Manierismo

El manierismo se originó en una época de cambios políticos, cruentas batallas y crisis religiosa en la que se
cuestionó la validez de todo dogmatismo, especialmente en Italia. La Reforma protestante agudizó aún más la
crisis, al poner en entredicho la supremacía de Roma y el Papado. A esta sensación de crisis y desconfianza
en la Iglesia, hay que añadir el daño provocado por el saqueo de Roma de 1527 que hizo que muchas obras de
arte fueran robadas o destruidas. Este estilo convivió con los últimos años de ese Pleno Renacimiento y los
primeros del Barroco.
Los autores de este estilo sentían angustia, desequilibrio, distorsión, desasosiego, sentían que su mundo se les
derrumbaba. Fue un estilo complejo, aunque convivió con el Pleno Renacimiento y el Barroco, tuvo su entidad
propia, y aunque conservaba elementos comunes con uno y otro, no marcó la continuidad del primero hacia
el segundo.
El concepto de manierismo ha sufrido numerosos cambios a lo largo de los años. Su origen se encuentra en la
expresión italiana de crear arte alla maniera di… es decir, siguiendo la línea de Leonardo, Rafael o Miguel
Ángel, pero con unas directrices propias “Renacimiento pero a su manera”.
En el siglo XVII, surge como un término peyorativo, consideraban al manierismo como un período de
decadencia tras los años gloriosos anteriores. Una valoración más positiva lo considera como una reacción
artística que da lugar a un nuevo estilo que se aleja de la rigidez clásica, que se desarrolla en diversos ámbitos,
incluso en el literario.
Arquitectura:
-Rechazan los elementos propiamente clásicos. Toman unas formas más exageradas, más “a su manera”. Las
formas transmiten tensión y abstracción.
-Mayor desarrollo del decorativismo y la plasticidad en las obras.
-Monumentalidad y dinamismo.
Destacan los autores: Vignola y Giacomo della Porta.
Vignola fue discípulo de Miguel Ángel. Y recibió el encargo de los jesuitas de realizar la iglesia modelo de
su orden: Il Gesù. Vignola hará el edificio y Giacomo della Porta la fachada. Nos recuerda indudablemente a
San Andrés de Mantua o Santa María la Novella de Alberti, pero tiene ya esos detalles propios del manierismo,
esa esencia que le añaden los autores de este estilo. Un ejemplo lo tenemos con el orden colosal, aunque en
tiempos antiguos algunos edificios se acercaban al orden gigante por sus dimensiones, las columnas solamente
se disponían en una planta. El orden gigante u orden colosal es un orden arquitectónico que se extiende en
varios niveles de altura o plantas, y en el que las columnas o pilastras atraviesan al menos dos plantas. Al
mismo tiempo, órdenes más pequeños pueden desarrollarse en arcadas o marcos de ventanas y puertas dentro
de los pisos que son abrazados por el orden gigante. Otra característica será el curioso frontón doble que unía
los miguelangelescos triangulares y curvos que se alternaban en su arquitectura.
Iglesia del Gesù. Edificio realizado por Vignola y la fachada por della Porta. Roma. 1568-1574

Interior Iglesia del Gesù

Escultura
El hallazgo en Roma en 1506 del Laocoonte, significó un cambio en la escultura del momento, el mismo
Miguel Ángel, influido por la obra, dio un giro a su producción artística, dotando a las esculturas de
monumentalidad y de idealismo dramático, características que siguió la escultura manierista.
Las formas ornamentales, sinuosas, que buscan el desequilibro y la tensión, liberándose del culto de la belleza
clásica, fueron otra de las características de la escultura manierista.
Benvenuto Cellini 1500-1571

Fue un reconocido orfebre que trabajó en Florencia, Pisa y Bolonia. Sus esculturas son refinadas, de
perfiles alargados y sinuosos, y van acompañadas de motivos ornamentales.
Cellini viajó a Francia, donde entró al servicio del rey Francisco I. Allí realizó dos obras muy
importantes: La ninfa de Fontainebleau y el salero de oro y esmalte que realizó para el rey.

Ninfa de Fontainebleau. Cellini.

 Salero de oro y esmalte de Cellini. 1543. Museo de Viena.
La figura femenina representa a la tierra y la masculina a Poseidón, dios del mar. Los dos personajes
entrelazan sus piernas para simbolizar la unión del mar y la tierra. En la ninfa podemos apreciar la
elegancia y las formas delicadas del desnudo femenino.
Pero quizás su obra más conocida sea Perseo con la cabeza de Medusa que realizó a su vuelta a Italia.

Esta escultura mide 3,20 metros y está realizada en bronce. Perseo, con casco alado, se muestra arrogante y
elegante a la vez, alzando su brazo izquierdo, que sujeta la cabeza de Medusa, a la que acaba de decapitar.
Dobla la pierna izquierda, por lo que la tensión la recibe la pierna contraria. El brazo derecho sujeta la espada
en horizontal. El pedestal, realizado en mármol y bronce, es una joya ricamente decorada con relieves y
figurillas.
Juan de Bolonia o Giambologna 1529-1608
Este escultor nació en Flandes y llegó a Roma hacia 1550 para estudiar las obras de la Antigüedad y las de
Miguel Ángel. Viajó a Florencia atraído por las obras que el artista había realizado en esta ciudad, y allí
conoció al mecenas Bernardo Vecchietti, que le animó a que se quedara. En 1561 entró al servicio de los
Medici. Su característica compositiva más importante e innovadora fue la línea serpentinata, que consiste en
un giro en espirar ascendente que eleva a sus figuras, con la consecuente dificultad técnica que ello implica.
Esta audaz composición será un prólogo del arte barroco.
Destaca el Mercurio, El rapto de la sabina y la fuente de Neptuno que realizó para la ciudad de Bolonia.
Mercurio. Juan de Bolonia 1564-1580. Florencia
Es una escultura en bronce. Mercurio se alza majestuoso, con sutil elegancia y sensibilidad, a través de las
cuales el autor nos muestra su calidad técnica y su nueva forma de expresión. Desafiando la fuerza de la
gravedad, parece que emerge del aliento del dios del viento, apoyado en él levemente sobre uno de sus pies.

Rapto de la Sabina. Juan de Bolonia. 1581-1583. Florencia.

Las tres figuras se alzan hacia el infinito en un complicado movimiento en espiral. El personaje central,
Rómulo, fundador de Roma, hace alarde de su fuerza y eleva a la sabina a la vez que reduce a su marido. La
figura femenina en un último intento de defenderse, vuelve el rostro y la mirada implorando ayuda. El conjunto
está tallado en mármol y mide 4 metros. En la actualidad, una copia se sitúa en la Plaza de la Señoría en
Florencia, mientras que el original se halla en la Galería de la Academia en Florencia.

Fuente de Neptuno. Juan de Bolonia.

Pintura
La pintura manierista se va a caracterizar por una reacción anticlásica cambiando belleza, armonía y unidad
por tensión, desequilibrio, inestabilidad y ruptura. Las figuras están muy estilizadas con cánones alargados y
presentan exagerados escorzos que dan sensación de inestabilidad. Tienen una gama cromática muy rica, que
aporta a la obra un aspecto más decorativo que plástico. Se utiliza una paleta de tonalidades frías, que no
siempre corresponde con la realidad de los objetos representados.
Tintoretto 1518-1594
Jacopo Robusti, conocido como Tintoretto debido a que su padre era tintorero de sedas, nació en Venecia,
donde desarrolló la mayor parte de su actividad artística.
En él influyeron Tiziano, en cuyo taller pasó su etapa de aprendizaje, y Miguel Ángel, con el que tuvo contacto
en un viaje realizado a Roma y Florencia. Del primero tomó la riqueza del color propia de la escuela veneciana
y de Miguel Ángel el dibujo, de tal manera que llegó a poner en su taller la siguiente inscripción “El dibujo
de Miguel Ángel y el colorido de Tiziano”.
Sus obras son generalmente de gran formato, con multitud de personajes dispuestos de modo asimétrico. Las
figuras son dinámicas, alargadas, de acusados escorzos. En la composición se alternan el abigarramiento con
los espacios vacíos. El colorido es típicamente veneciano, de pincelada suelta, aunque utiliza el blanco y el
negro para dar mayor relieve al cuadro.
Entre sus pinturas destacan: El milagro de San Marcos, El hallazgo del cuerpo de San Marcos, La última cena
y El lavatorio.

El hallazgo del cuerpo de San Marcos. Tintoretto. Milán.

Los personajes parece que están en un teatro, tienen una gran expresividad mientras miran el cuerpo sin vida
de San Marcos.

El lavatorio. Tintoretto. Museo del Prado.

Representa el momento en que Jesús lavó los pies a los apóstoles durante la última cena. El motivo principal
del cuadro está desplazado hacia la derecha, mientras que en el centro está un apóstol despojándose de sus
calzas. De fondo se aprecia una magnífica arquitectura. Tintoretto añade escenas cómicas en una obra religiosa
al representar a los apóstoles en posturas raras mientras se quitan las calzas. Un aspecto llamativo de este
cuadro es que al fondo se ve representada la escena de la última cena. La mesa y el pavimento en escorzo nos
dan la sensación de profundidad y también gracias al juego de luces y sombras del autor.

La última cena. Tintoretto. Venecia.

Si comparamos esta obra con la última cena de Leonardo, podremos observar la evolución de la pintura a lo
largo del siglo. Puesto que en la de Da Vinci veíamos simetría, orden, todo estaba en torno a Jesús, aquí en la
de Tintoretto los personajes son figuras en movimiento totalmente dispersas, además la forma de la mesa nos
indica ese escorzo de profundidad.
Veronés 1528-1588

Paolo Caliari, conocido como Veronés por su lugar de nacimiento, representó en sus pinturas todo un mundo
de abundancia y esplendor, de continuo festín, donde todo se transforma en un gran teatro abierto para poder
ser contemplado. Es el pintor de las grandes apoteosis en un escenario abarrotado de personajes, con
arquitecturas fingidas.
Su obra más célebre es Las bodas de Caná. En el cuadro hay más de cien figuras, que a excepción de la de
Cristo, son retratos de príncipes y dama de su tiempo: aparece Carlos V e incluso se retrata a sí mismo tocando
el violín acompañado por Tiziano con el contrabajo.

Bodas de Caná. Veronés. Museo del Louvre.

Es un lienzo de enormes dimensiones (9,90metros de largo por 6,66 de alto). Representa el milagro bíblico de
las bodas de Caná, a las que Jesús y sus discípulos fueron invitados. Durante la celebración se acabó el vino,
Jesús ordenó llenar unas tinajas con agua que se convirtieron en vino. Las vestimentas, instrumentos y
arquitectura son propios del Renacimiento. La obra tiene un color impresionante que la embellece muchísimo.
El manierismo se originó en una época de cambios políticos, cruentas batallas y crisis religiosa en la que se
cuestionó la validez de todo dogmatismo, especialmente en Italia. La Reforma protestante agudizó aún más la
crisis, al poner en entredicho la supremacía de Roma y el Papado. A esta sensación de crisis y desconfianza
en la Iglesia, hay que añadir el daño provocado por el saqueo de Roma de 1527 que hizo que muchas obras de
arte fueran robadas o destruidas. Este estilo convivió con los últimos años de ese Pleno Renacimiento y los
primeros del Barroco.
Los autores de este estilo sentían angustia, desequilibrio, distorsión, desasosiego, sentían que su mundo se les
derrumbaba. Fue un estilo complejo, aunque convivió con el Pleno Renacimiento y el Barroco, tuvo su entidad
propia, y aunque conservaba elementos comunes con uno y otro, no marcó la continuidad del primero hacia
el segundo.
El concepto de manierismo ha sufrido numerosos cambios a lo largo de los años. Su origen se encuentra en la
expresión italiana de crear arte alla maniera di… es decir, siguiendo la línea de Leonardo, Rafael o Miguel
Ángel, pero con unas directrices propias “Renacimiento pero a su manera”.
En el siglo XVII, surge como un término peyorativo, consideraban al manierismo como un período de
decadencia tras los años gloriosos anteriores. Una valoración más positiva lo considera como una reacción
artística que da lugar a un nuevo estilo que se aleja de la rigidez clásica, que se desarrolla en diversos ámbitos,
incluso en el literario.
Arquitectura:
-Rechazan los elementos propiamente clásicos. Toman unas formas más exageradas, más “a su manera”. Las
formas transmiten tensión y abstracción.
-Mayor desarrollo del decorativismo y la plasticidad en las obras.
-Monumentalidad y dinamismo.
Destacan los autores: Vignola y Giacomo della Porta.
Vignola fue discípulo de Miguel Ángel. Y recibió el encargo de los jesuitas de realizar la iglesia modelo de
su orden: Il Gesù. Vignola hará el edificio y Giacomo della Porta la fachada. Nos recuerda indudablemente a
San Andrés de Mantua o Santa María la Novella de Alberti, pero tiene ya esos detalles propios del manierismo,
esa esencia que le añaden los autores de este estilo. Un ejemplo lo tenemos con el orden colosal, aunque en
tiempos antiguos algunos edificios se acercaban al orden gigante por sus dimensiones, las columnas solamente
se disponían en una planta. El orden gigante u orden colosal es un orden arquitectónico que se extiende en
varios niveles de altura o plantas, y en el que las columnas o pilastras atraviesan al menos dos plantas. Al
mismo tiempo, órdenes más pequeños pueden desarrollarse en arcadas o marcos de ventanas y puertas dentro
de los pisos que son abrazados por el orden gigante. Otra característica será el curioso frontón doble que unía
los miguelangelescos triangulares y curvos que se alternaban en su arquitectura.

Iglesia del Gesù. Edificio realizado por Vignola y la fachada por della Porta. Roma. 1568-1574

Interior Iglesia del Gesù

Escultura
El hallazgo en Roma en 1506 del Laocoonte, significó un cambio en la escultura del momento, el mismo
Miguel Ángel, influido por la obra, dio un giro a su producción artística, dotando a las esculturas de
monumentalidad y de idealismo dramático, características que siguió la escultura manierista.

Las formas ornamentales, sinuosas, que buscan el desequilibro y la tensión, liberándose del culto de la belleza
clásica, fueron otra de las características de la escultura manierista.
Benvenuto Cellini 1500-1571
Fue un reconocido orfebre que trabajó en Florencia, Pisa y Bolonia. Sus esculturas son refinadas, de
perfiles alargados y sinuosos, y van acompañadas de motivos ornamentales.

Cellini viajó a Francia, donde entró al servicio del rey Francisco I. Allí realizó dos obras muy
importantes: La ninfa de Fontainebleau y el salero de oro y esmalte que realizó para el rey.

Ninfa de Fontainebleau. Cellini.

Salero de oro y esmalte de Cellini. 1543. Museo de Viena.

La figura femenina representa a la tierra y la masculina a Poseidón, dios del mar. Los dos personajes
entrelazan sus piernas para simbolizar la unión del mar y la tierra. En la ninfa podemos apreciar la
elegancia y las formas delicadas del desnudo femenino.
Pero quizás su obra más conocida sea Perseo con la cabeza de Medusa que realizó a su vuelta a Italia.
Esta escultura mide 3,20 metros y está realizada en bronce. Perseo, con casco alado, se muestra arrogante y
elegante a la vez, alzando su brazo izquierdo, que sujeta la cabeza de Medusa, a la que acaba de decapitar.
Dobla la pierna izquierda, por lo que la tensión la recibe la pierna contraria. El brazo derecho sujeta la espada
en horizontal. El pedestal, realizado en mármol y bronce, es una joya ricamente decorada con relieves y
figurillas.
Juan de Bolonia o Giambologna 1529-1608
Este escultor nació en Flandes y llegó a Roma hacia 1550 para estudiar las obras de la Antigüedad y las de
Miguel Ángel. Viajó a Florencia atraído por las obras que el artista había realizado en esta ciudad, y allí
conoció al mecenas Bernardo Vecchietti, que le animó a que se quedara. En 1561 entró al servicio de los
Medici. Su característica compositiva más importante e innovadora fue la línea serpentinata, que consiste en
un giro en espirar ascendente que eleva a sus figuras, con la consecuente dificultad técnica que ello implica.
Esta audaz composición será un prólogo del arte barroco.
Destaca el Mercurio, El rapto de la sabina y la fuente de Neptuno que realizó para la ciudad de Bolonia.

Mercurio. Juan de Bolonia 1564-1580. Florencia

Es una escultura en bronce. Mercurio se alza majestuoso, con sutil elegancia y sensibilidad, a través de las
cuales el autor nos muestra su calidad técnica y su nueva forma de expresión. Desafiando la fuerza de la
gravedad, parece que emerge del aliento del dios del viento, apoyado en él levemente sobre uno de sus pies.
Rapto de la Sabina. Juan de Bolonia. 1581-1583. Florencia.
Las tres figuras se alzan hacia el infinito en un complicado movimiento en espiral. El personaje central,
Rómulo, fundador de Roma, hace alarde de su fuerza y eleva a la sabina a la vez que reduce a su marido. La
figura femenina en un último intento de defenderse, vuelve el rostro y la mirada implorando ayuda. El conjunto
está tallado en mármol y mide 4 metros. En la actualidad, una copia se sitúa en la Plaza de la Señoría en
Florencia, mientras que el original se halla en la Galería de la Academia en Florencia.

Fuente de Neptuno. Juan de Bolonia.

Pintura
La pintura manierista se va a caracterizar por una reacción anticlásica cambiando belleza, armonía y unidad
por tensión, desequilibrio, inestabilidad y ruptura. Las figuras están muy estilizadas con cánones alargados y
presentan exagerados escorzos que dan sensación de inestabilidad. Tienen una gama cromática muy rica, que
aporta a la obra un aspecto más decorativo que plástico. Se utiliza una paleta de tonalidades frías, que no
siempre corresponde con la realidad de los objetos representados.
Tintoretto 1518-1594
Jacopo Robusti, conocido como Tintoretto debido a que su padre era tintorero de sedas, nació en Venecia,
donde desarrolló la mayor parte de su actividad artística.
En él influyeron Tiziano, en cuyo taller pasó su etapa de aprendizaje, y Miguel Ángel, con el que tuvo contacto
en un viaje realizado a Roma y Florencia. Del primero tomó la riqueza del color propia de la escuela veneciana
y de Miguel Ángel el dibujo, de tal manera que llegó a poner en su taller la siguiente inscripción “El dibujo
de Miguel Ángel y el colorido de Tiziano”.
Sus obras son generalmente de gran formato, con multitud de personajes dispuestos de modo asimétrico. Las
figuras son dinámicas, alargadas, de acusados escorzos. En la composición se alternan el abigarramiento con
los espacios vacíos. El colorido es típicamente veneciano, de pincelada suelta, aunque utiliza el blanco y el
negro para dar mayor relieve al cuadro.
Entre sus pinturas destacan: El milagro de San Marcos, El hallazgo del cuerpo de San Marcos, La última cena
y El lavatorio.
El hallazgo del cuerpo de San Marcos. Tintoretto. Milán.
Los personajes parece que están en un teatro, tienen una gran expresividad mientras miran el cuerpo sin vida
de San Marcos.

El lavatorio. Tintoretto. Museo del Prado.

Representa el momento en que Jesús lavó los pies a los apóstoles durante la última cena. El motivo principal
del cuadro está desplazado hacia la derecha, mientras que en el centro está un apóstol despojándose de sus
calzas. De fondo se aprecia una magnífica arquitectura. Tintoretto añade escenas cómicas en una obra religiosa
al representar a los apóstoles en posturas raras mientras se quitan las calzas. Un aspecto llamativo de este
cuadro es que al fondo se ve representada la escena de la última cena. La mesa y el pavimento en escorzo nos
dan la sensación de profundidad y también gracias al juego de luces y sombras del autor.

La última cena. Tintoretto. Venecia.

Si comparamos esta obra con la última cena de Leonardo, podremos observar la evolución de la pintura a lo
largo del siglo. Puesto que en la de Da Vinci veíamos simetría, orden, todo estaba en torno a Jesús, aquí en la
de Tintoretto los personajes son figuras en movimiento totalmente dispersas, además la forma de la mesa nos
indica ese escorzo de profundidad.
Veronés 1528-1588
Paolo Caliari, conocido como Veronés por su lugar de nacimiento, representó en sus pinturas todo un mundo
de abundancia y esplendor, de continuo festín, donde todo se transforma en un gran teatro abierto para poder
ser contemplado. Es el pintor de las grandes apoteosis en un escenario abarrotado de personajes, con
arquitecturas fingidas.
Su obra más célebre es Las bodas de Caná. En el cuadro hay más de cien figuras, que a excepción de la de
Cristo, son retratos de príncipes y dama de su tiempo: aparece Carlos V e incluso se retrata a sí mismo tocando
el violín acompañado por Tiziano con el contrabajo.
Bodas de Caná. Veronés. Museo del Louvre.
Es un lienzo de enormes dimensiones (9,90metros de largo por 6,66 de alto). Representa el milagro bíblico de
las bodas de Caná, a las que Jesús y sus discípulos fueron invitados. Durante la celebración se acabó el vino,
Jesús ordenó llenar unas tinajas con agua que se convirtieron en vino. Las vestimentas, instrumentos y
arquitectura son propios del Renacimiento. La obra tiene un color impresionante que la embellece muchísimo.