RESUMEN ARTE Y MODERNIDAD

Tema 2: La subjetividad romántica. Los inicios del arte contemporáneo

El tema 2 aborda el Romanticismo como movimiento artístico y su influencia en el arte

contemporáneo.

Se destacan los conceptos clave del Romanticismo, que continúan influyendo en la estética
actual: creatividad, originalidad, individualismo, autenticidad, y la importancia de la vocación
artística.

En el Romanticismo, el arte deja de ser un negocio o una profesión para convertirse en una
expresión de la subjetividad y la libertad creativa del artista.

Los artistas románticos tienen la libertad de representar temas que estimulen su imaginación o
que les interesen personalmente, alejándose de los convencionalismos y las temáticas
impuestas por las academias.

El Romanticismo se caracteriza por su diversidad, desde artistas comprometidos y visionarios

hasta aquellos que buscan efectos menos sofisticados. También se exploran temas como el
orientalismo, el exotismo, lo popular y pintoresco, y la recuperación de periodos históricos
como la Edad Media.

El paisaje adquiere un papel protagonista en el Romanticismo y se define con nuevos términos

como lo sublime. El objetivo de los artistas románticos al representar el paisaje no es la
imitación o la copia, sino la expresión de sentimientos subjetivos y la conexión con la propia
vida interior.

Los objetivos del tema incluyen comprender el tránsito de la objetividad neoclásica a la

subjetividad romántica, valorar las nuevas ideas sobre libertad y originalidad, interpretar la
situación del arte y del artista en el Romanticismo, profundizar en la comprensión del paisaje
como expresión de la subjetividad, apreciar la diversidad del Romanticismo a través de sus
principales representantes y considerar la relación del artista romántico con la realidad de su
tiempo.

También se destaca la importancia de ampliar la mirada hacia otras historias del arte que
incluyan y visibilicen el legado de las mujeres artistas en el siglo XIX y en la historia del arte en
general.

En resumen, el tema 2 explora la subjetividad romántica y su impacto en el arte

contemporáneo, abarcando conceptos clave, la diversidad del movimiento, la importancia del
paisaje y los objetivos del tema. Además, se promueve la inclusión y visibilización del legado de
las mujeres artistas en la historia del arte.
TEMA 3: Siglo XIX (Parte II)

1. Realismo

- Se estudian las diferencias entre el Realismo y el Romanticismo. A mediados del siglo XIX, el
Realismo surge como una nueva forma de entender el arte, desde el compromiso político y
social del artista.

- Se destaca la importancia de Camille Corot y su utilización de la luz, el color y la

representación de paisajes sin idealizaciones.

- Se menciona a J. F. Millet y su enfoque en retratar la vida rural de manera positiva y digna.

- Se aborda la obra de H. Daumier, quien utiliza el dibujo para mostrar el compromiso social y
político con las clases desfavorecidas.

- Se estudia a G. Courbet, un artista provocador y comprometido que defendía una pintura

"sincera" y cuestionaba el papel del artista en la sociedad. También se menciona su
representación controvertida de temáticas y el impacto del feminismo en la visión de
desnudos femeninos en la historia del arte.

2. Impresionismo y posimpresionismo (1860-1900)

2.1 Impresionismo

- Se comprende el Impresionismo como un conjunto de propuestas y artistas heterogéneos

que rechazan el arte académico y oficial.

- Se destaca la relación de los impresionistas con la luz y la fotografía, lo cual les permite
establecer una conexión más directa con la realidad.

- Se estudian los artistas Manet, Monet y Degas en detalle, resaltando sus características
distintivas y sus contribuciones al movimiento impresionista.

2.2 Posimpresionismo

- El Posimpresionismo se considera una evolución del Impresionismo, y los artistas

posimpresionistas buscan respuestas a cuestiones pictóricas relacionadas con el acabado, el
dibujo, la forma, el espacio y el color.

- Seurat y Cezanne son mencionados como dos artistas posimpresionistas clave, cuyos
enfoques influyeron en movimientos de vanguardia posteriores, como el Cubismo y la
Abstracción.

- Se destaca el entendimiento del color de Gauguin y su búsqueda de nuevos valores

espirituales en la pintura.

- Van Gogh se menciona por su estilo de pincelada densa y subjetiva, que marca el desarrollo
del Expresionismo.
- Se hace referencia a la influencia de la estética japonesa en los artistas occidentales de este
período.

TEMA 4: SIGLO XIX (Parte III)

1. Ser artista y mujer en el siglo XIX

- Las limitaciones y restricciones para las mujeres artistas.

- La educación limitada y las dificultades para acceder a escuelas de Bellas Artes.

- La desigualdad de género en el estudio del arte y la falta de oportunidades.

- Excepciones destacadas, como Rosa Bonheur y Suzanne Valadon.

- La valoración y exclusión de las artistas impresionistas.

- La transgresión de lo convencional en la imagen personal de las artistas.

2. Artistas y movimientos en el cambio de siglo

- La influencia del impresionismo en el arte del cambio de siglo.

- La diversidad de artistas y propuestas en este periodo.

- Artistas destacados como Toulousse-Lautrec, Gustave Moureau, Édouard Vuillard y Henri

Rousseau.

3. La Viena de finales del siglo XIX

- El surgimiento de la Sezession y los Talleres Vieneses.

- Los antecedentes en el movimiento de las Arts & Crafts.

- La diferencia entre los Arts & Crafts y los Talleres Vieneses.

- Ejemplos de la visión totalizadora y multidisciplinar de los Talleres Vieneses.

- El papel de Gustav Klimt en la Sezession y los Talleres Vieneses.

4. El nacimiento de la escultura contemporánea

- La transformación de la escultura a finales del siglo XIX.

- Los artistas que desafiaron la tradición académica y representaron temas contemporáneos.

- Las innovaciones de Degas en la escultura.

- Auguste Rodin como padre de la escultura contemporánea.

- La importancia del contexto y la relación con el espectador en las obras de Rodin.

- La influencia y el trabajo de réplicas de Rodin a cargo de sus ayudantes.

 - Camille Claudel y su lucha contra los prejuicios de género.

- Medardo Rosso como renovador de la escultura y sus innovaciones.

TEMA 5. La idea de vanguardia como futuro ideal. Primitivismo, Cubismo, Fauvismo.

El Tema 5 aborda la idea de vanguardia como un futuro ideal y se centra en tres movimientos
artísticos: el Primitivismo, el Cubismo y el Fauvismo. Estos movimientos surgieron en Europa
durante las primeras décadas del siglo XX y tuvieron un impacto significativo en la forma de
entender el arte.

Primitivismo: Se destaca la importancia del Primitivismo en el desarrollo formal de los

lenguajes artísticos de vanguardia. Se reflexiona sobre el verdadero significado del término
"primitivo" y se exploran las influencias de las máscaras y esculturas africanas y oceánicas en
artistas como Picasso, Modigliani y Brancusi. Se enfatiza la simplicidad formal y el
esquematismo que sedujeron a los artistas modernos.

Cubismo: Se rastrean los antecedentes del Cubismo y se examina su comprensión de la

perspectiva y el color en diferentes manifestaciones (cubismo analítico, sintético, simultáneo,
tubular, etc.). Se contextualiza la contribución de artistas femeninas como Maria Blanchard,
Marie Laurencin y Sonia Delaunay, quien desafió las convenciones artísticas y buscó derribar
las barreras entre el arte y la vida. Se destaca el descubrimiento del collage y su influencia en la
composición artística.

Fauvismo: Se explora el Fauvismo como un movimiento que se caracterizó por el uso libre del
color, la eliminación del sombreado y la introducción de nuevos puntos de vista en la
superficie pictórica. Se destaca la figura de Matisse, su versatilidad en diferentes disciplinas
artísticas y su evolución desde las pinturas y esculturas iniciales hasta la abstracción sintética
de los papeles recortados.

En resumen, el Tema 5 del estudio de las vanguardias artísticas se enfoca en el Primitivismo, el

Cubismo y el Fauvismo como movimientos que desafiaron las normas estéticas tradicionales y
buscaron una nueva forma de entender y expresar el arte. Se examinan las influencias, los
hallazgos formales y las contribuciones de diversos artistas dentro de estos movimientos.

TEMA 6. Expresionismo Alemán y Futurismo Italiano

El Tema 6 abarca dos movimientos artísticos: el Expresionismo Alemán y el Futurismo Italiano.

Estos movimientos tuvieron un impacto significativo en el arte del siglo XX y se caracterizaron
por su enfoque en la expresión interior del artista y su visión utópica y provocativa.
1. Expresionismo Alemán: Se exploran las dos vertientes del Expresionismo alemán
representadas por el grupo "El Puente" y "El Jinete Azul". Se destacan los antecedentes del
movimiento en el Romanticismo, Van Gogh y Munch, así como su influencia en generaciones
posteriores como el Expresionismo Abstracto Americano e Informalismo Europeo. Se resalta la
importancia del grabado, la libertad en la aplicación del color y la visión pesimista de la ciudad.
Se enfatiza el liderazgo de Kandinsky en "El Jinete Azul" y sus reflexiones sobre la abstracción.
Se mencionan expresionismos periféricos como el belga y el gallego, con artistas como James
Ensor y Laxeiro.

2. Futurismo Italiano: Se examina la concepción utópica y controvertida del arte y la vida en el

Futurismo. Se destaca el papel de F. T. Marinetti y los manifiestos futuristas que proclaman la
rebeldía contra la historia y la tradición. Se resalta el enfoque en la tecnología, la velocidad y la
adhesión total al futuro. Se menciona la conexión del Futurismo con la ideología fascista y su
actitud machista. Se destaca la preferencia por el objeto industrializado y la relación del
movimiento con la moda masculina como expresión de rebeldía.

En resumen, el Tema 6 del estudio de las vanguardias artísticas se enfoca en el Expresionismo

Alemán y el Futurismo Italiano. Se analiza su influencia, sus características estéticas y sus
posturas ideológicas. Se exploran los antecedentes y las ramificaciones de estos movimientos,
así como su relación con otras disciplinas como el cine y la arquitectura.

Tema 7: Vanguardias Rusas (1919-1925)

En este tema se exploran las vanguardias rusas y su radicalidad, centrándose en las

manifestaciones teóricas y creativas de sus principales representantes y su compromiso con la
sociedad revolucionaria. Se estudia el ejemplo de Malevich y su participación en la exposición
0.10, donde se marca un punto de inflexión en su trayectoria y se inicia su compromiso con el
Suprematismo. Esta corriente busca una pintura de pureza absoluta, utilizando el cuadrado
como recurso principal y rechazando la representación figurativa tradicional.

Junto al Suprematismo, se analiza el Constructivismo, que utiliza materiales industriales y

busca crear nuevos lenguajes artísticos. Se abandonan las referencias objetuales y se trabaja
en la emancipación de la superficie del lienzo hacia el espacio tridimensional. Se mencionan
artistas como Tatlin, El Lissitzky y Rodchenko.

El "productivismo" se convierte en un objetivo fundamental de la vanguardia rusa,

considerando que la producción de artículos utilitarios bien diseñados es más importante que
la expresión individual o el experimento artístico. Esta creencia influye en la enseñanza del
arte en Rusia, siguiendo el modelo educativo de instituciones como la Bauhaus. Se mencionan
las contribuciones de artistas clave como Popova y Estepánova, que fusionan aspectos
artísticos y tecnológicos a través del diseño de moda y la estampación textil.
Se concluye señalando el fin de la relación entre la vanguardia rusa y los políticos
revolucionarios, ejemplificado en el caso de Malevich, quien se ve obligado a regresar a la
figuración y una concepción mimética de la pintura. Sin embargo, se destaca que el
Suprematismo sigue presente en las últimas pinturas figurativas de Malevich, manifestándose
en la ingravidez de las figuras, la pureza de los colores y el estampado de su ropa.

Tema 8: Neoplasticismo y Bauhaus

El tema 8 se divide en dos partes: Neoplasticismo y Bauhaus.

1. Neoplasticismo (1917-1931):

- Se estudia el movimiento Neoplástico, surgido en los Países Bajos con la revista De Stijl, que
promovía la abstracción en el arte y la arquitectura.

- Los artistas Neoplásticos trabajaban con formas geométricas regulares, como el cuadrado y el
rectángulo, y utilizaban colores primarios junto con blanco, negro y gris.

- El objetivo era alcanzar un arte visual que fusionara el arte y la vida, aboliera la distinción
entre ilusión y realidad y favoreciera la simplicidad y la purificación absoluta de la obra de arte.

- Theo Van Doesburg y Piet Mondrian son los principales representantes del movimiento.

2. Bauhaus (1919-1933):

- Se estudia la escuela de diseño Bauhaus, dirigida por W. Gropius, que buscaba la fusión de las
artes y la artesanía en la enseñanza.

- La Bauhaus enfatizaba la producción industrial y desarrollaba prototipos para la industria.

- Se exploran diferentes aspectos de la Bauhaus, como la experimentación fotográfica, la

arquitectura simbólica y experimental, la interrelación entre talleres y la creación de objetos
con diseño de calidad y precio asequible.

- Se destaca el trabajo del grupo de teatro dirigido por O. Schlemmer y la importancia de las
mujeres artistas en la escuela.

- Se mencionan las contribuciones de mujeres como Gunta Stölzl, Marianne Brandt, Lily Reich y
Anni Albers.

- Se resalta la importancia de la fotografía como una disciplina en la que las mujeres de la

Bauhaus encontraron su lugar.

- Se enfatiza el legado perdurable de la Bauhaus y sus principios pedagógicos centrados en la

relación con la industria y la unión de las diferentes artes.
En resumen, el tema 8 aborda el Neoplasticismo como movimiento artístico y el enfoque de la
Bauhaus en la fusión de las artes y la artesanía, su influencia en el diseño industrial y su
valoración de la producción en masa.

Tema 9: Dada

El tema 9 abarca el movimiento artístico del Dada, que tuvo lugar entre 1916 y 1923.

- El Dadaísmo surgió como una reacción a la Primera Guerra Mundial y a los movimientos
artísticos provocativos como el Futurismo y el Expresionismo.

- Se destaca el Cabaret Voltaire en Zurich como lugar de actividades irracionales y exaltadas,

donde se leía poesía fonética y se exploraba la tipografía como medio para crear significados.

- Tristan Tzara, poeta y escritor rumano, otorgó un papel primordial al azar en la composición
de sus poemas y se introdujo la idea de utilizar materiales no artísticos en obras de arte.

- Tras la declaración de la República de Weimar en Alemania en 1918, el Dadaísmo berlinés

adquirió una orientación política de izquierdas y se atacó la realidad cultural y política de la
posguerra.

- El fotomontaje, el collage, el ensamblaje, las performances irreverentes, el rechazo a la

pintura tradicional y la ironía provocadora son características del Dadaísmo.

- En Nueva York, el Dadaísmo se desarrolló de manera más tranquila, sin manifiestos ni

escándalos, en un grupo de artistas e intelectuales respaldados por una élite acomodada.

- Marcel Duchamp fue una figura destacada en el Dadaísmo neoyorquino, cuestionando el

sistema del arte y desafiando las convenciones artísticas.

- Duchamp enfatizó la importancia del contexto en la valoración del arte y utilizó el medio
expositivo para cuestionar las funciones tradicionales de museos y galerías.

- El legado de Duchamp ha sido considerado como uno de los más influyentes del siglo XX y ha
sido fuente de inspiración para corrientes artísticas posteriores, como el Pop Art y el
Minimalismo.

En resumen, el tema 9 explora el movimiento Dada, destacando su origen en Zurich como

reacción a la guerra, sus manifestaciones artísticas provocativas y su influencia en el arte del
siglo XX, especialmente a través de figuras como Tristan Tzara y Marcel Duchamp.
Tema 10: Surrealismo I

El tema 10 aborda el Surrealismo como movimiento artístico.

- El Primer Manifiesto Surrealista, publicado por André Breton en 1924, establece los
fundamentos ideológicos del movimiento, que enfatiza el conocimiento irracional y la
exploración de la inconsciencia.

- El Surrealismo surge en un contexto marcado por el desprecio hacia la sociedad burguesa y

materialista, considerada responsable de la Primera Guerra Mundial, y la influencia de las
ideas de Sigmund Freud sobre el inconsciente.

- Los surrealistas mantienen una actitud crítica hacia la sociedad burguesa, las religiones, el
puritanismo y la hipocresía, y exploran temas como el sexo y la violencia.

- El Surrealismo se manifiesta en dos versiones principales: la automática, que enfatiza el azar

en el proceso creativo, y la onirista, que se basa en las leyes del sueño y el subconsciente.

- Los artistas surrealistas individualmente aportan elementos propios al movimiento,

ampliando sus preceptos conceptuales. Por ejemplo, Salvador Dalí desarrolla el método
paranoico-crítico, mientras que Hans Bellmer explora el erotismo subversivo a través de la
representación de cuerpos de muñecas.

- En Galicia, se menciona la presencia surrealista a través de artistas como Maruja Mallo,

Eugenio Granell y Urbano Lugrís. Cada uno interpreta el surrealismo de manera personal,
construyendo paisajes fantásticos, creando seres imaginarios o desarrollando una trayectoria
cosmopolita.

- También se mencionan artistas surrealistas destacadas como Maruja Mallo, Amparo Segarra,
Unica Zürn y Kay Sage, cuya contribución no fue plenamente reconocida hasta décadas más
tarde debido a la etiqueta de "esposa o compañera de" otros artistas.

En resumen, el tema 10 explora el surgimiento e ideología del Surrealismo, sus

manifestaciones artísticas en las corrientes automática y onirista, así como la presencia
surrealista en Galicia y la contribución de artistas destacadas.