TEMA 2. LA NARRACIÓN EN IMÁGENES. LA CERÁMICA GRIEGA.

Se establece una cronografía de la cerámica griega encontrada en el cementerio de

Dypilon, en Atenas, ya que ésta se utilizaba en enterramientos. Se establecen jalones
mediante la observación de análisis tipológico de los vasos y sus leyes de decoración.
Todo es un trabajo de Coldstrea, quien realiza la siguiente división dentro del periodo
geométrico:
- Submicénico (1125-1050a.C.).
- Protogeométrico (1050-900 a.C.).
- Geométrico inicial o experimental (900-850 a.C.).
- Geométrico medio (850-760 a.C.).
- Geométrico final o tardío (760-700 a.C.).

PROTOGEOMÉTRICO (1050-900 a.C.):

Durante este periodo se empiezan a atisbar las características del periodo
geométrico. Se manifiestan unos principios que van a ser básicos en el arte griego a
través del tiempo, definiendo las características del arte griego, sobre todo en la
estética. Estos principios, como el orden, la armonía y la relación entre las partes,
empiezan a surgir en el geométrico. Se utilizan por tanto elementos geométricos para
representar esa exactitud que buscaban los griegos.
La caída del mundo micénico fue traumática para el mundo griego, que sufrió
un empobrecimiento y disminución de la población. Esta crisis se mantiene en el
periodo protogeométrico, un periodo muy pobre y de aislamiento. En cuanto al arte,
solo se conserva la cerámica, ya que apenas hay arquitectura, y la poca que hubo fue
realizada en barro. Tampoco hay escultura. Sin embargo, la cerámica es un material
fácil de hacer, y resistente.
La cerámica cambió en cuanto al periodo submicénico. Se produce una
antropomorfización del vaso, es decir, su forma emula el cuerpo humano. Además, se
define por la formación de ejes, uno vertical y otro horizontal, apareciendo entonces
una simetría. Además, se intenta definir cada uno de los elementos de manera
autónoma, dándole una decoración diferente a cada parte para individualizarlas. Esto
se denomina diartrosis.
La calidad de la cerámica mejora. Durante esta etapa no aparecen figuras
humanas ni animales. Se suele realizar una decoración de círculos concéntricos
abundantes, que se suelen colocar en los hombros. Son bidimensionales y bicolor,
pintada con barniz negro. A medida que se acerca al geométrico, se va cubriendo más
la superficie con este barniz.
GEOMÉTRICO INICIAL O EXPERIMENTAL (950-850 a.C.):
El barniz negro cubre ya los vasos enteros y sobre él se realizan los motivos
decorativos. Se hace uso del torno rápido, y hay un mayor cuidado en la búsqueda de
arcilla de buena calidad. Es una fase algo oscura, aunque se puede empezar a
verciertarecuperación económica. Empiezan los contactos comerciales, que poco a
poco empiezan a ser más intensos. En los enterramientos, que son de cremación, se
empiezan a ver las diferencias entre las personas más ricas, ya que hay algunos ajuares
en lo que se ven armas, joyas, y algunos elementos que indican que hay un cierto
poder en diferentes tumbas.
Se trata de un tipo de decoración bidimensional, y se tiende a elementos
geométricos lineales, desapareciendo la decoración de círculos concéntricos. La
decoración es mucho más geométrica, como líneas, meandros...que se representan en
el cuello y en la parte más anchadel vaso, todo se llena de elementos, se deja de ver la
superficie de la vasija y surgen los paneles ventana. Poco a poco se empiezan a definir
formas concretas en las cerámicas dependiendo de su uso. Están las ánforas, las jarras,
así como los vasos utilizados para comida y bebida (eskifos).
GEOMÉTRICO MEDIO (850
(850-760 .C.):
Se comienza a decorar abundantemente, aunque los motivos son más
pequeños, y se va reduciendo la utilización de barniz negro, hasta el punto de que la
decoración acaba ocupando todo el vaso.
vaso.Más
Más avanzado el periodo, aparecen motivos
figurados influidos por el mundo oriental, pero aun no forman escenas. También
comienzan a aparecerr figuras animales (sobre todo el caballo) y humanas (aunque de
éstas menos), y continúa habiendo triglifos y metopas. Se trata de una cerámica
bidimensional y antropomórfica.
Este momento es un periodo de plenitud en el Ática. Desaparecen las
características
cas que definen la Edad Oscura, y la demografía empieza a recuperarse.
Esto se traduce en la prosperidad material, encontrándose tumbas más ricas con joyas
con técnica de filigrana y el granulado, mostrando la acentuación de las diferencias
sociales. Se ve que hay contactos comerciales con orientey se produce mucha
influencia oriental, lo que provoca la introducción de figuras animales en la cerámica
como decoración. Por lo general son animales orientales.

GEOMÉTRICO
O FINAL O TARDÍO (760-700 a.C.):
Aparecen tumbas ricas con presencia de objetos de oriente, lo que indica que
se mantienen las relaciones. Hay un mayor dominio de la técnica a la hora de fabricar
cerámica.
Empieza a aparecer la figura humana con el Maestro del Dipylon, aunque
au son
planas y sin detalles anatómicos (torso reducido a un triángulo visto de frente y las
piernas y la cabeza de perfil). El interio
interiorr de estas figuras también está coloreado.
Ocupan la parte más importante del recipiente, aunque también hay otros motivos
geométricos por el resto de lla cerámica que son importantes. Asimismo, pueden
aparecer figuras de animales.
Se conocen nombres de maestros, aunque no ha hayy sentimiento del “yo
creador”, como: Maestro del Dipylon y Maestro de Hirschfeld (se diferencian een la
formadel dibujo.) Son nombres convencionales, de
del lugar
gar del hallazgo, puesto que se
desconoce el nombre de los pintores.
 Maestro del Dipylon: Se cree que es el creador de la Gran Ánfora del Dipylon.
Escenas que se interpretan de carácter funerario, pues aparece el cuerpo del difunto
sobre el lecho fúnebre flanqueado por hileras de plañideras, que se arañan y lloran. No
porque estén tristes, sino porque la muerte se lleva a lo bello y, de esta forma, no se
les lleve a ellos. También aparecen guerreros con carros tirados por caballos. Esta
ceremonia en la que se expone el cuerpo se llama prothesis.

Imágenes de la Gran Ánfora del Dypilon.

Maestro de Hirschfeld: Conocemos una de sus cráteras. Se puede ver al difunto

tumbado y rodeado de una serie de plañideras que se tiran del pelo. Además, junto al
fallecido, se puede ver a una mujer sentada con una rama de olivo en la mano. Con
ella, parece bendecir el cadáver. Se representan también a una serie de hombres
montados en sus carros tirados por caballos. Los escudos aparecen representados con
piernas y brazos, refiriéndose al mundo micénico. Las ceremonias en las que se
trasladaba el cadáver hasta el lugar de enterramiento son conocidas con el nombre de
ekphora.
 Imágenes crátera del maestro de Hirschfeld.

Más adelante, las figuras adquieren más protagonismo y no se limitan a una línea.
Como consecuencia, surgen nuevas escenas:
- Batallas navales o terrestres, pero no se sabe si representan escenas
mitológicas oenfrentamientos del mundo micénico. Se muestran a personajes
que luchan, queportan armas y escudos, y el desembarco de las naves. Algunos
personajes se haninterpretado como los de la Guerra de Troya, por lo que
tenían un afán narrativo.
- Escenas con referencias orientales. Aparece el señor dominador de los
animales,que es el principio masculino, y la Diosa Madre sujetando dos
animales, elprincipio femenino. Esto indica que las relaciones con Oriente son
másabundantes.Se sigue usando la silueta y sigue estando todo organizado.
Los motivos sonoscuros sobre la arcilla, sin policromar.
- Escenas agrarias. Tres mujeres unidas por las manos que van danzando para
quela divinidad propicie una buena cosecha. Aparece la serpiente, vinculada al
mundoagrario, pues es un símbolo de fertilidad, beneficiosa para el cultivo: se
mete porla tierra y la remueve. Connotación positiva en el mundo Occidental.
Puesto que se ha perdido la escritura en la Edad Oscura, el pasado heroico ha
llegado oralmente por los aedos, cuyos relatos fueron recogidos por Homero. Así, en el
740 a.C. aparece un oinócoe (jarra que sirve para sacar el vino de una crátera) con un
verso escrito en la zona de los hombros.
A partir de este momento, el Ática deja de tener tanta importancia, pues sigue
siendo fiel al estilo de la cerámica anterior y se buscan nuevas técnicas. Corinto,
situada en el istmo y, por lo tanto, influida por Oriente, se hace más importante al
tener una cerámica más novedosa. Además, Corinto tiene dos puertos comerciales y
comunica con el Mar Tirreno y el Mar Egeo, por lo que va adquiriendo una mayor
riqueza.
PERIODO ORIENTALIZANTE ((S. VII a.C.):
Durante este periodo se empieza a salir de la crisis y la población aumenta. Se
establecieron rutas comerciales tanto a oriente como a occidente
occidente,y ,y empezaron a
establecercolonias fuera de su propio territorio. En el siglo VII a.C
a.C. llegan a la cultura
griega elementos propios de la cultura material oriental, como cerámicas y otra serie
de productos. Llegan tambiéniconografías propias de los pueblos orientales que los
griegos adoptan y que se traduce en las cerámicas. También se produce la
orientalización del arte en Grecia, tanto en técnicacomo en motivos decorativos.
Además, se enriquece la propia filosofía.
La ciudad protagonista de este periodo eess Corinto, debido a su situación
geográfica que permitía comunicar Oriente con el mar mediterráneo. Su arte e
iconografía se transformaron debido a esto.La cerámica corintia se decora con una
técnica inventada por ellos mismos, con la cual las figuras se rrealizan
ealizan pormedio de
incisión y recibe una policromía. Los temas son orientales, como animales mitológicos,
palmetas, rosetas...
El Vaso
aso Chigide medados del siglo VII a.C
a.C. (640 a.C.)) es un olpe (jarra) que
muestra una escenade unos personajes que andan en u una
na sola direccióny que tiene
que ver con enfrentamientos bélicos, ya que en la parte superior se puede ver un
ejército, guiados por un persona que toca la flauta. En la parte inferior se ve un
hombre luchando con un león. Elementos decorativos como palmeta palmetas, rosetas...
propiamentee orientales. Es policromado. Las figuras están representadas con mayor
detalle, el dibujo ya empieza a mostrar volumen.

Imágenes del Vaso Chigui.

 Vaso Corintio, decorado con animales y esfinges dispuestos en bandas
horizontales, además de rosetas.
La cerámica de Corinto se empieza a exportar sustituyendo a la cerámica ática,
pero al tener que aumentar la producción, va decreciendo la calidad, pues la incisión
requiere tiempo. A finales del siglo VII, la cerámica corintia es sustituida por la del
ático, aunque sigue vigente pero no es tan importante.

PROTOÁTICA (700-600 a.C.):

El Ática toma el interés narrativo y lo une con la técnica corintia (policromía,
incisión), y se va imponiendo poco a poco una expresividad y movimiento del que
carecían las figuras geométricas.
Pintor de Analatos. Se conserva un ánfora, que incluye algunos elementos
orientales como rosetas o esfinges. Las figuras aún tienen poca policromía e incisiones,
pues se vaintroduciendo poco a poco, a diferencia de lo ocurrido en Corinto. Por lo
tanto, son personajes en silueta. Se sigue utilizando la técnica del barniz negro.
 Pintor de Polifemo. Se conserva el Ánfora de Eleusis. Representa una escena
concreta de un mito, ya que aparece, en la zona del cuello, Odiseo clavándole una
lanza a Polifemo y dejándolo ciego. No hay incisión, son siluetas y hay motivos
orientales, como rosetas. Mientras que, en la panza, aparece Perseo persiguiendo a las
tres Gorgonas (una de ellas con la cabeza cortada). Son figuras planas, pero con un
mayor detalle anatómico.

Imagen ánfora de Eleusis.

A partir de estos autores, se empieza a utilizar completamente la técnica de

Corinto mediante la incisión y la policromía, lo que da lugar a la cerámica de figuras
negras.

CERÁMICA DE FIGURAS NEGRAS (630-530 a.C.):

Se trata de arcilla de calidad y fabricación a torno rápido. Las figuras son negras
sobre el fondo rojizo de la arcilla. Ahora, además, incluyen, el blanco y el rojo. Para que
la arcilla adquiera este color, se hacían tres cocciones: reductora, oxidante y
reductora.Cobra mayor importancia la temática mitológica, como las escenas
homéricas de la Guerra de Troya; mientras que en la cerámica de figuras rojas es más
común representar la vida cotidiana. Los pintores y alfareros dejan sus nombres
impresos en la cerámica. A veces, también escriben los nombres de los personajes
representados.
Pintor de Neso (620-600). Ánfora en la que se representa a Heracles venciendo
al centauro Neso, concretamente en el cuello. Utiliza la incisión y algún elemento
oriental. Las figuras ya tienen detalles anatómicos y se muestran en movimiento,
dejando de ser figuras planas.
 Pintor de la Gorgona (620-00 a.C.).
.). Se reconoce por un dinos, un vaso sin pie. Es
muy orientalizante, e, porque conserva motivos como rosetas, y realiza filas
representando
tando a animales. La escena más importante es la parte alta, donde do se
representa el mito de la Gor
Gorgona. No hay tanto horror vacui.

En el siglo VI se encuentra por primera vez un pintor de escri

escribe
be por primera vez
su nombre en la cerámica. Se llama Sophy
Sophylos (580-570 a.C.).
). Como la cerámica
cerámic era un
trabajo conjunto entre el alfaro y el pintor, este último puso en la cerámica
Σοφιλοςμεγραβσεν (Sophylos me decor decoró).Se considera
nsidera innovador ya que intentó
intent
representar una multitud contemplando una carrera de carros, probablemente el
funeral de Patroclo. Tambié
También utiliza elementos decorativos orientales. Se resalta la
escena mitológica, sin decorar el fondo.
 Pintores de los Komastai (580-570 a.C) pintan en los komastai, unas copas con
dos asas. Representa unas personas participando en los corros en una escena cultural.

Pintor Corintizante (570 a. C) introduce una pintura más compleja. Realiza una
píxide, una caja para guardar cosméticos, perfumes y joyas. Tiene tres patas, cada una
decorada con motivos figurados. Por ejemplo, el nacimiento de Atenea, representado
de manera heráldica, o el juicio de Páris. Con el tiempo la pintura blanca utilizada se
borra. Hay mucho uso del blanco y mucha incisión.

Nacimiento de Atenea. Juicio de Páris.

Pintor Clitias y ceramista Ergótimos. Crátera François. Supone un gran avance

respecto a la pintura del período geométrico, ya que las figuras humanas evolucionan
a un mayor naturalismo, dejando de ser simples siluetas incorporadas a las escenas.
Aun así, en el vaso François las figuras siguen siendo un tanto hieráticas
(esquematización geométrica en el torso y las rodillas) y no muestran expresión. Las
imágenes están organizadas en bandas horizontales y representan varios temas, entre
los que se encuentran las bodas de Tetis y Peleo, la carrera funeraria en honor a
Patroclo... Se siguen viendo elementos orientales, como una esfinge. Clitias (570 a.C)
decora el denominado vaso de François, realizado por Ergotimos. Este vaso fue
encontrado en una tumba etrusca. Se trata de una cratera de volutas, un recipiente de
70 cm de altura que tiene dos asas en forma de voluta. Hay un cambio muy brusco en
el perfil, lo que se denomina carena. Representa las bodas de Tetis y Peleo, cada dios
representado siendo identificado con sus atributos. Hay otra series de escenas, como
la cacería del jabalí de Calidón, la carrera de carros en los funerales de Patroclo, la
muerte de Troilo a manos de Aquiles, el desembarco de los jóvenes atenienses
liberados por Teseo del laberinto, la centauromaquia, el regreso de Hefaistos al
Olimpo… y luego un motivo de carácter decorativo. También una escena que
representa la lucha de los Pigmeos contra las grullas como motivo cómico. Aparece
Κλιτιας μεγραβσεν (Clitias me decoró) y Εργοτιμους εποισεν (Ergotimos me hizo). Las
asas también tienen decoración, como Áyax recogiendo el cadáver de Aquiles.

Imagen crátera de François.

 Los grandes pintores de las cerámicas buscaban realizar grandes decoraciones
en la cerámica de un tema transcendente.
De Nearco (570-555 a.C) se conserva el fragmento de un dinos cuyo tema es el
enjaezamiento de caballos, es decir, la preparación de los caballos. Podría ser un
personaje mítico, pero también es un tema universal de las clases altas acomodadas.
Se ve la relación directa del personaje con el caballo. Se indica el nombre de los
caballos. Utiliza el color blanco y sobre él coloca otros colores. El blanco lo utiliza de
manera peculiar, ya que primero realiza el dibujo en barniz negro, dejando un
contorno de éste en las figuras blancas, lo que da volumen.

Desde mediados del siglo VI a.C hasta finales hay dos pintores conocidos que
tienen la misma línea. Amasis y Exequias.
Pintor de Amasis (560-515 a.C) firma como alfarero. Ocupa todo el espacio del
vaso con una única escena. Son vasos muy bien hechos, con barniz de buena calidad en
los que se deja gran parte de la superficie del vaso en color arcilla y los dibujos con
color negro, que luego se pintaban con otros colores. Cada cara estaba decorada con
un motivo diferente. Por ejemplo, un ánfora con Dioniso recibiendo con vino a dos
ménades danzantes. Todos los detalles están realizados con mucho cuidado. Las asas
estaban pintadas de barniz negro, al igual que el pie.
Pintor de Amasis (560-515). Decoró grandes recipientes con gran detalle en la
incisión, por lo que las figuras y su vestimenta están muy definidas. Nos ayuda a
conocer las costumbres de la época, como la recogida de la uva: Dionisios, con una
cratera en la mano (para mezclar el agua y el vino), saluda a dos ménades, que llevan
animalillos y zarcillos de vid.
Olpe del Pintor de Amasis con el tema de la entrada de Herakles en el Olimpo,
en la que se representa al héroe entre Atenea y Poseidón.
 Imagen olpe del pintor de Amasis.

También realiza a veces escenas de la vida cotidiana pero protagonizada por

seres mitológicos. Por ejemplo, la vendimia de los faunos, en el que se representa a
unos faunos realizando vino. Se producen varios adelantos técnicos como el
movimiento de las figuras o el intento de dar profundidad a la escena.

Vendimia de faunos.

Exequias (550-520).
520). Trabaja mitos no muy conocidos, pues busca representar
rep
otras escenas y extrae a los personajes p
para darles protagonismo.
 Aquiles y Pentesilea. Escena narrada por Homero en la Ilíada: el fatídico
momento en el que Aquiles, héroe griego, atraviesa con su lanza a Pentesilea, la reina
de las amazonas que ha acudido a Troya a luchar junto al rey Príamo. Uno de los
detalles que más llama la atención es la blancura del cuerpo de la amazona que, junto
con su rostro pálido y descubierto, resalta su feminidad y vulnerabilidad en el
momento en que, cerca de la muerte, vuelve su mirada hacia su asesino. Aquiles, de
perfil como ella, lleva la cabeza cubierta por un casco y la inclina para mirarla. Según
una leyenda posterior a la Ilíada, justo en el momento en el que el héroe, tras un largo
combate, la atraviesa con la lanza y ella cae herida de muerte, sus miradas se cruzan y
Aquiles se enamora de ella. El héroe llora su pérdida, consciente de que ya es
demasiado tarde y saca en brazos su cuerpodel campo de batalla. Esto da un carácter
psicológico a la escena, además de dramatismo.

Imagen Aquiles y Pentesilea.

Ánfora del vaticano. Dos escenas decoran esta ánfora: por un lado, la llegada de
los contendientes de la Guerra de Troya. Se dan gestos familiares e intimistas, pues
aparece una figura masculina junto a sus hijos mientras acaricia a un caballo, un
esclavo entrega las toallas a su amo... Y, por el reverso, aparece la escena más
conocida: Aquiles y Ájax jugando a los dados. Los volúmenes se recrean mediante
líneas que esbozan la musculatura, ya que no existen graduaciones de color, ni
sombras ni brillos que ayuden a moldear los personajes. La composición es simétrica,
en forma de triángulo formada por los cuerpos de los personajes inclinados hacia la
mesa, la diagonal de los cuerpos se contrapone a la diagonal de las lanzas que ayuda a
equilibrar la composición y la distribución del color negro sobre el rojo. En el centro se
encuentra el cajón con los dados. Las figuras, a pesar de participar de ciertos aspectos
arcaicos, como los ojos almendrados, que parecen estar de frente, por lo que se
advierte la "ley de la frontalidad", no se manifiestan tan rígidas y carentes de
movimiento como las esculturas del periodo, en los brazos adelantados, la posición de
las piernas y el cuerpo adelantado se aprecia cierto movimiento, que dotan de gracia a
las figuras y más naturalidad, lejos del estatismo arcaico.

Imagen ánfora del Vaticano.

Con Exequias, la cerámica llega a su cénit, pero la incisión no les permite

evolucionar; por lo que buscan otros tipos de reproducción: la cerámica de figuras
rojas.

CERÁMICA DEFIGURAS ROJAS (S. V a.C.):

Los detalles ahora se dan con pincel (rojo, blanco y negro), dejando de lado la
incisión. Además, las figuras ganan más movimiento, expresividad y naturalidad y se
logran efectos de perspectiva.
Se utiliza la técnica inversa la de las figuras negras: ahora sobre el fondo negro
destacan las figuras de color rojo original de la arcilla (la arcilla más pura es aplicada
sobre el fondo, dejando las siluetas con el color original de la arcilla y retocadas con
pinceles muy finos).