Suscríbete a DeepL Pro para poder traducir archivos de mayor tamaño.

Más información disponible en www.DeepL.com/pro.

GRIS LARGO I
VISIONES AUDACES
LA BIBLIA DE LA PINTURA DIGITAL
 VISIONES AUDACES
LA BIBLIA DE LA PINTURA DIGITAL
PARA ARTISTAS DE FANTASÍA Y CIENCIA FICCIÓN
GARY TONGE
A mi hija Catherine, luz de mi vida.
NACIMIENTO DEL SISTEMA Alineación de cuerpos celestes que orbitan en un sistema solar joven.
CONTENIDO

Introducción
Materiales
Técnicas básicas Color
y luz Concepto y diseño
Texturas y efectos especiales
Humanos y otros seres
Paisajes terrestres y
espaciales Estructuras y
vehículos Qué hacer con tu
arte Agradecimientos
Créditos de las
imágenes Sobre el
autor
INTRODUCCIÓN

UNIVERSO MAESTRO Representación del universo.

Bienvenido a Bold Visions, la Biblia de la pintura digital. Soy Gary Tonge,

un artista digital profesional con una experiencia que se remonta a 1987,
cuando me lancé de cabeza a la industria del software informático como
artista de juegos nada más salir de la escuela. Durante este tiempo, he visto
cómo los ordenadores pasaban de ser simples máquinas recreativas con
paquetes básicos de pintura para aficionados a convertirse en plataformas
de vanguardia para producir arte de todo t i p o , superando al arte tradicional
en muchos aspectos, sobre todo e n cuanto a velocidad y libertad creativa.
A lo largo de los años, he pasado por muchos campos del arte asistido por
ordenador: desde el simple software de juegos basado en sprites de dos
colores, pasando por el modelado, la animación y el renderizado en 3D de
gama alta, la revolución de los juegos en 3D, hasta llegar de nuevo a la
pintura, con herramientas que estaban más allá de mis sueños más
descabellados cuando comencé mi andadura profesional. En los últimos 20
años han cambiado muchísimas cosas en mi forma de hacer mi trabajo,
pero algo que ha permanecido constante es la emoción de crear arte
impactante. Hay algo increíble en poder sentarse y contemplar una visión
que una vez estuvo en mi mente, y que ahora está ahí fuera para que todo el
mundo la vea. Esta es la clave que espero que obtenga de la lectura de este
libro: galvanizar su capacidad para traducir lo que ve en el ojo de su
m e n t e en algo que otras personas puedan apreciar, no sólo por su mérito
artístico, sino también por la naturaleza única de lo que ha creado.
En este libro encontrará una variada selección de imágenes, en su
mayoría pintadas por mí, pero también algunos ejemplos escogidos de
otros artistas, que espero le sirvan de inspiración. Los capítulos están
concebidos para ayudarle a comprender el proceso creativo emprendido
para crear estos cuadros, como
así como las decisiones que se tomaron durante su desarrollo. También
ofrezco algunos consejos prácticos sobre técnicas que utilizo en mi
trabajo. Junto a estos tutoriales encontrarás una serie de secciones sobre
cómo explorar y utilizar Adobe Photoshop a tu manera, con
explicaciones sobre el funcionamiento de muchas de las potentes
herramientas del programa.
Espero que encuentre un nuevo entusiasmo por sus esfuerzos artísticos
después de leer este libro, tanto si sus objetivos son simplemente mejorar
sus habilidades para hacer su afición más agradable, perfeccionar realmente
su dominio de Photoshop, o incluso si está buscando encontrar una
vocación como artista profesional. El viaje está a punto de comenzar: ¿está
preparado?
REACHING OUT (cultivo) Un mundo lejano.
Materiales

Todos los artistas necesitan ciertas cosas para hacer su trabajo, ya sea un
lienzo del tamaño de una pared y 24 latas de acrílico, o un ordenador a 3
Ghz con un monitor de 24 pulgadas. Lo importante es asegurarse de que
todo lo que crees que puedes necesitar para ser creativo está en su sitio,
para poder cerrar las puertas, poner el café y pintar hasta que amanezca.

HERRAMIENTAS DIGITALES

La frase "el estudio del artista" solía evocar una imagen de toscos suelos
de madera, sencillas paredes blancas con salpicaduras de pintura, una
pila de lienzos -algunos limpios, otros acabados o abandonados- y un
sinfín de materiales de pintura, pinceles y objetos de inspiración. El
estudio necesitaba una luz ideal para trabajar, por lo que una ventana
grande y una buena iluminación serían esenciales.
El estudio de arte digital es algo diferente -toda la pintura y los lienzos
que vas a necesitar están almacenados en el ordenador-, pero hay muchas
otras herramientas que son útiles para ayudar a los artistas a crear visiones
con mayor control y facilidad. Básicamente, todas estas herramientas están
aquí para hacer que el arte digital sea lo más fluido posible y lo más
parecido al medio original.
Prefiero la sensación de trabajar digitalmente a trabajar con pintura
real; significa que no tengo que rellenar mi pincel mientras pinto, y
tengo la posibilidad de cambiar y guardar mi trabajo rápidamente. Aquí
he expuesto el aspecto de mi estudio a partir de una fotografía. He
representado cómo sitúo la mayoría de las herramientas digitales que
utilizo, así como algunos otros elementos útiles que deberías considerar
tener en tu propio espacio de estudio.
TRABAJAR CON ORDENADORES

Trabajar con ordenadores para crear arte tiene muchas ventajas. La

posibilidad de "deshacer" algo si sale mal es la primera en la que piensa
mucha gente, pero hay muchas otras cosas que agradezco enormemente
cuando trabajo en pintura con el ordenador. La superposición de capas,
la historia y la posibilidad de guardar una obra y luego darle rienda
suelta si quiero probar algo nuevo o peligroso son funciones que echaría
mucho de menos si volviera a trabajar de forma tradicional. Dicho esto,
hay una serie de elementos en el arte digital que requieren una
cuidadosa configuración y supervisión. Estas cosas son bastante fáciles
de dominar, pero es importante que te mantengas al día para evitar que
tu trabajo
dañarse, dibujarse incorrectamente o, lo que es peor, perderse por completo.

ORGANIZAR EL PUESTO DE TRABAJO

Procura tener un asiento de buena calidad y bien situado con respecto a

tu puesto de trabajo. Es fácil encerrarse tanto en un cuadro que puedes
estar ahí toda la noche, así que asegúrate de estar cómodo y de que no te
duela después. Asegúrate de que el monitor está colocado de forma que
no tengas que agacharte o estirar el cuello para verlo, ya que esto
dificultará mucho el trabajo durante periodos prolongados. Coloca
también la tableta y el ratón de modo que caigan fácilmente en tus
manos: son tu conexión con la pantalla y, por tanto, con tu pintura. Si te
tomas en serio la idea de utilizar el ordenador para crear grandes obras
de arte, si haces estas cosas bien te resultará mucho más relajante.

CALIBRACIÓN DEL MONITOR

Esta es una parte muy importante del trabajo en el medio digital. El

monitor es tu ventana al reino digital y si está mal configurado es tan
malo como no lavar el parabrisas de un coche: no puedes ver las cosas
bien. Hay algunos aspectos que pueden fallar con la pantalla (aunque se
han reducido mucho con las nuevas tarjetas gráficas y monitores de
salida digital disponibles recientemente). La temperatura de la pantalla
puede estar mal equilibrada, haciendo que el blanco parezca demasiado
amarillo o demasiado azul, por ejemplo. Igual de importante es que la
gamma del monitor sea incorrecta, lo que puede causar todo tipo de
problemas si pintas con un sistema mal calibrado. Una gamma mal
ajustada puede hacer que lo que pintes parezca muy brillante o muy
oscuro y con matices extraños para las personas con una calibración
correcta. Utiliza los ajustes de gamma de Adobe, o una guía en Internet,
para asegurarte de que tu sistema está correctamente configurado antes
de empezar a pintar.
MUSEO MUNDIAL Personas que visitan un museo en el que copias a escala de planetas están
suspendidas de los tejados abovedados.
NÚCLEO AZURIANO Una estrella blanquiazul emana luz cuando los gases y el polvo que la
rodean se congregan en nuevos mundos.

AHORRO DE TRABAJO

Soy una persona un poco preocupada: tiendo a imaginar que las cosas
pueden salir mal y eso afecta a cómo guardo mi trabajo y con qué
frecuencia. Obviamente, es importante guardar el trabajo que has
creado, de lo contrario se perderá, pero yo tiendo a guardar mi trabajo
secuencialmente, en cada etapa importante de su desarrollo. Esto es muy
útil cuando vas a mostrar a la gente cómo has creado una imagen -como
en este libro-, pero también es una buena manera de guardar partes de la
obra que quizá quieras recuperar más adelante, o...
para mirar atrás y ver la dirección que tomaste con la pieza a medida
que avanzaba. Sé que puede parecer mejor guardar los elementos
históricos y las características antiguas en una capa invisible, pero
trabajar con resoluciones muy altas exige mantener las capas (y, por
tanto, el tamaño del archivo) al mínimo, así que tiendo a dejar estas
cosas en los archivos heredados. Lo más importante que hay que
recordar es guardar a menudo: nunca se sabe cuándo puede fallar un
programa o cuándo puede haber un corte de luz.

GESTIÓN DE ARCHIVOS

Yo guardo mis imágenes con nombres de archivo secuenciales (por

ejemplo, Torre_01.PSD), pero te recomiendo que crees también directorios
para cada imagen a medida que se vaya creando. Si creas una carpeta
nueva, puedes incluir los bocetos de la fase conceptual, las imágenes
escaneadas a lápiz que utilices y las referencias fotográficas. De este modo,
puedes hacer referencias cruzadas rápidamente sin preocuparte de que otros
proyectos saturen el l u g a r . La razón por la que digo esto es porque en el
pasado he sido bastante desordenado con el uso de mis archivos, y créeme,
se te va de las manos cuando tienes un gran volumen de trabajo, con pasos
iterativos, conceptos e ideas en un par de directorios. Intenta mantener las
cosas o r d e n a d a s ; es mucho mejor a largo p l a z o .

ATRÁS

Hagas lo que hagas, asegúrate siempre de tener una copia de seguridad

bastante reciente de tu trabajo. Cuando se trabaja digitalmente,
técnicamente no se tiene una obra de arte "original": es sólo una cadena
de datos que puede dañarse o perderse por completo si se estropea el
disco duro. Recomiendo comprar una unidad USB extraíble de tamaño
razonable para poder hacer copias de seguridad de los archivos cada dos
semanas como mínimo. En una ocasión perdí mucho trabajo y unos
3.000 correos electrónicos. Piensa también en hacer una copia de
seguridad permanente de tu trabajo una o dos veces al año, por si acaso
borras archivos que un par de años más tarde crees que te gustaría
volver a ver.
SOFTWARE
Los ordenadores son dispositivos asombrosos, capaces de una velocidad
y un detalle gráfico cada vez mayores, pero para la mayoría de nosotros
sólo tienen un valor incalculable gracias al software que se desarrolla
para ellos. Es justo decir que la ola de arte digital que ha crecido en las
dos últimas décadas no sería más que una ondulación sin la dedicación
de los ingenieros y artistas que desarrollan software intuitivo, potente,
rápido y fiable. De todo el software disponible en la actualidad, suelo
centrar la mayor parte de mi tiempo en un programa, Adobe Photoshop
(actualmente la versión CS3). Sin embargo, existen otras herramientas
magníficas con las que pueden trabajar los artistas, así que aquí exploro
los principales programas con los que puedes entrar en contacto. Estoy
seguro de que tendrás tus propios favoritos, o incluso de que preferirás
moverte entre distintos programas mientras trabajas.

GALERÍA Una arcada de inmensas esculturas de cristal en un enorme edificio. Photoshop es

estupendo para trabajar imágenes que requieren un control minucioso de los colores, los efectos
y la atmósfera; esta imagen en bruto es un buen ejemplo.

ADOBE PHOTOSHOP
Disfruto mucho trabajando con Photoshop, aunque llegué a é l un poco
tarde, a partir de la versión 3 en 1997. Hasta entonces me había aferrado a
mi viejo Amiga 500 y a Deluxe Paint, pero una vez que vi Photoshop en
acción no tardé en pasarlo para todas mis necesidades ilustrativas.
Photoshop, creado originalmente por Thomas y John Knoll, no salió para
Apple Mac hasta 1990 y no se lanzó como aplicación para PC hasta la
versión 3, a finales de 1994. Progresivamente se ha ido convirtiendo en un
paquete de pintura y edición de imágenes brillantemente completo, hasta el
punto de que muchas de las herramientas disponibles en las versiones
posteriores no tienen por qué ser utilizadas por todo el mundo; más bien,
cada persona dispone de suficiente margen en el paquete para aprender
sobre él de la forma que más l e convenga. Photoshop es lo suficientemente
flexible como para permitirle crear el mismo efecto o aspecto de muchas
formas distintas. Esta es una de las facetas clave que más me gustan de él:
puedes hablar con diez artistas diferentes sobre el mismo efecto o imagen y
cada uno te dará una técnica distinta para crearlo; así de versátil es.
De las muchas herramientas de Photoshop, las que me resultan más útiles
son los modos de estratificación, los controles de pincel, la alteración del
color y las funciones de historial. Photoshop (más que su principal
competidor, Corel Painter - véase a la derecha) tiene la gama más potente
de herramientas de edición de imágenes y retoque del color, que permite
hacer prácticamente cualquier cosa con una imagen. De hecho, muchos de
los aficionados a Painter que conozco pasan a Photoshop para retocar el
color y luego vuelven a Painter para continuar. Hay muchas otras
herramientas en Photoshop que yo utilizo (ver Técnicas básicas), pero lo
importante es que es un programa muy fácil de usar. Las herramientas no
estorban, sino que se encuentran rápidamente cuando se necesitan. Diría
que conozco bien el 99% de Photoshop, habiendo leído el manual sólo un
puñado de veces en diez años, así que también es muy intuitivo.
 FUEGO Y LUZ Un estudio de tonos y colores agresivos con pinceladas
sueltas. Painter es excelente para dar al artista un control visceral y
realista del pincel, útil para pinturas rápidas como ésta.

COREL PINTOR

Painter difiere de Photoshop en varios aspectos, sobre todo en la forma

de controlar los pinceles y los colores. Corel ha hecho todo lo posible
para que Painter resulte muy "orgánico" como sistema de pintura: los
pinceles pueden configurarse fácilmente para que se comporten como
pinceles reales; la pintura se va apagando a medida que se prolonga el
trazo y también hay algunos tipos y formas excepcionales de pinceles de
cerdas, pastel y de otro tipo entre los que elegir. Además, el color se
mezcla de forma realista al pasar el pincel de un color a otro tono.
Aunque personalmente prefiero Photoshop, diría que Painter tiene
ventaja para disfrutar de una experiencia pictórica "real". La función de
rotación del lienzo en Painter también es una gran ayuda, ya que te
permite girar el lienzo para conseguir el ángulo que más te guste para
dibujar mejor cada forma. Para cualquiera que quiera pasar de la
ilustración tradicional a la digital, yo diría que el salto a Painter es una
experiencia menos intimidatoria y más natural. Curiosamente, Painter y
Photoshop se complementan bien, casi como si fuera intencionado.

PAQUETES DE MODELADO 3D

Hace unos 15 años, me dediqué al modelismo de alta gama,

animación y renderización con sistemas SGI, trabajando en lo que era,
por aquel entonces, la vanguardia de los efectos visuales. Me encantaba
crear formas y entornos en 3D y ver cómo cobraban vida gracias a los
materiales, la iluminación y las técnicas de renderizado. Sin embargo, al
cabo de un tiempo, me di cuenta de que seguir creando este aspecto
radical me llevaba cada vez más tiempo y finalmente volví a la
ilustración como una forma de mantener el flujo de ideas más fluido.
Dicho esto, los paquetes 3D como Autodesk Maya y 3D Studio Max
pueden ser muy valiosos para resolver problemas en la fase conceptual
de una ilustración, o incluso para diseñar composiciones difíciles, y
todavía los utilizo en mi trabajo actual para acelerar el proceso. De
nuevo, al igual que los fans de Photoshop/Painter, la gente tiene gustos
diferentes en cuanto a paquetes 3D. Yo siempre he preferido Maya -es
una amalgama del software que usaba en los años 90-, pero mucha gente
prefiere Max. La elección es suya. Sin embargo, estos programas son
bastante caros, así que pruébalos rigurosamente antes de comprometerte
a comprarlos.

Render del modelo de bloques para la imagen Radiance (Ver Temperatura de color para la imagen
final). Construir formas y trazar composiciones en 3D puede ahorrarte tiempo y muchos quebraderos
de cabeza.

LOS ELEMENTOS DE UNA PINTURA DIGITAL

Al crear una pintura digital, es posible recurrir a muchas fuentes de

diseño diferentes. Utilizando formas en 3D, bocetos a lápiz y fotografías
escaneadas, se pueden crear las capas de una imagen para darle el
máximo impacto. Esta imagen de ciencia ficción, Arrival, se creó
utilizando los siguientes elementos.
MEDIOS DE COMUNICACIÓN TRADICIONALES
Todas las habilidades y técnicas que se adquieren en las diversas
disciplinas del arte creativo pueden utilizarse en el ámbito digital: la
comprensión del color, la luz y la sombra, las pinceladas y el equilibrio
compositivo son universales. Posiblemente sea más interesante para el
artista tradicional la versatilidad que puede ofrecer el trabajo digital.
Muchos artistas siguen prefiriendo trabajar fuera del ordenador la mayor
parte del tiempo, utilizando paquetes digitales en determinados
momentos del desarrollo de una imagen.
Aquí se puede ver que Kevin ha esbozado las formas básicas del
T. rex, con un velociraptor en la boca. En el pasado, Kev trabajaba con
lápices, tinta, acuarelas y acrílicos para completar sus imágenes.
Algunos ejemplos son:
• Un artista tradicional que está trabajando en un encargo al óleo. Pueden
trazar lo que quieren pintar en papel y luego e s c a n e a r l o en la
máquina para poder ajustar algunos errores de composición y formas,
y luego imprimir esa imagen en lienzo en la imprenta.
 tamaño final para pintar encima.
• Trabajar un cuadro con lápices y luego con acrílicos hasta lo que
podríamos llamar un estado casi final, y luego transferir la obra al
ordenador para añadir algunos efectos especiales o corregir algunas
anomalías tonales. La obra final puede reimprimirse en cualquier
soporte.
• Llevar una imagen de acuarela al ordenador para reparar una zona
que se ha oscurecido demasiado sin querer: cualquiera que trabaje
con acuarela sabe lo fácil que es que esto ocurra.
• Muchos artistas dibujan sus ideas a lápiz y luego las escanean para
poder trabajar en el cuadro digitalmente. Yo he utilizado esta
técnica varias veces.
La edición digital puede ser muy útil para ayudar a los artistas a
completar cuadros tradicionales difíciles; el único inconveniente real es
que, si realizas la edición final en el ámbito digital, no acabas teniendo
una obra "original", como ocurriría si empezaras digitalmente y pasaras
después a los métodos tradicionales.
BINARY RISING Un doble amanecer en un mundo lejano.
Técnicas básicas

Al igual que los artistas tradicionales tienen preferencias claras en

cuanto al tipo de materiales que les gusta utilizar, la posición y el
tamaño de sus lienzos y la forma de aplicar la pintura sobre ellos,
como artista digital también puedes configurar y adaptar tu espacio
de trabajo a tus tendencias personales. Todos los artistas tienen su
propio enfoque. Sin duda, tendrás preferencias diferentes a las
mías, no sólo en cuanto a tu espacio de trabajo, sino también en el
uso de las herramientas. A pesar de ello, las técnicas básicas de
Photoshop son muy intuitivas y aquí se tratan las herramientas más
comunes, con consejos sobre la mejor manera de utilizarlas.

ORGANIZAR EL ESPACIO DE TRABAJO

La interfaz de usuario dentro de Photoshop ha pasado por una serie de

iteraciones en los últimos años, por lo que lo que ves delante de ti puede
no ser exactamente como lo ves aquí. Sin embargo, la mayoría de las
cosas se han mantenido igual; debería ser bastante fácil para usted
encontrar los elementos ilustrados aquí si está utilizando PS6, PS7, CS1,
CS2 o CS3. En la página opuesta puedes ver una captura de pantalla de
mi ordenador que te da una buena idea de cómo tengo distribuido mi
espacio de trabajo y las diferentes facetas que puedes ver delante de ti
en el monitor.
HERRAMIENTAS PHOTOSHOP

Photoshop rebosa de herramientas y efectos que pueden ayudarte a

pintar, copiar y pegar, transformar, difuminar, dar nitidez y corregir
errores. De hecho, hay tantas que se ha escrito un libro entero sobre
ellas: ¡viene con tu copia del programa! Dicho esto, en estas páginas he
dado alguna información sobre las herramientas más utilizadas en
Photoshop. También he etiquetado el resto de los botones como
referencia.
CEPILLOS

El arte de hacer una marca es la piedra angular de la creatividad. Las

herramientas q u e u t i l i z a s para hacer tu marca se reflejan en el estilo de
la ilustración final, por lo que es importante que te sientas cómodo con
ellas. Al crear imágenes digitales, es posible crear un pincel a partir de casi
cualquier cosa, lo que te ofrece posibilidades casi infinitas. Sin embargo,
puede que descubras un pequeño grupo de pinceles que hacen lo que
quieres y rara vez necesites nada más. Así es como yo trabajo, así que aquí
he dibujado algunos trazos sencillos con uno de mis pinceles favoritos.
pinceles, ajustando algunas de las muchas opciones para mostrar los
diferentes efectos creados por éstos. Las opciones que he mostrado aquí
son sólo una muestra de las posibilidades que ofrece la paleta de
pinceles. Te sugiero que juegues a fondo con las herramientas de
pinceles, ya que sin duda encontrarás un conjunto completamente
diferente de pinceles que se adapten a ti y hagan tu proceso de pintura
más agradable.

CAPAS E HISTORIA

Pocas cosas definen mejor el enorme salto adelante que ofrece el trabajo
digital que la posibilidad de trabajar en capas separadas y de disponer de
un historial para deshacer acciones. Estos dos elementos te permiten ser
más valiente e imaginativo con tu trabajo, sabiendo que puedes probar
algo nuevo y "peligroso" sin miedo a perder lo que tenías antes,
manteniéndolo además a salvo del resto de la pieza si quieres. Hay
mucho poder en los modos Capas e Historia en los que se puede
profundizar, pero aquí he mostrado cómo utilizo estas herramientas en
la práctica para mantener el proceso de pintura sin problemas.

USO PRÁCTICO DE LAS CAPAS

He aquí un ejemplo de cómo guardar las capas mientras se trabaja en
una obra. Esta imagen de un trabajo en curso, Azurian Core, es una
instantánea del estado en que se encontraba la obra en un 60%. En este
punto, la imagen estaba dividida en cinco capas distintas para que
pudiera añadir y editar áreas de cada una sabiendo que las otras capas
permanecían intactas. Estas capas cubrían elementos dispares de la obra,
como se puede ver aquí.
UTILIZAR LA HISTORIA CON EFICACIA

Por defecto, Photoshop almacena las últimas 20 acciones que has añadido a
cada imagen abierta. Este número se puede modificar en el menú
Preferencias, aunque yo suelo mantenerlo en este nivel, ya que un registro
de Historia grande consume mucha memoria. Sin embargo, es posible
almacenar estados específicos a medida que se pinta, para volver a ellos o
pintar en cualquier momento. Aquí hay un ejemplo de cómo esto podría
funcionar usando la misma imagen, Azurian Core.
ARTE DE LÍNEA
Para demostrar la sencillez con la que se puede dibujar en Photoshop, he
presentado una imagen que se ha creado casi exclusivamente utilizando
el arte lineal, con un poco de sombreado tonal en algunos lugares. Las
herramientas que he utilizado son la herramienta Paint, un único tipo de
pincel, el color de primer plano en negro y el color de fondo en blanco.
A continuación, he utilizado
la tecla X para alternar entre los colores y las teclas numéricas para
controlar la opacidad (1 = 10%, 0 = 100%, por lo que pulsando
rápidamente 54 obtendría un 54%). No he utilizado ninguna otra
herramienta, excepto en el último paso.

Paso 1: esbozar las primeras líneas

Es importante tener una idea sólida de lo que se quiere pintar o algunas

buenas referencias a mano a la hora de establecer las formas
fundamentales de un tema. Dibuja primero las líneas que facilitan el
contorno del sujeto; en el caso de este edificio, quería que la estructura
tuviera varias capas de aspecto orgánico, pero con un fuerte aspecto de
ingeniería en su integración. Si quieres, aplica un sombreado sencillo en
algunas caras para ayudar a resaltar las formas.
Paso 2: Añadir líneas más detalladas

Una vez definida la forma, puedes añadir algunos detalles que expliquen
la dirección de las distintas superficies. Aquí he añadido un poco más de
sombreado porque me ayuda a trabajar con el sujeto de forma más
eficaz, aunque muchos artistas esperan a tener la imagen completamente
delineada antes de empezar a sombrear. Trabaja como te sientas más
cómodo.
Paso 3: Ajustar las líneas y añadir formas

Aunque esta imagen no es más que una superposición de líneas y

pinceladas más grandes, eso no es motivo para no añadir pequeñas
motas de detalle que describan la escala del sujeto. Mientras añades
detalles, aumenta la limpieza y nitidez de las líneas principales, ya que
las necesitarás para subrayar los rasgos en la obra final.
Paso 4: Elaborar los detalles
Trabajar más y más capas de líneas sobre la pieza hará que el sujeto
adquiera coherencia. Como antes, quizá prefieras esperar a tener todos
los detalles de las líneas en su sitio antes de empezar a sombrear, o
quizá te resulte más fácil añadir el sombreado a otra capa, para poder
cambiarlo sin que afecte a las líneas que has dedicado tiempo a
perfeccionar.

Paso 5: Realización de la pasada final

Tanto si se trata de una imagen que ha llevado 30 horas de pintura como
de un boceto que ha llevado 30 minutos, tu trabajo merece una pasada
final que ayude a engranar todos los elementos. Aquí he añadido una
capa de nubes para resaltar aún más la altura del edificio. Fíjate en que
en el paso 4 he omitido cualquier sombreado suave o detalle en la parte
inferior del edificio. Esto da profundidad a la pieza y ayuda a
transformar una simple imagen de líneas y tonos en algo que podría
llamarse una ilustración.
PINTAR CON COLOR
Este es mi método preferido para crear imágenes: me encanta poder
expresar formas, profundidad y emoción mediante el color y la luz.
Puede que tú también prefieras este tipo de pintura, pero muchos artistas
se sienten mucho más cómodos delineando las cosas con gran detalle
antes de dar el salto a colorear una obra. En cuanto al flujo de trabajo
digital, cualquiera de las dos formas es igual de sencilla. Al igual que en
el tutorial de arte lineal (véase Arte lineal), sólo tengo que
Realmente he utilizado un tipo de pincel y esta imagen se ha creado en
una sola capa, sin utilizar guías de perspectiva, por lo que el resultado
final es bonito y suelto. A diferencia de la imagen de la línea, esta pieza
se creará con sólo pinceladas y cualquier detalle añadido se formará a
partir de las formas sueltas a medida que avanza la imagen.

Paso 1: Colocación de un lavado de color

Cuando se trabaja de este modo, un buen punto de partida es trazar un
lavado de color aproximado. No hay que preocuparse por la pulcritud:
en este tipo de obras hay que sentirse libre para trabajar con soltura, así
que se empieza como se quiere continuar. Esta imagen va a estar bajo el
agua, así que el lavado de azul a turquesa más claro funciona bien.

Paso 2: Añadir un punto focal

Con el lavado de color en su sitio, empieza a jugar con algunas ideas. Si
Preocupado por trabajar directamente sobre el fondo, crea una nueva
capa en la que trabajar hasta que estés más seguro de las formas. Aquí
he jugado un poco antes de decidirme por esta forma (fíjate en la zona
más clara garabateada debajo del submarino). También te darás cuenta
de que ya estoy pintando una dirección aproximada de la luz: la luz
viene de arriba y ligeramente de detrás de la nave. Concéntrate en
utilizar el color y la luz para guiar la creación de la imagen.

Paso 3: Mejorar el fondo

Para equilibrar la composición y dirigir la mirada más allá de la
embarcación, he añadido una estructura mayor a la que está amarrado el
submarino. Aunque trabajes con soltura, procura que al añadir
elementos que definan la profundidad mantengas los bordes principales
de la perspectiva nítidos y fáciles de leer (fíjate en la plataforma que se
acerca al espectador); añádelos con más pinceladas de color, luces y
sombras.
Paso 4: Añadir atmósfera
Mientras añadía detalles y elementos a la pieza, también he ido
superponiendo efectos atmosféricos y de difusión con pinceladas de baja
opacidad. Intenta construir lentamente los objetos distantes de la escena,
como las grandes rocas que sobresalen aquí. Sigue utilizando pinceladas
sueltas para crear colores y sombreados, y busca continuamente formas
de ilustrar la iluminación y los materiales con colores y tonos.

Paso 5: Afinar las zonas importantes

Ahora que ya tienes muchos de los elementos en su sitio, trabaja en
afilar las líneas y siluetas de las zonas focales de la pieza. En este caso,
me he dedicado a perfilar las líneas que definen los bordes de la
embarcación. Puedes ver cómo los colores y los tonos definen la forma
con fuerza: la parte inferior de la embarcación está en sombras
profundas, mientras que la parte superior es brillante y colorida.

Paso 6: Dar los toques finales

Para ultimar los detalles de esta pieza, hay que asegurarse de que todos
los elementos encajan y de que se han añadido los detalles adecuados
para describir todas las características importantes. Cuando estaba a
punto de terminar, realicé un simple pase de Brillo/Contraste para
ayudar a resaltar las formas y añadir profundidad y dramatismo. La
pieza final es floja, pero cumple bien su función: una imagen entera
pintada sin una línea negra a la vista.
¿RATÓN O TABLETA?

Quizá te preguntes a qué viene tanto alboroto con las tabletas

gráficas para pintura digital. Si no ha utilizado una, puede que no le
parezca una forma más eficaz de crear imágenes digitalmente. Al
fin y al cabo, el ratón es una herramienta muy buena y precisa tanto
para paquetes 3D como 2D, ya que es consistente y fácil de usar
cuando se cambia de un programa a otro. De hecho, trabajé con un
ratón para crear mis ilustraciones desde 1987 hasta 2001, pensando
que era la herramienta más eficaz para el trabajo.
Cuando por fin probé una tableta, tardé unos 20 minutos
frustrados en adaptarme a su uso, pero después de ese tiempo
disfruté enormemente. Después de dos horas pintando con ella,
sentí que había perdido mucho tiempo sin usarla. Aunque un ratón
puede darte la precisión necesaria para señalar elementos en una
pantalla, no puede ofrecerte la respuesta que te da una tableta al
pintar. Hoy en día, dibujar con un ratón es como aparcar un coche:
es lento, tosco y me preocupa golpear partes de la imagen que no
quiero. Si a esto añadimos que las tabletas detectan la presión y el
ángulo del lápiz y que ahora se pueden comprar pantallas para
pintar directamente sobre ellas (cosa que recomiendo
encarecidamente), podemos hacernos una idea del enorme salto que
supone pintar con una tableta en comparación con el ratón.
Los que hoy en día se pasan al ámbito digital desde los medios
tradicionales sin duda trabajarán enseguida con una tableta y ni
siquiera se plantearán utilizar un ratón. Sin embargo, si hasta ahora
has sido feliz con tu ratón y aún no te han convencido las tabletas,
prueba una: dudo que encuentres un momento más emancipador en
tu arte que la primera vez que uses una.
COLONIA Esta imagen fue pintada en 2000 con mi fiel ratón. Me llevó unas 40 horas de
pintura. Fíjate en la precisión de los detalles. Si volviera a pintarla hoy con mi tableta,
tardaría menos de la mitad y la imagen final sería más valiente, más suelta y, sin duda,
mejor.
NASCENT (cultivo) Amanece en un mundo muy joven.
Color y luz

Es imposible exagerar la importancia del color y la luz para producir

imágenes fuertes y creíbles. Gran parte de lo que atrae la mirada hacia
un punto focal, equilibra una pieza o aporta solidez a un tema es la
creencia del espectador en la escena. Inconscientemente, esto depende
de lo bien que se representen la iluminación y el color. No es
imprescindible que la iluminación y el color parezcan "realistas" en el
sentido estricto de la palabra, pero deben ser creíbles. Es perfectamente
legítimo evocar una escena salvaje y fantástica llena de colores y luces
excitantes, siempre y cuando el espectador comprenda cómo funciona y
acepte el concepto. Sin embargo, para los recién llegados al mundo de la
luz y el color, es primordial empezar por comprender cómo influyen los
tonos en la sensación de las imágenes y cómo la luz y la sombra cosen
los temas en una escena final. Este capítulo examina la luz y el color por
separado para entender cómo funcionan juntos y por separado.

CONCEPTOS DE COLOR

El color es muy poderoso. En primer lugar, vamos a explorar algunos

conceptos diferentes y a examinar cómo los distintos temas y usos del
color pueden alterar radicalmente la sensación final de una imagen,
desde las paletas monocromas hasta las imágenes de doble tono,
pasando por el uso cuidadoso del color para proyectar temperatura,
profundidad y emoción.
Utilicé un lavado de tonos muy rápido para establecer la composición aproximada. Visto de
forma sencilla, la pieza tiene una parte inferior oscura y una superior clara.

Añadí un poco de detalle a las rocas y utilicé los tonos más brillantes de la escalera para dirigir la
mirada. Piensa en qué parte de la imagen incide la luz.
A continuación, reforcé el punto focal de la imagen iluminando el terreno lejano más elevado.
La composición final tiene escala y dramatismo gracias a la inclusión de figuras humanas y a
una sutil iluminación atmosférica. Utiliza el tono para distinguir cuidadosamente las zonas más
claras de las más oscuras.

PALETAS MONOCROMÁTICAS

Para empezar, intenta pintar una imagen utilizando sólo una fuente de
luz y un tono. Para una imagen monocroma, o de croma estrecho, sólo
tienes que pensar en cómo se desplaza la luz por el espacio
representado. Como puedes ver aquí, he ido construyendo poco a poco
esta obra con pinceladas sencillas, centrándome sólo en los valores
tonales y sin preocuparme de cómo podrían representarse en color los
distintos materiales.
Trabajar de este modo puede ayudarte a comprender cómo los rayos
de luz pueden salir de una fuente y atravesar una pieza, rebotando de
una superficie a otra, y también lo mucho que se puede conseguir
simplemente seleccionando pequeños detalles con luces o sombras. En
la imagen final he añadido una floritura de color ligeramente diferente a
medida que se acerca a la fuente de luz focal, pero la imagen funciona
igual de bien en monocromo.

IMÁGENES BITONO

Las imágenes de tonos dobles o múltiples implican una reflexión más

profunda sobre cómo representar el tema. Muchas imágenes de doble
tono se dividen en dos fuentes de luz distintas. Los colores de estas
luces separadas normalmente se complementan (pero no tienen por
qué), como en esta imagen. El uso de una luz focal fría y azulada hacia
la derecha de la pieza compensa la segunda fuente de luz roja, más
difusa pero vibrante. Si seleccionas bien la posición y la intensidad de
las dos (o más) fuentes de luz, te asegurarás de que los objetos de la
escena queden iluminados de forma agradable e interesante.
TEMPERATURA DEL COLOR
Al utilizar colores fuertes en ilustración, siempre habrá un equilibrio
entre tonos cálidos y fríos; las decisiones que tomes al respecto influirán
en gran medida en la sensación de la imagen final.

CALIENTE
Los tonos hacia el extremo rojo del espectro tienden a evocar una
sensación de calidez y luminosidad, principalmente debido a cómo
experimentamos estos tonos en la naturaleza (una cálida puesta de sol o
un fuego ardiente, por ejemplo), por lo que utilizar predominantemente
estos tonos en una imagen ayudará a describir este tipo de situaciones.
Por el contrario, sería todo un reto (aunque no imposible) representar un
amanecer con azules más fríos, por ejemplo. Si utilizas muchos colores
cálidos en una imagen, puede ser muy útil contraponer un número
menor de tonos fríos complementarios, como se puede ver en la imagen
Radiance. De este modo, mostrarás al espectador que, aunque hay un
número considerable de tonos cálidos en la pieza, no están causados por
un filtro o efecto de pantalla completa, sino por la luz real que irradia la
fuente de luz primaria, porque los tonos más fríos se conservan en la
sombra.

COOL

Los tonos fríos suelen asociarse con l a serenidad, la tranquilidad o el

frío. Es justo decir que le parecerá muy
Es difícil representar una colada de lava con tonos de esta gama, por
ejemplo. Sin embargo, una cueva de hielo con brillantes copos de nieve
descendiendo a la deriva funcionaría de maravilla con estos tonos. Una
vez más, fíjate en cómo se ven estos colores en la naturaleza y podrás
empezar a analizar cuál es la mejor manera de utilizarlos y hasta qué
punto puedes saltarte las reglas a la hora de crear interesantes obras de
fantasía y ciencia ficción con ellos.
Los tonos fríos son excelentes para complementar los tonos más
cálidos, por ejemplo, para ilustrar las zonas de sombra cuando se
utilizan tonos cálidos para representar las zonas afectadas por la luz
directa. En esta imagen he utilizado deliberadamente tonos fríos para
representar una fuente de luz caliente. Aunque el espectador puede leer
la estrella como lo que es, la imagen sigue transmitiendo una sensación
de tranquilidad y relativa frialdad.
Es importante recordar hasta qué punto la elección del tono afectará a
la sensación general de una imagen. Te recomiendo que experimentes
mucho con distintos conceptos de paleta y muestras con colores
predominantemente fríos y cálidos para ver qué funciona mejor en tu
ilustración concreta.

TRABAJAR CON EL COLOR EN PHOTOSHOP

Uno de los aspectos más espectaculares de trabajar digitalmente es la
posibilidad de alterar o cambiar totalmente la coloración, la saturación,
el contraste y el brillo de la imagen en la que se está trabajando, en
cualquier momento. Photoshop dispone de muchas herramientas para
elegir y controlar los colores.

ELECCIÓN DE COLORES

El sencillo selector de color que se muestra a la derecha permite al

usuario mover fácilmente los dos puntos de destino y modificar el color
de salida. El punto de destino de la derecha selecciona de qué parte del
espectro procederá el componente de color. El área de destino de la
izquierda, que es más grande, permite al usuario seleccionar el brillo y
la saturación del componente de color. Pruebe a jugar un poco con estos
controles deslizantes y pronto verá que tienen sentido.
Cuando trabajo con una imagen ya establecida, suelo utilizar el
Selector de color dinámico: sólo tienes que mantener pulsada la tecla
Alt cuando estés en el modo Pincel y, a continuación, hacer clic en un
píxel del color que desees en la pantalla. Este color se seleccionará
como color de pincel. Esto te permite cambiar de tono rápidamente sin
tener que abrir nuevos menús. También utilizo el menú Color, más
compacto, que se encuentra junto con los demás tipos de menú a la
derecha de la pantalla por defecto. Esta opción me permite trabajar de
forma rápida y fluida en lugar de tener que ir a un menú aparte para
elegir los colores.
MANIPULACIÓN DE COLORES

Hay tantas opciones, controles y variantes para controlar el color de las

imágenes en Photoshop que darles todo el detalle ocuparía el resto del
libro. Lo que sigue es un breve desglose de algunos de los principales
filtros que utilizo y lo que ofrece cada uno de ellos. Lo mejor que
puedes hacer es explorar estas opciones y los efectos que tienen en tus
propias imágenes para familiarizarte mejor con ellas.

BRILLO/CONTRASTE

Es una herramienta útil para añadir un poco más de fuerza a una imagen
(subiendo el brillo y aumentando el contraste entre luces y sombras) si
encuentras que le falta gama tonal. Este modo se ha actualizado en CS3,
lo que permite realizar alteraciones más suaves (aunque el control
anterior sigue ahí si lo deseas).
BALANCE DE COLOR

Lo utilizo mucho para cambiar sutilmente el equilibrio de tonos de una

imagen. Puedes desplazar los colores hacia cualquiera de los valores
primarios o secundarios dentro de las sombras, los medios tonos o las
luces de la imagen. Se puede aprender mucho experimentando con esta
herramienta.
CURVAS

Desde aquí puedes controlar la curva de toda la gamma de la imagen, o

componentes RGB individuales, creando curvas complejas para
contornear la influencia de los colores desde cero hasta el brillo total.
Una vez más, la experimentación es la clave.
TONO/SATURACIÓN

Esto le permite ajustar la imagen global o localmente, cambiando el

tono (por ejemplo, cambiando todo lo que es rojo hacia naranja),
reduciendo o aumentando la saturación y cambiando el brillo de la
imagen. De nuevo, hay muchas posibilidades, así que vale la pena jugar
con esta herramienta.
SUSTITUIR COLOR

Con esta herramienta puedes elegir un color (o colores) y luego un

grado de influencia de ese color a controlar. A continuación, puede
cambiar los valores de la misma manera que lo hace en Tono /
Saturación, pero aislándolo de los colores que ha elegido. Muy potente
para experimentar.

OTRAS OPCIONES

Hay muchos otros filtros y modos para ajustar el color, por lo que te
recomiendo que dediques algún tiempo a leer los manuales de
Photoshop y, sobre todo, a jugar con las herramientas para descubrir
cómo funcionan.
trabajar para ti. Al igual que ocurre con la pintura digital, cada artista
utiliza estas herramientas d e una forma diferente; muchos de mis amigos
utilizan los modos y filtros de una forma totalmente distinta a la m í a , pero
consiguen resultados similares. Todo depende de cómo quieras afrontar el
proceso y de cómo encuentres la mejor manera de hacerlo.

EL PODER DE LA LUZ
He aquí dos imágenes que subrayan la importancia y la influencia que
tiene la iluminación en una escena. Estas imágenes son bastante
diferentes, pero ambas se basan en gran medida en la forma en que la
luz incide en las escenas y en cómo los materiales difunden, rebotan y
alteran esa luz para crear atmósferas creíbles.
AFECTAR A UNA ESCENA CON LA ILUMINACIÓN
Como artista, puede ser muy útil analizar qué hace que una escena
despierte las emociones que despierta. Una forma de hacerlo es pintar o
eliminar elementos de la escena final. En este caso quiero demostrar
cómo se puede alterar completamente una imagen simplemente
cambiando la forma en que actúa la luz. Lo importante es que no he
movido ninguna iluminación, sólo he cambiado el
matices y tonos.

UNA SENSACIÓN DE CALOR El cuadro original es un buen ejemplo de cómo una paleta
complementaria, utilizada de forma equilibrada, puede lograr una situación lumínica excitante.
Aunque en la escena hay un uso bastante significativo de tonos fríos azules/grises, los tonos
rojos y naranjas, ligeramente más generosos, utilizados agresivamente, hacen que la imagen
parezca muy cálida. Se puede sentir el calor que viene de abajo.
SE ENFRIÓ ENSEGUIDA
En esta edición he hecho algunas modificaciones de detalle, pero lo más importante es que he
repintado totalmente los colores del contraluz primario. El resultado final es una imagen que
crea una sensación muy extraña. La luz de arriba es fría y nítida, pero la luz que emana de abajo
tiene una sensación gélida. Algunas personas podrían interpretar estos colores como etéreos o
espirituales, pero no hay forma de interpretar la imagen como cálida, a pesar de que la
intensidad de la luz es al menos tan brillante como la original.
TÉCNICAS DE SOMBRAS Y AUMENTO DE LA
PROFUNDIDAD
Esta demostración paso a paso de una pintura rápida ilustra cómo añadir
iluminación, trabajo de sombras y profundidad a una obra puede
transformarla por completo. A medida que se avanza en cada paso, se
puede ver cómo la imagen se vuelve más coherente, profunda e
interesante.

Paso 1: Formas
En este punto, las formas básicas están todas en su sitio: fíjate en cómo se ve la posición de toda
la arquitectura. En esta fase, la escena no se lee bien, ya que no hay una iluminación eficaz que
integre a los sujetos en la escena. Tampoco hay sombras que unan los objetos.
Paso 2: Color y sombras
Aquí he aplicado un poco de color sobre la pieza, pero lo más i m p o r t a n t e es que he imaginado la
línea de sombra que atravesará la e s c e n a , dibujando una línea de colores apagados y difusos a
través de la mitad de la habitación. Esto ha añadido de repente mucha profundidad, perspectiva y
escala a la composición. La colocación de sombras en la pared más alejada también ha añadido otra
capa de profundidad a la escena: ahora se entiende que la pared está apartada de las c o l u m n a s .
Paso 3: Iluminación
He intensificado aún más el dramatismo añadiendo rayas de luz que cruzan la habitación en la
dirección de la línea de sombra. Como puedes ver, estas pinceladas han aumentado mucho el
brillo de las paredes lejanas, acentuando la escala de la habitación y la intensidad de la luz que
entra. La estatua también está iluminada, pero he tenido cuidado de no sobreiluminarla; está más
cerca, por lo que hay menos luz entre ella y el espectador.
Etapa 4: Detallado
La adición de detalles y reflejos aumenta enormemente la profundidad de la obra. Colocar una tela
roja en el techo permite que las sombras teñidas de rojo caigan en cascada por las paredes lejanas y
que los colores cálidos se reflejen en las superficies brillantes, como las columnas. Los reflejos
utilizados en otras partes de la imagen también ayudan a añadir profundidad, como la puerta a lo
lejos y las suaves formas de l a s personas reflejadas en el suelo pulido.
Concepto y diseño

Se denomina "trabajo conceptual" a la fase en la que los artistas

conciben y prueban nuevas ideas visuales, formas, combinaciones de
colores, fondos o personajes. Una fase conceptual sólida permite
comprender mejor lo que se quiere conseguir con la imagen o imágenes
finales. Crear planos, bocetos a lápiz, claves de color, dibujos lineales e
incluso ideas en tu cabeza te ayudará a encontrar la dirección correcta.
Acostúmbrate a trabajar las ideas de este modo; descubrirás que, en
muchas ocasiones, te ayudará a superar cualquier escollo para llegar a la
imagen final más rápidamente y con mejores resultados. Además de los
beneficios personales, si alguna vez te pasas al terreno profesional,
descubrirás que muchos clientes quieren aprobar la conceptualización
aproximada de las ideas antes de seguir adelante con un encargo.

TRABAJAR A PARTIR DE UN INFORME

Gran parte del trabajo conceptual que realizo consiste en trabajar a partir
de un briefing proporcionado por un cliente. Además, a menudo
dispongo de diferentes elementos a partir de los cuales originar el
"aspecto" de una obra, como fotografías y paletas de colores específicas.
La siguiente secuencia muestra cómo trabajo a partir de estas
referencias para crear un cuadro acabado.

BREVE

A mech-planet construcción sitio. Enorme en forma de planeta

con forma de planeta
 siendo ensambladas en los gases natatorios de una nebulosa azul.
Estas construcciones son masivas - posiblemente de 15-20 km (10-
12 millas) de diámetro, por lo que se puede ver una curva en la
forma, pero también tiene su propio horizonte. El gas es espeso
alrededor de las estructuras, como el agua atmosférica. La paleta
debe limitarse principalmente a azules fríos, con un color adicional
para resaltar los detalles.

Esta imagen es una interesante vista de una formación rocosa

submarina. La luz desde arriba crea una gran atmósfera. Se trata de un
montaje realizado a partir de varias fotografías de mi colección.

La paleta de colores de esta escena es restringida y entra en la escala monocromática, con un

toque de color complementario en forma de rojo.
Prueba aproximada de color y composición de 15 minutos.

50 minutos más de trabajo - formas grandes en su lugar.

MECH 03 La imagen final. Se han añadido todos los detalles, pero la imagen conserva un estilo
suelto y se ajusta a las instrucciones originales.
EXPLORAR UN TEMA
Imaginemos que estás a punto de empezar a trabajar en una nueva
ilustración de "una majestuosa vista de un amanecer blasonado sobre
una enorme ciudad futurista". En tu cabeza puedes ver lo que quieres
hacer, pero ¿qué problemas tienes que superar para llevar el cuadro de
tu mente al lienzo digital? Reflexionar sobre la idea te ayudará a
comprender cuáles van a ser las partes más complicadas de la obra,
sobre todo la perspectiva necesaria para abarcar todos los elementos, las
formas difíciles que puede que tengas que resolver en la escena y el
aspecto que quieres conseguir, quizás basado en imágenes naturales.
Una parte intrínseca de la fase de concepción es hacer una lista de los
elementos con los que se cuenta para una obra. Al hacerlo, ya estás
dando pasos en tu mente sobre cuáles son las partes fundamentales de la
imagen que deben estar bien. Los puntos focales, el encuadre y el
equilibrio compositivo serán mucho más fáciles de controlar cuando las
áreas problemáticas estén sólidamente concebidas. La secuencia de las
páginas siguientes muestra los pasos que se podrían seguir para crear
una imagen similar a Amanecer teísta (véase el paso 8: Imagen final),
desde la idea inicial, pasando por la recopilación de referencias, las
pruebas de color y los bocetos, hasta la pieza acabada. Esto ilustra un
buen método para construir una imagen basada en elementos temáticos.
Utiliza tu tiempo conceptual para resolver los problemas particulares
que tengas -probablemente diferirán de los míos.

Paso 1: Recopilar y esbozar ideas

Si vas a empezar a trabajar en una imagen con una composición
compleja, una perspectiva espectacular, formas desafiantes y
condiciones de iluminación creíbles, tendrás que pensar en lo que
quieres conseguir desde el principio. Piensa claramente qué retos te
esperan y cómo quieres afrontarlos. Esboza ideas para aclarar las
piedras angulares de la obra y recopila material de referencia si crees
que la naturaleza u otras obras de arte te ayudarán a inspirarte. Aquí he
ilustrado cómo se podrían reunir estos elementos para ayudar a formar
una dirección cohesiva en la que moverse con la imagen.
Paso 2: Dibujar la composición
Después de un rato de reflexión, traza algunas líneas de construcción de
la perspectiva y empieza a armar la idea principal de la composición. En
este punto también puedes empezar a pensar en la paleta de colores. Yo
quería que esta imagen fuera al amanecer, pero estaba pensando en darle
un equilibrio de tonos fríos y cálidos. Dedica algún tiempo a pensar
cómo van a funcionar las cosas, probando distintas composiciones.
Paso 3: Volteo y lavado de color
Dar la vuelta a la imagen es una buena forma de ver cómo funciona la
composición. En este caso era para medir lo bien que había quedado la
estructura. Como puedes ver aquí, he recortado la composición, a
derecha e izquierda, pensando que sería mejor centrarse más en la torre
que en el paisaje. Experimenta con distintos colores para modificar el
aspecto de tu obra: no te compliques con las pruebas tonales.
Paso 4: Enfriar los colores
Aquí, la imagen se ha volteado hacia atrás y se ha vuelto a ampliar más
allá de sus dimensiones originales. También he añadido un importante
encuadre de silueta a izquierda y derecha de la pieza, que controlará la
composición si se añade el gran arco. He empezado a enfriar los colores,
pero aún queda trabajo por hacer.
Paso 5: Perfilado del arco
Si vas a añadir elementos grandes o dramáticos a una imagen, a veces
resulta útil dibujar unas cuantas iteraciones de la idea de perfil, para
entender exactamente qué quieres hacer con ella en la composición de
perspectiva más compleja.

Paso 6: Empezar con los detalles

Ahora empieza a esbozar los detalles. Aquí he hecho un rápido boceto a
lápiz de una ciudad sobre una copia impresa del primer dibujo lineal, y
luego lo he vuelto a meter en Photoshop para añadir sombreado. Si
quieres pasar un rato lejos de la pantalla, esto te permite sentarte
cómodamente y jugar con las ideas en tu regazo.
Paso 7: Elaborar los detalles
En realidad, trabajar en los detalles de la ciudad puede llevarte bastante
tiempo. Trabajar con las altas resoluciones necesarias para la impresión
puede llevarte varias horas añadiendo pequeños matices y
características. Sin embargo, el resultado final merecerá la pena y sabrás
cuándo tienes suficiente.
Paso 8: Imagen final
Sin duda, dedicar tiempo a resolver la compleja interacción entre las
formas ha merecido la pena: cuando se observa la pieza final, se ve que
todas las formas funcionan en armonía. Después de la fase conceptual,
se dedicaron muchas horas a detallar esta imagen, pero es importante
señalar que, si no se hubiera trabajado a fondo en las ideas para
comprender bien cómo funcionarían las formas juntas, la imagen no
tendría ni de lejos la cohesión que ha alcanzado. Esta imagen también se
basa en gran medida en un buen equilibrio compositivo y un punto focal
claro, junto con un encuadre cuidadoso, ideas que se analizan a
continuación.

COMPOSICIÓN, PUNTOS FOCALES Y ENCUADRE

Como artista, es primordial permitir que la parte más importante de la
imagen -el punto focal- se lea fácilmente. Aquí se han analizado tres
imágenes para ilustrar su montaje. Puede que algunos de los detalles
señalados no parezcan tan importantes para la obra, pero sin ellos se
perdería gran parte del equilibrio compositivo. Establecer el punto focal
es primordial para cualquier buena ilustración: hay que saber en qué
queremos que se centre el espectador. Sin embargo, sin un encuadre
adecuado
equilibrio y la iluminación, la composición podría enturbiarse
fácilmente, arruinando una imagen. Intenta encontrar una armonía entre
la zona focal de una pieza y lo que hay en la imagen para apoyarla.
Estas imágenes ilustran esa teoría.
ESCALA Y PERSPECTIVA
Hay muy pocas cosas más importantes que conseguir una perspectiva
sólida y un escalado creíble, sobre todo si la obra contiene varios
elementos complejos de distintos tamaños y posiciones. Si no se
consigue un escalado adecuado, se puede perder la ilusión de
verosimilitud de una imagen, por ejemplo, haciendo que un ser humano
parezca demasiado grande o demasiado pequeño para un espacio, o
no explican adecuadamente el funcionamiento conjunto de las diversas
formas. Los errores de perspectiva pueden ser igual de perjudiciales;
partes de la pieza pueden combarse y fluir de forma incorrecta,
provocando errores de lectura que hacen que la imagen resulte
desagradable a la vista. Ten mucho cuidado al proyectar tu visión
artística para asegurarte de que cumples estas dos reglas y verás cómo
gran parte de la composición encaja a la perfección. Cuando una parte
de la imagen funcione, servirá de guía para el resto de la pieza. Estas
imágenes muestran algunos de los aspectos que hay que tener en cuenta
al trabajar con la escala y la perspectiva.
PINTAR UNA PIEZA CONCEPTUAL
Ilustrar un concepto consiste en expresar al espectador el aspecto que se
pretende dar a una estructura, la forma y la velocidad de un vehículo, la
vestimenta y la estatura de un ser, o el estado de ánimo de un entorno.
Tanto si sus ideas son fotografías, bocetos, notas o una amalgama de
todo ello, combinarlas en una pieza cohesionada o una colección de
imágenes es
el objetivo. Lo que has leído hasta ahora debería ayudarte mucho a
estructurar tus composiciones, controlar la perspectiva, trabajar las partes
difíciles o desafiantes de la obra y, por último, elegir la mejor iluminación
y los mejores colores p o s i b l e s para un resultado final creíble. En estas
páginas he mostrado los pasos que he seguido para crear la obra La
habitación, para que puedas ver cómo se creó el cuadro.

DERELICT Esta imagen anterior es un buen ejemplo del aspecto que quería proyectar; la atmósfera
es ciertamente similar y los colores apagados están en su sitio. Este tipo de "perfeccionamiento
secuencial" resulta útil cuando se trabaja con ideas: pintar una imagen, ver qué funciona y luego
crear un nuevo cuadro con las lecciones aprendidas.
Paso 1: Empezar
Esta pintura rápida se elaboró rápidamente para dar una impresión
aproximada de lo que quería transmitir. Esta imagen me llevó unos 15-20
minutos y me ayudó a establecer lo que quería que tuviera la obra. Fíjate en
que pensaba hacer agujeros en el suelo.
Paso 2: Inicio de la ilustración completa
Utilizando el boceto en una capa y alternando su visibilidad, crea
rápidamente algunas líneas de perspectiva que formarán la columna
vertebral de la imagen. Curiosamente, en esta pieza el boceto rápido
(ver paso 1) se acercaba bastante a lo que yo quería, salvo las líneas del
arco intermedio. Las primeras pinceladas que añadas deben ser más
apretadas que las del boceto.
Paso 3: Añadir el punto focal
Esta imagen girará en torno a la luz que entra por la ventana de la
escalera. La idea es que la luz dirija la mirada hacia ella, pero la
sensación es que ahí puede haber algo que no quieres ver. La posición
de la ventana es vital para establecerla como un fuerte punto focal, que
además es la única fuente de luz directa en toda la escena.
Paso 4: Añadir los datos iniciales
Aquí he empezado a añadir un poco de detalle en forma de suciedad en
el suelo, el techo y las paredes, aunque habrá una "pasada de ruido"
(véase el paso 6) antes de empezar a detallar de verdad. Dibujar el arco
más claramente también empezará a dar forma a la imagen, ya que las
curvas del arco ayudan mucho con la escala y la perspectiva.
Paso 5: Fijar la composición
Añadiendo un poco a la base de la imagen se ha clavado la ventana
focal y se ha atraído realmente la mirada hacia la pieza, empezando por
el suelo frente al espectador y avanzando hacia el suelo iluminado bajo
la ventana. Pequeños cambios como éste pueden marcar la diferencia en
el resultado final, así que date un capricho y prueba diferentes ideas.
Añadir un poco de luz atmosférica desde la ventana es el comienzo para
subrayar el punto focal.
consejo - Añadir textura

Si estás creando una imagen que requiere un cierto tipo de atmósfera,

como un aspecto sucio o dañado, por ejemplo, puede ser muy difícil dar
una sensación de textura a tus pinceladas mientras pintas la imagen.
Trabajar con capas digitales te permite elegir una o varias imágenes
independientes y colocarlas encima de la imagen en la que estás
trabajando. Ajustando el modo de fusión y su opacidad en la paleta
Capas, puedes encontrar un equilibrio en el que la imagen en capas
ayude a añadir textura e interés sin dañar demasiado la pintura
subyacente.

Paso 6: Realizar un pase de ruido y añadir más detalle

Esta imagen requiere un aspecto rústico y desgastado, y gran parte de ello
se logrará con un cuidadoso detallado. Sin embargo, antes de empezar c o n
l o s detalles, busque una imagen con ruido y colóquela en una capa por
encima de la capa de pintura principal con una opacidad de entre el 10 y el
20%. Aplástala sobre la imagen y utiliza el ruido como base para los
detalles.
Paso 7: Elaborar los detalles
Al detallar una imagen que requiere un aspecto y una sensación
distintivos (en este caso, una sensación de suciedad, mugre y una
atmósfera densa), piensa detenidamente en cómo quieres que funcionen
los materiales. En esta imagen, elementos como los azulejos de la pared,
el suelo de madera polvoriento y las paredes de yeso agrietadas deben
representarse de forma creíble. Si no estás seguro de cómo conseguirlo,
investiga un poco para visualizar cómo deben funcionar los elementos,
consultando fotografías y haciendo pruebas de pintura en una capa
aparte.
 Una vez que haya colocado
el grano en su sitio, comience
La lexłure ło I es 9oc- es buill de a observar los pequeños
lols de lighl brusmirores {wiih o trozos que ilustran los
nord brushj follmving łhe ingle de detalles. Ake tha grumos de
lhe madera. Al cabo de un rato, escombros en el suelo.
verá cómo se acerca la textura. incIucjing un poco shoclow
arrojados por ellos En el
*suelo.

Detallar es una forma

de descubrir y de
i n v e n t a r . Aquí una
era cke<I rend er revea
b tne
olO woooen sloh tNo1
habría L'een usado
Denind pIos1er en
1ne pos1.

7ne 1iIes nere

nave sIigIn1Iy
stro nger tonol
op peoro nce
to slnow they
are not mod e
of o mat1
mateńol.
Paso 8: Crear una atmósfera difusa
Un elemento fundamental de esta pieza es la ventana y la forma en que
la luz cae en cascada desde ella hasta el suelo. Además, esta habitación
tiene una atmósfera densa con mucho polvo flotante y otras partículas.
Para ilustrar esto con eficacia, no es necesario dibujar muchos puntos,
sino utilizar un pincel grande y suave con un color claro para iluminar la
zona de la imagen situada entre la ventana y el suelo, en la dirección en
que se desplaza la luz. Así darás la impresión de que hay luz en el aire.
consejo - Siga la luz

Si te preguntas cómo debes iluminar los elementos de una escena o cuán

brillante debe ser la iluminación, intenta imaginar las líneas de luz que
se mueven por la imagen, rebotando en los objetos brillantes de forma
bastante limpia, pero dispersándose cuando chocan con algo menos
pulido. Si observas esta imagen, verás que he calculado que la luz de la
ventana incidiría en el suelo y rebotaría (dispersándose y difuminándose
un poco) hacia las paredes y el techo. Parte de la luz rebotaría de nuevo
en las paredes, aunque muy débilmente la segunda vez. Por eso he
pintado los elementos de la escena como lo he hecho.
Paso 9: Imagen final
La imagen final muestra una serie de elementos adicionales que se han
ido añadiendo a medida que avanzaban los detalles, como la luz
colgante del techo y un importante trabajo adicional en el suelo y las
paredes para dar vida a toda la imagen y poner orden. Al repasar la
imagen, cabe señalar que pequeños detalles como los cables colgando,
el polvo en el suelo, los tablones de madera inclinados y el
agrietamiento y la degradación de las paredes se combinan para crear
una sensación ominosa, llena de profundidad e interés. La luz que entra
por la ventana tiene un aire "vivo", gracias al brillo de los cristales.
eje de luminosidad desde la ventana hasta el suelo. ¿Suficientemente
atmosférico? Firme y guárdelo.
GRAN UNIVERSO (cultivo) Otra representación del universo.
Texturas y efectos especiales

A medida que adquieras más destreza con la ilustración digital, pronto

descubrirás lo potentes que son las herramientas de los paquetes de
pintura para ayudarte a añadir textura, luz, efectos especiales y retoques
de color a tus imágenes. En la pintura tradicional, si colocas una
pincelada roja en el lienzo, siempre será roja a menos que pintes
encima. Con la pintura digital, puedes cambiar colores, efectos y
texturas de forma rápida y eficaz, lo que acelera enormemente el
proceso creativo.
TEXTURAS

La creación de ilustraciones completamente formadas que describan las

formas de manera definitiva y que conjuren una fuerte sensación de
profundidad, perspectiva y verosimilitud, requiere un buen
conocimiento y control de todos los aspectos tratados en los capítulos
anteriores. El último nivel de credibilidad se consigue garantizando que
las escenas incluyan materiales y texturas que se comporten
correctamente. Quieres que tus objetos brillantes reflejen la luz
correctamente, que tus rocas parezcan nítidas y duras, y que tus nubes
difundan la luz de un modo que el espectador pueda entender.
Obviamente, con todos los materiales potenciales del universo y los de
tu propia imaginación, no es
No es posible abarcarlos todos aquí. No obstante, en las páginas
siguientes explicaré cómo conseguir determinados efectos texturales y
materiales a partir del análisis de mi cuadro Basílica.

MATERIALES NATURALES

Gran parte de esta imagen se basa en la combinación de muchos

elementos naturales, como las montañas, el agua, las nubes y la potente
iluminación. Cuando pintes este tipo de materiales, intenta comprender
cómo se comportan. Por ejemplo, las rocas suelen ser mates en la
naturaleza (a menos que estén mojadas), por lo que serán relativamente
opacas a la luz difusa, como lo son estas dos formas montañosas. Del
mismo modo, los numerosos árboles de la montaña están en armonía
con las caras de las rocas en la luz difusa. En condiciones de luz directa,
los árboles y las plantas adquieren un aspecto más complejo, con
dispersión subsuperficial (brillan cuando se iluminan desde atrás) y
otras características.
MATERIALES ARTIFICIALES

Materiales como el hormigón, el vidrio y el acero se comportan de

forma muy diferente a la hierba y la roca, aunque el hormigón tiene
algunas similitudes con ciertos tipos de roca. La clave para que estos
materiales resulten equilibrados con el resto de la ilustración es dejar
que la iluminación y la atmósfera unan todos los elementos. Dicho esto,
la representación del hormigón no sería como la roca: se esperaría que
fuera en su mayor parte sin imperfecciones, aunque con cierto moteado
y texturizado. Del mismo modo, las superficies metálicas reflejan mejor
los rayos de luz, pero no tanto como el cristal.
VIDRIO Y MATERIALES REFLECTANTES

El vidrio es un material interesante para trabajar. No tiene una textura

propia, sino que adquiere un aspecto que depende de los objetos que lo
rodean, los colores y las condiciones de iluminación. Para tratar el
cristal de forma adecuada, lo mejor es imaginar que la posición del
espectador es el punto de partida y que el cristal es como un deflector.
Para dibujar lo que necesitas en el cristal, imagina una línea que sale de
ti hacia el deflector y vuelve a salir hacia el exterior. El objeto que
golpea debe reflejarse y pintarse. Obviamente, la fuerza del reflejo
depende de lo agudo que sea el ángulo de visión y del tipo de cristal que
estés pintando, a menos que sea un cristal espejado (o unidireccional),
que refleja desde cualquier ángulo.