Danza Creativa : La Danza Creativa brinda la oportunidad de expresión a través del movimiento

estimulado por el maestro, de manera muy similar a la escritura creativa. Se pueden utilizar poesía,
cuentos, objetos y música para evocar movimiento, que los estudiantes eligen con la guía del profesor. Al
contrario de lo que algunos creen, la técnica es importante y el profesor eficaz infundirá sugerencias
técnicas en la lección cuando sea pertinente.

Beneficios de la danza creativa

La danza creativa es una forma de danza que brinda el potencial de expresión personal.

No existe una forma correcta o incorrecta de moverse y las clases están diseñadas para expandir y
extender el rango de movimiento inspirándose en una variedad de estímulos externos que incluyen
música, accesorios, emociones y trabajo con otros bailarines. Los beneficios de la danza creativa abarcan
la mente, el cuerpo y el espíritu. Algunos de los beneficios incluyen:

• Mejora de la aptitud física, incluida la fuerza, el equilibrio y la flexibilidad.

• Habilidades sociales mejoradas: mayor autoestima y comunicación al trabajar con otros.
• Mejora del bienestar: reducción del estrés/ansiedad y desarrollo de la creatividad y la autoexpresión.

Este estilo de danza y enseñanza se basa en el desarrollo del propio baile. Esto hace que la danza creativa
sea una forma de danza accesible para casi cualquier persona, independientemente de su edad o habilidad.
Realizamos cursos y proyectos para niños, personas con discapacidad física y de aprendizaje y personas
mayores (ver proyecto Life Circles ).

Las sesiones de movimiento creativo tienen como objetivo desarrollar la salud física, emocional, social y
creativa de los alumnos.

Desarrollo fisico:

 Desarrollar conciencia de cómo se mueven las diferentes partes del cuerpo.

 Desarrollar rango de movimiento en diferentes partes del cuerpo.
 Desarrollar fuerza en los músculos.
 Aumentar la flexibilidad en los músculos.
 mejorar el equilibrio
 Mejorar la coordinación
 Mejorar la conciencia espacial

Desarrollo emocional:

 Desarrollar confianza a través de la entrega de tareas alcanzables.

 Fomentar la autoestima, ya que no existe una respuesta correcta o incorrecta.
 Promover la independencia, ya que se anima a las personas a generar sus propias ideas.

Desarrollo Social:

 Desarrollar el trabajo en pareja y/o en grupo.

 Colabora con una variedad de personas diferentes a través del baile.
 Compartir pensamientos y sentimientos sobre diversas actividades de movimiento.
Desarrollo creativo:

 Trabajar creativamente con diferentes partes del cuerpo.

 Trabajar con una variedad de accesorios.
 Trabaja con diferentes personas y comparte y crea ideas de movimiento.
 Responder a una variedad de estilos auditivos diferentes: música/percusión/palabra hablada.

La danza creativa desarrolla cuerpos sanos

En una atmósfera no competitiva, la danza creativa enseña confianza y competencia en el uso del cuerpo
como herramienta para tareas funcionales, competitividad atlética, comunicación y el arte expresivo de la
danza. Moverse de forma saludable fomenta el respeto por uno mismo y aumenta el bienestar físico y
emocional del individuo. Ofrecer la oportunidad de experiencias de movimiento exitosas es especialmente
vital durante las etapas de desarrollo físicamente incómodas.

Con el aumento de actividades sedentarias como mirar televisión o jugar videojuegos, no se puede dar
por sentado que los jóvenes de hoy reciban oportunidades de movimiento adecuadas. En general, los
jóvenes ya no son tan activos como antes y la obesidad infantil va en aumento. (Newman, 2004) En parte
debido a la facilidad que ofrece la tecnología moderna, las actividades físicas son menos parte de los
primeros años normalmente activos, lo que apunta hacia futuros riesgos potenciales para la salud de la
sociedad. Aunque las escuelas pueden tener algún tipo de programa de educación física, no es cierto que
la actividad física sea parte de cada día escolar. Por ejemplo, sólo el 32% de los estudiantes de secundaria
estadounidenses tomaron clases de educación física en 2001. (Newman, 2004) En algunas escuelas
incluso se está reduciendo el tiempo de recreo. La danza creativa puede reinfundir movimiento en la vida
de los estudiantes y preparar el escenario para una actividad que dure toda la vida.

La danza creativa es una gran liberación de estrés. Aliviar el estrés mediante el ejercicio y la relajación
facilita el funcionamiento eficiente del cerebro y tiene conexiones obvias con el bienestar físico y mental.
(Hannaford, 1995) Aprender a modular tanto la tensión como la relajación practica el control del cuerpo y
de uno mismo. La contracción de los músculos ayuda a la estabilidad en el movimiento y proporciona una
base de fuerza para movimientos contundentes. Liberar la tensión ayuda a la flexibilidad y permite una
facilidad y ligereza en los movimientos suaves.
Uno de los muchos objetivos de la danza es la conciencia corporal. Los estudiantes adquieren conciencia
de las posibilidades de sus cuerpos físicos a medida que se les guía a través de exploraciones de
movimiento. La conciencia corporal ayuda a reconocer una alineación saludable, lo que ayuda al
equilibrio y previene lesiones. A medida que los estudiantes se mueven entre otros, la conciencia corporal
les ayuda a evitar accidentes siendo proactivos con el autocontrol físico. Ganar conciencia y confianza en
el cuerpo ayuda a la persona a tomar decisiones cinestésicas naturales y efectivas. Este es el comienzo de
la coordinación eficiente y la gracia.
La danza creativa despierta los sentidos
La danza brinda oportunidades para equilibrar muchos tipos de conciencia sensorial. Quienes trabajan en
el cultivo del sentido cinestésico prestan atención a quiénes son, adónde van y qué están haciendo.
Aunque el sentido cinestésico es el actor principal en la danza, el sentido de la vista es utilizado para
percibir diseños visuales en movimiento; la audición se sensibiliza al integrarse el movimiento y el
sonido; y el sentido táctil se activa cuando los bailarines contactan partes del cuerpo, otros bailarines,
superficies de apoyo u objetos. La experiencia de la danza kinestésica es profunda en su integración con
la vida y conduce al aprendizaje en muchos niveles. La naturaleza multisensorial de la danza contribuye
significativamente al papel fundamental que desempeñan el movimiento y la percepción sensorial en el
desarrollo físico y neurológico. (Hannaford, 1995) La combinación de otras conciencias sensoriales con el
sentido cinestésico primario ayuda a los estudiantes a integrar la experiencia y el conocimiento dentro de
las artes y ofrece diversas formas de resolver problemas. El movimiento aumenta las posibilidades de
éxito de los estudiantes mediante la activación de muchos modos de aprendizaje sensorial.
Un bailarín despierta el sentido cinestésico preparándose para bailar.

La danza creativa interconecta las artes

El arte despierta la imaginación para explorar y celebrar el ser humano en una era cada vez más
tecnológica. Los conceptos aprendidos a través de la danza creativa construyen una base sólida para
comprender todas las artes: música, teatro y artes visuales. Mettler (1980) vio la danza como algo
primario y central para todas las artes porque todas las demás formas artísticas surgen del movimiento.
Lanzar una olla, colocar los dedos sobre un teclado, el aire que fluye sobre las cuerdas vocales son
resultados del movimiento. Sin movimiento, un pincel no tendría “trazo”, una guitarra no podría
“rasguearse” y los actores no tendrían soporte físico para sus voces. Es más, cada forma de arte tiene una
relación inherente con la danza a través de los Elementos del movimiento. La danza comparte el elemento
del tiempo con la música, y los estudios de danza creativa que enfatizan los patrones de tiempo y el
sonido se integran con la música. Los estudios espaciales en danza son también estudios de diseño,
compartiendo el Elemento Espacial con las artes visuales. La danza se integra con el drama a través del
Elemento Fuerza, que provoca emociones y la naturaleza dramática de las fuerzas que interactúan. Estas
conexiones intrínsecas entre la danza y otras formas de arte permiten que la danza creativa actúe como
hilo conductor al integrar las artes entre sí y al infundir las artes en los estudios transversales.
Ejercicios de danza creativa Habilidades de pensamiento
El psiquiatra clínico de Harvard, John Ratey, afirma que el movimiento no sólo se relaciona con las
funciones motoras del cerebro sino que “es crucial para todas las demás funciones cerebrales, incluidas la
memoria, las emociones, el lenguaje y el aprendizaje”. (Ratey, 2001, p. 148) Estas funciones cerebrales
“superiores” evolucionan a partir del movimiento y dependen de él. ¿Por qué esto es tan? Los mismos
circuitos neuronales que regulan las tareas físicas están involucrados en los procesos de pensamiento
porque implican recordar, evaluar y secuenciar acciones. El cerebro “recorre” estas acciones mientras
recuerda, planifica y toma decisiones. Eric Jensen (2000) señala que se necesita actividad de movimiento
a intervalos bastante frecuentes para que el cerebro procese la nueva información que se está asimilando.

El movimiento ayuda a estimular la actividad cerebral al coordinar diferentes áreas del cerebro. Debido a
que los dos lados del cerebro controlan diferentes lados del cuerpo, los movimientos contralaterales (que
cruzan la línea media del cuerpo o contrarrestan los lados) activan conexiones neuronales entre los lados
del cerebro. Actividades como la lectura y la investigación lógica requieren integración cerebral. Los
movimientos Brain Gym desarrollados por Paul y Gail Dennison (1994) aprovechan esta conexión entre
el movimiento y el pensamiento. Bonnie Bainbridge Cohen (1993) también ha demostrado cómo las
secuencias de movimientos del desarrollo promueven el crecimiento intelectual. Si bien puede que no sea
necesario “bailar” para permitir que maduren estas importantes conexiones nerviosas, la danza ofrece
oportunidades de movimiento que las estimulan y anclan. Los movimientos naturales de la danza creativa
despiertan el cerebro del bailarín.
Como se describe en el Capítulo 10, Cómo involucrar las inteligencias múltiples (pX), la amplia
capacidad de la danza creativa para ejercitar las habilidades de pensamiento puede potencialmente
aprovechar todas las inteligencias múltiples de Howard Gardner. Gardner (1983) considera la inteligencia
en términos de habilidades para resolver problemas y producir productos en una variedad de modos. Uno
de los valores intelectuales más profundos de la danza creativa radica en sus ricas oportunidades para la
resolución creativa de problemas. Debido a la naturaleza exploratoria de la danza creativa, las respuestas
a los problemas a menudo son desconocidas y los estudiantes deben recurrir al pensamiento cinestésico
ingenioso. A menudo puede haber varias soluciones correctas y formas de llegar a cada respuesta para un
problema planteado. Las personas practican habilidades de pensamiento de nivel superior cuando crean
danzas para la expresión artística y también cuando combinan la danza con temas y conceptos
académicos.
La danza creativa es comunicación básica.

Temprano en la vida, antes del habla, las cualidades de los movimientos comunes comunican un
significado expresivo. La forma en que un bebé extiende sus brazos (con entusiasmo, desesperación,
lánguida) comunica significado sin palabras. Incluso después de que los niños aprenden a hablar,
continúan usando el movimiento para hacer cumplir sus palabras o como una forma de decir algo sin
palabras. Un encogimiento de hombros, un abrazo, un saludo o un comienzo de sorpresa: cada uno
expresa un mensaje que puede entenderse claramente. Las expresiones faciales, los gestos corporales y las
posturas añaden personalidad y significado al lenguaje hablado. El movimiento corporal también puede
revelar contradicciones con lo que se dice. A menudo el movimiento comunica donde las palabras fallan.
La danza creativa mantiene vivo este canal de comunicación.

Cuando se eliminan las palabras de la comunicación, la expresión del movimiento se vuelve

especialmente significativa. Una simple acción como caminar puede hablar elocuentemente. Mientras que
el andar de Sally tiene una ligereza enérgica, el de Anna puede ser decidido y fuerte, mientras que el de
Celia puede ser rígido y torpe. La caminata lleva consigo actitudes y hábitos subconscientes. El estilo
único que una persona presta a cualquier movimiento, como caminar, demuestra una caracterización
personal. Si la cualidad prestada al movimiento es una elección consciente, el bailarín está elaborando la
comunicación del sentimiento de movimiento. Un sentimiento genuinamente expresado puede evocar un
sentimiento de empatía cinestésica en quienes observan. Al compartir danza con una audiencia, lo que el
bailarín comunica es una sensación de movimiento, más allá de las palabras.

La danza creativa también practica la habilidad de comunicación efectiva del movimiento a través del
trabajo en grupo. En los estudios de liderazgo y seguimiento no verbal, los bailarines pueden utilizar el
movimiento para comunicar directivas a sus seguidores receptivos y atentos, quienes responden en
consecuencia. Los movimientos del líder deben ser claros para que se produzca el resultado previsto. Este
tipo de estudios de danza enseñan la importancia de la observación sensible por parte del líder y del
seguidor. Son interactivos, divertidos, desafiantes y poderosos para desarrollar habilidades de
comunicación.
La danza creativa fomenta la alfabetización
La alfabetización encabeza la lista de objetivos educativos en los Estados Unidos, probablemente porque
leer, escribir y comunicarse son habilidades que promueven la educación a lo largo de la vida de una
persona. La danza contribuye a la alfabetización de muchas maneras, desde estimular el cerebro hasta
vincularla con los elementos del lenguaje y la composición. A lo largo de este libro se encuentran
ejemplos de estos.

Como se analizó en la sección anterior sobre el pensamiento, el movimiento es importante en el

desarrollo de las habilidades físicas/neurológicas necesarias para la lectura, la escritura y el lenguaje. Una
conexión neurológica esencial que establecen los jóvenes es entre el movimiento y la vista. La activación
de la visión periférica, que se produce durante grandes movimientos, facilita el seguimiento y el enfoque
de ambos ojos. Cuanto más se mueven el cuerpo y la cabeza (como lo hacen al bailar), más trabajan
juntos los músculos de ambos ojos. La combinación eficiente de ojos permite a los estudiantes
concentrarse, seguir y concentrarse mientras leen. (Hannaford, 1995) Hacer letras a través de posiciones y
caminos en movimiento apoya el acto físico de escribir. Hannaford (1995, p. 81) también señala que “la
facilidad con el lenguaje requiere las palabras y la estructura adecuada de las oraciones del [cerebro]
izquierdo y la imagen, la emoción y el dialecto del derecho. Esta integración permite la facilidad de
lectura y escritura, así como la comprensión y el acceso creativo”. Ejercicios cinestésicos; movimientos
laterales cruzados; y las habilidades motoras grandes como gatear, caminar, correr, saltar y saltar utilizan
ambos lados del cuerpo y el cerebro.

Los estudios de danza creativa involucran la inteligencia lingüística. Algunas de las muchas actividades
de danza creativa que abordan las habilidades de alfabetización incluyen: expresar el significado de
palabras de vocabulario y palabras que ejemplifican reglas fonéticas; trabajar con la calidad de los
sonidos fonéticos y el ritmo de las sílabas de una palabra; e interpretar el significado de los personajes de
la historia, la trama, el escenario y el estado de ánimo. La danza también proporciona experiencias
memorables que pueden estimular la escritura creativa y descriptiva. Los actos de componer una historia,
ensayo o poema en lenguaje escrito y componer una danza con movimiento implican la creación de una
forma que comunica significado. Por tanto, existen muchos paralelismos entre la composición escrita y la
danza. Consulte la sección sobre Inteligencia Lingüística (pX) en el Capítulo 10, Involucrar a las
inteligencias múltiples para obtener más información sobre la promoción de la alfabetización a través de
la danza. Además, el Capítulo 8, Vinculación con los elementos de la danza y las lecciones de la Parte V
brindan muchos ejemplos detallados del uso de la danza creativa para desarrollar la alfabetización.
Este niño de tercer grado expresa el significado de la palabra “exuberante”. La expresión del movimiento
indica y ancla su comprensión del significado de la palabra.

La danza creativa da forma al comportamiento y la responsabilidad

Cuando se enseña danza, se utilizan palabras como estabilidad, flexibilidad, tensión y relajación en un
contexto físico. Estos atributos también se pueden aplicar en un contexto social. La conciencia del propio
cuerpo y el conocimiento de cómo controlarlo proporcionan una experiencia que genera confianza,
coordinación y control de todo uno mismo. Saber que uno puede controlar y adaptar el movimiento le
lleva a poder controlar también las acciones sociales y emocionales. A través de la danza creativa, los
estudiantes aprenden a confiar en sí mismos y en los demás, adquiriendo valor para ser individuos y
saludar lo desconocido. Aprenden a tomar el control de sus acciones y de sus vidas. La confianza aumenta
y la creatividad se desarrolla. A partir de una conciencia personal fortalecida, los individuos construyen
autoestima y confianza como base sólida para la interacción con los demás. Son entonces más capaces de
ofrecer todo su potencial a la sociedad.
Laban y quienes ampliaron su trabajo sobre el esfuerzo (Laban y Lawrence, 1974; Lamb, 1965;
Bartenieff, 1981) al campo de la psicología descubrieron cómo diferentes cualidades del movimiento
expresan diferentes fortalezas personales. Una personalidad bien equilibrada se reflejaría en la capacidad
de manifestar muchas combinaciones diferentes de cualidades de movimiento. Las fortalezas no
desarrolladas se manifiestan en una gama limitada de cualidades de movimiento y en la incapacidad de
responder a una situación determinada con el comportamiento adecuado. Por lo tanto, proporcionar a los
estudiantes una amplia variedad de experiencias de movimiento resulta útil para equilibrar actitudes
conductuales y promover personalidades integradas y saludables. La persona agresiva se beneficia
practicando usos suaves de la fuerza, usos contenidos del espacio y movimientos lentos. Se anima a una
persona tímida a abrirse mediante el uso del espacio general, grandes movimientos y la exploración de los
aspectos más fuertes del Elemento Fuerza. Como docente, reconocer las necesidades de un grupo puede
guiar la elección del material con el que trabajar en movimiento. Los movimientos suaves pueden servir
para calmar o concentrar la clase. Los movimientos fuertes se pueden utilizar apropiadamente para
proporcionar a un grupo una liberación de energía restringida o para expresar sentimientos dramáticos.

La danza creativa desarrolla habilidades para la vida y es una excelente vía para la formación del
carácter. Se requiere esfuerzo y perseverancia para dominar nuevas habilidades. Por lo general, se
necesita mucha práctica para lograr el control físico y la habilidad atlética que requiere un baile
terminado. Los estudiantes pulen un estudio de movimiento hasta el punto en que estén satisfechos con él
y estén dispuestos a demostrar las decisiones de baile que han tomado. Incluso si el profesor o sus
compañeros son el único público, el desempeño exige excelencia. Realizar un baile, por muy breve que
sea, indica que los bailarines han elegido la que les parece la mejor manera de comunicar una idea en
forma de movimiento. Mostrar bailes desarrolla confianza y demuestra compromiso. Los bailarines toman
decisiones. Los bailarines se apegan a ello. Los bailarines actúan.

Todas las lecciones de danza creativa pueden afectar el comportamiento al desarrollar la conciencia tanto
de uno mismo como del grupo. La seguridad individual y el respeto por uno mismo que se encuentran en
las actividades de movimiento fortalecen a un grupo y contribuyen a las relaciones interactivas. Estas
experiencias de movimiento creativo influyen en las actitudes y el comportamiento, ayudando a los
estudiantes a reconocer la idoneidad de diferentes tipos de comportamiento en situaciones de la vida.

Trabajar cooperativamente con un socio genera confianza en las relaciones grupales.

La danza creativa construye comunidad a partir de la diversidad

A lo largo de la historia, las personas se han unido para bailar y hacer arte como expresión de su cultura,
tal vez una preservación de su herencia. El poder que uno siente al hacer arte en grupo es personalmente
satisfactorio y al mismo tiempo fomenta un sentimiento de comunidad entre los participantes. Las
comunidades fuertes están formadas por individuos fuertes. Su salud depende de la capacidad de un
individuo para aprovechar sus fortalezas como contribución a la entidad del grupo más grande, o de la
capacidad de recibirlas de los demás.

Las lecciones de danza creativa enseñan habilidades individuales y grupales que son necesarias para la
construcción de una comunidad. Comenzando con el desarrollo individual, la danza creativa anima a cada
estudiante a encontrar y expresar su singularidad. Cuando los estudiantes se sienten seguros y se
satisfacen sus necesidades individuales, son más capaces de adaptarse a las necesidades del grupo. Los
estudios grupales en cada elemento de danza contribuyen a generar un sentimiento de comunidad. Los
bailarines aprenden a formar cuerpos grupales, aprenden a adaptar el uso de la fuerza a las necesidades de
cada uno, se sincronizan como grupo siguiendo un patrón de ritmo y se mueven en formas espaciales
(como un círculo o una línea grupal) que crean un sentimiento de unidad. Liderar y seguir ejercicios y
movimientos al unísono crean sensibilidad para percibir las necesidades del grupo y hacer contribuciones.

El orgullo y el sentido de pertenencia son la base del trabajo grupal exitoso. Habilidades para la vida
como la cooperación y el cuidado se desarrollan a medida que los estudiantes crean obras de arte
colaborativas teniendo en cuenta las necesidades del grupo. Al bailar juntos y aportar sus propias
fortalezas a una entidad más grande, los bailarines forman vínculos que pueden durar toda la vida. Esto
proporciona una base para construir relaciones con los demás en cualquier área de la vida. La experiencia
de danza creativa promueve la capacidad de trabajar armoniosamente con otros en la escuela, la
comunidad y la sociedad en general.

El baile intergeneracional crea un sentido de comunidad.

La danza creativa enriquece la vida

El deseo de crear belleza es la naturaleza humana. Las artes satisfacen esta necesidad innata tocando el
corazón y liberando el espíritu. Ofrecer experiencia en danza creativa o cualquier otra forma de arte
fomenta el disfrute de la vida y los factores de éxito permanente. La insistencia del arte en el valor ayuda
a los estudiantes a valorar la calidad en todas las áreas de la experiencia. Una sensación de asombro, una
apreciación de las posibilidades y una persistencia para terminar: estas son las características distintivas
de la creación artística. También constituyen el arte de vivir.

Las lecciones de baile creativo son divertidas. El disfrute y el entusiasmo son factores importantes de
motivación e inspiración para aprender y permanecer en la escuela. Como todas las artes, la danza
creativa ayuda a preparar a la persona para el mundo laboral, para conservar el empleo y para hacer un
buen trabajo. Ofrece oportunidades para tener una mentalidad abierta a muchas posibilidades. Las artes
alientan a los estudiantes a “pensar fuera de lo común” y valorar el proceso creativo como un medio para
resolver problemas y también como una forma de vida. Ayuda a los estudiantes a integrar la creatividad
con los procesos de pensamiento, la autodisciplina, la autoestima, la cooperación, el lenguaje, la
comunicación y la automotivación. La danza ofrece experiencia en poner la teoría en acción para lograr
una meta. Enseña el proceso de transferir sentimientos a formas y crear formas a partir de conceptos
abstractos. Desarrolla la conciencia personal pero lo integra socialmente a través de relaciones y
comunicación grupales. La danza creativa puede desarrollar un ser humano más funcional, consciente y
responsable. La integración del arte, el desarrollo físico, el aprendizaje intelectual y las habilidades
sociales hacen de la danza creativa una cornucopia de oportunidades afortunadas para todas las edades,
dentro o fuera de la escuela. Los sistemas escolares se están dando cuenta de lo que los educadores
artísticos siempre han sabido... que las artes son educación básica, enriquecen nuestras vidas y son
alcanzables por todos.
Resumen del capítulo
La danza creativa ofrece una amplia gama de oportunidades de aprendizaje cruciales porque:
• El desarrollo físico saludable depende del movimiento.
• La danza aumenta la conciencia sensorial.
• La danza ofrece fácil acceso a otras formas de arte.
• El movimiento estimula el desarrollo neurológico.
• La danza fortalece las habilidades de comunicación no verbal.
• Neurológica y conceptualmente, la danza creativa fortalece las habilidades de alfabetización.
• Las experiencias de danza creativa contribuyen al autocontrol y la responsabilidad.
• La danza creativa desarrolla habilidades que contribuyen al trabajo en grupo y la construcción de
comunidad.
• La experiencia artística de la danza creativa ayuda a los estudiantes a apreciar y establecer valores para
la vida.
Nacida a principios del siglo XX, la danza moderna es un estilo de danza que se centra en las
interpretaciones propias del bailarín en lugar de pasos estructurados, como en el ballet tradicional. Los
bailarines modernos rechazan las limitaciones del ballet clásico y favorecen los movimientos derivados de
la expresión de sus sentimientos internos.

Durante el siglo XX, los bailarines europeos comenzaron a rebelarse contra las rígidas reglas del ballet
clásico. Volviendo contra las técnicas estructuradas, el vestuario y los zapatos del ballet, estos bailarines
favorecían una forma de baile más relajada y de estilo libre.

Por ejemplo, los pioneros de la danza moderna a menudo bailaban descalzos y con trajes reveladores. En
Estados Unidos, varios pioneros de la danza allanaron el camino para la danza moderna estadounidense,
incluida la legendaria Martha Graham.

Martha Graham, pionera estadounidense de la danza moderna

Martha Graham es considerada una de las principales pioneras de la danza moderna estadounidense. Para
expresar la pasión, la rabia y el éxtasis de los humanos, desarrolló su propio lenguaje de movimiento.

Graham creó una nueva técnica de danza similar al ballet clásico, pero con varias diferencias. Se centró
en gran medida en el movimiento humano básico, concentrándose en los movimientos de contracción y
liberación. En lugar de esforzarse por lograr movimientos largos y fluidos, los movimientos de Graham
eran agudos y irregulares. Su baile tenía como objetivo exponer las emociones humanas básicas a través
del movimiento, y su valiente visión de la danza moderna le valió varios premios y honores.

Las características de la danza contemporánea

La danza moderna anima a los bailarines a utilizar sus emociones y estados de ánimo para diseñar sus
propios pasos y rutinas.

No es raro que los bailarines inventen nuevos pasos para sus rutinas, en lugar de seguir un código de
técnica estructurado, como en el ballet.

Otra característica de la danza moderna, a diferencia del ballet, es el uso deliberado de la gravedad.
Mientras que los bailarines de ballet clásico se esfuerzan por tener pies ligeros y aireados, los bailarines
modernos suelen utilizar el peso de su cuerpo para mejorar el movimiento.

Este tipo de bailarín rechaza la postura del ballet clásico de un cuerpo erguido y erguido, optando a
menudo por caídas deliberadas al suelo.

Rutinas de danza moderna hoy

La danza moderna se ha convertido en un género enorme en el mundo de la danza actual y, por lo general,
figura como una clase que se ofrece en los horarios de la mayoría de los estudios de danza. Algunos
bailarines sienten que la danza moderna les brinda la oportunidad de disfrutar del ballet sin centrarse
estrictamente en su técnica y participación.
Muchos concursos de baile en todo el país juzgan a los bailarines por su habilidad para el baile moderno y
los bailarines aprovechan esta oportunidad para utilizar su baile para expresar sus emociones más íntimas
y acercarse a su ser interior. Ver a un bailarín moderno a veces puede resultar emotivo, especialmente si
el bailarín intenta transmitir una serie de emociones tristes, como la muerte o el dolor.

Estos son algunos de los pasos que siguen los bailarines al desarrollar una rutina:

 Antes de intentar coreografiar una rutina, el bailarín moderno decide qué emociones intentar
transmitir al público.
 Muchos bailarines modernos eligen un tema cercano y querido, como un amor perdido o un
fracaso personal.
 Luego, el bailarín elige música que se relacione con la historia que desea contar o elige no usar
música en absoluto, seguida de un disfraz que refleje las emociones elegidas.

El baile callejero es cualquier estilo de baile que comenzó fuera del estudio de baile, generalmente en
calles urbanas, patios de escuelas y clubes. Desde sus raíces en la cultura callejera afroamericana de
Nueva York de finales de la década de 1960 , los movimientos atrevidos y sincopados se han ganado la
aceptación mundial como una vibrante disciplina de danza contemporánea.

Fondo de baile callejero

Lo que hoy se llama baile callejero se desarrolló en una fiesta en una sala de recreación en el Bronx en
1973 cuando se mezclaban discos, 'rompiéndolos' y raspándolos para prolongar las secciones
instrumentales para que los bailarines pudieran mostrar sus movimientos por más tiempo. Se convocó el
baile extendido y el ritmo del maestro de ceremonias que cubría los descansos se convirtió en rap. La
competencia se intensificó con movimientos elegantes mientras los b-boys y b-girls desarrollaban sus
estilos con riffs de funk, soul, rock y percusión en las calles y patios de las escuelas.

“Streetdance” fue un término acuñado originalmente para describir bailes que se desarrollaban fuera del
estudio y en un espacio social como calles, clubes y parques. Los bailes callejeros originales incluyen
Breaking, Popping y Locking. Las formas más jóvenes de streetdance incluyen Krumping y House.
El hip-hop es un estilo de baile, generalmente bailado con música hip-hop, que evolucionó a partir de la
cultura hip-hop. El primer baile asociado con el hip-hop fue el break dance. Mientras que el breakdance
consiste principalmente en movimientos ejecutados cerca del suelo, la mayoría de los movimientos del
hip-hop se realizan de pie. ¿Qué es exactamente el baile hip-hop? Empecemos por conocer las raíces de
esta forma de danza.

El hip-hop es una forma de baile muy enérgica. Es único porque permite a sus bailarines actuar con
libertad de movimiento, añadiendo sus propias personalidades. La cultura hip-hop está influenciada por
los siguientes cuatro elementos: disc jockeys, graffiti (arte), MC ( raperos ) y B-boys y B-girls.
breakdance

El breakdance es una forma de hip-hop que mucha gente disfruta viendo, ya que tiene movimientos
geniales y giros rápidos.
El jazz se ha convertido en uno de los estilos de baile más populares en los últimos años, principalmente
debido a su popularidad en programas de televisión, películas, vídeos musicales y comerciales. La gente
disfruta viendo bailarines de jazz, ya que el baile es divertido y enérgico.

El baile de jazz es una forma de baile que muestra el estilo individual y la originalidad del bailarín. Cada
bailarín de jazz interpreta y ejecuta movimientos y pasos a su manera. Este tipo de baile es enérgico y
divertido y consta de movimientos únicos, juegos de pies elegantes, grandes saltos y giros rápidos.

Para sobresalir en el jazz, los bailarines necesitan una sólida formación en ballet , ya que fomenta la
gracia y el equilibrio. Los pasos de jazz incluyen giros básicos que incluyen cadenas, piques, piruetas,
giros de jazz y algunos giros de ballet, por nombrar algunos. Los saltos incluyen grandes jetes, saltos con
giro y jetes turísticos. La firma del baile de jazz es el "camino del jazz". Las caminatas de jazz se pueden
realizar en muchos estilos diferentes. Otro movimiento popular del jazz es la "contracción". Una
contracción se logra contrayendo el torso, con la espalda curvada hacia afuera y la pelvis hacia adelante.
Aprender la técnica de la danza jazz requiere mucha práctica.

Introducción

Los bailes de salón se diseñaron originalmente para bailar en pareja en salones de baile. Los bailes de
salón progresivos o itinerantes se caracterizan por dar largas zancadas que hacen que los compañeros
atraviesen rápidamente la pista de baile. La postura y la estructura correctas son muy importantes en
los bailes de salón.

La combinación de grandes pasos, la separación de la parte superior del cuerpo de los compañeros y
una estructura que requiere que los hombros y la parte superior de los brazos permanezcan en una
línea, dan como resultado la necesidad de una gran pista de baile.

Estilos de baile de salón

Hay dos estilos principales de salón de baile: internacional y americano .

El estilo internacional surgió del baile de salón de estilo inglés o moderno y es el estilo utilizado en las
competiciones de baile de salón internacionales.

El estilo americano fue un intento de hacer que los bailes de salón fueran menos formales y más
sociales. Sin embargo, los estándares del baile social moderno han evolucionado y, según los
estándares actuales, el baile de salón al estilo estadounidense sigue siendo bastante formal. Los estilos
de baile social descritos en otras partes de este sitio son menos formales que los bailes de salón de
estilo americano.

El baile al estilo americano también requiere una pista de baile bastante grande. Sin embargo, el baile
de salón al estilo americano proporciona al bailarín patrones que son útiles para bailar en pistas de baile
pequeñas. Por ejemplo, los pasos de caja del vals, los pasos de vacilación y los giros de las axilas
brindan a los bailarines la oportunidad de bailar el vals como un baile puntual.
Agrupación de bailes de salón
Salón Internacional
Los bailes de salón internacionales se dividen en dos grupos:
1. Estándar
i. Vals lento
ii. Tango
iii. Vals vienés
iv. Foxtrot lento
v. Paso rápido
2. latín
i. Cha Cha
ii. Samba
iii. Rumba
iv. Paso Doblé
v. Jerga

Salón americano
Los bailes de salón americanos se dividen en dos grupos:
1. Liso
i. Vals
ii. Tango
iii. Fox
iv. Vals vienés
2. Ritmo
i. Cha Cha
ii. Rumba
iii. Columpio de la costa este
iv. Bolero
v. Mambo

Baile de ballet: ¿qué es?

El ballet es una forma de baile que puede contar una historia, expresar un estado de ánimo o simplemente
reflejar una pieza musical. El ballet es un tipo de baile muy elegante, en el que los bailarines realizan
muchos movimientos que no son naturales para el cuerpo; sin embargo, cuando estos movimientos se
hacen bien, parecen naturales. Los bailarines deben poder flotar en el aire de manera que parezcan
desafiar la gravedad o girar sobre la punta de los dedos de los pies. Algunos pasos de ballet son tan
rápidos que el público a veces tiene problemas para seguir los movimientos.
Bailarines de ballet
Baile de ballet - Entrenamiento
El ballet requiere flexibilidad, control corporal y mucho entrenamiento. Un buen bailarín de ballet debe
poder hacer que estirar la pierna por encima de la cabeza parezca completamente natural. Un bailarín de
ballet también debe tener ciertas habilidades mentales, como el sentido del ritmo y la comprensión de la
 música. Aprender a realizar movimientos de ballet difíciles puede llevar años de entrenamiento. La mejor
edad para empezar las clases de ballet es entre los 8 y los diez años. Aquellos que deseen convertirse en
bailarines profesionales pueden necesitar practicar hasta seis veces por semana. La mayoría de los
bailarines profesionales practican a diario para mantener su cuerpo en plena forma. Si solo buscas probar
el ballet para mejorar tu flexibilidad o divertirte, deberías poder tomar lecciones dos veces por semana
para empezar.
entrenamiento de ballet
Baile de ballet: altibajos
El ballet es una actividad que ayuda a los bailarines a mejorar su condición física, flexibilidad y
conciencia corporal, pero también puede ser muy exigente. Muchas escuelas de ballet exigen que los
estudiantes tomen varias lecciones cada semana y es posible que ni siquiera acepten estudiantes que no
creen que tengan el tipo de cuerpo u otras características físicas adecuadas . Tú y tus padres debéis tener
mucho cuidado a la hora de elegir un profesor. Los maestros deficientes pueden apresurar a los
estudiantes a tomar medidas que pueden perjudicarlos más adelante. Por ejemplo, a una niña no se le debe
enseñar a bailar de puntillas hasta que sus pies sean lo suficientemente fuertes. Primero debe recibir
algunos años de entrenamiento para desarrollar los músculos de los pies y las piernas. Los buenos
profesores van despacio para evitar que los bailarines se hagan daño. Antes de apuntarte a clases de ballet,
habla con el profesor sobre el tiempo y los compromisos económicos que se requieren. Si quieres
aprender a bailar, pero no quieres dedicar mucho tiempo y energía, quizás sea mejor que pruebes a bailar
hip hop o jazz . Si no quieres aprender a bailar ballet, pero piensas que los zapatos que usan son geniales,
siempre puedes usar un par de bailarinas de moda, que están muy de moda esta primavera.

Baile de ballet: ¿para niños?

El baile de ballet no es sólo una actividad para niñas. Si eres un chico y estás interesado en convertirte en
bailarín de ballet, hazlo. Te pondrás en buena forma, conocerás a muchas chicas en buena forma física
(con las que podrás bailar) y enfrentarás menos competencia (ya que no muchos chicos toman lecciones
de ballet). ¿Se burlarán de ti tus amigos, familiares y otros niños en la escuela? Definitivamente, pero no
dejes que eso te desanime. Serás tú quien se ríe cuando estés rodeado de chicas con leotardos y vestidos
cortos.

 Cinco maneras de enseñarlo

1) Definir los términos Problema y Solución:
 Antes de leer, defina los términos "problema" y "solución". Dé a los estudiantes un ejemplo de un
problema que sucedió en clase. Situaciones de problema y solución se presentan diariamente en un
aula de primaria. Si no tienes ninguno reciente para usar, cuéntanos sobre uno de tu vida. Explique y
defina el problema . Una vez que llegue al lugar de la historia donde se resolvió el problema,
explique que esta es una solución . Es importante presentar y utilizar los términos de vocabulario
adecuados incluso para los estudiantes más jóvenes. Asegúrese de incluir discusiones sobre
problemas y soluciones en otras áreas del plan de estudios. Por ejemplo, analice el problema y la
solución cuando enseñe sobre la contaminación, la guerra, el acoso y los animales en peligro de
extinción.
2) Durante la lectura en voz alta:
 Durante una lectura en voz alta, deténgase en el lugar de la historia en el que ocurre el problema. Pida
a los estudiantes que hagan una lluvia de ideas sobre cuál es el problema. Pida a los estudiantes que
den detalles de apoyo (pruebas); ¿Cómo lo supieron? Cuando se haya identificado el problema, haga
que la clase dé el visto bueno. Practica lo mismo para la solución. Cuando se resuelva el problema,
piense en cómo se resolvió el problema. Nuevamente, pida a los estudiantes que den detalles que los
respalden (pruebas); ¿Cómo lo supieron? Haga que los estudiantes levanten el pulgar cuando se
resuelva el problema.
3) Durante la lectura independiente:
 Para la práctica independiente, entregue a los estudiantes Post-Its para que se adhieran a la página o
páginas donde ocurre el problema y nuevamente cuando se resuelva; Incluso los estudiantes más
jóvenes pueden hacer esto en libros ilustrados, utilizando las imágenes como guía. Pídales que se
turnen para hablar con un compañero de lectura sobre los detalles de apoyo del problema y la
solución en sus libros.
3) Utilice un organizador gráfico:
 En papel cuadriculado, cree un organizador gráfico. En la columna de la izquierda, titúlelo Problema
y en el otro lado (la derecha), titúlelo Solución . Escriba (o dibuje para los estudiantes jóvenes) el
lugar de la historia donde ocurrió el problema debajo del problema y nuevamente donde se resolvió el
problema a la derecha.
 Descargue un organizador gráfico T-chart en Bright Hub Media Gallery titulado T-Chart para
problemas y soluciones con líneas (para grados mayores) o T-Chart para problemas y soluciones sin
líneas (para grados más jóvenes). Cualquiera de estos organizadores gráficos se puede ampliar en un
creador de carteles y plastificar para utilizarlo año tras año.
 Los estudiantes mayores pueden usar el organizador con líneas para proporcionar pruebas de la
historia sobre cuál es el problema y cómo se resolvió durante la práctica independiente. Los
estudiantes más jóvenes pueden usar el que no tiene líneas para hacer dibujos.
4) Actúalo:
 Elija una historia para realizar un juego de roles con accesorios en el aula. Haga que los estudiantes
que no participan en el juego de roles ayuden dando el visto bueno hacia abajo ante el problema y
hacia arriba cuando se resuelva el problema. Incluso los estudiantes mayores disfrutan del juego de
roles. En grupos pequeños, pídales que inventen una obra de teatro para presentarla a la clase y
mostrar su comprensión lectora sobre el problema y la solución.
5) Solicitud: crear un proyecto o ensayo en el aula:
 Crear un proyecto sobre un problema y una solución que los estudiantes puedan identificar y corregir
en el aula. ¿La rutina matutina es perturbadora? ¿No se afilan los lápices cuando es necesario? ¿Hay
problemas en el patio de recreo?
 Divida la clase en grupos. Entregue a los estudiantes el organizador gráfico sobre el problema y la
solución. Los estudiantes se reúnen para discutir un problema en el aula. Escriben el problema con
pruebas de respaldo (hechos) y lo presentan al maestro para su aprobación.
 Describen un plan para resolver el problema y enumeran datos sobre cómo debe resolverse.
 Programe horarios para que los estudiantes presenten sus hallazgos.
 Si es posible, implementar la solución al problema en el aula.
 Por último, los estudiantes mayores deben escribir un ensayo sobre el problema con pruebas (hechos)
que lo respalden, la solución y el plan de implementación. Para los estudiantes más jóvenes, esto se
puede hacer como un proyecto de grupo completo donde los estudiantes votan sobre el problema que
quieren resolver y el maestro escribe o ilustra el problema y la solución.
 Seguramente los estudiantes disfrutarán de estas actividades, mientras que el maestro ha encontrado una
manera de utilizar los estándares de alfabetización de una manera divertida. Repítelos siempre que sea
posible y brinda comentarios frecuentes.
 Conexión (3-5 minutos): Ayer usamos un acrónimo para encontrar los cinco elementos de la
historia. Hoy identificaremos el problema y la solución de una historia para ayudarnos a
comprender mejor la información importante de una historia.

Enseñar (5-10 minutos):

Los estudiantes se sientan en la alfombra con un compañero. Se espera que los estudiantes se
giren y hablen con este compañero durante toda la lección. Cuando leemos es importante pensar
en el problema y la solución de un cuento. Un problema es una cuestión que necesita solución y
la solución es cómo se resuelve el problema. Por ejemplo, si guardo las llaves en el auto, eso sería
un problema porque necesito conducir para ir al trabajo. Una solución a ese problema es llamar a
un cerrajero y desbloquear mi coche. Como lectores debemos prestar mucha atención a los
problemas y soluciones de las historias para poder centrarnos en los elementos principales de una
historia.

Modelo (5-10 minutos):

El maestro lee la historia en voz alta. Yo uso la silla Peter de Ezra Jack Keats. El maestro lee en
voz alta la primera mitad del libro. Mientras leía me di cuenta de que Peter tiene un problema, no
está contento de que su hermana se lleve todas sus cosas. Parece estar molesto porque ya no es
hijo único y ahora tiene que compartirlo todo. Está tan molesto que saca su silla afuera en lugar
de quedarse adentro con su familia. Agregaré que Peter está molesto porque su hermana está
llevando todas sus pertenencias a nuestro cuadro (consulte la hoja de trabajo).

Noto que el primer evento después de que se presenta el problema es que Peter saca sus cosas
afuera. Agregaré esto a la parte de eventos de nuestro cuadro. Sigamos leyendo para ver cómo
Peter resuelve su problema.

El maestro termina de leer hasta el final del libro. Mientras leía, noté que el problema de Peter
estaba resuelto. Decidió que preferiría compartir con su hermana y estar adentro con todos en
lugar de estar solo. Pasa tiempo con su papá y lo ayuda a pintar la silla de rosa para su nueva
hermana. Este es un gran cambio para Peter y resuelve su problema porque ya no está molesto por
tener que compartir. Agregaré eso a nuestro gráfico. Ahora que me has visto modelar el problema
y la solución, es tu turno de intentarlo.

Participación activa (15 minutos):

Ahora que ha practicado la identificación del problema y la solución en una historia, está listo
para intentarlo por su cuenta. Los estudiantes regresarán a sus asientos para leer el cuento El
cuervo y el guijarro (adjunto). Los estudiantes completarán un organizador gráfico para
entregarlo como hoja de salida durante este tiempo. Para diferenciar esta lección, el maestro
puede leer en voz alta la historia para lectores con dificultades.

Hoja de salida (3-5 minutos): Durante el tiempo de lectura independiente, los estudiantes deben
 completar el organizador gráfico del problema/solución. Este organizador se recopilará para
determinar qué estudiantes necesitan más práctica con la habilidad.
 Reflexión: Esta es una buena lección para cerrar la brecha entre encontrar el problema y la
solución en una historia por sí solos. El uso del organizador gráfico ayuda a los estudiantes a
sentirse seguros de que no se perdieron parte de la historia y también les brinda una ayuda para
ayudar con la lectura. El cuervo y el guijarro es una historia muy sencilla de problemas y
soluciones que es un buen punto de partida para lecciones futuras con textos más difíciles.