Arte

HISTORIA DEL ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO
HISTORIA DEL ARTE

MODERNO Y
CONTEMPORÁNEO
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Índice:
1. Arte del Renacimiento (páginas 3 a 16).
2. Arte del Barroco (páginas 17 a 34).
3. Arte del siglo XIX (páginas 35 a 63).
4. Arte del siglo XX (páginas 64 a 72).
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TEMA 1. Arte del Renacimiento.

1.1. El Renacimiento y el Quattrocento.
El Renacimiento surge en una época en el que, con los nuevos inventos, como la imprenta, la brújula, la
pólvora… el ser humano se cree capaz de controlar la naturaleza, creando una nueva forma de pensar, y
cambian la conciencia humana. Dicho movimiento surge en Italia en el siglo XV, aunque no se da desde
el principio. El Renacimiento se divide en dos etapas: el Quattrocento (siglo XV) y el Cinquecento (siglo
XVI), mientras que el Quattrocento es un período de experimentación, el Cinquecento es el punto álgido
del Renacimiento, de madurez.
A pesar de que en la Edad Media no conocemos a los artistas, en el Renacimiento surge la idea de artista.
La Iglesia empleaba el arte en la Edad Media para ilustrar a los fieles analfabetos. Así, igualmente, la Iglesia,
con su poder social, marcará temáticas y gustos en el Renacimiento.
Destaca el Humanismo, un movimiento intelectual que valora el arte clásico, que se materializa en la
segunda mitad del siglo. Este movimiento, gracias a la Imprenta, que mejoró el acceso a los textos, hizo
que se desarrollara intelectualmente y se expandiera. El Humanismo permitió que la Antigüedad clásica
pudiera seguir desarrollándose. El hombre se “distancia” de Dios, y se rige por la razón. El arte, en este
sentido, plasmará la realidad física del entorno humano. El Humanismo conllevó la revalorización de la
libertad intelectual, y el arte se convierte en una actividad intelectual.
De este modo, la nueva concepción artística vendrá dada por esa concepción del mundo. El artista
renacentista ya no trabaja por ideas impuestas o autoridades superiores, sino que el artista tiene su
independencia. La Iglesia y la nobleza seguirán encargando obras a los artistas, pero el artista es cada vez
más autónomo.
una emancipación del arte, que deja de estar controlado, y el arte comienza a ser sinónimo de prestigio, no
solo por la Iglesia, sino también por la nobleza, administraciones, burguesía… el arte pasa a tener valor
social, surgiendo el coleccionismo, el arte comienza a ser sinónimo de prestigio.
La Perspectiva va a ser la plasmación visual del proceso intelectual (“primero se ve con la mente, luego
con la vista”), y genera espacio de manera fidedigna, quiere plasmar la relación entre el hombre y la realidad.
Así, se crea la teoría de la proporción, ligada a esta nueva situación, y que será sinónimo de belleza clásica.
La belleza formal sustituye a la expresividad del período medieval.
Esta belleza y proporción surge a la mesura, equilibrio, compostura, armonía… buscando el punto exacto
en el que todo esté en su justa medida. La perfecta proporción será el hombre, “el centro del universo”.
El pasado será la inspiración para glorificarlo. El Renacimiento buscaba plasmar la verdad, la dignidad, la
virtud… los conceptos morales del arte clásico. Se crea igualmente un nuevo sistema de la realidad.
El Renacimiento surge en el siglo XV, pero que no solo surge del clasicismo, sino que, en estos primeros
años, tiene influencia del Románico y del Gótico, junto al pasado romano, que nunca fue olvidado en
Italia, sino que seguía influyendo el arte italiano medieval.
1.1.1. Arquitectura del Quattrocento.
Brunelleschi (1377 – 1446).
Después de un período de decadencia arquitectónica, se intenta construir a la manera
antigua, con sus técnicas. No va a ser lo mismo, puesto que los edificios que se
requieren no existían en la Antigüedad, como las iglesias, muy distintas a los templos
politeístas, con una función muy diferente.
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El origen de la arquitectura renacentista mezcla y emplea distintas experiencias de elementos clásicos,

bizantinos, medievales, paleocristianos… Así, los primeros años son una amalgama de distintos elementos
hasta que se depuren las formas y se llegue a una arquitectura plenamente renacentista. Se requería una
proporción entre todas las partes del edificio, y todo en relación con el hombre, con proporciones métricas
humanas.
Filippo Brunelleschi es el nuevo propuesto para renovar Florencia, plenamente
moderna en el siglo XV, alejada de otras ciudades más medievales. El gran triunfo
de Brunelleschi es la cúpula de Santa María de las Flores. Esta obra nunca se
habría podido llevar a cabo si no fuese por sus conocimientos sobre arquitectura
romana que aprendió.
Pero el primer edificio renacentista de
Florencia fue el Hospicio de los Inocentes
(1419 – 1427), que muestra la antigüedad
romana en las columnas, proporciones,
armonía, equilibrio, relación de medida de las
partes… La altura de las columnas está en
relación con la anchura del arco de medio punto…
Otras iglesias de Brunelleschi son la Sacristía de San Lorenzo, que tiene un modelo
medieval paleocristiano renovado, racionalizado, con formas equilibradas,
proporcionadas y armoniosas, empleando el cuadrado como medida, al igual que
el resto de la basílica de San Lorenzo. Los materiales de esta arquitectura florentina
de principios del siglo XV llevan a un efecto de simplicidad, con paredes enlucidas.
Seguidor de Brunelleschi será Michelozzo. Para él, lo esencial era la
ornamentación, además de la estructura. Destaca el palacio Medici-
Riccardi, que es una fusión de la tradición florentina del patio interior
cuadrado, pero con un tratamiento
simétrico de la fachada y la parte
interior.
La difusión de los ideales
arquitectónicos va a estar presente de manera importante. Un gran
teórico, Gian Battista Alberti, representa la profundización en la
propuesta de Brunelleschi. Aunque era teórico, por su interés por la
arquitectura realizó alguna obra, como el Palacio Rucellai (1446), con
una fachada de varios pisos, con orden clásico y pilastras adosadas a la
pared en vez de columnas, como en otras construcciones antiguas. Creía
que las figuras se debían poner en orden dramático y narrativo para hacer
entendible el relato. En sus proyectos, Alberti muestra un profundo
conocimiento de los sistemas
constructivos, la superposición de
órdenes, el orden de la arquitectura…
En Rímini, destaca el Templo Malatestiano (de Malatesta), que se concibe
por parte de Alberti como una iglesia de una sola nave, con laterales que
recuerdan a la manera romana, y una fachada que recuerda a un arco del
triunfo romano.
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San Andrés de Mantua, igualmente, recuerda a un gran arco del triunfo,

con muchos elementos clásicos.
Otras ciudades, a partir de la segunda mitad del siglo XV, contratan
artistas florentinos, como Roma, entre otras, lo que expande el
Renacimiento, y, posteriormente también contribuirá en su desarrollo.
En Florencia, la labor de Brunelleschi continúa
con Sangallo, como muestra Santa Maria delle
Carceri de Prato, con mucha simplicidad
geométrica, y tradición local toscana, o la Villa de
Poggio a Caiano, que se aproxima a las tipologías
sagradas romanas (parece un templo con el
frontón, las columnas…) para una arquitectura
doméstica. Estos modelos florentinos llegan al
norte de Italia.
En Milán destaca Filarete, con el Hospital Mayor de
Milán, con cuatro patios. Surge una tipología de
hospital que se desarrollará más tarde en España.
Igualmente, este artista ideará una ciudad ideal,
inspirada en estas premisas ideológicas y políticas de
los Sforza, Sforzinda, con un centro que domina toda
la ciudad.
En Ferrara, Rosetti desarrolla el palacio de
los Diamantes, un edificio sobrio y sencillo,
con líneas horizontales, mucha armonía y
proporción, y llamada así porque tiene unas
puntas en las esquinas que confunden el
ángulo y parecen diamantes.
En Venecia, Scamozzi, lleva estas teorías renacentistas y las
mezcla con la tradición veneciana, haciendo que se adapte a
cada sitio el Renacimiento, destaca aquí el Palacio
Vendramin-Calergi. En esta ciudad también resalta Pietro
Lombardo, con mucha innovación, una obra suya es Santa
María de los Milagros, con un frontón semicircular
rematado con una estructura rectangular.
1.1.2. Escultura del Quattrocento.
En las primeras décadas del siglo XV también cambian los temas, sobre todo las imágenes religiosas, se
busca idealizar. El hombre vuelve a ser protagonista y reaparece el cuerpo desnudo del hombre. La
escultura renacentista no tiene la necesidad de seguir cánones, pero busca el naturalismo, la semejanza, el
parecido con lo que se representa, se interesa anatómicamente con el hombre, con potencialidad expresiva,
surgen técnicas de perspectiva como el Stiacciato.
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Se va a romper también con la arquitectura, la escultura empieza a tener su

propio espacio, y deja de ser decoración arquitectónica, con mucha
individualidad de la escultura, concedida como tridimensional. Entre los
principales escultores destaca Donatello, aunque no
intentó recuperar las formas clásicas se encuentra
influido, destaca San Jorge y el dragón, que es una de sus obras iniciales. Se ve en esta
obra más un soldado romano que uno medieval. Llega a crear la sensación de espacio.
De Donatello también destaca su David, con individualidad en el rostro. Fue la
primera escultura desnuda realizada en bronce desde la Antigüedad, muestra así estos
rasgos del arte romano. La serenidad de la obra es sustituida por los efectos
dramáticos de su escenificación. Parece una escultura clásica, salvo por el gorro
florentino. Se ve que David ha vendido a Goliat, cuya cabeza se ve a sus pies, por eso
está sereno y relajado. Se ve un gran estudio anatómico, un
contraposto… A diferencia que el de Miguel Ángel, la anatomía es la de un
adolescente, no la de un hombre maduro.
Condottiero Gattamelata es otra obra de Donatello, que toma su ejemplo del
retrato ecuestre de Marco Aurelio. Los retratos, al igual que en Roma con las
máscaras mortuorias, se empleaban para que la
persona retratada fuese recordada.
Otro protagonista de la escultura florentina es
Ghiberti, que hace un arte amable con influencia de la tradición, pero con
profundidad y perspectiva. Este orfebre gana el
concurso para renovar las puertas del baptisterio
de Florencia, con el tema del sacrificio de Isaac.
Fundió todas las figuras en un bloque dando al
conjunto una ambientación casi paisajista, con
perspectiva, claroscuros.
Tras hacer estas puertas, hace las del paraíso,
también en el baptisterio, unas décadas después. En estas puertas la concepción
decorativa es distinta y cuenta una historia de manera narrativa, con muchos
detalles, y de manera más compleja y elaborada. Tiene distintos niveles de
profundidad para ofrecer un punto de vista más sofisticado y refinado. Las escenas, además de estar
contenidas en el cuadrado, se enmarcan por otros elementos, como marcos arquitectónicos con
perspectiva.
Iacopo della Porcia, es un escultor de Siena, que se acerca a Donatello en
muchos aspectos. Su obra más destacada, en la
catedral de Luca, es la tumba hilaria de Carreto. Son
motivos clásicos romanos, como los ángeles a esa
manera, que es la primera vez que se emplean desde
la Antigüedad. Igualmente, resalta la Fonte Gaia, una composición atrevida y
abierta, con algo de gótico aún pero que ya gira hacia otro lado. Asimismo, destaca
la puerta de San Pedro de Bolonia.
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Otro escultor importante es Nani di Banco, con los cuatro santos coronados. Son esculturas que ocupan
su propio espacio, independientes, y que hablan entre ellos, de manera natural, y por ello requieren gran
espacio.
Finalmente, cabe destacar della Robbia, que destaca por el descubrimiento de un
método para aplicar barnices a la terracota, lo que daba realidad y expresividad a los
ojos de las esculturas. Fue discípulo de Nani di Banco, y en su estilo influyen todos
estos escultores anteriores. En su obra, mayoritariamente de pequeño formato,
como placas decorativas, se ve la necesidad de que la luz resbale, son obras amables,
encantadoras, que buscan la belleza, delicadas… Son escultores
que inician ya los cambios.
Tienen gran importancia las tumbas mortuorias, como la tumba
cardenal de Portugal, de Rosellino, de grandes dimensiones,
esculturas funerarias, que enfatizan el sentido triunfal. La tumba
de Inocencio VIII destaca, de Algardi, con relieves y escultura
del difunto. El protagonista no está muerto, ni vivo.
Verrocchio es muy fino en la ejecución, con una técnica muy
cuidada, que destaca por el Monumento Colleoni, que
recuerda a la escultura ecuestre de Marco Aurelio, con gran
detalle, interés por el músculo, mostrando la grandeza de ese
personaje.
La tumba Dux Mocenigo representa un arco del triunfo que
glorifica los hechos y hazañas de los personajes en su interior. Algo
parecido ocurre con otras tumbas.
En Nápoles, cabe resaltar un arco triunfal de Alfonso I, que refleja
la llegada de dicho monarca a Nápoles, con elementos mitológicos
y religiosos, en lo que prima lo histórico y lo narrativo, para exaltar la corona de
Aragón. En el manierismo cabe destacar el Santo Entierro, con un gran sentido realista, dinamismo,
movimiento, expresividad facial…
1.1.3. Pintura del Quattrocento.
En pintura se va a acentuar la individualidad, la representación de los personajes de una manera más
personal e íntima. Se comienza a aplicar la perspectiva. También toma importancia el óleo, la tela, el
cartón… al igual que las técnicas y formatos, influyendo esta transformación del Renacimiento.
El tema principal de la pintura renacentista será el hombre. El Quattrocento intenta reflejar lo corpóreo
de las figuras, de manera fiel. Destacando Masaccio, Piero della Francesca… No obstante, se mantiene
cierto decorativismo medieval gótico, aunque con más color, más gentileza y elegancia, lo que viene bien
para los sentimientos religiosos. En una primera tendencia el cuadro no refleja fielmente la realidad,
mientras que en una segunda el cuadro es una superficie donde suceden escenas de manera decorativa,
con importancia de los colores… El formato más importante es el retrato.
En un principio los retratos son de perfil, como los duques de Urbino, de Piero
della Francesca, en la que hay una representación de las características físicas y
psicológicas de las imágenes. Se ve una influencia de la numismática y de la
representación numismática. El fondo ya no es liso como en el gótico, sino que
se puede ver un paisaje, mostrando profundidad y perspectiva.
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Se abre esta nueva etapa en la pintura florentina, con todos los nuevos
preceptos, pautas, parámetros… del estilo gótico internacional, pero el gran
revolucionario de la pintura florentina va a ser Masaccio, que a pesar de su
corta vida fue capaz de romper de una manera bastante intensa con esa
cultura precedente. Una de sus obras más importantes, junto a su discípulo,
es la capilla Brancacci, que es la pura representación de este momento,
donde se ve que se vuelcan todas las investigaciones y experiencias que se
llevaban a cabo y existe un nuevo giro respecto a lo que conocíamos
anteriormente.
Una parte importante de la capilla es el Tributo de la moneda. La capilla
está compuesta a dos niveles y tiene de tema principal la historia de
San Pedro. Los cuadros tienen una gran coherencia interna, con figuras
relacionadas entre sí, que hablan, figuras identificadas… aunque todo forma parte de un conjunto. Al
fondo del Tributo de la moneda aparece San Pedro sacando esa moneda del pez, en el centro se solicita la
moneda para pasar, y a la derecha se ve a San Pedro pagando la moneda. Así se desarrolla un relato entero
en un solo espacio, en el que hay una arquitectura que delimita y encuadra, con armonía, perspectiva,
individualidad…
En muchas ocasiones, al igual que en el gótico los que pagaban
aparecían en el cuadro, aquí pierden importancia y aparecen como
espectadores. Cabe resaltar de Fra Angelico la Anunciación, que
muestra un humanismo cristiano. El cuadro muestra el momento en
el que un ángel anuncia a la Virgen que va a ser madre del hijo de
Dios. En este caso no hay apenas tridimensionalidad, tiene un estilo
sencillo y conservador, pero utiliza la perspectiva y recurre a
Masaccio para plasmar esas figuras. Se utiliza una arquitectura clásica para enmarcar la escena y la
perspectiva se ve en el suelo, llevando hacia el punto de fuga.
Otra obra relevante es la capilla del Palacio Medici, en el que se nota
lo galante, lo cortesano, el lujo… convirtiendo en protagonista lo
laico, aunque siga teniendo un mensaje cristiano. Resaltar la batalla de
San Romano, donde el artista se interesó por la perspectiva
geométrica, por la representación del movimiento.
Igualmente, destaca el Retablo
Barbadori, con un punto de fuga y
perspectiva muy próximo a la superficie del cuadro. Los personajes
cambian de paisaje de manera un poco forzada, pero el espectador está
inmerso rápidamente.
Piero della Francesca destaca también por el
Bautismo de Cristo, con colores cálidos, claros, con
austeridad de sentimientos, con contraste de la
rigidez de algunos personajes con la de otros. El
cuadro es una meditación sobre la humildad de Cristo.
Son formas simples y sencillas, sin intentar engañar al
espectador. Otra obra parecida es la Flagelación, donde
el tema principal se halla en un segundo plano, y en la
parte principal se halla el tema secundario.
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Andrea Mantegna será otro revolucionario en el arte del Renacimiento, limitado

en un primer momento a Florencia, pero posteriormente influenciado por estas
obras, lo que hace que en la segunda mitad del Quattrocento estas nuevas
fórmulas crearán una nueva visión de la pintura, que representa una de las
figuras más importantes, como es Mantegna, el máximo representante de la
Escuela de Padua, y que tendrá gran interés por la arqueología y las
antigüedades, con formación culta y humanista. Así, además de en Florencia se
desarrollan nuevos logros del Renacimiento. Destaca de Mantegna la Cámara de los esposos, de Mantua.
Mantua era una localidad muy culta, con un gran desarrollo del Humanismo.
La Cámara de los esposos es una cúpula que parece que está abierta al cielo,
como un trampantojo.
Igualmente, resalta el Cristo yacente se caracteriza por la pesadez,
profundidad… Es una témpera sobre tela. El punto de vista que colocará
Mantegna será muy bajo, haciendo que las figuras parezcan enormes. Se trata
de un escorzo (una parte se adelanta al resto, y parece que sale del cuadro). Se
trata de una escena de sufrimiento, pero con una gran vivencia. Cristo reposa en una piedra de mármol, y
cabe destacar el contraste de luz que manifiesta la tragedia. Igualmente, se ve el estudio anatómico del
acusado escorzo, con una anatomía bien estudiada y planteada.
Otro centro importante de este periodo será Ferrara, aunque
la Escuela Florentina será el mayor centro de experimentación.
Destaca Sandro Botticelli, que fue discípulo de Filippo Lipi, y,
aunque viva en el Quattrocento, su estilo es artificioso, que no
busca el realismo formalmente, prescindiendo de una
perspectiva que busque la verosimilitud, sin estilizar las figuras.
Sus cuadros tienen un sentido decorativo y ornamental,
buscando la belleza, y, así, evocando la tendencia anterior.
Como muestra la Primavera de Botticelli, para crear una especie de perspectiva, eleva la figura central para
tener una pequeña sensación de profundidad, aunque la naturaleza posterior sea plana. El pintor representa
con sensualidad y afecto, pero se ve la renovación de la pintura, con figuras flotantes y vestidos libres.
El pretexto de la Primavera es mitológico, pero es una alegoría de la vida civilizada, con un bosque oscuro,
pero ordenado y vertical, y figuras de colores claros, formando un gran contraste cromático. Las referencias
al mundo clásico se ven en la indumentaria, que remite a la Antigüedad, como en los paños mojados de
Fidias. Venus es la figura central, que divide la composición por la mitad.
Otra obra importante es el Nacimiento de Venus, la diosa
engendrada por la naturaleza, y representa el nacimiento del alma
cristiana, igualmente, es una idea neoplatónica de bondad. Se crea
una síntesis entre la mitología clásica y el mundo cristiano. Las figuras
están jerarquizadas con un personaje central que divide la
composición, sin apenas
perspectiva, debido a que el
fondo es plano…
Además de Botticelli, también es importante Pietro Perugino, el
maestro de Rafael, que trabajará en la capilla Sixtina antes de
Miguel Ángel. Fue el pintor favorito del papa Sixto IV. Una obra
muy conocida es la Entrega de las llaves a San Pedro, donde se
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ven arquitecturas propiamente clásicas, con arcos del triunfo a los lados, fachadas que llevan a un periodo
clásico, la búsqueda de una rigurosa simetría, debido a que la escena se desarrolla en el centro. El punto
de fuga se ve claramente en el edificio central, y todos los grupos de personas se hallan ordenados, en los
dos planos. El colorido y ropajes llevan a la Antigüedad, y se ve la importancia del paisaje, que es otro
protagonista más, junto a la figura humana. Cabe resaltar la isocefalia, puesto que todas las cabezas se
hallan en la misma línea, y todos los apóstoles están individualizados por sus rasgos.
Otro gran centro artístico es Venecia, con un gusto por la luz, lo
anecdótico, el color, tendiendo a una cabeza de caballete, es decir,
obras no muy grandes, y, destaca la técnica al óleo sobre el resto de
técnicas. Un gran autor veneciano es Giovani Bellini, que se interesa
por aunar el sentimiento religioso con la realidad de las figuras en el
espacio y en la luz, evidenciándose por el triunfo del color, además del
paisaje, como muestra la Agonía en el huerto de los olivos, que
muestra un estilo más colorístico, con ocres, azules, rojos… No obstante, su fama llegará por la realización
de unas madonas de distintas maneras.
1.2. El Cinquecento.
El siglo XVI representa la culminación de la experiencia iniciada en el siglo XV, con todos sus cambios y
nuevas propuestas para transformar el arte. Muchos artistas viajaron para aprender algo específico y
dejaron su impronta ahí. En el Cinquecento se asimila totalmente el lenguaje clásico y materializan
claramente, gracias a la interiorización de la individualización, la perspectiva… y se plasma en distintos
ámbitos.
Asimismo, también se reconoce el carácter científico del arte, que ya no sirve para contar historias o como
objeto decorativo, sino como objeto de estudio, análisis, reflexión, investigación, sistema comunicativo…
equiparándose con otras artes liberales como la retórica, la poesía… y se coloca al mismo nivel. Es un
momento de publicación de tratados y estudios del arte que permite conocer y profesionalizar al artista,
que se sitúa aún más en un estrato prestigioso de la sociedad, provocando una eclosión del mecenazgo y
del coleccionismo, no solo en Italia, sino en toda Europa, haciendo que el arte sea sinónimo de prestigio.
Hay un triunfo del lenguaje clásico, pero no solo formalmente, sino también sus valores, provocando una
estandarización. El mayor centro de arte pasa de Florencia en el siglo XV a Roma en este siglo XVI, debido
a los encargos papales y la importancia del mecenazgo de la Iglesia. Las personalidades que realizan estos
encargos también están mucho en relación con el Humanismo, como Julio II, que realiza propuestas para
renovar la Basílica de San Pedro. En el Cinquecento hay varias etapas, la primera es conocida como el
“alto Renacimiento”, en el primer cuarto del siglo XVI.
1.2.1. Arquitectura del Cinquecento.
En cuanto a la arquitectura, los artistas deben hacer nuevos edificios religiosos, pero también terminar
edificios comenzados en épocas anteriores. La planta principal es la central, para terminarlos con una gran
cúpula. Igualmente, la burguesía y nobleza requieren nuevos espacios urbanos, para que la magnificencia
esté en el mismo lugar que la gente que los encarga, al igual que las villas de campo se producirán de una
manera abundante, al igual que en el Quattrocento, pero con una escala y simplicidad mayor, donde la
belleza está en la estructura. Asimismo, influye también la obra de Vitruvio en la forma de construir.
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Donatto Bramante, formado en Milán, es el gran arquitecto de esta época, que

va a Roma justo en el cambio de siglo, formando una arquitectura monumental,
con limpieza de formas, rigor en los elementos clásicos, y solidez de los edificios.
En 1502 comienza el templete de San Pietro in Montorio, encargado por los
Reyes Católicos, y, de hecho, se encuentra dentro de la Academia de España. Se
conmemora el martirio de San Pedro. Es uno de los mayores exponentes
arquitectónicos. Tiene planta central, y está rematado por una gran cúpula
austera, con un tambor que remite a la Antigüedad, rodeado por una columnata
de orden toscano con un friso plenamente clásico, y bajorrelieves que narran la
vida y martirio de San Pedro. El templo recuerda a un tholos griego o un templo
romano.
Bramante es nombrado arquitecto por Papa II, y su labor más destacada es el derribo de la basílica de San
Pedro paleocristiana y la creación de una nueva, a través de una planta centralizada de cruz griega, cubierta
por una bóveda de medio cañón, y una cúpula con tambor clásico. Aunque no llegó a realizarse, se llevó a
cabo en la Iglesia de la consolación de Todi.
También realizó el Palazzo Caprili, con una doble columnata en el piso noble (primer piso), con mucha
sencillez y grandeza, que caracteriza a Bramante. Tiene muchos seguidores, como Peruzzi y su vía Farnesia,
o Antonio de Sangallo, que también quiso renovar San Pedro, con cruz latina y doble tambor.
Toma también relevancia Miguel Ángel en esta época, que destaca en todas las disciplinas, entre ellas
arquitectura, urbanismo, pintura, escultura… Miguel Ángel no elude
este compromiso con la arquitectura renacentista, que influirá en sus
seguidores. Al principio tiene una tendencia más clásica y sencilla,
como Bramante, pero luego experimenta y se aleja de esta línea. Fue
nombrado arquitecto de Julio II a la muerte de Bramante. Cabe
resaltar la Escalera Laurenciana, que da a la biblioteca, es renovadora
y se ve que la crea en distintos niveles, con espacios más tensos y
dramáticos, preconizando el Manierismo, la fase final del Renacimiento donde desaparece la sencillez y
equilibrio para dar lugar a dinamismo, tensión…
El Papa le encarga renovar la zona del Capitolio, y la ordena con un rigor simétrico y
procura que la plaza tenga una comunicación con el resto de la ciudad, con un gran
orden a través de las pilastras, enfatizando el sentido horizontal. Su obra más
significativa es la Cúpula de San Pedro del Vaticano, donde recoge la tradición de
Bramante, de la gran cúpula sobre el crucero con grandes muros y pilares, con pilastras
corintias y un efecto plástico y casi escultórico. Aunque la cúpula sea la gran
protagonista, otros elementos de la basílica le quitan protagonismo. La cúpula se basa
en una recreación fantasiosa del clasicismo, aunque sea una forma clásica, las pilastras y otras decoraciones
hacen una nueva reinterpretación de la arquitectura clásica personal e íntimo.
Esta vía abierta por Miguel Ángel será continuada por otros arquitectos que ven un referente en la manera
de construir, consolidando los valores clásicos con esta nueva transformación, llevando al Manierismo que
será el precedente del Barroco. Esta manera se seguirá también fuera de Roma, como en Florencia con el
Palacio Pitti.
Pero no todos los artistas aceptaron esta tendencia y enfocaron su arquitectura a la fidelidad normativa
clasicista. Vignola será un ejemplo, que, aunque trabaje en la segunda mitad del siglo XVI será más
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ortodoxo con las normas de la arquitectura clásica. Vignola hará el Tratado de las cinco órdenes de la
arquitectura civil, que tendrá gran resonancia.
Una de sus grandes obras será encargada por los jesuitas, la Iglesia del Gesù, muy diáfano para que todos
los fieles vean la ceremonia, y se convertirá en el modelo de la arquitectura católica de la Contrarreforma.
Se caracteriza por la poca presencia de elementos distorsionadores como columnas o decoración.
La difusión de los modelos arquitectónicos romanos se materializará en grandes obras fuera de la Corte
papal, como Venecia, donde habrá un gran desarrollo de esta arquitectura, como Sansovino Que da una
sensación clásica, pero con notas de la arquitectura de Miguel Ángel, como la acentuación de la verticalidad,
destacando la Biblioteca de Venecia.
Sin embargo, de Venecia el más importante es Andrea Palladio, el gran
conocedor de la arquitectura antigua y de su tiempo, cuya lección quiso
transmitir a través de su obra personal y su Tratado de los cuatro libros de
la arquitectura. En Vicenza remodelará un edificio importante, y destaca
sobre todo su arquitectura palaciega que será muy habitual, y destaca por
sus villas en la campiña toscana.
La Villa Rotonda es un gran ejemplo, con cuatro próstilos con frontones triangulares y escalinatas, cubierto
con una gran cúpula, que recuerda a la Antigüedad clásica. Este es el tipo de villa de Palladio, aunque
también es muy representativa su arquitectura religiosa, entre la que destaca en Venecia la de San Giorgio
Maggiore, y la Iglesia del Redentor, que muestra el orden gigante, la verticalidad y su empaque clásico, pero
donde encontramos ciertas licencias manieristas.
1.2.2. Escultura del Cinquecento.
La escultura de principios del Cinquecento se encuentra muy conectada con la arqueología y la mitología,
muy en boga en este momento. Destaca sobre todo la composición piramidal, los grupos escultóricos
cerrados y la búsqueda de acercarse al ideal humano. La gran personalidad es Miguel Ángel, cuya figura y
obra es una gran transformación, que inicia con la Antigüedad clásica y pasa a propuestas más turbulentas
y atormentadas, con mayor personalidad, llevando al concepto de terribilità.
Al inicio estudia la obra de los antiguos y de los escultores del Quattrocento como Donatello, centrándose
en el estudio de la anatomía humana, buscando plasmar el cuerpo hasta sus últimas consecuencias.
Dominando el cuerpo, dominó la actitud y el movimiento. Con treinta años ya era muy famoso por su
gran talento. Su carrera tiene varias etapas, representadas por grandes obras.
Un gran ejemplo de sus inicios, concretamente 1498, es la Piedad Vaticana, su
única obra firmada. Ofrece una visión de la Virgen con su hijo muerto en sus
brazos, un momento trágico que plasma con recogimiento. La Virgen es muy
joven, para representar mejor la idea de belleza y armonía. A pesar de ser una
historia trágica, no hay aún drama ni terribilità, pues es
una obra armónica y calmada, debido a que son sus
principios y no tiene su toque personal. Se ve la técnica
de los paños mojados, dando la dramatización con el
tratamiento de los ropajes, siendo lo menos pasivo de esta escultura. Se nota la
estructura clásica piramidal, de un triángulo rectangular, por lo que es un conjunto
cerrado.
En contraposición con la Piedad, su otra obra representativa es el David. Que es la
revalorización del canon clásico de la escultura, pues es una estatua colosal que
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sintetiza las ideas de belleza del cuerpo. La reflexión sobre el cuerpo humano y el
estudio anatómico se hallan plasmados, pero también la psicología y la fuerza del
personaje se encuentran concentradas.
A partir de 1505, abandona Florencia y se marcha a Roma por Julio II, que le encarga
realizar su sepulcro. Hace una estructura sólida con tres cuerpos, que no se llegó a
finalizar, solo creando una tumba mural de proporciones más reducidas. El proyecto
original partía de un plan neoplatónico que proyectaba una antítesis entre dos
mundos, el mundano, y el celestial, pero con un nivel medio que
representaba la vida contemplativa, donde se encuentra la estatua del
Moisés, que es un cautillo militar, pensador, contemplativo. Se ve el
recogimiento y la tensión que será característica de Miguel Ángel.
También destacan los esclavos que empiezan a retorcerse. Igualmente,
en comparación con la Piedad Vaticana destaca la Piedad Rondanini
y la Piedad Palestrina. Sus sueños de escultor se llevaron a cabo en la
Capilla Medici, que son dos
sepulcros, de Giuliano y Lorenzo Medici,
donde la simbología está muy presente. Se
representa sedentemente al enterrado, de
manera clásica, sobre los sarcófagos, sobre los
cuales se representan las figuras de los cuatro
momentos del día, la aurora, el día, la tarde y la
noche, con anatomías perfectas, hercúleas y
poderosas. Se definen aquí las bases de la
escultura manierista, con retorcimiento y
anunciando el Barroco.
Los demás escultores del
siglo XVI quedan muy por debajo de Miguel Ángel, y recogen esta referencia de
Miguel Ángel, con el desarrollo muscular, los ritmos espirales y dinámicos. Entre los
más representativos destacan Cellini, más orfebre que escultor, destacando su salero
para Francisco I, con grandes influencias de Miguel Ángel.
1.2.3. Pintura del Cinquecento.
En la pintura, al igual que en la escultura y la arquitectura, se recupera totalmente el espíritu clásico, con
nuevas técnicas como el sfumato, el claroscuro, acabando con la homogeneidad del Quattrocento, y se
produce una alta concentración de genios, como Leonardo, Rafael, Leonardo, Giorgione, y un joven
Tiziano. Lo más destacado será la imagen religiosa y el retrato, aunque se dan otras pinturas también.
El primer pintor de esta generación es Leonardo Da Vinci, uno de los grandes
maestros de la historia del arte, y pionero del Renacimiento pleno. Además de ser
pintor, destaco en varias ramas científicas y Humanistas, como la ingeniería, la
botánica… Su formación comienza con el escultor Berrochio, y desde pronto
comienza a experimentar con las técnicas pictóricas. En sus primeras obras bebe de
la tradición, de los esquemas piramidales, de la amabilidad de la representación.
En Milán, con los Sforza, realiza su famosa Virgen de las Rocas, de la que hay varias
versiones, con una composición básica piramidal, con relación entre las figuras
evidente, y comienza a consagrarse a la técnica del sfumato, que es la veladura que
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hace que el paisaje se difumine y obtenga, sin embargo, una gran profundidad, lo que hace también que
los rostros se redondeen y que las líneas se dulcifiquen. En la representación también hay una unión con
la psicología de los personajes.
En Milán también se encuentra su Última Cena, en la que se ven
las luces frontales, y que acusan la perspectiva con las tres ventanas
del fondo. Igualmente se ven las características y psicología de los
personajes. La composición es totalmente
simétrica, siendo Cristo el centro de la
composición, y con la ventana central le da
un aura celestial. Los apóstoles están ordenados en grupos de tres.
Otra obra importante es la Gioconda, que es seguramente la obra de arte más
conocida. La modelo parece ser la mujer de un importante comerciante florentino.
La obra tiene un gran halo de misterio desde hace siglos. Cabe resaltar que la
composición hace que siempre esté mirando, además de la sonrisa misteriosa, con
una expresión que no se sabe bien que gesto hace. El sfumato es clave en esta obra,
el paisaje va desapareciendo, pero aún así se ve el paisaje. Asimismo, se ve la
composición triangular, aportando equilibrio.
Esta nueva forma de entender el arte será fundamental. Uno de los pintores que
recoge la influencia de Leonardo será Rafael, que destacará por la pintura de la
luminosidad, que vendrá muy bien para el mundo cristiano. Aunque sean asuntos
religiosos, será necesaria una humanización idealizada. La visión de Dios en Rafael,
será sublime a través del hombre.
La Virgen del Jilguero es una obra muy
importante, pero sus pinturas para el
Vaticano será lo más representativo. Eran
unas estancias comunicadas entre sí, encargadas por Julio II,
durante las dos primeras décadas del siglo XVI. La primera fue la
Escuela de Atenas, que refleja bien los acontecimientos históricos,
con una gran sublimación, y de gran tamaño. Tiene un único punto
de fuga, con el arco al final, que muestra la influencia de su mentor, Perugino. También la arquitectura
reflejada recuerda a Bramante, y las bóvedas de medio cañón, que reflejan una arquitectura clásica, a lo
largo de las bóvedas se abren galerías que reflejan el clasicismo.
Una escultura es Apolo (orden, armonía, razón) y Atenea (sabiduría, artes, estrategia), también se
representan filósofos, matemáticos, artistas… pero todo con la visión del mundo renacentista que ofrecía
Miguel Ángel. Al centro aparecen Platón y Aristóteles, que representan las tendencias filosóficas del
momento (neoplatonismo). Platón, con rostro de Leonardo, apunta al cielo, por la teoría de las ideas. A
su lado está Aristóteles, que sujeta en su mano la Ética, mostrando su teoría de la realidad dual. Destacan
también Heráclito, reflejado como Miguel Ángel, Diógenes, de la escuela cínica y famoso por su desinterés
de la sociedad, Sócrates, Pitágoras, e incluso Averroes.
Todos están representados en grupos perfectos y simétricos. Genera un semblante de la cultura del
pensamiento de todos los tiempos. No se ve la naturaleza, sino el orden y el pensamiento, simbolizado
por la arquitectura clásica perfecta, y con figuras monumentales, encarnando ese mismo principio. Cabe
resaltar como incluye artistas en la obra, que muestra la necesidad de demostrar la importancia de los
artistas en la sociedad, así pues emplea las técnicas de artistas de su época.
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Otras obras de Rafael son la Estancia de Heliodoro, la del Incendio… en

esta última hay un retorcimiento que muestra un desarrollo más importante,
donde la armonía y el equilibrio dan paso a otras expresiones, con mucha
actividad, surgiendo un protomanierismo. Las formas no están idealizadas,
no hay simetría, y hay desnudos, siendo una gran influencia de Miguel Ángel.
Miguel Ángel
también será fundamental en la pintura,
con la bóveda de la Capilla Sixtina,
sustituyendo una pintura azul con estrellas
pintadas, del cielo místico, y creará un
importante juego de propuestas. La
historia se desarrolla desde el Diluvio
universal, hasta la Creación de Adán. También hay profetas y sibilas, personajes que ayudarán a contar más
de lo contado habitualmente.
A partir de aquí, en esta misma estancia, con el nuevo lenguaje cinquecentista,
destaca el Juicio Final, que culmina la estancia. Es una visión atormentada,
apocalíptica y trágica de lo que Miguel Ángel sentía en ese momento, con un
torbellino de cuerpos que se retuercen. A la izquierda aparecen los salvados, y
a la derecha los condenados por un Cristo juez. Se muestran posturas
inimaginables, retorcimiento, sufrimiento… lo que difiere mucho de la bóveda
de esta misma capilla. A pesar de todo, aún así
se representa el clasicismo a través del desnudo,
aunque lo más importante es este dramatismo,
característico del Renacimiento desarrollado.
Fuera de Roma, hay otros centros importantes, como Venecia, que se
convierte en otro punto de reflexión del Cinquecento, y resalta en el campo
pictórico. La pintura veneciana es importante por la representación del
color, para conseguir la armonía en la composición, generalmente con
asuntos idílicos y pastorales. En Giorgione, que solo tiene atribuidas cinco
obras, el paisaje es casi un protagonista. Destaca Giorgione, con su
Tempestad, que quiere que el paisaje y los protagonistas compartan sentimiento, y cuenten algo concreto.
El mensaje de la Tempestad no ha sido definido exactamente, pero llama la atención por la recreación de
una atmósfera que representa el título, conseguido por un colorido y con todo en relación con el paisaje.
Todo es tranquilo, y todo tiene la misma atmósfera y sentimiento, con una asimilación de todas las partes
del cuadre, consiguiendo un conjunto. Es importante para la perspectiva el uso del color dramáticamente.
La pintura de esta época ya no será tanto dibujo, sino color. Giorgione también fijará el modelo de belleza
femenino, con su Venus clásica.
Tiziano recoge bien las influencias de Bellini y Giorgione. Tiziano
maneja el color con la misma maestría y pulcritud, absolutamente
destacable. Usa el color, la luz y el aire para unificar las escenas, y seguirá
bebiendo de las fuentes de la Antigüedad, pues sus obras nos permiten
repetir escenas y modelos. El desnudo suele ser protagonista de sus
obras, como muestra su Bacanal. Tiziano muestra varias fases en su
obra, y, fue pintor de Carlos V.
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Como pintor de Carlos V, destaca la Batalla de Mülhberg, donde muestra la

psicología del retratado, además del parecido con el retratado. Representa un
rey magnánimo y victorioso. Se muestra que ya no es tan importante la luz en
la representación, sino para dar dramatismo. El caballo representa el territorio.
Carlos V y su caballo ocupan casi toda su representación. Y hay una inspiración
clásica. El cuadro, con la armadura brillante, muestra al rey como un héroe
absoluto y un defensor de la cristiandad, atacada por el protestantismo.
La Venus de Urbino es una de las obras cumbre de Tiziano, y bebe de la
tipología iniciada de Giorgione. Es la tipología de las venus de Tiziano. A sus
pies aparece un perro (símbolo de la fidelidad), y en la parte de
tras encontramos a una niña junto a una ama de llaves (símbolo
de la maternidad). Esta tipología se prolonga a lo largo del
tiempo, como la Olympia de Manet (siglo XIX).
En resumen, Tiziano dentro de la propuesta veneciana enfatiza
el color, y muestra la evolución del Renacimiento, concretándose
una serie de elementos que evolucionan, quitando
homogeneidad a la luz y metiendo más
contraste…
En Europa se toman ideas renacentistas y se combinan con el sustrato local. Da
Vinci estuvo en Francia, lo que hizo que su arte influyera, al igual que en los Países
Bajos, donde se encuentran influencias de artistas como Miguel Ángel o Rafael,
además de la influencia de la pintura flamenca. En Alemania, Alberto Durero será
el artista más influyente.
En esta composición de Durero, su autorretrato, mezcla el
lenguaje plástico italiano con el mundo centroeuropeo, dando mucha importancia a
la armonía, proporción, equilibrio… y también al dibujo. Se ven los rasgos
fundamentales de Leonardo, junto a la tradición alemana.
El Adán y Eva de Durero muestra la evidente influencia clásica, pues Adán parece
un Apolo, y Eva una venus. Se ve ese gusto de Durero por la Antigüedad, la
naturaleza… como fuente de inspiración.
En España, hay un contacto estrecho con Italia, pero se mezcla con el sustrato
anterior medieval. En España la decoración es muy importante en el Renacimiento, dando lugar al estilo
plateresco, la asimilación del Renacimiento donde lo trascendental da lugar a algo diferente. Un ejemplo
es la Universidad de Alcalá de Henares. Posteriormente se depura y da lugar a un estilo más evolucionado.
En escultura pasa algo parecido, y en pintura.
En definitiva, el Renacimiento fue una corriente que buscó recuperar el modelo clásico, con una
asimilación gradual en las dos grandes etapas que hemos visto, y, donde predomina la recuperación de un
esplendoroso pasado y floreciente. En estos inicios de la Edad Moderna representaba la búsqueda de la
perfección perdida en la Edad Media. Nunca fue una copia de la Antigüedad, sino una revisión de sus
ideales.
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TEMA 2. Arte Barroco.

2.1. Características del Barroco.
Del Renacimiento al Barroco se da una evolución paulatina, conformando un nuevo estilo. La cuna del
Barroco sigue siendo Italia. Se desarrolla entre los siglos XVII y XVIII. Este arte refleja la situación
europea, caracterizada por la Contrarreforma, la tensión, la guerra, la violencia… La Religión necesita
fervientes seguidores, con historias de la Biblia, las hagiografías (vidas de los santos), buscando atraer a la
mayor cantidad de fieles contrarios al protestantismo, que estaba realmente llevándose a muchos fieles
consigo. La inspiración del Barroco llega del mundo de la Corte también, buscando mostrar el poder, y,
convirtiéndose el Barroco en un arte oficial de Estado. Su pretensión principal es suscitar la emoción (el
fervor en el caso de la religión).
El Barroco es un arte claramente propagandístico, de los Estados que buscaban una glorificación política
y religiosa. El Barroco es un arte heterogéneo, donde hay fundamentalmente tres corrientes: la tendencia
barroca de estilo turbulento y gran vitalidad (Bernini), la tendencia más clásica (Clasicismo barroco),
derivada de los Carraci, es un estilo dramático, pero más frío (Poussin), y una tendencia realista, con la
elección de temas bajos (Rembrandt).
Durante todo el siglo XVII estas tendencias van a convivir, con mayor o menor fortuna. Al principio, la
tendencia plenamente barroca será la predominante, pero hacia 1640 entra en juego la tendencia más
clásica, y con Caravaggio, el realismo será fundamental.
La característica principal del Barroco es la importancia del naturalismo, la búsqueda de la verosimilitud,
dejando al lado el equilibrio, la simetría, y la búsqueda de la belleza ideal, dejando de idealizar. Los temas
tradicionales, mitológicos y retratos se darán, pero bajo una óptica diferente. Igual de importante es el
paisaje, y también tienen importancia la naturaleza muerte y la pintura de género (de vida cuotidiana).
Destaca una importante preocupación por expresar las emociones, y la idea de reflejar el espacio infinito,
extendiendo el espacio más allá de lo que ocupa la escena, así, surgen más trampantojos y engaños ópticos.
Cobra gran relevancia el movimiento, vinculado al drama, buscando el desarrollo de las formas, siendo
una de las líneas fundamentales de la expansión del arte barroco, y dándose en todas las tendencias. La luz
será el principal medio de expresión de los que se va a servir el Barroco, y estará vinculado con el
naturalismo, y será fundamental para buscar la expresión y el dramatismo. Tanto la luz como su ausencia
mostrará lo sobrenatural y lo divino.
2.2. Arquitectura barroca italiana.
La Arquitectura barroca no es una ruptura tajante con el Renacimiento, pero si tiene sus novedades. Se
caracteriza por el movimiento, con fachadas “que se mueven”, hacia adelante y hacia atrás, con contrastes
de luces y sombras, que hacen que el edificio tenga distintos aspectos según la hora del día. La arquitectura
barroca empleará desniveles, escaleras, distintas perspectivas, surgiendo distintos puntos de vista y
visiones. Se tiende a lo teatral, pues el Barroco busca la emoción, el dramatismo, lo espectacular y lo teatral.
Característica es la profusa decoración, abundante, basada en la naturaleza, imitando rocas, llamas, chorros
de agua, espuma… todas estas cuestiones reflejadas en la naturaleza, en los edificios. Hay una relación con
el espacio que lo circunda también en la arquitectura, teniéndose en cuenta la realidad del terreno que
rodea el edificio para buscar la nueva perspectiva y las nuevas visiones, perdiendo la autonomía del edificio
solo.
Roma había sido el gran centro, donde se experimentó un gran desarrollo urbanístico, pasando de una
antigua ciudad pagana en una ciudad cristiana. Este plano urbanístico de la Roma moderna va a ser
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retomado durante este periodo, creando importantes plazas como la de

San Pedro, la del Popolo, la piazza Navona, que es un gran centro de la
vida cuotidiana romana.
La piazza de San Pedro, de Bernini, es un espacio fundamental.
Buscaron una plaza que simboliza que unos brazos acogen al fiel. La
plaza es tan grandes dimensiones para que cupieran el mayor número
de fieles. Tiene una parte elíptica
que simboliza eso, y permitiera
que los fieles pudieran ver la fachada y al Papa. La gran columnata
que rodea el espacio es de gran importancia. La piazza de España es
una obra de perspectiva, con su escalinata que conecta la plaza con
la Iglesia. Va a ser algo muy habitual en este momento.
Al margen del urbanismo, la arquitectura barroca de Roma serán las
bases de la arquitectura barroca en Europa, e incluso en Sudamérica. Hay un empleo masivo de la columna
como elemento fundamental, como elemento decorativo de la fachada y para crear efectos de perspectiva,
de luz… las iglesias y palacios se enriquecerán con mármoles, mosaicos… con elementos ricos, en suma.
Las construcciones más frecuentes serán las iglesias, donde habrá una gran diversidad de plantas, siendo
la típica la de una sola nave, y con una gran cúpula en el crucero, como la de la Iglesia del Gesù de Roma,
de los jesuitas, aunque habrá gran variedad de plantas.
Hay dos arquitectos fundamentales: Bernini y Borromini. Aunque el origen de todo está en Carlos
Maderno, que llega a Roma en el pontificado de Sixto V y terminará la basílica de San Pedro, cambiando
la cruz griega por cruz latina, siguiendo la idea del Concilio de Trento, que será fundamental en estas
nuevas concepciones. El cambio de planta se da para que entrara el mayor número de gente posible, debido
al aumento de espacio.
Bernini destaca en arquitectura y escultura, y tendrá un gran papel con el pontificado de Urbano VIII. Es
el gran protagonista junto a Borromini de la Roma barroca, y busca una poética que
resalta la conmoción, el dramatismo, la sensación… Bernini empleará materiales
nobles, como el mármol, en contraste con Borromini que utiliza materiales pobres.
Bernini también busca el espectáculo.
Los trabajos de Bernini serán los encargados por el Papa y las familias nobles. Se
basa en modelos clásicos, pero con columnatas dinámicas. Ente sus primeras obras
destaca la iglesia de Santa Bibiana, que sigue la tradición, pero coloca un piso sobre
una logia abierta, y con el centro de la fachada con
mayor énfasis, más hacia fuera.
Aunque su etapa de esplendor será cuando se le encarga el Baldaquino
de San Pedro. Cobra importancia la columna salomónica, retorcidas.
Con un tamaño gigantesco y el colosalismo que
muestran el cambio de la sencillez de los primeros
cristianos, con una visión que muestra el triunfo de
la cristiandad frente al mundo pagano, con tanta ornamentación.
Una iglesia importante es San Andrea de Quirinal. Bernini intenta enfatizar la idea de
santuario, para que el templo sea un lugar de devoción más que de reunión, de
religiosidad íntima. Tiene una rotonda elíptica que muestra el dinamismo. En la
arquitectura civil también destaca, aunque menos que en la religiosa, como el Palacio
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Barberini, o la fachada del Palacio de la Propaganda Fide, remodelando un palacio viejo. El Palacio
Ludovisi y el Chigi, además de sus proyectos para el Louvre son importantes, aunque este último no se
llevó a cabo.
Borromini es una personalidad complicada, un hombre desequilibrado y violento,
que trabaja primero como escultor a las órdenes de Maderno, e incluso ayudó a
Bernini, pero posteriormente tuvieron un enfrentamiento artístico. Su arquitectura
tiene una premisa propia, representa un cambio importante en la tradición,
rompiendo con ella, quitando la armonía y el equilibrio. Sus obras son de pequeñas
dimensiones y de materiales modestos, y sus formas geométricas están regidas por
lo simbólico.
San Carlos de las Cuatro Fuentes es una de sus obras más significativas, encargada
por los Trinitarios españoles. Su fachada representa ese nuevo
concepto del movimiento y el dinamismo, donde la luz y la decoración tienen
protagonismo. En San Ivo della Sapienzia, se ven formas geométricas y estrelladas.
Pietro da Cortona también es importante, con mayores referencias clásicas, aunque
buscando el movimiento y sin querer cerrar el edificio. Fuera de Roma destaca en Turín
la Capilla del Santo Sudario de Guarini, que representa la tradición barroca de Borromini,
incorporando un lenguaje propio e incluso elementos góticos.
2.3. Escultura barroca italiana.
Para Bernini la escenografía será de vital importancia. Será el gran representante de
las características de la escultura barroca, empleando la curva, la multiplicidad de
planos, sin un punto central, sino con muchas perspectivas. Todo se retuerce con
gran frenesí, y representa el apasionamiento de las formas. Los materiales preferidos
son el mármol y la piedra, y en menor medida el bronce. Hay un gran sentido del
virtuosismo para plasmar la obra, y en las modulaciones de la forma tendrá gran
importancia los contrastes entre luces y sombras, debido a que
la luz será el gran protagonista del Barroco, con claroscuros y
distintas tonalidades.
Su trayectoria ofrece varios periodos: uno primero, en el primer cuarto del siglo
XVII, con influencia del periodo anterior en los temas, la mitología y lo religioso.
Pero este ímpetu barroco está presente en la primera etapa, como en su San
Sebastián o San Lorenzo, ambos en pleno martirio, con líneas dinámicas que
marcan la figura. Apolo y Dafne es un gran ejemplo, está justo en el momento en
el que Dafne se va a convertir el laurel, mostrando la
metamorfosis con las ramas, las formas ondulantes,
ropajes que quieren escapar del espacio de la obra… El
David muestra bien los distintos puntos de vista, la tensión absoluta del
momento en el que lanza la onda, y un gran realismo, por ejemplo, en el
movimiento del labio o las distintas texturas.
A partir de 1624 comienza otro periodo, con obras como Santa Bibiana, que
narra la sensibilidad típica del siglo XVII, con la caída suave de los ropajes, o San
Longinos, que abre los brazos para que tenga más dimensión en el espacio. Todo
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está compuesto de una manera dramática. También

realiza sepulcros, como el de Ubrano VIII, iniciando una
nueva tipología funeraria, en el que ensaya con las
posibilidades de la luz, que caen sobre este monumento.
Aquí empieza su época de madurez, y realiza su obra más
destacada, que es el Éxtasis de Santa Teresa, un auténtico
teatro en el que narra la escena, la transverbación de la
santa, muy atormentado y dramático, justo en el
momento en el que el ángel llega y la va a atravesar con la flecha, mostrando
dolor, estupor y placer, debido a la unión con lo divino. Su túnica se mezcla con el viento, recreando
pliegues, retorcimientos, que le dan mucho dinamismo. Dentro de la capilla se muestra la teatralidad del
Barroco, con la familia que encargó la obra en una especie de palco teatral, con la idea del Barroco como
teatro del mundo. Destaca igualmente la gran importancia del juego de luces, con una luz dirigida, con
pliegues, luminosidad y claroscuro.
De esta época también es el Baldaquino de San Pedro. En los últimos años Bernini se vuelve más clásico,
mucho más austero. Sus esculturas ya no tienen tanto dramatismo, pero siguen siendo de gran calidad, y
sigue mostrando un sentimiento profundo.
2.4. Pintura barroca italiana.
La pintura tendrá dos grandes líneas, una más clásica que bebe de Rafael, Miguel Ángel… pero con más
teatralidad y dramatismo. Esta será la que tome como origen la gran bóveda del Palacio Farnesio. De otro
lado, resaltará una pintura representada por Caravaggio, más naturalista, puesto que pretende representar
la realidad tal como es. La importancia de la luz, dramática, será fundamental, siendo el eje de la
composición, con muchos claroscuros, y esta será la que tendrá más influencia en España.
Caravaggio será el gran maestro que influirá a otros grandes, como, de algún modo, Velázquez. Caravaggio
tuvo una vida muy tormentosa, incluso se dice que cometió un asesinato y estuvo en la cárcel. Pero va a
ser quien apueste por la fuente de inspiración de la realidad y la calle, y en ningún caso intenta idealizar la
realidad. Los santos para él pueden ser mendigos, campesinos… los ángeles los golfillos de las calles, niños,
y la Virgen puede ser cualquier mujer. Aunque esto no quita que sus escenas tengan un importante
sentimiento religioso.
Fue el iniciador del tenebrismo, que destaca las figuras iluminadas sobre un fondo oscuro, resaltando los
contrastes entre luces y sombras. Cuando Caravaggio hace este contraste entre luces y sombras quiere
centrar la atención del espectador donde él quiere, además de la luz como valor simbólico, que procede
del exterior del cuadro. Por ejemplo, en la Vocación de Mateo, la luz no entra por la ventana, sino por
fuera del cuadro, obteniendo un sentido metafísico.
Su trabajo se distingue varias fases, la primera se inicia a
finales del siglo XVI, y se centrará en hacer obras de
carácter mitológico y bodegones. Un ejemplo es el Baco
enfermo, que representa un mancebo musculoso pero
amarillento, que narra su enfermedad. Posiblemente es un
autorretrato de un periodo de enfermedad, con una pose
retorcida, posiblemente debido a un espejo que necesitó
para retratarse. Es una obra de su primera etapa, pero
muestra mucho realismo. Otra obra es el Muchacho mordido por un lagarto,
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empleando un hecho anecdótico para desarrollar la escena. De esta época también es el Baco que hace
para los Uffizi, que también es realista.
En 1600 iniciaría una segunda etapa en su carrera, con la representación
de temas religiosos, pero tratándolos como de vida cuotidiana, como la
Eucaristía, la Cena de Emaus, en la que los discípulos reconocen a Cristo
resucitado, abordada desde la vulgaridad, con personajes de la calle, sin
sofisticación. Esto le hizo vivir mucha controversia y problemas, incluso
con la Iglesia, a pesar de que colaboró mucho con ella. Cabe destacar el
personaje de espaldas, que será un recurso que
emplee frecuentemente.
Otro tema muy tratado por él fue la Conversión de San Pablo, que fue tirado del
caballo por la luz de Cristo, narrando la conversión de un hereje. Importante es la
luz en este cuadro. El punto álgido se repite en pintura, con el momento crucial en
el que cae el caballo y la luz divina en contraste con el fonde oscuro está presente.
Parece una escena vulgar con un soldado caído del caballo.
Tiene importancia la solidez de la figura, y los límites parecen
oprimir la escena.
Igualmente importante es la Crucifixión de San Pedro,
un anciano con un cuerpo musculoso, debido a que es
la piedra sobre la que se edifica la Iglesia cristiana. El
hecho no narra del todo el dramatismo, pero cabe
resaltar las diagonales de la composición. Pero la obra mayor de
Caravaggio es el ciclo de pinturas dedicadas a San Mateo, donde mejor se
expresan todos los principios fundamentales de Caravaggio. En la
Vocación de San Mateo se muestra bien el contraste de luces y sombras,
entrando la luz desde fuera de la escena y no desde la ventana. Los
personajes están vestidos a la manera del siglo XVII, para que los
espectadores se vean más representados. Parece una escena de taberna cuotidiana.
El Martirio de San Mateo también muestra esas diagonales y la plasmación de los tipos populares, u otro
cuadro de esta serie, en la que aparece su postura casi en equilibrio, perdiendo la armonía. Esta será la línea
principal de pintura del Barroco. Tendrá una gran influencia en otros artistas
posteriores.
La otra línea barroca será la representada por Aníbal Carracci, de una familia
de pintores que se caracteriza por el dibujo, y fundan la Academia de los
Deseosos, para formar en el Humanismo. Tiene una gran influencia
renacentista, pero con algo de dramatismo y retorcimiento. Tendrá un gran
calado en los círculos más prestigiosos y será muy reconocido.
Aníbal Carracci fue llamado a Roma por el cardenal para la renovación del
palacio. Muestra la historia de los dioses mitológicos, con escenas barrocas por
su dinamismo, movimiento, las escenas aparatosas y contorsionadas, y el uso de motivos ilusorios, como
trampantojos, que crearán un gran estilo en el Barroco. Esto entroncará con el Rococó del siglo XVIII, y
está en relación con la Iglesia. Pietro da Cortona será otro representante de esta línea.
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2.5. Barroco en Francia.

En el resto del continente, el Barroco incide en varios territorios, sobre todo en Francia, el país más
poderoso en ese momento, en el que remplaza a España como hegemónico, y tras las guerras de religión
toma importancia con el reinado de Enrique IV, casado con una
Medici, que le influye artísticamente. La monarquía necesita el arte
como herramienta de propaganda del prestigio francés. Como primer
objetivo quiere enriquecer París, que será el foco de atención
geopolítico y económico, por lo que su semblante tiene que reflejar
este poder. Entonces se crea una nueva arquitectura para crear una
ciudad compleja, muestra del poder de Francia.
Se realizarán varias actuaciones, comenzando el Barroco en Francia como un arte oficial, al servicio de la
monarquía porque su lenguaje servirá para decidir el poder de Francia y su monarquía. Al contrario que
en Italia, en Francia destaca la arquitectura civil, como castillos, y palacios reales, empleando el ladrillo que
permite construir con rapidez ese tipo de construcciones. El rey convierte París en un escenario para su
glorificación y su propaganda, surgiendo las plazas reales, plazas insertadas en toda la ciudad y que
responderán a unas premisas comunes. El mayor ejemplo es la Plaza de Vosgos, con un gran clasicismo.
Todas las plazas suelen colocar una estatua real. Se hallan edificios gemelos, donde encontramos dos que
resaltan, el pabellón del rey y el de la reina.
Los descendientes de Enrique IV, Luis XIII y Luis XIV, sientan
las bases de la arquitectura palaciega francesa. La característica
principal es un cuerpo central con dos alas, hacia adelante (planta
de U), o hacia adelante y hacia atrás (planta de H), y tienen un
gran espacio ornamental,
pero perdiendo la
importancia de las
columnas y semicolumnas. Un buen
ejemplo es el Palacio de Luxemburgo,
donde se halla actualmente el Senado
francés. Su arquitecto es Salomon de Brosse. Destaca igualmente el Castillo de
Blois, con un pabellón central que une un ala, que muestra la sobriedad y la
mesura. Destaca sobre todo el ala Orléans. Destaca otro gran arquitecto en el
castillo de Rond d’eau, que es un gran precedente de Versalles. Se trata de un arte mucho más refinado
que el de España.
Luis XIV se traslada a Versalles, donde establece la corte, para alejarse de París. En Versalles había un
pabellón de caza, y tuvo que desarrollar una serie de actuaciones arquitectónicas que mostrasen su poder,
y estos espacios se fueran ampliando. En esos cambios trabajaron los otros arquitectos, sobre todo Louis
le Veau. Mansard añadirá dos salas muy prolongadas para conseguir mucho espacio, y una extensión muy
significativa. Se creará una capilla, con una gran tribuna para que el rey esté de frente al altar, pero los fieles
de espaldas y mirando al monarca. De gran importancia son las zonas ajardinadas.
Habrá muchos espacios para rellenar, lo que hará que exista la necesidad de elementos de obra, como
puede ser Apolo y las Ninfas, de François Girardon, que entrelaza al Dios mitológico con el monarca.
Aunque retrotrae a la Antigüedad, se ve la influencia barroca. El retrato de Luis XIV, de Antoine Coysevox,
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en el salón de la guerra, donde se ve a Luis XIV a caballo en estuco, representando

el triunfo de la monarquía francesa, elevada a una categoría divina.
El gran protagonista del siguiente momento será Philippe de Champagne, muy
realista, que busca representar lo que ve, muy en consonancia con Caravaggio, con
personajes con un aire grave y austero, el ejemplo es el retrato del cardenal
Richelieu. Se trata más de un político osado que de un clérigo amable. Otro retrato
muy destacado del cardenal Richelieu es otro de Champagne que es un precedente
del cubismo, pues descompone la imagen para ver todos los prismas del personaje
en los que se puede intervenir.
No obstante, el que mejor sigue la línea de Caravaggio será Georges de la Tour, con
mayores contrastes de luz, con modelos cogidos de detalle, como en su Magdalena
Penitente, que mira a un espejo que refleja unas velas, pues el espejo es un gran
recurso barroco. Pero en este cuadro lo importante es que la luz sale de dentro del
cuadro, al contrario que Caravaggio. Suelen ser obras de uno o dos personajes, aunque
hay más con más artistas.
Sin embargo, hay también una línea clásica en
arquitectura y escultura, y también en la pintura, en la estela de Aníbal
Carracci, con una visión clásica, entre los que destacan Nicolas
Poussin, y Claude Lorrain. Poussin vivió en Italia y bebió de las
influencias de los renacentistas, pero muestra el movimiento y la
soltura barroca. La primera etapa se caracteriza por la organización de
obras y muchas bacanales, lo que le permitía representar los instintos,
lo sensual, las adicciones, y el paisaje se convertirá en su reclamo absolutamente preferido. Al final, más
relamida destaca el Descanso a la huida a Egipto.
Claude Lorrain también ejercerá en Italia, con contactos con la aristocracia,
y para él la naturaleza será su fuente de inspiración, siendo un gran
paisajista, con pintura de intuición, y haciendo que la naturaleza se exprese
a través de la luz, con crepúsculos,
amaneceres… Se acerca mucho a los
puertos, debido a que el agua le
permite jugar con los reflejos de la luz,
como en el Embarco de Santa Úrsula, que se trata de una idealización
del paisaje. Otro ejemplo es el Paisaje con Noli me Tangere. Estos
autores, en definitiva, creen que el paisaje es el verdadero protagonista
de las historias.
Este Barroco francés clásico evoluciona al primer Rococó, una vuelta de tuerca
más al mundo barroco, con escenas galantes, costumbristas, mitológicas,
recursos teatrales y escenográficos barrocos, en ambientes idílicos y bucólicos.
Uno de sus representantes es Antoine Watteau, un hijo de un artesano que se
instala en un taller y desarrolla algunas de las obras más importantes del
Rococó. Las escenas galantes tenían mucho que ver con lo que ocurría en la
corte y en la vida cortesana, con importancia de la naturaleza.
La representación teatral será característica de su pintura, recogiendo a los
personajes de la cultura italiana, como en el caso de Gilles, que muestra el gusto por la representación, y
23
la plasmación de una obra que tiene que ver con lo teatral que inspira a estos maestros de la pintura.
Watteau representa por tanto esta nueva tendencia de transformar lo que sucedía. El Gilles iba a estar en
un cartel de una cafetería. Aunque la figura ocupe casi todo el lienzo, como una marioneta, el paisaje sigue
siendo importante debido a que posibilita que se desarrolle así. Todavía conserva muchos rasgos barrocos
clásicos franceses, distinto al tenebrismo de la corriente italiana. Es un gran dibujante, con personajes
perfilados. Tiene un horizonte bajo, colores pasteles claros.
Otro gran pintor, que se conoce por sus retratos de Madame de
Pompadour, es François Boucher, que se inspira en Rubens y en
Watteau. El color recuerda a lo más vivo de Rubens, con una gran
diferencia con respecto a Watteau, con una gama cromática mucho
más viva, pero su pincelada es pulida y cuidada, realmente detallista,
sin dejar nada a la casualidad. Diana saliendo del baño es una de sus
obras, donde muestra el desnudo femenino, con la diosa y sus
elementos iconográficos que la reconocen, y acompañada de una ninfa. Tuvo una carrera muy exitosa
debido a la admiración de Madame de Pompadour. La obra tiene mucho lujo y suntuosidad. Cabe resaltar
su posicionamiento en la naturaleza, pero la aparición del cortinaje, que contrasta con el cuerpo de la diosa.
2.6. Barroco holandés.
Fuera de Francia, en los Países Bajos destaca una de las figuras más importantes del Barroco, de la escuela
flamenca, que destaca por encima de los demás, Rubens. Se caracteriza por la exuberancia y la sensualidad,
e influye a estos autores anteriores. Bebe de la pintura clásica, pero sobre todo de Tiziano, que, como buen
veneciano, era conocido por el color. Este color está muy presente en su trabajo. Rubens va a tocar sobre
todo temas religiosos, históricos, mitológicos, los paisajes, los retratos… por lo que será bastante completo
en la oferta de sus obras. Fue un pintor que desarrolló la mayor parte de su carrera en los Países Bajos,
pero tuvo un gran éxito internacional, siendo el pintor favorito de Felipe IV, que fue uno de sus grandes
clientes.
Conocer la Antigüedad y el Renacimiento le hacían casi un humanista, un hombre que volvía la mirada
atrás para recuperar ciertos aspectos. En los Países Bajos siempre se habían dado obras de pequeñas
dimensiones, y Rubens hace todo lo contrario, e integra a los
personajes en la naturaleza y en el contexto, lo que lo hace
plenamente barroco. No obstante, Rubens rechaza los contrastes
de luz típicos de Caravaggio. La luz en sus obras no es solo la
iluminación, sino que es una protagonista. El lienzo tiene gran
profundidad y lleva a un espacio real. Se establece en Amberes
tras sus viajes.
Su trabajo, bastante prolífico y
extendido, se puede dividir en varias etapas. El Jardín del Amor, pertenecería
a alguno de sus primeros trabajos. Se observa la emotividad, la visceralidad,
y la alegría típica de Rubens, que lo suele relacionar con la felicidad y las ganas
de vivir.
También en sus primeras etapas hace un ciclo decorativo para María de
Medici, como el retrato de María de Medici a Enrique IV, su esposo. Con
alegorías y personajes religiosos que presentan al rey quién será su futura
24
esposa. Es una obra imaginativa barroca al límite, con un sentido extremo de la

decoración dramática y teatral, con su escenografía, y un lenguaje simbólico y
alegórico.
Tras la muerte de su mujer, se vuelve a casa con Elena Fourment. Es una época
en la que está enfermo y mayor. Ya había tenido un gran éxito y sus cuadros que
pinta son para él, sin rendir cuentas a nadie. Sus representaciones más importantes
son de este periodo, como las Tres Gracias, donde se ve la figura monumental
donde ocupan la mayoría del cuadro, con composición clásica y diálogo entre ellos,
y con luces que resbalan por los cuerpos y dan las
carnaciones, pero también las sombras generan espacio en el
suelo.
Igual de importante es el Juicio de Paris, encargado por Felipe
IV, donde se presenta este episodio mitológico con la
presencia de Minerva, Venus y Juno que luchaban por saber
quién era la más bella, eligiendo Paris a Venus, lo que genera
en la Guerra de Troya. Venus sería el retrato de su propia esposa. Tiene un aire clásico presente,
monumentalidad de las figuras y profundidad enorme, y, se representan los atributos de las diosas. Tiene
una cuestión formal muy importante. En esta época reflexiona sobre la vida y el amor, con cuadros
melancólicos en un momento en el que sabe que le queda poco de vida. El tema de Rembrandt será
siempre el ser humano y todas las emociones, también cuando hay mucho sufrimiento.
Otro pintor importante de los Países Bajos es Antoon Van Dyck, que también viajó por Italia y recogió
las influencias de Tiziano y otros artistas. Se estableció en un ambiente cortesano
y posteriormente en Inglaterra, siendo un pintor de corte de Carlos I. Trabajó así
pues para la aristocracia y la nobleza, y su sello de identidad son los retratos de
suma elegancia, siendo un pintor de la sociedad elevada, dando importancia a la
indumentaria, con brillos y calidad. También intenta adelgazar las figuras,
dándoles un aire de feminidad, sofisticación y elegancia. Un gran ejemplo es su
retrato de Carlos I de Inglaterra, donde intenta idealizar a las figuras. Se
representa en una jornada de caza, en un momento de descanso, con los atributos
propios de un cortesano. Era un rey muy bajo y por ello lo pone en un montículo
y se coge al caballo para que no sea más alto que el rey.
A principios del siglo XVII los Países Bajos se independizan y se convierte en la Provincias Unidas, y se
caracterizó del resto de Europa por una Constitución democrática y ser un estado confesional calvinista,
lo que tuvo consecuencias trascendentales para el arte, pues esta religión prohibía la decoración de las
iglesias, y era hostil a las decoraciones suntuosas de los ciudadanos más importantes. A partir de la segunda
mitad del siglo XVII se convierte en una potencia europea.
Por todo esto, las condiciones de los artistas son muy distintas a los del resto de Europa. Las pinturas
sacras se eliminan por completo como elemento decorativo de los espacios sagrados. La mitología también
pierde mucha fuerza en este momento, con su finalidad alegórica y moralizante, pero que ya no importa
para la burguesía holandesa. Pero toma mucha importancia el género del retrato, al igual que el paisaje,
además de las escenas de género (vida cuotidiana) y bodegones. Estos son los temas más relevantes de este
momento, cuya finalidad es decorar espacios domésticos y, por tanto, de pequeñas dimensiones para
adaptarse al espacio.
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Dentro del panorama pictórico holandés hay una tendencia tenebrista de seguidores de Caravaggio, con
contrastes de luces, sobre todo en la ciudad de Utrecht, en torno a 1620-1630, con temáticas pintorescas
y figuras iluminadas de lado, como hacía Caravaggio. Defendían la presencia de tipos populares, de las
calles, reales, por lo que tiene un aspecto totalmente realista.
La otra escuela importante es la de Haarlem, como Frans Hals, que
adopta un retrato de confradías, de colectivo, muy habitual en este
territorio, recuperando esta tradición. Así pues, son pinturas de
asambleas, donde interactúan. Como en el caso de las regentes del
asilo de ancianos de Haarlem. Cabe resaltar su pincelada fina. En el
cuadro vemos la muesca solemne de las representadas y muestran
muy bien la psicología de las retratadas, con mucha individualización. La gama cromática es muy pequeña
y la luz ilumina sus caras. Cabe resaltar su gran austeridad.
Volviendo con Rembrandt, destaca su valor humanista, intentando
explicar las conquistas y avances. Su carrera tiene dos partes, la
primera cuando alcanza éxito en 1631 sobre todo como pintor de
retrato, y se casó con una persona acomodada, tomando afición por
el coleccionismo, y es una especie de retratista. Una obra muy
representativa del primer periodo es Lección de anatomía del profesor
Tulp. Esta pintura la encargó el gremio de cirujanos. Estos
acontecimientos de clases prácticas se hacían una vez al año por la difícil conservación y obtención de
cuerpos, pero eran grandes actos sociales, como se ve en sus ropajes, distinguidos. Destaca un juego de
proporción en los brazos del retratado, quizás por que quería mostrar la apertura a pesar de la pérdida de
la armonía, o porque a veces llevaban miembros sueltos para estudiarlos. Cada individuo tiene una carga
psicológica, pero hay una disposición de las figuras que ocupan
casi toda la obra, y los contrastes lumínicos y austeridad
cromática son típicos.
Otra de sus grandes obras es la Ronda de noche, que tenía otro
nombre. El cuadro se oscureció con el paso del tiempo y era
mucho menos oscuro. También ha sido recordado para que
entrara en marcos. Retrata al batallón de un capitán, y los
retratados tuvieron que pagar para salir en el cuadro. Se ve el
barroquismo con el amontonamiento de personajes de la obra,
aunque con el protagonismo del capitán y su compañero en
primer plano. Destaca el fuerte contraste entre luces y sombras. La oscuridad da paso a la luz hacia una
niña que podría representar a su mujer, debido a la muerte en ese año de la misma.
La muerte de su esposa lo sume en un tiempo convulso y duro, donde la
soledad le hace crear una pintura de vida interior. Es un momento en el que
se obsesiona con la vida de Cristo, porque entiende que a través de la figura
de Jesús se transmite el mensaje de Dios. Se aleja de la estricta serenidad
calvinista, lo que hace que sus obras de los últimos años sean más
comprometidas. Se empieza también a retratar, y hace imágenes turbadoras
y trágicas. Su pincelada también se hace más larga, creando efectos
espectaculares. Un ejemplo es la Cena de Emaús.
La pintura de género también será muy practicada y tendrá importantes
representantes, como Veermer, con la Lechera. Veermer representará esta corriente de pequeño formato
26
y escenas de la vida cuotidiana, que tuvieron un

gran éxito. Son escenas de la vida familiar, militar,
de la taberna… Era una manera de divertir a la
sociedad. De él se conservan pocos cuadros. Sus
cuadros siempre son en interior y tienen una
ventana por la que entra a la luz a la izquierda. Este
género le da muchas posibilidades para
representar la luz. Otro gran ejemplo es el
Astrónomo.
El paisaje también es un género con gran impronta decorativa. Entre
los paisajistas holandeses destaca Ruysdael, que tendrá influencia en el
paisaje romántico posterior. Triunfa la subjetividad para representar el
espíritu. Representa el paso de las horas y de las estaciones, mostrando
el paisaje como algo cambiante.
2.7. Barroco en España: arquitectura y escultura.

En España, el Barroco se extiende hasta finales del siglo XVIII, pues influye en la época predilecta de la
conquista, y es una nación que toma los ideales de la Contrarreforma, al tiempo que se extendía los ideales
de la monarquía hispánica en todo el mundo. Era una época de conflictos en Europa y España sufrió una
gran crisis económica y social, lo que provocó gran estabilidad, debido a que los recursos del Nuevo
Mundo iban para sufragar las guerras de España contra las “religiones rebeldes”. Así pues, los reyes del
siglo XVII actuaron junto a la Iglesia como mecenas para fomentar las bellas artes y las ciencias de una
forma extraordinaria. La casa de Austria supuso la centralización de la corte, y los centros de provincia
estuvieron muy vivos.
Se puede hablar de una arquitectura diversificada, y de la incorporación de las provincias de España. Los
grandes focos como Andalucía, Castilla, el Levante, Galicia… tendrán una idiosincrasia propia. España,
salvo Galicia que tenía canteras, no tenía materiales para grandes obras, lo que hace que utilicen materiales
más pobres, como el tapial, cemento, ladrillo… y estos materiales marcan la estética del arte barroco
español.
También destaca una nueva política urbanística, en la que
Madrid es la nueva capital de España, y, al igual que en las
grandes capitales europeas, se pretende establecer la imagen
que una ciudad de ese rango e importancia debía tener, así
pues, se debía construir espacios en consonancia con el poder
de la casa real española. Por eso se inicia un minucioso
programa urbanístico y arquitectónico, y el responsable será el
arquitecto Juan Gómez de Mora, quien edificará la plaza
mayor de Madrid, el marco donde se desarrollaría la vida cortesana de la ciudad. Es un marco
arquitectónico cerrado, rectangular, con pórticos que recuerdan al barroco francés, con edificios de varias
plantas. Se convirtió en el escenario de los actos de la monarquía de los Austria, donde recibían personajes,
celebraban algo… También hizo el Ministerio de Exteriores, remodeló el Viejo Alcázar o el Monasterio
del Escorial. Es un canon formal y clásico, galante, con muros de material no muy noble, pero que acentúan
las ventanas. Toda esta política facilita el marco de la exaltación del monarca, como ocurría en otras partes
de Europa.
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En la segunda mitad del siglo XVII la arquitectura no tendrá tanto

protagonismo en Madrid, sino que habrá otros centros regionales. Hay un
apogeo de la arquitectura que se orienta hacia una experiencia diferente,
una es la corriente castiza, que se desarrolla en los centros periféricos. Y
otra de corriente francoitaliana que tendrá como centro la corte.
En Galicia está una arquitectura con sus peculiaridades, con fachadas
monumentales, formas clásicas y decoración muy agitada e incluso rústica.
Se intentó vigorizar la situación del apóstol, y esta catedral es un gran
escenario. Su arquitecto es Fernando de Casas y Novoa. Tiene una fachada
que parece que se mueve.
En Andalucía no pasa tanto esto, uno de sus representantes es Alonso Cano, como en la fachada de la
Catedral de Granada. Es una arquitectura más simple y menos convencional. Se revela una unidad entre
el espacio interior y el exterior. Otro arquitecto de este momento es Eufrasio López Rojas, que hizo la
fachada de la Catedral de Jaén. Fija sus objetivos en la simetría de la arquitectura y la confección clásica.
En Sevilla, Leonardo de Figueroa en el palacio de San Telmo, hace un gran cambio en la arquitectura de
la ciudad, dando luz a las superficies murales claras, con el ladrillo rojo, con un contraste típico de
Andalucía. Alberto Churriguera, en Castilla, como en la plaza mayor de Salamanca, tiene un gran
protagonismo con violento resalte y mucho ornamento y decoración. Es un
estilo donde se acusa el Rococó. En Murcia, la fachada de la catedral de Jaime
Bort es de gran importancia.
En cuanto a la escultura, es un momento en el que el arte se mira
a si mismo, reflejando la impronta de cada momento y cada
región, y se puede ver como hay varios centros con esculturas
distintas. Uno en Sevilla, con Juan Martínez Montañés, con un
estudio de la anatomía, con naturalidad, como en su Cristo de la
Clemencia. La expresión es sobrecogedora. Intenta captar el
espíritu religioso. Alonso Cano, arquitecto de la fachada de Granada también resalta en
escultura, es un naturalismo idealizado, como en la Inmaculada. Son sobrias, policromadas,
de gran sencillez. Se mueve luego por toda Andalucía.
En Castilla es fundamental Gregorio Fernández, con el Cristo de la columna, que es absolutamente realista.
Hay una sensibilidad barroca que se traduce en el realismo de la figura, quiere aislar la escultura dentro del
retablo. Es un estilo apasionado y plenamente barroco, con gestos elocuentes,
perfección anatómica y estudio exquisito de la misma. La columna negra intenta
apoyar el drama de la obra. Al ser teatral el Barroco, estas esculturas están hechas
para ser exhibidas fuera de la iglesia, en
procesiones. El patetismo, que consiste en
figuras extremadamente realistas, es típico de
estos artistas, con muchos detalles, como en
los cristos yacentes de este autor, muy
sangrientos, realistas y dramáticos.
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Francisco Salzillo será un gran escultor barroco también. Salzillo marca la tipología
de la Dolorosa, y a partir de él se representarán siempre así, con las manos hacia
arriba, en súplica, mirando al cielo. En el Prendimiento, se ve el barroquismo en la
tensión, el momento justo en el que San Pedro levanta el brazo. La pieza está tallada
de manera perfecta. Justo en ese momento, Judas (pelirrojo) le da un beso a Jesús.
Destaca el anacronismo, debido a que los personajes están vestidos a la manera
murciana de la huerta del siglo XVIII para identificar a los que veían la procesión.
Salzillo heredó el taller familiar que hacía belenes de gran importancia, y hermana
realizaba la policromía. Utilizaba la técnica del estofado, según la que se daba una
capa dorada y luego se pintaba, y se
rallaba para sacar el dorado.
Fue un taller muy prolífico que realizó muchas obras. Trabajaba
la imaginería, que se trata de trabajar la madera y la talla, aunque
también trabajó otros materiales, pero sobre todo la madera.
Otra obra muy importante de Salzillo es la última cena, con una
composición interesante, debido a que cuando sale se pone
comida real en la mesa. En la iglesia donde están se ponen en
distintas capillas que les da una composición reseñable. Salzillo era muy amigo de la aristocracia murciana.
Todos estos artistas tienen la intención de sacar sus esculturas a la calle para enseñar a la gente sobre las
historias sagradas.
2.8. Pintura barroca en España: Velázquez (1599 – 1660).
La llegada de Velázquez al panorama pictórico internacional supuso un gran cambio. Introduce
movimientos que posteriormente se desarrollarán como movimientos propios, además de increíbles
elementos formales. Él y Goya suponen el campo de cultivo de lo que luego se desarrollará. Velázquez
trabajará en dos reinados: Felipe III y Felipe IV. Este periodo supone un triunfo de la pintura española.
Felipe III tuvo un reinado que coincide con el desarrollo de una nueva orientación de la pintura española,
con cambio de gusto y estilo.
La pintura española tendrá un personalidad diferente, propia, absolutamente reconocible. La corte será un
centro artístico de gran relevancia, y, al igual que en arquitectura y escultura, se desarrollan nuevas escuelas
regionales y locales, que aportarán una idiosincrasia propia. La Iglesia será también un gran mecenas de
este momento, con infinidad de espacios que se decoraban, y supuso el florecimiento de los encargos y
talleres de pintura. El papel de la nobleza, vinculada a la Iglesia, también encargará nuevas obras.
Hay una clientela muy determinada, por lo que los encargos tendrán la temática que elijan. La pintura de
género, de gran importancia fuera de España, tendrá poca importancia, pero los bodegones sí serán
prolíficos. La pintura de batallas y paisajista tendrá menos importancia. La pintura devota fue la que primó
en esta etapa.
Tendrá un aire tenebrista, pero no imita a Caravaggio, sino que tiene una esfera propia. La escuela sevillana
estará dominada por Pacheco, maestro de Diego Velázquez, que tendrá un taller academicista, donde se
respetaban las normas de la tradición, pero con cierta idealización de la realidad, o su mejor expresión de
esta realidad. Pacheco era más mediocre que Velázquez, y era menos creativo. Velázquez tiene las
siguientes etapas:
1. Etapa Sevillana (hasta 1622).
2. Etapa Madrileña (1623-1628).
3. Viaje a Italia (1629-1631).
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4. Retratos (1631-1649).
5. Segundo viaje a Roma (1649-1656).
6. Etapa final (1656-1660).
En 1622 Velázquez viaja a Madrid, a la corte, para introducirse como pintor real, que al principio no
sucedió, pero al año siguiente consigue establecerse con el conde-duque de Olivares. Una vez que ha
conseguido estar en la corte se traslada aquí con su familia, con encargos que le daban cierto estatus y una
estabilidad. En 1628 conocerá y establecerá amistad con Rubens, que le recomienda que viaje a Italia, y
este realiza su primer viaje a Italia. Cuando vuelve a Madrid tendrá cargos importantes, y empieza a trabajar
constantemente, sobre todo retratos, en 1649 el rey lo manda a Italia a comprar obras de arte para el
Palacio del Buen Retiro, es un momento en el que Velázquez tiene un poder absoluto. Velázquez es
nombrado aposentador mayor del rey, y desarrolla su etapa final.
Su primera etapa (hasta 1622) es la etapa sevillana. Es una etapa en el taller de su suegro en el que aún está
experimentando con la pintura. Hay un gran naturalismo y tenebrismo, y coincide con la tendencia
renovadora de la pintura italiana del XVI. Es perfeccionista, o que se ve con las correcciones de sus obras
a posteriori, que se ven con rayos X. Cuidará las composiciones de una manera muy importante, y su
pintura evolucionará de posiciones más forzadas, desde una yuxtaposición de
personajes a una más natural.
Velázquez tendrá dos preocupaciones, el realismo y la luz. Su realismo no recrea los
aspectos más dramáticos, hasta cuando pinta seres deformes, lo hace desde su
aspecto más humano, y, en cuanto a la luz, resalta otros colores y da protagonismo a
los personajes, como se muestra en la Adoración de los reyes (1619), pero luego se
da cuenta de que la luz permite entender el aire y la atmósfera, aunque hará que las
figuras y colores pierdan precisión, y es la perspectiva aérea. En esta primera etapa
hay una luz dorada y artificial, contornos marcados, perfiles rigurosos… Sobre todo
realiza encargos religiosos. También pintará bodegones, y elige otro tipo de obras.
Abandonará el tenebrismo, y asimilará los viajes a Italia, con más colorido, pincelada más suelta… hará
pinceladas inconexas, que con el espacio crea volumen y realidad de lejos, pero de cerca son pinceladas
sueltas, con esencia en sí misma. Es un avance del
impresionismo.
Cristo en casa de Marta y María (1618) es un gran ejemplo,
porque introduce el cuadro dentro del cuadro, es decir, la escena
ocurre en un cuadro de una casa en la que se realiza otra escena.
Así, la escena principal ocurre al fondo a la derecha, mientras
que en el plano principal hay otra composición. Hay un
bodegón en la escena principal, con luz artificial dorada, típica de la primera etapa. La mesa está inclinada
para que se vea tanto el bodegón como la escena, dando dos perspectivas.
Otra obra donde se muestra la doble perspectiva para que se vean
ambas acciones se ve también en Vieja friendo huevos (1618), donde
ya se ven sus características. La señora podría ser su suegra. Hay una
imitación absoluta de la naturaleza, con gran calidad, donde recrea todo.
Se recoge desde arriba para tener una mayor visión de los utensilios.
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El aguador de Sevilla (1620), dicen que es un estudio de las tres etapas del hombre,
pero con un gran virtuosismo descriptivo. Tiene un fondo neutro, y una gama
cromática ocre muy pobre, que recuerda a Caravaggio. Este realismo, e intenso
claroscuro, no es asumido a través de Caravaggio porque no había viajado a Italia
aún, sino que le llegó por otros autores españoles.
Cuando se establece en Madrid, uno de los grandes
centros artísticos, se centra en el retrato al ser pintor real.
Retrata al rey, su familia, y su contexto. Dominaba en la
corte el retrato áulico, introducido en España por los
Austrias, que es contenido, pero majestuoso. Velázquez sigue esta tipología, pero
con luces y sombras va a generar estos volúmenes que hacen importantes a sus
retratados, igualmente, retrata la psicología de sus retratados. Él no va a idealizar
a los modelos, pero tomará lo más noble y positivo de cada personaje. No destaca
ni lo duro, ni lo desagradable. Eliminará accesorios, y será austera, pero tendrá
elementos majestuosos. Genera espacio con la perspectiva y las sombras, con el
encuentro del suelo y las paredes, además de crear una atmósfera con la sombra
del retratado, como muestra el retrato del Infante don Carlos (1628). El paisaje no
tiene importancia. Todo esto hace que el personaje sea más noble. Hace un plano inclinado, como si se
viera desde arriba, aunque estemos frente al retratado. La doble perspectiva persigue la intensificación de
la ilusión espacial. Es un retrato solemne, donde el personaje está en una posición relajada y elegante. El
personaje tiene la condecoración más importante de España, el toisón de oro.
Luego viaja a Italia, y además de los retratados, pinta mitología. El
triunfo de Baco (1628) es la más importante, conocida como los
Borrachos, y la pinta para Felipe IV. Es una representación del
tema mitológico, con sentido irónico. La pinta de manera diferente
a los artistas italianos y flamencos. Toma los modelos de la
realidad. Los personajes están afectados por el vino, pero resaltan
con el dios, casi veneciano. Es tan artificial, al estar al aire libre,
pero la luz incide en el dios
artificialmente.
Este mismo año, conoce a Rubens, y tendrá gran influencia en
Velázquez. Se dice que trabaron amistad, y reorientará su pintura
haciendo desaparecer este tenebrismo, y es cuando viaja a Italia
durante más de un año, y fue cuando pinta La fragua de Vulcano
(1630), de tema mitológico, que muestra bien lo que le ocurrió a
Velázquez en Italia,
representa cuando Apolo le dice a Vulcano que su esposa le
engaña. Hay una idealización de los cuerpos, y destaca la
composición, homogénea. La túnica de José (1629-1630) es una
historia del Antiguo Testamento, donde se abandona el
tenebrismo, y hay un gran clasicismo, cambia la configuración de
la pintura.
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De vuelta a Madrid, comienza una larga etapa, hasta su segundo viaje Italia, que
es su etapa central. Entre 1631 y 1635 realiza temática religiosa, como el Cristo de
la Cruz (1632), ejecutado para el convento de San Plácido de Madrid, y que sigue
los dictados que su suegro había trazado en el tratado sobre el arte de la pintura,
es un Cristo de cuatro clavos, con perfección clásica en la anatomía, perfecta, que
hace pensar en la estatuaria antigua de Italia, con
cabellera hacia delante, cubriendo la mitad de la
cara, es una representación serena, influencia de la
escultura grecorromana, como en la escuela
sevillana.
Otro cuadro importante es la Tentación de Santo
Tomás (1632), en Orihuela, con radiantes colores,
con una paleta más clara, y es una de las pocas obras
de carácter religioso de Velázquez.
San Antonio Abad y San Pablo Ermitaño (1634) es
cuando comienza a tomar importancia el paisaje en este autor. Sigue estando en
una etapa de pintura religiosa. La atmósfera y la idea del sfumato de Leonardo se
repite, con un aire que hace que las figuras estén supeditadas. La figura hasta este
momento era el protagonista, pero aquí en paisaje toma el protagonismo, y es un
punto de partida para el uso del paisaje. Tiene una luminosidad importante. En los propios retratos reales,
a partir de esta fecha, el paisaje tendrá gran protagonismo.
Velázquez, además, centra gran parte de su actividad para decorar el
palacio del Buen Retiro y el del Pardo. Para esto dona algunas de sus
obras, para el salón de trono. Aquí pone la Rendición de Breda (1634-
1635), que representa alegóricamente la concordia, pues dos se dan
la mano, y representa la magnanimidad del vencedor. Tiene un estilo
equilibrado influido por sus viajes a Italia, de los grandes maestros
del Renacimiento, Velázquez se pone al servicio de lo clásico, y de la
parte moral y política.
De los retratos ecuestres, donde la fluidez de la pincelada se hace más grande. Los
retratos ecuestres, con los caballos de patas levantadas, también tienen proporciones
y perspectivas, dependiendo del lugar al que iban destinados. La técnica se adapta a
las condiciones donde iban a ser vistas. Ejemplos son el del príncipe Baltasar Carlos
(1635), o, el de Felipe IV (1635). Una vez que inicia el camino hasta el paisaje,
consigue su perspectiva aérea a través del color y la luz, con pinceladas sueltas, típicas
de su trabajo. A partir de estos retratos, la
fluidez se cristaliza cada vez más, al igual
que la captación del aire, lo que le permite
el paisaje, como muestra el retrato del
Conde Duque de Olivares (1636), con
sentido teatral típico del Barroco, con el
noble tratado desde un punto de vista
pomposo y halagador, a la medida de este
personaje. El paisaje es constante en su
trabajo.
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A finales de esta década de 1630 e inicios de los 40, inicia para los aposentos del
Palacio del Buen Retiro unos retratos de bufones, de especial interés, por su sentido
histórico, pero sobre todo porque son un claro ejemplo del retrato psicológico de
Velázquez, pues expresan la espiritualidad del asunto y representan al bufón no como
una figura cómica, sino como un ser humano imperfecto, mostrando expresión y
simpatía.
En 1649 vuelve a viajar a Italia, con mucho éxito, pues es
nombrado en la Academia de San Lucas, y conoce a los
grandes pintores barrocos. Pero este viaje no es
tan significativo como el primero, sino que
reafirma su estatus. Viaja con su criado, Juan
de Pareja, del que hace un retrato (1650), que
realiza para entrar en una academia.
Durante su estancia en la corte papal, realiza el magnífico retrato de
Inocencio X (1650), que es una de las caracterizaciones más destacadas
de Velázquez, evocando el carácter desconfiado del Papa, así como su
vigor histórico, no parece un religioso piadoso, sino más bien una
persona de cierta contundencia. Tiene una incomparable recreación
física, pero sobre todo psicológica.
Posteriormente, a su vuelta,
realiza dos obras maestras: Las Meninas (1656) y las Hilanderas
(1657). Las Meninas es un híbrido entre la pintura de género y
el retrato de grupo, donde el centro está protagonizado por la
infanta Margarita. Transcurre en una estancia del viejo alcázar, y
aunque la infanta esté en el centro de la composición y tenga
más iluminación, nuestras miradas se van hacia el punto de fuga,
la puerta donde está el aposentador, y al espejo donde se ven a
los reyes que ven como retratan a su hija, estos reyes dan
diferentes reacciones de los personajes del cuadro.
Velázquez quiere contar su concepto de la nobleza intrínseca,
pues están tres miembros de la familia real, y el hecho de que se
dignen a pasar por el taller de un artista muestra el prestigio del
arte como experiencia intelectual. Por otro lado, a través de las
imágenes de los cuadros que aparecen al fondo, de dioses, que también, en una especie de panteón,
protegen el taller del artista (cuadro dentro del cuadro). A través de la pincelada suelta, el difuminado de
los contornos, refleja la manera de crear la perspectiva aérea, aún presente. La cruz al parecer se la pintó
Felipe IV a Velázquez una vez muerto, como símbolo del respeto y la amistad. Todos los personajes son
reconocibles. El techo es algo innovador, pues no se suelen representar en las pinturas, lo que influye en
la carga psicológica, pues genera un ambiente claustrofóbico y dramático, pues compensa en ese espacio
la atmósfera.
Las Hilanderas (1657) es otra de sus grandes obras, o La fábula de Aracne. Hay dos escenas diferenciadas,
con dos narrativas. Al fondo aparece la escena principal, lo que hizo que al principio el cuadro estuviera
considerado como una escena de género de la fábrica de tapices. Pero luego se ha descubierto que son
escenas distintas. Al fondo es la metamorfosis de Ovidio, en el que Minerva debe admitir que el tejido de
Aracne es mejor que el suyo, y entonces Minerva entra en cólera, destroza el tapiz y convierte a Aracne en
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araña, y ofrece el tapiz tan bello de Aracne, que era el rapto

de Europa. El problema que dificultó la identificación del
asunto es que no perteneció a las colecciones reales y no se
tenía documentación al respecto. A posteriori los estudiosos
interpretaron esta teoría. Lo natural está presente en
Velázquez hasta el final, pues son mujeres sacadas de la calle,
y las pinceladas son sueltas. En la parte de adelante, está el
juego del Barroco de la suntuosidad y la teatralidad, además
del naturalismo.
La Venus del Espejo (1659-1660) es también de gran
importancia, pues posiblemente fue realizada en Roma para un
marqués. Es extraordinario porque es el único desnudo femenino
que se conserva de Velázquez. Es un momento en el que, por
motivos político-religiosos, el desnudo no era aceptado, y es por
ello una de las pocas excepciones de desnudos en el siglo XVII. Se
trata de una mujer mirándose al espejo, de espaldas al espectador,
donde se observa el gusto por el color y la suntuosidad, típicas de
Tiziano. Es la única venus que no rebela su rostro, pues está
oscurecido y tapado, dejando pocas facciones reflejadas en el espejo, indefinido por el juego de manchas.
Muestra la fugacidad de la belleza.
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TEMA 3. Arte del siglo XIX.

3.1. Goya (1746-1828): entre el Barroco y el Neoclasicismo.
Goya recibe las influencias de Velázquez. Es un hacedor de posibilidades al futuro, pues no solo influye
en el impresionismo, sino también en el expresionismo, cubismo… Hace un viaje a Madrid, para conocer
al rey Carlos IV, con Godoy de valido, luego vino la invasión francesa, tras ello Fernando VII, luego se
desarrollan los nacionalismos… lo que supone una época de grandes cambios, con la crisis del Antiguo
Régimen, y supone el inicio de una época nueva, la época contemporánea.
Goya es el representante artístico de este momento, de grandes tensiones y el más próximo a nuestra
sensibilidad actual. Es un momento también de gran renovación cultural y literaria. En el siglo XVIII
llegaron muchos extranjeros que desaceleraron las convenciones representativas y abrieron las
posibilidades.
Goya inicia su carrera muy joven, en un taller zaragozano, de José Luján, y se dedica a copiar estampas,
bodegones, y algún cuadro religioso. Intenta ganar una beca en Madrid, pero no lo consigue. Así, inicia
encargos religiosos de las órdenes, y los nobles aragoneses le encargan algunas piezas. Tal es el punto de
su relación con los eclesiásticos, que ellos lo apoyan para que viaje a Italia, en torno al año 1771, donde
guiado por lo que vio ahí, su obra tiene un toque más clasicista, e incluso pintó temas mitológicos.
Cuando regresa de Italia, pinta en Zaragoza interesantes
conjuntos para religiosos, sobre todo para el Aula de
Zaragoza, en una sobre puerta, la Cartuja del Aula de San
Joaquín y Santa Ana, donde se nota el aire clásico que había
adquirido en Roma, aunque posteriormente Goya atravesará
varios estilos, hasta que encuentra su camino estético
personal, siendo tardobarroco, clasicista, rococó… hasta llegar a su ámbito personal. En este momento,
son escenas de gran escenografía, de aire clásico, y tiene a la horizontalidad, por el espacio al que van
destinado y para generar una atmósfera por su iluminación. La imagen central está más iluminada.
El paso importante y fundamental lo da cuando lo apoya su cuñado, Bayó le abre las puertas de la Corte,
pues él estaba realizando unos cartones para tapices para la fábrica de Santa Bárbara, que servían de
modelos para hacer tapices. Goya participa en siete series, donde prima lo decorativo, pues estos tapices
debían decorar el Palacio del Escorial y el del Pardo. Entre 1775 y 1791, pinta
casi 70 cartones para dichos palacios reales, donde predomina la sensibilidad
rococó, pues la idea de lo decorativo está en consonancia con el estilo rococó.
Son temas populares, como la caza, lúdicos, de la feria, majas, esbozados, tipos
populares, costureras… propias de este momento.
Por tanto, de esta primera serie destaca el
cartón para tapices de la Caza del Jabalí
(1775), dedicado para el comedor de los
príncipes de Asturias del Escorial. Tiene
cierto sfumato, como se distancia y genera la
atmósfera a través de la luz, recurrente en la
pintura de Goya. Los cartones son escenas costumbristas, realistas, y de
paisajes, costumbres, temas pintorescos… Un tema de caza iba perfecto
para el Escorial, puesto que estaba dedicado a la caza, por lo que es
habitual que se decore con estos motivos.
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La segunda serie se inicia con la Merienda a orillas del Manzanares (1776) para el Pardo, que muestra las
costumbres de Madrid, con un marcado tono de realismo popular y descriptivo, con alegres composiciones
y un sentido decorativo muy fuerte. A esta misma serie pertenece el Baile de San Antonio de la Florida
(1776-1777). Son escenas campestres, populares, con colores vivos, y se desdibuja el fondo. El Manzanares
será un paisaje popular. El Quitasol (1777) es una escena galante, con una
señora vestida según la moda francesa, acompañada por su criado.
Pero las series posteriores, hay un lenguaje más perfilado, con obras
destinadas al ante dormitorio de los príncipes de
Asturias, en el palacio del Pardo, y que tienen un
toque muy diferente, con gran influencia
francesa, como en el Columpio (1779). No podía
innovar mucho en las escenas, pues estaba supervisado
y debían ser pasadas a tapiz. En alguna ocasión se le
devolvió una obra porque no se podía llevar a cabo.
Tiene un sentido decorativo innegable, con mucho
apego a la realidad formal, como en Las Lavanderas
(1779-1780), que se construyen con algo típico de la
sociedad, un elemento más del paisaje castizo de
muchas localidades españolas. Aunque sean labores
duras, se representan de forma amable, en clave romántica y popular, pues no
tiene crítica ni reivindicación social. En Las Lavanderas aparecen descansando e
interactuando con naturalidad, con una paleta de colores variados. Mientras una
duerme, otras la intentan despertar con un carnero, que es el símbolo de la lujuria. En cuanto a los recursos
formales, tiene gran importancia la perspectiva, de aire clásico.
También tuvo mucha importancia en su obra la pintura religiosa, que
será frecuente a lo largo de su producción, aunque disminuye a partir
de 1790. Al principio plasma la religión convencional y popular, y
posteriormente deriva en una religiosidad más intimista e ilustrada,
con gran emotividad. Hizo pequeños cuadros de devoción al
principio, dentro de la estética tardo barroca o rococó, donde se
encuadra en la basílica del Pilar de Zaragoza el Regina Martyrium, pero
el punto álgido de su pintura mural está en San Antonio de la Florida
(1798), de representación de tipos populares con una unidad expresiva, a cielo abierto y se apoyan en la
barandilla, tiene una luz y pincelada impresionista.
También tuvo una etapa neoclásica, como el Cristo crucificado (1780), de tendencia de la escuela sevillana,
un Cristo de cuatro clavos, no sangriento, basado en el conocimiento que va a tener
de lo clásico.
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Tras la Guerra de Independencia, vuelve a abordar la temática religiosa, como con

Santas Justa y Rufina (1817), con una hoja de palma, que representa que son
mártires. Son alfareras, como muestran las cerámicas, que rechazaron a los dioses
paganos. Una representa el cristianismo y la escultura en el
suelo es lo pagano.
De Velázquez aprende mucho del retrato, el tratamiento de
la luz, la técnica de la mancha… Sus personajes están vivos,
son comunicativos, y capta la individualidad de cada uno de
ellos. Su retrato evoluciona, tanto en la técnica como en el
tratamiento. En esta etapa se ve como influye el retrato
inglés del siglo XVIII, tanto en la elegancia, como en los
colores relacionados con el gris brillante. Va a retratar a la
familia real, pero también a la alta sociedad madrileña, a sus
amigos, a los ilustrados, y tipos populares. El retrato de
Carlos III tiene una gran influencia de la pintura inglesa, con la casaca de color
gris brillante, una actitud elegante, sofisticada, con la que plantea al personaje.
Importante también es el de Carlos IV, con una peluca empolvada que destaca
sobre el fondo, viste a la moda francesa, con ropas bien bordadas, un toisón de
oro (típico de la monarquía
española), y a la derecha los
atributos de la proclamación de la monarquía, pues en
España no hay corona.
La familia de Carlos IV es su gran obra. Goya imita a
Velázquez con su autorretrato, mientras realiza el cuadro.
El rey no es el protagonista, sino la reina, que junto a
Godoy llevan los asuntos del reino. Así pues, en el centro
aparecen las personas que realmente toman las decisiones
de Estado. Todas las personas están identificadas, salvo
una, que puede ser la mujer de Fernando VII, que aún no
sabía con quien se iba a casar. Hubo una gran preparación
previa, con cinco bocetos conservados aún, tomando a cada personaje por separado para luego pintarlo
junto, sin tener que hacer que toda la familia posara. Resalta la psicología de los personajes. Llevan el
toisón los hombres, y la orden de las damas nobles de la reina María Luisa las mujeres.
Se ve la necesidad de Goya de penetrar en la personalidad del retratado, y también en
las actitudes que definían a la persona retratada. El rasgo principal es que son
personajes comunicativos, activos, dinámicos. Mención aparte merecen los retratos
infantiles, en los que intentaba captar verazmente los rostros y actitudes de estos niños,
como el retrato de su nieto, Marianito Goya, con el mismo tratamiento que el de los
adultos.
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Mención aparte merece el de los duques de Osuna y sus

hijos, en el que los hijos tienen mucha importancia,
majestuosidad y realismo. Sigue habiendo influencia
inglesa en los tonos de grises, la suntuosidad y el lujo.
Estos duques fueron los primeros mecenas de Goya.
Otro retrato importante es el de Carlos IV a caballo.
Los retratos femeninos, a parte de la Corte, será de gran
importancia, dentro de la esfera de la estética del siglo
XVIII. Ejemplos son la Maja desnuda o su última obra,
la Lechera de Burdeos, lejana a esta amabilidad. Se parece por el tratamiento, de pincelada muy suelta, a
las Lavanderas. Es una pincelada fragmentada, puramente impresionista, que es
habitual es su trabajo.
Por otro lado, dentro del mundo de los retratos también
son importantes los autorretratos, que plantean su
decadencia física, su declive como persona tras unas
circunstancias adversas. Introduce el autorretrato dentro
de las escenas, como en la familia de Carlos IV, o en una
obra como la predicación de San Bernardino, donde
también aparece dentro del cuadro, visible entre los
cortesanos que escuchan al santo. Así autorretratos en el
ejercicio del arte, como en la familia de Carlos IV, o Autorretrato en el estudio,
en el que aparece en su taller, recreando un día de trabajo, vistiendo
elegantemente, y mirando hacia donde habría un modelo para retratar.
También hay autorretratos sin pretextos, para que se vea su decadencia, tristeza,
melancolía y estado físico, para ser consciente de cómo estaba, y a veces los
regalaba. Él mismo se convierte en el objeto del cuadro. No parece un pintor
pintándose a si mismo, sino un retratado propio. Se ve
sinceridad consigo mismo, compromiso…
Además de su faceta pintora, Goya también será un gran dibujante. En el dibujo habrá
un gran cambio, pues al igual que la pincelada es más libre, en el dibujo pasará lo mismo,
pero con el lápiz. Su obra será muy prolífica como dibujante, pues toda su vida practicará
dibujo, al margen de lo que haga. Incluso en lo relacionado con el dibujo la luz será
importante. En esta colección, en Sanlúcar de Barrameda, pinta con agua y tinta. Son
escenas cotidianas, como las siestas, y prescinde de la minuciosidad. El papel no es solo
el soporte, sino que sus tonos contrastan con la tinta y forman parte del dibujo.
Llegado el siglo XIX, se da una pintura histórica en el caso de Goya, reflejando los acontecimientos de
Madrid del 2 y el 3 de mayo de 1808, donde Goya exalta el heroísmo de los patriotas madrileños que se
sublevan contra la invasión napoleónica. Las pinturas se realizan en 1814. Goya prescinde del príncipe
para representar al pueblo, a la masa, un pueblo llano que protagoniza la resistencia contra el invasor.
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El 2 de mayo, o la Carga de los mamelucos, es una obra que

representa la desigualdad de maneras a la forma de luchar, con
caballos y armas de los franceses, frente a dagas y navajas del
pueblo. Muestra la contienda en la puerta del Sol, en la que la
caballería francesa intenta acabar con los sublevados, y Goya
muestra esta parte terrible de la guerra. Coloca una arquitectura
lineal al final del cuadro, con casas sesgadas que hacen que nos
centremos en la
escena de lucha en el
primer término. El fondo también tiene una especie de
sfumato.
Los fusilamientos del 3 de mayo, o los fusilamientos de la
Moncloa, tiene un fondo que hace que el espectador se centre
en el señor que será ajusticiado, que brilla más, iluminando
más a los personajes. Los franceses son presentados con
maquinaria de matar, sin rostro, identificándolos con la
maldad, frente a los ajusticiados que se representan con
bondad. El reo tiene función de mártir, con los brazos en esa posición abierta, pues va a morir por la
libertad de su pueblo, que se tiene que levantar sobre el opresor. Tiene una atmósfera sombría y nocturna,
sin apenas iluminación, lo que pone el centro central donde interesa. De todo esto se desprende la crueldad
de la guerra, mostrando que no hay nobleza en la guerra, es un desastre, donde no
hay nada bueno al ser tan terrible.
Goya inicia unas series de grabados, que responden a distintas etapas personales, y su
universo de fantasía. Los Caprichos (1799) es la primera, es una serie crítica de 80
grabados que coincide con una etapa de enfermedad. Hay sillas sobre cabezas de
jóvenes, anticlericalismo, los matrimonios de conveniencia. Estos son los asuntos que
despliega en la serie de los Caprichos. Es indudable la crítica a varios asuntos de la
sociedad, y habla desde el punto de vista de un
observador o cronista. Esta serie retransmitió una
realidad que él supo afrontar, con estos grabados con gran libertad
creadora y un lenguaje alejado del neoclasicismo.
Los Desastres de la Guerra (1810) es la segunda serie, que nace por la crisis
causada por la guerra. Refleja lo que es una guerra, todos sus desastres,
muertes, torturas, consecuencias en el individuo, con pesimismo. Son 82
estampas de este conjunto que quedan como una crónica antibelicista.
La tercera de las series es la Tauromaquia (1815), un reflejo de la afición
de Goya por los toros, en la que capta las ideas de la fiesta nacional. La
serie consta de 33 etapas en las que hay que añadir alguna serie que
grabó por las dos caras.
La cuarta serie es la de Los Disparates
(1819), publicada tras su muerte y siempre ha estado rodeada de cierto
misterio, parece que coincide con la recaída de su enfermedad, y serían
paralelas a las pinturas negras. Son 22 estampas, cuyo título habla de una
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imaginación, alusiones y cosas absurdas, con una gran carga alegórica, y donde domina
el pesimismo y la apoteosis de lo racional.
Las pinturas negras, que pintó en su finca, son 14 pinturas, que actualmente fueron
sacadas de su casa y transportadas a un
lienzo. Estaban situadas en tres plantas de su
finca, en la de abajo estaban Saturno, el Gran
Cabrón, dos viejos comiendo… en la
segunda está duelo a garrotazos entre otras.
Ha suscitado una gran bibliografía, pero no
hay consenso en la teoría, ni siquiera en el
título de pinturas negras hay acuerdo. Da la sensación de que Goya reúne motivos de diferente naturaleza,
pero no cabe duda de que tiene un sistema unitario: la mitología, la escena cotidiana… que está presente
en la oscuridad de la paleta. Hay una pincelada absolutamente
brillante, prescindiendo del dibujo por el color, con temas
terribles y una visión apocalíptica. De aquí subyace el
expresionismo y la gran parte del arte del siglo XX.
Es por esto por lo que Goya atraviesa momentos que serán
fundamentales para el arte futuro. Todo esto está presente en las
pinturas negras, sin necesidad de cuerpos, sino de expresar el dolor profundo. El Duelo a Garrotazos
representa las “dos Españas”, tras la Guerra de Independencia. Los rostros nos traen al expresionismo.
Una obra de las pinturas negras es el Perro, en la que no cuenta nada, sino que
se limita a generar a través de varias manchas de color una cosa tan anecdótica
como un perro que ha caído a un hoyo. La abstracción es enorme. Es
absolutamente esquemático, con una composición muy sencilla, pero que
transita por el color que sigue presente cuando se deshace.
3.2. Neoclasicismo (finales del XVIII e inicios del XIX).
En el siglo XVIII, la Ilustración inicia un movimiento intelectual, que se refleja en el arte y en la literatura.
Los neoclásicos buscan mirar atrás, a las civilizaciones de Grecia y Roma, aunque fundamentalmente
Roma, que será la ciudad de referencia hacia la que miran todos los artistas de este momento, como un
lugar de peregrinación, volviendo el interés por la arqueología.
Aunque Roma es la ciudad de peregrinación, se desarrolla sobre todo en Francia y norte de Europa. Es
contraria a la ornamentación formal barroca y rococó, buscando una paleta de colores más sencillos, fríos
y claros. Busca la belleza de los cánones clásicos de proporción, prefieren el pensamiento a la emoción. Se
caracteriza por los contornos muy definidos, teniendo más importancia el perfil que el color. Se crean
academias que rigen a los artistas y las normas de creación, creando un inmovilismo del arte.
Destaca la monumentalidad que representa la vuelta al pasado, se
tomará el templo clásico como ejemplo. La puerta de Bandemburgo
(Carl Ghottard Langhans (1789-91) es un gran ejemplo, con la
importancia de la arquitectura civil, que recuerdan a los propileos
de Atenas.
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En España destaca la catedral de Pamplona, con el frontón de un templo

griego, adelantado al resto de la fachada, y con escaleras de entrada que
retrotraen a los edificios antiguos. Tiene columnas lisas con capitel corintio,
sobre el que se apoya el frontón. Posteriormente hay un segundo piso clásico
rematado por un frontón, y torres con tres cuerpos, con formas clásicas, apenas
decoración y ventanas con frontones.
En cuanto a la escultura, la mayoría son obras en mármol blanco, donde se percibe la
sencillez. Se obvía el Barroco, la agitación… con una gran importancia de la mitología.
Uno de sus máximos exponentes es Antonio Canova (1757-1822), con formación
barroca, pero que evoluciona al Neoclasicismo, tras su viaje a
Roma en 1779. Sus primeras obras respiran algo de Barroco,
como en Dédalo e Ícaro (1779), de tema mitológico. Sus
esculturas son naturalistas y con cierto movimiento en esta
etapa.
Pero al pasar en el tiempo, encontramos Teseo y el Minotauro
(1781), plenamente clásica, que encarga el embajador de Grecia
en Roma. No plasma ni la batalla ni la lucha, sino
cuando el minotauro ya ha sido vencido, con una
anatomía idealizada, y tranquilidad.
Otra de sus obras es Eros y Psique (1793),
también neoclásica, en la que Eros despierta con
un beso de amor a Psique, tras un largo sueño en
el que había sido sumida. Tiene una belleza
clásica, con contención del deseo. Las cabezas se
encuentran en el centro de la composición, con
idealización de los rostros, y búsqueda de la
armonía y la composición.
El Sepulcro de María Cristina de Austria (1805) tiene forma piramidal, que representa a las virtudes, en
procesión romana, en la que se colocan figuras alegóricas y las cenizas de la difunta. Hay una serpiente que
se muerde la cola, el símbolo de la inmortalidad. Hay una mayor idealización, contención y equilibrio.
El retrato de Paulina Bonaparte (1805-1808), hermana de
Napoleón, se representa como una venus, recostada con paños
pegados al cuerpo, mirada perdida y pensativa, con la luz que
resbala. Es una obra equilibrada y armónica, entendida para el
periodo clásico. Hay idealización del rostro, peinados romanos,
armonía y búsqueda de la belleza.
En la pintura, destaca Jacques-Louis David (1748-1825), que
nace en París en una familia acomodada, su padre murió en un duelo cuando era pequeño, y su familia
quería que fuese arquitecto, y se formó posteriormente en el taller de Boucher. Tiene un periodo clásico,
buscando la inspiración en las obras clásicas, sobre todo en la estatuaria griega, y sus obras se caracteriza
por la búsqueda de la perfección, la belleza y el equilibrio.
Toma temas romanos, pero narra cosas de la Revolución Francesa, pues fue muy activo en ella, aunque
posteriormente se alía con Napoleón en el periodo del Imperio. Un ejemplo es el Juramento de los
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Horacios (1784), donde resalta que el dibujo está resaltado, por

encima del color. Fue encargada por Luis XVI, y muestra la
lealtad de Estado, en un momento en el que se acercaba la
revolución.
Muestra el cumplimiento del deber sobre cualquier sentimiento,
pues los horacios buscaban defender Roma frente a los
curiacios, y muestra el saludo romano. El padre de los horacios
lleva el trascurro del juramento, a la derecha está su hermana,
que está prometida a un curiacio, y una curiacia que está casada
con un horacio. Posteriormente están sus hijos, el niño mira y
la hija se oculta. Tiene un carácter moralizante, pues a pesar de su familia, tienen que defender el Imperio
contra los curiacios.
Destaca el equilibrio de la composición, con figuras perfiladas, y sobre el dibujo la pintura. Hay cierta
sensación escultórica de las figuras en primer término, sobre fondo oscuro. Todos los personajes están
idealizados, con luz que entra por un lado, pero da volumen a las figuras, reforzando el sentido escultórico.
El punto de fuga es el choque de las espadas. Tiene un cromatismo muy plano, con perspectiva lineal de
las baldosas que llevan a una arquitectura clásica de fondo. Hay un gran interés por el detalle, por lo
riguroso, a pesar de la austeridad.
Otra obra son Los Lictores llevan a Bruto el cuerpo de sus
hijos (1789), en el que Bruto llora la muerte de sus hijos,
que iban a derrocar el gobierno y la monarquía, pero el
padre mandó asesinarlos para defender al Estado. Es un
héroe que pone por encima de su familia el papel de
Estado, el sacrificio por el bien común. Es una obra
moralizante. Hay un gran equilibrio. Hay mujeres tristes
por la muerte, pero no es dramático como en el Barroco.
No se puede determinar la pincelada, pues lo importante
es el dibujo, con una técnica suave que responde al
clasicismo.
La muerte de Marat (1793) muestra el asesinato en la bañera mientras escribía.
Tenía una enfermedad en su piel y por eso estaba en la bañera. Marat no era
joven ni agraciado, pero está idealizado, pues lo ve como un héroe con una
muerte serena, como momento de descanso. No existe el miedo a la muerte,
con referencias como la pluma que representa la palabra y la razón definitiva,
con una racionalidad por encima de cualquier cosa, por encima de los
sentimientos. El escenario es sencillo, con los
mínimos elementos.
Luego será retratista de Napoleón, como muestra Napoleón a Caballo,
totalmente idealizado, totalmente capaz de dominar el caballo. Está en campo
de batalla, pero es totalmente victorioso. Tiene una composición en diagonal,
que será una tipología copiada típica del Romanticismo. Introduce el rojo
como símbolo del poder fundamental de este emperador.
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3.3. Arquitectura del siglo XIX.

Al mismo tiempo que se descubren nuevas ruinas a mitad del siglo XVIII del arte griego, en países como
Inglaterra se estaban interesando por las sociedades medievales, y querían estudiar todas las ruinas. Muchos
artistas realizan en sus casas edificios de aspecto gótico. Entre 1830 y 1848 comienza la primera etapa del
Romanticismo, con las dos revoluciones que surgen tras la Revolución Francesa.
En esta época los países que habían tenido la presencia de Napoleón empiezan, tras finalizar dicha
presencia en 1815, en la búsqueda de una identidad propia, y en el caso inglés durante esta época hay un
interés por volver a lo medieval. Las nacionalidades buscarán un origen anterior, sobre todo lo medieval,
pero también otras épocas, que van a identificar al país. Inglaterra, sobre todo, pero también Alemania y
Francia serán los principales centros. Surgirán movimientos como el Neomedievalismo, Neorromano…
para recuperar los aspectos históricos.
3.3.1. Arquitectura romántica neomedievalista (primera mitad del siglo XIX).
El Neoclasicismo seguirá en el siglo XIX en algunos países, y en Estados Unidos seguirá hasta el siglo XX.
Dentro del Neomedievalismo, Inglaterra busca sus raíces en un estilo que nunca se había ido, el Gótico,
que será Neogótico. En Inglaterra nunca había desaparecido el Gótico, pues el Renacimiento no surge
hasta el siglo XVII aquí, y los arquitectos barrocos posteriores siguen empleando elementos góticos. Todo
esto hace que el Gótico sea el estilo nacional inglés. En el caso de Alemania y de Francia, van a recuperar
también el Neogótico. España busca sus raíces en un estilo más propio, el Neomudéjar. También surgen
otras variantes del Neomedievalismo, como Neorrománico, Neobizantino.
Un gran ejemplo es el Parlamento de Londres (1837-1865),
realizado por C. Barry y A. Pugin, que se había quemado años antes,
y se decide realizar un nuevo edificio, como símbolo de una
identidad que nunca se había perdido. Barry realizará una
composición simple y cúbica, pero Pugin recubrirá el edificio de
elementos góticos, como las agujas de las catedrales góticas. El estilo
preferencial de Gótico es el perpendicular, que se recupera y dicha
sensación con pináculos, agujas y torres se ve ejemplificada aquí.
Otra buena obra es el Parlamento de
Budapest (1882-1902), de I. Steindl, que
recupera también la perpendicularidad, con
muchas agujas. Lo único que se sale del
gótico es la cúpula. Igualmente, en Alemania,
la Catedral de Colonia se reconstruye.
El edificio estrella del Medievo fue la catedral, y el Neogótico se plasmará en
muchas iglesias, recordando a ese momento del gótico espiritual. Las catedrales de
esta época serán, por tanto, Neogóticas. Destaca la iglesia de Santa Clotilde, de París
(1846-1857), de JF. Ch. Gau y T. Ballu. Ruskin será un teórico de arte de esta época
que difundirá este estilo. En esta época también se restaura Notre Dame de París,
creando un “falso histórico”, pues se reconstruye gran parte de la misma.
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Pero en el propio Estados Unido, en la Catedral de San Patricio de Nueva York

(iniciada en 1858), James Renwich plasma el Neogótico, y a pesar de la gran
influencia del Neoclasicismo, se construye en dicho estilo.
3.3.2. Arquitectura romántica ecléctica (segunda mitad del siglo XIX).
Posteriormente surgen el Neorrenacimiento, el Neobarroco, el Neohindú… y los
arquitectos emplean varios, por ello surge el Eclecticismo, una mezcla de
historicismos, o diferentes alternancias de historicismos, pero mirando todos al
pasado con el que se identificaban. Los artistas se dan cuenta de la gran variedad
de opciones que tenían. Empiezan a asociarse los estilos a funciones, por ejemplo, el Neorrenacimiento a
las bibliotecas, tal estilo a los teatros… Pero también empieza a ocurrir, que es propiamente Eclecticismo,
que varios estilos se mezclan en un mismo edificio. También se dan diferentes estilos de un mismo
momento.
El edificio estrella del Eclecticismo es el Teatro de la Ópera de París
(1861-1875), de Charles Garnier, que surge en una reforma de París
durante el II Imperio, donde se destruye el París Medieval y se construye
un nuevo París, puesto que la burguesía requiere espacios para ser vistos
en sociedad, y así se realiza este edificio. Es un edificio Neobarroco
asociado a los palacios, como el de Luis XIV. Pero también recupera
elementos del Renacimiento francés e italiano, rococós, y egipcios. Garnier dijo que el estilo era nuevo, y
lo llamó estilo del II Imperio Francés o de Napoleón III.
Otro edificio es la Basílica del Sacre Cœur de París, iniciada en 1875 por Paul
Abadie. Se mezclan estilos de diferentes etapas, siendo Neobizantino, pero
mezclado con pequeños arcos de medio punto, típicos del Neorrománico. Si
quitamos las cúpulas es románica, con pocas ventanas, que hacen que la luz
sea mínima, pero tiene cúpulas bizantinas.
El Palacio de Comunicaciones, de Madrid (1904-1917), de Antonio
Palacios, es un ejemplo español. Recrea un castillo medieval, con los
pináculos y las torres, pero también
tiene decoración propia del Barroco.
De España también esta el Palacio de
Fomento, de Ricardo Velázquez Bosco
(1884-1893), en Madrid también, mezcla el Barroco francés con las
mansardas, y el clasicismo, pero con ladrillo y cerámica de la tradición
española, mezclado con francés.
3.3.3. Arquitectura del Hierro y Cristal.
Al mismo tiempo que surge el Neoclasicismo y el Romanticismo, en este mismo siglo XVIII, se empiezan
a hacer edificios de hierro y cristal (posteriormente acero). Y estos elementos arquitectónicos se basan en
los avances tecnológicos de la Revolución Industrial. Se empiezan a emplear
por su dureza, pero posteriormente empiezan a ser muy predominantes. Aquí
sí se rompe la vuelta al pasado. A finales del XVIII incluso se hacen puentes
de hierro.
Un ejemplo es la Biblioteca Genoveva de París (1840-1850), de Hanri
Labrouste, que emplea el hierro fundamentalmente. El hierro tiene unas
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características que no tienen otros materiales, pues hace que las obras se hagan muy rápidamente, y no hay
que hacer capitel por capitel, sino que con un molde se hacen diferentes copias, pero además el hierro y el
cristal proporcionan espacios diáfanos y luz. Por ejemplo, dichas ventanas y columnas proporcionan
mucha luz y un espacio cada vez más grande.
La Biblioteca Nacional de París (1857-1868), de Labrouste, es otro gran
ejemplar, con columnas muy delgadas, que permiten realizar espacios
diáfanos muy iluminados. Esta arquitectura de cristal y de hierro, que se
empiezan a combinar, posteriormente habrá edificios solo de hierro.
Pero el hecho de combinarlos permitía ocupar espacios inmensos.
Solo con el cristal surge el Palacio de Cristal de Londres (1851), de J.
Paxton, que se construyó para la exposición universal. No se ha
conservado porque se destruyó, pero se tienen
dibujos. El edificio era de grandes dimensiones,
gracias al hierro, creando una arquitectura seriada,
y con un esqueleto extenso recubierto de crista. Su
tipología surge del invernadero.
La Torre Eiffel (1887-1889), de Gustave Eiffel, fue el primer edificio de llegar a los
300 metros y fue hecha exclusivamente de hierro. A Garnier le pareció un horror,
pero se convirtió en el edifico más avanzado hasta el momento. Son cuatro pilares
que se unen en la cima.
La Galería Vittorio Emanuele II, de Giuseppe Mengoni (Milán), de 1865-
1877, es de hierro y cristal, pero también tiene elementos renacentistas, por
lo que también se podría considerar ecléctica. Es una gran galería cubierta
por una cúpula de cristal y hierro.
En España también tenemos ejemplos de
esta arquitectura, como el Palacio de
Cristal de Madrid (1887), de Ricardo
Velázquez Bosco, inspirado del de
Londres. La Estación de Atocha (Madrid), de Alberto del Palacio, es un
esqueleto a modo de invernadero, donde se emplean hierro y cristal.
3.3.4. Escuela de Chicago (1880 – 1900).
Se van a seguir empleando los mismos materiales fruto de la Revolución Industrial, y también los
movimientos históricos. Al otro lado del Atlántico emplean otros también, como el acero, el hormigón
armado y el cemento, aplicados a una novedosa arquitectura, dando pie a uno de los movimientos más
importantes del siglo XX, como el funcionalismo. Destaca sobre todo la ciudad de Chicago.
En 1871 Chicago sufre un gran incendio que acaba con gran parte de la ciudad, y deciden reconstruirla,
pero no pueden hacerlo de madera porque es muy inflamable, y por ello se emplea el acero y el cemento.
Nuevos elementos como el teléfono y el ascensor, junto al hecho de que no había mucho espacio, se
decide que aprovechando estos elementos se podía construir de manera vertical. Los edificios a partir de
ahora se construyen verticalmente, surgiendo el rascacielos, a principios del siglo XX. No obstante, aquí
se inicia este tipo de arquitectura, con la nueva tecnología, los nuevos materiales y el poco espacio.
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El precisamente en Chicago donde surge una sede de arquitectos, de procedencia y formación diversa, y
optan por estos materiales y construir de una forma determinada. Esto conforma la “Escuela de Chicago”,
que pondrá la semilla para el desarrollo posterior de los rascacielos.
Es una arquitectura que se decanta por lo funcional y racional. Los edificios van a ser prácticamente cubos,
desprovistos prácticamente de decoración. Son formas rectas y lineales, que sobreponen distintos pisos.
Aunque hay edificios horizontales, pero mayoritariamente son
verticales. El más destacado de los arquitectos es L.H. Sullivan.
Destaca el Auditorium Building (1887-1889), en Chicago, donde se
muestran las características de esta arquitectura. La única decoración
es el almohadillado inferior, y ventanas, de las que hay de dos tipos:
las verticales (aquí empleadas) y las apaisadas (en horizontal), que
recibirá el nombre de “ventana Chicago”.
En el caso de Sullivan, el veía como el esquema de estos edificios debía tener tres partes: la primera era un
primer nivel, en este caso diferenciado por un almohadillado, que debía estar reservado para negocios,
para la entrada…, una segunda parte, la más desarrollada, la destinada a zona residencial o de oficinas, y
una tercera, un ático que remata las otras partes. Este es el sistema que deben tener dichos edificios según
Sullivan. Las alturas no son excesivas, entre 10-20 pisos, que para la época era mucha altura. Es
prácticamente un esqueleto metálico incorporado en el hormigón que crea una
estructura sólida que resista a terremotos o incendios. No solo se repite en esta
estructura en Chicago, sino también en otras ciudades.
Guaranty Building (1894-1895), en Buffalo, es otro de Sullivan, que posee más
decoración, pero recoge las mismas características: la estructura simple con tres
partes: una primera parte baja de entrada y negocios, un segundo gran cuerpo de
casi todo el edificio para oficinas y pisos, y, finalmente, un remate o ático, con una
cornisa volada en este caso. Aquí se emplea un vano ovalado, y la ventana vertical.
La estructura está sustentada por cuatro pilares, que la arquitectura
funcionalista utilizará.
Los almacenes Carson (1889-1904), en Chicago, también de Sullivan,
fueron los primeros almacenes donde se vendía de todo, y posteriormente
se traslada a toda América y Europa. Responde a las mismas características,
aunque es más apaisada. El tercer nivel se ve más difuso. Este es el ejemplo
de las ventanas Chicago, conformadas por tres hojas, con una hoja central
más grande que no se puede abrir, y las laterales, más pequeñas, movibles.
Este modelo de ventana se utiliza en muchos edificios a partir de aquí. Sigue siendo un edificio funcional,
sin decoración, y de forma cúbica, que comienza a utilizarse. Predomina la línea recta.
3.3.5. Art Nouveau (1890-1910 aproximadamente).
En cada país tendrá un nombre y características distintas. Se conoce como Secession Vienesa en Austria,
Jugendstil en Alemania, el Art Nouveau en Francia y Bélgica, el Modern Style en Inglaterra, el Modernismo
en España y el Liberty en Italia. No obstante, todos los nombres refieren al mismo estilo.
El Art Nouveau surge junto otro estilo, con el movimiento Arts and Crafts de Inglaterra, abanderado por
William Morris, que está focalizado en el diseño y las artes decorativas. Este estilo surgió 10 años antes.
Para Morris, la industrialización había cambiado el modelo artesanal de trabajar, y prefieren dejar el trabajo
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seriado, e instar por una recuperación del trabajo manual. En ambos estilos, la naturaleza es fuente de
inspiración.
El Art Nouveau tendrá muy poca vida, y estará apoyado por la burguesía culta y adinerada. Buscan ampliar
la originalidad en el arte, y lo alejara de toda la recuperación de historicismo del siglo XIX. El Modernismo
busca romper con el historicismo. Todo lo que compone la arquitectura estará integrada. Los artistas no
solo diseñan la planta, sino también todos los detalles decorativos: chimeneas, balcones, mobiliario…
Aunque el Art Nouveau tenga un único estilo común, no es homogéneo y tendrá características variables
en distintas zonas, donde se afianzarán distintas variables. Las principales características del Art Nouveau,
aplicables a todas las áreas son: la Arquitectura será el campo principal, sin buscar al pasado e innovando,
con mucha creatividad. También se extiende a la pintura, y menos a la escultura, pero la arquitectura será
donde más se experimente.
Se dará un uso de la línea curva, y esto abarca todas las áreas geográficas del Art Nouveau. Se empleaba ya
en el Barroco, pero aquí la curva es asimétrica y muy larga, sobre todo en los elementos decorativos, y se
empleará con toda la libertad y versatilidad posible. Otra característica es la imitación de las formas de la
naturaleza, como formas animales, vegetales y a veces la figura humana, pero las más empleadas serán las
vegetales. Además, el Art Nouveau es un arte muy sofisticado, y hay una influencia de lo “femenino”, con
la sinuosidad y la delicadeza.
Un Art Nouveau muy parecido se halla en Austria y
Alemania, otro distinto será el de Bélgica y Francia, y el
español será más diferente y el más característico, que se
desarrolla sobre todo en Barcelona. En el estilo
austriaco, alemán e inglés, destaca la Sede de la Secession
Vienesa (1897-1898), en Viena, por parte del arquitecto
Joseph M. Olbrich.
Es un Art Nouveau en el que predominan las líneas constructivas rectas, combinándolas con la curva.
Además, comulgan distintas figuras geométricas, como el cuadrado, la esfera, el hexágono o el triángulo,
aunque con predominación de la recta. Vemos que la decoración aquí es mucho más escasa, y la decoración
tiene motivos vegetales, que se somete a la arquitectura. Este edificio es un rectángulo sin vanos, salvo la
entrada, donde predomina la pared, y tiene una base cuadrada de donde sobre salen unas torrecillas, y entre
las cuatro, encajadas, hay una esfera con una decoración peculiar. Algunos teóricos dicen que recuerda a
edificios egipcios. La decoración es contenida en esta época. Las tres medusas es un motivo normal del
Art Nouveau, pues es curva y libre, a pesar de estar aquí un poco geometrizadas.
Olbrich será uno de los fundadores de la Secession Vienesa, que durará poco. Junto a otros arquitectos
como Hoffman, u Otto Wagner, va a fundar este movimiento en la propia ciudad de Viena. Para ello se
requiere una sede o pabellón principal, donde reunirse los arquitectos, además de
músicos, pintores… aquí se expondrán las obras de los artistas. Esta arquitectura
cúbica será el precursor de la arquitectura funcional europea del siglo XX. La
decoración, aunque escueta, se centra en sitios puntuales.
Del mismo estilo, en la zona de Francia y Bélgica, destaca la Casa Tassel (Bruselas)
(1893), de Víctor Horta. En este estilo predomina la línea curva, mucho más
sinuosa y donde los motivos siguen siendo naturales. Buscan romper con los estilos
históricos. Aquí hay una mayor riqueza documental. Este artista, de los pioneros,
y de los que más va a influir en Europa, Víctor Horta, va a emplear la curva más
mesuradamente, aunque sigue predominando, como se ve en la Casa Tassel, donde
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la curva es más suave. En las vallas hay motivos vegetales, al igual que en las
columnas. Incorpora constantemente el hierro, como se muestra en las
columnas. Es un Art Nouveau más decorativo, sobre todo en Bélgica, como
muestra el interior de la casa, y donde la curva está en todas partes, desde el
mosaico, a las pinturas de las paredes y el techo, con
decoración vegetal. La curva es asimétrica, y se
denomina “golpe de látigo” por su morfología. No solo
se emplea el hierro en la barandilla, sino en todo, al igual
que lo vegetal.
En Francia, al igual que en Bélgica, predomina la curva, que
recuerda a los tallos vegetales, como en las entradas al metro
de París (1900) de Hector Guimard, que parecen un tallo
vegetal de hierro, y que combina con los paneles cerámicos
de “Metro”. Aunque varía las distintas entradas, tienen la
misma manera.
Del mismo arquitecto destaca el Castel Béranger (1897-1898), en París, donde en
los balcones hay imágenes de máscaras, pero la entrada es totalmente curva y
vegetal, o el vestíbulo, que sigue las mismas características. Hay un mayor acento
decorativo que en el caso vienés.
En España se desarrolla el Modernismo, que es mucho más
dinámico. El principal arquitecto es Antonio Gaudí, que murió en
1926 atropellado por un tranvía, y por ello la Sagrada Familia
(iniciada en 1883) está inacabada. Todo lo que vemos sale de su
cabeza, pues no busca en el pasado. Gaudí hizo un plan, pero a
medida que iba construyendo los iba cambiando. Pero el primer
autor no fue Gaudí, Villar, que decide hacerla neogótica, y
posteriormente Gaudí la cambia entera.
El movimiento de las obras será extremo en las estructuras en planta
y en alzado. La curva está osadamente movida, con un Art Nouveau donde la curva se mueve mucho más
que en otro lado. La fachada se mueve de manera caprichosa, con todo lleno de fantasía, fachadas alteradas
y deformadas. El Modernismo es el Art Nouveau por excelencia.
A pesar de la corta vida de Gaudí, tendrá varias etapas. En el siglo XIX echará mano del historicismo, por
ejemplo, la Sagrada Familia emplea el neogótico. Es una arquitectura modelada, con el barro mojado.
También emplea el color y la cerámica vidriada, que se imagina, sin inspirarse de ningún lado. El interior
tiene decoración que no se sabe lo que es, aunque parecen huesos y árboles parabólicos (V invertida).
Gaudí quería hacer una iglesia de cinco naves, de cruz latina, y con tres puertas, la principal y las laterales.
En cada puerta quería poner cuatro torres cónicas y caladas, con cruces con decoración esmaltada con
cerámica, para que entrada la luz y creara contrastes de luces y formas. Habría doce torres en total, por los
doce apóstoles. La decoración es toda salida de la naturaleza, de la
vegetación.
A partir del 1900, tiene una actitud de Art Nouveau totalmente, muy
expresivo en su caso, mediante el uso desmedido de la curva y la
aplicación de color y formas, a través de la cerámica, dinamizando cada
vez más la propia curva. El caso ejemplar lo tenemos en el Parque Güell
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(1900), que está en una pendiente y emplea dicha verticalidad, con terrazas y
escalinatas. Utiliza curvas sinuosas para bancos que permiten observar el puerto de
Barcelona. También construye pabellones llenos de originalidad, y chimeneas. La
curva está en todas partes, y emplea todo tipo de decoración, como en los asientos.
Esto estaba alejado de Barcelona, pero ahora está unificado.
La Casa Batlló (1904-1906) es un ejemplo de como diseña
todo. Utiliza una curva totalmente irregular, como en las
ventanas, y lo recubre todo de cerámica. La cubierta
recuerda a escamas de pez. Los antetechos tienen
elementos vegetales también, como en la Casa Milà (La Pedrara, 1906-1910).
3.4. Escultura del siglo XIX.
En el siglo XIX, Auguste Rodin será una de las figuras más destacadas. Hay una serie de aristas, entre los
que se incluye, que destaca por sí solos como figuras individualizadas, pues no hay estilos tan claros en la
escultura. Las formas son novedosas y la técnica es inacabada, lo que presagia las Vanguardias del siglo
XX.
Auguste Rodin comenzó a esculpir obras tradicionales, pero en 1874 cambia de estilo tras un viaje a Italia,
donde se topa con las obras de Miguel Ángel, que va a inspirar todas sus obras, con la tensión de fuerza
interna de sus esculturas, como en sus esclavos, con un drama y fuerza interior que sale de dentro. A partir
de este momento, cambia la configuración de su obra.
Las características de Rodin es una obra como la de Miguel Ángel, grandiosa e imponente. También se
influencia de escultores de su época, como Carpeaux. Busca identificar la expresión. Rodin es un
enamorado de la figura humana, que será el gran protagonista de su escultura, sobre todo la masculina,
como Miguel Ángel, pero también las figuras femeninas tendrán una gran fuerza expresiva interior, con
un sentido anímico de los personajes. Son desnudos donde se resaltan todas las partes del cuerpo, pero
sobre todo el torso, con una musculatura excesiva y en tensión. El cuerpo femenino no está exento del
erotismo, y busca muchas veces esconder el rostro.
Su escultura está llena de símbolos mitológicos, religiosos y literarios. Su técnica será variada, con una
superficie muy pulida y académica, pero combinada con superficies rugosas. Emplea el mármol, el bronce
y también la arcilla en menor medida. Utilizará huecos entre las esculturas (oquedades), que es una gran
novedad, lo que crea claroscuros. Se le suele encuadrar en el impresionismo
escultórico, y suele dejar las esculturas sin acabar, pero va a ser impresionista en
el exterior y expresionista en el interior.
En las Puertas del Infierno (1880-1890), del Museo Rodin, muestran sus
características. Se inspira en la Divina Comedia de Dante. El solía tener un
esquema que iba cambiando, comienza al igual que el baptisterio de Giberti, pero
posteriormente lo cambia. Son obras desequilibradas. Hay distintos tipos de
relieves. A medida que hacía la obra, veía que los temas podían sacarse de la misma
y crearlos a gran escala, como ocurre con las tres sombras de la parte superior, el
pensador, que es Dante pensando, en el centro, o en la parte inferior derecha, con
el Beso, que es una escena de Paolo y Francesca, cuando el marido pilla a
Francesca besando a su amante, Paolo. Son relieves más atacados que se mezclan, con mucha tensión de
los personajes. La vitalidad es máxima y es enérgico.
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El Pensador (1880), es la representación de un Dante pensativo. Representa el

pensamiento, la reflexión, y recoge formalmente todas las características. Son
superficies rugosas, muy musculosa, el torso bien
representado y con gran importancia, dejando una
oquedad en mitad.
Las Tres Sombras (1880-1882) recuerdan a la última
etapa de Miguel Ángel, como un cristo de esta etapa. Se
mantienen en pie, pero en verdad no pueden. Destaca
la musculatura de las tres sombras, viéndose los nervios
y la tensión.
En Beso (1886) es la representación de Paolo y de Francesca,
cuando son relegados tras este beso y son condenados al
infierno. Rodin saca el tema y muestra un tema universal. La
mujer esconda la cabeza. El monumento a Balzac (1898) es
un homenaje a este literario, resalta la cabeza, de gran
tamaño, y se cubre con una túnica. Parece estar inacabada,
lo que lleva a pensar en el impresionismo.
3.5. Pintura del siglo XIX.
3.5.1. Romanticismo.
Este movimiento, contrario totalmente al Neoclasicismo, surge en reacción a dicho mundo académico y
frío neoclásico. Es todo lo contrario a David, con dibujo muy académico, mientras que en el Romanticismo
hay más color, caos, convulsión y desorden, pero sobre todo irracionalidad y libertad. El Romanticismo
habla de sentimientos, de drama, es una pintura donde aparece espiritualismo, melancolía, amor, pasión…
y está muy vinculada con la literatura romántica.
Todo esto se muestra en la Balsa de la Medusa (1819),
de T. Géricault, donde una diagonal rompe
completamente la mitad de la obra. Géricault es uno de
los primeros autores románticos. Esta obra es un hecho
verídico, cuando 150 personas naufragan en las costas
africanas y solo sobreviven 13 o 15, y estuvieron en esta
balsa 12 o 13 días, y llegaron a practicar canibalismo, lo
que causó un gran escándalo en la Francia del momento.
Representa el dolor y la muerte. Al contrario que la
muerte de Marat, no es una obra heroica, sino que muestra el horror de la muerte, que se refleja en el
primer plano. Hay figuras en estado de descomposición, agitadas, movidas y desesperadas. Tira mucho del
Barroco, como Caravaggio, con ese juego de luces y sombras. Las lecciones de Miguel Ángel siguen aquí
también, con su dramatismo. Hay drama, la desesperación y la crueldad. Busca representar la realidad, y
por ello visitó hospitales y depósitos para ver cadáveres y plasmarlos lo más realistamente posible.
Otro autor importante es Eugène Delacroix, considerado universalmente como el mejor exponente del
Romanticismo. Delacroix se inspira de colores de la Escuela Veneciana, y de Rubens en los corpóreo de
los personajes. Delacroix sigue en la línea de Géricault, contemporáneos y relacionados con aspectos
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revolucionarios, y también aspectos relacionados con las independencias

nacionales, lo que se representa en La matanza de Quíos (1824), que
muestra como los otomanos masacran a los griegos que se rebelan en
Quíos. Se representa el drama, con los personajes vencidos en el suelo,
abatidos, y el que triunfa es el otomano, a caballo y victorioso. Se rompe la
simetría típica del Neoclasicismo, y en el centro de la composición no está
el tema más importante, sino que se encuentra desplazado. El turco a
caballo recuerda a Rubens.
En la misma línea, relacionada con los
hechos históricos de la Revolución de
1830, concretamente una barricada, es
la Libertad guiando al pueblo (1830). Aparece el drama con esperanza.
Lo que más llama la atención es la mujer semidesnuda que lleva la
bandera francesa. Muestra que para lograr la libertad se debe pasar por
la lucha y debe morir gente. La mujer aparece como la alegoría de la
libertad. El niño representa la esperanza de que se logrará la libertad.
G.D. Friedrich es uno de los mayores representantes del Romanticismo alemán.
Con el caminante frente al mar de niebla (1818), crea una imagen gloriosa. En
general son cuadros de grandes dimensiones y muy grandiosos, pero Friedrich es
contrario y son obras más sencillas, con campos más místicos y espirituales.
Friedrich cree que en ese plano, en lo alto de las montañas y en compañía de la
naturaleza, es cuando se consigue estar con Dios. Los colores son contrarios
también a los de los otros autores. En Alemania, el paisaje será mucho más
importante que en Francia. Friedrich compone casi todas sus obras iguales, pues
emplea un personaje o un par, de espaldas generalmente, y mirando a un horizonte para estar en compañía
con Dios. Esto hace que sintamos lo mismo que el personaje, un
momento de reflexión. Al contrario que lo de Francia es sosegada y
espiritual, con colores grises y blanquecinos, empleando un
esfumato.
A veces utiliza solo paisajes, como en Amanecer en Riesengebirge
(1810-1811), que muestra el paisaje con capacidad de expresar
sentimientos. Sus cuadros son muy parecidos, incitan a la reflexión
y hacen conectar con estos personajes.
En el caso del Romanticismo inglés, destaca la representación del paisaje para expresar cualquier tipo de
sentimientos, surgiendo la visión romántica del paisaje. Para Turner, el paisaje, empleado anteriormente
como aspecto secundario, será el protagonista de la obra. Es un paisaje
que sirve para expresar sentimientos. Turner tiene distintas etapas,
viaja a Italia, toma notas al aire libre, pero en su estudio hace la
composición. Su primera etapa son paisajes muy bien definidos, y
evoluciona, sobre todo a partir de los años 1830, para realizar paisajes
con manchas de color. Alguna vez coloca personajes en sus cuadros,
pero no humanos, sino elementos naturales, como la lluvia, el sol, la
nieve. Un ejemplo es El Temerario camino del desguace (1838), donde
se ve como evoluciona su pintura.
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Pero su propio estilo se ve en Tormenta de nieve y vapor a la entrada de un

puerto (1844), donde el protagonista es la tormenta, que será la mayor
protagonista de sus obras. Al contrario de Friedrich, que emplea el paisaje
como momento de reflexión, él no utiliza nada metafísico, sino que emplea
la fuerza de la naturaleza con la propia pintura. Lluvia, vapor y velocidad
(1844) es otra obra que muestra como difumina el humo del vapor el paisaje.
El impresionismo comienza gracias a Turner, por su uso del color.
Constable es otro precursor del paisajismo inglés. Él comienza a pintar al
aire libre, e influirá a impresionistas y a paisajistas posteriores. Un gran
ejemplo es La catedral de Salisbury desde los terrenos del obispo (1826).
Él estudió como un mismo paisaje puede cambiar con la luz. Constable
es más fiel a representar un espacio real, por ello es precursor del
realismo. Intenta captar los cambios de luz en un mismo lugar, su serie
más importante es esta. Es una Iglesia gótica, precisamente del momento
en el que vuelve a tomar importancia.
3.5.2. Realismo (1850-1870).
En la década de los 40 surge, junto a la literatura realista, una nueva tendencia contraria al sentimentalismo
romanticista. Acompañados de un soporte filosófico, científico literario y del positivismo, surge este
movimiento, apoyado por un movimiento importante como es la fotografía, que permite retratar la
realidad, sobre todo de desnudos, donde se reflejaba tal cual un desnudo femenino que muestra la realidad,
sin idealización. Busca retratar de forma fiel y exacta la realidad, sobre todo porque en estos momentos
hay una serie de artistas comprometidos con el socialismo utópico, que creían que el artista tenía una
función importante en la vida, que era reflejar el mundo, y preocuparse por los problemas sociales.
La novedad está en la temática, que reflejan aspectos de la vida laboral y se colocan en primer plano a los
campesinos. Son temas sin trascendencia y que pueden ocurrir en cualquier lugar, como un entierro, que
puede ocurrir en el campo, por ejemplo. Los campesinos están dignificados con su posición social. Entre
1850 y 1870 serán los años más importantes de este movimiento. Hay dos tendencias: los realistas de clase
social desfavorecida y otros que se dedican al paisaje. Se ve la representación de la miseria y las
representaciones sociales, para representar obreros y agricultores. Se representan tal cual se ve y se observa.
Un ejemplo es Courbet, socialista y amigo de Baudelaire,
impulsor del socialista utópico. Él realiza una serie de
pinturas, y entre 1854 y 1855 pinta para la exposición
universal de París una serie de pinturas, que son
rechazadas. Courbet decide exponerlas cerca de la
exposición, abriendo un pequeño local para exponer 39
pinturas, entre las que destaca El estudio del pintor
(1854-1855). En la puerta del local pone “du réalisme”, y
hace un manifiesto donde explica que no está bajo la
influencia de ningún artista anterior, y que pinta los aspectos de la vida cotidiana de su época, para que el
arte fuera algo vivo. Esta es una alegoría, por lo que no es muy realista, pero representa el Realismo.
Él se autorretrata en el centro, que es la parte más importante de la composición. Aparece pintando un
paisaje. Coubert decía que el artista como trabajador debía observar el mundo, y él lo hace pintando una
naturaleza, pues aquí se obtiene la inspiración. A su lado aparece un desnudo ideal, que representa la verdad
y la realidad, aunque también puede ser la ingenuidad. A sus lados aparece su mundo, con sus amigos y
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críticos culturales, todos comprometidos socialmente, y a la izquierda la vida ajena a su taller, pero que
quería retratar, los desfavorecidos y los que abusaban de ellos.
El Entierro en Ornans (1849-1850) reproduce de
forma real un momento sin trascendencia, sin
triunfos, es un momento de la vida cuotidiana que
puede ocurrir en cualquier lugar. Es un entierro de
una persona anónima, pues para la historia los
desfavorecidos son
anónimos. El pintor es un
científico, que reproduce fielmente lo que ocurre a su alrededor.
Las bañistas (1853) fue un gran escándalo, es un desnudo real tomado de una
fotografía. Es real, sin idealización, con un cuerpo de una campesina normal. Con
esta provocación busca poner en evidencia la hipocresía burguesa del II Imperio
Francés. Evidenciaba los prejuicios de la burguesía.
Millet es el pintor de los campesinos, que busca a la
población desfavorecida de una manera digna. Son campesinos que pueden
ser de cualquier lugar, en el momento del Ángelus (1857-1859), cuando
escuchan las campanas de una Iglesia al
fondo (gótica). No están idealizados, pero
estar dignificados con la luz del fondo. No
hay ningún drama, se refleja tal cual la realidad. Otro ejemplo son las
Espigadoras (1857), cuando trabajan en el campo, dignificando el trabajo
duro.
Daumier es otro gran exponente, el más
comprometido con todas estas composiciones,
que muestran las desigualdades sociales, como en
el Vagón de tercera clase (1862), que muestra un
personaje aceptando su condición social con una
cesta. No hay dureza, pero sí lo hay en la
Lavandera (1863), donde la figura está desfigurada, para buscar el anonimato.
Puede ser cualquier trabajadora, que trabaja lavando la ropa, junto a su hija, tras esa
dura jornada de lavar, con una gran cesta de ropa. Muestra el esfuerzo de la vida y
del trabajo de las clases más desfavorecidas. Es una técnica avanzada que presagia
lo que ocurre a partir del impresionismo.
3.5.3. Prerrafaelistas.
A finales del siglo XIX hay un cambio social, con la aparición de la fotografía, que se populariza
rápidamente. También se extiende la luz artificial, primero por combustión de gas, posteriormente a
queroseno, y, finalmente a electricidad, como un elemento de luz visual importante. Todo esto dará al
artista la capacidad de poder expresarse, para plasmar sus sentimiento y emociones, captados en el
subconsciente de la sociedad, donde según ellos, podrán plasmarla. Entienden que el Realismo solo capta
la violencia, y buscan captar los sentimientos y la belleza. Estos son los principios de los Prerrafaelistas.
Se crea la hermandad de los Prerrafaelistas, que se unen para renovar la pintura inglesa, vinculada a una
academia que daba a conocer elementos antiguos, pero ellos buscaban plasmar lo de antes de la llegada de
Rafael Sanzio. Además, quieren añadir elementos literarios y la naturaleza, alterada en el arte. Buscan a su
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vez plasmar la idea de finales de la Edad Media. El nombre precisamente les viene porque creen que ese
naturalismo de los pintores de antes de Rafael Sanzio es donde viene la originalidad de la propia naturaleza.
A partir de Rafael, la falta de realismo auténtico empieza a dañar el arte. Pero, se trata de un grupo muy
variado y complejo, surgiendo líneas dentro de la misma base de los Prerrafaelistas, que evolucionarán el
naturalismo.
Sus principales representantes son Burne Jones, Dante Gabriel Rosetti, Everet Millais, que crean una
hermandad contraria a la academia inglesa. En 1850 realizan su primera publicación, donde plasman por
escrito y dan a conocer su arte a través de esta publicación, vinculando la relación entre poesía y arte. Este
tipo de publicación fracasa porque no tiene venda, pero consigue plasmar las propuestas de este tipo de
vanguardia prerrafaelista.
Gracias a estos se favorece la vinculación entre poesía y pintura, entre literatura y crítica, y se plasma en el
arte como “aesthetic”. Esta idea se dio también en el siglo XVII, pues Caravaggio también buscó plasmar
las luces y las sombras, es por ello por lo que no es nada original.
En su primera etapa están influenciados por las teorías artísticas de John Ruskin, que era un escritor que
creía en el socialismo. Esta influencia se basa en la valoración del arte en esos momentos, en la búsqueda
del subconsciente, lo que hace que Ruskin les haga buscar el naturalismo, pero
tal como el ojo del artista ve, no con los nuevos elementos de industrialización
que transformaron la vida de toda la sociedad. Estos serán los elementos
principales que asientan a los prerrafaelistas, con nuevos elementos
innovadores.
Uno de sus principales autores es Rossetti, vinculado a Europa y con
elementos mitológicos. Destaca el Prado Arbolado, donde se ve la influencia
el Renacimiento anterior a Rafael, buscando los puntos de fuga, el
naturalismo… en el primer plano aparecen personajes de medio cuerpo, y en
el plano secundario personajes con el cuerpo completo. Finalmente hay una
arboleda más pequeña. El artista se hace con los conocimientos y la evolución
del propio arte.
El Realismo en Inglaterra es muy peculiar, pues fue el primer país que se industrialización, lo que supuso
una destrucción de la naturaleza. Están en contra de dar a conocer la necesidad de plasmar la
industrialización y la luz artificial. Ruskin apoya a estos pintores, y crea una gran influencia y apoyo moral,
lo que les permite sacar su revista. Su reacción contra ese arte oficial los lleva a tomar como modelos a
esos pintores primitivos, italianos de la Edad Media, y a copiar imágenes que proporciona la cámara
fotográfica. No solo buscan la belleza y las emociones, sino también el realismo. A
partir de esto, surgen dos rasgos diferenciados: unos artistas insisten en el propio
detalle del realismo, y por otro, intentarán buscar una pintura mucho más lírica,
particular y peculiar, como Rosetti. Están en contra de la sociedad industrial, y sueñan
con los modelos de vida de la Edad Media, marcado por la Providencia.
En el siglo XIX, con estos prerrafaelistas les conducen a un Romanticismo moralista.
Dentro de la línea de la pintura lírica tenemos a Rosetti, fundador de la Hermandad,
y sus figuras sus estilizadas, como se ve en Ecce Ancilla Domini (1850), es la
enunciación, y toma como modelo de la Virgen a su hermana. Es muy diferente a las
Renacentistas, donde hay una emoción de devoción y aceptación, mientras que en este
caso se ve temor. Pues, aunque buscan lo anterior a Rafael, quieren mostrarse en su contexto histórico. La
expresión de las personas en muy relevante, pues el arcángel en el Renacimiento se arrodilla ante la Virgen
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y está sereno, mientras que en 1850. Otro autor es Edward Burne

Jones, que es alumno de Rossetti, y coge su gusto mitológico y de
estilización de las figuras. Destaca la
Escala de Oro (1880), y la Divina
inflama, de la serie de Pigmalión.
En la tendencia más realista destaca
Millais, que dibuja más que los otros, y
es más cercano a las figuras de Rafael,
que son dibujadas, es un realismo más
plasmado a partir de los detalles.
Destaca La Joven ciega, que aporta una sensibilidad mediante
una maestría con las formas de pintar, con un brazo caído, y
con el acordeón. Al igual que en Ofelia (1852), un
personaje sacado de Hamlet, interpreta la muerte
del personaje según él lo entiende, uniendo
literatura con pintura.
William Holman Hunt es otro autor, que destaca
por la Luz del Mundo (1854), que es una escena
sacada de las ideas del Pantocrátor. Dicho autor estuvo en
Siria y Palestina, y conoce la forma de vestir y vivir, y lo
plasma, como en Chivo Expiatorio.
Pero de todos los artistas ingleses,
el más conocido al Realismo
internacional, es Madox, y es un puente de unión entre los
pintores continentales y los Prerrafaelistas. Destaca El Trabajo,
que es un canto al poder del hombre. Y el último de Inglaterra,
que es un alegato contra el drama de la inmigración.
3.5.4. Simbolismo.
El final del XIX es hay una crisis, surgiendo un
Romanticismo decadente. Al Art Nouveau se añaden
escritores como Wilde o Darío, que pertenecerán al
movimiento simbolismo. En Francia destaca Puvis de
Chavannes, como en el Sueño, donde se ve la melancolía,
que se ve por la idea de paisaje, y la idea clasicista, con
elementos mitológicos. Gustave Moreau destaca por Salomé, donde emplea más
contrastes de luces y sombras, y con un personaje principal brillante, generando una
profundidad. Moreau tendrá discípulos entre los que destaca Matisse. Moreau será
muy importante para los surrealistas.
En Austria destaca Gustave Klimt, donde en sus pinturas morales y lienzos, da vida a personajes
impregnados de erotismo, con fondos dorados, empleando teselas.
55
3.5.5. Impresionismo (1874-1886).

El Impresionismo surge simultáneamente con el Simbolismo, la diferencia es que el Impresionismo es la
primera corriente que surge como una innovación, que da entrada a la gran evolución del arte del siglo
XX. A lo largo de la Historia del Arte se rompe con lo tradicional, pero estos romperán con la imagen
tradicional y los moldes anteriores. Se desarrolla en las tres últimas décadas del siglo XX, surgiendo en
Francia, y hacia 1864, lo van a iniciar una serie de pintores franceses en el Café Guerbois de París, y tienen
en común las mismas inquietudes, y el deseo de crear algo nuevo.
Serán en 1874 cuando este grupo de artistas crean una sociedad, la Sociedad Anónima de Pintores,
Escultores y Grabadores, que surge para crear una serie de exposiciones o salones que serán una alternativa
a los lugares donde se exponían los cuadros, bajo la regulación de las grandes academias, y donde no todo
el mundo podía exponer. Ellos pretenden organizar una serie de exposiciones privadas, debido a la
dificultad de exponer ahí por salirse de las normas.
La fecha de la primera exposición será 1874, y precisamente será en un estudio de un conocido fotógrafo
del momento, Nadar. Con esta exposición se inaugura este
movimiento, disuelto en torno a 1886, cuando comienza a
cuestionarse el Impresionismo, surgiendo el Neoimpresionismo.
En 1874, en esta primera exposición, un pintor desconocido, Claude
Monet, expone Impresión, Sol naciente, realizada en 1872. A esta
exposición llegan una serie de críticos que ven las diferencias con
respecto al arte anterior, y llaman de manera peyorativa a estos
artistas “Impresionistas”, a partir de esta obra.
Las conquistas de este movimiento se basan en aportaciones científicas del siglo XIX, como las teorías de
los colores complementarios y la ley de contrastes simultáneo del físico francés Chevreul, que crean el
método de división del color, además de las teorías de la luz, y los descubrimientos de la fotografía.
El método de difusión del color se basa en que, antes se aplicaban las mezclas en la paleta del artista, que
se aplica directamente en el lienzo; pero ellos aplican los colores primarios sobre el lienzo, con unos trazos
y pinceladas cortas y ágiles, surgiendo la mezcla en la retina del ojo, al visualizar la obra cerca se ven los
distintos colores, pero de lejos se mezclan según estas teorías. Además de los colores primarios y
secundarios saldrían los colores complementarios (violeta – amarillo, naranja – azul, verde – rojo),
surgiendo contrastes.
Las teorías de la luz, que ya se habían tenido en cuenta en autores como Constable, que veía como la luz
incidía en objetos y espacios, y tenía consecuencias, reproduciendo lo más fiel posible la realidad. Con la
fotografía se podía reproducir lo más fiel posible un paisaje en teoría, pero en la práctica el Impresionismo
se aleja del Realismo.
En Impresión, Sol naciente, se ve naranja, pero son trazos amarillos y rojos que se fusionan en la retina,
con tramos cortos y ágiles, produciendo una pintura mucho más diluida en fondos y contornos, que se
pierde, aunque luego vuelve a principios del siglo XX. Claude Monet será el impresionista más puro. No
interesan los temas mitológicos, sino los temas banales e intrascendentes, no tendrá ningún símbolo, ni
sentimiento, es el arte por el arte, por el amor a la pintura, y por ello se centran en el paisaje, que tendrá la
mayor difusión y práctica, pues ponía en práctica estas teorías del color. La pintura impresionista, por
tanto, va a ser muy colorista, con trazos ágiles, muy luminosa, muy vitalista, amable, alegre y vital.
La pintura impresionista va a desmantelar la realidad, viendo y reflejando la luz tal cual, pero la diferencia
aquí está en que Constable lo reproducía según el Realismo, con contornos delimitados, aquí se hará una
56
pintura con un contorno totalmente deshecho. La pintura no es excesivamente objetiva ni minuciosa, sin
necesidad de perfilar la pintura.
Otra de las conquistas impresionistas será la aparición de la pintura plein-air, es decir, al aire libre. Pinta
todo el cuadro en el exterior, pues querían ver como la luz incidía y era un momento fugaz, así, tomaban
una impresión. Monet es la personificación del movimiento, pues es el que más se encuadra en el
Impresionismo. También se inicia la abstracción, terminando con la figuración.
Además de en dichos aspectos, los Impresionistas van a tomar una pintura española del siglo XVII,
concretamente Velázquez, que comienza a emplear esta pintura, y posteriormente Goya. Estas pinturas se
podían ver en el Palacio del Louvre, además de a sus viajes a España, sobre todo Manet.
Monet será un impresionista puro, empleando los colores puros. Monet hace un viaje en 1870 a Londres,
donde descubre a Turner, que le influye, aunque también el clima, que será muy relevante para él. Él verá
climas de invierno, con niebla espesa, y donde la luz no incide. Monet hace un viaje y pinta al aire libre,
donde pinta este Impresión, Sol naciente, que sería distinto si lo
hubiera plasmado más tarde. Se centra en como incide la luz en el agua.
Él emplea la barca, que es un objeto móvil, para pintar un tema banal.
Monet viaja a Argenteuil, donde pinta Regatas en Argenteuil (1872),
donde se sieguen las mezclas de colores, la pintura al aire libre. Es una
pintura vitalista, muy colorista, con
vistas marítimas o fluviales, pero lo
que le preocupaba era la incidencia de la luz en las aguas.
Otro ejemplo es Las Amapolas (1873), que sigue las mismas
características, otra vez, aunque aquí no hay agua. Las amapolas son
manchas, sin contorno, al igual que las figuras humanas, con un contorno
difuminado. La figura humana es
secundaria.
La serie de “La estación de Saint-
Lazare”, de París (1876-1877) es una
serie importante de Monet. Parece la de
Turner, con la entrada de una
locomotora que difumina los contornos. Es una instantánea y un tema
banal. La niebla se diluye con el ambiente, que es vaporoso. Al igual,
con la serie de “La Catedral de Rouen” (1892-1894), de 40 lienzos, se ve la misma imagen, pero a distintas
horas, con luces distintas, lo que implica pintar “à plein-air”. Si se ve de
cerca, se ven todas las características de la catedral, aunque los contornos
estén difuminados.
Finalmente, la serie de “Los Nenúfares” (1920-1926), es en su época final,
cuando se retira a un pueblo, Givernir, donde vive en una pequeña casa
con un estanque, y pinta la naturaleza, sin perspectiva ni profundidad. EL
contorno está totalmente perdido. Inicia la pintura de ninfeas y nenúfares
a partir de 1895, realizando más de 200 cuadros sobre el tema.
Edouard Manet es Preimpresionista, que muestra un gran avance, pero no llega a ser impresionista, pero
se considera del grupo porque siempre estará en contacto con ellos, haciendo que finalmente practique un
57
impresionismo. Utiliza tonalidades oscuras y negras, mientras que

el Impresionismo es colorista y apenas emplea el negro, mientras
que Manet abusa del negro para contrastar con los blancos y
colores claros. Manet se forma en el Realismo. Su gran obra es
Almuerzo en la hierba (1863).
No es Impresionista por la carencia de la técnica de pincelada
corta de aplicación del color, por ejemplo, la mujer es
prácticamente del mismo color, por lo que emplea una pintura
más bien plana. Además, no suele pintar al aire libre, salvo en
algunos cuadros. Igualmente, le interesa mucho la figura humana, que a los impresionistas no, y las delimita
con contorno. No obstante, si que tiene una gran preocupación por la luz. Evoluciona aclarando los tonos.
Esta pintura fue un pequeño escándalo, por la figura femenina desnuda, que contrasta con los dos hombres
vestidos que charlan entre ellos. Manet viaja a España, viendo a los
artistas que influyen a los impresionistas. Pinta de forma minuciosa
este bodegón, perfectamente delineado, de manera realista. Esta
pintura se expone en un salón de esta época, fundado por Napoleón,
el Salón de los Rechazados.
Mayor escándalo creará Olympia (1863), donde la mujer fue
identificada, era una famosa prostituta. La composición recuerda a
Goya (La Maja) y a la Venus de Urbino de Tiziano. Son pinturas de contraste,
de blancos de las sábanas y de la mujer, que contrasta con la mujer negra y el
fondo verde oscuro.
El fusilamiento del emperador
Maximiliano (1868-1869), que muestra la
influencia de Goya con sus fusilamientos.
Distribuye el color de forma muy plana. El Concierto en el jardín de
las Tullerías (1862) es otro ejemplo, donde iban las clases altas ligar,
contrastan las tonalidades claras y las oscuras.
Un bar del Folies Bergères (1881-1882) muestra la influencia del
Impresionismo, con detalles decorativos en los que emplea la técnica
impresionista, aunque pintar interiores no es típico del Impresionismo. Hay
una difuminación de las personas de este bar.
Edgard Degas, al igual que Manet, no es del
todo impresionista, aunque lo práctica más que Manet, aunque estaba
integrado con ellos, y exponía con ellos. Por ejemplo, en Le Tub o la
Bañera (1886) aparece la figura humana como protagonista, y es en
interiores. Fundamentalmente da importancia a la luz artificial, y apenas
pinta paisajes. Los dos temas fundamentales de Degas son los interiores
íntimos, asociados a la figura femenina, y tiene una gran cantidad de pinturas de mujeres que están en un
momento determinado de aseo personal. Para estudiar la luz y captar el movimiento, emplea la carrera de
caballos y el baile, que son sus temas principales, es por esto por lo que se considera impresionista.
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El desfile (1866-1868) es un ejemplo de las carreras,

al fondo se ve como el contorno diluye con el
caballo en movimiento. Él mezcla los colores en la
paleta, lo que lo separa de los impresionistas. El
tema del baile es su favorito, plasma el movimiento
de la danza, suave, leve… un ejemplo es los Músicos
en la orquesta (1872). Se ve como la luz se difumina
con las telas, y el escenario parece natural,
pero no se sabe donde aparece, mientras que los músicos son mucho más
realistas. Hay personajes cortados a la mitad, y emplea picados típicos de la
fotografía, con enmarques atrevidos. Las clases de danza son otro gran ejemplo,
o en L'Étoil o La Estrella (1876) es su mejor ejemplo, donde la dulzura femenina
y el baile sutil, con el picado que emplea, hace que el perfil se diluya. Bailarina
basculando (Bailarina verde, 1877-1879) es otro ejemplo.
Renoir es otro gran ejemplo, que utiliza mucho la
figura humana, pero aparecen todas las
características del Impresionismo. Junto a Monet,
son los dos máximos representantes del Impresionismo. En El Columpio
(1876), se ve como le interesa la luz, que influye en la vestimenta que se
difumina.
Renoir será el pintor de la vida y la
felicidad, con momentos de diversión y
placer, de reuniones y bailes… lo que
muestra Le Moulin de la Galette (1876),
donde aparece la luz que incide en los
propios ropajes, que están debajo de
una arbolada, lo que refleja la luz de
manera peculiar. El almuerzo de los remeros (1881) es una comida donde la
gente habla y pasa el tiempo, con comida y vino en la mesa.
El Impresionismo se expande a otros países,
y cambia según el clima de esos países. En España, la gran figura será
Joaquín Sorolla. El clima influye en su pintura, puesto que se deben adaptar
al clima típico español, con más sol y calor, y habrá contrastes con las
sombras para resguardarse del sol. Tiene un brillante luminismo, que
caracteriza a Sorolla. Se llama luminismo impresionista. Hay sol y manchas
de luz, pero también contrastes. Un ejemplo es Nadadores, Jávea (1905),
donde se ve como la pincelada cambia, y es mucho más larga como se ve en las figuras y en el agua.
Otro ejemplo es el Baño del caballo (1909), donde se
ve la gran luminosidad del sol, producto totalmente
del clima español. El trazo del agua es mucho más
largo, y perfile la onda del agua. En Paseo a orillas del
mar (1909), se ve las sombras, el rostro de la mujer. Es
una hora muy soleada y las mujeres llevan sombrero
por ello, hay un contraste también en el paraguas, con respecto a los vestidos
blancos. Sorolla será un pintor de exteriores, pero sobre todo de la costa.
59
Las mismas características se ven en Niños en la playa (1910), en los que

se ve el sol completo en los niños, con el calor del verano del Levante.
3.5.6. Neoimpresionismo (hacia 1884).
A partir de esta fecha, hay una crisis del Impresionismo, y pintores más
jóvenes impresionistas forjan una nueva asociación en 1884, que será la
Sociedad de Aristas Independientes. Partiendo del Impresionismo, retoman el Salón de los Rechazados,
conocido como el “de los independientes”. También se le conocerá como Divisionismo o Puntillismo.
La innovación que toman consiste en que, partiendo del Impresionismo, van a
querer dotar al Impresionismo de una base científica rigurosa, consiguiendo
que esa pintura tenga una imagen mucho más geométrica, como se ve en el
Baño en Asnières (1883-1884), de George
Seurat. La pincelada no será corta, sino serán
puntos (puntillismo) y dividen los colores para que la retina lo mezcla
(divisionismo). Pero al ser tan rigurosa, tenga una base tan geométrica,
como se ve en Una tarde de domingo en la Grande Jatte (1884-1886),
también de Seurat. Se definen de esta manera el volumen, las formas y
contornos… por la rigurosidad de los puntos. La sensación es muy
estática.
Seurat fundará este movimiento que parte
del Impresionismo, y que dará un
producto totalmente distinto. Paul Signac
será el principal discípulo de Seurat, como
se ve en Retrato de Félix Féneon (1890), un crítico del arte. Es una pintura
muy colorista, y Signac emplea colores primarios que se mezclan en la
retina. El puerto de Marsella (1905-1906), de Signac, mezcla los colores, con puntos rectangulares. Es, por
tanto, una pintura mucho más estática.
3.5.7. Postimpresionismo (hacia 1886).
El Postimpresionismo es otro movimiento de finales del siglo XIX, que surge cercano del
Neoimpresionismo, cuando el Impresionismo se va disolviendo y los impresionistas veían que no podía
avanzar más. Un grupo de pintores heterogéneo en torno a 1886, que parten del Impresionismo, deciden
que el Impresionismo había llegado a su fin, y toman otro camino, en el que la necesidad de recuperar la
forma, el dibujo y el volumen es lo único que les engloba. El mérito de estos artistas es que enlazan con
la pintura contemporánea del siglo XX, sobre todo de las Vanguardias.
Vicent Van Gogh será uno de los pintores más avanzados de la época, con una vida muy complicada, un
cúmulo de frustraciones sentimentales y sentimentales que le hacen dedicarse muy tardíamente a la pintura,
durante los diez últimos años de su vida, hacia 1880, tras no poder desarrollarse como sacerdote. Le
interesa mucho la pintura realista de Millet. Pero en 1885 viaja a Bélgica y le interesa la exuberancia
cromática de Rubens, que lleva a su pintura: movimiento y explosión de color. En el 1886 se va con su
hermano a París, que decide que se retire a un asilo psiquiátrico (Arlés) en 1888. De 1888 a 1890, cuando
se suicida, quedan consideradas las características de su pintura. En vida solo vendió un cuadro.
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Sus características se ven en su retrato (1889), con una pincelada larga y enérgica,
movida y tortuosa, para volcar ese estado de convulsión y sufrimiento en la
pintura. Tiene una exuberancia cromática de Rubens, y emplea el color como vía
para transmitir sentimientos. Y el propio color habla de la inestabilidad, utiliza el
color como vehículo para expresar sentimientos humanos. El color tiene un
carácter expresionista. Otra característica es la densidad de la pintura, y lo movida
que es su pintura.
La habitación de Arlés (1888) es otro ejemplo,
con colores exaltados. Igualmente, los Girasoles
(1889) es cuando tiene ese espisodio en el que
se corta la oreja. La Noche estrellada (1889)
muestra todas sus características, como el
nerviosismo y la tensión, la pintura movida, el
colorido, y la pincelada densa y larga. La iglesia
de Auvers-sur-Oise (1890) es el pueblo donde
él muere, y representa el color como vehículo
de expresión (frustración, y mundo interior
convulso).
Paul Cézanne, a diferencia de Van Gogh, que
emplea el color para expresar sentimientos,
Cézanne tiene una pintura que es la esencia y
síntesis de la forma geométrica: el cono, el círculo
y la esfera básicamente. Es una pintura muy
simplificada, y será precursor del constructivismo
y del cubismo. Esto se muestra la serie, “Los
jugadores de cartas”. La pintura se divide en dos
partes, con un tema intrascendente, en el que
intenta recuperar la forma y el volumen con
formas geométricas. El color lo emplea para
recomponer el volumen, como en el bodegón de
Manzanas y naranjas (1899). Los grandes bañistas
(1906) es totalmente geométrica, con una
composición ordenada, y emplea el color para que de
volumen a las propias figuras.
Paul Gauguin es otro de los pintores, que, a diferencia de Cézanne, que sintetiza
lo geométrico, Gauguin será la síntesis y esencia del color, no tanto para expresar.
Emplea colores arbitrarios, que no tienen que ver con la realidad, como el Cristo
amarillo (1889). Tendrá un carácter simbolista, pero es una pintura muy
simplificada. Esta obra muestra la sencillez del pueblo, volviendo al origen: la
sencillez, perdido por el progreso material del siglo XIX. Son escenas sencillas que intentan mostrar
pueblos apartados religiosos.
Estaba casado y con hijos, y dejó su trabajo para pintar, donde no le fue bien. Él decide viajar a la Polinesia
francesa, donde descubre un paraíso en el primitivismo del mundo aborigen, pues tiene una simplicidad
no contaminada por el progreso materialista, y expresa estas pinturas de indígenas, como Las mujeres de
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Tahití (1891), que son escenas estáticas, de

vida pasiva, y emplea el color para
recomponer el volumen, como en Arearea
(1892). Él creía que este ambiente no estaba
contaminado. ¿De dónde venimos? ¿Quiénes
somos? ¿Adónde vamos? (1897) es otro
cuadro, con indígenas de color amarillento, y
una vida totalmente sencilla.
El último pintor postimpresionista es Henri de Toulouse-Lautrec, que

es la síntesis y esencia de la línea y el dibujo. Tendrá un gran éxito en
vida, porque destacó como dibujante, empleándolo para todo aquello
que no podía realizar físicamente, pues dos caídas en caballo lo dejan
con una cojera permanente, además tiene una enfermedad ósea, que le
hace que no crezca. Pero traspasa su nivel de superación a la pintura,
pues crea una pintura en movimiento absoluto, con un dibujo rápido,
con gran maestría, como se ve en Baile en el Moulin Rouge (1890) en
su bailarina. En Montmartre visitará bastantes cabarets y
casas de citas, y pintará estas bailarinas, estas prostitutas,
pero sobre todo el movimiento, puesto que el no podía
hacerlo.
Salón de la Rue des Moulins (1894) es un retrato de
conjunto de unas prostitutas, pero las dignifica. La
inspección médica (1894) refleja a estas mujeres con toda
la dignidad, y refleja su vida cuotidiana. Pero él destaca por el movimiento, como
en sus carteles de 1895 y 1891. Él será el gran descubridor del
cartel, y del mundo publicitario, generalmente de cabarets.
3.5.8. Modernismo (1890 – 1910).
Gustave Klimt destaca en el Modernismo, además de en el
simbolismo. De hecho será uno de los fundadores de la Secession Vienesa, y hace una
pintura totalmente decorativa, con una línea sinuosa interminable, la vuelta al mundo
vegetal y a lo decorativo. Él pinta mujeres con connotaciones eróticas, bellas enigmáticas
y seductoras, envueltas en un carácter fatalista, como Salomé o Judit (1901). Él emplea
62
muchos dorados. Judit tiene un cuerpo muy natural, pero con mucho dorado posterior.
Judit II (1909) es otro ejemplo, con un carácter decorativo y muy oriental, debido a la
influencia de los mosaicos bizantinos. Tiene pintores a partir de retales.
También es decorador de murales en
palacios modernistas, como los murales
del Palacio Stoclet, el árbol de la vida
(1905), en la que aparecen personas a
ambos lados. A la derecha aparece un
abrazo, en el que emplea la alegoría de la
satisfacción, y el árbol que es el árbol de
la sabiduría. Destaca en la expectación (figura de la izquierda) muchos dorados.
En el retrato de Adele Bloch-Bauer se ven
sus características, con un retrato perfecto,
pero cubierto con dorados y piedras
preciosas que en verdad son pinturas. Su
obra más famosa es el Beso (1908), donde
da ese carácter que remata el siglo XIX e
inicia el siglo XX.
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TEMA 4. Arte del siglo XX.

Las Vanguardias buscan hacer tabula rasa, es decir, romper con lo anterior, e intentar postular hacia una
nueva mirada de proceder. Cada uno tiene un postulado distinto, los surrealistas desde lo inconsciente, los
cubistas desde una mirada distinta, los fauvistas desde el color salvaje… pero todas las Vanguardias tienen
la necesidad de romper con el arte anterior.
4.1. Expresionismo.
En 1917, el clima alemán es totalmente distinto al de la Unión Soviética, y hay que tener en cuenta que en
Alemania comienza una crisis económica, con un clima social de tensión. Así, el arte evolucionará bajo
varios conceptos. En la Unión Soviética hay un deseo optimista, totalmente contraria a lo que ocurría en
Alemania. La Unión Soviética quería crear un súper hombre, mientras occidente sufre amargura.
En Escandinavia destaca Eduard Munch, que nace en 1863 y muere en 1944, y entra en la primera
generación expresionista. Coincide con el Art Nouveau, y las tendencias impresionistas, que dan paso al
fauvismo. Destaca la transición de un arte a otro, pues el artista siempre está aprendiendo. A finales de
1890, Munch tiene un estilo totalmente formado, con curvas sinuosas, un colorido arbitrario, en algunos
casos con composiciones de campo, totalmente direccionados. Esto viene porque a Munch le obsesionaba
la enfermedad y la muerte, debido a la muerte de su madre y su hermana de
tuberculosis, de la que él también estuvo enfermo.
También le interesaba la mujer, como “Pubertad” (1894), en la que aparece una niña
o adolescente, sentada en una cama, con cara de circunstancia. Aparece una sombra
siniestra. Se trata de una niña, con miedo, siniestralidad a la muerte. Utiliza los juegos
de colores para sugestionar también al espectador, direccionándolo hacia una idea o
hacia otra.
Pero la obra más conocida de Munch es el “Grito” (1893), con naturaleza, que
genera profundidad, con cielo y río, unión del cielo con la tierra, unos
barquitos, que dan sensación de calma, y un personaje principal a medio
cuerpo en un primer plano, que aterra, puesto que le ocurre algo al personaje,
con angustia. Destaca la soledad del hombre, vinculado a la muerte y la soledad
del hombre, pero con colores brillantes para sugestionar al espectador, sobre
la verdadera idea del miedo y el terror. Munch simboliza el simbolismo, el
Modernismo, y el expresionismo. Munch fue amigo de Van Gogh, Gauguin y
Bernard, entre otros, y al relacionarse expresaban sus ideas a la hora de plasmar
el arte. La mayoría se hallan vinculados a un movimiento literarias que genera los “ismos”, y que quiere
proyectar una nueva visión del hombre. Munch será quien realiza con mayor fuerza esta doble función.
Kandisnky, nacido en Moscú, y será el máximo exponente de la Unión Soviética.
Querrá dar a conocer emociones, con su paleta de colores. Su arte ayuda a continuar
evolucionando en la búsqueda de las emociones, con un fuerte impacto psicológico.
Surge un movimiento, “der blaue Reiter” (jinete azul), del expresionismo alemán, que
une expresionistas como Kandinsky. Él aúna una paleta de colores brillantes, pero
no quiere pintar el realismo, porque ya existe la fotografía, y la luz artificial, y solo
quiere mostrar las líneas para expresar sentimientos. Murnau con Iglesia, muestra un
pueblo, con una iglesia y casas.
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Kandinsky busca representar el sentimiento, dando lugar a una pintura

abstracta. Destaca la primera acuarela abstracta, que da una sensación
de emoción, de tensiones de concordancia y discordancia, que dotan
a la composición de una estructura individual y anónima, que busca
expresar la belleza. Kandinsky busca romper con el Renacimiento y
las tendencias anteriores. Él busca juntar colores para mostrar
sentimientos. Kandinsky no suele emplear el negro en sus composiciones, amplias.
4.2. Surrealismo.
El Surrealismo es una expresión que se da a conocer en 1917, y se presta atención a la fantasía, con la
evolución de las vanguardias, unidas a la expresión literaria, en este caso de la revista “Literatura”. La
pintura surrealista aparece en 1925, con una exposición, y tiende a la
abstracción, con universos y mundos. Intenta aportar emociones.
El máximo exponente es Miró, nacido en 1893 y muerto en 1983, y en sus
comienzos se apoya en los pintores que conocía Munch,
como Van Gogh, Cézanne, y evolucionará y se vinculará
al cubismo. Destaca de Miró Tierra Labrada, que es un
campo o una granja, con un paisaje rural, solo con elementos aislados, jugando con los
sentimientos del espectador. Lo importante son las líneas, no la realidad que se puede
plasmar en una fotografía. En 1945, tras las guerras, el lenguaje de este artista evoluciona
y es mucho más abstracto que el anterior, y pinta
grandes superficies. Destaca Mujer, Pájaro y Estrella.
Destaca también Dalí, con el Gran Masturbador. Dalí se reúne con
pintores, como la mujer Gala, mujer de un poeta surrealista, surgiendo
una pasión. Posteriormente se da una separación. Dalí se representa como
un ser sensible, con los ojos cerrados, con una nariz grande, un anzuelo
roto en su cuero cabelludo, como si estuviera pintado por gala. Los cantos
rodados de la obra, y las conchas marinas, son los paseos en el mar que daba con Gala. El león es símbolo
de pasiones, y el saltamontes con hormigas es la detumescencia, la disminución de una hinchazón del pene.
Dalí busca mostrar lo que le ocurre al separarse de Gala, un sentimiento. Es una iconografía daliniana, con
un dibujo precioso y académico, interés por los clásicos. Las formas naturalistas están descontextualizadas,
hay formas ambiguas…
De Dalí destaca la persistencia en la memoria, de 1931, donde marca una
luz irreal, con un espacio infinito, con elementos de Cadaqués, donde
estuvo con Gala. Destacan los relojes derritiéndose, que muestra el devenir
del tiempo, los sueños y los delirios.
Otro ejemplo es el retrato de Mae West, que muestra la
experimentación con la tridimensionalidad. Canibalismo de otoño muestra una
descomposición de partes anatómicas, o Sueño provocado por el vuelo de una abeja
alrededor de una granada, donde el león es símbolo de pasión. En enigma sin fin es otra
obra, o Galatea de las esferas, Gala viendo el Mediterráneo y rostro de Abraham Lincoln,
Las tentaciones de San Antonio, Jirafas ardiendo, Corpus hipercubicus, Cristo de San Juan
de la Cruz, que muestran la vinculación al cubismo.
65
4.3. Fauvismo y expresionismo alemán.

Las primeras etapas del siglo XX están marcadas por la fotografía, que plasma la realidad, que ya no
interesa. En 1900 Freud publica la Interpretación de los sueños, y en 1905 Einstein publica su teoría de la
relatividad, por lo que espacio y tiempo son independientes, e intentan romper con esta idea renacentista,
dando paso a la llegada del cubismo y del futurismo.
El Fauvismo proviene de “fauves”, fieras, que procede del cuadro
Donatello parmi les fauves. Surge con Matisse en una exposición en el
salón de otoño en 1905, que provoca un escándalo, puesto que dan a
conocer algo totalmente distinto con lo conocido desde la Edad Media
hasta sus momentos. Se siguen reuniendo y compartiendo sus ideas,
además de su obra. Para Matisse la composición es
el arte de manifestar sentimientos a través de la
descomposición de la misma. Matisse da mucha
importancia al color, con la idea de Munch de
realizar campos de color, pero Matisse emplea muchos más colores, pero en un
mismo campo sin entremezclarlos. En Lujo, calma y voluptuosidad los colores
lejanos son más fríos y los cercanos cálidos.
Posteriormente evoluciona a dar la idea de
abstracción, con diversificación del color en campos diferenciados,
acentuando contrastes, como la Raya verde, que separa las sombras de las
luces. La Danza muestra diferenciación de campos
de color, pero con poca gama crea profundidad. Y
Mantel: armonía en rojo, que muestra como en los
interiores abre una ventana para generar profundidad, en los interiores utiliza
colores artificiales, en el exterior colores reales.
4.4. Cubismo.
Picasso es el máximo exponente, pero para que llegue al Cubismo tiene que evolucionar,
comprender y practicar, hasta llegar a conseguir el elemento que busca. Picasso nace en
1881 y muere en 1973. El cubismo es la ruptura total con el Renacimiento, con el mundo
académico y el que quería pintar al natural y plasmar la realidad en la obra. No obstante,
en un primer momento pinta obras como Mujer con abanico, con un aire clasicismo y
que rompe con la moralidad del momento, pues antes las obras de desnudo eran
sensuales y para un público específico, pero no es pornografía, como en el Origen del
Mundo de Courbet, que es una obra sensual y que muestra una emoción a un público en concreto. Picasso
está evolucionando y rompiendo la moral, pues la obra está hecha para cualquier público, y muestra la
sensualidad por el abanico, que es un lenguaje de signos que muestra una comunicación femenina.
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Picasso tiene predilección por expresar la estructuración o desestructuración de los

cuerpos, como el Dos desnudos, que muestra el mundo primitivo, pues está en una
cueva que genera profundidad. Estos pintores muestran su relación con el mundo
exterior a occidente, y con el mundo primitivo, a partir del siglo XIX.
Las Señoritas de Avignon, es el punto de llegada del Cubismo, y se realiza en 1907,
dándose a conocer en 1916 en París. Se inspira en una cultura ibérica, con los rasgos
de una mujer, en rasgos africanos, como en las máscaras. Se
dice que representaba un prostíbulo de Barcelona, en la calle
de Avignon, y que lo pinta para los espectadores
masculinos, como punto intermedio entre el interior y exterior de la obra. Sus
composiciones son triangulares, y aunque quiere huir del Renacimiento, influye
en él. Según los literatos de la época, Picasso sienta las bases de una pintura
nueva, con leyes que nada tenían que ver con el academicismo y el
Renacimiento.
En 1900 llega a París y pinta escenas frías, que son ideas de
desamparo, como el Viejo Guitarrista, que marca la “etapa azul”. Y entre
1905 y 1907 son escenas de circo, con tonalidades frías y una paleta de
color cálida, con rojos. Y en los siguientes años, evoluciona hacia Mujer
con mandolina, descomponiendo la obra en sí, pero que nos hace ver y
conocer una estructura compleja. Es un cubismo de análisis.
Posteriormente realiza el primer collage de la Historia del
Arte, naturaleza muerta con asiento de rejilla, un bodegón, con una paleta de
colores apagados, como grises y tonos verdosos. Aparece tipografía del
periódico de la época, y emplea el enrejado en la parte inferior, y rodeo el
cuadro con una soga de cáñamo, enmarcando el cuadro. Así pasa al cubismo
sintético. Intenta dar a entender que la obra de arte es una estructura, que hay
que estructurar y organizar.
Pero, en 1936, con la Guerra Civil española, Picasso era
republicano y expone el Gernika, como protesta contra la
violencia y la muerte. Tiene unas dimensiones bastante
grandes. Muestra el bombardeo de Gernika, un día de
mercado, con niños en el colegio y gente en la calle. Hay
un carácter desencajado de los rostros. Introduce el toro porque a partir de los años 30 se introduce en la
tauromaquia porque se vinculan al mundo de la muerte y la sangre, consciente de su antigüedad, como la
lucha de los animales en el Coliseo.
El toro es símbolo de una fuerza intuitiva, y emplea el caballo como si se tratase de amor y pasión, con la
idea de orgasmo. Así, pone la idea de amor y muerte. La República le encarga esta obra para la exposición
universal de 1937, y Picasso elige este tema del bombardeo nazi, donde se ven esos elementos, con el
pájaro, la mujer, el guerrero, el niño. Se ve arte, pero también la
representación político social del momento. El niño es el único con la
boca cerrada, el toro es el único impasible, hay un canto a la esperanza
con una mujer que ilumina, pues mientras hay vida hay esperanza.
67
Termina la Guerra Civil y la Guerra Mundial, y en 1946 surge una nueva visión más optimista de Picasso,
donde hace reflexiones sobre lo que conoce del pasado, realizando 58 cuadros de las Meninas, con una
gran capacidad de innovación.
Curiosa es la negación de Picasso sobre que no se inspiró en el arte negro
no occidental, mientras que se publicó una fotografía en la que aparecía
con máscaras africanas. Además, hay obras en las que se ve una gran
semejanza con estas máscaras, como las de la cultura Fang de Camerún, o
Nimba. Además, en cuanto al “Picasso primitivo”, se ve un toro
descompuesto de colores negros, con elementos esquemáticos. No
obstante, Picasso no fue el único en emplear la cultura de las tribus en sus obras, como Henri Matisse,
donde se ve una figura con rostro de una máscara de Gabón, Max Ernst o Paul Klee también se inspiraron
de estas culturas. Pero lo primitivo no se percibe como un estado de no desarrollo, sino como un acceso
a las capas más profundas, íntimas y fundadoras de lo humano.
4.5. Constructivismo y suprematismo.
En Rusia, el arte está unido a la sociedad. En este momento se pueden revisar dos tendencias
fundamentales en Rusia: el arte como investigación estética, representada por Malevitch, y el arte al servicio
de la sociedad, representado por Vladimir Tatlin. El arte debía integrarse en la vida cotidiana
indisolublemente.
Tatlin veía la necesidad de un constructivismo, es decir, el arte como trabajo, negando la parte estética y
del sentido individual de la producción, pues en la Revolución se perdió el individualismo, apostando por
lo colectivo. Frente al arte puro que manifiestan los que indagan en la esencia del arte, destaca el arte al
servicio de la revolución. Así se fusiona con lo industrial, con la tecnología… que
consideraban motores esenciales del cambio social. Este compromiso se manifiesta en con
una asociación, que une a artistas de todos los ámbitos, que giran hacia ese sentido.
Vladimir Tatlin llegó al constructivismo, como se ve en Contrarrelieve
(1914), con un único punto de vista, una inserción de planos y formas,
parecido a un cubismo llevado a la estructura. Pero tras la revolución,
realiza el Monumento de la Tercera Internacional (1920),
convirtiendo lo industrial en cuerpos que giran sobre sus ejes. Y este
era el emblema del socialismo. Era de acero y cristal, que muestra una
síntesis entre el progreso tecnológico y una nueva trascendencia.
Naum Gabo, frente a Tatlin busca la propia expresividad de las formas, aunque no
tenga un sentido político, si tiene una estética maquinista e industrial. Destaca Cabeza
y Torso (1916).
Pero la mayor figura es Kasimir Malévich (1878-1935), que crea el suprematismo, de la tendencia que
indaga en la propia condición del arte. Tendrá cuatro etapas: la de aprendizaje (1904-1912), con influencia
del impresionismo de Monet, y del cubismo, posteriormente será futurista, con su etapa cubofuturista
(1912-1914), posteriormente será suprematista (1915-1926), y luego regresará a la
realidad (1927-1935).
En su primera etapa, vio una obra de Monet y vio que ahí tenía origen la pintura. Él no
quería representar luces y sombras, sino que solo necesitaba la pintura, como muestra
Iglesia (1905). En su pintura va a hablar de un mundo no objetivo. Posteriormente pasa
distintas vanguardias, hasta llegar a cierto cubismo que le permite analizar los objetos,
68
pero siempre con un primitivismo. La búsqueda de lo primitivo fue esencial, que está relacionado con el
nacionalismo, buscando unas raíces: la religión y el ideal de vida campesina.
Esto se muestra en el sudario de Cristo (1908), con ideas
trascendentes y religiosas. No se ha estudiado mucho este
periodo, pues el propio artista apenas le da importancia en
su biografía. Pero conceptualmente es de gran importancia
porque está en el fondo de los desarrollos conceptuales de
su obra posterior. Un Bañista (1911) muestra la liberación del
color. En el Paseo (1911) es una mezcla del fauvismo, y
Campesinos en la Iglesia (1911) recuerda a las Señoritas de Avignon, pero sin el
sentido burgués de Picasso.
Pero a partir de 1912 hay un segundo periodo, más cubista,
como muestra Recolectores (1912), en el que hay volúmenes contundentes y casi
autónomos. El Leñador (1912-1913) es otro ejemplo. Da lugar al cubofuturismo, pues
hay un volumen cubista, y elementos futuristas, como también muestra el Afilador
(1912-1913).
Y posteriormente llegará su obra más icónica, Cuadrado Negro
(1915), que inicia el suprematismo, que se caracteriza por el
desvanecimiento del objeto, con la abstracción más radical.
Representa la desaparición de lo tangible, con relación con el
interior. Son colores puros y formas geométricas, llegando a la
inobjetividad, pues no hay ningún objeto que representar, pero si
sensaciones. El Blanco sobre lanco es otra obra muy emblemática. Los colores tienen
significados: el blanco tiene que ver con la acción pura, el negro con la economía, y el
rojo con la guerra. Lo importante es la sensación. Él vivió el suprematismo. Luego
evoluciona, y Aeroplano en vuelvo (1915), y hay más formas, con movimiento, y se
relaciona con la mitología del vuelo, pero no con las máquinas, pero sí con el mismo
vuelo como liberación de la gravedad.
El final será muy triste, pues será criticado por otros artistas, y se le verá como un
arte degenerado que no retrata al pueblo. Pintará composiciones en su última etapa
con cierto cubismo, o de otras Vanguardias, o incluso renacentista, como muestra su
autorretrato (1933), donde firma con un cuadrado negro sobre fondo blanco. Es una
visión poco alentadora y un periodo oscuro.
4.6. Futurismo.
Les interesa la vida moderna, nunca miraron hacia atrás, y solo miraron al futuro, relacionado no tanto
con el estilo sino con su ideología. Bajo esta etiqueta se aúna a una serie de artistas, bajo una creencia en
el futuro y el rechazo radical del pasado. Era una corriente que tenía una gran fascinación por los nuevos
signos de los tiempos, sobre todo la velocidad, pues decían que un coche de carreras era más bello que la
Victoria de Samotracia. Así pues, tras la Segunda Guerra Mundial se crea una nueva percepción del mundo,
como en el periodismo, entre otros ámbitos, o con la cultura de masas.
El primer manifiesto futurista (las Vanguardias suelen tener manifiestos donde explican sus inquietudes),
salió en 1909 por Marinetti, que será asesor artístico de Mussolini. Muchos artistas transitaron muchas
corrientes, pero Marinetti será fiel al futurismo. El futurismo, por su gusto por lo beligerante y la violencia,
será filofascista, y buscaban la glorificación de los nuevos tiempos, o que la tecnología redimiría el mundo.
69
El Futurismo bebe de una seria de influencias,

como el Simbolismo, del Divisionismo o
Neoimpresionismo (la pintura como ciencia),
y el Cubismo, que se adaptó a las necesidades
futuristas. Son tres las cuestiones básicas: la
sinestesia y la cinestesia (captación del
movimiento), la introducción de las teorías de la visión y la condena al
pasado, contrario al estatismo y a la burguesía acomodada. Por ello, son muy influidos por Muybridge, que
con sus fotografías captaba el movimiento del caballo: descomposición del movimiento en fotografía. Para
Marey y Muybridge, esto es ciencia, buscando descomponer el movimiento.
Giacomo Balla es un gran representante, que descompone el
movimiento con la influencia puntillista, que descubrió en su
viaje a París, como muestra Muchacha corriendo en un balcón
(1912), o dinamismo de un perro con correa (1912), donde
querían que se percibiera el movimiento con la repetición, la difuminación de los
contornos, generando la idea de movimiento. Por la descomposición cubista, intenta
plasmarlo no representacionalmente, con obras abstractas, como en Manifestación
patriótica (1915).
Umberto Boccioni (1882-1916) en pintura sus obras tienen un
movimiento similar a Balla, pero con una estructura en el que
el movimiento se realiza descomponiendo, y creando varios planos,
como en Desarrollo de una botella en el espacio, o en Formas
únicas de continuidad en el espacio (1913), donde expande la forma más
allá de la figura, pero que es en sí una figura.
Carlo Carrá (1881-1966) utilizará el collage, como en Manifestación
Intervencionistas (1914), donde usa el texto, periódicos, ornamentación de los planos,
onomatopeyas, sinestesias (ej. Amarillo chillón (el amarillo no chilla), con la vida en la
ciudad…
4.7. Dadaísmo.
El desarrollo del dadaísmo dará el surrealismo. Es el movimiento más radical y más complejo, pues el
Dadaísmo buscaba la destrucción sin construir nada, al contrario que otras vanguardias que querían acabar
con algo para crear algo nuevo. Tiene grandes influencias anarquistas. Luchan contra la sociedad
pacíficamente, con la ironía, el humor o lo absurdo. Iniciaron otro modo de subversión, con provocación
y escándalo. Se da en otros campos de arte (literatura, música, artes visuales…).
Es una sociedad que había dejado la guerra, que cambió la percepción de todo. Se establece un
pensamiento nihilista en la sociedad, con una pérdida del sentido de la vida, de las grandes verdades, con
una visión pesimista. El dadaísmo no fue unificado, ni tiene un único lugar, desarrollándose entre 1916 y
1924 en varias partes del mundo. Utilizaron el movimiento, la radicalización, la subversión, formatos del
cubismo, como el collage… por ejemplo, Trista Tzara hacía poesía con trozos de periódico al azar.
Pero a diferencia del cubismo, el Dadaísmo utiliza una fuerza antirracional. Con fuerte infantilismo e
inocencia. Solían provocar, acabando alguna vez en la cárcel por romper con los ámbitos de la vida. No
se puede desligar para los dadaístas el arte y la vida. Dadá no significa nada, es un balbuceo infantil. No
quieren ser artistas, al menos como algo establecido, sino que querían libertad. Muchos artistas dejan de
70
hacer arte cuando se meten al Dadá, o incluso se suicidan. Es un espíritu anarquista y revolucionario en
contra de lo establecido.
El primer lugar originario fue Zúrich, en el café Voltaire, donde se reunían y donde uno de los responsables
es Hugo Ball, que quería romper con los cánones establecidos. Aquí surge el Dadá, con reuniones sin
sentido, y con infantilismo. Se comienza a dar mucha importancia al azar. Hans Arp (1887-1966), es uno
de los del foco de Zúrich, donde traslada al arte al papel couché. Además, hace relieves y formas
escultórico-pictóricas diferentes.
Alemania será otro núcleo importante, con Berlín, Colonia y Hannover. Aquí hay un
componente más político, oponiéndose al sistema establecido. Bajo Richard
Huelsenbeck (1892-1974), los pintores son muy críticos, como un artista alemán,
como Mutilados de guerra jugando a las cartas (1920), con un componente cómico.
John Heartfield (1891-1968) hace collage y fotomontaje antibelicista, como el Sentido
del Saludo Hitleriano. Raoul Haussmann (1886-1971) hace una revista, y destaca
Triunfos Dadá (1920). Hay mucho parecido al Pop Art. Hannah Höch (1889-1978) aprende junto a
Haussmann el fotomontaje. Son trabajos prohibidos por el nazismo, pero fue reconocida por el
fotomontaje. En Colonia está Max Ernst (1891-1976) es menos político, más sexual y surreal. En
Hannover destaca Kurt Schwitters (1887-1948) que fue expulsado del Dadaísmo por ser muy artista.
En Nueva York, coinciden Marcel Duchamp o Man Ray (1890-1976). El Dadá
neoyorquino no fue tan caótico, y se parece más al de Zúrich, y se centran en el arte
gracias a Marcel Duchamp. Man Ray viaja a París, donde entra en contacto por André
Breton, el gran gurú del surrealismo, y también milita aquí. Hace retratos
de sus compañeros. Man Ray circunscribe su experimento al fotograma.
Además, hace elementos donde asocia objetos cuotidianos con
significados antropomórficos, como La Mujer (1920), que es una batidora, o Marcel
Duchamp con el Regalo (1918), con una plancha con púas, que imposibilita la función de
plancha. Man Ray unía fragmentos de manuales técnicos para conseguir máquinas
absurdas, con una crítica al componente mecánico del trabajo.
Él más importante es Marcel Duchamp (1887-1968), la figura más determinante del siglo XX, un
revolucionario del arte. Velázquez busca lo material, pero Duchamp busca lo inmaterial. Duchamp intenta
explorar aquellas cuestiones inmedibles o invisibles. Él genera un concepto de infraleve, que son aquellas
cosas que existen, pero no se pueden, ver, ni escuchar, ni medir, pero sí sentir. Duchamp da importancia
al cerebro, más que al taller.
Duchamp es la renuncia a todo, de hecho, no quiso ni ser artista. Le gustaba la pereza y la procrastinación.
Quiere introducir un nuevo orden, a partir del juego y el Dadá, con las reglas artificiales,
con arbitrariedad y azar, además del sentido del humor. Duchamp fue intermitente, hizo
pocas obras, pero trabajó mucho mentalmente en ellas.
Duchamp comenzó el postimpresionismo, el simbolismo (importancia
de las ciencias ocultas), que está presente en su obra de forma
inconsciente. Se inicia con Desnudo bajando la escalera (1912), que fue
un escándalo, pues lo veían como una burla al cubismo, y lo echaron
del salón de los independientes. TU M es otro ejemplo, con sombra y
movimiento, que no se puede pesar ni cualificar (infraleve), la Rueda de bicicleta (1913,
1916 y 1951). Él cree que los objetos ya hechos se deben emplear, cambiando el contexto,
con interés por el fin de la autoría del artista, pues muchas veces no firma las obras, o las
71
firma con otro nombre. La rueda de bicicleta es antiartística, pero

también es moderno, el giro de la rueda es el giro del deseo. La pala
de nieve (1914) era el objeto más hermoso que él había visto. Pero su
obra más famosa es La Fuente (1917), realizada para el salón de los
independientes, del que fue expulsado, y fue la única obra rechazada.
También emplea el humor, como en una versión de la
Gioconda, con perilla y bigote. Es una postal de la Gioconda
pintada y con iniciales. Pero con la Fuente Duchamp quería
mostrar que el arte tenía muchas posibilidades, o incluso que no
tenía, introduciendo el humor. Étant Donnés es una puerta de
Cataluña, que traslada a Filadelfia y al mirar por la puerta se ve un
paisaje, mostrando una idea de voyeur debido a que hay una mujer
muerta o acostada.
72

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HISTORIA DEL ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO

HISTORIA DEL ARTE

TEMA 1. Arte del Renacimiento.

El origen de la arquitectura renacentista mezcla y emplea distintas experiencias de elementos clásicos,

San Andrés de Mantua, igualmente, recuerda a un gran arco del triunfo,

Se va a romper también con la arquitectura, la escultura empieza a tener su

Andrea Mantegna será otro revolucionario en el arte del Renacimiento, limitado

Donatto Bramante, formado en Milán, es el gran arquitecto de esta época, que

Otras obras de Rafael son la Estancia de Heliodoro, la del Incendio… en

Como pintor de Carlos V, destaca la Batalla de Mülhberg, donde muestra la

TEMA 2. Arte Barroco.

retomado durante este periodo, creando importantes plazas como la de

está compuesto de una manera dramática. También

2.5. Barroco en Francia.

en el salón de la guerra, donde se ve a Luis XIV a caballo en estuco, representando

esposa. Es una obra imaginativa barroca al límite, con un sentido extremo de la

y escenas de la vida cuotidiana, que tuvieron un

2.7. Barroco en España: arquitectura y escultura.

En la segunda mitad del siglo XVII la arquitectura no tendrá tanto

araña, y ofrece el tapiz tan bello de Aracne, que era el rapto

TEMA 3. Arte del siglo XIX.

Tras la Guerra de Independencia, vuelve a abordar la temática religiosa, como con

Mención aparte merece el de los duques de Osuna y sus

El 2 de mayo, o la Carga de los mamelucos, es una obra que

En España destaca la catedral de Pamplona, con el frontón de un templo

Horacios (1784), donde resalta que el dibujo está resaltado, por

3.3. Arquitectura del siglo XIX.

Pero en el propio Estados Unido, en la Catedral de San Patricio de Nueva York

El Pensador (1880), es la representación de un Dante pensativo. Representa el

revolucionarios, y también aspectos relacionados con las independencias

Pero su propio estilo se ve en Tormenta de nieve y vapor a la entrada de un

y está sereno, mientras que en 1850. Otro autor es Edward Burne

3.5.5. Impresionismo (1874-1886).

impresionismo. Utiliza tonalidades oscuras y negras, mientras que

El desfile (1866-1868) es un ejemplo de las carreras,

Las mismas características se ven en Niños en la playa (1910), en los que

Tahití (1891), que son escenas estáticas, de

El último pintor postimpresionista es Henri de Toulouse-Lautrec, que

TEMA 4. Arte del siglo XX.

Kandinsky busca representar el sentimiento, dando lugar a una pintura

4.3. Fauvismo y expresionismo alemán.

Picasso tiene predilección por expresar la estructuración o desestructuración de los

El Futurismo bebe de una seria de influencias,

firma con otro nombre. La rueda de bicicleta es antiartística, pero

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