LICENCIATURA EN DISEÑO Y

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL

MATERIA:
HISTORIA DEL CINE I

ALUMNOS:

Carranza Carolina - 46654

Diaz Santiago - 46468
Macias Lizandro - 4466290
Santiano Andres - 39808

AÑO 2024

TRABAJO PRÁCTICO N°2

1
“La salida de los obreros de la fábrica” - Hermanos Lumière (1895)

La salida de los obreros es considerada la primera película

proyectada públicamente y marca el inicio del cine como lo
conocemos hoy. La película, de apenas 45 segundos,
muestra a un grupo de trabajadores saliendo de una fábrica
en Lyon, Francia, en un solo plano fijo. A pesar de su
simplicidad, este cortometraje sentó las bases de lo que sería
una nueva forma de arte y entretenimiento.

La importancia de esta película no radica en su trama, sino

en su valor histórico y técnico. Fue filmada con el
cinematógrafo, una invención de los Lumière que combinaba
la función de cámara y proyector, esta tecnología fue
revolucionaria porque, a diferencia de inventos anteriores,
permitía proyectar imágenes en movimiento a una audiencia
más amplia, marcando el comienzo de las proyecciones públicas de cine.

Una de las contribuciones más importantes fue la demostración del cine como medio
documental, aunque la película no tenía una narrativa compleja, su capacidad para capturar
y reproducir la realidad cotidiana abrió la puerta al cine como una forma de documentar
eventos, paisajes, y la vida en general. Esto inspiró la creación de géneros como el
documental, el cine social, y el realismo cinematográfico. El impacto de esta película fue
inmediato, ya que mostró el potencial del cine para capturar la vida cotidiana, lo que inspiró
a muchos otros cineastas a experimentar con el nuevo medio. Así, la película de los
Lumière marcó el punto de partida para el desarrollo del cine, tanto como arte como
entretenimiento masivo.

“(…) El rasgo básico del cine de los Lumière, quienes no tenían preocupaciones de orden
estético sino más bien una curiosidad muy desarrollada para trabajar en ese campo de la
física experimental que se les había abierto. Ni siquiera creían demasiado en las
posibilidades de expansión comercial del cine, vinculadas a los desarrollos de carácter
narrativo que en un principio no valorizaron y para los cuales, después, se reconocieron
modestamente como carentes de preparación. Su cine, y el de los operadores y
realizadores que los acompañaron entre 1895 y los primeros años del siglo 20, época en la
cual los Lumiére Se retiraron del negocio para dedicarse exclusivamente a la producción de
aparatos, es un manojo de documentales ingenuos, centrados especialmente en la vida de
familia, y luego en el descubrimiento de horizontes exóticos o en la captación o
reconstrucción de hechos relevantes de la crónica diaria. Desde el desayuno del bebé hasta
las vacaciones ’en el mar; desde la llegada del tren a la estación hasta la salida de las
obreras de la fábrica; desde el caso Dreyfus hasta la coronación de Eduardo VI de
Inglaterra; desde la filmación de los esplendores de la corte rusa hasta el registro de los
desfiles militares. En una palabra, poco más que un álbum de familia, donde, como se sabe,
se vive en la intimidad pero se está ingenuamente atento a lo que pasa en el gran mundo y
donde, sobre todo, el capítulo de los viajes es uno de los más apreciados” (Lacolla, 2008, p.
22).

2
“El nacimiento de una nación” - D.W. Griffith ( 1915 )

El nacimiento de una nacion (The birth of a nation)

ambientada en los años previos a la Guerra Civil de Estados
Unidos, narra la introducción de la esclavitud en el país. La
historia se desarrolla a través de dos familias, una del norte y
otra del sur, y también a través de sus sirvientes, cuyas
representaciones, basadas en estereotipos racistas, hacen
que la película sea ampliamente criticada por su enfoque
discriminatorio. A medida que la nación se divide por la
guerra, los esclavos y los abolicionistas son presentados
como fuerzas destructivas que desencadenan los
acontecimientos.

La obra es codiciosa tanto en su alcance como en su duración, abordando muchos de los

eventos históricos clave de Estados Unidos. Sin embargo, su narrativa ultraderechista y
propagandística ha generado una gran controversia, especialmente por su retrato del Ku
Klux Klan como los "héroes" que pueden preservar la unidad de la nación. A pesar de su
mensaje racista, la película sigue siendo referenciada hoy en día por sus innovaciones
técnicas. Griffith introdujo avances como los primeros planos, las secuencias de acción
paralelas, el uso de la cámara entre los actores, cambios de decorados y la exploración de
la continuidad espacial, elementos que resolvieron problemas de narrativa en el cine
anterior y transformaron la forma de hacer películas.

“(…) Griffith no parece haberse sentido trabado por ninguna de las consideraciones al
respeto humano que siguieron a la polémica que despertó este filme, y también por el hecho
de qué por primera vez plasmaba en el cine, con un lenguaje específicamente fílmico, una
historia abarcadora como una novela, que imbrican los elementos de una saga familiar con
el tramado de la historia contemporánea de los Estados Unidos.
El argumento, inspirado en la novela del reverendo Thomas Dixon The clansman, describe
la compleja vastedad de la historia norteamericana en su momento decisivo, la guerra entre
los estados. Como apunta Lewis Jacobs en su historia del cine norteamericano, El
nacimiento,.. pone en escena, “amén de una intriga romántica, el tema de la guerra civil, del
saqueo del Sur y del resurgimiento del honor sudista gracias a la labor del Ku-Klux-Klan”.
Este argumento resulta explosivo aún hoy y la tendencia predominante en el sentido
de rescatar a la película por sus valores formales antes que por su contenido, no hace
justicia a la capacidad de verdad historiográfica que aporta la obra.
Los puntos de vista de Griffith son reaccionarios, expresamente racistas e imbuidos de un
virtuoso horror ante la posibilidad del mestizaje, pero la exteriorización de estos
sentimientos y la descripción de los acontecimientos en sí mismos dan la pauta de un
realismo que gracias justamente a su deformación subjetiva, supera a mucho cine
norteamericano contemporáneo, preocupado por obtener el sello de marca “políticamente
correcto” que viabiliza el acceso de un filme al mercado” (Lacolla, 2008, p.40-41)

3
“El Gabinete del doctor Caligari” - Robert Wiene ( 1920 )

Esta película es considerada una de las primeras del cine

expresionista alemán, un movimiento donde la escenografía y
la iluminación desempeñan un papel esencial, añadiendo
profundidad emocional al drama, como ocurre en la pintura.
Las escenografías, construidas con cartones pintados,
estilizan y deforman la realidad, usando ángulos agudos y
perspectivas poco convencionales que crean la sensación de
estar en un sueño, o más bien, en una pesadilla. Los
personajes, con maquillaje y vestuario extraños, refuerzan
esta atmósfera de distorsión, evocando un entorno de delirio y
locura, donde también se exploran el "horror irracional del ser
humano" y sus emociones más intensas.

La estética gótica, común en las ciudades alemanas de la época pero exagerada por el
vanguardismo, sirve como metáfora de las secuelas de la Primera Guerra Mundial. La
película refleja una Alemania derrotada y sumida en crisis, enfrentando problemas
económicos, territoriales y militares. Este contexto social se refleja a través de una historia
fantástica que, a pesar de su aparente banalidad, resonó profundamente en el público de la
época. La película también destaca por su estructura narrativa compleja, utilizando
flashbacks y oscureciendo partes de la imagen en ciertos planos para focalizar acciones
específicas, lo que añade una capa innovadora a su lenguaje visual.

“Esta transparente requisitoria contra la autoridad fue objetada por los productores, que
temían la reacción contra el no disimulado ataque a la omnipotencia del poder estatal que
los guionistas habían planteado en la película. En palabras de Janowitz, el gobierno alemán
había personificado esa voraz autoridad que implantaba el servicio militar obligatorio y
declaraba la guerra; el gobierno alemán era Caligari, que obligaba a millones de jóvenes a
representar el papel de Cesare: el de asesinos inocentes, condenados a matar y a ser
muertos. Los autores de la historia recomendaban invertir los términos de la ecuación:
cuando el poder racional del Estado se revela como irracional, se hace necesario abolirlo o
ponerlo bajo custodia” (Lacolla, 2008, p. 66).
“La incorporación de la figura humana y de sus movimientos reales no era cosa fácil en
aquel mundo de formas dislocadas y extravagantes. Con una interpretación estilizada y con
la ayuda de unos maquillajes sorprendentes, Caligari (Werner Krauss) y Cesare (Conrad
Veidt) consiguieron integrarse eficazmente en el conjunto plástico, que admitía mucho peor
a los restantes personajes de inspiración realista. También el movimiento, que es una
dimensión real, despojará a muchas películas de esta escuela de la irreal fascinación
plástica que emana de sus fotogramas estáticos” (Gubern, 1969, p. 125).

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“La Femme de nulle” - Louis Delluc ( 1922 )

Surgiendo como defensa del arte popular en un contexto

donde predominaba el cine mercantil, ocurre como paralelismo
al expresionismo alemán el impresionismo francés, el cual se
posiciona al frente como influencia del cine en Francia,
creando así la “Escuela impresionista” con algunos de quienes
serán sus mayores referentes. Este movimiento defendía la
pureza del arte cinematográfico vinculándola con la pintura, la
poesía y especialmente con la música.

Consideramos importante mencionar que si bien se trata de

una vanguardia con influencias en el amplio abanico del arte
francés, muchos de los referentes de este particular momento
del cine atravesado en Francia defendía que el cine debía separarse y ser un arte aparte.
De manera paralela, en la otra parte del mundo nos encontramos con una Alemania que
presentaba un expresionismo contemporáneo directo y disruptivo.

En “La femme de nulle”, dirigida por Louis Delluc, observamos la relación con el teatro y la
literatura francesa, además destacamos sus diversos recursos utilizados con los flashbacks;
Consiguio generar un contenido estilístico con sus bases en la iluminación, el decorado, la
cadencia y la máscara, aspectos que lo distinguiría del resto de autores del impresionismo
francés. Es importante destacar que el hecho de que sea un director distinguido, no quiere
decir que sea más importante, si no que generó un cambio que es prudente mencionar.
Louis Delluc tenía una estética sensible y poética reflejada en su propuesta cinematográfica
y este film evidencia el trabajo de pequeños detalles que transmiten un estado de ánimo
específico, reflejando a su vez el desarrollo minucioso del director.

“La Femme de nulle part fue, en cambio, uno de los primeros intentos de cine psicológico,
que influido por los realizadores suecos describía con minuciosidad, através de pequeños
detalles, un estado de ánimo: una mujer que abandonó hace veinteaños su vida burguesa
para seguir a su amante, regresa a la suntuosa villa de sufamilia, evoca un pasado
feliz que ya le es imposible reanudar y se encuentra con otra mujer, más joven, que
proyecta fugarse con su amante como hizo ella en otro tiempo.La historia, mundana y banal,
está emparentada con la temática del teatro francés de la época, pero relatada con gran
finura psicológica y en donde la técnica literaria del monólogo se halla inteligentemente
reemplazada por el flash-back visual, que ya Delluc había utilizado sistemáticamente en
Le silence (1920), pues el tema del pasadoes para Delluc (como lo será para Resnais) uno
de los ejes de su narrativa. Con estas obras se ve claro que Delluc trataba de orientar al
cine francés hacia un sendero intelectualmente noble, como años antes hiciera el film d’art
en rebeldía ante el cine populachero de Méliès y de Zecca, aunque por fortuna los tiempos
no son los mismos y el cine comienza a dominar ya su lenguaje. A través de Delluc una
nueva categoría de personas, con preparación cultural e inquietud artística, irrumpen en lo
que venía siendo coto de mercaderes y autodidactas”(Gubern, 1969, p. 117-118).

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“El cantor de Jazz” - Alan Crosland ( 1927 )

Otra revolución fue el nacimiento del cine sonoro, desde sus

inicios el cine fue mudo, pero siempre existió una relación entre
sonido e imagen. Esto llevó a la creación de dispositivos como
el “Vitaphone” que consistía en un proyector, un amplificador y
altavoces, lo que permitió una mejor experiencia de lo
audiovisual.

Un hito fundamental fue “El cantante de jazz” (1927), dirigida

por Alan Crosland, que marcó el comienzo de una nueva era al
sincronizar no solo ruidos y efectos, sino también diálogos de
los personajes. Esta película demostró, por primera vez, lo
viable del cine sonoro, un objetivo que se había buscado desde
el surgimiento del medio.

Sin embargo, este avance provocó un cambio significativo en el lenguaje cinematográfico y

la narración. Inicialmente hubo una fuerte oposición de cineastas destacados como Charles
Chaplin, quién temía que el cine sonoro limitara la creatividad y la libertad de movimiento de
la cámara, convirtiendo las películas en “teatro filmado” debido a los diálogos extensos.

Con el tiempo, las tensiones fueron disipando y comenzaron a apreciarse las ventajas del
sonido en el cine, la incorporación de este elemento permitió la expansión de géneros como
el musical y el cine de gangsters, que se caracterizan por sus distintivos efectos sonoros.
Además, textos influyentes como “El manifiesto del Contrapunto Sonoro” promovieron un
uso creativo del sonido, reconociendo su capacidad para enriquecer el arte del montaje y
ampliar la expresión cinematográfica, convirtiendo al cine en un medio más completo y
dinámico.

“(...) incorporaba por vez primera los ruidos y efectos sonoros, finalmente con y el fortismo
de El cantante de jazz (The jazz singer, 1927), en el que, tras una canción, Al Johnson se
dirigía al público estupefacto y le decía: “Esperen un momento, pues todavía no han oído
nada. Escuchen ahora”. La platea del teatro Warner se conmovió como sacudida por un
terremoto la noche histórica del 6 de octubre de 1927 en que por vez primera la pronunció la
imagen de Jolson está frase premonitoria ante las masas, gracias a la magia blanca del
Vitaphone… Ya veremos el chaparrón de películas musicales que se nos vendrá encima a
partir del éxito de El cantante de jazz, obra mediocre del muy mediocre Alan Crosland,que
costó medio millón de dólares y reportó cinco veces más. Pero, entre tanto, los hombres de
negocios afilan sus espadas y toman posiciones para la batalla que se avecina.” (Gubern,
1969, p. 175-176)

“ A este uso “sin restricciones” de la narración musical, Hollywood contrapone la posibilidad

del punto de vista musical. A menudo la música expresa los estados mentales de los
personajes: música agitada para la confusión interior, acordes ominosos para la tensión, y
otras por el estilo. En “El cantor de Jazz” (The Jazz singer,1927) sabemos que Jackie está
pensando en su madre cuando, al ver su retrato, oímos la melodía “Mammy” en la banda
sonora.” (Bordwell, Cine clásico, p.38)

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“Lo que el viento se llevó” - Victor Fleming ( 1939 )

Es una épica histórica basada en la novela homónima de

Margaret Mitchell. La trama sigue la vida de Scarlett O'Hara, una
joven sureña de carácter fuerte y temperamental, durante y
después de la Guerra Civil estadounidense. En el centro del
relato está su amor no correspondido por Ashley Wilkes y su
tormentosa relación con el apuesto Rhett Butler. A lo largo de la
historia, Scarlett lucha por sobrevivir en un mundo marcado por la
devastación de la guerra y la reconstrucción del sur.

Fue una de las películas más influyentes de la historia del cine,

su relevancia no solo radica en su escala épica, sino también en
cómo transformó la industria cinematográfica. Fue una de las
primeras películas en utilizar Technicolor de manera masiva, lo que la convirtió en un hito
visual para su época. Este uso del color realzó su atractivo y estableció un estándar para
futuras producciones a color.

Además, fue pionera en la producción a gran escala, con un presupuesto nunca antes visto
para la época y un rodaje que abarcó varios directores y complejos efectos especiales,
como la quema de Atlanta, la película demostró la capacidad del cine para contar historias
épicas y emocionales con una ambición sin precedentes.

“‘Lo que el viento se llevó’” estaba ya en una sintonía afín a la que tendrían los filmes
posteriores. El melodrama histórico de Margaret Mitchell, (...), representaba una inversión
monstruosa que en buena medida había sido previamente garantizada” (Lacolla, 2008, p.
277).
“Lo que el viento se llevó" (Gone With the Wind, 1939), iniciada por George Cukor y
concluida por Victor Fleming, que impone definitivamente el procedimiento Technicolor y con
sus recaudaciones se coloca a la zaga de El nacimiento de una nación. Decididamente, el
espíritu de la guerra de Secesión no ha muerto en la conciencia del pueblo americano”
(Gubern, 1969, p. 201).
“En las películas de aventuras de la Triangle (...) se gestó este estilo invisible, que los
historiadores llaman «estilo Triangle» y que es patrimonio del clasicismo cinematográfico
norteamericano, prodigio de continuity narrativa: lenguaje visual conciso, la cámara a la
altura de los ojos, movimientos de cámara tan sólo para seguir a los personajes, montaje
preciso, economía narrativa, empleo del plano americano o (que ilustra la prioridad del
funcionalismo sobre la estética) y repudio de los efectismos formales, que sólo aparecen
excepcionalmente en algunos depositarios de la tradición culta europea, como ocurrió con el
francés Maurice Tourneur, instalado en Hollywood desde 1914. Este lenguaje sencillo y
antirretórico, directo y eficaz, producto de las exigencias narrativas de los westerns y de las
películas de acción, creó una reputación de habilidad técnica que el cine norteamericano
todavía no ha perdido” (Gubern, 1969, p. 100).

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“Ciudadano Kane” - Orson Welles ( 1941 )

Ciudadano Kane es considerada una de las películas más

influyentes de la historia del cine. La trama sigue la vida del
magnate Charles Foster Kane, desde su infancia humilde hasta
su ascenso como poderoso empresario de los medios. A través
de una narrativa no lineal, se va desvelando el misterio detrás de
su última palabra: "Rosebud", revelando los momentos clave de
su vida y cómo su ambición lo llevó a la soledad y la pérdida de lo
que más valoraba.

Uno de los avances más destacados de la película fue el uso

innovador de la profundidad de campo. Gracias al trabajo del
director de fotografía Gregg Toland, cada plano contenía múltiples
capas de acción, permitiendo al espectador observar simultáneamente elementos del primer
plano y del fondo en foco. Esto aportó una nueva dimensión visual al cine, abriendo nuevas
posibilidades para contar historias.

También rompió con la estructura narrativa tradicional,Welles empleó una narrativa

fragmentada, a través de entrevistas y flashbacks, lo que cambió la forma en que las
historias se contaban en la pantalla. Esta estructura influyó profundamente en los cineastas
posteriores, quienes adoptaron narrativas más complejas y no lineales. El uso de ángulos
de cámara extremos y sombras aportó una atmósfera dramática, acercando "Ciudadano
Kane" al cine expresionista. Aunque no fue un éxito comercial inmediato, con el tiempo se
ha considerado una obra maestra que sentó las bases para la evolución del cine moderno.

“(...) George Orson Welles, brillante actor y director teatral considerado como el sucesor
americano de Max Reinhardt, había conseguido, a sus veintitrés años, provocar un pánico a
escala nacional con su emisión radiofónica de La guerra de los mundos, de H. G. Wells,
radiada a través de los micrófonos de la CBS, en la noche del 30 de octubre de 1938”
(Gubern, 1969, p. 239).
“El filme dibujaba la vida de Charles Foster Kane, una transposición cinematográfica del
potentado de la prensa William Randolph Hearst, quien, al sentirse aludido, fue el primero
en encabezar una demoledora campaña de críticas contra la película. Esta no fue
precisamente un éxito comercial, pero su influencia sobre las generaciones de realizadores
que vendrían después resultó imborrable. El tratamiento absolutamente libre del tiempo y
del espacio, el uso del flashback para moverse sobre una serie de planos temporales sin
caer jamás en la confusión, un montaje impecable y una fotografía de Gregg Toland que
explotaba los claroscuros, los encuadres expresionistas, usaba el gran angular e inventaba
la “profundidad de campo” como expediente para crear atmósferas más realistas; así como
una riqueza cultural que permitía fundir las vertientes del cine, el teatro y la tragedia
isabelina en un decorado rigurosamente moderno, se fusionaron para lograr una pieza
magistral” (Lacolla, 2008, p. 173).

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“Casablanca” - Michael Curtiz ( 1942 )

Casablanca, es un reflejo del cine comercial norteamericano que

conjura de forma implícita la resistencia al nazismo a parte del
propio tema del amor imposible y la Segunda Guerra Mundial
como contexto exótico. La trama gira en torno a refugiados en
busca de salvación, un tema que revela tanto la nobleza como la
tragedia del amor en tiempos de conflicto.

Una de sus contribuciones más significativas es su narrativa

arquetípica. La estructura dramática de "Casablanca" (con un
héroe cínico que enfrenta un conflicto moral y una decisión final
de sacrificio por el bien común) ha servido de inspiración para
innumerables películas posteriores. Rick Blaine es un personaje que pasa de ser un hombre
apático a un héroe que antepone el bien colectivo a su interés personal, lo que le dio
profundidad emocional a los personajes del cine clásico

Aunque se basa en una obra de teatro que no se estrenó hasta cinco décadas después, el
filme tiene la esencia del título original, “Everybody Comes to Rick's”, sugiriendo que todos
buscan consuelo en el medio del caos. La importancia de “Casablanca” en el cine es
gracias no solo a su narrativa, si no también a su impacto cultural y emocional. Se ha
convertido en un símbolo de resistencia y esperanza, estableciendo un estándar para el
cine romántico y de guerra.

“(...) Casablanca (1942), de Michael Curtiz, una especie de' Potemkin Del filme romántico de
consumo masivo, apoteosis del cine comercial norteamericano, que conjura mágicamente
la resistencia al nazismo, el amor imposible y la guerra en contexto exótico
reconstruido en estudios. Casablanca es un misterio en el que se refracta lo mejor de la
magia de Hollywood, pero también la naturaleza del engaño mutuamente consentido que se
plantea entre el público y el cine”(Lacolla, 2008, p. 183).
“(...) Casablanca vale como ejemplo de todo un cine norteamericano que por esos años
estaba tocando la cima de la perfección como producto degustable, y en el cual el valor del
filme consistía en configurar una narración tersa, que se transportaba a hombros de un
montaje fluido hasta resultar inaparente y de una fotografía en blanco y negro de
extraordinario refinamiento.Todo ese cine era rotundamente conformista, pero resultaba
mucho más verosímil que el involuntario surrealismo de la masa de la actual producción
comercial norteamericana, de carácter bélico o no, enferma de histeria efectista, tanto o
más políticamente correcta que su predecesora e incapaz de presentar un personaje
medianamente creíble y dotado de sensibilidad humana”(Lacolla, 2008, p. 184).

“En la guerra, el espionaje y la Resistencia servirán de pretextos para películas de

intriga y de aventuras, como es el caso de Casablanca (Casablanca, 1943) de
Michael Curtiz” (Gubern R. ed.2014, p. 243-244)

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Bibliografía:

❖ Bordwell. D , Staiger. J , Thompson. K (1997). El cine clásico de Hollywood: estilo

cinematográfico y modo de producción hasta 1960 (ed. 1997) . Barcelona. Paidos
Iberica Ediciones S A, 1997.
❖ Gubern R. (1969). Historia del cine (ed. 2014). Barcelona. Anagrama Compendium.
❖ Lacolla E. (2008). El cine en su época: Una historia política del filme (2* ed. 2008).
Córdoba. ComunicArte.

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