TEMA 1. Introducción y orígenes de la Historiografía del Arte: De la Antigüedad al siglo XVIII.

1. Historia e historiografía del Arte.

La Historia como concepto, podemos definirlo en narración y exposición de los

acontecimientos pasados y dignos de memoria, sean públicos o privados (ASALE, R. [sin
fecha]). Y la Historia del Arte forma parte de ella, además de ser considerada una disciplina
o ciencia auxiliar que permite estudiar el acontecer humano a partir de sus productos artísticos.

Sí que es cierto que en el castellano, la palabra historia tiene diversos significados sin hacer
diferenciación gramática en la palabra (utilizándola así para acontecimientos y para hechos
literarios que son contados). Sin embargo, esto no ocurre en idiomas como el inglés, en el cual
se utilizan palabras distintas: history para los acontecimientos ocurridos y story para el hecho
literario contado.

Por otro lado, en idiomas como el francés, la necesidad de encontrar una palabra para hacer
esta diferenciación de acentuó. Los historiadores franceses crearon la palabra historiographie,
historiografía en castellano – para poder referirnos al relato escrito de la historia.

Historiografía etimológicamente sería: historia (iotopía) + grafía (-ypaqia) = escritura y

descripción. Su definición por lo tanto sería, aquello que se registra como hecho histórico,
base de la ciencia histórica que registra brevemente lo acontecido y lo interpreta en un intento
por hacerlo comprensible.

Ahora bien, el concepto de Arte no siempre ha existido ni ha

significado lo mismo. La Historia del arte en su conjunto, debe
adaptarse a los diferentes conceptos y momentos a lo largo de la
historia.

2. Orígenes del Arte y su historia.

Comencemos diciendo que el arte, es algo específicamente

humano.
Como seres humanos, desde el principio de nuestra historia, hemos
sentido la necesidad de hacer de la naturaleza y el mundo nuestro
hogar, adaptándolo a nosotros. Para llegar hasta ello, se ha
necesitado mucho trabajo, que a lo largo del tiempo y gracias a
nuestra inteligencia, hemos podido ir mejorando los resultados y la
calidad por ende.

Siguiendo este camino, aquellas personas que han sido capaces de Venus de Tan-Tan
producir su trabajo con calidad y además hayan sentido la
necesidad de comunicar con él algo más que meramente su sentido funcional, han llegado a
crear lo que llamamos Arte.

El arte es una práctica asociada al homo sapiens (hace 300.000 años). Aunque sí que es
cierto, que la constatación de una actividad artística desarrollada con evidente conciencia de
su valor trascendente no es hasta antes de unos 50.000 años. Incluso, no es hasta el periodo
Magdaleniense de la prehistoria (hace 25.000 años) que
se encuentran manifestaciones de gran valor estético.

En el 4.000 aC, es cuando el arte comienza su desarrollo

en las civilizaciones egipcia y mesopotámica, pero
carecemos de documentos que traten sobre una teoría
del arte, por lo que no podemos saber si tenían
conciencia sobre lo que era el arte. Reconocemos su arte
actualmente, por documentos posteriores y nuestro
concepto actual sobre el mismo. Laberinto de Hawara, 1800 aC.
Dinastía XII, ca.

El artista es aquel ser humano que debido al dominio de ciertas técnicas es capaz de fijar en
un soporte el producto de su trabajo y que él mismo y sus semejantes reconocen un plus
cualitativo (en un par de zapatos, cuenco de barro o estatua de mármol.

- Es en el arte griego donde podemos encontrar las bases de nuestro arte occidental y
los orígenes de nuestra historiografía artística (s. VI aC, ámbito heleno), aunque fueron los
escritores de la civilización romana quién nos las transmiten (s. I aC, Plinio el Viejo, en “Historia
Natural”). Solo conservamos realmente un tratado de arte de la Antigüedad, los diez libros “De
arquitectura” de Vitruvio a finales del s. I aC, que trata sobre arquitectura en su mayoría,
aunque también habla sobre algún otro arte. Concepto de belleza idealizado.
º En los últimos libros de “Historia Natural” de Plinio el Viejo, nos muestra gran parte sobre los
materiales y técnicas artísticas, así como obras y autores famosos.

- El concepto de arte de la Antigüedad no se acerca al que tenemos actualmente.

Anteriormente sería más funcional que estético, aunque este último también tuviera su
importancia.

- En cuanto a los artesanos, no todos tenían el mismo estatus social. A partir del s. VI
aC, comenzaron a firmar sus obras. Cuando un artista asciende en su intelecto (matemáticas,
geometría) y sabe explicar el porqué de las cosas, asciende en su estatus social (Vitruvio).

- En la Antigüedad se hacía distinción de lo manual y lo intelectual. Aunque realmente,

el artista formado, es el que utiliza ambas.

Arte – el término griego techné o el latino ars-artis. Significan en las traducciones, técnica o
habilidad. “Virtud, disposición y habilidad para hacer algo” (RAE). Podríamos definirlo por lo
tanto como, no solo como habilidad manual, sino también la intelectual. Equilibrio de lo práctico
y lo intelectual.

3. Arte como imitación.

El platonismo: importancia de la idea.

Platón y Aristóteles no hablan directamente de las artes figurativas. Aunque sí que Plantón
habla peyorativamente de aquellas que nosotros consideraríamos de arte, sobre la pintura
especialmente.
Aristóteles sí que es más tolerante.
Platón comienza su pensamiento en el s. IV aC. Coincidiendo con la decadencia y crisis del
arte idealista del clasicismo, comienza entonces con esa naturalidad y movimiento,
sentimiento (él es contemporáneo a todos estos cambios) > Clasicismo tardío, esto es lo que
él ataca, ya que su pensamiento es dualista, y tiene como base el idealismo. Para él el arte es
demasiado sensorial (el mito de la caverna), estableciendo una analogía en el mundo real.
- Mundo sensible – forma, sonido, tangible. Falseamiento del mundo de las ideas, el arte
apoya demasiado las apariencias.
- Mundo de las ideas, inteligible. Este es mucho más real, en él se encuentra la clave de
todo.
º Realidad empírica: lo recibido a través de los sentidos, no es fiable, (forma, color) es una
imagen pero no es la idea en sí.
º Realidad: mundo de las ideas, no tiene forma, es lo absoluto.
- Mímesis. Parecido visual entre un objeto y su representación. En este momento el arte
es naturalista, copia la naturaleza. Y esto es lo que Platón ataca.
El arte pertenece al mundo sensible, físico, tangible. Se percibe a través de los sentidos. La
representación de algo es un engaño que no puede reproducir la idea del objeto.
> Es la representación de algo que no es la idea en sí.

CAMA – pensamiento, concepto universal, sin forma. Físico, la cama fabricada por el
carpintero da forma a la idea, pero no es la idea, es apariencia. Representación de esta, la
cama representada en una pintura que imita la cama fabricada por el carpintero, que a su vez
imita o da forma a la idea.
El pintor engaña mucho más que un carpintero, porque está representando un engaño de un
engaño.

“Crátera de las Nióbides” ca. 460 aC. Podemos comenzar a ver una perspectiva.

Para Platón, la pintura se lleva a cabo a partir de engaños, que nos separa a su vez del Mundo
Inteligible.
Cuento más mimética sea, más se aleja de la realidad. Para él, únicamente satisface a los
sentidos.
Sin embargo, la poesía y la música pertenecen y se acercan más al mundo de las ideas.
Tienen una vinculación mayor.

“Al crear es universo, el demiurgo lo modela tomando como referente el mundo de las ideas”
(Platón, Timeo).

Algunos pensadores parten de las ideas de Platón para darle un nuevo sentido a las artes
(platonismo). Los artistas pueden dejar de lado el mundo de las apariencias y aproximarse
más al mundo de las ideas. Exaltación mística de la creación artística.

TEORÍAS DEL ARTE: DE PLATÓN A WICKLEMANN, Barasch.

Platón, selección de textos.

Aristotelismo: importancia de la cosa.

Aristóteles fue un discípulo de Platón, sin embargo estudia a otros filósofos y cuestiona
aspectos de la filosofía de Platón, por no decir que se opone.
Se ocupa de la mímesis en algunas formas artísticas como la poesía y la tragedia (Poética),
aunque también puede aplicarse a las artes visuales.
Aristóteles presta más atención a la experiencia sensible. Él entiende el arte relacionado con
techné.
Rechazó que la mímesis es la copia de las apariencias, pero para él se queda muy corto, el
busca centrarse en explicar el origen de los cambios que se producen en la materia.

Las artes pueden cumplir distintas funciones, es algo humano que nace de la necesidad y a
lo que da respuesta la habilidad (humanas ambas).

Las artes pueden dedicarse a completar lo no acabado por la naturaleza o a imitar esta. La
pintura, escultura, música y poesía son miméticas. En el arte, la mímesis permite recrear un
determinado hecho u objeto en una dimensión nueva, gracias a la participación del intelecto
del artista o poeta.

Hilemorfismo. Toda sustancia está compuesta de dos elementos: materia y forma. El ser
humano es un cuerpo que tiene como motor su alma. El alma del individuo es sensible a las
ideas (no como en el sentido platónico, pero teniendo acceso al conocimiento a través del
mundo sensible). El artista es capaz de crear arte, no solamente en el sentido de transformar
una materia a través de su habilidad manual (techné), sino también gracias a su intelecto,
donde se alojan las ideas o las formas que desea crear. Busca los cambios de la materia.
Cuerpo y espíritu ligados al alma.
El artista opera un cambio en la materia, aplica su conocimiento para transformar esa materia,
utilizando el conocimiento adquirido a través de la experiencia empírica y a través de la idea
que se ha formado en su mente.
La mímesis no se reduce a copiar la naturaleza tal y como es, puesto que el artista puede
representarla más bella igual o más fea de lo que es. El artista se sirve de un referente de la
naturaleza, cuyas formas interpreta con su intelecto, para exteriorizarlas a través de la técnica
(cambio de forma de la materia). El artista crea una determinada pintura y puede presentar la
naturaleza mejor o peor de la realidad. Él se refería a la tragedia.

> La verosimilitud, lejos de ser un engaño, es una forma empleada por el arte para
universalizar un acontecimiento, un hecho o una acción humana. Representación en una
“nueva dimensión”.
Reconoce los distintos “estilos” en el arte. Componente de subjetividad.

La definición de la belleza. En su Poética y en la Metafísica. Define que lo bello es todo aquel

objeto o ser animado que tiene la magnitud que le corresponde y cuyas partes armonizan
entre sí.
La belleza es mensurable, puesto que depende de las correctas medidas de la parte y del
todo. Proporción entre las partes. Orden. No dejan de ser matemáticas.

En el arte hay unas leyes que miden la belleza. La belleza como algo sometido a reglas y
normal. Sería objetivo.

Las matemáticas y la geografía marcan ese orden.

Cómo llegamos a que el arte sea arte.

 Catarsis. Permite sentir las emociones que sufren los personajes de una tragedia ante las
consecuencias de los actos, lo cual puede tener un efecto didáctico o moralizante. Lo que nos
lleva a ello es la mimesis de las acciones del hombre en la tragedia. Nos alecciona moralmente
sobre determinados comportamientos. El concepto de catarsis es universal, porque está
regido por normas. Completar la vertiente humana en el ámbito espiritual.
Experiencia estética que para Aristóteles no es subjetiva, sino para todos la misma. Suscitar
emociones a través de lo que vemos, la experiencia.

Platón Aristóteles

Mímesis = engaño. Mímesis = complementar la naturaleza.

Lo único verdadero es el mundo de las La belleza es mensurable y puede conmover.
ideas.

4. Evolución del pensamiento artístico en la Antigüedad tardía y en la Edad Media.

El pensamiento artístico en Roma: Plotino (205-270).

Enneadas – pensamiento de Plotino basado en una reinterpretación de la filosofía platónica –
neoplatonismo.
Entrelaza el pensamiento platónico y aristotélico. Además desarrolla no tanto una teoría
artística, sino del artista. La idea sería la protagonista de la obra, que se compara a las fuentes
divinas. El artista es un ser excepcional al que las Musas dan su “bendición” y revelan la
capacidad de crear ese arte.

La inspiración es la revelación divina. Ut pictura poesis, la poesía es pintura en palabras y la

pintura poesía en representaciones pictóricas.

Plotino es un filósofo que desarrolla su trabajo en Roma, s. III dC. La obra en la que se recoge
su ideología sería “Enneadas”.

Mundo inteligible

- Teoría de la emanación.
º Uno. Principio universal de todo, lo absoluto, inefable.
º Espíritu. Pensamiento de las ideas.
º Alma. Deseo de conocer.
º Materia. Cuerpo que atrapa la apariencia del ser.
Mundo sensible

El deseo del hombre es volver al Uno, a través del conocimiento de la virtud.

Mundo de las ideas > Mundo sensible < El arte complementa a la naturaleza y permite acercar
a la contemplación del Uno.
La mímesis como algo positivo porque nos permite acceder al conocimiento y las formas.
El artista tiene acceso al mundo de las ideas a través de su alma.
- Reconoce que hay artistas que cuando realizan sus obras, copian la idea que se ha
formado en su mente, no necesariamente copian la naturaleza.
- La obra revela (a través de las formas, sin que sea peyorativo) el alma y espíritu del
artista, aunque no los tiene.

Artista como educador místico/religioso.

La forma no sustituya la idea.

El problema de la belleza: el dualismo entre la idea y materia. La belleza es aquello que se

puede amar y que en su forma más perfecta, existe en el mundo de las ideas.
Belleza como una cualidad emocional. Donde es perfecta es en el mundo inteligible. La idea
supera a la forma, nunca será la belleza más pura que sí es en la mente del artista.

La belleza física se encuentra en el mundo sensible, mientras que la belleza espiritual está en
el mundo de las ideas. El alma es capaz de reconocer la belleza espiritual, dado que
comparten esencia. La belleza espiritual deslumbra al alma (lo bello es luz – idea de Dios).
[Artista como creador > mundo de las ideas > lleva a cabo las formas > transporta al
espectador al mundo de las ideas a través del mundo de lo sensible.
A lo largo del imperio romano nos encontramos con la fusión de platonismo y aristotelismo.]

4.1. Los albores de la edad media: continuidad del neoplatonismo.

Artes liberales (Trívium – gramática, retórica y dialéctica, Quadrivium – aritmética, geometría,
astronomía y música) vs. Artes mecánicas.

El problema de las imágenes entre los primeros cristianos: rechazo inicial asociado a la
tradición hebrea y a la profusión de imágenes en el ámbito romano (considerado idolatría por
los cristianos.
Cristianización de los postulados neoplatónicos:
- El mundo inteligible es la esfera divina, de la participa el alma.
- La realidad material es tangible y tiene forma, al igual que la obra de arte.
- Aceptación de la imagen (mundo sensible) como forma de alcanzar lo inteligible.

Cuando se comienza a permitir esa representación divina, (al pasar a las capas populares –
popularización) se establece la filosofía de Plotino.
Se considera que Dios (ese Uno) es el que ilumina al artista para la representación de la idea
religiosa.
El espectador no solo percibe el mundo sensible, sino la idea (experiencia que va más allá de
los sentidos).
4.2. San Agustín de Hipona (354-430).
Influido por la estética neoplatónica. Es un culto que presta gran atención a la experiencia
estética, percepción de la belleza.
Él entiende la belleza recuperando las ideas de lo cásico (arte sometido a reglas, al ser
racional) y comienzos de la edad media. Va más allá de Plotino. Punto de vista cristianizado.

- “Confesiones”.
º El alma humana se siente atraída y fascinada por la belleza.
º La belleza en el mundo sensible se encuentra en el mundo sensible.
º La música con sus armonías numéricas y la arquitectura con su relación con las matemáticas.
º Algunas artes son superiores a otras. Cree que el arte no solo representa a la naturaleza,
sino que además tiene que estar bien realizado (techné).
º La belleza sensible aunque provoque esa fascinación, no deja de ser una emanación de la
esencia divina.
º Critica a aquellos que se acercan al arte únicamente admirando lo único que perciben con
sus sentidos y no van más allá.
º A través de la contemplación (mundo de las ideas, abrir la mente), podemos elevarnos más
allá de lo meramente físico y acceder a la verdadera belleza (divino, a la espera de Dios).

- “Soliloquios”.
º Toda obra de arte es “inevitablemente falsa”. No llega a ser real del todo.
º En las artes, la base es la representación que no deja de ser una falsedad porque la
representación de la idea, no es la idea en sí. Parte de ideas platónicas. No nos engañamos,
sino que la imagen nos permite el acceso al conocimiento.

4.3. San Gregorio Magno.

Las imágenes son necesarias en el ámbito religioso para educar a los fieles. Veneración a las
imágenes.
Las pinturas no son objeto de veneración sino que su misión es “edificar a los incultos. Así
como el libro escrito informa a los que lo leen, también la pintura informa al pueblo sin
instrucción que la contempla.
Esta educación consiste en permitir leer visualmente la historias sagradas ya conocidas, para
asimilar mejor sus contenidos y valores.

Pantocrátor, Santa Catalina del Sinaí, s. VI.

Mosaico, Iglesia de San Vital, Rávena, s. VI.

A lo largo de los siglos siguientes, prevalece esta

forma de entender el arte como recordatoria de las
vidas y las historias de los santos.

Pinturas de Santa María de Taüll, s. XII. MNAC.

Ciclo de Santo Tomás Becket, s. XII. Museo de
Terrasa.
Prendimiento de Cristo, pinturas murales.

Durante esta época, el papel del artista es

completamente secundario, ya que solo Dios es
capaz de crear algo desde la nada. El artista (artesano) transforma la materia, gracias a las
capacidades que le han sido otorgadas por el Creador.

4.4. La Baja Edad Media en Oriente.

La caída del Imperio Romano supone una pervivencia de la tradición clásica en Oriente.
Bizantino – querella iconoclasta.
- Pseudo Dionisio Areopagita. El alma busca unirse con Dios o elevarse hasta Él. La
belleza es una cualidad divina. La bondad divina se explica con metáforas lumínicas:
rayos de luz (de Dios) llegan al ser humano para transformarlo. La luz y sus reflejos
pasan a ser imprescindible dentro del arte Sacro. Gran repercusión en la estética del
gótico.
 - El problema de la imagen de Cristo. Doble naturaleza, humana y divina. El arte solo
puede representar la naturaleza humana, lo perceptible a través de los sentidos. Un
icono de Cristo que solo representa su naturaleza humana, cae en herejía.
º Iconoclasta. Mímesis, refleja una parte de la naturaleza de Cristo (herejía – monofisismo - si
solo sea cree en la parte humana de Cristo). Esa representación no participa de la esencia
divina.
º Iconódulos. Partidarios de las imágenes porque te permiten acceder a lo divino.

- Solución basada en imágenes no hechas por la mano del hombre (acheiropoietos). No

han sido creadas por la mano del hombre (Velo de la Verónica), milagrosos. El icono
se convierte no en representación, sino en símbolo (imagen autocreada por la
divinidad), participa de la esencia divina y sirve por lo tanto de cauce entre el fiel y la
divinidad. Lo que ocurría realmente era que estas personas decía “que lo habían visto”
por lo tanto no era algo inventado ni herejía.

4.5. La Baja Edad Media en Occidente.

Cambios más significativos en la religiosidad que afectan en la manera de entender el arte.
Burguesía comercial muy potente.
Nuevas órdenes monásticas que impulsan cambios en el uso de las imágenes. Resurge el
neoplatonismo a través del abad Suger y de los cambios introducidos en el arte gótico.
Lujo de determinadas órdenes monásticas. La escolástica se pronuncia sobre la belleza en
las artes plásticas. Sensibilidad religiosa en algunas órdenes monásticas. Las catedrales se
convirtieron en centros de enseñanza.

- Bernardo de Claraval. Contra el lujo desmedido de los monasterios. Contra las

decoraciones que apartan de la decoración. Que se hayan enriquecido por peregrinos,
explotación de tierras… que se convierta en edificación del monje, sino algo que quita
el enfoque en ese acercamiento a la divinidad. Apartan al fiel de la devoción (las
imágenes). Que las imágenes ayuden a esa edificación del monje.

- Suger de Saint Denis (s. XII). El neoplatonismo aplicado a las artes. El gótico. La luz
(en arquitectura, pintura y artes decorativas) es el acercamiento a Dios: el modo
anagógico.
º Grandes vidrieras, superficies brillantes, ajuares litúrgicos de los materiales más preciosos.
Modo anagógico.
º Luz, superficies brillantes, materiales preciosos > su contemplación conduce del mundo
material al mundo espiritual (lo tangible es el símbolo de lo espiritual > experiencia de
elevación (anagógica).

- Santo Tomás de Aquino & La escolástica. Forma de pensamiento en el gótico, no

intenta irse por las ramas, la lógica es el punto de partida. La belleza es una relación
entre sujeto y objeto (experiencia). La experiencia de los bello es posible porque la
belleza es una cualidad objetiva y mensurable:
º Integridad o perfección. Completo. Una unidad (un todo) formada por todas sus partes.
º Proporción o armonía. Proporción debida. Relación proporcional entre las partes.
º Claridad. “Las cosas que poseen color brillante se dicen que son hermosas” (AQUINO, T.) .
Los arquitectos góticos se rigieron y educaron por la escolástica. Lo dejaron plasmado en sus
obras. Las catedrales góticas obedecen a armonías numéricas (todo se ve desde fuera). Tres
naves por ser tres la trinidad, tres alzados, tres puertas de acceso, etc. Lo más expositivas
posibles.
La perfecta organización debe favorecer la claridad en la lectura de las imágenes. La
importancia de las líneas, por encima del color (imagen reconocible con líneas aunque carezca
de color), claridad que posibilita la línea.
Neoplatonismo – si la representación viene directamente del mundo de las ideas sin seguir
ningún modelo, hay por lo tanto un engaño.

5. Arte y belleza en el Renacimiento.

Pervivencia del legado clásico en Italia.

- Humanismo: un interés intelectual, también por el arte.
- Las artes del Trecento comienzan a tomar el modelo de la antigüedad clásica en la
realización de sus obras. Búsqueda de la antigüedad por ser la principal fuente de
inspiración.
- El s. XV ve nacer las primeras teorías del arte, amparadas por el Renacimiento.
- La condición del artista, de artesano a intelectual y autor de tratados de arte.

Vuelven a los tratados y escritos de la antigüedad, y con ellos al arte antiguo. Buscan transmitir
esos ideales religiosos.
A los largo de este periodo comienzan a surgir los primeros tratados de arte, con un sistema
coherente sobre el arte. Posicionamiento intelectual.

Imitación de la naturaleza e inspiración en la antigüedad. Lo importante es transmitir una

idea a través de figuras reconocibles y accesibles. Surgió un gusto por el naturalismo.

Grupos de la Anunciación y la Visitación de la Catedral de Reims (1230-1260) – (Grupo de la

derecha) Parecen matronas romanas. Detallismo. Tratamiento casi barroco en los pliegues.
Capilla de San Miguel del Monasterio de Pedralbes.

No solo encontramos la novedad en las esculturas, sino también en la pintura. Mayor

movimiento, luz y sombra, se crea un espacio. Se ha tomado como referencia la naturaleza.
Giotto – forma de representación mucho más naturalista. Ciclo de la vida de San Francisco,
Basílica de San Francisco de Asís (1297).

5.1. Cennino Cennini.

El libro del arte (1390). Tratado de carácter didáctico de taller para aprender el oficio.
Comienza a ofrecer algunas nociones interesantes sobre la deriva que ha tomado el arte
(importancia de la observación e inspiración de la naturaleza).
Sin observación de la naturaleza no hay obra de arte posible.

El proceso de realizar una pintura pasa por el dibujo, la aplicación de las sombras (grisalla) y
la aplicación del color debidamente modulado.

Observación de la naturaleza correcta. La luz nos permite percibir los objetos de forma
tridimensional.
 5.2. León Battista Alberti (1404-1472).
Fue un arquitecto, tratadista y matemático. Procedía de una de las familias más ricas de
Florencia, y que recibió por lo tanto una educación exquisita. Hizo esto a su vez que tuviera
contacto con algunos de los artistas más importantes del momento. Intentó sistematizar todo
su conocimiento de las arte de una manera científica.

- Tratado de Pictura (aunque escribió dos más). Primer tratado completo sobre la teoría
del arte. Debate sobre el parangón de las artes (debate teórico sobre el arte). Aborda
la obra de sus contemporáneos y realiza apreciaciones estéticas sobre la importancia
de sus innovaciones. Pintura como arte superior a todas las demás: para realizar un
buen diseño de escultura o escultura, primero debe hacerse una pintura del mismo. El
artista además de ser un intelectual, debe conocer a sus contemporáneos y convertirse
en un crítico. Teoriza también sobre la perspectiva.
º Masaccio. El tributo, Capilla Brancacci. Resalta la manera de resaltar el espacio, profundidad
espacial.
º Brunelleschi. Capilla Pazzi o Basílica de San Lorenzo, Florencia. Arquitectura donde
predomina la claridad espacial, estructuras definidas y ornamento en un segundo plano.
º Donatello. David, Bargello. Capacidad de presentar la ilusión de espacio, perspectiva. Tratar
el relieve como si fuera una pintura. Sistemas de representación de la naturaleza.

º Libro I. Aborda de manera científica los principios matemáticos que deben regir la
representación espacial: la perspectiva. Conocimiento del hombre se basa en percepciones
sensoriales. Las percepciones que interesan a Alberti son la visuales (apariencias). La
comparación de percepciones en el intelecto lleva a métodos matemáticos: un sistema de
proporciones aplicable al cuerpo humano, una forma de representar el espacio tal y como lo
percibe el hombre. La pintura debe traducir la percepción del ojo (perspectiva).
La pintura es una sección de pirámide visual. La perspectiva de un único punto se crea
tomando como base las proporciones del hombre y haciendo fugar línea a ese punto central.
Lo que representamos en la pintura es una lado de la pirámide visual.
Las dimensiones de un objeto disminuyen en la profundidad.
º Libro II. La superioridad de la pintura. Da consejos a los pintores para representar de forma
correcta, los temas y motivos. Uso del velo albertiano – instrumento sencillo (pintura con
intersección de un plano) – retícula, calco de la realidad. La flagelación de Cristo, Piero della
Francesca (1468). La pintura compuesta por dibujo/proporción correcta entre las partes de
aquello que se va a representar, composición, recepción de la luz (modulación tonal) e historia
(composiciones que son complejas en su temática y que representan momentos u escenas
de cierto dramatismo y emoción). El artista puede ir más allá y ser un intelectual, bien formado
y cultivado (matemáticas y geografía, poesía – proporciona temas o historias para sus
composiciones).

Alberti escribió también dos tratados más, uno sobre arquitectura y otro sobre escultura.

- De re aedificatoria. Belleza idealizada en diferentes partes de la naturaleza (de

manera diseminada). El artista debe seleccionar (electio) las partes más bellas de la
naturaleza para cohesionarlas en un todo bello. Armonía entre las partes, belleza
objetiva. Para Alberti la parte teórica del arte es muy importante (por qué de todo lo que
realiza), forma parte de la formación del artista.
 5.3. Leonardo da Vinci (1452-1519).
Redactó manuscritos sobre pintura (recopilación tardía para crear tratados). Es un compendio
de ideas y reflexiones. Importancia de la experiencia empírica (comprender la naturaleza y
observarla para poder representarla). No existe una belleza ideal en la naturaleza: el concepto
de lo bello no se adapta a un modelo único.
Engañar a los sentidos, no aporta conocimiento.
Da Vinci no cree que exista un único modelo de proporción, sino que siempre y cuando exista
una cierta armonía entre las partes.
Un equilibrio entre la teoría y práctica.
- Acceso al conocimiento a través de la experiencia, nuestros sentidos (vista).
- La observación es una acto intelectual: no se limita a mirar, sino a entenderla para
poder representarla – la pintura tiene el rango de ciencia.
- La representación pictórica no debe seleccionar ni corregir, sino mostrar la realidad en
todas sus formas.

La calumnia de Apeles, Botticelli (1496). Impregnado de la filosofía neoplatónica.

Prima la observación de las cosas tal y como son. Observación de la naturaleza y la
reproducción de sus efectos.
Perspectiva aérea vs. Perspectiva lineal.
La belleza no es objetiva ni mensurable, sino más bien una sensación por la contemplación
de la naturaleza. Los sistemas de proporciones tal y como los entendía Alberti son una
convección y no existen en la naturaleza.

5.4. Miguel Ángel Buonarroti (1475 – 1564).

Pensamiento artístico reflejado en sonetos, cartas, testimonios, de sus contemporáneos y
primeras biografías (especialmente la de Vasari).
Tiene influencia del neoplatonismo (le interesó al comienzo de su carrera) florentino de Marsilio
Ficino:
- La belleza no es algo físico (o que se pueda ver en la naturaleza), ni mensurable: es el
reflejo de lo divino. Se eleva al mundo de las ideas, no tiene materia o forma.
- Contemplar lo bello suscita la necesidad de alcanzar la fuente de la que irradia belleza.

Sibila de Delfos, Capilla Sixtina – Miguel Ángel (1509).

El pensamiento de Miguel Ángel evoluciona a lo largo de su carrera y no desarrolló toda su

carrera en Florencia. Va abandonando las ideas neoplatónicas y va hacia el aristotelismo.
El origen de la belleza no se encuentra en la naturaleza. La belleza en la obra de arte nace de
la imagen que el artista ha formado en su mente.
Concetto o concepto: es la imagen mental con el potencial de transformar la materia a través
de la idea que se ha formado en su mente (idea en el sentido aristotélico y no en el platónico).

5.5. Biografías de artistas: Vasari.

Fue alumno de Miguel Ángel. Pionero en el género biográfico.
Inicio del género biográfico como método para escribir la historia del arte. Aborda la historia
de los artistas ya fallecidos, sin especial interés por sus contemporáneos (salvo Miguel Ángel).
Escribió “Le Vite de’ più eccelenti architettori, pittori et
scultori intaliani” y vio la luz en 1550. La segunda edición
de la obra sale en 1568, la cual incluye nuevos datos,
especialmente sore artistas contemporáneos, aun vivos
y en activo. Incorpora retratos y noticias de los artistas
muertos entre 1550 – 1567. Hace una selección de quién
merece estar o no estar en la recopilación.

Este nuevo género consisten en transmitir la historia de

los artistas a través de datos que provienen de fuentes
muy distintas. Parte de estos datos proceden de la
tradición oral, testimonios o incluso de la relación que
mantiene con algunos de estos artistas (algunos siendo
datos acientíficos).
La obra es una extensión de la personalidad del artista o
de las condiciones en que tuvo que realizar un determinado trabajo. Presta mucha atención a
la personalidad del artista, su carácter y temperamento, sus virtudes, pero no tanta al qué. Las
obras las trata de forma muy parcial, las enumera y hace alguna descripción muy sutil, no le
interesan las descripciones formales. Sí que aprecia las obras pero no quiere transmitirlo como
algo sistematizado.
Fue un compendio ordenado en el que hace un recorrido cronológico a través de la vida de
estos artistas, vidas que se articulan en un relato que combina datos históricos con anécdotas
y apreciaciones personales.
Os muestra apreciaciones sobre el gusto, valor de los artistas de la época, el artista ha
progresado socialmente y que no es un mero artesano, haciéndolo de forma exitosa, estando
al nivel de los mecenas. Crítico.

Una forma evolutiva de entender la historia, y con ella el arte que produce:
- El ideal se encuentra en la Antigüedad, etapa de esplendor y gloria.
- La Edad Media es entendida como una crisis, con un arte decadente.
- La modernidad es la recuperación de los ideales de la Antigüedad, dando lugar a un
renacimiento de sus valores. Vasari acuña el término de Renacimiento tal y como lo
entendemos.
La idea de progreso en las formas hacia la perfección se encuentra en la manera en que divide
el arte del Renacimiento en tres grande etapas (recuperación de lo clásico, finales del
Trecento).
- Primera etapa o las luces del Renacimiento. Marca la ruptura de representación
medieval, se inicia el camino de imitación de la naturaleza.
Expulsión de los diablos de Arezzo, escenas de la vida de San Francisco de Asís –
Giotto di Bondone. Nueva forma de dibujo que se alejan de los postulados de la época.

- Segunda edad, Cuatrocento. Se comienzan a teorizar la práctica artística. La

naturaleza es sometida a normas (por ejemplo la perspectiva). Presentar más atención
al tema de la pintura y las figuras.
Diluvio, Paulo Uccello.

- Tercera edad, Quiquacento. Momento culminante del arte. Los artistas alcanzan la
perfección en el arte, se desprenden de las ataduras de lo más rígido y en lo que prima
 el propio instinto del artista. Superación de la rigidez de un arte demasiado científico,
predominando la gracia (no tiene nada que ver con el concepto de belleza como lo
entendemos en la armonía o proporción, sino a la elegancia, sutileza de las formas, sin
“saber por qué”, en la percepción de la obra nos da a entender que se ha hecho casi
sin esfuerzo).
La piedad, Miguel Ángel. El artista como ser dotado por Dios.

Gracia – dulzura, elegancia, naturalizad, delicadeza, una cualidad que transmite la

bondad del alma. No es sinónimo de belleza. Es algo visual, no vinculado al proceso.
Cada artista tiene su propio concepto de gracia. No incluye a la artesanía. Emana del
espíritu. Traslado de Cristo al sepulcro, Rafael.
Elogio de la creatividad del artista. Variedad formal. La invención es la base de toda
creación artística, don divino que permite la inspiración.
El dibujo, disegno es la manifestación visual primera que recoge la invención, y es
común a la arquitectura, pintura y escultura (el artista extrae lo que se observa en la
naturaleza, una imagen que trasladará a la materia (esbozo). Las capacidades innatas
del artista, unidas a la práctica, posibilitan que sus obras estén dotadas de gracia y
facilidad.

5.5.1. Algunas Vidas…

Lo que predomina son las anécdotas y tópicos de las biografías de los pintores, tiene su fuente
en la tradición clásica. Retoma los aspectos de la tradición clásica. Descubrimiento del talento
en la infancia, personalidad/humor, reflejo del artista en la obra, habilidad técnica, facilidad y
gracia.
Genealogía histórica.
Los episodios juveniles aparecen habitualmente en los relatos de Vasari. Si el genio se
descubre tempranamente, el maestro le permitirá desarrollarse de forma que adelante con el
tiempo a su maestro. Pudiendo acceder socialmente.

- Pietro Perugino.
- Andrea Mantegna.
- Giotto. Artista superior al artesano.
- Andrea Pisano.
- Paolo Uccello.

Explicación obvia – resaltar las

cualidades del artista en la copia de la
naturaleza.
Del virtuosismo del artista a la
superioridad, cómo en su ascenso social
la relación del artista con otros individuos
(reyes, duques o simples artesanos)
denota un orgullo por el éxito alcanzado.
“La muerte de Leonardo Da Vinci”,
Ingres.
Cuando el genio no es bien conducido, se
entretiene en caprichos que agrian el
humor y conducen al fracaso del artista (en términos de fama y económicos.

La melancolía es uno de los rasgos comunes en los genios por esa revelación divina.

6. Génesis de la historia del arte como historia de los estilos.

6.1. La nueva ciencia del siglo XVIII y el academicismo.

Un contexto ilustrado – pensamiento racionalista, búsqueda de métodos científicos. Dominio
de la Academias Artísticas, pedagogía y pensamiento artístico (instituciones
gubernamentales).
Paso del coleccionismo privado a los primeros museos públicos, necesidad de comprender
los criterios del coleccionismo (vinculado al prestigio social y económico y una forma de
visibilizar el estatus adquirido por la compra de las obras de arte, siendo estas, privadas – sin
embargo esto cambió con los museos públicos, para educar al pueblo en ciencias naturales,
arte, etc.

Surgen a su vez dudas acerca de la distribución de estas obras en los propios museos, hacer
una historia del arte basadas en las obras de arte y no en las vidas de los artistas) y elaborar
un discurso didáctico sobre el arte.

Emancipación de disciplinas y especialización de sus objetos de estudio: el nacimiento de la

estética da paso a la historia del arte.

6.2. Qué ocurrió en los siglos XVI y XVII.

Comenzó a desarrollarse en concepto de estilo. Por influencia tardía de la obra de Vasari, se
entiende estilo como: los rasgos individuales de la obra de un artista, que a su vez evolucionan
a lo largo de la carrera del artista y que permiten una identificación de la obra y artista.
- Manierismo. Multiplicación o variedad de estilos.

Paolo Lomazzo.
Cada artista tiene un estilo personal.

6.2.1. Categorización de las artes: bellas artes.

Los tratados artísticos buscan ennoblecer la consideración social del artista: el arte como fruto
de una labor intelectual.

- Alberti ya hablaba de las nobles artes y Vasari las engloba bajo la categoría de artes
del disegno.

A lo largo de estos siglos la tratadística y el modelo académico derivan en una clasificación y

categorización de las artes – bellas artes.
A lo largo del s. XVII se tratan las artes liberales, Velázquez con un cierto estatus social.

- Charles Batteux, Les beaux arts réduits à un même principe (Las bellas artes
reducidas a un mismo principio). Define como característica común de las bellas artes
la imitación de la realidad (y más precisamente de lo bello en la realidad). Entiende la
existencia de cinco bellas artes: pintura, escultura, danza, poesía y música.
 - Johan Joachim Winckelmann. Padre de la historia del arte, arqueólogo, erudito e
interesado en la naturaleza. Un cambio en la manera de entender cómo debemos
estudiar la historia del arte. Clasificó las obras de arte y critica todas las obras
producidas anteriormente que dan una información superficial de la historia del arte.

- Pierre Monier. “Histoire des arts qui ont rapport au dessin”. No aporta nada nuevo.
Genealogía de artistas es lo que es realmente esta obra.
Mengs, Perseo y Andrómeda (1775).

Interés por el arte persa, etrusco. Fiebre de anticomanía. Conde Caylus, que edita una
obra que recopila toda su colección y explicar el contexto; sin embargo, aún no se ha
profundizado lo suficiente en el contexto histórico.
Al final del antigua régimen, se instaura la democracia, libertad, y en el arte, hace de Grecia
el modelo a seguir.

- Pensamientos sobre la imitación de las obras griegas e la Pintura y en la Escultura

(1755). En contra de los principio del Barroco y del Rococó. Existe un cambio artístico
enfocado hacia la imitación del ideal de la Antigüedad griega. El arte es la manifestación
del espíritu del pueblo en un periodo histórico (expresa una realidad social).

- Historia del Arte de la Antigüedad (1764). Es la obra clave de Winckelmann, en la que

busca un nuevo concepto de historia del arte, basado en un nuevo concepto de la
historie (crónica, sucesión de datos) geschichte (narración de los hechos históricos).
De acuerdo con otros eruditos del momento (Voltaire), la historia debe dar cuenta del
espíritu humano más allá de las crónicas de reinados, gobiernos y guerras: construir
una historia a través de las manifestaciones culturales, siendo el arte una de ellas.
º Utilización de un método científico basado en la explicación y argumentación de sus
hipótesis, observación de las obras y consulta de fuentes literarias.
º Su objetivo es establecer una evolución y continuidad de las artes a lo largo de la historia
(sistema evolutivo de las artes).
º Winckelmann somete las obras de arte a estudio.
º Extrae una evolución histórica del estilo, que concibe como algo intrínseco de un pueblo o
civilización, su cultura y sus formas de vida.
º El concepto de estilo diferencia pueblos, épocas y artistas por medio de la obra de arte.
º Cuando un estilo evoluciona hacia un ideal de belleza y lo alcanza, se produce una fase de
decadencia.
º En el caso del arte griego, traza una evolución en cuatro periodos, relacionando cada una
a las obras de arte que habrían sido producidas en ellos.
º Periodización del arte griego según Winckelmann: el desarrollo del arte se da con los
diferentes estilos.
> Estilo antiguo: de sus comienzos hasta Fidias.
> Estilo sublime: el de Fidias. Arte sometido a normas (aunque son bellas) que son duras y
rigidez.
> Estilo bello: el de Prexísteles y Lisipo (s. IV aC). Se implementa el concepto de gracia, esta
etapa no limita tanto. Curva praxiteriana, porque las obras alcanzan la perfección a través de
la gracia. La figura se libera de la rigidez e interactúa con el espacio. Se conservó entre los
griegos hasta mucho después de Alejandro Magno.
> Estilo decadente: época helenística (imitación del arte anterior). Los artistas se limitan a
copiar o buscan otras formas de expresión que no concuerdan con los “aceptados”. Ya no se
produce esa reflexión intelectual.

[Desarrollar el concepto de arte (cómo se va desarrollando).

Cuáles son los métodos que se han utilizado para el estudio del concepto del arte.
Conclusiones.]

El determinismo en Winckelmann:
- El clima influye en el carácter de un pueblo, afectándole física y culturalmente.
- El hombre es el objeto del arte: los artistas representan la fisionomías de su
correspondiente pueblo.

La historia del arte se dividiría en dos partes:

- Arte egipcio, etrusco, etc.
- A partir del arte griego. La obra de arte es forma y contenido (tema y porque
determinada obra de arte aparece en un determinado momento). La causas del arte.
La libertad como camino para la perfección del arte (fin de la tiranía, democracia y
repúblicas, fin de las guerras Médicas, etc.). Libertad del ciudadano griego permite a
los artistas una libertad creativa.
º La obra de arte no depende tanto del artista (como Vasari), sino que del contexto histórico,
influencia política, etc.

6.2.2. Johann Wolfgang von Goethe (1746 – 1832) y el concepto de estilo.

Admirador de la obra teórica de Winckelmann. Dramaturgo, novelista.

- De la arquitectura alemana (1772). Frente a las críticas de los clasicistas, defiende de

las leyes de armonía de la arquitectura gótica.
º Unidad y armonía entre las partes vs. Decorativismo y arbitrariedad.
º Las formas del arte van más allá de lo meramente formal. El arte es un acto creador, una
necesidad, va más allá de lo que podamos considerar bello.
º Fachada de la Catedral de Estrasburgo.
º La naturaleza como fuente de inspiración para el arte.
> Para Goethe, los aficionados solo buscan la belleza y los modelos para el arte en el arte
griego.
> No obstante, el artista puede encontrar la belleza en todas las partes, porque su
posicionamiento es el de un creador (ver más allá de las apariencias exteriores y entender las
causas que producen la belleza).
> Nuevo concepto a través de las propias obras de arte y del estudio de la naturaleza. Una
revisión de la obra de Winckelmann le lleva a abordar, durante su estancia en Italia (nuevos
criterios).
º “La simple copia de la naturaleza, la maniera y el estilo” (1789).

- Precisiones sobre el concepto de “estilo” (empezando por lo más bajo y yendo a lo más
alto):
º Simple copia de la naturaleza (mímesis). El artista se limita en exclusiva a la copia de la
naturaleza. Esto no conduce a crear estilo ni a crear grandes obras de arte. Para Goethe, la
contemplación y copia de la naturaleza, forma parte del proceso artístico del artista. Proceso
de creación artística intelectual.
º Maniera. Se produce cuando el artista se ha habituado a observar la naturaleza y sabe
sonsacar la belleza de la naturaleza y la transforma en un lenguaje artístico propio. Conduce
a sacrificar detalles insignificantes a favor de la representación de una idea global. El artista
aprende a dar forma a lo contemplado, sin necesidad de tenerlo constantemente presente.
Invención de un método o de un lenguaje individual para las formas. Al usar un lenguaje
individual, cada artista capta el mundo de manera diferente.
º Estilo. El artista desarrolla un lenguaje propio y puede crear libremente, sometiendo su arte
a unas normas. El artista es capaz de reconocer aquellas formas que son más bellas en la
naturaleza (selección) – concepto distinto al de Alberti. El artista representa utilizando recursos
que le son propios, y quiere representar esa forma a través de colores, formas, texturas, etc.
Conoce la belleza también por las causas a través de las reflexiones sobre los motivos de la
naturaleza. El artista instruye a través de su arte.

En esta época hay normas, pero no tan restrictivas como en épocas anteriores.
A partir del s. XVIII, el estatus del artista se encuentra en los altos estratos. No son artesanos.
Artista como creador intelectual.
En la edad media, lo bello se asocia a lo bueno y a lo divino.