ARTE GRIEGO El arte griego se caracterizó por la representación naturalista de la figura humana,

no sólo en el aspecto formal, sino también en la manera de expresar el movimiento y las

emociones. El cuerpo humano, tanto en las representaciones de dioses como en las de seres
humanos, se convirtió así en el motivo fundamental del arte griego, asociado a los mitos, la
literatura y la vida cotidiana. Se conservan pocos ejemplos intactos o en su estado original de la
arquitectura y escultura monumental, y en el ámbito pictórico no se conocen grandes ciclos
decorativos. Sin embargo, se conservan importantes piezas de cerámica, monedas, joyas y gemas
que, junto con las pinturas funerarias etruscas, nos ofrecen algunas pistas sobre las características
del arte griego La función principal de la arquitectura, la pintura y la escultura monumental hasta
aproximadamente el año 320 a.C., fue de carácter público, ocupándose de asuntos religiosos y de
la conmemoración de los acontecimientos civiles más importantes, como las competiciones
atléticas. Los ciudadanos sólo utilizaron las artes plásticas para la decoración de sus tumbas. Sin
embargo, las artes decorativas se dedicaron sobre todo a la producción de objetos de uso privado.
El ajuar doméstico contenía un gran número de vasijas de terracota pintadas, con elegantes
acabados, y las familias más ricas eran propietarias de vasijas de bronce y espejos. Muchos objetos
realizados en terracota y bronce incorporaron pequeñas figurillas y bajorrelieves. TÉCNICAS Y
MATERIALES Los arquitectos griegos construyeron la mayoría de sus edificios en mármol o piedra
caliza, y utilizaban la madera y las tejas para las techumbres. Los escultores labraron el mármol y la
caliza, modelaron la arcilla y fundieron sus obras en bronce. Las grandes estatuas votivas se
forjaban con planchas de este metal o se recubrían de láminas de oro y marfil que se aplicaba
sobre una estructura interna de madera. Algunas veces se realizaban por separado las cabezas o
los brazos extendidos, que posteriormente se unían al torso. La escultura en piedra y en arcilla se
pintaba total o parcialmente con pigmentos brillantes. Los artistas griegos empleaban colores al
agua para pintar grandes murales o decorar vasijas. Los ceramistas modelaban las piezas en tornos
de alfarero y cuando se secaban las pulían, pintaban y cocían. PERÍODOS ARTÍSTICOS El arte griego
se divide normalmente en periodos artísticos que reflejan sus cambios estilísticos. Las
compartimentaciones cronológicas desarrolladas en este artículo son las siguientes: 1) periodos
geométrico y orientalizante (c. 1100 a.C.-650 a.C.); 2) periodo arcaico (c. 660 a.C.-475 a.C.); 3)
periodo clásico (c. 475 a.C.-323 a.C.); 4) periodo helenístico (c. 323 a.C.-31 a.C.). 1. LOS PERIODOS
GEOMÉTRICO Y ORIENTAL Vaso Northampton a- Cratera griega Período gemétrico La crátera fue
uno de los tipos de vasija muy frecuentes en la cerámica griega más antigua. Esta pieza del siglo
VIII del cementerio Dipyton, de 101,25 cm de altura, está decorada con unas figuras muy
estilizadas que participan en una comitiva fúnebre. La banda decorativa de la parte superior
muestra los meandros propios del arte griego arcaico. La decoración del vaso Northampton
constituye uno de los ejemplos del estilo de decoración cerámica de figuras negras, popular en la
Grecia de finales del siglo VII y principios del VI a.C. Los temas mitológicos y los diseños vegetales
reflejan el interés de los griegos por unos motivos que también son típicos del arte oriental. Estas
formas, además, aparecen destacadas con toques de luz blancos y pardos. A) Los vestigios más
importantes del arte griego de los periodos más antiguos son piezas de cerámica. Las vasijas del
periodo geométrico se decoraban con bandas de meandros y otros motivos geométricos, de ahí su
denominación. En los ejemplos más antiguos, los motivos rectilíneos se combinaron con
elementos curvilíneos derivados del arte micénico. Aproximadamente a principios del año 750 a.C.
se introdujeron motivos humanos y zoomorfos de formas estilizadas, como puede observarse en
las representaciones del cuerpo de un guerrero muerto o de un carro tirado por caballos. El mejor
ejemplo de cerámica de estilo geométrico son los vasos cinerarios, recipientes destinados a
contener las cenizas de los difuntos, que se encontraron en una necrópolis cercana a la puerta de
Dipylon de Atenas. B )El estilo de la cerámica decorada se modificó aproximadamente en el siglo
VII a.C., debido a la creciente colonización griega del Mediterráneo y al comercio con los fenicios y
otros pueblos orientales. En las vasijas de este periodo, conocido como periodo oriental de la
cerámica decorada, los diseños abstractos geométricos se reemplazaron por los motivos de
inspiración naturalista propios del arte oriental, como la flor de loto, la palmeta, los leones y las
esfinges. La ornamentación aumentó en cantidad y complejidad. Exiten dos TECNICAS. Dentro del
ESCUELA ATICA: 1. FIGURAS NEGRAS (engobe nero) sobre fondo natural de la terracota. Los
detalles se grababan por incisión y a veces se destacaban y se les daba profundidad con el uso de
reflejos de color rojo y blanco. Figuras de trazo fino y nervioso y muy lineales. Tuvo un gran
impulso entre los atenienses que las exportaban. Poseen temas mitológicos y diseños vegetales.
Se conoce el nombre de varios ceramistas que firmaban ya sus vasijas. 2. FIGURAS ROJAS sobre
fondo negro (500 a-c- en Atenas) Existen diferentes estilos: 1. ESTILO PROTOCORINTIO, siluetas
negras de figuras, generalmente animales desfilando, realizadas con formas redondeadas y
dispuestas en uno o varios pequeños frisos. 2. ESTILO CORINTIO, que se desarrolló plenamente
hacia el 550 a.C. y del que se conservan numerosos ejemplos, los vasos están abarrotados de
figuras sobre fondos florales. ESCULTURA / PERIODO GEOMETRICO De la escultura del periodo
geométrico se han encontrado únicamente pequeñas piezas en bronce o arcilla. Entre ellas cabe
destacar una pequeña figurilla de un atleta dorio realizada en bronce (Museo de Bellas Artes de
Boston). Las esculturas de este periodo no son representaciones realistas, sino obras esquemáticas
de naturaleza conceptual. Venus de Milo La Venus de Milo (c. 150-100 a.C.), descubierta en Melos
en 1820, está considerada como la escultura clásica realizada en mármol más conocida del mundo
antiguo. Mide 2,05 m de altura y representa a Afrodita (Venus en la mitología romana), la diosa
griega del amor y la belleza. 3 EL PERIODO ARCAICO Durante el periodo arcaico, con la extensión
geográfica y económica de la civilización griega, el incremento de la riqueza y los contactos con el
exterior propiciaron el desarrollo de la arquitectura y la escultura monumental. Ambas se hicieron
con el mármol y la piedra caliza que abundaban en Grecia. Los templos albergaban imágenes de
los dioses y estaban decorados con esculturas y pinturas. Esta última experimentó también un
gran desarrollo en la decoración de vasijas, que fueron importantes objetos de comercio
ESCULTURA Los griegos empezaron a esculpir en piedra inspirándose en las piezas monumentales
de Egipto y Mesopotamia. Las esculturas de bulto redondo compartieron la solidez y la
característica posición frontal de los modelos orientales, pero son más dinámicas que la egipcia.
Las esculturas masculinas y femeninas, a partir aproximadamente del año 575 a.C., reflejan en sus
rostros la denominada sonrisa arcaica. Aunque esta expresión no parece obedecer a razones
específicas en las figuras o situaciones en las que aparece reproducida, quizás fue empleada por
los griegos como un artificio que proporcionaba a las figuras un rasgo humano distintivo Las tres
tipologías que predominaron fueron el joven desnudo (kouros) y la doncella vestida (kore), ambos
en posición erguida, y la mujer sedente. En todos ellos aparecen acentuados los principales rasgos
del cuerpo y expresan, cada vez más, un conocimiento preciso de la anatomía humana. La razón
de ser de la representación de estos jóvenes fue por una parte de índole sepulcral y por otra de
carácter votivo. Algunos de los ejemplos más sobresalientes que se conservan son el primitivo
Apolo de Tenea (540 a.C. Alte Pinakothek, Munich), el Apolo de Piombino (510 a.C., Museo del
Louvre) y el Apolo Strangford (c. 500 a.C., Museo Británico, Londres. Los ropajes de las kore están
tallados y pintados con la delicadeza y la meticulosidad características de la escultura de este
periodo. VASIJAS CERÁMICAS Exiten dos TECNICAS. Dentro del ESCUELA ATICA: 3. FIGURAS
NEGRAS (engobe nero) sobre fondo natural de la terracota. Los detalles se grababan por incisión y
a veces se destacaban y se les daba profundidad con el uso de reflejos de color rojo y blanco.
Figuras de trazo fino y nervioso y muy lineales. Tuvo un gran impulso entre los atenienses que las
exportaban. Poseen temas mitológicos y diseños vegetales. Se conoce el nombre de varios
ceramistas que firmaban ya sus vasijas. 4. FIGURAS ROJAS sobre fondo negro (500 a-c- en Atenas)
Existen diferentes estilos: 1. ESTILO PROTOCORINTIO-+ La decoración de las vasijas cerámicas con
la técnica de las figuras negras, que llegó de Corinto a Atenas hacia el 625 a.C., se combinó con el
antiguo estilo ateniense, más lineal y de mayor tamaño. La decoración se realizaba en engobe
negro sobre el color rojo de la arcilla. Los detalles se grababan por incisión y a veces se destacaban
y se les daba profundidad con el uso de reflejos de color rojo y blanco. EL PERIODO CLÁSICO El arte
griego del periodo clásico, que se desarrolló desde la época de las Guerras Médicas hasta el final
del reinado de Alejandro Magno, por una parte se mantuvo totalmente independiente y por otra
ejerció una gran influencia en otras culturas. 4.1 La alta época clásica (c. 475 a.C.-448 a.C.)
Después de la victoria griega sobre los persas, la necesidad de reparar la devastación de la guerra
generó una gran actividad artística tanto en arquitectura como en escultura. Esto fue
especialmente evidente en Atenas, centro neurálgico del poder político y económico. ESCULTURA
La escultura de la alta época clásica no presenta la típica sonrisa arcaica o los suaves detalles
característicos del periodo anterior. En su lugar, transmite una cierta solemnidad además de
nueva fuerza y simplicidad de las formas. Numerosos trabajos de Policleto, entre los que se incluye
el Doríforo o portador de la lanza (Museo de Nápoles), Diadumeno de Delos (Museo Nacional de
Atenas) y la Amazona (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). En estas esculturas, la postura
frontal de las figuras del periodo arcaico se sustituye por posiciones más complejas y actitudes
más naturales. El periodo clásico medio (c. 448 a.C.-400 a.C.) El clasicismo pleno se desarrolló
durante la segunda mitad del siglo V a.C., especialmente bajo el patronazgo de Pericles, el político
ateniense. La arquitectura y la escultura de Atenas alcanzaron entonces una perfección raramente
igualada. Carl Purcell/Photo Researchers, Inc. Pórtico de las Cariátides, Erecteion El Erecteion es un
templo jónico construido hacia el 421-405 a.C. en la Acrópolis de Atenas. El pequeño pórtico del
lado sur del templo, conocido como pórtico de las Cariátides, muestra a seis figuras femeninas
soportando un entablamento jónico. El templo, se denominó de esta manera a partir de Erecteo,
un héroe mítico ateniense, y supuestamente marca el lugar donde los dioses griegos Atenea y
Poseidón se disputaron el dominio de Atenas. Escultores FIDIAS, el más import Un ambicioso
programa escultórico se extendía por las metopas, los frontones y el alto friso que recorría el
exterior de la cella. Fidias definió el estilo de las esculturas del Partenón, pero la mayoría de ellas
fueron probablemente ejecutadas por sus discípulos en el taller del maestro. Las metopas del lado
oriental representan una batalla de gigantes, las occidentales una batalla contra las amazonas, las
del norte la destrucción de Troya y las del sur la batalla entre lapitas y centauros. El friso
representa a los ciudadanos atenienses acercándose a la diosa Atenea en el cortejo procesional de
las fiestas panateneas. En el frontón oriental aparece el nacimiento de Atenea, rodeada de los
dioses del Olimpo, y en el frontón occidental su lucha con el dios Poseidón por el dominio de las
tierras del Ática. Las esculturas del Partenón y otros monumentos de la antigua Atenas se
conservan en la colección Elgin (porque fue lord Elgin quien los llevó a Inglaterra) en el Museo
Británico de Londres. Estatua de Zeus La estatua de Zeus que Fidias hizo para Olimpia hacia el 435
a.C., fue quizás la escultura más famosa de la antigüedad griega. La toga del dios y sus ornamentos
fueron realizados en oro y la escultura se esculpió en marfil. Hoy día la estatua se conoce
únicamente por los escritos que dejaron los contemporáneos de Fidias. Este grabado muestra una
reconstrucción imaginaria de la estatua que medía 12 m de MIRON: El Discóbolo, estatua de
tamaño natural realizada por Mirón de Eleutera hacia el 450 a.C. pertenece al periodo clásico del
arte griego. Originariamente hecha en bronce, sobrevive gracias a una copia romana en mármol.
La composición de la escultura incorpora dos arcos cruzados, creando una sensación de
movimiento y de tensión. Fidias y Policleto fueron los escultores más importantes del periodo
clásico medio. Para los antiguos, Fidias era el escultor de los dioses y Policleto el de los seres
humanos o mortales La escultura del último clasicismo estuvo dominada por Lisipo, Praxiteles y
Escopas. El primero esculpió ágiles atletas, como el desaparecido bronce del Apoxiomenos (c. 330
a.C.). Quizás el más excepcional de los tres sea Praxiteles, que trabajó en un estilo delicado y
elegante. En su Hermes con Dioniso niño (c. 330 a.C.-320 a.C., Museo Arqueológico de Olimpia) el
tronco del árbol en el que se apoya Hermes equilibra compositivamente la voluptuosa curva de la
figura. Su Afrodita de Cnidos (350 a.C., copia romana en el Museo Pío-Clementino, Vaticano)
aparece cubriéndose con la mano derecha el centro del cuerpo, en un gesto púdico que sirvió de
pauta para los desnudos femeninos posteriores. Su expresión combina la dignidad, el encanto
delicado y la frivolidad mundana. Sus párpados inferiores están remarcados únicamente por
medio de una talla ligera y la superficie de la figura está esculpida de tal forma que produce un
suave juego de luces y sombras. La escultura del último clasicismo estuvo dominada por Lisipo,
Praxiteles y Escopas. La escultura del siglo IV a.C. llevó más lejos los logros de Policleto. Lisipo
introdujo un nuevo canon que alargaba la longitud del cuerpo en proporción a la cabeza. EL
PERIODO HELENÍSTICO Los ejércitos de Alejandro Magno, tras conquistar las ciudades-estado de
Grecia, llevaron su cultura por todo Oriente Próximo. Las polis griegas sufrieron un importante
declive político y económico que afectó tanto a las esferas religiosas como a las sociales; esto dio
paso a una nueva forma de entender el arte. Los griegos fueron receptivos a la influencia de
ciertos elementos orientales, como la suntuosidad decorativa y las religiones exóticas. En las
ciudades más prósperas de Asia Menor, así como en Alejandría (Egipto), se desarrolló un nuevo
helenismo, mezcla del espíritu griego y de los estilos orientales. Con la conquista de Oriente por
Alejandro Magno, los artistas cuestionaron el canon clásico del arte griego y comenzaron a elegir
como modelos para sus obras no sólo otras tipologías étnicas, como persas o indias, sino también
estados físicos diferentes, como ancianos, enfermos o individuos con deformidades. la escultura
evolucionó hacia formas abiertas realizadas en un estilo muy emotivo, que obligaban al
espectador a mirar más allá del espacio de las figuras. El Sátiro dormido (Palacio Barberini, Roma),
la Victoria de Samotracia y la Afrodita de Melos, más conocida como la Venus de Milo (ambas en el
Museo del Louvre de París), son algunos ejemplos destacados. Además, la escultura del periodo
helenístico experimentó con nuevos recursos compositivos. Una de las disposiciones favoritas,
llamada posición en aspa, representa la figura humana con el torso retorcido, esto es, la cabeza y
los miembros dispuestos en direcciones contrarias. EL RENACIMIENTO Y LOS HISTORICISMOS
GRIEGOS En los siglos XV y XVI, sobre todo gracias a las copias romanas, la tradición artística griega
se recuperó en el arte y arquitectura renacentistas. El realismo, el sentido de la proporción y los
órdenes arquitectónicos de la antigüedad clásica resurgieron en el arte europeo. Asimismo, las
excavaciones de Pompeya y otros hallazgos grecorromanos que tuvieron lugar durante el siglo
XVIII propiciaron un nuevo auge de la antigüedad griega en el arte y esbozaron el movimiento
conocido con el nombre de neoclasicismo. El término clásico llegó a definir no sólo un periodo
concreto del arte griego, sino el arte griego y romano en general. . Los artistas y arquitectos
academicistas se limitaron a imitar las características formales del arte griego, a menudo sin
comprender su espíritu. En el siglo XX algunos artistas reaccionaron contra las tradiciones
académicas y comenzaron a valorar el arte griego del periodo arcaico por encima de los periodos
artísticos posteriores.