gráfica se dibuja al mundo en un aspecto bidimensional, como

si la tierra fuera plana, trazando los meridianos y paralelos en forma horizontal y vertical,

respectivamente.

Además de ello, existe otra clasificación asignada al dibujo, la cual corresponde al tipo de

concepción empleada. Entre estas se encuentran: dibujo de concepción, de definición, a mano

alzada, al natural, animado, artístico, de fabricación, industrial, entre otros.

Elementos:

En el dibujo se emplean tres elementos principales: soporte,

instrumento y tinta. Los cuales se describen a continuación:

Soporte: es cualquier material que sirva de apoyo o sobre el que se pueda

dibujar, como, por ejemplo, una hoja de papel o un lienzo.

Instrumento: se refiere al artículo que permite trazar las líneas y, por

consiguiente, realizar el dibujo en sí. Este depende de la técnica utilizada y

puede ser un lápiz, rotulador, bolígrafo, pincel, plumilla, etc.

Tinta: es el pigmento o color que permite dar diferentes tonalidades al

dibujo y darle forma o dimensiones al mismo. Este puede ser seco, como

en el caso de lápices de gráfico o de color, o húmedo, como es el caso de

las pinturas en óleo y los marcadores o rotuladores.

En resumen, el dibujo es una expresión gráfica que permite al

artista reflejar lo que siente u observa en un material

determinado, usando una técnica específica con ayuda de ciertos

elementos.

Importancia:

El diseño es una disciplina de anticipación, es por ello que el dibujo constituye una herramienta muy

valiosa e irremplazable durante el proceso de creación. Con él nos ayudaremos a la hora de lograr el

resultado más aproximado posible al producto que hemos diseñado. Por eso, el dibujo debe estar
ajustado

a la realidad. Formarnos en esta disciplina a través de la práctica de la misma es fundamental para ser

buenos diseñadores en el futuro.

Las ideas más originales siempre se han realizado por primera vez en forma de boceto o croquis a mano

alzada. Sin embargo, hoy en día, el uso de los programas de diseño ha hecho que releguemos a un
segundo

plano el contacto con la base del diseño: el dibujo. Esto se traduce en falta de originalidad y falta de

capacidad del diseñador a la hora de representar sus ideas más creativas.

Instrumentos y materiales:

Más que una técnica gráfica basada en el uso de la línea, el dibujo es la expresión de
una imagen que se hace en forma manual, es decir, se usa la mano para realizarlo. Los
instrumentos que se pueden usar son muchos, como también la superficie donde se puede
hacer. Los más usados son el papel como soporte y el lápiz como el instrumento, pero
actualmente se usan computadoras utilizando el teclado, mouse, o un lápiz óptico, más
común en Tablet PC.

Instrumentos :

Los instrumentos para dibujar son los lápices de grafito, como los lápices de dibujo (6b),
(2b) y (HB), los más importantes en el dibujo básico, la pluma
estilográfica , carboncillos, regla, compás o escuadras, entre otros.

Tintas y pigmentos :

El medio hace referencia a que tipo de tinta, pigmento o color va a ser utilizado sobre la
superficie a dibujar. La herramienta utilizada puede ser seca como el grafito, pasteles,
conté, o húmedo como marcadores, pluma o tinta. Los lápices acuosos pueden ser
utilizados en seco, pero al estar húmedos adquieren un tono diferente. Aunque es inusual,
en ocasiones los artistas trabajan con una clase de tinta invisible.

Soportes físicos :

El soporte físico puede ser cualquiera, desde la antigüedad se ha ido cambiando de un

formato a otro. Los más utilizados son aquellos basados en papel o cartón, aunque la
variedad llega a ser tan ingente que es difícil concretar. Según a que se destine el dibujo,
se puede utilizar desde el lienzo para una obra representativa con fines decorativos
al polipropileno para plasmar dibujos en carteles con fines publicitarios.

La pintura

Historia:

La pintura inicia como técnica de expresión humana hace 32.000 años, con

las primeras pinturas rupestres en las paredes de las cavernas que habitaba el

hombre primitivo. Empleaba para ello sangre y otras sustancias, que en lo

sucesivo serían reemplazadas paulatinamente por aceites y pigmentos. Sus

principales focos fueron, durante su historia, el paisaje, el desnudo humano, la

naturaleza muerta (o bodegón) y finalmente, el abstraccionismo.

La pintura acompaño los lugares ceremoniales y funerarios de las civilizaciones

antiguas, como lo túmulos funerarios egipcios, los tempos romanos o las

catacumbas cristianas paleocristianas.

A partir del Renacimiento europeo, se impuso junto a la escultura como una de

las grandes formas de expresión humana, siendo muy cultivada por artistas de

la talla de Miguelángel, Rafael o Leonardo Davinci.

¿Qué es?

Cuando hablamos de pintura o de artes pictóricas nos referimos a una forma artística

que busca representar la realidad gráficamente, empleando para ello formas

y colores sobre una superficie, a partir de pigmentos naturales y sintéticos mezclados

con sustancias aglutinantes (pinturas).

En ese sentido, la pintura echa mano conceptualmente al dibujo, la teoría del color y la composición

pictórica, así como a la perspectiva y a otros conocimientos que atañen a la visión y a la física de la luz.

Se trata de una de las Bellas Artes de la humanidad, junto con la literatura, la escultura, la música,

la danza, la arquitectura, el cine, la fotografía y la historieta. Y es probablemente una de las más

antiguas que se conocen.

Imprimiendo el color y la textura sobre un lienzo de papel, tela o cualquier otra superficie lisa que lo

permita (una pared, un trozo de madera, etc.), la pintura representa las características de la luz a través

de una diversidad de técnicas, más o menos figurativas (es decir, más o menos abstractas en su

representación).

Dichas técnicas, además, han evolucionado históricamente y se han adentrado en las nuevas

técnicas digitales y virtuales, como el videoarte o el arte digital. Las obras de los grandes pintores de la

historia se preservan en museos e iglesias y forman parte del acervo histórico y artístico de las naciones,

así como un patrimonio espiritual de la humanidad.

Tipos:
Los tipos de pinturas artísticas pueden clasificarse en base a cosas como el estilo y los materiales

empleados. Pero cuando la gente piensa en tipos de pintura de arte, normalmente se refiere a los

estilos o corrientes artísticas. Ha habido muchas a lo largo de la historia y cada una de ellas ha

tenido su momento de gloria. Los principales estilos de pintura son los siguientes:

Realismo:

El realismo busca representar la vida de la forma más fiel. Para eso los pintores realistas usan

hábilmente la pintura, el color y el tono. Mucha gente considera esta pintura como el “verdadero

arte”.

Hiperrealismo:

El hiperrealismo es un paso más allá del realismo. Se busca que la realidad sea con mayor

fidelidad que la fotografía. La pintura hiperrealista suele hacerse a partir de una fotografía.

Surrealismo:

Las pinturas del surrealismo son a menudo ilógicas y tienen una calidad onírica, haciendo

hincapié en el subconsciente. Sin duda Salvador Dalí es el pintor surrealista más famoso de la

historia.

Impresionismo:

El impresionismo se fija más en las formas que en los detalles. Por eso muestra sus preferencias

por las pinturas de paisajes (de hecho, los impresionistas prefieren pintar al aire libre) y le dan

especial importancia a la luz.

Expresionismo:

Como reacción al impresionismo nace el expresionismo. Se llama expresionismo porque busca

reflejar la expresión de los sentimientos y emociones más que la realidad.

Elementos:

El color es un elemento esencial en la pintura, ya que influye en el estado de ánimo, el

significado y el contenido de la obra. El color se puede usar para enfatizar ciertas partes de la

obra y crear un efecto visual. También puede ser utilizado para remarcar la focalización, el

estilo y los temas principales de la obra.

Línea:
Las líneas son otro elemento importante en la pintura. Pueden ayudar a guiar al observador a

través de una obra de arte y darle una sensación visual. Las líneas también pueden ser
utilizadas

para crear sombras, texturas y formas interesantes que darán a una obra una sensación

diferente.

Espacio:
El espacio es otra parte vital de la pintura, ya que determina el sentimiento e impacto de una

obra. El espacio es el punto de partida de la mayoría de las obras de pintura, ya que establece

los límites y la estructura para toda la obra. El espacio también sirve para darle a la obra una

sensación de profundidad y contenedor, junto con la habilidad de controlar la calidad de luz de

la obra.

Importancia:

La pintura es uno de los medios más antiguos para el arte y

la expresión. Durante los miles de años en los que ha estado presente, un montón de artistas e

historiadores han contribuido a aprovechar la pintura en multitud de campos

acercándola a una impresionante variedad de culturas. pero, ¿cuál es la importancia de la pintura?

Desde una perspectiva artística, la pintura se ha convertido en un lenguaje con el que artistas de todo el

mundo han podido conectar y expresarse.

El arte es una forma de expresión, y como tal ejerce un efecto liberador y desestresante para quien lo

practica y/o lo disfruta.

Es por esto que se utiliza en la psicología desde hace años como terapia para mejorar, sanar y dejar a un

lado cualquier enfermedad mental o trastorno que una persona pueda estar atravesando, con ayuda de

elementos artísticos o formas de creación de arte.

Instrumentos y materiales:

Lápices:

Quizás esta, la herramienta más básica que necesita un artista para crear sus pinturas. Un lápiz no sólo

se usa para crear la base de la pintura, sino también para crear los bocetos y modelos de la futura obra

de arte.

Borrador:

¡El complemento del lápiz! Necesitaremos un borrador para eliminar los errores que hemos cometido al

dibujar nuestro arte.

Cuaderno de dibujo:

Aquí podremos crear los primeros borradores de nuestra pintura sin temor a equivocarnos.

Pinceles:

Tal vez una de las herramientas más difíciles de seleccionar, ya que existen infinidad de tamaños, formas

y materiales; si tienes problemas para saber cual es el pincel que necesitas, lo mejor que puedes hacer

es probar las diferentes formas. ¡Recuerda! Lleva tiempo familiarizarse con los diferentes tipos de

pincel: la perfección es resultado de la disciplina y la experimentación.

Paleta para Pintura:

Esta herramienta será la superficie en la que mezclarás tus pinturas. Te recomendamos usar una paleta

que puedas sostener fácilmente, así podrás trabajar por grandes periodos de tiempo, sin interrupción o

incomodidades en el proceso de creación.

Lienzo de pintura (Canvas):

Los buenos lienzos vienen en una amplia gama de tamaños y no necesitas gastar una fortuna, algo

sumamente importante para comenzar.

Pintura:

¡Ahora estás listo para comenzar tu gran obra maestra! Pinturas de acuarela, aceites, acrílicos…, cada

pintura tiene sus propiedades únicas, así como cada artista tiene su preferencia, por lo que tú tendrás

que descubrir cual te da mayor creatividad o te ayuda a encontrar tu estilo propio.

Es importante que sepas elegir el tipo de papel para cada caso. Una acuarela, por ejemplo, utilizará un

papel de tipo Cansón o Guarro. Recuerda elegir bien el grosor del grano del papel, ya que las texturas

brindarán diferentes toques y traerán nuevos retos a tu técnica e inventiva.

Caballete para pintar:

Y por último, pero no menos importante, querrás tener un buen caballete que hará la función de

soporte para tus lienzos (canvas). La clave es encontrar un caballete estable que haga que las largas

horas de trabajo lleguen a ser placenteras en su totalidad.