1.

1 Surgimiento del Arteterapia

“Dudé del arte. ¿Para qué sirve? Si es para entretener a gente que teme
despertarse, no me interesa. Si es un medio de triunfar económicamente,
no me interesa. Si es una actividad adoptada por mi ego para ensalzarse,
no me interesa. Si debo ser el bufón de aquéllos que tienen el poder, que
envenenan al planeta y que hambrean a millones, no me interesa. ¿Cuál
es entonces la finalidad del arte? después de una crisis tan profunda que
me hizo pensar en el suicidio, llegué a la conclusión de que la finalidad
del arte era sanar. “Si el arte no sana, no es arte”, me dije, y decidí unir
en mis actividades el arte y la terapia."

Alejandro Jodorowski, 2007

A lo largo de innumerables épocas el tema del arte recae sobre diversas

manifestaciones que se han desarrollado dentro de la multiplicidad de culturas de
todo el mundo. A pesar de hallarse dentro de cada una de las esferas en que se
divide la sociedad, como la esfera económica, la política, la religiosa y la cultural,
poco se habla del arte; dentro de los extensos periodos históricos; como
instrumento sanador y como potencial de las cualidades inherentes al hombre, aún
a pesar de que juega un papel preponderante dentro de la mejora social, física,
psíquica y personal del individuo y de su interacción con los demás.

Es tal vez a través de la historia de la psicología moderna que podemos iniciar la

historia del arteterapia, pues a partir de la revolución de la psicología, diversos
investigadores vierten su interés en el estudio de la mente y su potencial creativo.
Además hay que sumar los aportes hechos en psiquiatría, por ejemplo hay un
gran avance cuando se exclarecé la liberación de los locos1 que pasaron a calidad
de enfermos, los transferieron a sitios especializados donde fueron tratados, entre

1
En el Renacimiento, la locura surge como una nueva encarnación del mal. Es en este momento en que
aparece la denominada "stultifera navis" (nave de los locos) que determina la existencia errante de los locos.
Dicha nave fue utilizada para eliminar del territorio a estos seres molestos que ponían en riesgo la seguridad
de los ciudadanos. (Foucault, 1967)
otros con el procedimiento moral. El médico francés Philippe Pinel perteneció al
grupo de pensadores que constituyeron La Clínica Médica de Observación y
Análisis Sistemático de los Fenómenos Perceptibles de los Trastornos de la
Mente. Estableció la primera clasificación de enfermedades mentales, teniendo
los resultados de sus estudios gran repercusión posterior. En su Tratado médico-
filosófico de la alineación mental, (Hernández, Collette, 2001, citado:18), dio gran
valor a la ordenación de los albergues de enfermos mentales, e incluyó estrategias
terapéuticas basadas en labores sencillas y libres de estrés, sumando algunas
actividades artísticas, diseñadas especialmente para personas con desequilibrios
mentales. A lo que derivaron las observaciones hechas por psiquiatras y
psicólogos ante los beneficios obtenidos al introducir el ingenio del arte en los
tratamientos de los enfermos mentales. Podemos entonces observar como las
cualidades terapéuticas del arte se comienzan a aprovechar a finales del siglo XIX.
Si a esto agregamos el devenir en los avances logrados por las investigaciones
hechas sobre el potencial humano, la creatividad y la inteligencia, estamos
entonces agregando atributos al arte, que lo van convirtiendo en un vehículo
capaz de transformar y mejorar la vida de los humanos.

El arte extiende su horizonte, ahora insertado en el campo de la psicología, ya sea

como actividad ocupacional, como diagnóstico, o extensamente como
psicoterapia.

En los albores del siglo XX en la década de los 20`s, el médico alemán Hans
Prinzhorn quien además ser psiquiatra estudió historia del arte, teatro y canto.
Reunió 5000 obras de centros de enfermos mentales de Austria y Alemania, dicho
material, le sirvió como principio para constituir la base de su teoría sobre la
pulsión creadora, que se igualaba tanto en personas sanas, como en enfermos.
Prinzhorn hizo un parangón entre los productos de la colección y la producción
artística moderna, notó que ambos poseían cualidades inherentes como las
configuraciones expresivas, atractivas y lúdicas más la carga simbólica del objeto
artístico. Esta comparación no significa que despreciara el trabajo del artista
moderno, estaba consciente de que para llegar a un producto artístico se requería
tanto de la intención como de la intelectualidad, cosas de las que carecen los
enfermos mentales en sus muestras expresivas. Pensaba que fuera cual fuera, el
grado de abstracción, toda imagen responde a su intento de organizar la
percepción con los principios generales de la obra. (Hernández, Collette, 2001)

A partir del psicoanálisis, sabemos que aun la obra más objetiva está plasmada de
nuestros más profundos deseos. La aportación de las investigaciones hechas por
Sigmund Freud fue materia de inspiración para muchos artistas surrealistas. Freud
observó que había ciertas correspondencias tanto en los procesos del mito, los
chistes, los productos del arte y los sueños, destacó que en todos ellos había
indicios del funcionamiento normal del inconsciente. Avistó en la obra de arte, en
términos de organización libidinal, una forma de reflejo de las pulsiones primitivas
y universales. En un informe sobre psicoanálisis Freud señala:

El psicoanálisis ha mostrado que de manera predominante, si no

exclusiva, son mociones pulsionales las que caen bajo sofocación cultural.
Ahora bien, una parte de ellas presenta la valiosa propiedad de poder ser
desviadas de sus metas inmediatas y, así, como inspiraciones sublimadas,
poner su energía a disposición del desarrollo cultural […] (Del Conde,
2006:278)

Dichas propiedades están manifiestas dentro de las artes plásticas, que nos sirven
como elemento para canalizar las pulsiones originales fastidiosas, en resultados
creativos y bien encaminados, que con la asistencia de un psicoterapeuta
lograríamos pasar de seres primitivos a seres evolucionados. No descartamos las
emociones originarias, sino que las transformamos, ese es uno de los grandes
poderes del arte, el lograr regularizar, en vez de destruir. Esto resulta efectivo
tanto para el que crea, como para el que contempla.

En definitiva la teoría de la neurosis abrió, a nuestro modo de ver, la posibilidad de

comprender los procesos creativos, tanto desde la salud como desde la
enfermedad. Al transcurrir de los años se reformulan las tesis sobre el genio y la
locura, las conexiones entre las formas de expresión de los mitos, leyendas y los
delirios psicóticos.
Casi unilateralmente el psicólogo suizo Jean Piaget, quien basandose en sus hijos
elaboró una teoría de la inteligencia sensoriomotriz que describía el desarrollo
espontáneo de una inteligencia práctica, fundada en la acción sobre los objetos,
se forma a partir de los conceptos incipientes que tiene el niño al percibir los
objetos permanentes en el espacio, de su relación con el tiempo-acción y de la
causa que sufren al ser participe con ellos. Llegó al principio de que el proceso
cognitivo o pensamiento de los niños y jóvenes es inherentemente diferente del de
los adultos, al final promovió una teoría global de las etapas del desarrollo,
afirmando que los individuos exhiben ciertos patrones de cognición comunes y
diferenciables en cada período de su vida. Pero son sus investigaciones sobre los
sueños, el inconsciente colectivo y las relaciones simbólicas que halló entre ellos,
lo que erige las bases del arteterapia.

En Gran Bretaña en 1938 el artista Adrian Hill, uno de los primeros responsables
del proceso de institucionalización de esta disciplina como tal, fue hospitalizado
por la tuberculosis, comenzó a pintar revelando las claves de los efectos de la
terapia artística, en 1945 escribió el libro Art versus illnes en el que acuñaría el
término “Art-therapy” (Hernández, Collette, 2001)

Por su parte Torrance y Myers afirman que como en cualquier otra capacidad
humana, la creatividad es una vertiente más en la que se marcan diferencias entre
unas personas y otras, pero que indiscutiblemente “…todas las personas normales
son creativas por naturaleza…” (1976:21). Cuando los seres humanos comparten
características en bajo o alto grado, los sensores de la empatía se encienden en
unos y otros y es más fácil sentir una correlación afectiva ante manifestaciones
que devienen del ingenio creativo. Moles da cuenta de ello en la naturaleza de las
leyes constrictivas que regulan la aceptación o rechazo del producto creado,
dependiendo de si la creación se ha situado en la lógica universal de forma
consistente y no contradictoria.

Los sistemas estéticos respecto a una escala de orden, aquella frente

a la cual la presencia o ausencia de un elemento actúa sobre la presencia o
ausencia de otro, son los que se acomodan más fácilmente a una validez a
 pequeña escalas, sin que el espíritu humano se encuentre particularmente
incomodo. (Torrance, Myers,1976:55)

Idea que probablemente después se convertiría en una de las leyes gestálticas.

Landau afirma que las investigaciones han demostrado que todos los procesos
creativos, fuesen del campo que fuesen, tenían una capacidad común, el potencial
para parangonar correspondencias entre experiencias antes no relacionadas, de
las cuales surgen nuevos esquemas mentales, dando nacimiento a experiencias
originales, ideas o productos nuevos (Baños, 2001). Esta capacidad la posee cada
uno de los individuos y es fuertemente aplicada en las estrategias publicitarias y
más recientemente en la última fase del arteterapia.

Ya en este panorama histórico de la psicología del arte, hay una referencia

importante, Howard Gardner, uno de los que más a fondo ha investigado la
relación del arte con el desarrollo humano, sobre todo en la población infantil. En
1973 predijo que la construcción de teorías acerca del papel del arte en el
desarrollo humano sería más bien fruto del trabajo colectivo y ecléctico que de lo
individual y unifactorial, es decir, unió las perspectivas piagetianas y freudianas, en
principio muy parecidas cada una de ellas, tratando de hacer evidente que
emoción y conocimiento no pueden existir por separado y mucho menos si de lo
que hablamos es de conseguir una psicología del arte. Gardner (1994) ha
descubierto que la inteligencia no es una cantidad que se pueda medir con un
número, como lo es el Cociente Intelectual (I.Q.). La inteligencia es la capacidad
de ordenar los pensamientos y coordinarlos con las acciones, aseguró que la
inteligencia no es una sola, sino que existen tipos distintos; teoría que llamó
Inteligencias Múltiples.

Las inteligencias múltiples pueden resumirse en las siguientes palabras: Cada

persona tiene por lo menos 7 inteligencias o habilidades cognoscitivas, estas
inteligencias trabajan juntas, aunque como entidades semi-autónomas. Cada
persona desarrolla unas más que otras, diferentes culturas y segmentos de la
sociedad ponen diferentes énfasis en ellas.
A mediados del siglo pasado el departamento de Psiquiatría y Psicología Médica
de la Facultad de Medicina de Barcelona, comienzó a una actividad relacionada
con la pintura de los enfermos, paralelamente se llevaron a cabo congresos
internacionales de psicología, donde se habló de la psicoterapia con arte. Las
distintas secciones trataron aspectos del uso terapéutico del arte desde
perspectivas diagnósticas, psicoterápicas y ocupacionales; así mismo se abordó a
las artes pláticas y su relación con la sociedad, de allí surgió la revelación del
psicoanalista Joan Coderch (2001) sobre las posibilidades del arte para
exteriorizar sentimientos y conflictos. Misma a la que ha dado seguimiento de
donde propone los rasgos distintivos del pensamiento psicoanalítico moderno en
su vertiente terapéutica. Más adelante dentro de la misma Facultad de Medicina
se desarrlló el psicodrama, la expresión corporal, la música o la danza como
elementos de apoyo para las psicoterapias. Desde hace muchos años se viene
desenvolviendo en la Escola Municipal d´Expressió de Barcelona experiencias
relacionadas con el uso terapéutico del arte, lo que derivó en la apertura del
Master de Arte Terapia que inició en 1998.

Es así, que el arte entra en juego con la psicología como herramienta diagnóstica;
como expresión dentro del manejo de emociones; como intermediario en la
psicoterapia o como actividad ocupacional.

Los factores que influyeron en el desarrollo de la aplicación del arte como terapia
fueron varios: primero los intentos de popularización del arte y su difusión entre los
sectores de la población menos favorecida. Otro de los factores estaría ligado a la
educación, diferentes corrientes de renovación pedagógica, impulsaban modelos
educativos que rompían con los ya establecidos; una de las propuestas
sobresalientes era el fomento de la creatividad de los alumnos. Considerado un
instrumento destacado en el crecimiento y desarrollo de la inteligencia infantil.

DEFINICIONES

El arteterapia se define como una psicoterapia con mediación artística. El

arteterapia es un acompañamiento, una ayuda a la persona que desea adentrarse
en el conocimiento de sí misma o que presencia ciertas dificultades en su vida. El
papel del arte dentro de las psicoterapias es un medio que permite aflorar
metáforas que revelen la raíz del conflicto y sus posibles resoluciones. La
referencia artística permite a las personas asumir una posición consigo misma y
dentro de su existencia social. De tal manera que el trabajo realizado a partir de
sus creaciones plásticas, sonoras, dramáticas, teatrales o escritas generen un
proceso de transformación de sí misma y le ayuden a integrarse en grupos de
referencia social, de una manera crítica y creativa. El arteterapia no es un proyecto
sobre la persona, sino un proyecto con ella, a partir de su malestar o de su deseo
de cambio. Dentro de este marco terapéutico, la persona elabora producciones
más o menos complejas con hitos enigmáticos correspondientes a su proceso, la
experiencia en la creación arroja de forma indirecta diversos actos: de violencia,
de agresividad, abandonos, pérdidas, sentimientos, etc. El arteterapia es una
forma de decir la verdad jugando en lo simbólico. El arteterapeuta guía el acto
creador y la producción, percibe las especificidades de los medios utilizados y
sugiere una u otra herramienta plástica según se requiera en cada caso. (Klein,
2006).

Dicho por Waller, D. y Gilroy, A. (Hernández, Collette, 2003, citado: 22) el

arteterapia se define como:

El foco del arte terapia es la imagen, y el proceso en torno a la

transacción entre el creador (paciente) el objeto y el terapeuta. Como en toda
terapia, afloran los sentimientos inconscientes a nivel consciente para
después explorarlos apoyándose exactamente en el Arte terapia, pero aquí la
riqueza de los signos artísticos y las metáforas iluminan este proceso, por
encima de la palabra.

La definición de Arteterapia propuesta por la Asociación Americana de Arteterapia

(Fernández, 2003, citado: 140) es la siguiente:

El Arte Terapia proporciona la oportunidad de expresión y

comunicación no verbal, por un lado mediante la implicación para solucionar
conflictos emocionales como para fomentar la autoconciencia y desarrollo
personal. Se trata de utilizar el arte como vehículo para la psicoterapia,
ayudar al individuo a encontrar una relación más compatible entre su mundo
interior y exterior.
El arteterapia se basa en conducción creativa de las personas que tienen la
necesidad de transformación personal o que viven determinada situación de crisis,
ya sea por la presencia de una enfermedad o por circunstancias vitales muy
diversas. Cuando el arteterapeuta crea el ambiente con los materiales y la guía
propicia ofrece la oportunidad de entrar en un proceso de creación artística,
poniendo a disposición del paciente dinámicas o actividades adecuadas que le
permita elaborar progresivamente una imagen, un objeto u otro hecho creativo, en
el que canalice la expresión, la intensción y nuevas posibilidades. El
areteterapeuta tratará de orientar, ayudar y acompañar durante todo un proceso
expresivo que permita encontrar vías alternas de creación y comunicación, como
complemento o sustitución al lenguaje verbal. Los cambios personales que se
derivan de estas experiencias son procurar a la persona involucrada en una
terapia artística un alivio en su situación de crisis, un aumento en su autoestima, y
en definitiva una mayor serenidad.

El Arteterapia nos sirve como medio que facilita la expresión en personas que por
ciertas circunstancias mantienen sucesos o traumas ocluidos. Una de las
finalidades es crear un espacio de experimentación consciente a nivel mental,
emocional, corporal y espiritual. Propicia un espacio de autoconocimiento e
interrelación, de exploración y desenvolvimiento de uno mismo y para con los
demás. Brinda la confianza en la propia expresión aportando técnicas y medios
que no requieren una especialización de la materia. Abre una brecha a lo genuino
y auténtico de uno mismo más allá de lo estético o de lo considerado “bueno o
bonito”. El Arteterapia es beneficioso en la transformación de cualquier persona
que desee evolucionar en el propio conocimiento y en el aprendizaje de ser uno
mismo.

1.2 Artes Visuales y su vínculo con la Psicología

El interés del espacio creativo no sólo involucró a los investigadores del campo
artístico, como hemos visto su desarrollo interesó a psicólogos, pedagogos y
antropólogos.
La comprensión del mundo va más allá de la tecnología y de nuestra razón. El
inconsciente juega un papel importante en cada acto que realizamos en nuestra
vida, por lo tanto es también parte considerable en la forma en que percibimos y
aprendemos de ésta. El subconsciente no se vale de nuestra parte racional, su
lenguaje es afín al mundo de los símbolos, sin embargo las actuales civilizaciones
occidentales dieron mayor importancia y credibilidad a el desarrollo de nuestra
razón, tomando como verdad todo aquello que pueda ser comprobado por la
ciencia; pero no somos sólo partes medibles y calculables, tenemos también un
lado emocional, que está íntimamente vinculado con nuestro subconsciente, el
cual controla gran porcentaje de nuestras decisiones y acciones en todos los
aspectos de nuestras vidas. Por eso es tan importante para el hombre
desarrollarse en los confíneles del arte. Los seres humanos jamás percibimos ni la
más mínima cosa por completo y tampoco llegamos a comprenderla en su
totalidad. “… cada experiencia contiene un número ilimitado de factores
desconocidos, por no mencionar el hecho de que cada objeto concreto es siempre
desconocido en ciertos aspectos, porque no podemos conocer la naturaleza
última de la propia materia.” (Jung, 2002:19) Aún a pesar de valernos de
instrumentos de precisión que nos permiten ampliar nuestras percepciones, en
determinado momento llegaremos a un punto donde alcanzaremos el límite de
certeza más allá del cual no puede pasar el conocimiento consciente. (Jung, 2002)

Desde luego, esta concepción del espacio creativo como apertura a la producción
simbólica plantea cuestiones interesantes desde el punto de vista de la estética y la
teoría del arte contemporáneo, de hecho es perfectamente compatible con los modelos
de análisis estructuralista y semiótico de la obra de arte.

Roland Barthes (1970) explicó que mientras que la obra se presenta como expresión de
un sentido o significado cerrados que el lector trata de dilucidar, el sentido originario del
texto no es lo único que se percibe de éste, por el contrario, se crea una apertura al
discurso, cuya capacidad desborda los límites para multiplicar los sentidos posibles del
objeto y para permitir diversas lecturas creativas del mismo. En esta manera, para buena
parte de la crítica del arte contemporáneo, no es posible ya defender la existencia de un
sentido unívoco de la obra, sino que la tarea del crítico es apropiarse de la misma para
crear nuevos sentidos y nuevas lecturas, lo mismo que para el arteterapeuta cuando
trata de renunciar a la interpretación del signo para crear un espacio simbólico, sobre
todo en las primeras fases de arteterapia, la de expresión y exploración, al transcurrir las
sesiones se creará un ámbito en el que vayan surgiendo nuevas elaboraciones
simbólicas conforme a la comunicación y los resultados que surjan entre el terapeuta y el
paciente. Barthes concluía que hacer arte significa tanto jugar como ejecutar, ya fuera al
tocar una pieza musical o interpretar un papel teatral. En todo proceso de obra artística
originaria van implícitos en sus formas los contenidos significativos del autor y cuando se
llega a la conclusión de la misma , el trabajo creativo se transforma en texto abierto a la
interpretación, deja de tener un significado y se abre a nuevos sentidos. Así pues el
artista es aquel que, tanto en el caso del profesional del arte, como en el del amateur o
en el del paciente que participa en sesiones de arteterapia, re-elabora materiales para
abrirlos a nuevos sentidos que nunca se agotan, así como aquel que se apropia de una
obra para re-interpretarla o re-crearla. La tarea del arte no es la de interpretar la obra en
su supuesto verdadero sentido, sino la de interpretarla creativamente, la de proponer
una traducción que nunca puede ser literal, sino simple adaptación.
Dicho de otro modo, las tareas del crítico del arte, del espectador (como participante
activo) y del paciente se nos descubren como fruto de una misma actitud: el juego libre
de la imaginación que trabaja reelaborando materiales y significantes.

La estética del posestructuralismo francés, una directriz, que dicho sea de paso, ha sido
un parte aguas en la historia del arte, tanto en el debate sobre la postmodernidad como
en la crisis de las vanguardias, lo mismo que en la autentificación teórica de tendencias
estéticas como: el apropiacionismo, el neoexpresionismo, el neo-pop, el neo-dadaísmo,
o la recuperación del ready made duchampiano. Podemos anunciar que antes de la
aparición de esta estética estructuralista, la práctica clínica en la terapia artística había
iniciado un proceso de cambio que podemos sintetizar con la expresión de Simón
Marchán (1986), que fuese título de su libro, Del arte objetual, al arte de concepto y
también en última instancia, con la máxima central del viejo dadaísmo: la primacía del
gesto y la acción sobre el objeto.

Este proceso interno de evolución de la terapia psicológica puede sintetizarse y también

mostrar su íntima vinculación con el arte a partir de la posición de Winnicott. No en vano,
su modelo de terapia psicoanalítica junto con Gardner, han sido reconocidos por unos y
por otros, como elemento central en la metodología del arteterapia. Sus principios
básicos han servido también para construir una crítica al modelo del artista de
vanguardia y para proponer una alternativa que supere las paradojas a las que la vieja
posición de la vanguardia parecía condenarnos.

Pues bien, el arte es, para Winnicott (1994) un instrumento óptimo para permitir la
experiencia de un espacio transicional en el ámbito de la producción artística, entendida
en el sentido más amplio que abarca cualquier actividad, el sujeto se enfrenta al mundo
de forma creativa. La creatividad artística es el terreno en el que se produce una
elaboración de los materiales que provienen del “yo verdadero”, el deseo, la fantasía, lo
que el sujeto reconoce como expresión autentica de sí mismo. Una elaboración o
transformación creadora en la que intervienen también las leyes de adaptación a las
exigencias del medio social y de principio de realidad.

A comienzos del siglo XX la vanguardia pictórica realizó búsquedas de nuevos modelos

de inspiración, eso despertó un interés en la pintura psiquiátrica. Las pinturas de locos,
de niños y las de los pueblos primitivos serán un modo de ruptura, por su alto contenido
de elementos de culto y de fascinación. Lo irracional lo asumen los dadaístas y
surrealistas como un modo de subversión. Y esto también es posible gracias al
acercamiento que se produce entre el arte y el psicoanálisis. Para los dadaístas el
lenguaje racional pierde su centralidad y su privilegio. Como ejemplo, la práctica del
automatismo psíquico
era como dar un paseo con guía hacía la psicosis, estética de la alucinación que fue
sinónimo de libertad. Fue André Bretón (1974: 63) quien dijo en esos años:
 En realidad las alucinaciones, las visiones, etcétera, no son una fuente de
placer despreciable. La sensualidad más culta goza con ella, (…) Me pasaría la vida
entera dedicado a provocar confidencias de los locos (…) No será el miedo a la
locura lo que nos obligue a bajar la bandera de la imaginación.

En los años treinta un hospital psiquiátrico en Francia se convertiría en refugio para de

surrealistas y promotor de actividades artísticas. Años más tarde nacería en Verona la
SIPE Sociedad que aún continua organizando encuentros científicos y cuya
preocupación principal fue durante mucho tiempo el valor proyectivo y diagnóstico de las
obras, incluso incorporan secciones dedicadas al uso del arte como terapia.

El ascenso del valor terapéutico del arte discurría en sentido contrario del interés por el
valor artístico de las obras de enfermos mentales. Como excepción las propuestas del
pintor Dubuffet encabeza el movimiento de Art Brut. Éste sería una apuesta por el arte
marginal realizado fuera de la tradición cultural y de los talleres de arte terapia. El suyo
fue un apoyo al proceso artístico puro, al impulso primario y brutal. Su importancia marcó
el nacimiento de numerosos museos de arte marginal, tanto en Europa como en Estados
Unidos.

Por otra parte el interés por impartir la enseñanza del arte dentro del sistema educativo
afecta sin duda la difusión de las artes plásticas. En un discurso titulado El lugar del arte
en la universidad, Read, pronuncia y aboga porque el arte domine nuestras vidas para
poder decir: “ya no existen obras de arte, sino sólo arte”. Pues el arte es entonces la
forma de vida. Para Read (1993) las artes plásticas además de establecer el índice de
cultura de un país, enlazan la sensibilidad espiritual en contacto directo con la materia,
por encima de otras artes como la poesía y la música. Hay que fomentar el arte de
manera activa, como un modo de reacción contra la fealdad que ha inundado nuestras
cabezas después de la estela de la revolución industrial. En contraposición Rufino
Tamayo dice que cada sociedad define su propio estilo según los elementos que
conforman su diario acontecer, así mismo si la sociedad norteamericana estaba invadida
del mercantilismo, dio como resultado el arte pop.
1.3 Artes visuales aplicadas en arteterapia
No se puede hablar de la aplicación directa de las artes visuales en todos los casos del
arteterapia, al ser esta una disciplina recién nacida, todavía se está construyendo su
actividad. Y en la gran mayoría de las sesiones de arteterapia no se hace uso de las artes
visuales como tal, a lo sumo se utilizan los mismos soportes y materiales que se manejan
dentro de ellas. Esto se explica porque la gran mayoría de los pacientes no cuentan con
una formación artística, y no es el objetivo del arteterapia brindarles una. En cambio, hay
artistas y diseñadores que han dirigido sus conocimientos y creación de obra al
arteterapia.

La mediación artística es característicamente, en sí, metafórica, por sobre lo expresiva,

meditativa o lúdica que pudiera llegar a ser. Dentro del arteterapia las herramientas
artísticas son el puente entre el paciente, el trauma y el terapeuta. El paciente da forma a
su material, en el que expresa y a su vez comunica lo que en su interior le confunde o
disgusta, con cualidad objetiva. L. Vygotsky (1970) plantea, que la relación del individuo
con su realidad exterior no es simplemente biológica, ya que por medio de la utilización de
instrumentos adecuados puede extender su capacidad de acción sobre esa realidad. El
objeto de arte es un vehículo más a través del cual el hombre satisface sus necesidades
estéticas de conocimiento, a la vez que manifiesta su ideología, expresa su subjetividad y
nos comparte su visión de la realidad.

Anteriormente mencionamos que Jung en conjunto con Freud, ambos revelaban que los
símbolos derivaban de un alto grado del contenido guardado en el subconsciente. Sin
embargo, es a Jung al que se le considera uno de los precursores del arteterapia, por los
descubrimientos desplegados de su propio trayecto de investigación, en el cual
parangona la obra maestra y el proceso de individuación, donde cada uno de nosotros
viene a desarrollar lo que específica y potencialmente se es, experimentando y recreando
la historia de vida propia. La concreción de una imagen simbólica supera el arte, libera a
su autor, tiene una eficacia vivificante sobre uno mismo.
La imaginación proyectiva es sincrónicamente personal y supra-personal. Arquetípica,
porque representa y realiza, desde el inconsciente que la envía, a la materia que la
representa y la retoma, de allí mismo gira y vuelve a la persona para su enriquecimiento.

El uso de materiales artísticos y la expresión en sus diversos soportes, dentro del

arteterapia, proyectan gran cantidad de símbolos, material que deviene gran parte del
inconsciente. El procedimiento que siga de ello enlaza la comunicación entre lo no verbal
y lo verbal, entre la pericia y la comprensión, entre el inconsciente y la consciencia, y
finalmente engloba la aparente divergencia transformándola en complementaria, entre la
elaboración artística y la racionalización.

Las técnicas y materiales utilizados en arteterapia, muchos de los cuales devienen su uso
dentro de las artes plásticas, consienten que las personas que se sienten mal, logren
alejarse de todo lo que les causa incomodidad, objetivándolo y concibiendo surgir las
formas que poseen internamente para ganar ocuparse de ellas. No es extraño que siendo
la pintura una de las artes pláticas usadas con mayor recurrencia, sea una de las más
utilizadas dentro del arteterapia, por lo menos en cuanto a los materiales y a los soportes
se refiere. Aunque cabe destacar que también se utiliza la obra pictórica como tal, como
ejemplo, hacemos mención en primer lugar a la contemplación de obras de arte como
material para la asociación de ideas en un proceso psicoanalítico. También podemos
evocar, al mismo tiempo, las visitas guiadas a museos por psiquiatras que encontraban
beneficioso para sus pacientes, la contemplación de ciertas pinturas.

Es evidentemente en una sesión de arteterapia, la técnica pasa a segundo término, en

primera instancia, el guía no se detiene a hacer correcciones, sobre el manejo de los
materiales. La compañía ha de ser discreta, lo primordial es sacar la presión de adentro,
sin embargo, el arteterapeuta no puede contentarse con las evidencias cómodas como los
garabatos o los dibujos copiados. Complacerse con lo mínimo desmotiva a todos, no
obstante se ha de hallar un equilibrio para no ser demasiado invasivo, ni en extremo
condescendiente. En un segundo nivel, se hace un análisis lúdico de las partes que yacen
fuera, se trabaja una psicoterapia para resolver los conflictos expresados y finalmente se
vuelve al trabajo expresado para reajustar lo inconveniente, o bien se recurre a inducción
de imágenes armónicas que respalden la idea del conflicto superado.

Como dice la pintora y arte-terapeuta M Joulia, todo parte del caos y de la exploración del
mismo: “Es necesario que uno desee perderse para poder encontrar su zona de sombra”
(Klein, 2006, citado: 24). Soltarse y liberarse, para permitir que llegue una fase de
creación, lo mismo que uno se deja tomar por el sueño, dejar que lleguen a uno las
imágenes, los colores, los grafismos, las formas para organizarlas después. Cuando
surge el caos interior y se establece un ritmo, el arteterapeuta ayuda a su paciente a
aflorar los movimientos gráficos que van apareciendo y se ordenan por medio de la
transformación del primer juego expresivo, que se abre evoluciona y se construye.

Efectivamente el arteterapia consiste en centrarse menos en las resistencias de la

persona, aún si el paciente habla mucho sobre las cosas que le aquejan, y se enfoca más
en el trabajo ilustrativo, el que arrojará la raíz de su problema, el cual sale a relucir
siempre en la creación misma, y cuya evolución cuenta, estratégicamente y
cronológicamente, antes de que la persona se dé cuenta de ello. Expreso con intención y
mi interpretación reproduce mi intención inconsciente. Para después darme cuenta de ello
conscientemente.

El dibujo, la pintura, el collage y el modelado se utilizan mucho en arteterapia y con

demasiada frecuencia son utilizados como objeto de estudio, para obtener los primeros
datos de cierta situación; también se han elegido como test proyectivos, antes de que el
paciente se altere por destaparse ante el terapeuta estas herramientas son literalmente un
colchón que suaviza las sesiones introductorias.

Las bases de la escultura permiten dar cuerpo a la materia. El modelado es el que se

utiliza en las sesiones de arteterapia, generalmente con arcilla, pues es una buena
interlocutora con la que hay que negociar sin intentar imponerse demasiado. La arcilla se
estira, se golpea, se amasa, se transforma en rasgos imaginarios, se toca cuando está en
una caja dispuesta para un trabajo de campo, se crean bajo relieves a partir de huellas de
fragmentos de juguetes rotos, exige concentración en el arte del torno, se la somete a la
prueba del fuego. La tierra es el primer elemento que nos constituye y anclarse en ella es
encontrar de nuevo lo real de nuestro cuerpo y su relación con el mundo. El trabajo con la
tierra es también un juego de destrucción y recreación en una atmósfera que a la vez es
lúdica y formal. El paciente a veces la modela y en otras deja en ella una huella de su
cuerpo. Por último, la arcilla también puede tomar todo su valor en los rituales de
sobreimpresión o intervenciones sobre misma naturaleza.

En ese sentido y entre muchas otras posibilidades el arteterapeuta se apoya ya sea en la

conducción de marionetas, en brindar el soplo divino a lo inanimado para que recobre
alma; trabajar los fallos de la voz, alcanzar lo sublime desde las más recónditas cavernas
de interior mismo; el modelado, pasar de lo informe a la forma y viceversa; el collage,
destruir las producciones de otros creadores para construir una fórmula original y propia;
organizar los grafismos surgidos de la mano, organizar progresivamente el caos; delimitar
el espacio de la expresión imaginaria y de la realidad recobrada al final de la sesión, jugar
con sus miedos más arcaicos más bien a que sea su objeto aterrorizado; elaborar ritmos,
partir de sus violencias para traducirlas en armonía. Siendo cada sentido particular a cada
uno, pues no existe una clave universal, los ejemplos aquí citados son sólo algunos de las
posibles aplicaciones que podrán variar según el arteterapeuta y el paciente.

1.3.1 Ámbitos de aplicación

Los ámbitos más frecuentes en los cuales se aplica actualmente el arteterapia son los
servicios sanitarios como: hospitales generales, clínicas, centros de salud, etc. Los
servicios sociales como: residencias, centros de atención especializada a la mujer y de
jóvenes, centros de desintoxicación, en centros de atención a los trastornos de
alimentación (bulimia y anorexia), etc. En la educación como: escuelas e institutos
especializados para niños y adultos con cualidades diferentes, casas hogar. Y también
centros penitenciarios.
Según las publicaciones de la British Association of Art Therapists el campo de aplicación
del arteterapia se ha extendido. Siendo beneficioso trabajar con arteterapia en todo aquel
centro que atienda diversas discapacidades sensoriales, psíquicas, físicas y sociales;
tanto como en aquellos centros dedicados a potencializar las capacidades humanas.

Los centros de atención especializada para niños con discapacidades mentales o

trastornos del comportamiento, se expresan generalmente con dificultad de modo verbal.
Los materiales artísticos ofrecen para ellos una forma natural de expresión no verbal,
dejando emerger y en su caso haciendo conscientes, determinados sentimientos o
emociones que pudieran estar obstaculizando un crecimiento más armonioso, o un
aprendizaje mucho más digerible.

En el ámbito de la educación, tanto en escuelas generales como especializadas el

arteterapeuta suele enfocarse con los alumnos que nos encajan en el sistema general de
aprendizaje de dicha escuela, elevando su bajo nivel en clases, para que al final logre
sentirse en afinidad con los de su misma edad, desarrollándose en un ambiente óptimo y
afín a él.

Dentro de los centros de integración juvenil, se hace un énfasis con los adolescentes que
asumen con dificultad el paso de la infancia a la edad adulta, en ese momento
particularmente vulnerable de importante transformación del cuerpo, pueden atravesar
situaciones de gran estrés e infelicidad. Expresadas en formas extremas, pueden derivar
en: desordenes alimenticios, consumo de drogas, fuertes depresiones y otros trastornos
que el arteterapeuta puede contribuir a afrontar.

Las personas autistas con las cuales los sistemas de comunicación son limitados y
arriesgados pues todo intento puede ser tomado como una agresión, representan un
grupo de gran complejidad para las diversas estrategias terapéuticas. Su aparente
necesidad de una cierta rutina, con rituales o dinámicas con signos repetitivos, en la cual
encuentran una relativa seguridad, paradójicamente, al mismo tiempo limita el cambio
hacía situaciones de menos introversión, e incluso puede derivar en una obsesión que
combate cualquier posible cambio. El reflejo de los signos repetitivos en la creación de
sus imágenes puede orientar al arteterapeuta en sus estrategias desarrolladas para entrar
en comunicación con el autista y contribuir al entendimiento de las causas y orígenes de
estos estados de bloqueos mentales.

En la franja adulta, las personas pueden presentar un amplio abanico de necesidades y

preocupaciones. Los arteterapeutas se ven así implicados en el tratamiento de personas
con problemas muy diversos: psiquiátricos, discapacidades mentales, conductas adictivas
autodestructivas. Las intervenciones del arteterapeuta podrán ayudar a hacer frente a
problemas de sociabilidad. Dando una oportunidad para la estimulación creativa, la
expresión y también la ocupación, se contribuirá al desarrollo de habilidades o recursos
para poder relacionarse o mejorar la relación, primero consigo mismo y con los demás. En
los centros geriátricos el trabajo arteterapéutico se centra con frecuencia sobre el pasado
de la persona tratada y sus acontecimientos más significativos, activando la memoria y
ayudando a reconocer y afrontar los sentimientos de soledad y nostalgia, a aceptar la
edad, sus limitaciones y las riquezas que con el paso del tiempo se han obtenido.

Para las personas que se enfrentan al proceso de morir por hallarse en fase terminal de
varias enfermedades graves y avanzadas, tales como cáncer. El objetivo principal
perseguido por el arteterapia, generalmente a través de la creación de imágenes
bidimensionales, se mejora la calidad de vida, ayudando a vivir una transformación
serena, obteniendo una visión objetiva de la situación.

En las prisiones la contribución del arteterapia, a través del desarrollo de un simple

potencial creativo hacía un desenvolvimiento creativo-productivo, se puede concretar para
los penitenciarios, un mayor sentido de la identidad y la auto estima, así como la
canalización de sentimientos tortuosos, pudiendo resultar de ello, una alternativa a su
posible reintegración productiva dentro de la sociedad.
En el arte, como en el juego en general, el sentimiento se somete a la regla racional, pero
esta regla no se impone con una autoridad externa o como negación de la libertad
creativa, sino como marco que permite la libre expresión. Gracias a que esa capacidad
que el arte tiene para establecer una mediación o síntesis entre razón y sensibilidad,
puede convertirse en un espacio curativo. Intervención reflejada por Freud (1999) en El
malestar en la cultura, cuando dice: “la vida cultural puede ser también espacio para la
salud, gracias a su función mediadora y de descanso entre lo imaginario y lo real, entre el
yo y el mundo”. Lo mismo que para nuestro ser, el sueño es una interfase que nos permite
proyectar todo aquello que no deseamos, que reprimimos y que anhelamos.

1.4 Fases del arteterapia

La manera en que se aplica el arteterapia e muy diversa, dependiendo del

terapeuta, arteterapeuta o del terapeuta y el o los artistas que trabajen con él. Por
supuesto que también depende del sector y condiciones en que se vaya a aplicar
la terapia de arte. Y como se ha mencionado antes, la metodología aún está en
desarrollo. En las líneas siguientes se describirán brevemente dos ejemplos, de
metodología empleada en algunas sesiones de arteterapia.

Está metodología describe cuatro fases, fue desarrollada por el terapeuta

gestáltico Norman Duncan (2007) actual docente del master en arteterapia de la
Universidad Complutense de Madrid. Esta metodología se emplea cuando hay una
ocluida o una emoción fuerte. Las fases se basan en el modelo terapéutico del
Géstalt y no están sujetas a seguir un orden encadenado, se puede comenzar en
la fase 3 y luego continuar con las demás.

1. Observar y dar nombre: se trata de hacer una observación profunda y sin

interpretación, poniendo especial atención en el lenguaje corporal, en el
comportamiento, la expresión, el gesto, el tono de voz, las metáforas, y los
sentimientos. Aunque en esta etapa es mejor no entrometerse demasiado, es
preciso reflexionar cuando sea beneficioso para el paciente y mencionarle sobre
las emociones y gestos experimentados, para que vaya adquiriendo
responsabilidad y aceptación de lo que vivencia. “Cuando el facilitador nombra lo
observado apropiadamente, sin interpretación, facilita la conexión con la realidad y
la concienciación de aspectos anteriormente inconscientes. Aquí ya hay
desarrollo”.

2. Invitar a Explorar: si se ha comenzado con el paso 1, en este momento

contamos ya con una noción del tipo de energía con el que se desenvuelve el
paciente, sabremos ya, si se encuentra renuente, o si por el contrarío está en toda
disposición de seguir avanzando. “Siguiendo la energía, metáforas, gestos,... del
paciente, se invita a un aumento de expresión - el terapeuta, con su atención,
interés y entusiasmo, anima a la expresión y al diálogo: ’Intenta hacerlo otra vez,
qué te gustaría resaltar, haz lo más grande, qué nos está diciendo”. Se comienza
a priorizar sobre cierta emoción.

3. Experimentar y Ejercitar: “Ahora invitamos a este “personaje” a definirse más en

relación con el entorno. Proponemos ejercicios apropiados a, o congruentes con,
su expresión, energía y estilo de expresión. Un ejercicio efectivo debe tener el tipo
y el nivel de exigencia adecuados”. Aquí entra en juego la creatividad del
terapeuta, ha de hacer efectivo la gran variedad de técnicas, materiales y
ejercicios que más se adecuen al nivel de la esencia del paciente y del conflicto.
La actividad elegida será la que preparé el campo en el cual el símbolo se
protagonice, tome sentido y se comience a relacionar con otros distintivos y
emociones involucrados en el entorno. “La propia encarnación de la imagen
empieza ya a tener carácter; está cargada de personalidad, pues invitemos a
descubrir esa personalidad –la imagen tiene objetivos, fortalezas, debilidades y
amenazas en su recorrido”.

4. Integrar y Concienciar: Aunque hasta el momento, se ha priorizado en la libertad

del paciente, es importante mantener claro que existen ciertas delimitaciones
como el área donde se trabaja, el tiempo que durará la dinámica, el uso y
aplicación de los materiales. Después de eso se indaga si es pertinente proseguir
con un análisis de lo ocurrido. “Lo mejor es devolverle la pregunta para que, si es
necesario con nuestra ayuda, elaboren su propia interpretación”. Debido a que
todo resultado arroja material susceptible de interpretación, es importante que el
terapeuta se desembarace del impuso de querer hacer coincidir lo que presencia,
con sus teorías aprendidas, mejor será tratar de tender un puente que de la
confianza al paciente para que vaya construyendo su propia interpretación, con la
confianza que va acompañado de la mano de su terapeuta.

El ejemplo siguiente es el de la metodología que se siguió Carmen Medina (2004)

del Posgrado de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, dentro de un
taller de arteterapia para la rehabilitación de un paciente alcohólico. Se refiere un
panorama general de las fases que se siguieron en la rehabilitación y a diferencia
del ejemplo anterior se describen sólo tres fases de cuatro que desarrolló el
pasado. Además se detalla en número de sesiones que tuvo lugar cada fase.

Fase Inicial, sesiones 1 a la 4: dedicada a crear un vínculo de confianza, que

propicie el trabajo Arte Terapéutico; además es una etapa de conocer las
características del paciente para enfocar el trabajo, visualizar la disposición, los
mecanismos de defensa y otros elementos de este estilo; acordar el encuadre;
presentación del arte terapia, enfatizando el valor del proceso terapéutico y
diferenciándolo de una búsqueda o valoración estética; trabajo y conversación
sobre su vida en general y en especial sobre algunos aspectos de su infancia y de
su sentir infantil, y directamente sobre su adicción, su alcoholismo.

Fase Intermedia, sesiones 5 a la 14: orientada a profundizar, en su identidad, en

sus necesidades y proyectos, en su relación consigo mismo y con el entorno;
también orientada a reconstruir su vida, con un significado personal que le dé
sentido.

Fase Final, sesiones 15 a la 17: destinadas a reforzar su decisión de rehabilitarse

y de hacerse responsable de su nueva forma de vida; destacar aspectos positivos
y favorables de su nuevo modo de vivir, descubiertos y valorados por él mismo.
Cierre del proceso vivido a través de observar retrospectivamente los trabajos
realizados con sus respectivas vivencias, y de ofrecer la alternativa de llamarnos,
o reunirnos si así lo quisiera o necesitara el paciente.

Independientemente del número de fases o de la metodología que se emplee, es

importante identificar que el arteterapia es un proceso, que es importante ir paso a
paso, manteniendo la objetividad, sin perder el sentido lúdico en cada sesión. Y en
el caso del trabajo multidisciplinario, ya sea de diseñadores con terapeutas, o de
artistas con terapeutas o de los tres juntos, establecer lazos afines que permitan la
libre comunicación durante todo el proceso, para que juntos sean una guía de
ayuda en la resolución de los conflictos de los pacientes. O bien, puede darse el
caso en que el grupo de guías este conformado por pedagogos y artistas y el
objetivo sea muy distinto del de sanar y lo que se busque sea impulsar la
creatividad del alumno.