TESI XIII: Conquista della tonalità moderna e dei nuovi mezzi espressivi – Strumenti a

pizzico, ad arco, a fiato

Tra la metà del XVI e la metà del XVII sec. la musica europea cambiò completamente carattere:
- la polifonia fu ancora impiegata, soprattutto in musica sacra, mentre si affermò la monodia
- il contrappunto perse importanza e ne acquistò la nascente scienza dell’armonia
- i modi ecclesiastici, usati per più di un millennio, furono gradatamente sostituiti dai modi maggiore e
minore
- la musica strumentale assunse importanza sempre maggiore
LA TRATTATISTICA NEI SECOLI XV E XVI
Partecipi a questi mutamenti furono i trattatisti. Ricordiamo
- Heinrich Loris, detto il Glareano, autore del Dodekachordon (1547)
- Zarlino, maestro di cappella in S.Marco, che nella seconda metà del XVI sec. pubblicò le Istituzioni
Armoniche e altri trattati di armonia
- Giovanni Artusi, autore della celebre critica a Monteverdi
L’origine della tonalità
Il passaggio dai toni gregoriani ai toni moderni avvenne attraverso l’alterazione di un semitono. Tale
alterazione modificava la natura della scala modale in cui avveniva l’alterazione. Ciò era avvenuto nel V e nel
VI modo per evitare il tritono “fa-si”: nella nuova scala si usava un “si bem”. Nel Dodekachordon del Glareano
vengono presentati due nuovi modi in aggiunta agli 8 ecclesiastici: l’eolio, il nostro minore, e lo ionico, il
nostro maggiore. Questi rimasero ben presto i soli due modi, avendo assimilato in sé gli altri 8. Per le
composizioni liturgiche il passaggio nei nuovi modi fu più lento che nelle composizioni profane
L’origine dell’armonia
L’armonia si affermò empiricamente dalla pratica degli strumenti polifonici (liuto, organo, clavicembalo).
Suonare questi strumenti infatti comportava la creazione di accordi. La teoria dell’armonia fu enunciata da
Zarlino, che legittimò l’armonia come scienza in quanto conseguenza di leggi dell’acustica (triadi maggiori
come successioni di suoni armonici). Zarlino costruì la nuova scala diatonica (i cui intervalli sono basati sui
rapporti che intercorrono tra un suono e i suoi armonici), la scala naturale o zarliniana che sostituì la scala
pitagorica
L’origine del basso continuo
Fin dal XV sec. era diffusa l’usanza di sostituire alcuni voci con strumenti. Ciò aveva modificato la scrittura
lineare-melodica contrappuntistica in quella verticale-armonica che si concretizzò nella scrittura accordale. La
melodia era svolta dalla voce acuta, sostenuta da un basso, generatore di accordi che sostituivano le altre voci,
che prese il nome di “continuo” in contrapposizione con quello “interrotto” delle composizioni polifoniche.
Importante fu l’opera di Ludovico Grossi da Viadana, in quanto nella prefazione dei suoi Cento concerti
ecclesiastici (mottetti) a 1-4 voci, con il basso continuo per suonar l’organo è presente la spiegazione del
nuovo procedimento compositivo. Il b.c. fu utilizzato per tutto il barocco nell’accompagnamento della musica
vocale e nella musica strumentale per strumenti non a tastiera. Esso era realizzato generalmente da 2 strumenti:
uno melodico (generalmente una viola da gamba, poi un violoncello) che eseguiva il basso, e uno capace di
realizzare accordi (clavicembalo, organo o liuto) secondo la numerica prescritta

Strumenti a corde e a fiato

Lo strumento più popolare era il liuto. Di origine orientale fu portato in Europa dalle Crociate e rivestì ben
presto un ruolo da protagonista sia come strumento solista che da accompagnamento. I liuti più comuni
avevano 11 corde: 3 doppie intonate all’ottava (sol, do, fa), 2 doppie all’unisono (la, re) e un cantino (sol). Alla
fine del XVI sec, per dar maggior sonorità, si aggiunsero altre corde più gravi. Nacquero così nuovi strumenti
affini al liuto: la tiorba a due manici paralleli, l’arciliuto e il chitarrone, alto quanto un uomo. Le composizioni
per liuto erano scritte su intavolature.
Tra gli strumenti ad arco il più diffuso e antico era la viella. Da essa nacquero 3 nuovi tipi di strumento:
- la lira, nelle varietà da braccio o da gamba (lirone), fornita di 7 corde
- la viola da gamba munita di 5-7 corde era di vari tipi (i più usati erano basso e contrabbasso). Dal XVIII
secolo divenne violoncello, pare che il merito della trasformazione sia di Andrea Amati
- la viola da braccio munita di 6 corde era anch’essa di vari tipi: viola soprano, contralto, tenore
Questi strumenti caddero in disuso nel ‘600, quando vennero sostituiti dagli archi moderni (il primo violino si
ha dopo il 1550). Tra gli strumenti a fiato più diffusi si hanno: cornetti dritti o ricurvi del tipo medioevale,
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trombe di vari tipi, tra cui il clarino, flauti dritti e traversi, fagotti e oboi derivati dalla bombarda (diversa dalla
bombarda odierna)
Strumenti a tastiera
L’organo rinascimentale era un ampliamento dell’organo positivo medioevale. Fu aumentato il numero dei
registri (ai principali si aggiunsero i registri di mutazione), furono adottati tasti meno larghi e più profondi per
esecuzioni più sciolte e fu adottata la pedaliera (prima in Germania e nei Paesi Bassi). Altri strumenti erano il
clavicordo e il clavicembalo
I trattati di musica strumentale
La diffusione degli strumenti ebbe come conseguenza la trattatistica su di essi. I trattati di musica strumentale
non avevano nulla a che vedere coi moderni metodi di tecnica. Si proponevano innanzitutto di insegnare a
trasporre sui vari strumenti la musica vocale. Inoltre la maggior parte dei trattati conteneva un’antologia di
composizioni per lo strumento. Molto importante per gli strumenti a tastiera fu Il Transilvano, dialogo sopra il
vero modo si suonar organi et istromenti da penna (cioè clavicembalo) di Girolamo Diruta

TESI XIV: Origine del melodramma

Il Barocco si colloca tra Rinascimento e Classicismo (dall’inizio del XVII sec. alla metà del XVIII sec, tra l’età
di Monteverdi e quella di Bach ed Handel). Si può dividere in 3 parti della durata di circa mezzo secolo: età di
Monteverdi, Frescobaldi e Schutz; età di Carissimi, Lulli e Purcell; età di Vivaldi, i 2 Scarlatti, Couperin, Bach
ed Handel

Cultura del Barocco: a Roma palazzi e fontane del Bernini, poemi e poesie del Marino. L’arte barocca rifiuta i
canoni dell’estetica classico-rinascimentale (misura, equilibrio, sobrietà): l’obiettivo è ora stupire, rappresentare
e “fare spettacolo”. La musica era la componente essenziale della manifestazione più originale del barocco: la
festa. Per i regnanti dilettarsi di musica era un dovere di stato: l’organizzazione della musica si basava sulle
cappelle delle corti

Lo stile della musica barocca:

- mentre nel rinascimento si adottò uno stile unico per musica vocale e strumentale (sia sacra che profana), la
musica barocca adottò più stili: stile polifonico “alla Palestrina” per musica sacra, stile omofono per musica
da camera e per l’opera
- mentre nel rinascimento si dava più importanza alla produzione vocale, nel barocco si fa molta musica
strumentale
- mentre nel rinascimento si usava la polifonia, nel barocco si usa la monodia: nascita e sviluppo della teoria
armonica
- vengono introdotti nuove forme: continuarono a vivere messe, mottetti, toccate-preludi; nacquero opere,
balletti e oratori; nella musica strumentale concerti, suites, fughe, variazioni

L’affermazione della monodia: la Camerata Fiorentina

Durante il Rinascimento era spesso normale che le voci inferiori di una composizione polifonica fossero
sostituite da uno strumento polifonico quali liuto, organo e clavicembalo. Questa pratica monodica era comune
in frottole, villanelle e canzonette, ma anche in madrigali, chansons e lieder. In realtà la monodia vera e propria
nacque dai dibattiti che alla fine del ‘500 si svolsero alla Camerata Fiorentina. Nell’ultimo ventennio del XVI
sec. si riunirono in casa del conte de’Bardi alcuni musicisti, gentiluomini e poeti, i quali volevano far rivivere la
musica greca, secondo loro la più perfetta ed espressiva, osteggiando la polifonia. Le tesi della Camerata furono
esposte nel Dialogo della musica antica e moderna di Vincenzo Galilei, ma l’opera che segna la nascita della
monodia è la raccolta di madrigali monodici e arie di Giulio Caccini, Le nuove musiche per voce e basso
continuo (1602). Contemporanea fu l’apparizione dei Cento concerti ecclesiastici a 1, 2 , 3 voci con basso
continuo di Ludovico Grossi.

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Teatro e Musica
Già nel XV sec. il movimento umanistico volto al recupero della cultura classica aveva riscoperto il teatro
antico con commedie di Plauto e Terenzio e tragedie di Seneca. Ciò stimolò la produzione teatrale moderna:
nacque così il teatro italiano (commedie di Ariosto, Machiavelli, Aretino e tragedie che non riuscirono a
imporsi se non a strette cerchie di letterati). Accanto a commedie e tragedie nacque il nuovo genere della favola
pastorale (Aminta del Tasso e Il pastor fido del Guarini). Altro genere di successo fu la Commedia dell’arte,
basata su esili canovacci e con maschere come Pantalone, Brighella, Arlecchino, il Dottore, il Capitano, gli
Innamorati…
La musica era presente nel teatro rinascimentale come musica di scena, valido esempio ne è il coro dell’ Edipo
Tiranno di Sofocle, musicato da Andrea Gabrieli nel 1585. Gli Intermedi furono spettacoli rinascimentali di
vasto impiego, utilizzati come riempitivo tra una scena e l’altra, costituivano entità autonome. I più importanti
sono i 34 intermedi per La pellegrina, commedia di Bargagli rappresentata a Firenze nel 1589 per le nozze di
Ferdinando de’Medici. A tali intermezzi collaborò la Camerata Fiorentina. Essi costituiscono il diretto
antecedente dell’opera. I brani, molti dei quali in stile concertante, sono di grande varietà: “sinfonie”
strumentali, madrigali da 3 a 30 voci, alcuni a cappella, altri con accompagnamento strumentale.

I primi melodrammi
I primi drammi per musica nascono dal desiderio della Camerata fiorentina di emulare la tragedia greca
fondendo linguaggio e musica: nasce il recitar cantando, cioè il nuovo modo flessibile di declamare un testo,
cantandolo sulle note indicate dal compositore. Il primo dramma per musica fu Dafne di Peri su testo di
Rinuccini, rappresentato nel 1597. Oltre a Peri, figurano tra i primi operisti Caccini e de’Cavalieri.

TESI XV: Origini e primo fiorire dell’oratorio – Giacomo Carissimi – La cantata e il

duetto da camera

La musica sacra cattolica

Coesistono aspetti della tradizione rinascimentale (polifonia, modalità) e dell’innovazione barocca (monodia,
armonia, tonalità). 3 stili:
- stile antico polifonico: lezione contrappuntistica di Palestrina, uso tipicamente barocco della tecnica
policorale (Benevoli, messa a 53 voci nel 1628)
- stile moderno monodico: si sviluppò nella prima metà del XVII sec. sul modello dei 100 concerti
ecclesiastici del Grossi da Viadana, si propone lo scopo di fornire le comunità ecclesiastiche minori di un
repertorio che non richiedesse esecutori virtuosi. Generalmente si tratta di mottetti a 1, 2, 3 voci con organo,
mai di messe o salmi, con testi in latino tratti dai libri liturgici (si ricorda Il pianto della Madonna di
Monteverdi, a questo genere appartengono numerosi Stabat Mater)
- stile concertato: le sue radici risalgono allo stile policorale di Giovanni Gabrieli, ma fu Monteverdi a
definirne il modello con i 5 salmi e col Magnificat (1610). Nelle composizioni sacre in stile concertato si
alternano brani in canto solistico (declamato, melodico, vocalizzato) e brani di polifonia corale
accompagnati da organo e orchestra
L’oratorio latino e Giacomo Carissimi
Composizione sacra non liturgica che, in particolari ricorrenze, veniva eseguito nei luoghi di preghiera (distinti
dai consueti luoghi di culto). Il carattere peculiare dell’oratorio è l’assenza di ogni elemento scenico e
rappresentativo. I dialoghi sono eseguiti dai cantanti che impersonano i vari personaggi e un Historicus
racconta la vicenda (storie ecclesiastiche e vite dei santi). L’oratorio latino si sviluppò in seno
all’Arciconfraternita del S.Crocifisso e derivò dai mottetti concertanti su testi biblici. Il maggiore compositore
di oratori latini fu Giacomo Carissimi (1605-1674). Scrisse 35 oratori, alcuni di vaste proporzioni (sino a 6
voci, 3 cori, archi e basso continuo) altri di piccola entità (4 voci). I testi, in latino, erano tratti dal nuovo e
antico Testamento, con brevi tratti di invenzione. Compose anche 8 messe (da 3 a 8 voci con basso continuo),
172 mottetti (da 1 a 8 voci con b.c.), 227 arie e cantate profane (da 1 a 3 voci con b.c.). Sebbene visse nel
periodo di fioritura della scuola operistica, Carissimi non si accostò mai al teatro. Il suo talento per la
rappresentazione trovava spazio nella sua musica, robusta e compatta, ma anche capace di immagini descrittive,
evocative e liriche. Il coro ebbe sempre un ruolo di rilievo per Carissimi, che lo tratto omofonicamente e solo di
rado in contrappunto imitato.

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 Eccelse nelle invocazioni, nelle espressioni di dolore e nella rievocazione del mondo soprannaturale e
infernale. Assieme a Monteverdi e Schutz è tra i musicisti del XVII sec. che più profondamente espresse il
sentimento religioso.
L’oratorio italiano nasce dalle laudi polifoniche e si diffuse da Roma alle altre città italiane. Il più importante
centro dell’oratorio italiano fu la corte imperiale di Vienna, presso la quale gli oratori avevano funzione politica
(decorare celebrazioni solenni, esequie di personaggi illustri, riunioni della Dieta…), ovvero laddove le
rappresentazioni operistiche non erano adatte. Venne abolito lo Historicus e diminuì l’impegno del coro:
l’oratorio divenne una successione di arie, duetti e recitativi (tipo opera: è da notare che gli oratori si
eseguivano spessissimo durante la quaresima, quando i teatri d’opera erano chiusi). Alessandro Scarlatti ne
scrisse 38.
L’oratorio in Francia fu introdotto da Charpentier, un allievo di Carissimi che fu, insieme a Lulli e Delalande,
uno dei più apprezzati musicisti del tempo. I suoi oratori, la maggior parte su testi latini, pochi su testi francesi,
fondono aspetti italiani ad elementi francesi, ma non ebbero molta influenza sulla produzione musicale sacra.
L’assolutismo di Luigi XIV infatti patrocinava, oltre al gallicanesimo, uno stile di canto sacro peculiare
francese. La forma preferita era il grand motet, ampia e fastosa cantata sacra per voci soliste; non avevano
esclusivo impiego sacro. Il maggior compositore di grands motets fu Delalande (1657-1726).

La musica sacra protestante

Anche nel repertorio protestante coesistono aspetti rinascimentali e barocchi; in più si fa uso del corale. Esso
poteva essere usato in 3 diversi modi:
- il più semplice era l’armonizzazione delle 4 voci delle melodie nei corali (371 corali a 4 voci di J.S.Bach)
- un modo più elaborato, ma non nuovo era quello di usare il corale come cantus firmus rinascimentale nei
mottetti polifonici e basso continuo
- più innovativi erano i concerti sacri: stile concertato con b.c. e a volte con strumenti, sia per il raddoppio
delle voci che per parti autonome.
I più noti musicisti luterani furono
- Praetorius (1571-1621), autore del opera teorica Syntagma musicum (1614-1620), noto anche per la
raccolta Musae Sioniae (1250 composizioni sacre, da semplici armonizzazioni corali a musiche policorali
secondo l’uso veneziano
- Schein (1586-1621) scrisse 2 raccolte di mottetti “di invenzione italiana” a 3-6 voci e b.c. che costituiscono
una pietra miliare nello sviluppo del corale concertato
- Scheidt (1587-1654) autore di 4 volumi di concerti sacri
- Schutz (1585-1672) compose esclusivamente musica sacra luterana: Salmi di Davide per 2,3,4 cori con
strumenti nel 1619; Canzoni sacre in stile mottettistico per 4 voci e b.c. nel 1625; 68 concerti sacri in cui si
ritrova l’influenza di Gabrieli e Monteverdi; 3 Passioni in stile a cappella; Oratori di Pasqua e Natale. Portò
sin oltre la metà del XVII sec. le forme ormai arcaiche del mottetto polifonico e della passione responsoriale
a cappella. Come in Monteverdi, l’invenzione musicale era sottomessa alle parole del testo.
Le monodie profane da camera
Il passaggio dal madrigale polifonico alla monodia da camera fu graduale. Iniziò con le Nuove musiche del
Caccini. Le composizioni cacciniane si dividevano in arie su testi strofici con musica ad andamento sillabico
(melodia e basso) soggetta a ripetizioni e madrigali monodici con testi non strofici nei quali la musica
ammetteva indugi e ornamenti sulle sillabe del testo per intensificare l’effetto espressivo della parola.
La cantata profana (o da camera)
Il termine “cantata” comparì a Venezia nel 1620 con le Cantate e Arie a una sola voce con b.c. di Grandi. Non
differivano inizialmente dalle arie (stesso principio di variazione strofica). La cantata venne poi distinta in 2
parti: recitativo (momento narrativo) e aria (momento espressivo). L’alternanza di recitativo e aria divenne
l’elemento strutturale fondamentale della cantata, ma anche della musica operistica italiana. La cantata profana
influì molto sullo sviluppo espressivo del melodramma: ne attenuò gli impulsi drammatici e ne privilegiò la
cantabilità elegante.
Tra i cultori della cantata profana si ricordano: Carissimi, Stradella (200 cantate), A.Scarlatti (700 cantate, la
maggior parte con b.c., altre con strumenti; divenne il modello della cantata settecentesca)
Il duetto da camera
Affini alle cantate per spirito e destinazione d’uso, hanno una forma più libera. Vi si alternano la scrittura
omoritmica con le 2 voci che procedono parallelamente, solitamente per terze, e brani di contrappunto imitato.
Il maggior compositore fu Steffani (1654-1728). Vescovo e diplomatico, compose oltre 10 duetti da camera.
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TESI XVI: La scuola romana – Monteverdi e la scuola veneziana
L’opera e la società del sei-settecento
L’opera nacque come spettacolo di corte, ma dal 1637 nacque a Venezia anche l’opera di tipo impresariale.
L’architettura teatrale moderna nacque in Italia durante il Rinascimento e il primo barocco. Le opere di corte
venivano invece allestite in sale provvisorie, le stesse sale che ospitavano le feste rinascimentali. I teatri stabili
trassero origine da queste sale. La scenografia non nacque con l’opera, ma ereditò dal Rinascimento
l’esperienza dell’invenzione prospettica. Congegni scenotecnici e macchine teatrali (Pratica di fabricar scene e
macchine ne’ teatri trattato di Sabbatini nel 1638). La scenografia operistica barocca tocco i suoi vertici grazie
a i Galli da Bibiena. Il cantante doveva anche essere attore. Anche le donne iniziano a cantare. Si sviluppa lo
stile di canto legato all’opera barocca, il belcanto, con gorgheggi, fioriture e timbri caricaturali, piuttosto che
vicini al reale. Qualche nome: Adriana Basile, Caterina Gabrielli, Luisa Todi, Marianna Bulgarelli; Farinelli,
Caffarello, Senesino.
L’opera a Roma
I drammi per musica attecchirono subito a Roma, anche grazie alla presenza del de’ Bardi e del de’ Cavalieri,
che vi si erano trasferiti verso il finire del XVII sec., ma il momento culminante dell’opera romana coincise col
lungo pontificato di Urbano VIII. I suoi nipoti trasformarono in teatro una sala capace di oltre 3000 persone,
adiacente al loro palazzo alle 4 Fontane. Il teatro fu inaugurato nel 1632 con Sant’Alessio di Landi, opera che
presenta una varietà di sentimenti, dal patetico al comico, nella cui musica prevalgono i recitativi, ma vi sono
anche brevi arie con cori in stile madrigalistico. Il maggior compositore dell’opera romana fu Luigi Rossi
(1597-1653), ricordato soprattutto per l’Orfeo. Con la morte di Urbano VIII si chiuse la breve stagione
dell’opera romana. Le vicende dell’opera a Roma furono in seguito condizionate dai gusti dei pontefici.
Nell’opera romana è superato il recitar cantando, a favore della differenziazione stilistica tra recitativo e aria:
melodie brevi, arie strofiche, alcune in forma bipartita, altre su un basso ostinato. I recitativi sono strumentali e
sostenuti dal basso continuo. La tradizione polifonica è conservata per le parti corali. I libretti non sono più di
argomento mitologico-pastorale, bensì di carattere allegorico-morale oppure trattasi di vicende edificanti,
spesso ispirate a episodi cavallereschi.
L’opera veneziana
Nel carnevale del 1637 viene rappresentata a Venezia Andromeda di Manelli, su libretto di Ferrari, la prima
opera impresariale. Inizia la storia dell’opera come spettacolo pubblico. Negli anni successivi si definì il tipo di
opera veneziana e le opere nate nei teatri di Venezia si diffusero in altre città d’Italia e d’Europa. L’industria
del teatro operistico. Con la scoperta dell’America il potere mercantile di Venezia inizia il suo declino, diviene
il primo centro turistico internazionale. Le maggiori famiglie patrizie veneziane che possedevano luoghi adatti
ebbero modo di affittare agli impresari i loro beni immobiliari. Tra il 1637 e il 1681 furono così attivi a Venezia
ben 12 teatri. Il proprietario di un teatro lo affittava ad un impresario, il quale allestiva le stagioni, che si
svolgevano sempre a carnevale e durante ogni stagione si presentavano 2 opere. L’impresario stipulava contratti
pluriennali con compositori e librettisti, stagionali coi cantanti. Terminato il carnevale, i cantanti si
organizzavano in compagnie che portavano le opere presentate a Venezia nei teatri delle maggiori città. L’opera
impresariale doveva seguire i gusti del suo pubblico: virtuosi del canto solistico e drammi intricati anche se
poco verosimili, svolti con vario numero di scene e sfarzo di costumi. I maggiori costi erano assorbiti dal cast
vocale e dalla scenografia, a scapito dell’orchestra, costituita solo da archi e basso continuo; il coro era poco
usato. La materia trattata dai librettisti inizialmente fu mitologico pastorale (Tetide e Peleo, Apollo e Dafne),
come per i drammi di corte, poi si passò ad argomenti della mitologia classica più drammatici (Giasone,
Medea), infine si toccarono eventi della storia romana (Pompeo, Annibale, Cesare), ma la necessità di stupire il
pubblico spingeva i librettisti a discostarsi anche di parecchio dalla realtà storica. La parte più estesa del libretto
era occupata dai recitativi, in endecasillabi o settenari sciolti; le arie, brevi e numerose, erano aggregazioni
strofiche di versi misurati e ritmati, a volte mescolati insieme senza uno schema regolare.
I più noti operisti veneziani furono:
- Francesco Cavalli (1602-1676), mentre Monteverdi era maestro di cappella, entrò nel 1617 nella cantoria di
S.Marco. Vi trascorse tutta la carriera: secondo e primo organista, infine maestro di cappella. Autore di
messe, salmi e inni in stile concertato, scrisse 42 opere che costituiscono l’ossatura del primo repertorio
veneziano e rispecchiano l’evoluzione operistica veneziana. Si ricordano le opere Le nozze di Peleo e Teti,
La Didone, Egisto, Ormindo, Giasone, Muzio Scevola. Inoltre Luigi XIV gli commissionò L’Ercole
Amante, che andò in scena per le sue regali nozze nel 1662, con l’interpolazione di balli di Lulli.
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- La naturale inclinazione teatrale e la lezione di Monteverdi fanno di Cavalli l’operista più naturalmente
drammatico del suo tempo. Le opere si attengono quasi del tutto allo stile recitativo, stile che fu uno dei
modelli della vocalità operistica di Lulli. Poco numerose le arie: brevi, su bassi ostinati o ritmi di danza
(soprattutto sarabande). Le scene sono talvolta divise da brevi interludi orchestrali.
- Antonio Cesti (1623-1669) è considerato tra i maggiori esponenti dell’opera veneziana per ragioni di stile,
perché spesso le sue opere (L’Orontea, La Dori, Il pomo d’oro) erano spesso rappresentate a Venezia, ma la
sua vita e la sua attività si svolsero in altre città. In particolare Il pomo d’oro, composta per le nozze
dell’imperatore asburgico, rinnovò i fasti dell’opera di corte. L’espressione vocale di Cesti è molto varia:
recitativi drammatici, declamazioni, arie molto numerose ed estese, pezzi d’insieme… In confronto alle
melodie di Cavalli, le sue sono più regolari nella struttura e più dolci nell’espressione.
- Antonio Stradella (1644-1682), non operò a Venezia ma fu uno dei musicisti più ispirati della seconda metà
del XVII sec. Risentì dell’influenza di Carissimi e Monteverdi, si rivelò anticipatore dell’impiego
dell’armonia e fu tra i primi a ripartire l’orchestra d’archi in 2 gruppi (Concerto grosso e concertino). Lasciò
13 opere teatrali, 5 oratori, mottetti, cantate sacre e profane, serenate e madrigali. Tra le composizioni
strumentali sinfonie e sonate.

Claudio Monteverdi (Cremona, 1567-Venezia, 1643) Vissuto tra Rinascimento e primo barocco, si riconosce
nelle sue opere il passaggio tra polifonia e monodia. Nel 1589 si trasferì a Mantova come suonatore di viola
nella cappella musicale dei Gonzaga. Nel 1603 Vincenzo Gonzaga lo nominò maestro di cappella. Alla morte di
Vincenzo, nel 1612, Monteverdi tornò a Cremona, poi Venezia, dove divenne maestro di cappella.

Opere: opera omnia, raccolta in “Tutte le opere di C.M.”, 19 volumi a cura Malipiero (1926-1942):
- composizioni polifoniche profane: canzonette a 3 voci, 5 libri di madrigali con testi del Guarini, del Tasso,
del Boccaccio e di Rinuccini. Nel 1600 Artusi accusò Monteverdi di non aver rispettato le regole del
contrappunto in alcuni madrigali. La risposta di Monteverdi, pubblicata nel libro V dei madrigali, ebbe il
valore di enunciazione dei principi estetici a cui il compositore si rifaceva. E’ dal terzo libro di madrigali
che si palesano gli aspetti originali dell’arte di Monteverdi: evidente adesione della musica alla poesia, da
cui deriva l’impiego di alcune dissonanze criticate dall’Artusi, la trasformazione delle linee melodiche in
declamati a note ribattute, la tendenza a privilegiare la voce acuta, il diradarsi del tessuto polifonico a sole
2,3 voci
- composizioni profane in stile concertato: madrigali a 5 voci su testi di Rinuccini, Marino, Petrarca;
Concerto a 1,2,3,4,5,6 voci dal libro V dei madrigali, testo di Guarini, Marino, Tasso; Scherzi musicali a 1 e
2 voci (contiene arie e madrigali in stile recitativo); madrigali guerrieri e amorosi (libro VIII) con testi di
Petrarca, Tasso, Guarini, Rinuccini, Marino; nei libri VII e VIII viene a mancare l’omogeneità che si
incontra nei libri precedenti, infatti vi si incontrano madrigali concertati, monodie (tra cui la Lettera
amorosa “se i languidi miei sguardi”, in genere rappresentativo), duetti, 2 balli (Tirsi e Clori, Il ballo delle
ingrate). La composizione più famosa è Il Combattimento tra Tancredi e Clorinda (dai madrigali guerrieri
del libro VIII), testo tratto dalla Gerusalemme Liberata, canto XII. Fu rappresentata a Venezia nel 1624, 3
voci, basso continuo e orchestra d’archi (introduzione del tremolo e del pizzicato)
- opere teatrali: L’Orfeo, favola in musica composto da un prologo e 5 atti, libretto di Striggio figlio (1607),
rispecchia lo stile dell’opera di corte, si modellò sulle Euridici fiorentine, con uso dello stile recitativo
flessibile e incisivo, aderente alla sollecitazione della poesia, ma vennero sfruttate altre risorse musicali:
brevi monodie, grandi arie per il protagonista, cori madrigalistci, sinfonie e ritornelli strumentali.
L’incoronazione di Poppea, dramma in musica costituito da prologo e 3 atti su libretto di Busenello,
rappresentato a Venezia nel 1642. Elogio e trionfo della passione amorosa, presenta i caratteri dell’opera
veneziana: orchestra ridotta, quasi abolito il coro, molti personaggi, varie le scene, intricata la vicenda,
predomina il recitativo, gli episodi cantati sono numerosi e bravi (particolare il fluido passaggio da
recitativo a canto e viceversa, passaggi determinati più dal contenuto dei versi che dalla loro struttura)
- composizioni sacre: Sacrae cantuculae a 3 voci, madrigali spirituali a 4 voci, Messa a 6 voci a cappella (in
stile antico, in contrappunto rigoroso) e Vespri della Beata Vergine a 6 voci e strumenti, Selva morale e
spirituale per soli, insiemi vocali e strumentali (contiene madrigali spirituali, una messa, salmi, Magnificat,
Salve Regina). Nella maggior parte delle composizioni sacre Monteverdi ricreò coi suoi personali moduli
espressivi lo stile concertato di Gabrieli.

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La personalità. Monteverdi fu capace di intuire e accelerare la trasformazione del comporre musica : dalla
polifonia madrigalistica, allo stile concertato, alle monodie su b.c.; dallo stile recitativo alle forme d’opera,
prima di corte, poi impresariale; dalla polifonia sacra a cappella ai salmi e mottetti concertati. Il rapporto
parola-musica costituisce il nocciolo del pensiero estetico monteverdiano.

TESI XVII: L’opera napoletana – Alessandro Scarlatti – l’opera buffa e l’opera

sentimentale

Nel ‘700 l’opera italiana si diffuse in tutta Europa ad eccezione della Francia. Il ciclo artistico dell’opera
“internazionale” nacque a Venezia e si sviluppò principalmente grazie a compositori napoletani. I caratteri
esterni non erano dissimili da quelli dell’opera veneziana.

La librettistica: Zeno, Metastasio, Goldoni

I roboanti barocchismi vengono vinti dalla poesia ordinata e apparentemente dimessa dell’Arcadia.
- Zeno (1668-1750) riportò la logica nel melodramma, soppresse le scene comiche, reintrodusse il coro. Le
scene erano regolari: lunghi recitativi di endecasillabi o settenari sciolti, concluse da arie. I drammi, basati
su vicende della storia antica o della mitologia, dovevano avevano funzione educativa, esaltavano quindi le
virtù morali
- Metastasio (1698-1782) è tra i più grandi librettisti di tutti i tempi. Perfezionò gli interventi di Zeno e definì
il modello dell’opera internazionale. I drammi sono tutti in 3 atti, con scene composte da lunghi recitativi e
concluse da brevi arie, pochi duetti e cori, pochi i personaggi (quasi sempre 6). Metastasio svolge un unico
tema: il contrasto tra ragione e sentimento, passione e giudizio
- Goldoni (1707-1793) come le commedie, per quanto riguarda le vicende e la coerenza della forma. Lo
spirito della riforma teatrale goldoniana si mostra anche nei libretti: coerenza nell’azione, personaggi ben
caratterizzati, passaggio dal recitativo all’aria e ai pezzi d’insieme fluido e senza scompensi

Alessandro Scarlatti (Palermo,1660 - Napoli,1725) La sua produzione operistica servì da modello per almeno 2
generazioni, e grazie ad essa Napoli divenne, assieme a Venezia, la capitale dell’opera. Scrisse ben 114
opere; le più importanti sono Gli equivoci del sembiante, La Statira, L’Eraclea, Il Mitritdate Eupatore, Il
Tigrane, Il trionfo dell’onore, La Griselda. Produzione vocale: 26 serenate e cantate, composte per
occasioni celebrative; 811 cantate a 1 e 2 voci e basso continuo, di cui 80 anche con strumenti; 7 oratori
in latino (destinati all’oratorio romano del SS.Crocefisso) e 38 oratori in italiano; 13 messe, alcune con
strumenti; 72 mottetti, salmi e inni. Produzione strumentale: 12 sinfonie di concerto grosso; 7 sonate per
flauto e archi; concerti, sonate e toccate per strumenti a tastiera.
Uno dei maggiori suoi meriti è quello di aver equilibrato il rapporto tra recitativi e le arie, attraverso
l’espansione dell’aria con il da capo (ABA). Scarlatti accrebbe anche, rispetto all’opera veneziana, il ruolo
dell’orchestra (sinfonia introduttiva e accompagnamento delle arie. Negli stessi anni anche Corelli e altri
stavano affidando una crescente importanza all’orchestra.

L’opera a Napoli prima di Scarlatti

L’opera veneziana fu introdotta a Napoli a metà del XVII. Nel 1650 una compagnia nomade venuta da Roma, I
Febiarmonici presentarono l’opera Didone di Cavalli, l’anno dopo L’incoronazione di Poppea di Monteverdi.
Nel 1654 fu aperto il teatro di S.Bartolomeo, ma la maggior parte delle opere fu rappresentata a Palazzo Reale
per vari decenni. Prima di Scarlatti si eseguivano solo opere veneziane, spesso rimaneggiate secondo le
esigenze locali. Nel lavoro di adattamento si segnalò Francesco Cirillo, tenore dei Febiarmonici. Il primo
operista napoletano fu Francesco Provenzale (1627-1707), le cui opere (a noi sono pervenute Il schiavo di sua
moglie e Stellidaura vendicata) rivelano la conoscenza del teatro monteverdiano, il gusto per il patetico e una
vivacità comica di stampo popolare. Nascevano in questo periodo i primi Conservatori. Inizialmente si trattava
di 4 orfanotrofi, che nacquero durante il secolo XVI come istituzioni caritative assistenziali. Gli orfani ospitati
partecipavano alle cerimonie di culto cantate e queste prestazioni resero necessario fornir loro una educazione
musicale.
7
La crescita della scuola napoletana ebbe il suo punto di forza nell’azione dei 4 conservatori e all’azione del
maestro Francesco Durante (1684-1755) che ebbe tra i suoi allievi Pergolesi, Jommelli, Traetta, Piccinni,
Paisiello, Sacchini

L’opera napoletana durante il Settecento

Guerre di successione, Napoli cambia più volte padrone: spagnola dalla seconda metà del XVI sec, austriaca dal
1707, spagnola dal 1735, con re Ferdinando di Borbone, figlio di Carlo III, re di Spagna. Queste vicende non
ebbero effetti negativi sulla produzione musicale. Nel 1737 fu aperto il teatro S.Carlo, allora il più ampio
esistente. L’opera buffa diventa un genere a sé, determinando il tramonto dell’inserzione di scene comiche nelle
opere di argomento storico o mitologico, cosa che preparò la demarcazione del genere operistico: serio e buffo.
La matrice dell’opera buffa era la Commedia dell’Arte. Le sedi teatrali che rappresentavano opere buffe furono
differenti da quelle dell’opera seria.
I musicisti napoletani che si affermarono dopo Scarlatti furono:
- Francesco Feo (1691-1761), insegnò ai conservatori di S.Onofrio e dei Poveri di Gesù Cristo. Lasciò circa
20 opere, dal 1740 si dedicò alla musica sacra
- Nicolò Porpora (1686-1768) noto maestro di musica. Ebbe tra i suoi allievi i cantanti Farinelli, Caffarelli,
Senesino, Regina Mingotti. Esercitò principalmente fuori Napoli: Venezia, Londra (dove fu antagonista di
Handel come compositore teatrale), Vienna (dove insegnò al giovane Haydn)
- Leonardo Vinci (1690-1730) fu vice maestro della cappella reale. Lasciò una decina di opere buffe in
dialetto (tra cui La zite n’galera) e una ventina di opere serie. Fu uno dei primi a rappresentare i libretti di
Metastasio
- Leonardo Leo (1694-1744) anch’egli vice maestro della cappella reale, compose 30 opere serie, circa 25
commedie musicali e intermezzi, oratori (tra cui La morte di Abele) e composizioni strumentali (tra cui i
concerti per violoncello)
- G.B.Pergolesi (Jesi 1710-Pozzuoli 1736), iniziati gli studi a Jesi, proseguì a Napoli sotto la guida di
Durante, nel conservatorio dei Poveri di Gesù Cristo. Esclusa una breve parentesi romana, visse e operò a
Napoli. La sua produzione comprende soprattutto opere teatrali: la commedia musicale Lo frate ‘nnamurato
(1732); il dramma serio Il prigioniero superbo, con il suo intermezzo comico La serva padrona (1733);
Adriano in Siria, su libretto di Metastasio, con il suo intermezzo Livietta e Tracollo (1734); L’Olimpiade su
libretto di Metastasio (Roma, 1735); la commedia Il Flaminio (1735). Lasciò anche musica sacra: 2 oratori,
antifone, messe, salmi per soli, coro e orchestra, e lo Stabat Mater per 2 soprano, contralto e archi,
composto poco prima di morire di tisi. Scarsissima la produzione strumentale. Caratteristiche della musica
pergolesiana sono la dolcezza e la malinconia. Rispetto a predecessori e contemporanei attuò una
concentrazione delle forme e una semplificazione della scrittura, molto trasparente ma sempre nobile.
La seconda generazione di musicisti napoletani contribuì non poco all’espansione della scuola napoletana in
altre città italiane. I compositori svolsero buona parte della loro carriera lontano da Napoli.
- Niccolò Jommelli (1714-1774) allievo al conservatorio di S.Onofrio e della Pietà dei Turchini, rappresento
la sua prima opera nel 1737, L’errore amoroso. Nel 1749 fu nominato maestro aggiunto in S.Pietro, a
Roma. Ma il periodo più fulgido della sua carriera fu quello passato al servizio del duca Wurttemberg, a
Stoccarda, dove, per assecondare i gusti eclettici del duca, Jommelli fuse la drammaturgia metastasiana e
quella francese (Fetonte, Catone in Utica, Pelope), inserendo cori brani d’insieme e balli nella struttura
operistica italiana
- Tommaso Tretta (1727-1779) fu allievo di Porpora e Durante al conservatorio di S.Maria di Loreto. Nel
1758 divenne maestro di cappella a Parma, presso la corte del duca Filippo di Borbone, dove l’intendente
del duca, Du Tillot, propugnava una riforma dell’opera italiana mediante l’immissione di elementi
strutturali dell’opera francese di Rameau. Nelle opere Ippolito e Aricia e I tindaridi, Traetta animo l’azione
aggiungendo brevi cori, danze e irrobustendo i recitativi. Il rinnovamento stilistico si affermò nelle sue
opere viennesi dopo il 1761 (Armida e Ifigenia in Tauride)
- Niccolò Piccinni (1728-1800) studiò con Leo e Durante. Il suo capolavoro fu La Cecchina o la buona
figliola su libretto di Goldoni, rappresentata a Roma nel 1760. Nel 1776 fu inviato a Parigi per partecipare
ad un’accesa polemica artistica (querelle). Gluck proponeva una riforma del teatro musicale, ma Piccinni, di
animo mite, incline all’opera buffa, costretto a comporre opere serie in lingua francese, non poteva reggere
il confronto con Gluck, sebbene il suo Roland ebbe un discreto successo. Produsse ben 120 opere, serie e
buffe, messe, oratori e salmi.
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- Giovanni Paisiello (1740-1816) studiò nel conservatorio di S.Onofrio con Durante. Fu maestro di cappella a
S.Pietroburgo dal 1776 al 1784, dove rappresentò La serva padrona e Il barbiere di Siviglia e scrisse anche
musiche strumentali, tra cui concerti per clavicembalo e orchestra. Tornato a Napoli come maestro di
cappella della corte borbonica, scrisse 2 opere giocose di successo: La molinara (1788) e Nina o sia la
pazza per amore (1789). Napoleone apprezzava la sua musica e lo fece venire a Parigi nel 1802. Nel genere
semiserio e comico offrì prova di adesione alla verità, la spontaneità sentimentale si esprime principalmente
nell’invenzione melodica, fluente e aggraziata.
- Domenico Cimarosa (1749-1801), orfano di padre, ebbe un posto gratuito al conservatorio di S.Maria di
Loreto. Il suo primo grande successo fu L’italiana a Londra (Roma, 1779). Dal 1787 al 1790 fu maestro di
cappella a S.Pietroburgo, durante il viaggio di ritorno si fermò a Vienna dove scrisse il suo capolavoro Il
matrimonio segreto (1792). Rientrato a Napoli durante la Repubblica Partenopea, compose l’Inno
Repubblicano, che, al ritorno dei Borboni (1799), gli valse prima il carcere, poi l’esilio a Venezia. La sua
produzione fu feconda: più di 70 opere, tra cui la seria Gli Orazi e i Curiazi (1796) e le buffe Giannina e
Bernardone (1781) e Le astuzie femminili (1794). Il matrimonio segreto, con la sua struttura compatta,
con una vicenda svolta con precisione, col dosaggio sapiente di arie e pezzi d’insieme e recitativi mai
generici, è considerato il momento più altro della produzione comica del 700

L’opera a Venezia

L’opera napoletana non relegò in secondo piano l’opera veneziana. La macchina teatrale veneziana continuò a
girare ancor più che nel XVII sec. I teatri continuavano a offrire grandi guadagni alle famiglie più illustri di
Venezia: in media si rappresentavano 9 opere differenti all’anno. Rispetto al secolo precedente, Venezia aprì i
propri teatri anche a illustri compositori non veneziani. Ma tra i maggiori operisti veneziani si ricordano almeno
- Antonio Vivaldi, che cominciò a dedicarsi all’opera quando già aveva 35 anni, ma compose ben 50 opere
serie. La prima fu Ottone in villa, rappresentato a Vicenza nel 1713. Vivaldi non solo componeva le opere,
ne era anche impresario, allestiva in proprio le produzioni e scritturava i cantanti. Era legato soprattutto al
teatro S.Angelo, ma produsse anche per molte città del nord Italia, più Roma. Non tutta la produzione
operistica di Vivaldi era preziosa: alcune arie venivano trasportate da un’opera all’altra e molti pezzi
tradiscono la fretta. Ma l’operista Vivaldi non è inferiore al compositore dei concerti. L’orchestra partecipa
alla vicenda drammatica, differentemente dai suoi contemporanei. Le opere più importanti sono Il Farnace
(1726), Orlando (1727), La fida ninfa (1732), L’Olimpiade (1734), La Griselda (1735)
- Baldassarre Galuppi (1732-1785) detto il Buranello, fu maestro di cappella dal 1762 a S.Marco; fu maestro
anche all’Ospedale dei Mendicanti e poi agli Incurabili. Dal 1765 al 1768 fu a S.Pietroburgo da Caterina II.
Compose più di 100 opere, solitamente comiche su libretto di Goldoni; si ricordano Il mondo della luna
(1750), Il mondo alla rovescia ossia Le donne che comandano (1750), Il filosofo di campagna (1754). Nelle
opere serie preferì i libretti di Metastasio. Compose anche musica sacra, oratori e musica strumentale, in
particolare concerti e sonate per clavicembalo

I 4 Ospedali veneziani erano istituzioni affini ai conservatori napoletani, dove però venivano istruite
unicamente ragazze.

Compositori d’oltralpe
L’opera italiana conobbe nel XVIII sec. una grande diffusione in ogni corte europea, in particolare Austria,
Germania e Inghilterra. Ciò fu di stimolo ai compositori stranieri a imitare lo stile operistico italiano. Tra i
compositori stranieri che produssero in stile italiano si ricordano: Handel, J.C.Bach (11 opere), Gluck (opere
precedenti all’Orfeo ed Euridice), Haydn (le opere scritte per il teatrino di Esterhàz), Mozart. Ma il musicista
più integrato nell’opera italiana fu
Johann Adolf Hasse (1699-1783), di Amburgo, sposò la famosa cantante veneziana Faustina Bordoni. Allievo
di Scarlatti e Porpora, musicò quasi tutti i libretti di Metastasio e con le sue circa 60 opere si dimostrò uno dei
più validi esponenti dell’opera napoletana. Usò frequentemente recitativi drammatici e prestò attenzione
all’accompagnamento orchestrale. Compose anche intermezzi comici, oratori, musiche sacre e strumentali

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TESI XVIII: Sviluppo musicale del melodramma (recitativo, aria, finale, strumentazione
espressiva) – Decadenza artistica
L’antitesi tra opera seria e comica appartiene alla cultura storiografica moderna
L’opera seria
Rispecchia l’idealità, i valori della società del 700, parlava di virtù, prima tra tutte, l’eroismo. L’opera seria era
- cosmopolita e internazionale
- eseguita nei teatri di corte o comunque un teatri importanti e capaci
- sempre in 3 atti, con argomenti solenni ed eroici, a volte tragici, ma sempre a lieto fine; i personaggi (storici
o mitologici) si esprimevano in lingua italiana
- l’esecuzione vocale era affidata a celebri cantanti, soprattutto voci acute, delle quali si apprezzava
soprattutto il virtuosismo
- musicalmente prevaleva uno stile elaborato, soprattutto nelle arie (forma col “da capo” e stile vocale fiorito)
- i libretti erano scritti da poeti e letterati italiani di chiara fama, spesso Zeno e Metastasio. Ogni teatro
comunque aveva il suo librettista
Due particolari tipi di opera seria sono il pasticcio e l’azione (o festa teatrale)
Il pasticcio era un’opera seria su libretto originale ma con arie di vari autori, che ebbe molto successo nella
prima metà del secolo. Esempi di pasticci: Tito Manlio (1720) su libretto di Noris, musica di Boni (atto I),
Giorgi (atto II), Vivaldi (atto III); Partenope (1737) formato da arie già note e scritte per altre opere da vari
autori, fu confezionato da Vivaldi con musiche di almeno altri 5 compositori tra cui Handel. L’azione era
un’opera di ridotte proporzioni, solitamente di argomento mitologico, ma con finalità celebrative. Metastasio
scrisse circa 40 libretti per la corte viennese
L’opera comica
Il termine opera comica era estraneo al gergo settecentesco, fu coniato dai musicologi nell’800. Si dovrebbe
parlare di opera non tragica. Il termine comprende i diversi generi del melodramma non serio: intermezzi, opere
buffe, drammi giocosi, comici, semiseri, farse etc. Una delle forme più singolari fu l’intermezzo. Di dimensioni
ridotte, era di viso in 2 parti che si eseguivano tra I e II e tra II e III atto di un’opera seria. Le vicende narrate
erano esili, quotidiane. I personaggi (di solito 2 o 3, erano esclusi gli evirati) erano borghesi o popolani.
L’organico era una piccola orchestra d’archi più clavicembalo. Il capolavoro del genere è La serva padrona,
intermezzo dell’opera Il prigionero superbo (1733) di Pergolesi. Caratteristiche dell’opera comica:
- era un prodotto tipicamente italiano, spesso regionale (principalmente napoletano)
- era eseguita in piccoli teatri e con pochi collaboratori artistici
- durava 2 o 3 atti. Le vicende si ispiravano alla vita quotidiana. A volte si recitava in dialetto napoletano
- gli interpreti erano a volte attori, più spesso cantanti particolarmente esperti nella recitazione e nel canto
espressivo, più che veri virtuosi
- particolare attenzione agli ambienti e ai costumi borghesi, scorrevolezza nello stile, mescolanza delle forme,
cantabilità
- i primi librettisti erano letterati di bassa lega, più avanti il livello si alzò, il più grande fu Goldoni.
Dalla seconda metà del 700 l’opera comica raccolse favori anche nel resto d’Europa. Gli enciclopedisti francesi
ne apprezzavano la semplicità, contrapposta alla statica e geometrica teatralità dell’opera seria. Molti
compositori prendono spunto da romanzi inglesi e francesi. Per esempio, Paisiello e Mozart, con Il barbiere di
Siviglia e Le nozze di Figaro si ispirarono alla trilogia di Caron de Beaumarchais.
Strutture e forme dell’opera italiana del 700
A parte il fatto che l’opera seria era sempre in 3 atti e la comica spesso in 2, non c’erano molte altre differenze
dal punto di vista strutturale e formale. Le parti fondamentali dell’opera generalmente erano
- la sinfonia, unica parte interamente strumentale, articolata in 3 parti (allegro, adagio o andante, allegro o
presto). Conosciuta di solito come sinfonia scarlattiana, perché fu A.Scarlatti a diffonderla e generalizzarne
l’uso
- i recitativi nei quali si svolgevano i dialoghi tra i personaggi e in pratica l’intera vicenda. Erano
declamazioni intonate. Il tipo di recitativo più usato, derivato dal “recitar cantando” della Camerata
Fiorentina era il recitativo semplice o secco, sostenuto solo dagli accordi del clavicembalo, ma questo tipo
di recitativo scomparve nei primi decenni dell’800. Di uso meno frequente era il recitativo accompagnato o
obbligato, con le voci sostenute degli archi. Il suo sfruttamento, in particolare nelle scene più
drammaticamente intense, aumentò nel corso del secolo
10
- le arie, il momento di maggiore impegno compositivo, erano l’espansione lirica della situazione descritta
dal precedente recitativo. La forma più consueta era l’aria col “da capo” scarlattiana (A B A’), ma l’aria
poteva essere anche in forma bipartita (con un tempo lento e uno mosso)
- i pezzi d’insieme (duetti, terzetti) coinvolgevano, a differenza delle arie, più personaggi. Era raro l’uso del
coro. Pezzi d’insieme particolarmente importanti erano i finali di atto e d’opera, ampiamente sviluppati
dalla seconda metà del 700, in particolare nel genere comico
Esempi:
- Griselda di Vivaldi, opera seria in 3 atti, libretto di Zeno (Venezia 1735). 6 personaggi, tutte voci acute. 18
arie, un terzetto, coro conclusivo. Orchestra d’archi e basso continuo
- Il matrimonio segreto di Cimarosa, dramma giocoso in 2 atti, libretto di Bertati (Vienna 1792). 6
personaggi, 3 maschi, 3 femmine. Recitativi e 6 arie, 5 duetti, 3 terzetti, un quartetto, un quintetto.
Orchestra d’archi, fiati, timpani e basso continuo

TESI XIX : La riforma di Gluck e Calzabigi – Teorici del melodramma – Satire e parodie
in Italia e fuori
Le ragioni dei letterati
Filosofi, scrittori e letterati criticavano aspramente l’opera italiana: pensavano che il rapporto tra musica e
poesia fosse troppo sbilanciato a favore della musica. Per lo spirito razionalistico-cartesiano la poesia ha
maggior valore perché si rivolge alla ragione, la musica ai sensi. Il primato della poesia sulla musica è
affermato da alcuni letterati quali Crescimbeni, Muratori, Martello e Quadrio. Le critiche diminuirono quando
si imposero i libretti di Metastasio, abile poeta d’Arcadia. Gli scrittori della generazione successiva, dalla metà
del 700 in poi, sostennero la logica e la coerenza nel dramma e sollecitarono la riforma del teatro in tale
direzione. Tra questi Algarotti, nel suo Saggio sopra l’opera in musica, lascia intravedere le scelte che, pochi
anni dopo, effettuarono Gluck e Calzabigi. Anche in Francia la questione era accesa: durante il XVIII si
pubblicarono molti pamphlets nei quali si intrecciavano le discussioni teoriche, le polemiche, la satira.
Nacquero 3 querelles: lullisti contro ramisti, buffonisti contro antibuffonisti, gluckisti contro piccinnisti. Gli
scritti più importanti appartengono a Saint-Evremond, Marmontel, barone Grimm, Rousseau
Satire e parodie
Il mondo dell’opera non era criticato solo dai letterati; spesso strano o addirittura assurdo, questo mondo si
prestava a ironie e satire. Nacque così un piccolo filone letterario che si sviluppò sino ai primi decenni dell’800.
La satira più famosa, Il teatro alla moda, la scrisse il compositore Benedetto Marcello, nobile veneziano, nel
1720. Sembra un manuale di consigli e suggerimenti indirizzati a tutti coloro che hanno a che fare con
l’industria operistica, ma i consigli esortano in realtà a fare ciò che non va fatto! Più numerose furono le
parodie, che spesso avevano la forma di libretti d’opera buffa o intermezzi. Tra le più note Prima la musica, poi
le parole, musica di Salieri, libretto di Casti; L’impresario di Smirne di Goldoni; Il maestro di cappella, musica
di Cimarosa; Le cantatrici villane, musica di Fioravanti; Der Schauspieldirektor di Mozart
Cristoph Willibald Gluck
Nato in Baviera nel 1714, trascorse l’infanzia in piccoli centri della Boemia, dove il padre lavorava coma
guardaboschi. Dal 1731 studiò logica a Praga, ma più che altro musica. Nel 1735 era membro della cappella
musicale viennese, dove conobbe il conte Melzi, che lo convinse a studiare a Milano da Sammartini,
compositore apprezzato per la musica strumentale. Dal 1741 iniziò la carriera di compositore teatrale, a Milano
e Venezia. Proseguì a Londra, dove conobbe Handel. Dopo alcuni anni passati con la compagnia d’opera
ambulante dei fratelli Mingotti, prese dimora stabile a Vienna, nel 1752. Attraverso i contatti col conte
Durazzo, sovrintendente dei teatri viennesi e col librettista Ranieri de’Calzabigi, Gluck maturò le linee di
riforma dell’opera seria italiana, il cui primo frutto fu l’azione teatrale Orfeo ed Euridice (1762). Fu invitato a
Parigi da alcuni intellettuali nel 1773, dove Iphigenie en Aulide e la versione francese dell’Orfeo scatenarono
querelles che durarono anni. Dal 1779 non lasciò più Vienna, dove morì nel 1787.
Escluse poche composizioni vocali sacre e profane (tra cui 7 Odi su versi di Klopstock, che sono tra i più
significativi lieder del XVIII sec.) e poche opere strumentali, la produzione di Gluck fu volta interamente al
teatro e comprende 50 opere e 5 balletti. Nel periodo in cui lavorò in Italia, a Londra e in Germania, compose
drammi, pasticci, feste teatrali italiane. Tra essi Artaserse (Milano, 1741), La caduta dei Giganti (Londra,
1746), La clemenza di Tito (Napoli, 1752), Le cinesi (Vienna, 1754).
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Parecchie opere sono su libretto di Metastasio. Lo schema drammaturgico metastasiano infatti, con la
contrapposizione recitativo/aria e il primato delle voci soliste, domina la prima metà della produzione di Gluck.
Su suggerimento del conte Durazzo, Gluck affronta l’opera comica francese, con Le cadi dupè (1761) e La
rencontre imprevue (1764), mentre in collaborazione col coreografo Angiolini realizzò i balletti Don Juan ou le
festin de pierre (1761) e Semiramis (1765). La confluenza di opera seria italiana, opera comica francese e
balletto fu chiamata “riforma di Gluck e Calzabigi” e si realizzò col determinante contributo del librettista
livornese nelle opere Orfeo ed Euridice (azione teatrale in 3 atti, 1762), Alceste (tragedia in 3 atti, 1767),
Paride ed Elena (dramma in 5 atti, 1770).
Le linee fondamentali della riforma erano:
- azione semplificata ed eliminazione del “tagliente divario” tra recitativi e arie. Per eliminare questo stacco
si adotto il recitativo accompagnato, sostenuto dall’intera orchestra. Nelle arie furono aboliti il “da capo” e
il canto fiorito, in questo modo le parole erano sempre intelleggibili
- versi sciolti e rimati in fluida successione, alternando con molta libertà arie e recitativi, facendo largo spazio
ai cori (che partecipavano come in una tragedia greca) e aggiungendo balli in armonia con l’azione
- l’orchestra non accompagnava solamente, ma partecipava all’azione
Questi punti sono ricordati nella prefazione che Gluck premise alla stampa dell’Alceste
Con Handel e Mozart, Gluck fu uno dei più grandi drammaturghi del 700. Pochi compositori furono così chiari
sui loro intenti artistici. La scelta dei libretti riflette il desiderio di voler tornare a sentimenti comuni, piuttosto
che alle auliche stilizzazioni dell’opera metastasiana. Il suo intervento segnò il superamento dell’Arcadia e del
rococò nel teatro. La riforma di Gluck e Calzabigi si colloca sullo stesso piano che segnò la poesia del Parini e
dell’Alfieri
L’eredità di Gluck
- Piccinni, pur essendo antagonista di Gluck nelle querelles, diede prova di aver compreso il messaggio della
riforma con Roland (1778), Atys (1780), ma soprattutto con Didon (1783)
- Salieri (Legnago 1750 – Vienna 1825), già nel 1771 mostra l’adesione alla riforma gluckiana con Armida.
Divenne nel 1788 compositore di corte e maestro di cappella a Vienna. Grazie a Gluck, presentò a Parigi
Les Danaides (1784) e Tarare (1787) su libretto di Beaumarchais (ottenne molto successo e fu ribattezzata
in italiano Axur re d’Ormuz. Altre composizioni: La grotta di Trofonio, Il mondo alla rovescia, Falstaff;
musiche sacre e strumentali
- Sacchini (1730-1786), allievo di Durante. Le sue opere più famose: Dardanus (1784), Oedipe a Colone

TESI XX: Il melodramma nazionale in Francia da Lulli e Rameau fino ai nostri giorni; in
Germania da Schutz sino a Mozart; in Inghilterra
FRANCIA: PRIMA DI LULLI

Verso l’opera nazionale

Nel 600-700 l’opera italiana ebbe diffusione europea, salvo che in Francia. Mentre nell’opera italiana
l’elemento predominante era la vocalità, nell’opera francese si raggiunge un maggio equilibrio nello spettacolo
(coreografia, poesia, musica). L’espressione dei sentimenti non doveva risultare enfatica, come nella musica
vocale italiana. I due ministri Richelieu e Mazarino sostennero l’inclinazione di Luigi XIII per la musica e lo
spettacolo

La monodia vocale:l’air de cour

Le airs de cour, composizioni strofiche di stile omofono, determinarono il passaggio dalla polifonia alla
monodia. Accanto alla versione polifonica a 4 voci in omoritmia venne spesso pubblicata la trascrizione per
voce e liuto. Le trascrizioni ebbero molta fortuna e vaste raccolte furono stampate tra il 1570 e il 1620. La
poesia era di stampo petrarchesco, in quartine o sestine di ottonari rimati, con temi per lo più amorosi

Il balletto
Nel teatro italiano primeggiava l’opera cantata, in quello francese il ballo. Il ballo era però nato in Italia
all’inizio del XV sec. I fondamenti della tecnica erano stati definiti da Domenico da Piacenza. Il primo ballo
come spettacolo di corte fu rappresentato per le nozze di Galeazzo Sforza e Isabella d’Aragona nel 1489.
Creatore del balletto francese fu il lombardo Baldassarre da Belgioioso.

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Il ballet de cour
Il primo balletto francese di Baldassarre da Belgioioso, il famoso Ballet comique de la reyne (1581), fu
un’opera collettiva: oltre al coreografo vi parteciparono un pittore, un poeta e due compositori. Preceduto da
un’ouverture, il balletto comprendeva arie e recitativi, cori, danze, pantomime e terminava con un Gran ballet.
Comique non sta ad indicare una vicenda comica, ma solo il fatto che la vicenda ha una conclusione felice. Da
questa formula naquero altri tipi di ballo, come il ballet mascarade e il ballet melodramatique, nel quale aveva
maggior importanza la musica (uno dei più riusciti fu il Ballet de la delivrance de Renaud). Il Ballet a enrees,
che dopo il 1620 soppiantò le altre forme di balletto, non sviluppava un argomento unitario (e non drammatico)
ed è l’embrione dell’opera-ballet. Le rappresentazioni si svolgevano in grandi sale dove gli spettatori erano
distribuiti lungo i lati lunghi. I danzatori erano spesso i nobili, tutti mascherati. Negli spettacoli a corte le
esecuzioni strumentali erano affidate ai 24 violons du roi, la prima orchestra d’archi. Nel 1641 Richelieu fece
rappresentare il Ballet pour la prosperità des armes de France come avviene oggi (platea e palcoscenico). Col
balletto, divenuto un divertissement teatrale, si aprivano le strade alla creazione della tragedia in musica
francese di cui fu ideatore Lulli

LA TRAGEDIE-LYRIQUE DI LULLI
Antecedenti
Mazzarino tentò invano di portare l’opera italiana in Francia. Il rifiuto di quest’ultima stimolò poeti e musicisti
alla creazione dell’opera francese. Il primi veri tentativi fu fatti nel 1659 con una Pastorale d’Issy e nel 1671
con Pomone, ad opera dell’abate Perrin librettista e Cambert compositore. Perrin ottenne dal primo ministro
l’esclusiva per rappresentare opere in Francia. Approfittando delle difficoltà economiche di Perrin, Lulli rilevò
tale esclusiva.

Giovanni Battista Lulli (Firenze 1632 – Parigi I687), si trasferì a Parigi a 14 anni per diventare il valletto di una
principessa. Qui proseguì gli studi musicali. A 20 anni passo al servizio di Luigi XIV, che poco a poco trasferì
nelle sue mani l’organizzazioni degli spettacoli. Divenne così “sovrintendente della musica francese”. Negli
ultimi 15 anni di vita definì e mise a punto la tragedie-lyrique.
La sua produzione si svolse attraverso poco più di un trentennio, ma impose forme e stili che dominarono la
musica scenica francese sino a Gluck. Il primo ventennio della sua attività fu occupato dalla composizione di 31
balletti (spesso su trama di Benserade) e di 14 comedie-ballets in collaborazione con Moliere. Innovatore del
tradizionale ballet de cour, diede una maggiore importanza al canto d aggiunse, accanto a correnti e gagliarde,
anche nuove danze di recente voga, come passepied, rigaudon, bouree, gavotte e soprattutto minuetti. Il
culmine dell’esperienza creativa furono le 13 tragedie-lyrique, composte tra il 1673 (Cadmus et Hermione) e il
1686 (Armide), spesso su libretto di Quinault. Tra le più importanti Alceste, Isis e Roland. Formalmente erano
divise in 5 atti e i versi erano basati sull’alessandrino (verso classico della poesia francese, 14 sillabe con
cesura). Le differenze tra le tragedie liriche e le contemporanee opere veneziane erano notevoli: l’opera
francese distingueva meno nettamente arie e recitativi (forma bipartita AB oppure AABB). La tragedia lirica
presenta cori introduttivi in tutti gli atti e danze. L’orchestra era più fornita che nelle opere veneziane; oltre ad
accompagnare tutte le parti cantate e i balli, eseguiva l’ouverture alla Lulli, composta da un Adagio o Lento
maestoso con ritmo puntato, una cadenza alla dominante lo separava da un esteso Allegro fugato. Compose
anche una ventina di mottetti, salmi e inni per la cappella reale. Lulli, “principe della musica” impersonò
l’assolutismo musicale in Europa creando l’opera barocca francese. Creò con essa l’equivalente in musica della
tragedia in versi, sui modelli letterari di Racine, Corneille e Quinault.
DOPO LULLI

L’opera-ballet

Dopo la morte di Lulli si spezzò l’equilibrio della tragedie-lyrique e si affermò il nuovo operà-ballet, dove
prevalgono danze e arie cantate. Al contrario di ciò che avviene con la tragedie-lyrique, viene smembrata
l’unità di azione. Solitamente venivano rappresentate 3 vicende, una per atto. Accantonati gli argomenti eroici e
mitologici, vennero ripresi quelli pastorali; infatti nel primo trentennio del XVIII sec. tornarono in voga le
atmosfere bucoliche rappresentate nei quadri di Watteau e dall’italica poesia d’Arcadia. Nei brani cantati venne
ripreso lo stile operistico italiano, osteggiato da Lulli.
13
Ricordiamo L’Europa galante (1697) e Carnaval de Venise (1699) di Campra (italiano che si proponeva di
“mescolare alla delicatezza francese la vivacità italiana”), La pastorale d’Issè (1697) e Les elements (1721) di
Destouches (uno dei primi francesi a usare l’aria col “da capo”) e le Indes galantes (1735) di Rameau

Jean-Philippe Rameau - Lullisti e ramisti

Rameau (1689-1764), figlio di un organista di Digione, prima di stabilirsi nel 1723 a Parigi, insegnò in varie
città francesi. In questo periodo compose la maggior parte della sua musica per clavicembalo e scrisse un
trattato d’armonia. A Parigi conobbe il mecenate La Pouplinière, che lo convinse a cimentarsi nell’opera. La
prima fu Hippolite et Aricie (1733). Compose 26 opere tra cui si ricordano le tragedie-lyriques Castor et Pollux
(1737), Dardanus (1739) e l’opera-ballet Les Indes galantes (1739).
Il successo di Rameau fu osteggiato dai Lullisti, che gli rimproveravano di essersi troppo allontanato dal
modello di Lulli. Ne nacque una querelle che si protrasse sino alla successiva querelles des Bouffons, che
coinvolse i seguaci dell’opera buffa italiana e suoi oppositori, tra cui si trovarono insieme lullisti e ramisti. A
dispetto dell’opinione dei lullisti, Rameau fu continuatore dell’opera di Lulli, mantenendo nel suo teatro la
severa nobiltà drammatica (pur ammorbidendone le linee) della tragedie-lyrique e conservando il gusto del
“meraviglioso”. Le caratteristiche peculiari della sua opera sono il senso armonico, la quantità e la qualità dei
brani strumentali (“coreografiche” ouvertures)

L’opera-comique

nacque e si diffuse nel ‘700. Non ebbe il cosmopolitismo dell’opera seria, ma si sviluppò con differenti
connotazioni nazionali. In Francia valeva il privilegio accordato a Lulli e al teatro de L’Opera che vietava a tutti
gli altri teatri nazionali di inserire musica nei drammi. Si giunse al compromesso del pagamento da parte dei
teatri periferici di royalty a L’Opera. Ma dal 1715 in avanti il Theatre de la Foire e il Nouveau Theatre Italien
misero in scena le prime opera-comiques, caratterizzate da dialoghi e brevi canzoni, inizialmente di ispirazione
popolare (vaudevilles), più tardi da arie, spesso di origine italiana. Il commediografo che per primo intuì le
possibilità del nuovo genere fu Favart, ma il più celebre esempio fu Le devin du village (1752) di Rousseau.
L’opera-comique aprì la strada ai “Bouffons” italiani, che riscossero successi e polemiche alla metà del XVIII
sec. Librettisti e musicisti del genere non si limitarono a proporre vicende comiche, ma anche (oltre a pastorali
e a farse amorose) drammi sentimentali e storici. Noti autori furono
- Duni, italiano di Matera che compose 23 operas-comiques, spesso su libretto di Favart
- Philidor che compose Tom Jones (1765) basata sul romanzo inglese di Fielding
- Monsigny con Le Deserteu (1769)
- Modeste Gretry (1741-1813), belga di nascita, studiò a Roma e nel 1767 si stabilì a Parigi. Mise in musica
libretti di vario genere: comedie-ballet, idillico-pastorale, esotico-orientale. Inaugurò un nuovo filone di
soggetti ispirati alla storia medioevale: da ricordare Richard Coeur de Lion (1784)

GERMANIA E AUSTRIA: L’OPERA TEDESCA BAROCCA

La prima opera composta in Germania fu Dafne (1627) su libretto di Rinuccini tradotto da Opitz su musica
(andata persa) di Schutz. Fino alla fine del ‘700 grande influenza dell’opera italiana. Amburgo col suo teatro
cittadino “Del mercato delle oche” fu per l’opera tedesca ciò che Venezia fu per l’opera italiana. L’opera
tedesca, non basandosi su alcuna preesistente forma di teatro musicale, prese spunto da modelli stranieri. I
compositori più importanti:
- Johann Wolfgang Franck con le Tre figlie di Cecrope (1679), l’opera più antica a noi pervenuta
- Johann Sigismund Kusser, allievo di Lulli, grande organizzatore e direttore
- Reinhard Keiser, operò una sintesi sufficientemente armonica di Lied, arie e recitativi italiani e danze
francesi
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Il Singspiel

Nato a Vienna verso la metà del ‘700 e diffusosi in Germania, è uno spettacolo misto di recitazione e musica
affine all’opera-comique. Sebbene gli impresari capirono le possibilità di successo del nuovo genere, la cultura
ufficiale fu indifferente e solo Goethe capì la novità. Noti compositori di singspiele:
- Hiller ne compose 4, il più noto è Die Jagd (1770)
- Benda, oltre a comporre alcuni melologhi (scene recitate con accompagnamento orchestrale), compose
anche il singspiel Die Dorfjahrmarkt (1775)
- Karl Ditters (1739-1799) fu il maggior compositore viennese di singspiele, con il suo Doktor und
Apotheker (1786)

L’importanza del singspiel sta nel fatto di aver offerto la matrice storica dell’operetta viennese dell’800, oltre
ad aver offerto terreno propizio per la nascita di alcuni capolavori come Il Ratto dal Serraglio, Il Flauto Magico,
Fidelio e Freischutz di Weber

INGHILTERRA

Dal “masque” all’opera inglese

Nell’Inghilterra dei Tudor (XVI sec.) masque indicava un trattenimento affine al ballet de cour, con dialoghi e
arie affidate a musicisti e balli condotti da gentiluomini mascherati. Gli argomenti erano mitologici o allegorici.
Mentre il livello della poesia era piuttosto alto, con librettisti come Ben Jonson e John Milton, eredi di
Shakespeare, il livello musicale era basso. Era presente l’influenza dello stile recitativo italiano. La rivoluzione
puritana di Cromwell e l’instaurazione della repubblica (1649-1660) ne segnarono la fine, anche se per ancora
alcuni anni i masques vennero rappresentati nelle case dei nobili. Verso la fine della repubblica il drammaturgo
D’Avenant ottenne l’autorizzazione ad aprire un piccolo teatro per le rappresentazioni in musica e fu usato per
la prima volta il termine “opera” al posto di masque. La prima opera fu The Siege of Rhodes di D’Avenant, con
musiche di vari autori, tra cui Locke (1622-1677), dalla particolare vena affettuosa. Altre opere furono
rimaneggiamenti dei testi shakespeariani come La tempesta e Macbeth, entrambe su musica di Locke

Henry Purcell (1659-1695) seppe riconoscere e adattarsi agli ideali della società inglese della restaurazione, che
alla musica chiedeva comportamenti di seduzione sensuale e gradevolezze decorative. La sua produzione fu
summa della tradizione vocale italiana e di quella strumentale francese. Il suo capolavoro fu Dido and Aeneas
(1689). Per il resto, la produzione teatrale di Purcell appartiene al genere che definiamo musica di scena

La “ballad opera”

L’opera seria italiana ebbe successo solo tra i nobili e venne criticata dal resto del pubblico. Nacque un genere
autonomo e popolare, la “ballad opera”, sulla scia del successo di uno spettacolo di John Gay, The Beggar’s
Opera (1728) musicato con ballate popolari ma anche con arie di Purcell e Handel.

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TESI XXI: Trapianto dell’opera italiana in Francia e Germania – L’opera italiana in
Russia

Fin dalla prima metà del XVII sec. le opere italiane riscossero successo in città straniere. Iniziò un flusso
migratorio di compositori, cantanti, librettisti e scenografi italiani all’estero, prima Austria e Germania, poi
Inghilterra e Russia. In Francia, dove Lulli aveva realizzato un teatro nazionale, la presenza italiana fu limitata
ad alcuni periodi

LE STAGIONI DELLA PRESENZA ITALIANA A PARIGI

L’opera italiana durante il governo di Mazarino

Il potente cardinale Mazarino diede l’avvio ad un processo di italianizzazione al centro del quale era la
rappresentazione di opere italiane. Le prime opere, di Sacrati, Cavalli, Rossi, furono accolte tiepidamente e
apprezzate principalmente per la componente visiva affidata allo scenografo Torelli. Molti nobili erano contrari
all’italianizzazione dell’opera. Per venire incontro al gusto francese si infrapposero balletti di Lulli alle scene

Il gusto italiano dopo Lulli

Sebbene Lulli nelle sue composizioni avesse assorbito i modi formali ed espressivi della musica italiana
contemporanea, li aveva sviluppati nel suo personale linguaggio espressivo e si era opposto alla diffusione
dell’opera italiana. Dopo la sua morte (1687) i fautori francesi dell’opera italiana ebbero più libertà. Inoltre la
pace di Pinerolo (1696) stipulata tra Francia e Savoia favorì la ripresa dei rapporti con l’Italia. Si parlò di una
“reunion des gouts” che ebbe il suo suggello artistico in Couperin, autore di due Apotheoses per archi dedicate a
Lulli e Corelli.

Opere buffe italiane a Parigi

Nel 1752 arrivò a Parigi una compagnia italiana di opere comiche, raccogliendo successi sin dalla prima
rappresentazione della Serva Padrona di Pergolesi. Il successo però non fu unanime e suscitò la Querelle des
Bouffons, che ebbe come risultato immediato nella chiusura della vecchia querelle di ramisti e lullisti. La
querelle, a cui gli italiani non presero parte, venne combattuta con decine di opuscoli. Non ci si accorse che in
realtà la querelle non aveva basi logiche, in quanto trattava 2 oggetti di natura diversa: l’opera comica italiana e
l’opera seria di Rameau. L’opera buffa italiana fu il trampolino di lancio dell’operà-comique.

AUSTRIA E GERMANIA: L’OPERA ITALIANA COME VETRINA DI PRESTIGIO CULTURALE E

STRUMENTO POLITICO

A partire dalla prima metà del ‘600 l’opera seria italiana fu di casa in Austria (prima a Vienna) e Germania. A
differenza che in Italia, dove i centri di produzione teatrale erano i teatri impresariali, nei regni e nei principati
dell’Europa centrale, questi erano sostituiti dai teatri di corte. L’interesse per l’opera seria italiana aveva due
radici:
- culturale: nel barocco l’opera italiana era lo spettacolo più completo e appagante. Con la sua sontuosità
rispecchiava i tratti della monarchia assoluta
- politico: lo spettacolo conservava i caratteri seri di una cerimonia ed era occasione per ostentare potere e
forza economica del sovrano
Le date delle rappresentazioni (spesso con libretto di Metastasio) coincidevano con eventi politici o dinastici
della famiglia reale. In particolare per i genetliaci si preferivano le feste teatrali, un genere minore con fini
celebrativi.
Le opere serie ricalcavano i modelli prima veneziani, poi napoletani e solitamente erano composte
espressamente per i teatri di corte. L’esempio del teatro francese introdusse cori e balli, scarsi in Italia.

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Verso la metà del ‘700 la forte richiesta di opere italiane fece la fortuna delle compagnie itineranti. La cultura
illuministica mise in crisi i teatri di corte. L’opera era diventato uno spettacolo “per tutti”.
Contemporaneamente l’opera seria perdeva il suo primato, a favore di opera buffa, operà comique e singspiel

Alla corte imperiale di Vienna

Leopoldo I, imperatore d’Austria dal 1657 al 1705 contribuì a delineare i canoni dell’opera trapiantata a corte.
Abile clavicembalista e compositore, fece rappresentare più di 400 opere, molte delle quali di Antonio Draghi.
La più elevata fu il Pomo d’oro di Cesti. Leopoldo, a capo di un impero multietnico, comprese l’importanza di
una lingua comune. Istituì per questo il ruolo di poeta cesareo, che traducesse in italiano, la lingua più adatta
alle rappresentazioni, non solo le opere, ma anche le cantate e le azioni sacre; ricoprirono questo ruolo anche
Apostolo Zeno e Pietro Metastasio.
Anche i successori di Leopoldo curarono il teatro, fino a Giuseppe II, che regnò alla fine del VIII sec, che
comprese il mutamento culturale e favorì lo sviluppo del singspiel
Alla corte di Baviera
Monaco fu una delle prime città tedesche a conoscere l’opera seria italiana. Nel 1656 fu inaugurato un teatro
dell’opera, l’Opernhaus, su modello del Teatro Olimpici di Vicenza. Il più noto maestro italiano a Monaco fu
Agostino Steffani (1654-1728), vescovo e diplomatico, operò oltre che a Monaco anche ad Hannover e a
Dusseldorf, contribuì alla diffusione dello stile veneziano, influenzando la formazione di Handel e Telemann.
Il successo dell’opera italiana finì quando la Baviera passò sotto Carlo Teodoro duca del Palatinato, il quale
aveva costituito la famosa orchestra di Mannheim ed era sostenitore dell’opera tedesca

Alla corte di Sassonia

La prima opera italiana rappresentata a Dresda fu nel 1662 Il Paride di Bontempi. Nel 1719 fu completato
l’Opernhaus e inaugurato con un’opera del veneziano Antonio Lotti. Grande considerazione dell’opera italiana
a Dresda dal 1734 al 1764 per la presenza di Hasse in città (e con lui la cantante Faustina Bordoni, sua moglie)

Alla corte di Prussia

Qui la presenza dell’opera italiana fu un po’ più discontinua. La prima rappresentatazione fu nel 1700, La festa
dell’Imeneo di Ariosti, che rappresentò sue opere per il decennio successivo. Poi fino al 1740, sotto Federico
Guglielmo I, non ci furono altre rappresentazioni. L’opera tornò con Federico II il Grande, che fece costruire
nel 1742 il Teatro Reale dell’Opera di Berlino. Fece rappresentare opere di stile italiano, composte però da
tedeschi. Il suo successore, Federico Guglielmo II favorì l’opera tedesca. Dal 1819 Spontini ebbe la carica di
Generalmusckdirektor di Berlino

L’OPERA ITALIANA A LONDRA E IL RUOLO DI HANDEL

Le prime opera londinesi alla maniera italiana erano musicate da compositori di scarso talento ed erano
traduzioni inglesi di libretti italiani. Nel 1708 al Queen’s Theater fu rappresentato il Pirro e Demetrio di
A.Scarlatti, cantato in parte in inglese in parte in italiano. Nel 1711 arrivò Handel col suo Rinaldo, iniziando
l’attività di operista italiano e impresario. Nel 1720 un gruppo di gentiluomini fondò la Royal Academy of
Music e ne stabilirono la sede al King’s Theater. Librettisti dell’Accademia erano Rolli e Hayn, mentre
compositori erano Handel, Bononcini e Ariosti. La vita della Royal Academy fu densa di incomprensioni e
rivalità tra i 3 compositori e le varie cantanti. Stanco delle lotte, Handel lasciò il teatro nel 1738 per dedicarsi
interamente all’Oratorio

CATERINA II E L’OPERA ITALIANA IN RUSSIA

L’opera seria italiana giunse a S.Pietroburgo con l’arrivo nel 1757 col compositore e impresario napoletano
Francesco Araja. Il periodo di massimo fulgore fu il regno di Caterina II la Grande (1762-1796). Di origini
tedesche, sposò il debole Pietro III e lo fece deporre a suo favore. Zarina illuminata, svolse attività di
divulgazione della cultura europea e fondò l’Hermitage. Operarono alla corte russa Galuppi, Traetta Paisiello,
Sarti, Cimarosa, ancora Sarti, Cavos. Quest’ultimo, arrivato attorno al 1800, compose su soggetti di
ambientazione e melodie russe, preparando la strada a Glinka, il primo degli operisti russi.
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TESI XXII: L’opera italiana nel secolo XIX: Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi, autori
minori – Il melodramma contemporaneo

Il melodramma italiano dell’800 fu un gradito prodotto da esportazione culturale a livello mondiale. Mentre nel
XVII e XVIII sec. diversi erano i generi musicali apprezzati dal pubblico, nel XIX sec. il melodramma è
protagonista. Gramsci affermò che l’unica forma di teatro nazional popolare italiana sia il melodramma. Le
spiegazioni di questo amore per l’opera sono essenzialmente due:
- il teatro d’opera aveva nella società italiana la funzione di luogo di incontro (motivo sociologico)
- il melodramma rispecchiava i moti collettivi di pensiero, il gusto e le trasformazioni della società (motivo
culturale)
A teatro la vita di relazione e di società si svolgeva in modo più sciolto che in salotti e caffè. Nei palchi si
poteva anche mangiare e bere. Il rapporto tra teatro e pubblico si mantenne straordinariamente inalterato per un
secolo

ELEMENTI DEL MELODRAMMA

Gli artefici della creazione: compositori e librettisti

I nostri 5 maggiori operisti appartengono a generazioni successive e vicine tra loro: Rossini, Donizetti, Bellini,
Verdi e Puccini. Un gradino sotto erano Mayr, Pacini, Mercadante nella prima parte del secolo; Ponchielli,
Boito, Gomez negli anni di Verdi; Catalani, Mascagni, Leoncavallo, Giordano e Cilea verso la fine del secolo.
E’ in corso da alcuni anni la rivalutazioni dei librettisti come coautori dei melodrammi; prima erano considerati
solo “artigiani dei versi”. Nel rapporto fortemente subordinato tra operisti e librettisti emerge la condizione di
Verdi e Puccini, che partecipavano alla sceneggiatura e a volte alla versificazione. Nella maggior parte dei casi
molte opere nacquero su lavori di abili letterati, conoscitori del gusto teatrale. I più noti erano:
- Felice Romani: di formazione e stile classici, scrisse libretti per Bellini e Donizetti
- Arrigo Boito scrisse per Ponchielli (Gioconda) e per Verdi (Otello e Falstaff)
- Giuseppe Giacosa e Luigi Illica scrissero per Puccini la Boheme, Tosca e Madama Butterfly

Gli eroi del melodramma: gli artisti di canto

Dalle cronache teatrali si evince che inizialmente opere di modesto valore raccolsero grandi successi. Questo
era principalmente dovuto ai cantanti. Nacque infatti nell’800 la figura dell’ “artista di canto”, il cantante-attore.
I compositori e gli impresari del XVII e XVIII sec. non avevano la preoccupazione di coniugare le voci ai
personaggi, infatti allora abbondavano le voci acute. Nel XIX sec. nasce l’esigenza di accostare coerentemente
il timbro della voce con la natura del personaggio.

I fattori della produzione: teatri, impresari, pubblico, editori

Le stagioni operistiche erano organizzate secondo i procedimenti delle aziende di produzione. Alla fine del
secolo operavano in Italia più di un migliaio di teatri. Essi erano di proprietà pubblica (dei vari regni prima
dell’Unità, poi dei comuni) o privata (nella forma di associazioni, i palchisti, formate da personaggi abbienti).
Molto raramente la gestione delle stagioni teatrali era affidata ai proprietari; essa era affidata solitamente a
impresari (tra i più noti Barbaja, Merelli e Lanari). Uno dei punti deboli dell’organizzazione era la quadratura
del bilancio.
Il pubblico era eterogeneo: tutti, a parte contadini e lavoratori manuali dipendenti, frequentavano l’opera. Gli
appartenenti alle diverse classi si incontravano, ma non si mescolavano. La struttura stessa del teatro era fatta
per ordini e i posti migliori (i primi 2,3 ordini) erano venduti in abbonamento ai nobili e ai ricchi, mentre la
platea aveva un pubblico eterogeneo (forestieri, militari).

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L’editoria musicale iniziò acquistando i fondi musicali degli archivi dei teatri e riciclandoli noleggiando le
opere ad altri teatri e stampando spartiti per canto e pianoforte. Giovanni Ricordi comprese nel 1808 che gli
editori avrebbero avuto enorme vantaggio dalla mediazione tra impresari e compositori (si procuravano
l’esclusiva dagli operisti in cambio di un corrispettivo economico commisurato alla “quotazione” e su questa
base trattavano con gli impresari). Una delle piaghe del sistema è la mancanza di una protezione da copia, che
poteva essere effettuata da impresari senza scrupoli col fine di non pagare gli autori. Nel 1865 il problema
venne ovviato con la legge del diritto d’autore e la fondazione nel 1882 della SIAE. Verso la fine del secolo,
per facilitare le rappresentazioni, l’editoria musicale fornì agli impresari
anche i bozzetti delle scene, i figurini dei costumi e volumi di Disposizioni Sceniche, raccolte di note di regia

La struttura formale del melodramma

Il melodramma del XIX sec. è l’erede dell’opera del ‘700. Recitativi, arie e pezzi d’insieme furono ancora le
colonne portanti
Si apriva generalmente con una sinfonia (allegro in forma sonata con 2 temi senza sviluppo) o un preludio
(breve, non di struttura fissa, serviva a creare il clima emotivo)
Il recitativo secco fu ancora impiegato, specie nelle opere buffe, sino al 1820. Fu sostituito dalla scena, svolta
dall’orchestra che accompagnava le voci in modo più sciolto dei vecchi recitativi accompagnati, oppure da
passi di arioso spiegati
Le arie avevano grande importanza perché erano il momento in cui i personaggi si presentavano nella loro
emotività. Superato l’uso del “da capo”, le arie si presentavano in varie forme (ballata, romanza, cavatina…).
La cavatina era già conosciuta dalla seconda metà del XVIII sec. e avevano carattere lirico e struttura semplice,
appartivano nel primo atto ed erano affidate ai protagonisti come presentazione. La cabaletta era la seconda
sezione di un’aria doppia o di un duetto; di solito di ritmo binario e in tonalità maggiore, si caratterizzava per
un andamento mosso e sfoggio virtuosistico. Verso la fine del secolo le arie vennero progressivamente sostituite
da ariosi e appassionate romanze
I pezzi d’insieme erano numerosi ed erano le occasioni in cui si incontravano e scontravano gli animi.
Diventarono, come le arie, pezzi centrali del teatro. Gli atti si concludevano con un pezzo d’insieme chiamato
finale (I, II, III)
Il coro aveva funzioni differente che in passato. Non era spettatore e commentatore esterno, ma attivo e
partecipe. Spesso si inserivano nei pezzi d’insieme, cantano i finali e le introduzioni che seguono la sinfonia e il
levarsi del sipario, con lo scopo di preannunciare la vicenda
Dall’opera wagneriana in avanti la struttura composta da pezzi chiusi venne abbandonata, vennero tuttavia
mantenuti in alcuni momenti lirici i tratti del canto solistico

GLI OPERISTI
Il passaggio dal ‘700 all’800 avvenne nel teatro italiano senza soprassalti. All’inizio del secolo si presentavano
ancora le opere dell’ultima scuola napoletana, con Cimarosa e Paisiello. Tra i compositori che adoperavano
collaudati modi teatrali emerse
Giovanni Simone Mayr (Baviera,1763-Bergamo,1845), giunto a Bergamo nel 1802, fondò le “Lezioni
caritatevoli di musica”, una sorta di conservatorio di cui fu allievo Donizetti. Compose una settantina di opere,
tra cui L’amor coniugale, La rosa bianca e la rosa rossa, Medea in Corinto, oltre a una copiosa produzione
sacra, musica strumentale e scritti didattici. Le sue opere serie ebbero l’importanza della maturazione del
genere. La cura della strumentazione, l’attenzione al declamato eroico e al coro, appreso dalle opere francesi di
Gluck sono i tratti caratteristici della sua opera, che indica la matrice donizettiana.

Gioacchino Rossini (Pesaro,1792-Parigi,1868), nonostante fosse conservatore nella vita e nemico delle novità,
delineò i tratti del melodramma italiano e del Grand Opera parigino nel passaggio tra classicismo e primo
romanticismo.
Studiò violoncello, pianoforte e contrappunto al recente Liceo musicale di Bologna. A 18 anni abbandonò gli
studi e scrisse la sua prima farsa. Dotato di grande facilità e rapidità, ebbe subito successo. Nel 1815, raggiunta
la celebrità, accettò un contratto con l’impresario Barbaja per i teatri napoletani da lui gestiti. Sposò nel 1823 la
cantante Isabella Colbran.
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Nel 1824 si stabilì a Parigi, dove per 5 anni rimaneggiò opere napoletane per le scene francesi e ne scrisse di
nuove. Dopo il Guillaume Tell (1829) abitò spesso a Bologna e Firenze. Sposatosi in seconde nozze, continuò a
scrivere: musica sacra, arie da camera, pezzi per pianoforte.

Opere teatrali: ne compose 39 (23 serie, 16 buffe). Serie sono Tancredi, Otello, Armida, La donna del lago,
Semiramide. Comiche sono La pietra di paragone, L’italiana in Algeri, Il turco in Italia, Il barbiere di Siviglia,
Cenerentola, La gazza ladra. Opere parigine sono Il viaggio a Reims, Le passage de la Mer Rouge (rifacimento
di Mosè in Egitto), Guillaume Tell.
Presso il pubblico ebbero molto successo le sue vivaci opere comiche, mentre quelle serie sono storicamente
importanti per l’influenza che ebbero per il melodramma della generazione successiva. Rossini portò all’ultimo
sviluppo i modi compositivi del genere buffo napoletano, intensificando l’uso di brevi e ritmicamente ossessive
formule, da cui nacque il famoso crescendo rossiniano.
Nel genere serio Rossini di liberò gradatamente dei modelli settecenteschi. Alla conquista del realismo
drammatico che caratterizzerà il melodramma della fine del secolo, rispetto alle sue prime opere meno
espressive, Rossini contribuì particolarmente con Mosè in Egitto, La donna del lago e Guillaume Tell
Tra le composizioni non teatrali: tra le sacre Stabat Mater, Petite messe solennelle,vocali da camera Soirees
musicales (arie e duetti con pianoforte), tra le strumentali 6 sonate per 2 violini, viola e contrabbasso; variazioni
per fiati e pianoforte, Quelques riens pour album per pianoforte

Rossini suggellò l’opera del ‘700 e anticipò i moti del melodramma. Il romanticismo come campo di
inquietudini e passioni gli fu estraneo, ma con la sua straordinaria fantasia musicale fu capace di uno spettacolo
musicale scintillante fatto di continue invenzioni e gaiezza ritmica
Vincenzo Bellini (Catania,1801-Parigi,1835)
Apparteneva ad una famiglia di musicisti: il nonno era operista e autore di musiche sacre, il padre, anch’egli
compositore, fu il suo primo maestro. Nel 1819 si trasferì a Napoli dove completò gli studi al conservatorio. Al
termine degli studi, dopo aver raccolto successi con le sue prime opere, Adelson e Salvini e Bianca e Gernaldo,
sotto consiglio dell’impresario Barbaja, andò a Milano, dove Il pirata (1827) riscosse gran successo. Dopo La
sonnambula e Norma(1831) tornò a Napoli per poi andare a Londra e Parigi, dove si stabilì e conobbe Chopin,
Hugo, de Musset e il poeta tedesco Heine. Il suo ultimo lavoro fu I puritani (1835), rappresentato al Theatre
Italien di Parigi, rappresentata pochi mesi prima della morte.
Alla sua morte aveva composto solo 10 opere, circa una ogni anno. A differenza di Rossini e Donizetti, il suo
modo di lavorare, meditato e pieno di ripensamenti, lo rendeva poco adatto ai ritmi di produzione che il teatro
esigeva. A differenza di molti suoi contemporanei, rifletteva attentamente. Non compose opere comiche, da cui
non si sentiva attratto. Lavorò per lo più con lo stesso librettista, Felice Romani, poeta classicista.
Nelle opere belliniane la musica si esprime in melodie purissime. Per questo fu definito il più grande lirico del
teatro dell’800. Accanto a melodie gentili troviamo canti di grande tensione emotiva che rapidamente di placa.
Qualche storico giudicò la semplice purezza delle melodie come conseguenza di una carenza nella preparazione
contrappuntistica, ma è opinione dei più che lo stile di Bellini riconosce semplicemente il primato della
melodia.

Gaetano Donizetti (Bergamo,1797-1848)

Di famiglia molto povera, fu ammesso nel 1806 alle “Lezioni caritatevoli di musica” di Simone Mayr. Aiutato
da Mayr, si trasferì a Bologna dove studiò sotto la guida di Mattei, già maestro di Rossini. Tornato a Bergamo,
scrisse quartetti per archi, concerti, sinfonie e musica sacra. Un amico d’infanzia, Merelli, che poi diventò
impresario, gli fornì il libretto della sua prima opera, Enrico di Borgogna (1818). Seguirono opere su
commissione a Roma e Napoli. Il successo ottenuto a Napoli convinse l’impresario Barbaja a offrirgli un
contratto nel 1827. Vi rimase per 10 anni di alterne vicende artistiche, ma funestati da lutti familiari, al termine
dei quali si trasferì a Parigi, ma non vi rimase a lungo, per intraprendere nei 7 anni successivi viaggi per i teatri
di Milano, Bergamo, Roma, Bologna, Napoli, Vienna e Parigi. Ammalato e affaticato a Parigi, fu colto nel 1845
da paralisi cerebrale e fu riportato a Bergamo

La sua opera, che conta 65 titoli (solo quelle complete), appartiene straordinariamente a tutti i generi di teatro
italiano e francese dell’epoca:
- farse: giovanili, culminate con Convenienze e inconvenienze teatrali (1827) tornò più tardi al genere con Il
campanello e Betly (1836) e Rita (1841)
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- comiche: il primo importante successo fu l’opera buffa L’ajo nell’imbarazzo (1824), L’elisir d’amore
(1832) e Don Pasquale (1843)
- serie: Anna Bolena (1830), Lucrezia Borgia (1833), Maria Stuarda (1834), Lucia di Lammermoor (1835)
- francesi: quantitativamente limitate, ma pregevoli, emergono l’opera-comique La fille du regiment e i
Grand-operas Les martyrs e La favorite (tutte nel 1840)

Le opere serie ebbero un rilievo superiore al resto del suo teatro. Le opere comiche furono le ultime geniali
testimonianze di un genere in via d’estinzione, svolte all’interno di una tradizione teatrale antecendente alle
opere comiche del ‘700 e basate su prevedibili contrasti amorosi; contengono però anche scene di sentimento
patetiche e aggraziate, gradite al pubblico che non si accontentava solo di ridere. La preferenza dell’opera seria
da parte del pubblico è legata alle inclinazioni di sentimentalismo di matrice inglese e francese, ricca miniera
letteraria a cui i librettisti potevano attingere. Donizetti scelse la poetica di “amore e morte” come sua preferita,
tematica a cui aderì con un’invenzione musicale di uguale vigore drammatico e intensità sentimentale,
affidando spesso ad appassionate donne-eroine, destinate a soccombere per morte violenta o pazzia, il ruolo di
protagoniste.

Tra le composizioni non teatrali:

- vocali sacre: messe tra cui la Messa di Requiem per i funerali di Bellini, Messa di Gloria e Credo, salmi e
mottetti tra cui un Miserere per soli, coro, archi e organo
- vocali profane: oltre 20 cantate, arie per voce e orchestra, circa 270 romanze per canto e pianoforte
- strumentali: 18 quartetti d’archi, sinfonie, concerti, composizioni per pianoforte e varie formazioni
cameristiche

Spesso, nella sua produzione c’è discontinuità nella qualità, spesso anche all’interno della stessa opera. Questo
è , conseguenza del suo modo di comporre frenetico. Nato nel periodo in cui dominava Rossini, ne fu
certamente influenzato, ma nella maturità si svincolò dalle convenzioni rossiniane al vantaggio di una più
intensa drammaticità. Fu l’anticipatore d’opera di Verdi.

Pacini e Mercadante furono contemporanei di Rossini, Bellini e Donizetti

- Giovanni Pacini (1796-1867) scrisse circa 90 opere, ma è ricordato per Saffo (1840)
- Saverio Mercadante (1795-1870), direttore del conservatorio di Napoli dal 1840, fu autore di musica
strumentale, sacra e di circa 60 opere, tra cui Il giuramento, Le due illustre rivali, Il bravo, La vestale,
composte tra il 1837 e il 1840. La sua inclinazione al neoclassicismo si svolge in mossi modi drammatici,
curato il tessuto armonico
Giuseppe Verdi (Busseto,1813-Milano,1901)
Di umile famiglia, fu preso sotto la protezione di un commerciante di Busseto che lo fece studiare col direttore
della banda cittadina; ottenne una borsa di studio al conservatorio di Milano, ma non fu ammesso per aver
superato i limiti d’età. Studiò privatamente e tornò a Busseto, dove sposò Margherita Barezzi, figlia del suo
protettore. Quando l’impresario Merelli accettò la sua prima opera, Oberto conte di S.Bonifacio (1839), si
trasferì a Milano. Dopo l’insuccesso dell’opera buffa Un giorno di regno, dovuto allo stato d’animo di Verdi,
che aveva perso in pochi mesi la giovane moglie e i due figli, ottenne grande successo col Nabucco (1842). Il
successo lo portò a comporre e viaggiare tra varie città italiane, oltre che a Londra e Parigi, per poi tornare a
Milano, dove tra i suoi amici erano l’editore Ricordi e La contessa Clara Maffei, oltre a letterati e artisti. Nel
1849 tornò a Busseto e sposò la soprano Giuseppina Strepponi. Nacquero qui i capolavori della maturità. Dai
tempi del Nabucco, Verdi e la sua musica furono legati ai moti per l’Indipendenza dell’Italia risorgimentale. Fu
anche politico, ma frequentò poco la camera; nel 1875 fu nominato senatore del Regno. Avvertì che i tempi
stavano cambiando e si stavano facendo avanti gli scapigliati, che chiedevano “aria nuova” dall’estero,
soprattutto dalla Germania (Wagner). Fu accesa polemica tra i sostenitori di Verdi e quelli di Wagner, ma il
compositore non vi prese parte. Concluse la sua vita artistica coi capolavori Otello e Falstaff. Fondò nel 1896 a
Milano la casa di riposo per anziani musicisti dove è custodita la sua salma.

Verdi compose 25 melodrammi, tutti seri ad eccezione del secondo, lo sfortunato Un giorno di regno e l’ultimo,
Falstaff. Dividendo la sua produzione in tre periodi, si ricordano:
- primo periodo: Oberto conte di S.Bonifacio, Nabucco (1842), Giovanna d’Arco (1845), Macbeth (1847), La
battaglia di Legnano (1849)
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- secondo periodo: Rigoletto (1851), Il trovatore (1853), La traviata (1853), Les vespres siciliennes (1855),
Un ballo in maschera (1859), La forza del destino (1862), Aida (1871)
- terzo periodo: Otello (1887), Falstaff (1893)
Altre composizioni furono: Messa di Requiem (1874) per l’anniversario della morte del Manzoni, 4 pezzi sacri
(Ave Maria su scala enigmatica, Stabat Mater, Te Deum, Laudi alla Vergine), quartetto in mi min, alcune
liriche per canto e pianoforte

Il dramma di Verdi rispecchia i valori e le idee del XIX sec. Gli intrecci delle opere non erano creazioni
originali, esclusa l’Aida, su soggetto originale dell’egittologo Mariette, messa in scena per l’inaugurazione del
canale di Suez. Solitamente i libretti sono tratti da classici quali Shakespeare, Schiller, Hugo, Byron, Dumas,
tradotti sotto lo stretto controllo di Verdi. Varie tipologie di dramma; in alcune vicende private mescolate a
sentimenti collettivi (Nabucco, Battaglia di Legnano, Vespri siciliani), altre riscoprono il gusto del romanzesco
caro a Donizetti (Trovatore, La forza del destino), in altre ancora l’intreccio è basato sul contrasti tra i
protagonisti e le loro motivazioni (Ballo in maschera, Aida, Falstaff), oppure c’è un personaggio che col suo
sentimento motiva l’intera storia (Macbeth, Rigoletto, Traviata, Otello).

La struttura del melodramma nel primo ‘800, frammentata in una successione di pezzi chiusi, ostacolava la
credibilità dell’azione teatrale. Verdi operò un graduale avvicinamento alla continuità, rompendo gli schemi dei
pezzi chiusi, abolendo le cabalette e creando nuove grandi strutture che contenessero arie, recitativi, ariosi e
pezzi d’insieme secondo le esigenze del libretto. Tornarono così in gioco i rapporti tra parola e musica, gli
stessi che in una situazione diversa aveva affrontato Monteverdi. Superate le arie agghindate da inutili vocalizzi
estranei alle situazioni drammatiche, Verdi ideò la parola scenica, una sorta di recitativo-arioso che sfocierà
nelle ultime opere (Otello e Falstaff) nel declamato melodico sostenuto dall’orchestra
Le prime opere sono donizettiane, ma ben presto Verdi adottò un proprio stile vigoroso, fatto di frasi concise su
ritmi balzanti, con pochi compiacimenti canori. Raggiunse in breve tempo il successo perché seppe forzare il
melodramma a rappresentare i sentimenti comuni di personaggi concreti, non gli eroi superumani dei
melodrammi passati. L’opera del primo periodo rappresenta lo scossone al melodramma ancora frammentato e
irrealistico; con quella del secondo periodo Verdi inizia il percorso di abbandono delle forme tradizionali alla
conquista del “declamato melodico”, che si manifesterà pienamente nelle opere del terzo periodo, entrambe su
personaggi di Shakespeare, il poeta drammatico più ammirato da Verdi

Ponchielli, Boito, Catalani

Per la prima metà del XIX sec. in Italia vennero rappresentate solo opere italiane. Solo nel 1855, quando il
genere in Francia era già al tramonto, arrivano in Italia i primi Grand-opera, con Profeta di Meerbeer, Faust di
Gounod, L’ebrea di Halévy, La muta di Portici di Auber. La rappresentazione Bolognese di Lohengrin (1871)
di Wagner e quella del Franco cacciatore di Weber segnarono l’inizio dell’interesse per l’opera romantica
tedesca in Italia. Il contatto con la realtà operistica d’oltralpe fece nascere in alcuni giovani musicisti italiani il
desiderio di rinnovare il melodramma. Il movimento cui diedero vita si appoggiò alla letteratura degli
Scapigliati (noti letterati erano Emilio Praga e Giuseppe Rovani): come questi erano antimanzoniani, essi
furono antiverdiani. Più a parole che a fatti, perché la polemica non ebbe molto seguito nei teatri.
Le maggiori personalità del movimento furono:
- Amilcare Ponchielli (1834-1886): studiò al cons.di Milano, iniziò come direttore di banda, fu direttore della
cappella di S.Maria Maggiore a Bergamo e insegnò composizione a Milano. Di lui si ricordano I promessi
sposi, I lituani e soprattutto La Gioconda (1876), tratta da un dramma di Hugo e sulla struttura delle Grand-
opera. Di animo semplice e istinto musicale fluente, caratteristica della sua opera è l’enfasi declamatoria e
la forza genuina di un lirismo appassionato
- Arrigo Boito (1842-1918) studiò anch’egli al cons.di Milano e si formò sia come poeta che come musicista.
La doppia attività condizionò tutta la sua vita: fu critico drammatico e musicale, librettista per sé e altri
(Verdi, Ponchielli, Catalani), traduttore di libretti stranieri. Meno copiosa la produzione musicale:
Mefistofele tratto dal Faust di Goethe, che dopo la prima sfortunata rappresentazione scaligera fu riscritto,
mentre Nerone fu rappresentata postuma. La doppia inclinazione letteraria e musicale portò Boito alla
fusione dei due linguaggi, sulla scorta wagneriana, ma l’aspirazione fu delusa in quanto il compositore era
inferiore al letterato, sia nell’invenzione musicale che nella tecnica. Ebbe comunque una grande influenza
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 nell’ambiente dei musicisti, per l’autorità con cui affermò l’affinamento e il rinnovamento della cultura del
melodramma
- Alfredo Catalani (1854-1893) studiò a Parigi e a Milano, dove succedette a Ponchielli alla cattedra di
composizione. Cagionevole di salute, morì di tisi. Scrisse 5 opere di cui si ricordano Loreley e La Wally. La
sua matrice fu quella della Scapigliatura, il suo modello il teatro francese, con armonie e timbri orchestrali
raffinati. La sua caratteristica era la nobile vena melodica e dolcemente elegiaca

La Giovane Scuola
Il verismo letterario fu corrisposto da un movimento musicale retto da Leoncavallo, Puccini, Mascagni, Cilea,
Giordano, detto “La giovane Scuola”. Al di là del nome, non sottointendeva alcun sodalizio artistico e i suoi
contenuti esponenti letterari del verismo furono Verga e Capuana; il verismo si proponeva di rinnovare lo stile
con poche descrizioni e molti dialoghi parlati, nei quali, a seconda dei diversi livelli di realtà sociale, dovevano
corrispondere diversi livelli di linguaggio (inevitabile la caduta nel bozzettismo, la tranche de vie)
Ciò che accomunò gli operisti fu lo stile del canto: derivato dal declamato melodico verdiano, fu caricato da
modi espressivi accesi e talvolta agitati, con frequenti escursioni nel registro acuto. Inoltre tutti gli operisti
raggiunsero la fama con una sola acclamatissima opera
- Pietro Mascagni (Livorno,1863-Roma,1945) allievo del cons.di Milano raggiunse il successo con la forza
sanguigna della Cavalleria Rusticana (1889) su soggetto di Verga, insegnò nel Liceo musicale di Pesaro.
Scrisse altre 12 opere, tra cui L’amico Fritz, la commedia dell’arte Maschere, l’esotica Iris, la classica
Nerone
- Ruggero Leoncavallo (Napoli,1857-Montecatini,1919) studiò musica a Napoli e lettere a Bologna, visse
all’estero. Il successo dei Pagliacci (1892), manifesto del verismo più drammatico ed espressivo, non si
ripetè nelle altre opere, comunque sono da ricordare la Boheme, che seguì di un anno quella di Puccini, e
Zazà. Scriveva lui stesso i libretti delle sue opere
- Umberto Giordano (1867-1948) studiò a Napoli. L’opera con cui esordì, Mala vita (1892) ebbe accoglienze
contrastanti. Le sue opere più celebri furono Andrea Chenier, dall’appassionata vena melodica, e Fedora
- Francesco Cilea (1866-1950) studiò a Napoli e accanto all’attività di compositore, insegnò a Firenze,
Palermo e Napoli. La sua produzione conta 3 opere: L’Arlesiana, Adriana Lecouvreur e Gloria. Nei veristi
occupò un posto a sé: le sue melodie infatti sono garbate ed eleganti, la strumentazione equilibrata
Alla generazione post-verista appartengono Montemezzi, Alfano, Ermanno Wolf-Ferrari

Giacomo Puccini (Lucca,1858-Bruxelles,1924)

Ottenne una borsa di studio dalla regina Margherita per studiare a Milano. Il suo primo lavoro fu Le Villi e il
successo ottenuto indusse Ricordi a commissionargli Edgar. Maggiore fu il successo di Manon Lescaut (1893),
nella quale già si notano il suo senso del dramma, la ricchezza nell’invenzione melodica e il sottile gusto
armonico. Dal 1891 si stabilì presso Viareggio e qui compose tutte le altre sue opere: Boheme (1896), Tosca
(1900), Madama Butterfly (1904), La fanciulla del West (1910), segno del suo desiderio di rinnovamento sia nei
libretti che nelle innovazioni espressive nella musica e Turandot, non conclusa a causa della malattia, un cancro
alla gola
Concluse il secolo felice del melodramma italiano ed ebbe il compito di farsi interprete dello stile tardo
romantico e morbido dell’età umbertiana, che non guardava più ai grandi personaggi e alle tematiche nobili
coinvolgenti un popolo, una famiglia, una fazione, ma si rifaceva alle piccole cose del quotidiano, al
particolare. Nel suo teatro rimane costante il tema di “amore e morte”; come e più che in Donizetti occupano
grande spazio i personaggi femminili. Alcuni critici superficiali affermano che Puccini indovinò una formula e
la ripropose costantemente. Invece le sue opere, numericamente poche, sono frutto di intensa ricerca musicale,
frutto dello studio di Debussy, Stravinski e Schonberg, e drammatica, con l’attenta scelta dei libretti e il
continuo lavoro sulla dizione cantata, segni evidenti di una volontà di stare al passo coi tempi pur rimanendo
fedele a se stesso

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TESI XXIII: Richard Wagner: importanza musicale e artistica, caratteri nazionali della
sua produzione. I post-wagneriani

L’OPERA IN FRANCIA
Grandi mutamenti politici nella Francia del XIX sec: prima repubblica, impero napoleonico, breve seconda
repubblica e secondo impero, comune di Parigi e terza repubblica. Non così numerosi, ma comunque in linea
col mutamento dei costumi è il cambiamento nel teatro musicale: ultime vestigia della tragedie-lyrique, Grand-
opéra, dramma lirico, dramma verista. I musicisti che emersero nel primo periodo non furono francesi:
Cherubini, Spontini, Rossini, Bellini, Donizetti e Meyerbeer. Tra i francesi si ricordano Gounod, Bizet,
Massenet e Berlioz.
La sede principale del teatro parigino era (e ancora lo è) l’Opéra. Fondata nel 1671 col nome di Academie
Royale de musique e de danse, cambiò nome e sede varie volte; vi venivano rappresentate opere serie o tragiche
cantate da capo a fondo, secondo la tradizione di Lulli.
Altro teatro frequentato era l’Opéra Comique, sede delle rappresentazioni di vario contenuto (serio compreso),
in cui le parti dialogate non erano cantate. Quando queste opere venivano rappresentate all’Opéra, diventavano
tutte cantate.
Il Théatre Italien era il più antico (inizio XVII sec.) e vi furono rappresentati per più di un secolo le Commedie
dell’Arte italiane; verso la metà del ‘700 divennero più frequenti le rappresentazioni d’opera italiane
Nella Parigi della seconda metà dell’800 ebbe grande importanza il Théatre Lyrique, che mise in scena opere
francesi e straniere tradotte in francese, generalmente di nuovissima uscita

I primi decenni del secolo

Il passaggio dal gusto del tardo ‘700 al gusto del Grand-Opéra avvenne gradualmente, senza querelles.
Escludendo pochissimi titoli, i toni romantici erano ancora lontani. I principali operisti di quel periodo furono:
- Luigi Cherubini (1760-1842), fiorentino, discepolo di Sarti, visse a Parigi dal 1788. la sua opera
drammatica, influenzata da Gluck, si rivelò in Lodoiska e Medee, ma tra i lavori più riusciti anche l’opera-
ballet Anacreon ou L’amour fugutif e le opera-comique L’hotellerie portougaise e Le crescendo. Nominato
nel 1821 direttore del Conservatorio di Parigi, ebbe meno tempo per comporre. Tra le musiche sacre scrisse
14 messe e 2 Requiem. Scrisse un Corso di contrappunto e fuga. Fuse in uno stile nobile e composto gli
insegnamenti teatrali di Gluck e le risorse strumentali di Haydn. La sua vocalità era vigorosa. Esercitò un
notevole influsso sullo svolgimento della musica francese nella prima metà dell’800
- Gaspare Spontini (1774-1851), dopo aver studiato a Napoli con Piccinni, andò a Parigi nel 1803, dove la
sua Vestale ebbe un gran successo, così come ne ebbe la sua opera storica Fernando Cortez. Mutata la
situazione politica, benchè i Borboni gli avessero affidato la direzione del Théatre Italien, preferì trasferirsi
in Prussia, dove rappresentò Agnese von Honenstaufen. Nel 1841 tornò nella terra natia, le Marche. Di
formazione napoletana nelle melodie, assimilò la lezione di Gluck nell’attenzione drammatica. Oltre a
curare l’adesione strumentale alle idee drammatiche, realizzò melodie ampie e duttili, recitativi plastici e
incisivi
Tra gli altri italiani che ebbero successo a Parigi, Fernando Paer di Parma con Le maitre de chapelle (1821) e
che diresse il Théatre Italien, Michele Carafa di Colobrano, di illustre famiglia napoletana e ufficiale del
generale Murat, e soprattutto Gioachino Rossini, a Parigi dal 1824 al 1829. Noto operista francese del primo
‘800 fu Francois-Adrien Boieldieu (1775-1834), che ottenne successo con Le calife de Bagdad, Le petit
Chaperon Rouge, ma soprattutto con La dame blanche (1825), capolavoro di grazia leggera, spontaneità e
naturalezza (Boieldieu come un Mozart francese)

Gli anni del “Grand-operà”

Negli anni della restaurazione dei Borboni i più grandi successi furono la Dame blanche di Boieldieu, La muete
de Portici di Auber e Guillaume Tell di Rossini. Questi successi furono in parte dovuti ai libretti, portatori di
rivoluzionamento sociale e libertà, cioè le idee dell’alta borghesia parigina, ceto che avrebbe dominato con la
monarchia costituzionale di Luigi Filippo d’Orleans. Sensibile agli ideali del tempo, Eugéne Scribe confezionò
gli intrecci di molte nuove opéra-comique e molte Grand opéra, genere affermatosi intorno al 1830 le cui
caratteristiche sono l’appariscente grandiosità, i soggetti storici ma romanzati, colpi di scena e violenti contrasti

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di passioni, messinscena spettacolare. Chi diede veste musicale a questo genere tipicamente francese fu un
tedesco:
- Giacomo Meyerbeer (1791-1864), dopo aver studiato in Italia su consiglio di Salieri, si trasferì a Parigi
dove iniziò la stagione del Grand opéra con Robert le diable, a cui seguirono a distanza di anni (era lento e
pieno di ripensamenti) Les Huguenots, Le prophete, L'etoile du nord, L’africane. A Parigi raccolse grande
ammirazione, ma anche l’avversione di Berlioz, Schumann e Wagner. Ebbe la capacità di assimilare gli
stimoli esterni, viste con gli occhi di oggi le sua opere risultano un curioso miscuglio di invenzioni originali
e di banalità
- Daniel-Esprit Auber (1782-1871), ottenuto il primo importante successo con La musette de Portici si dedicò
all’opéra comique con libretti di Scribe, tra cui Fra Diavolo, Le domino noir e Manon Lescaut,
melodicamente facili, varie nell’invenzione e nel gioco scenico, ora ironiche ora sentimentali nella musica.
Come Cherubini, diresse il conservatorio di Parigi.
- Berlioz, vedi tesi XXIX

Il dramma lirico
Grand-opéra e opéra-comique avevano soddisfatto sino alla metà dell’800 il gusto del pubblico francese, ma
dalla seconda metà il popolo del Secondo Impero aveva nuove esigenze, che vennero intuite e soddisfatte da
Léon Carvalho, impresario del Théatre Lyrique. Fu questo il tempo in cui i francesi conobbero la produzione
teatrale di Mozart e Weber, dell’ultimo Verdi e dei compositori francesi nati tra il 1810 e il 1840, scarsamente
apprezzati nelle sedi dell’Opéra e dell’Opéra Comique: Thomas, Gounod, Bizet e Messenet sono i maggiori
esponenti del “dramma lirico”. Il pubblico non era più quello dell’alta borghesia, che si riconosceva nel fasto
del Grand-opéra o nel disimpegno dell’opéra-comique, ma il ceto medio che costituiva il nerbo della società del
Secondo Impero di Napoleone III. Il nuovo pubblico, più che soggetti originali e d’invenzione, gradiva la
trasposizione in melodramma di opere celebri, spesso ridotte a canovaccio librettistico dalla coppia Barbier-
Carrè, che aveva sostituito l’anziano Scribe. I maggiori operisti del dramma lirico furono:
- Charles Gounod (1818-1893), studiò con Halévy e Paer e vinse il Prix de Rome; di profonda ispirazione
religiosa, si appassiono alle composizioni polifoniche sacre. Scrisse mottetti, messe, oratori, sinfonie,
musica da camera, trascrizioni e 14 opere tra cui: Sapho, il suo capolavoro Faust (1858), Mirelle e Romeo
et Juliette. Ammiratore di Mozart e Gluck, di temperamento lirico, espresse in uno stile luminoso la sua
profonda conoscenza del linguaggio musicale del presente e del passato. Esercitò notevole influenza sui
musicisti francesi della successiva generazione
- George Bizet (1838-1875), come Gounod studiò con Halévy e vinse il prix de Rome. Oltre a una Jeux
d’enfant, sinfonia per pianoforte e una suite dall’Arlesiana, compose una decina di opere tra cui Le
pecheurs de perles, l’opera-comique Djamileh e il capolavoro Carmen (1875) tratto dalla novella di
Mérimée. Dotato di grande spontaneità, si sforzò di mediarla con la riflessione. La sua musica si connota
per le melodie eleganti ma leggere, per l’armonia chiara e l’orchestrazione varia e trasparente, mentre dal
punto di vista drammatico per la naturalezza dei riferimenti esotici (quasi tutte le opere sono ambientate
fuori dalla Francia)
- Jules Massenet (1842-1912), allievo di Thomas, vinse anch’egli il Prix de Rome. Le roi de Lahore, il primo
successo risente dell’influenza di Bizet, mentre con Manon, Werther e Thais, definì la sua personalità.
Eccelleva nel rappresentare i tratti sentimentali e capricciosi delle sue eroine. Profondo conoscitore delle
voci, i sui canti hanno una fluidità che aderisce con naturalezza ai versi. Considerato dai contemporanei
l’erede di Gounod, insegnò composizione al conservatorio di Parigi
Alla fine del secolo
Il teatro francese subì gli influssi wagneriani. Musicisti di quest’epoca furono:
- Cesar Franck , autore di 3 opere tra cui Hulde
- Vincent d’Indy, fervente wagneriano, autore di Fervaal e L’etranger
- Camille Saint-Saens, autore di 12 opere, tra cui Samson et Dalila
- Gustave Charpentier, la cui Louise colpì per l’impostazione fortemente verista
- Claude Debussy, con Pelleas et Melisande

L’OPERA IN GERMANIA
All’inizio dell’800 vi era grande attività teatrale, sia puramente drammatica che melodrammatica. Situazione
esemplare quella di Weimar, in cui tra il 1791 e il 1817 sovraintendente del teatro di corte fu Wolfgang Goethe.
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Il genere musicale più acclamato era da oltre un secolo l’opera italiana, sostenuta dalle nuove creazioni di
Rossini e Donizetti e gestita da personalità quali Salieri e Barbaja a Vienna, Spontini a Berlino. Pochi erano i
teatri in cui si rappresentavano singspiele, più adatto al ceto medio, senza dimenticare che a questo genere
appartiene il Fidelio e alcune opere di Schubert
Verso l’opera romantica
L’affermazione del nazionalismo germanico e la consapevolezza del determinante apporto viennese alla musica
europea alimentarono il desiderio di un teatro musicale tedesco. Il critico, narratore, compositore e direttore
d’orchestra Ernst Theodor Amadeus Hoffmann affermò che l’opera tedesca doveva avere un indivisibile
carattere unitario e ricordò che Gluck si era mosso in questa direzione, anticipando la proposta wagneriana.
Vero creatore dell’opera romantica fu

Carl Maria von Weber (1786-1826) era figlio di un direttore di una compagnia teatrale ambulante. A causa dei
continui trasferimenti studiò con vari maestri. Dopo la direzione di alcuni teatri di città minori, esordì come
esecutore pianistico, proseguendo gli studi di composizione. Nel 1813 divenne maestro di cappella a Praga, poi
diresse il teatro dell’opera di Dresda, che rappresentò ancora opere italiane, in mancanza di un repertorio
tedesco. Le sue opere più note appartengono esclusivamente al periodo della maturità: Preciosa (1820) il
capolavoro romantico Der Freischutz (1821), le opere romantiche Euryante (1823) e Oberon (1826). Le prime
opere invece, di minor valore, sono tributarie di uno stile a metà tra il singspiel e l’opera-comique. Con la
maturità il suo stile approda all’opera romantica: nuovo nell’umanità dei personaggi e nei loro fremiti
romantici, nuove le melodie, particolarmente cantabili, nuova l’orchestrazione, con la messa in valore di nuovi
timbri (clarinetto e corno), nuovi i soggetti delle opere: demonismo in Freischutz, esotismo in Preciosa, fiaba in
Oberon. Tra le composizioni non teatrali primeggiano le composizioni per pianoforte: 4 sonate, bilanciate tra il
conflitto della forma e lo slancio del virtuosismo romantico, alcune composizioni virtuosistiche (Momento
capriccioso, Grande polacca, , Rondò brillante, Invito alla danza), concerti per solista e orchestra (2 per
pianoforte, 2 per clarinetto), numerosi lieder, alcune sinfonie, poca musica da camera.
Weber è considerato uno dei grandi esponenti del romanticismo tedesco. Freischutz è la spia della nuova
musica che precorre l’opera wagneriana.
Richard Wagner (Lipsia,1813-Venezia,1883), attratto inizialmente dal teatro, iniziò il mestiere di musicista a 20
anni, tra disagi economici. Fu kantor in piccoli teatri. Dopo un infelice matrimonio, si trasferì a Parigi,
dove non ottenne da Meyerbeer gli aiuti sperati e si adattò a preparare riduzioni delle partiture da
presentare nei teatri minori. Tornato in Germania, la rappresentazione di Rienzi nel 1842 gli portò il
successo e la nomina a kapellmeister del teatro di corte e potè dedicarsi alla composizione dell’Olandese
Volante (navigatore maledetto condannato a solcare i mari finchè non lo redimerà l’amore di una donna),
del Tannhauser (ambientata tra i minnesangher, mette in contrasto la sensualità di Venere con la
spiritualità di Elisabetta) e del Lohengrin (leggenda medioevale francese del ciclo del Santo Graal).
Rivoluzionario nel 1848, si salvò dagli arresti fuggendo in Svizzera. 13 furono gli anni di esilio,
determinanti per la messa a punto del nuovo dramma musical: fu questo il periodo dei 2 fondamentali
scritti L’opera d’arte dell’avvenire e Musica e Dramma, e della preparazione dei libretti della Tetralogia.
La passione per la moglie di un ricco commerciante di Zurigo alimentò l’ispirazione da cui nacque
Tristano e Isotta (leggenda medioevale del suicidio dei 2 amanti). Luigi II di Wittelsbach ascese al trono
di Baviera e divenne subito grande patrono di Wagner, grazie al quale furono rappresentati a Monaco, tra
il 1865 e il 1870 Tristano e Isotta, I maestri cantori di Norimberga (protagonista il realmente esistito
Hans Sachs, amico di Lutero e Durer, la vicenda svolge un quesito estetico sulla natura dell’arte,
opponendo la disciplina delle regole codificate alla forza spontanea dell’ispirazione) e le prime 2 opere
della Tetralogia. Wagner, a cui la corte di Monaco era ostile, tornò in Svizzera e sposò felicemente
Cosima Liszt, divorziata dal direttore d’orchestra Hans von Bulow. Fu fatto costruire grazie a una
pubblica sottoscrizione il teatro dell’opera che Wagner sognava, a Bayreuth, in Franconia. Fu inaugurato
nell’agosto 1876 con la Tetralogia (l’Anello dei Nibelunghi: prologo L’oro del Reno, prima giornata La
Valchiria, seconda giornata Sigfrido, terza giornata Il crepuscolo degli dei, narra di Wotan e degli dei che
rubarono l’oro ai Nibelunghi, la maledizione che li colpì e le vicende dei figli mortali di Wotan, le
valchirie e gli eroi, Siegmund e Sieglinde, genitori di Siegfried; la restituzione al Reno dell’oro tramutato
in anello e l’incendio del Walhalla). Wagner si stabilì a Bayreuth, dove fece rappresentare anche il
Parsifal (la leggenda del ciclo medioevale della Tavola Rotonda). Pochi giorni dopo si trasferì a Venezia,
dove morì.

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Di tutte le sue opere Wagner scrisse pure i libretti. Dopo i primi lavori sotto il segno dei Grand-opera, fu negli
anni di Dresda che, con L’Olandese volante, Tannhauser e Lohengrin, Wagner giunse al genere dell’opera
romantica. Queste 3 opere hanno in comune il tema della redenzione dal male con un atto d’amore e
l’ambientazione non è più storica, ma mitologica medioevale. Formalmente Wagner cercò di superare la
strutturazione in pezzi chiusi, e vi riuscì in Tannhauser, non più diviso in brani ma in scene. Il superamento
dell’opera romantica si ebbe con Tristano e Isotta e le successive, che appartengono al nuovo genere di
“dramma musicale”: ogni atto del dramma wagneriano si presenta come una sinfonia o un tempo di sinfonia
con i suoi temi e lo svolgimento ininterrotto dell’azione; questa caratteristica tecnica, chiamata leitmotive
(anche se Wagner la chiamò originariamente “Grundtheme”) era costituita da decine di temi a cui erano
associati gli elementi del dramma (un personaggio, un oggetto, una situazione, un sentimento) e che potevano
combinarsi in accordo a quanto accadeva nella vicenda. In questo modo veniva presentata nel dramma una
“melodia infinita”, dall’inizio alla fine dell’atto. La conseguenza nei libretti di questo modo di comporre fu il
naturale abbandono della distribuzione in strofe e dell’impiego della rima. Dal punto di vista
dell’orchestrazione, Wagner, sostenuto dai compositori contemporanei, superò i limiti del sistema tonale
attraverso il largo impiego di accordi dissonanti già da Tristano e Isotta. Nella sua orchestra accolse i nuovi
strumenti: l’ottavino, il corno inglese, il clarinetto basso, il controfagotto, il trombone basso, oltre alla tuba
wagneriana, inventata da lui stesso.

Unico tra i musicisti, Wagner assorbì le nuove voci della letteratura, del teatro, della musica, del pensiero
filosofico e le ordinò in un’opera teatrale di valore unico nella sua novità, determinando il culmine dell’arte
romantica. Oltre al raro istinto drammatico e l’incessante fluire melodico, possedeva un fortissimo senso della
storia. I legami con Beethoven e Weber diedero alla sua opera il senso di una missione in favore dell’arte
tedesca e del suo primato. Pochi compositori come lui suscitarono seguaci, ma anche opposizioni: sulla sua scia
il teatro di R.Strauss, di Humperdinck (Hansel und Gretel), mentre in Francia il teatro di Reyer, Chabrier,
d’Indy. L’atonalità di Schoenberg e di Berg germinò dal cromatismo di Tristano e Isotta. In Italia le opere di
Wagner tradotte in italiano suscitarono molte polemiche e un moto di reazione antiverdiana, all’insegna di un
imprecisato rinnovamento generazionale (scapigliatura), a cui Verdi scelse di non prender parte, né reagire

TESI XXIV: Origini e prime forme della musica strumentale moderna: canzone, fantasia,
ricercare, toccata e fuga

Gli strumenti e la musica strumentale

La musica puramente strumentale come atto di creazione artistica ebbe vita a partire dal Rinascimento. Tuttavia
ciò non sarebbe avvenuto se durante il Medioevo non si fossero utilizzati strumenti per raddoppiare le voci o
sostituirle, come di solito avveniva nelle frottole e più avanti nei madrigali. Questi impieghi sostitutivi delle
voci, dalle sonorità prolungate, con alcuni strumenti a corda, dalle sonorità esili e brevi, favorì lo sviluppo di
abbellimenti riempitivi, che nei trattati rinascimentali erano chiamati coloriture, diminuzioni, passaggi.
Le composizioni strumentali del primo ‘500 erano legate alla musica vocale, inizialmente semplici trascrizioni.
Le prime ad essere autonome dalla vocalità furono le forme che richiamavano l’improvvisazione (toccate) e le
musiche per la danza.
La distinzione tra ‘500 e ‘600, col passaggio dalla polifonia vocale alla monodia, non è valida per la musica
strumentale. Ci sono solo sporadiche composizioni per violino e b.c., mentre per gli strumenti polivoci (organo,
clavicembalo, clavicordo e liuto) ci fu continuità tra Rinascimento e primo Barocco

LE FORME STRUMENTALI NEL RINASCIMENTO E NEL PRIMO BAROCCO

Furono numerose e varie, come vari e contraddittori erano i nomi attribuiti a ciascuna forma (accadeva anche
che una stessa forma avesse nomi differenti). Per non creare confusione, le composizioni strumentali verranno
divise da Willi Appel in:
- musiche derivate da modelli vocali in contrappunto imitato (ricercare, canzona, fantasia, fuga)
- musiche in stile improvvisato (toccate, ricercari per liuto)
- musiche da ballo
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- variazioni su canto dato o su basso (partite, passacaglie e ciaccone, versetti, corali)

Contrappunto imitato
Il ricercare era una severa forma di contrappunto strumentale. Non è derivata dal mottetto, come si pensò per
anni, perché nel mottetto la fisionomia dei temi è subordinata dal testo, mentre nel ricercare si ricorre con
libertà agli artifici della scrittura contrappuntistica; inoltre il mottetto è formato da molti brevi brani, a
differenza del ricercare, formato da pochi (spesso uno solo) brani estesi, derivanti generalmente da un soggetto
per sezione (a volte il soggetto del primo brano veniva usato anche nei seguenti). Lasciarono ricercari A.
Gabrieli, Padovano, Merulo, Trabaci, ma soprattutto Frescobaldi. Il ricercare ebbe fortuna anche in Austria e
Germania con Hassler, Froberger, Fischer e Bach (con l’Offerta musicale). In Spagna il ricercare, col nome di
tiento, fu coltivato da Cabezon.
La canzona strumentale detta anche canzona da sonar, canzona sonata o canzona francese nacque all’inizio del
XVI sec.(Cavazzoni) come trascrizione strumentale della chanson polifonica francese. Si svincolò dai modelli
vocali gradatamente (A. Gabrieli, Merulo) per poi giungere all’autonomia con Ingegneri, Maschera e
Frescobaldi (e allievi, tra cui Kerll e Froberger). Conservarono e accentuarono gli attributi fondamentali
(espressivi, formali e stilistici) del modello vocale, vale a dire: vivacità melodica e ritmica, al contrario della
severità del ricercare, alternanza di sezioni contrastanti per ritmica (binaria-ternaria) e scrittura (contrappunto
imitato-libero ). Di solito era destinata al clavicembalo o all’organo.
La fuga prima del Barocco era sinonimo di canone e solo dopo la metà del XVII sec.divenne quella che ora
conosciamo come la più elaborata delle composizioni strumentali. Erede della canzona strumentale e del
ricercare a un solo soggetto, si differenziava da esse per la maggior ampiezza e complessità, oltre che per
l’adozione delle moderne scale tonali e delle modulazioni. Spesso non è una composizione isolata, ma è
preceduta da un’altra composizione in stile libero, ma nella stessa tonalità. (…solite chiacchere sulla fuga…)
La fantasia mescola variamente stile imitato e libero. In Inghilterra fu chiamata fancy, da ricordare il
compositore inglese Byrd. (…solite chiacchere sulla fantasia…)

Stile improvvisato libero

La toccata, composizione per strumento a tastiera, nacque attorno al XVI sec.probabilmente dall’esigenza di
anticipare con l’organo, con un breve preludio improvvisato, un canto liturgico. Gli elementi tipici della toccata
sono massicci accordi inframmezzati da rapide scale e arpeggi. Questo tipo di toccata fu perfezionato da
Merulo, Rossi, Pasquini, Zipoli, D.Scarlatti in alcune sue sonate, ma soprattutto da Frescobaldi, che fu esempio
per i compositori d’oltralpe: Hassler, Froberger, Kerll, Muffat, Pachelbel. Al contrario delle toccate italiane, in
quelle tedesche era solitamente assente lo stile imitato, mentre si sviluppavano fantasiosi passaggi. Lo sviluppo
di questo tipo di toccata andò di pari passo con le tecniche costruttive dell’organo tedesco, ben più avanzato di
quello italiano. Maestri della toccata tedesca furono Reinken, Tunder, Buxtehude e Bach. Con loro entrò in uso
l’accoppiamento (solo organistico) tra la toccata e la fuga. Lo stile della toccata per strumento a tastiera ha
riscontro nei ricercare per liuto, meno frequentemente nelle raccolte per viola.

Composizioni per ballo

Fin dal ‘400 i balli, al centro delle cerimonie di corte, ma anche nelle riunioni dei nobili e nella vita di società
della classe media, erano accompagnati da musica strumentale, ma sino al XVI sec, con la stampa, non ci sono
giunte molte composizioni, essendo per lo più improvvisate o manoscritte. Negli usi esecutivi le danze erano a
gruppi contrastanti di 2 o 3: lenta e binaria la prima, danzata con portamento solenne, mossa e ternaria la
seconda, danzata con grazia e leggerezza o esuberanza. Classici erano gli accoppiamenti pavana e gagliarda,
poi passamezzo e saltarello. In questo periodo si affermarono l’allemanda e la corrente.

Variazioni

Grande impiego per la musica strumentale del ‘500 ma soprattutto del ‘600. Si distinsero le variazioni su basso
(basso ostinato di 4, mai più di 8 battute con variazioni alla voce superiore, come nei ground, passacaglie e
ciaccone dall’andamento ternario) e le variazioni melodiche (…un po’ delle solite chiacchere sulle
variazioni…).

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Da ricordare le diferencias spagnole, basate su noti motivi popolari e le variazioni su canzoni popolari inglesi di
Byrd. In Italia all’inizio del XVII sec. si chiamavano “partite” le variazioni costruite su melodie note (La Follia,
Il Ruggero, La Monica, La Bergamasca…), che spesso avevano carattere di danza.
Una parte non piccola della musica liturgica per organo era costituita da variazioni su cantus firmus (cattolici) o
corali (luterani). Il procedimento di alternare parti organistiche al più comune repertorio gregoriano diede
origine alla composizione delle messe d’organo. Analogamente nelle chiese luterane nacque il Choralvorspiel
(preludio al corale), con le melodie del corale, a valori larghi, usato come cantus firmus, mentre le altre voci
svolgevano il contrappunto. Il coronamento e la conclusione storica di questo tipo di composizioni furono le
150 composizioni organistiche su corale di Bach

I COMPOSITORI

Alcune connotazioni accomunano i compositori di musica strumentale del ‘500 e primo ‘600:
- scrivevano per lo strumento che praticavano come esecutori, e l’invenzione musicale rispecchiava la tecnica
- non erano molti a scrivere sia musica vocale che strumentale. Eccezioni i Gabrieli, Byrd, Sweelinck,
Scheidt

I liutisti

Tra le spiegazioni della diffusione del liuto nella civiltà rinascimentale e post rinascimentale vi erano la facilità
di maneggio dello strumento, la facilità del suo impiego grazie alle intavolature, il suono dolce e rotondo di
dimensione cameristica, la possibilità di usarlo anche come strumento solista.
La scuola liutistica italiana durò circa 100 anni, a partire dall’inizio del XVI sec. I primi strumentisti furono
Spinacino e Dalza. Famoso improvvisatore e compositore fecondo fu Francesco Canova da Milano. Anche
Vincenzo Galilei, padre di Galileo, scrisse per liuto.
Nella produzione liutistica francese dopo il 1550 ebbe grande importanza la musica da ballo e gli airs de cour.
Tra i nomi più noti Adrian Le Roy, anche editore, mentre nella successiva generazione i cugini Gaultier. La
tradizione liutistica francese influenzò la nascente scuola clavicembalistica.
In Germania il liuto ebbe lunga fortuna, fu infatti usato come strumento solista sino alla prima metà del ‘700.
Tra i noti compositori per liuto tedeschi, Schlicht, Neusiedler, Weiss, Telemann e Bach.
La produzione liutistica inglese fu dominata tra il XVI e il XVII sec. da Dowland.
In Spagna per gran parte del ‘500 ebbe successo la vihuela de mano, simile al liuto. Noti compositori Luis de
Milan, Luis de Narvaez, Antonio de Cabezon. Negli ultimi anni del secolo la vihuela de mano fu soppiantata
dalla guitarra espanola a 5 corde

ORGANISTI E CLAVICEMBALISTI

Nel XVI e XVII sec.la distinzione tra musica per organo, clavicordo e clavicembalo non era netta, anche se
nelle chiese si suonava l’organo e ai balli il clavicembalo. Sebbene infatti differenti per timbro, le composizioni
potevano essere indipendentemente eseguite su tutti e tre gli strumenti. A riprova di questo fatto i titoli delle
raccolte “per ogni sorta di strumenti da tasti”

In Italia
La scuola organistica italiana trattò tutte le forme di musica per strumenti a tastiera, cosa che non si verificò
oltralpe

- Marco Antonio Cavazzoni fu tra i primi a lasciare testimonianza di ricercare, mottetti, canzoni per
strumenti a tastiera
- Girolamo Cavazzoni, figlio di Marco Antonio, fu organista dei Gonzaga e scrisse 2 libri di intavolature per
organo

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I 2 organi di S.Marco furono il centro della produzione organistica italiana nella seconda metà del secolo; uno
tra i maggiori organisti fu, accanto ad
- Andrea e Giovanni Gabrieli (vedi tesi XI)
- Claudio Merulo scrisse 4 libri di messe d’organo, 3 di canzoni, 3 di ricercari, 2 di toccate, nelle quali
eccelse

Nell’ultimo quarto del XVI sec.e nel primo quarto del XVII sec. si affermò la scuola cembalo-organistica
napoletana, i cui precedenti si riconoscono nel madrigale di Carlo Gesualdo da Venosa. I napoletani risentivano
più che dell’influenza veneziana, di quella spagnola di Cabezon e anticiparono lo stile frescobaldiano.
Esponenti della scuola:
- Antonio Valente, cieco, pubblicò un’Intavolatura di cimbalo e una raccolta di Versi spirituali
- Giovanni de Macque, fiammingo invitato dal principe di Venosa padre di Carlo, più noto come
madrigalista, ebbe tra i suoi allievi
- Giovanni Trabaci, fece stampare 2 libri di Ricercare da eseguire con qualunque strumento, preferibilmente
a tastiera

Girolamo Frescobaldi (1583-1643), nato a Ferrara, città che viveva un periodo florido dal punto di vista
culturale, ma non dal punto di vista politico (sarebbe stata annessa allo stato pontificio per mancanza di
eredi estensi). Organista a Ferrara, si trasferì a Roma, dove trascorse il resto della sua vita, a parte un
breve periodo a Firenze. Roma, grazie alle cappelle, allo sviluppo della monodia teatrale, al primo fiorire
dell’oratorio e all’opera di Carissimi, era musicalmente la città più progredita d’Europa. Oltre all’incarico
che ottenne in S.Pietro, organista della cappella Giulia, si dedicò alla composizione e all’insegnamento
(tra gli allievi, Rossi, Froberger, Kerll)

Le composizioni sono prevalentemente per strumento a tastiera. Scrisse numerose raccolte:

- Il primo libro delle fantasie a quattro (1608), contiene 12 fantasie a 1-4 soggetti, stampate in partitura a 4
righi. Secondo il modello della scuola napoletana, scritte in contrappunto imitato con largo impiego di
aumentazione e diminuzione, oltre naturalmente agli elementi di fantasia
- Ricercari e canzoni francesi fatte sopra diversi obblighi (1615), raccolta di 10 ricercari e 5 canzoni
strumentali. Nei ricercari è attenuato il ferreo rigore delle fantasie del 1608; alcuni unitari, secondo l’uso
napoletano, altri divisi in sezioni con vari elementi tematici, come da scuola veneziana. Nelle 5 canzoni si
palesa la vivacità frescobaldiana
- Toccate e partite d’intavolatura di cimbalo, libro primo (1615) è tra le più importanti raccolte di
Frescobaldi. Si apre con un documento sulla prassi esecutiva. Nelle toccate, rapide nei passaggi armonici
senza imitazione e irrequiete nella ritmica, la fantasiosa inventiva di Frescobaldi tocca l’apice, rivelando
pregevoli esempi dello stile barocco secentesco. Le partite sono notevoli esempi dell’arte della variazione
- Il primo libro di capricci fatti sopra diversi soggetti et arie (1624) contiene 12 capricci
- Il secondo libro di toccate, canzoni, versi d’inni, Magnificat, gagliarde, correnti et altre partite
d’intavolatura di cimbalo et organo (1627), raccolta ricca e varia contenente composizioni liturgiche, libere
(toccate), contrappuntistiche (canzoni), variazioni (partite, ciaccone e passacaglie), balli
- Fiori musicali di diverse composizioni: toccate, kyrie, canzoni, capricci e ricercari (1635) è l’ultima e più
famosa raccolta. Contiene 3 messe d’organo e 2 capricci su motivi popolari. A differenza delle messe di
Cavazzoni e Merulo, queste 3 messe sono toccate, ricercari e canzoni da suonarsi in luogo del Proprium
- Oltre a queste raccolte, compose anche canzoni per insiemi strumentali, un libro di madrigali a 5 voci, due
libri di arie a 1-3 voci accompagnate da cembalo e tiorba

Fu il maggior compositore strumentale europeo della prima metà del ‘600. Operò la sintesi delle scuole
veneziana e napoletana. Caratteristiche della sua arte sono la padronanza virtuosistica del contrappunto, come i
massimi maestri fiamminghi, e la grande libertà di immaginazione. Si poneva problemi di scrittura per il solo
gusto di risolverli (“capriccio cromatico con ligature al contrario”, “ricercare con l’obbligo di non uscir di
grado”. La sua fantasia è evidente nelle tecniche di variazione, e persino nei ricercare, che formalmente sono le
forme più lontane dall’espressione liberamente fantasiosa

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I virginalisti inglesi e William Byrd

Nel periodo di Elisabetta I Tudor e Giacomo I Stuart, tra la fine del XVI sec. e l’inizio del XVII sec., si affermò
la scuola virginalistica inglese. Gli inglesi chiamavano virginals gli strumenti a corde pizzicate e a cassa
rettangolare o oblunga, come la spinetta. I maggiori esponenti, Byrd, Bull e Gibbons, nacquero a circa 20 anni
di distanza e morirono tutti tra 1620 1630. La scuola non ebbe antecedenti, se non quelli riferibili alla musica
organistica, né un seguito, dopo la morte dei 3 maggiori esponenti

- William Byrd (1543-1623) fu il maggior compositore inglese prima di Purcell. Condivise con Tallis
l’incarico di organista della cappella reale, trattò tutti i generi di musica del suo tempo. Nel genere sacro
compose 3 messe, circa 250 mottetti in latino, 42 anthems. Le sue composizioni per virginale furono 125.
Particolarmente felici le variazioni
- John Bull, cantore e poi organista, insegnò musica a Cambridge, virtuoso della tastiera, fuggì nei Paesi
Bassi, forse a causa delle simpatie cattoliche. Compose circa 140 pezzi per tastiera, rivelando spontaneità
melodica e un sorprendente, dati i tempi, gusto virtuosistico, in particolare nelle fantasie, danze e variazioni
- Orlando Gibbons, organista di corte, insegnante di musica a Oxford. Celebre esecutore, fu autore di almeno
45 composizioni per organo e virginale: preludi, 2 fantasie, pavane e gagliarde

Nei Paesi Bassi

Patria per 2 secoli della scuola vocale contrappuntistica sacra, il Belgio cattolico e la Fiandra protestante
diedero scarso contributo allo sviluppo della musica da tastiera. Unico compositore da ricordarsi fu Sweelinck
(1562-1621), organista nella Chiesa Vecchia di Amsterdam. Autore di circa 70 composizioni per organo
(elaborazioni di corali) e clavicembalo (variazioni su canti popolari), oltre che fantasie e toccate, si rifece sia
scuola dei virginalisti inglesi che alla lezione della scuola veneziana di Merulo e dei Gabrieli. Strano il fatto che
egli, convinto calvinista, abbia scritto rielaborazioni di corali, probabilmente lo fece per i suoi allievi tedeschi
oppure per riproporre tali composizioni al di fuori della liturgia

Gli organisti tedeschi

La musica da tasto esplose in Germania all’inizio dell’età barocca. In un paese politicamente frazionato il
decentramento delle manifestazioni artistiche facilità la diffusione della pratica organistica e clavicembalistica
anche nei centri minori: infatti si distinguono storicamente 3 scuole: la meridionale, nell’Austria e nella Baviera
(cattoliche), la centrale con Halle, Norimberga e Lipsia, e la settentrionale con Amburgo e Lubecca (entrambe
luterane).

Tra una folla di validi organisti spiccano:

- Hans Leo Hassler (1564-1612) fu organista ad Augusta al servizio dei banchieri Fugger, poi a Norimberga,
a Ulma e Dresda. Scrisse oltre 110 composizioni per organo tra cui una messa, parecchi ricercari (con
l’improprio nome di fughe, su temi trattati in più sezioni), una quindicina di toccate nello stile di A.Gabrieli.
Fu tributario del tardo Rinascimento italiano in madrigali e balli. Le composizioni organistiche sono
pervase da festose sonorità
- Samuel Scheidt (1587-1654), di Halle, pubblicò molta musica vocale sacra e strumentale destinata alle
comunità luterane. La sua raccolta più nota è la Tabulatura nova in 3 parti, nuova perché alla tradizionale
intavolatura tedesca fu sostituita la partitura italiana con pentagrammi separati per ogni voce, come aveva
fatto Frescobaldi nei suoi Fiori musicali. Le prime due parti della Tabulatura contengono, senza ordine
definito, fantasie, elaborazioni di corali, variazioni in cui si avverte l’insegnamento di Sweelinck. La terza
parte, con Kyrie, Credo, Magnificat e inni, è dedicata all’ufficio liturgico luterano. Nelle elaborazioni dei
corali, la parte più importante dell’opera, il cantus firmus corale è esposto a valori larghi e compare ora in
una voce, ora in un’altra. Negli ultimi anni di vita pubblicò una seconda raccolta, il Tabulatur Buch,
contenente 100 corali a 4 parti in scrittura prevalentemente accordale
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TESI XXV: La musica strumentale nel secolo XXVII: la suite e le sue origini; la partita.
Sonate da chiesa e sonate da camera. Compositori organisti, violinisti e cembalisti
italiani e stranieri
Durante il periodo di mezzo del Barocco, la seconda metà del XVII sec, molte forme del primo Barocco si
estinsero, ma rimasero sempre presenti toccate e forme derivate dall’elaborazione del corale, e si imposero
nuove forme strumentali: la suite e la sonata barocca. Crebbe l’importanza del clavicembalo e del violino

DALLE DANZE RINASCIMENTALI ALLA SUITE BAROCCA

Balli di società, balletto, suite

Hanno in comune il fatto di essere basati su ritmi di danza.
I balli di società servivano per l’intrattenimento della nobiltà e delle classi abbienti e si svolgevano in vari
modi: coppia chiusa, aperta, in gruppo; con passi strisciati, sollevati, saltati. Elevato era il numero di balli:
pavane e gagliarde, passamezzo e saltarello, branle, courante, passepied. Molti balli avevano origini popolari
francesi. Era indifferente che le musiche avessero dignità artistica, poiché esistevano solo in funzione dei
movimenti coreutici delle danze.
I balletti, danze di teatro nacquero nel XVII sec.quando il pubblico smise di partecipare alle danze e divenne
spettatore, non più in grado di eseguire le complesse coreografie e i difficili passi.
La suite era una forma musicale da ascolto che aveva ritmi di danza. Indirettamente fu tributaria della creatività
di Lulli.

Caratteri della suite

Nacque dall’abitudine di collegare 2 o 3 danze. “Suite” è un vocabolo francese che significa successione, ma
non fu usato dai francesi, che preferirono il termine pieces de clavecin, mentre fu usato dai tedeschi, anche col
sinonimo di partita, mentre nel caso di insiemi non da tasto fu chiamata ouverture o suite-ouverture. In Italia le
successioni di danze si trovarono spesso in sonate da camera per violino e basso. In Inghilterra si chiamò
lesson.
(… solite chiacchere sulla suite…)

La suite per clavicembalo

Fu diffusa soprattutto in Germania e Francia, ma anche in Inghilterra (Purcell) e scarsamente in Italia
(Pasquini). La successione delle 4 danze principali fu definita da Froberger. In Francia le danze non erano
distribuite secondo il modello formale (per questo non si chiamarono suite, ma pieces de clavecin) e spesso vi
erano altre danze estranee alla suite tradizionale. L’uso massiccio di abbellimenti nei pieces de clavecin rese
necessaria l’adozione di tavole in prefazione che ne spiegassero la risoluzione

Elaborazioni per organo del corale luterano

Nella Germania settentrionale l’elaborazione organistica del corale si deve principalmente a Buxtehude,
Reinken e Bohm. Alla fine del XVII sec. si giunse alla sintesi di 3 forme fondamentali del corale per organo:
- partita corale: variazioni contrappuntistiche di un tema. La melodia del corale, impiegata come cantus firmi,
appare a rotazione nelle varie voci, trattate con le regole del contrappunto
- fantasia corale: le varie frasi del corale erano elaborate liberamente e accompagnate a turno
- preludi corali: brevi composizioni che inizialmente avevano la funzione di introdurre l’esecuzione del
corale. La melodia semplice e chiaramente riconoscibile, era spesso esposta nel registro acuto con
accompagnamenti armonici più o meno fioriti

32
ORGANISTI E CLAVICEMBALISTI

In Italia
Dopo Frescobaldi la produzione cembalo-organistica italiana si inaridì, in coincidenza con il crescente sviluppo
della musica per strumenti ad arco. Tra i musicisti che lasciarono notevoli composizioni per strumenti a tastiera
figurano Alessandro Scarlatti, con circa 50 composizioni per tastiera, quasi tutte toccate, ripartite in più sezioni,
dai caratteri brillanti e clavicembalistici; spesso studi brillanti, rivelano il piacere dell’improvvisazione, si
concludono spesso con libere fughe.
Bernardo Pasquini (1637-1710), organista a Roma, clavicembalista per il principe Borghese e direttore dei
concerti di Cristina di Svezia, maestro di Muffat e Gasparini, scrisse una dozzina di opere teatrali, cantate,
mottetti. La produzione da tastiera comprende 35 toccate, 17 suites, 35 sonate scritte solo come basso numerato,
brani in contrappunto imitato (capricci e ricercari), 18 serie di variazioni (tra cui le Partite diverse di La Follia),
25 arie, danze. Il meglio lo espresse col clavicembalo, semplice nel pensiero melodico. Fu il primo italiano a
comporre suites. Trattò magistralmente le variazioni

Nella Germania meridionale e in Austria

Vienna fu il principale centro della musica da tasto europea. Vi operarono Kerll, Poglietti, Strunck, Muffat, Fux
e
Johann Jacob Froberger (1616-1667), allievo di Frescobaldi, fu organista alla corte di Vienna, ma fece
numerosi viaggi ed esperienze, che si riflettono nella sua opera. Lasciò toccate, capricci, canzoni, fantasie, e
ricercari per organo, 30 suites per clavicembalo. Tratti autobiografici emergono da alcune allemande, commossi
lamenti o compianti per la morte di alcuni personaggi conosciuti e ammirati dall’autore

Nella Germania settentrionale

Le chiese luterane delle principali città furono sede di importante produzione organistica, spesso accompagnata
dall’elevata tecnica costruttiva degli organi, di grandi dimensioni rispetto al resto d’Europa. Tra gli organisti
più noti, che si mossero spesso entro i confini del corale per organo ricordiamo
- Dietrich Buxtehude (1660-1707), organista in Danimarca, poi a Lubecca segnò il più alto raggiungimento
della musica organistica nella Germania settentrionale. Aspetti caratteristici sono la grandiosità, la grande
fantasia e la padronanza della scrittura contrappuntistica. Scrisse 45 variazioni di corali, 20 preludi e fughe,
toccate, canzoni, passacaglie e ciaccone, oltre a suites e variazioni per clavicembalo
- Georg Bohm (1661-1733), attivo ad Amburgo e Lubecca. A differenza di Buxtehude, chiuso nel
luteranesimo, fu sensibile alle influenze stilistiche francesi e a quelle delle regioni cattoliche della
Germania. Lasciò preludi e fughe per organo o cembalo, elaborazioni di corali per organo, suites per
cembalo

Nella Germania centrale

Era il luogo dove crebbe, visse e operò la famiglia Bach. Caratteristico di questa zona è il gran numero di città e
chiese in cui la musica da tastiera era coltivata. Si ricordano Heinrich Bach, prozio di J.S., e i suoi figli. Le
personalità maggiori però furono:
- Johann Pachelbel (1653-1706) di Norimberga, raggiunse la fama con tre opere per tastiera, tra cui
l’Exacordum Apollinis, 6 arie con variazioni in 6 diverse tonalità formanti un anomalo esacordo). Le
composizioni per organo comprendono preludi e fughe, composizioni libere (toccate e fantasie), un gran
numero di fughe, la maggior parte sui versetti del Magnificat negli otto toni liturgici, ricercari ed
elaborazioni corali. Ristretta la produzione clavicembalistica, in cui spiccano 19 suites e variazioni su lieder
e corali
- Johann Kuhnau (1660-1722), kantor a Lipsia prima di Bach. Letterato e avvocato a Lipsia, scrisse lavori
letterari tra cui un romanzo satirico. Poco ci è pervenuto della produzione sacra. Scrisse per clavicembalo 4
opere: le prime 2 constano di 7 suite ciascuna (chiamate Partite), in 7 tonalità differenti; la terza è una
raccolta di 7 sonate, sulla quale si basò la sua fama di inventore della sonata per clavicembalo, desunta dalla
33
 sonata italiana per archi; l’ultima opera contiene 6 sonate per clavicembalo ispirate da alcune storie
bibliche, che rappresenta un tentativo di musica cembalistica di contenuti programmatici

In Francia

La musica organistica era ben separata da quella clavicembalistica (“Livres d’orgue”, con brani di musica sacra
cattolica, e “pieces de clavecin”, con danze profane). Così separati erano anche i compositori d’organo (Nivers,
Gigault, Boyvin) da quelli di clavicembalo (Louis Couperin, Jean Henry d’Anglebert). Anche in Inghilterra la
musica per organo (coi Voluntaries e i Verses) è divisa da quella per clavicembalo (Lessons e danze)

DALLA CANZONE STRUMENTALE ALLA SONATA BAROCCA PER ARCHI

Alla fine del ‘500 il nome “sonata” indicava il contrasto con la musica cantata, in luogo di abbreviazione di
canzona da sonar. Come la canzone strumentale, le prime sonate avevano un solo tempo, diviso in brevi sezioni
di ritmo e andamento differente. Solitamente, mentre le canzoni da sonar erano destinate a strumenti a tastiera,
le sonate erano scritte per violino e basso continuo; la nascita delle sonate fu infatti contemporanea allo
sviluppo della grande liuteria padana (Amati, Guarneri e Stradivari a Cremona, oltre ai liutai di Milano, Brescia
e Venezia). Il distacco dalla forma della canzona strumentale si ebbe con la trasformazione in un organismo
strutturato in più tempi. A partire dal 1635 si iniziò a ridurre il numero dei tempi, che diventarono
progressivamente più lunghi

La sonata da chiesa e la sonata da camera

- sonata da chiesa: solitamente a 4 tempi, alternanti lento e allegro (fugato); si eseguivano in chiesa e
sostituivano l’organo nella parti del Proprium. Agli strumenti ad arco si univa l’organo per il b.c.
- sonata da camera: in 4 o più tempi, a volte in 3. In sostanza era una suite, affine a quelle per clavicembalo.
Non sempre i titoli dei tempi indicavano di che danza si trattasse. Il clavicembalo faceva il b.c. Eseguite
nelle case di nobili e ricchi borghesi per intrattenimento, a volte si presentava con altri nomi (trattenimenti,
balletti, divertimenti)
La distinzione tra le 2 forme non fu mai rigida. Erano pubblicate tradizionalmente in fascicoli separati.
Generalmente le formazioni erano da 2 violini + b.c. (sonata a 3) o violino solo + b.c. (sonata a solo). Se il
basso non era continuo, ma melodico, poteva essere affidato a violoncello o viola da gamba, raramente ad uno
strumento a fiato

VIOLINISTI COMPOSITORI

Prodotti italiani sia il violino che la sonata, italiani furono la maggior parte dei violinisti compositori. Creatore
della sonata per violino e b.c. fu probabilmente Biagio Marini nel 1617, lo seguirono Farina e Merula. Tra i più
noti ci fu
Arcangelo Corelli (1653-1713) studiò con Benvenuti e Brugnoli a Bologna, a quel tempo il più avanzato centro
di studi per strumenti ad arco. Si trasferì nel 1671 a Roma. In città vi erano i mecenati Cristina di Svezia e i
cardinali Pamphili e Ottoboni. Corelli, immerso nel nascente clima d’Arcadia, a contatto con Pasquini e, più
avanti, con A.Scarlatti ed Handel, la figura del violinista crebbe di statura e autorità, sia come compositore che
come esecutore e direttore.
La sua opera è incentrata unicamente sul violino: 4 raccolte di sonate a 3 (op.1-4), da chiesa e da camera, di
scrittura semplice sia violinisticamente che contrappuntisticamente; una di sonate per violino e cembalo op.5
(raccolta molto nota, ha ancora valore didattico), ancora senza passaggi violinistici troppo arditi, ma con note
34
doppie e arpeggi, l’op.5 si chiude con 24 variazioni sul tema della Follia; una di concerti grossi (vedi tesi
XXVI). Si può dire che le ultime 2 raccolte precorrano i tempi.
Fu uno dei pochi compositori barocchi la cui fama si prolungò per parecchi decenni dopo la morte. La sua
musica era fatta di chiarezza, di simmetrie, espressività e aristocratica varietà

All’estero
La sonata a 3 e la sonata a solo per violino fu coltivata anche all’estero, con Purcell, Handel, Couperin, Muffat,
Reinken, Buxtehude, Fux per le sonate a 3; Walther e von Biber per le sonate a solo. Tutti presero a modello,
soprattutto nelle sonate a 3, le sonate italiane

TESI XXVI: La musica strumentale italiana nel XXVIII sec: concerto grosso e concerto
solista. Origini italiane della sonata e della sinfonia moderna. Cenni storici
sull’organo, sul violino, sul pianoforte e sul clavicembalo (cembalari, organari e liutai)

IL CONCERTO BAROCCO

“concerto” significa sia “legare insieme” che “lottare con”, è quindi una composizione in cui coesistono
elementi sia aggreganti che contrastanti. Lo stile concertante del XVII sec., dei Gabrieli, Banchieri, Viadana,
Monteverdi, indicava la mescolanza di voci e strumenti. Invece il concerto barocco fu forma strumentale
dedicata agli archi + b.c. e l’elemento caratterizzante era il contrasto Soli/Tutti. Si affrancò dalla scrittura
contrappuntistica grazie a nuovi elementi linguistico-strutturali, in particolare:
- la ripartizione dei singoli tempi, soprattutto gli Allegro, in alternanze di Soli/Tutti
- la funzione ripetitiva di ritornello dei Tutti
- l’uso di progressioni melodiche e di ripetizioni in eco

L’origine
Il principio fondamentale è il contrasto tra concerto grosso e concertino. L’ “inventore” del Concerto Grosso fu
Alessandro Stradella, che intuì l’effetto che poteva ottenere raddoppiando in alcune parti le voci della sonata a
3. Poco più avanti, intorno al 1680, Corelli scriveva 12 Concerti Grossi, 8 da chiesa (l’ottavo è il famoso “fatto
per la notte di Natale”) e 4 da camera. Ogni concerto è diviso in 4-6 tempi. La scrittura assomiglia un po’ a
quella corale, molto equilibrata tra le parti.
Se il concerto grosso ebbe origine romane, quello solistico ebbe origini bolognesi, prima di passare a Venezia.
Particolare merito ebbe Giuseppe Torelli
La storiografia classica fece spesso una distinzione netta tra concerto solistico e concerto grosso. Invece non
sono poche le raccolte che sotto il nome generico di “concerti” uniscono a concerti grossi concerti solistici,
inoltre in raccolte di concerti grossi possono essere presenti concerti solistici, come nell’op.8 di Torelli. Un
elemento di distinzione stilistica tra concerto grosso e concerto solistico è che nel primo il concertino tende ad
integrarsi nel Tutti, mentre nel secondo il Solo tende da contrapporsi al Tutti

Il concerto grosso
La produzione fu copiosa in Italia nella prima metà del ‘700, poi andò scemando e si esaurì. Importanti
contributi diedero gli allievi di Corelli, Geminiani in Inghilterra e Locatelli in Olanda, i compositori veneti, tra
cui Albinoni, Marcello e Vivaldi, oltre a A.Scarlatti, Manfredini, Tessarini
Tra gli stranieri il primo che pubblicò concerti grossi fu Muffat. Handel in Inghilterra con l’op.3 e 6. Bach con i
6Concerti Brandeburghesi. Il concerto grosso influì anche sulle suites orchestrali di Fux e Telemann

Il concerto solistico in Italia

All’inizio della sua storia il concerto solistico era già definito nella sua forma. Era in 3 tempi, veloce-lento-
veloce. Il contrasto Soli/Tutti si aveva solo nei tempi veloci.
35
I Tutti eseguono i ritornelli, che aprono e chiudono gli Allegri, oltre a intercalare i Soli. I ritornelli sono fatti
della stessa materia musicale, il primo e l’ultimo in tonalità d’impianto, gli altri modulanti alla dominante o in
tonalità vicine. Il concerto barocco si definì nella forma delle circa 450 composizioni di questo tipo ad opera di
Vivaldi:
Rit I (tonica), Solo I (da ton. a dom.), Rit II (dominante), Solo II (da dom. a rel.min.), Rit III (nel rel.min.), Solo
III (dal rel.min. a ton), Rit IV (tonica). Lo schema è valido per il concerto in tonalità maggiore, se è in tonalità
minore al posto della modulazione alla dominante ve n’è una al relativo maggiore, mentre al posto della mod.al
rel.min. si passa alla dominante.
I ritornelli vivaldiani non sono veri e propri temi, ma sono formati da più motivi interconnessi tra loro . Le
virtuosistiche sezioni solistiche modulanti derivano spesso da motivi presenti nel ritornello, ma possono anche
essere indipendenti. Nel tempo lento il lirismo è affidato principalmente allo strumento solista, tenuemente
accompagnato dal b.c., e rari interventi dei Tutti. Vivaldi fu l’unico italiano che affidò la parte solistica non solo
a violino, ma anche a violoncello, viola d’amore, strumenti a fiato (flauto, ottavino, oboe, fagotto, tromba) e a
pizzico (mandolino). Dopo Vivaldi furono personalità di spicco nel concerto solistico solo
Locatelli, ricordato per L’arte del violino con 12 concerti per violino solo e 24 capricci in appendice, che hanno
funzione di cadenze (2 per ogni Allegro di concerto) e Tartini

Il concerto solistico in Europa

Conobbe grande diffusione in Germania. L’alto numero di corti principesche e la formazione nelle città libere
di un collegium musicum formato da strumentisti dilettanti, fu terreno propizio per la diffusione del concerto.
Torelli e Vivaldi influenzarono notevolmente i maestri sassoni (Pisendel, Heinichen, Graupner) e berlinesi
(Quantz, Gottlieb, Graun) oltre a Bach e Telemann. Il numero assai alto di concerti solistici si spiega con la
crescente passione del pubblico per il facile virtuosismo, anche a scapito dei pregi musicali. Lo strumento
solista privilegiato non fu più il violino, per la mancanza di validi solisti, ma gli strumenti a fiato e il
clavicembalo
Georg Philipp Telemann (1681-1767) coetaneo di Bach, svolse la maggior parte della sua attività ad Amburgo
coltivando tutti i generi, dal teatro alla musica sacra luterana (circa 1400 cantate), oratori, lieder e musica da
camera. La sua musica strumentale era basata sul contrappunto, sulla ricchezza formale della suite francese, e
sulla tecnica del concerto italiano. Godeva della fama di massimo compositore strumentale tedesco, più di
Bach, conosciuto poco e male.
Bach studiò molto e a lungo il concerto solistico italiano, estraneo alla sua formazione strumentale. Trascrisse
per organo o clavicembalo numerosi concerti italiani, tra cui 9 di Vivaldi. Bach fu tra i primi a scrivere concerti
solistici per clavicembalo.

In Francia il concerto solistico fu portato nel 1733 da Somis, allievo di Corelli e successivamente dall’allievo
Leclair (1697-1764), che pubblicò 2 raccolte che ricalcano i modelli di Vivaldi e Locatelli e 48 sonate per
violino e basso. E’considerato il fondatore della scuola strumentale francese e dosò la purezza classica della
melodia corelliana, con la ricca ornamentazione della scuola clavicembalistica.

In Inghilterra il concerto solistico comparve tardi, con i concerti per organo op.4 e 7 di Handel. Gli organi
inglesi non avevano ancora la pedaliera e la scrittura solistica assomigliava molto a quella per clavicembalo.
Uno tra gli autori più apprezzati fu Giuseppe Sammartini, fratello del più noto Giovan Battista

La sonata barocca per violino

L’altra forma coltivata dai violinisti compositori, oltre al concerto, era la sonata. La produzione sonatistica
tardobarocca fu molto influenzata dalle sonate op.5 di Corelli, caratterizzate da una cantabilità umana, quella
dei grandi maestri del melodramma. La grande operosità degli allievi della scuola di Corelli diffusero la sua arte
in tutt’Europa, in particolare nella “palladiana” Inghilterra, dove soggiornarono a lungo Veracini, Castrucci,
Geminiani. Ad Amsterdam operò Locatelli.
La distinzione tra sonata da chiesa e sonata da camera svanì rapidamente. Erano generalmente in 3 o 4 tempi La
struttura è bipartita con modulazione I-V, poi V-I. La seconda parte riprendeva il materiale tematico della
prima.
36
VIOLINISTI COMPOSITORI

Gli allievi di Corelli

- Giovanni Battista Somis (1686-1763), maestro alla corte dei Savoia, formò validi musicisti, tra cui Giardini
(violinista, impresario e operista a Londra), Pugnani (maestro di Viotti), i francesi Leclair, Guinon e
Guillemain. Lasciò raccolte di sonate a 3, per violino e basso e moltissimi concerti per violino
- Francesco Geminiani (1687-1762), dal 1714 visse e lavorò sempre all’estero. Compose 3 raccolte di sonate
per violino e basso e 4 di concerti. Fece trascrizioni in forma di concerto grosso di alcune sonate di Corelli.
A Parigi musicò un’azione coreografica, La foresta incantata, tratta dalla Gerusalemme Liberata. Scrisse
alcune opere didattiche, tra cui The Art of playing of the Violin
- Pietro Antonio Locatelli (1695-1764), acclamato virtuoso a Dresda, Berlino e Mantova, dal 1729 si stabilì
ad Amsterdam, come violinista, compositore, insegnante ed editore delle proprie opere. Compose sonate a 3
e a solo per violino e flauto, concerti e Introduzioni teatrali op.4. Mentre nei Concerti grossi op.1 era
ancora legato alla scrittura contrappuntistica e al modello corelliano, il suo stile si definì nei 12 concerti con
24 capricci a cadenza degli Allegri dell’Arte del violino op.3 (1733), mentre punte di virtuosismo si hanno
nei Concerti a 4 op.7 (1741)

Antonio Vivaldi (Venezia,1678-Vienna,1741), figlio di un violinista di S.Marco, proseguì la formazione con

Legrenzi, nel 1703 fu ordinato sacerdote, ma per motivi di salute (asma) smise subito di dire messa.
Divenne maestro all’Ospedale di Pietà. Nel 1713 fu rappresentato il primo dramma in musica, Ottone in
villa. Per meglio sviluppare l’attività di operista e impresario, interruppe 2 volte l’impegno con la Pietà
(1718-22;1725-35). Passò tutta la vita in Italia, escludendo il viaggio ad Amsterdam (1737) per le feste
centenarie del teatro cittadino e il misterioso viaggio a Vienna, dove morì in oscure circostanze.
Compose:
- opere teatrali: 46 in tutto. Era legato soprattutto al teatro S.Angelo, ma produsse anche per molte città del
nord Italia, più Roma. Non tutta la produzione operistica di Vivaldi era preziosa: alcune arie venivano
trasportate da un’opera all’altra e molti pezzi tradiscono la fretta. Ma l’operista Vivaldi non è inferiore al
compositore dei concerti. L’orchestra partecipa alla vicenda drammatica, differentemente dai suoi
contemporanei. Le opere più importanti sono Il Farnace (1726), Orlando (1727), La fida ninfa (1732),
L’Olimpiade (1734), La Griselda (1735)
- musica sacra: 45 composizioni per soli, coro e orchestra, soprattutto parti dell’Ordinario e salmi. Tra le più
note: un Gloria, un Credo, un Beatus vir, uno Stabat Mater, un Magnificat. Numerosi mottetti e antifone
per archi e soli. Un Oratorio su testo latino, Juditha triumphans
- musica strumentale: la parte più significativa della sua opera. 75 sonate a 3 o a solo, 23 sinfonie e circa 450
concerti. Molto fu stampato postumo. Fra le principali raccolte, tutte da 12 concerti: L’estro armonico op.3
(1712), La stravaganza op.4 (1713), Il cimento dell’armonia e dell’invenzione op.8 (1725), La cetra op.9
(1728)

Vivaldi fu insieme ad Handel, il compositore più apprezzato d’Europa , sebbene in altre regioni vivessero
contemporanei di livello uguale o superiore (Bach in Germania e Rameau in Francia). La fama, che deriva dai
concerti, di Vivaldi oltrepassò le frontiere (grande l’accoglienza ad Amsterdam). Le ragioni del suo successo
sono dovute alla qualità della musica e alle chiare connotazioni dei suoi concerti: motivi tematici incisivi e
chiaramente inseriti nella struttura formale, Allegro balzanti e dai ritmi stimolanti, che contrastano la distesa
serenità degli Adagio, la marcata tensione tra Soli e Tutti. Questo antagonismo rivelò una forza drammatica
precedentemente sconosciuta al concerto. Il senso del tempo psicologico risparmia cadute di tensione,
lungaggini e indugi

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Giuseppe Tartini (1692-1770) studiò all’Università di Padova, sposatosi senza il permesso del padre della
sposa, dovette rifugiarsi ad Assisi, dove studiò violino.
Nel 1721 ottenne il posto di primo violino nella basilica di S.Antonio a Padova. Grande didatta, guidò a
Padova quella che poi sarebbe stata chiamata la “Scuola delle Nazioni”, con allievi di ogni parte
d’Europa.
Si interessò di acustica (il “terzo suono”) e di problemi di tecnica violinistica (allungò l’arco per suoni più
dolci), scrisse il Trattato di musica secondo la vera scienza dell’armonia. Scrisse quasi esclusivamente
per violino: 50 sonate a 3, 187 sonate per violino e basso, circa 125 concerti.
Influenzato inizialmente da Corelli, se ne allontanò presto alla ricerca di tematiche personali, soprattutto nel
primo tempo, e un approfondimento espressivo nell’Adagio. Nei concerti la consueta alternanza Solo/Tutti si
accompagna ad un primo avvicinamento alla forma sonata classica

LA MUSICA PER STRUMENTI A TASTIERA

Suites e sonate
Dopo l’epoca della scuola di Frescobaldi, l’importanza dell’organo nell’Europa cattolica diminuì a favore di
quella del clavicembalo. Le motivazioni sono di ragione liturgica: nelle regioni protestanti il luteranesimo
favorì la conservazione del corale per organo e delle composizioni affini, sostenute anche dalla tecnica
costruttiva superiore degli organi. In Italia, Francia, Austria e Baviera invece gli organi erano modesti e spesso
privi di pedaliera; la musica sacra era prevalentemente vocale e bastava un organo positivo per realizzare il b.c.,
oppure il sostengo degli archi.
Nella stampa in Italia si conservò la tradizione di Frescobaldi e Pasquini, cioè rimasero unite nelle stesse
raccolte musiche per organo e clavicembalo. In Francia le raccolte rimasero distinte (“livres d’orgue” e “pieces
de clavecin”). Distinte erano anche in Germania, per quanto il termine “clavier” indicasse genericamente uno
strumento a tastiera.
Oltre alla suite, la sonata coltivata dagli italiani divenne presto la forma prevalente, comunemente di forma
binaria (I-V, V-I. Nuova forma apprezzata soprattutto in Francia fu il rondeau (ABACA)

COMPOSITORI DI MUSICHE PER CLAVICEMBALO E PER ORGANO

In Italia
Prevale la sonata bipartita, da ricordare le raccolte per organo e clavicembalo di Domenico Zipoli, Bernardino
della Ciaja, Giambattista Martini; scrissero solo per clavicembalo Benedetto Marcello, Francesco Durante,
Domenico Alberti (a cui è attribuita l’invenzione del basso albertino). Ma il più grande clavicembalista italiano
fu

Domenico Scarlatti (1685-1757) studiò con col padre e con Francesco Gasparini a Venezia. Maestro in S.Pietro.
Si trasferì a Lisbona nel 1720 come insegnante alla principessa portoghese Maria Barbara. Si trasferì con lei a
Madrid, dove compose la maggior parte delle sue opere, in particolare le 550 sonate per clavicembalo,
composte si pensa tra il 1735 e il 1750 (…chiacchere…)
Da quando si stabilì in Spagna rimase estraneo alle esperienze dei musicisti europei e questo spiega il perché
della sua personale scrittura, che non ha avuto né modelli ne continuatori. Influenzarono la sua musica le
melodie popolari spagnole, ritmi di danza, e modi di esecuzione di origine chitarristica, oltre a temi e ritmi
tipicamente italiani

In Germania
Molta fu la musica clavicembalistica tedesca, spesso dalle melodie facili e gradevoli. I compositori per
clavicembalo più noti erano:
Graupner, Telemann, Mattheson, noto anche come teorico e musicologo, Gottlieb Muffat, figlio di Georg.
I compositori per organo più attivi nella Germania protestante erano:
38
Bohm, Zachow, Walther, oltre naturalmente a Bach ed Handel, vissuto in Inghilterra.

IN FRANCIA
I principali autori di pieces de clavecin e livres d’orgue furono Clerambault, Daquin, autore dello spiritoso “Le
coucou”, D’Andrieu, autore di divertissement sulla guerra, la caccia e la festa nel villaggio. Ma le maggiori
personalità in Francia furono:

Francois Couperin (1668-1733), nipote di Louis Couperin, apparteneva ad una famiglia di organisti da varie
generazioni. Organista prima a St.Gervais, poi nella cappella reale, fu a contatto con grandi personalità i corte,
ma non aspirò mai alle prestigiose attività artistiche dell’opera e del balletto.

Scrisse 4 libri di Pieces de Clavecin che contengono 254 composizioni raggruppate in 27 ordres. L’ordre è un
vocabolo coniato da Couperin, che indica una struttura di brani (non una suite) il cui numero va da 4 a 23; ogni
brano porta un titolo. La scrittura è a 2, 3 voci, generalmente binaria, ma anche in forma di rondeau.
Generalmente ogni ordre disegnava un “quadretto”: spesso di persone reali, altre volte di sentimenti o
atteggiamenti. Ricca l’ornamentazione: Couperin descrisse il modo di eseguire gli abbellimenti (a cui teneva
molto) nel suo lavoro didattico L’art de toucher le clavecin.
Scrisse anche musica da camera, interamente scritta a 3 parti con b.c., come le sonate a 3 italiane. Due dei suoi
concerti furono dedicati uno a Lulli, l’altro a Corelli; importanti i 10 nouveaux concerts ou Les Gouts reunis,
attraverso cui Couperin predicò, nella polemica tra musica italiana e francese, la riunione dei due stili
Scarsa numericamente la musica sacra: 2 messe d’organo e 3 Lecons de tenebres a una e 2 voci

Profondamente francese, espresse nella sua musica eleganza e magniloquenza, risaltò le melodie ornate e ricche
armonie, senza nascondere elementi tipici corelliani quali la passione per le simmetrie e l’uso del contrappunto,
senza tradire il primato melodico. Amante delle forme brevi e dei piccoli complessi, fu tra i più grandi musicisti
francesi

Jean-Philippe Rameau (1689-1764), figlio di un organista di Digione, prima di stabilirsi nel 1723 a Parigi,
insegnò in varie città francesi. In questo periodo compose la maggior parte della sua musica per clavicembalo e
scrisse un trattato d’armonia. A Parigi conobbe il mecenate La Pouplinière, che lo convinse a cimentarsi
nell’opera. La prima fu Hippolite et Aricie (1733). Compose 26 opere tra cui si ricordano le tragedie-lyriques
Castor et Pollux (1737), Dardanus (1739) e l’opera-ballet Les Indes galantes (1739). Fu continuatore
dell’opera di Lulli.
La sua opera per clavicembalo è costituita da 4 raccolte di pieces de clavecin, di cui la più importante è la terza,
comprendente 2 ampie suites che hanno, oltre alle consuete danze, anche brani liberi, sull’esempio di Couperin,
in cui si rivela la sua forte natura di armonista

I PRINCIPALI STRUMENTI DELL’ETA’ BAROCCA

L’organo

Già noto nell’antichità e diffuso nel Medioevo, fu perfezionato a partire dal XVI sec., con l’introduzione di un
certo numero di registri e pedaliera. Particolarmente noti per la loro perfezione costruttiva erano gli organi
tedeschi.
I principali organari furono:
- seconda metà del XV sec: Matteo e Lorenzo di Giacomo da Prato per le chiese di Emilia e Toscana
- XVI sec. e prima metà del XVII sec: gli Antegnati di Brescia; Costanzo Antegnati fu anche compositore e
trattatista. Trovarono lavoro soprattutto in Lombardia
- XVIII sec: l’organista Azzolino della Ciaja fece costruire a Pisa un organo insolitamente ampio (5 manuali),
così come ampio era l’organo opera di Donato del Pisano, a Catania
- seconda metà del XVIII sec: Gaetano Callido realizzò ben 400 organi nel Veneto

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- prima metà del XIX sec: i Serassi di Bergamo, tra cui emerse Giuseppe. Strumenti dalla pastosa sonorità
diffusi in Lombardia

Il clavicembalo e il clavicordo

Il clavicembalo è uno strumento a corde pizzicate da punte di penna di corvo poste su saltarelli, che sono
collocati all’estremità interna dei tasti. Ne esistono a 1 o 2 manuali
La spinetta (il virginale inglese) è basata sullo stesso principio, ma le corde sono parallele o oblique alla tastiera
I principali costruttori erano i Ruckers di Anversa, i nostri Baffo e Trasuntino, l’inglese Tschudi

Il clavicordo, antecedende al clavicembalo, era a corde percosse da tangenti infisse nella parte interna del tasto.
Di forma rettangolare e piccola era adatto alla musica domestica. Diffuso soprattutto in Germania, era
apprezzato dai Bach

Il violino

Non è noto chi fu l’inventore del violino, ma il primo famoso costruttore fu Gaspare Bertolotti da Salò (1540-
1609), iniziatore della scuola bresciana. Duratura fama ebbe la scuola cremonese con gli Amati (Andrea il
capostipite, nato nel 1505; i Guarneri (Andrea il capostipite, allievo di Nicola Amati); gli Stradivari, con
Antonio (1655-1737), allievo di Nicola Amati; nel XVII sec. ebbe notorietà la scuola tirolese con Steiner,
probabilmente allievo di Nicola Amati

Il pianoforte

Nato durante l’età barocca, fu trascurato inizialmente dai compositori; il suo impiego iniziò nel 1770 con la
sensibilità galante dello stile preclassico, causando la scomparsa graduale del clavicembalo.
Inizialmente chiamato clavicembalo col piano e col forte, fu inventato dal padovano Bartolomeo Cristofori. La
sua invenzione fu annunciata da Scipione Maffei. I primi perfezionamenti si ebbero con il tedesco Silbermann,
poi da Stein e da Erard.

TESI XXVII: Bach e Handel

JOHANN SEBASTIAN BACH

La famiglia Bach
Dal capostipite Veit (sec.XVI) a Wilhelm Friedrich Ernst (morto nel 1845) vantò più di un centinai di organisti,
compositori e maestri di cappella attivi in Germania, soprattutto in Turingia e Sassonia. I membri più importanti
furono, oltre a J.S., i tre figli Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emanuel e John Christian.

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J.S. Bach (Eisenach,1685-Lipsia,1750), rimasto orfano a 10 anni del padre Johann Ambrosius, organista, fu
accolto dal fratello maggiore Johann Christoph, anch’egli organista, che ebbe cura della sua prima
formazione musicale. Violinista a Weimar, organista ad Arnstadt e a Muhlhausen (dove sposò la cugina
Maria Barbara, da cui ebbe 7 figli), ebbe modo di conoscere Bohm e Buxtehude. A questo periodo
risalgono molte opere per organo, alcune cantate e musiche cembalistiche. Tornò a Weimar al servizio del
duca di Sassonia e divenne Konzertmeister nel 1714. Qui scrisse moltissimo per organo, molto per
clavicembalo, cantate sacre, trascrizioni di concerti strumentali e l’Orgelbuchlein. Per motivi ancora poco
chiari si trasferì a Kothen nel 1717. Nel 1720 morì Maria Barbara e sposò Anna Magdalena, cantante da
cui ebbe 13 figli. La corte di Kothen era calvinista e poco spazio veniva dato alla musica sacra. Tra il
1717 e il 1723 compose dunque molta musica strumentale. Successe a Kuhnau come Cantor a Lipsia nel
1723, anche per sostenere economicamente gli studi dei figli all’Università. Lipsia era una città libera e
Bach doveva rispondere dei suoi servizi (insegnare musica e latino nella scuola di S.Tommaso, comporre
soprattutto cantate sacre, organizzare la musica liturgica nelle varie chiese della città, provvedere alla
musica per le cerimonie dell’Università e del Consiglio) al Consiglio comunale e al Concistoro. Dal 1729
assunse la direzione del Collegium Musicum fondato da Telemann. I rapporti coi superiori furono
spesso difficili, soprattutto per il suo modo di intendere la musica sacra. La salute andò peggiorando dal
1749. Cieco dopo una cataratta non riuscita, morì nel 1750 colpito da apoplessia.

Trattò tutti i generi musicali della prima metà del ‘700 esclusa l’opera. La sigla BWV sta per Bach Werke
Verzeichnis. Le composizioni sacre occupano i 2/3 della sua produzione:

MUSICA SACRA
- circa 300 Kirchenkantaten, ce ne sono rimaste 200, in lingua tedesca, in più brani alternanti cori, recitativi e
arie. Erano eseguite dopo il Vangelo e il Credo e prima del sermone; il testo sviluppava pensieri teologici
collegati al Vangelo del giorno. Generalmente erano scritte per soli, coro, orchestra (20-25 esecutori)+b.c.
(organo); le cantate erano di 2 tipi: Choral kantate, su corale e citazioni bibliche, e quelle basate su testi
poetici liberi, con parafrasi dei testi biblici e passi di poesie devote
- 6 mottetti a 5-8 voci a cappella, su testo biblico
- 371 corali a 4 voci
- l’Oratorio di Natale del 1734, raggruppamento di 6 cantate per le feste natalizie
- le 2 Passione secondo Giovanni (1724) e la grandiosa Passione secondo Matteo (1727), appartenenti al tipo
delle Passioni oratoriali su testo biblico, ripartito tra Cristo, l’Evangelista e gli altri interlocutori , spesso
espressi dal coro. Frequenti le interpolazioni corali a 4 voci e brani solistici su testi poetici estranei al testo
biblico
- in latino sono scritti il Magnificat (1723) e la Messa in si minore (1733) dedicata ad Augusto III, re di
Polonia ed Elettore cattolico di Sassonia.
- 250 composizioni per organo, parte scritte in gioventù ad Arnstadt, Muhlhausen e Weimar, parte nella
maturità a Lipsia. Da ricordare l’Orgelbuchlein scritta con fini didattici per il figlio Wilhelm Friedemann,
mentre tra le raccolte della maturità i Schubler Chorale e i cosidetti 18 corali di Lipsia

MUSICA PROFANA
- una trentina di cantate profane, molto simili a quelle sacre, ma scritte per occasioni celebrative. 2 in italiano,
le restanti in tedesco, furono composte nel periodo di Lipsia
- Clavierubungen: 6 suites inglesi e 6 partite (parte I, 1731), Concerto italiano e Partita in si min (parte II,
1731), 4 duetti (parte III, 1739), Variazioni Goldberg (parte IV, 1742)
- i due libri del Clavicembalo ben temperato (1722 e 1744)
- 15 invenzioni a 2 voci e 15 a 3 voci (sinfonie) del 1723
- 6 suite francesi (1722)
- il Clavierbuchlein per Wilhelm Friedemann e Anna Magdalena
- 6 partite per violino solo e 6 suites per violoncello (1720)
- 6 concerti brandeburghesi (1721) sullo stile del concerto barocco italiano
- 5 suites per orchestra
- 13 concerti per clavicembali e archi, parte sono trascrizioni
Difficilmente catalogabile è L’arte della Fuga (1749-1750) saggio di altissima scrittura contrappuntistica dagli
aspetti sia teorici che pratici
41
In vita, J.S. fu apprezzato come esecutore e insegnante, ma non come compositore, ritenuto attardato su stili
non più di moda, anche se la bravura di contrappuntista gli era riconosciuta. Fu la sintesi del barocco luterano,
italiano e francese. Dalla tradizione luterana attinse lo studio delle le forme organistiche della Germania centro
settentrionale: preludio, toccata, fuga ed elaborazione su corale. La studio della tradizione italiana e francese
(grazie alle trascrizioni) gli procurarono esempi del concerto vivaldiano e delle danze tipiche dei pieces de
clavecin francesi.
La sua musica era specchio di un’epoca che andava tramontando: dopo il 1750 le pratiche liturgiche
diminuirono rapidamente, l’uso del contrappunto subì la stessa sorte a favore delle pratiche armoniche che si
sarebbero realizzate nel classicismo. Col tramontare del mondo luterano delle piccole corti tedesche la musica
di Bach fu dimenticata. La “Bach-Renaissance” iniziò nel 1829, grazie alla storica riesumazione della Passione
secondo Matteo diretta da Mendelssohn. La Renaissance prese aspetti istituzionali nel 1850 con la fondazione
della Bach Gesellschaft.

Georg Friedrich Handel (Halle,1685-Londra,1759)

Ebbe Zachow come maestro, il più autorevole musicista di Halle. A 18 anni fu nominato organista, ma pochi
mesi dopo andò ad Amburgo, dove nel 1705 fece rappresentare Almira, la sua prima opera. Dal 1706 al 1710
soggiornò in Italia: Firenze, Venezia, ma soprattutto Napoli e Roma, dove conobbe Scarlatti, Corelli e Pasquini.
Durante questo periodo scrisse 2 oratori, mottetti latini e l’opera Agrippina (1709). Lasciata l’Italia, dopo un
brevissimo soggiorno ad Hannover, si recò a Londra, dove rappresentò con successo il Rinaldo. Accolse
l’invito della regina Anna a rimanere. Fino al 1738 si dedicò all’opera italiana e le opere composte per la Royal
Academy e per il King’s Theatre sono tra gli esempi più significativi di opera seria. Alla ricerca di un genere
musicale gradito al grande pubblico borghese e che fosse meno costoso in termini di produzione, cominciò a
scrivere oratori di soggetto biblico in inglese. Sostenuto dal successo di Saul e Israele in Egitto (1739) continuò
su quella strada

OPERE TEATRALI
Ne compose 42, tutte del genere serio su libretto italiano, ad eccezione delle poche opere tedesche scritte in
gioventù per il teatro di Amburgo.
Le più note sono Agrippina (1709), Radamisto (1720), Giulio Cesare (1724), Rodelinda (1725), Admeto
(1727), Siroe (1728, su libretto di Metastasio), Orlando (1733), Alcina (1735), Serse (1738). Stilisticamente
affini sono le serenate, tra cui Aci, Galatea, Polifemo.
L’opera seria italiana di Handel costituisce l’esempio più alto del genere. I soggetti erano le vicende dei
personaggi storici o di eroi mitologici. Ciascun atto era una sequela di recitativi (secchi o accompagnati) e arie
(spesso col “da capo”). Pochi i duetti e i cori, in stile accordale. Gli elementi drammatici avevano nelle sue
opere un rilievo assai maggiore che in quelle dei contemporanei

ORATORI
La sua vera gloria, a cui lavorò, se si escludono 2 composti a Roma, negli anni della maturità.
I più noti furono Esther (1732), Saul (1739), Israel in Egypt (1739), Messiah (1742, il suo capolavoro,
presentato a Dublino), Sanson (1743), Judas Maccabaeus (1737), Salomon (1749), Jephta (1752).
Il loro successo è dovuto al fatto che essi rispondevano alle esigenze culturali dei ceti medi: erano frutto di una
concezione teatrale (a differenza degli oratori italiani, simili a opere serie), avevano libretto in inglese
(comprensibili a tutti, narravano storie dall’Antico Testamento, che per i medi protestanti inglesi erano un po’ il
corrispondente dei miti classici per le classi aristocratiche. La struttura era simile a quella di un’opera, con
recitativi e arie. C’era però il coro con funzione di narratore ma anche di personaggio, come negli oratori di
Carissimi, che certamente Handel conobbe; inoltre il coro era una tradizione ben radicata in Inghilterra, con gli
anthems.

ALTRE COMPOSIZIONI
- sacre: salmi e mottetti in latino, per liturgia cattolica; anthems per quella anglicana, da ricordarsi i Chandos
Anthems, composti per il duca di Chandos, suo protettore

42
- strumentale: i Concerti Grossi op.3 e op.6, Concerti per organo op.4 e op.7, le 2 suite orchestrali Water
Music (1717), eseguita in occasione di una gita del re sul Tamigi, e Music for Royal Fireworks (1748),
composta per la celebrazione della pace di Aquisgrana tra Francia e Inghilterra, 3 raccolte di suites per
clavicembalo, variazioni, sonate per violino e b.c.

La sua vita e la sua opera fu agli antipodi di quella di Bach. Mentre Bach riassumeva la tradizione, il primato
della fede, il contrappunto, Handel era immerso nel presente, seguiva il gusto del suo tempo, pensa
armonicamente. Handel visse da protagonista nei maggiori centri della vita musicale. Tedesco di nascita, visse
in Inghilterra come compositore e impresario. Cosmopolita in un’epoca in cui le barriere nazionali erano tali
anche per il gusto, assimilò le caratteristiche di varie scuole europee. Il suo stile tende al grandioso, alla
nettezza della linea melodica, alla mobilità dell’espressione. Benchè avesse trattato tutti i generi, non in tutti fu
grande: la musica strumentale non fu efficace come quella teatrale.

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TESI XVIII: Haydn, Mozart, Beethoven

TRA IL BAROCCO E IL CLASSICISMO: IL ROCOCO’

Tra il 1740 e il 1770 ci fu un periodo cuscinetto, il cui nome deriva dallo stile architettonico e d’arredo: il
rococò. La musica del rococò, solitamente brillante e gradevolmente ornata, “comunica l’impressione del
decorativismo barocco privato della sua grandeur”. Il rococò è stato chiamato, soprattutto dai francesi, ma non
solo, il periodo dello stile galante

Lo stile galante
“Galanteria” è una parola chiave per comprendere la nuova sensibilità dei decenni di mezzo del XVIII sec. Al
primato della ragione illuministica si sostituì il sentimento, la spontaneità. I 2 romanzi epistolari La nouvelle
Eloise (1761) di Rousseau e I dolori del giovane Werther (1774) di Goethe furono testimonianze eloquenti del
modo di sentire.
La musica si adattò: scomparsa graduale del contrappunto e conseguente importanza della melodia, sostenuta
ancora dal b.c., in rapido declino a favore dell’armonia, mentre la forma sonata, da quella del tardo barocco,
divenne quella che ora noi conosciamo

L’elaborazione della forma sonata

dalla bipartita barocca alla bitematica tripartita (esposizione, sviluppo, ripresa) e altre chiacchere sulla forma
sonata…

La sinfonia
Deriva dalla sinfonia d’opera scarlattiana in 3 tempi. Presero gradatamente il posto del concerto grosso dal
1730. Uno dei primi maestri a coltivare questa forma fu
Giovanni Battista Sammartini (1701-1775), maestro di cappella in varie chiese di Milano, ebbe Gluck tra i suoi
allievi. Le sue sinfonie erano principalmente per archi. Dopo di lui la sinfonia si sviluppò nei paesi tedeschi, in
particolare alla corte di Berlino (con Graun e C.Ph.E.Bach), ma soprattutto a
Mannheim, sotto il governo del principe elettore Carlo Teodoro, appassionato di musica, che ebbe dal 1741 una
delle orchestre migliori d’Europa, sotto la direzione del virtuoso violinista Stamitz, intorno al quale si sviluppò
la “scuola di Mannheim”, laboratorio musicale per lo sviluppo del linguaggio pre-classico, soprattutto negli
aspetti dinamici

Le altre forme
Durante il rococò ci fu un avvicinamento delle varie forme in quella che poi sarebbe diventata la comune
struttura di sonate, sinfonie, concerti, quartetti… Grande diffusione ebbero le sonate per clavicembalo, che dal
1770 fu sostituito dal forte-piano e le sonate per violino e clavicembalo. Il consolidamento della struttura
sinfonica andò di pari passo a quello delle orchestre che, a parte quelle dei Collegia Musica cittadini, erano alle
dipendenze di facoltosi principi
Col tramonto della sonata a 3, la forma principale d’insieme diventò il quartetto. Sembra che il primo a scrivere
per questa formazione fu A. Scarlatti, autore di 4 Sonate a 4 senza b.c., seguito da Antonio Caldara. Fu Franz
Xavier Richter, maestro di Mannheim, a definire lo stile del quartetto d’archi classico, mentre di fatto furono
Haydn e Luigi Boccherini a definire lo stile di “conversazione musicale” proprio delle formazioni cameristiche
classiche

I figli di Bach
I musicisti più rappresentativi del rococò furono i figli di J.S.Bach: Wilhelm Friedeman, Carl Philipp Emanuel
e Johann Christian.
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Sebbene accomunati dalla scuola paterna, non composero come il padre musica organistica e cantate sacre,
segno che i tempi erano cambiati. Il centro di interesse creativo che li accomunava era il clavicembalo.
- Wilhelm Friedeman (1710-1784), il primogenito, era il prediletto dal padre per le vivaci qualità musicali.
Organista ad Halle, poi a Berlino, era irrequieto, eccentrico e indisciplinato. Finì la vita in miseria
- Carl Philipp Emanuel (1714-1788) fu clavicembalista a Berlino e ad Amburgo. Molto operoso, si impegnò
nella definizione di nuovi orizzonti formali ed espressivi. E’ ricordato soprattutto per le sonate e i concerti
per clavicembalo e per un trattato sul “vero modo di suonare il clavicembalo” (1753)
- Johann Christian (1735-1782) operò a Milano e a Londra. Scrisse molte opere teatrali, rinnegando così le
tradizioni di famiglia, tuttavia le sue composizioni più significative furono le sinfonie, i concerti per
clavicembalo o forte-piano e le sonate

IL CLASSICISMO

È il periodo che segue il rococò e precede il romanticismo. Cronologicamente è il mezzo secolo tra 1770 e 1820
ca.

La nozione di classicismo

Il termine viene usato per indicare quei movimenti artistici che riconosco il valore dei modelli greci e romani.
L’apprezzamento per le opere antiche non venne mai meno nel Medioevo, ma nel Rinascimento e fino all’800 il
confronto col mondo antico fu fondamentale per l’arte europea. L’etichetta di “classico” si può attribuire alla
poesia d’Arcadia, ai drammi del Tasso e del Guarini, alle tragedie di Corneille e Racine, alla pittura di Raffaello
e Poussin, agli edifici di Bramante e alle ville del Palladio. Classico nell’arte è sinonimo di grazia,
magnificenza, decoro, equilibrio e senso della proporzione. Questo stile si manifestò anche nella musica dando
vita ad una omogeneità del gusto non pensabile in precedenza

Teatri e concerti. Il pubblico

Il periodo classico coincise con il graduale passaggio da governi aristocratici assolutisti a governi ispirati dalla
borghesia liberale. Assieme all’interesse per il teatro, in particolare quello italiano, crebbe anche quello per la
musica strumentale, non più bene esclusivo di privati, nobili e facoltosi, ma accessibile al grande pubblico. Si
svilupparono i concerti pubblici soprattutto a Londra, Parigi e Lipsia, dove furono costruite o riadattate le prime
sale da concerto. Accanto ai professionisti, numerosi erano i dilettanti che si accostavano alla musica
strumentale, soprattutto al pianoforte

La professione di musicista

All’inizio del XVIII sec. il musicista era uno stipendiato da una congregazione religiosa, o da un principe, o da
un teatro. Haydn e Mozart vissero in prima persona il passaggio da questa situazione a quella di liberi
professionisti. Questo cambiamento portò più libertà ai compositori, liberi di comporre secondo il proprio
gusto, e non secondo quello del committente, e più possibilità agli esecutori di suonare in pubblico. Importante
per la professione di musicista fu la fondazione di un Conservatorio Nazionale a Parigi (1795), che servì da
modello per altri conservatori. Contemporaneamente si determinò un rinnovamento degli strumenti didattici.

Musica e cultura

Fino al XVIII era raro che un trattato teorico uscisse dalla cerchia degli addetti ai lavori. Col completamento
dell’Enciclopedia (1751-1777) la cultura musicale era accessibile a tutti, grazie alle numerose voci che si
riferivano alla materia musicale. Inoltre fu pubblicata a Londra la poderosa Storia generale della musica dai

45
Greci al 1789 di Burnay e le prime monografie su Bach e Palestrina. Anche l’editoria musicale si sviluppò, con
l’utilizzo del nuovo metodo della litografia accanto a quello tradizionale su lastre incise

FRANZ JOSEPH HAYDN (Rohrau, Tirolo,1732-Vienna,1809)

Studiò canto ad Hainburg, poi alla scuola di canto corale della cattedrale di S.Stefano a Vienna, dove proseguì
gli studi anche di clavicembalo e composizione. Negli anni 1750-60 insegnò, suonò in piccoli complessi e fece
piccole composizioni, ma nel 1761 fu assunto come vice maestro di cappella dalla potente famiglia aristocratica
ungherese Esterhàzy, col principe Nicola, appassionato di musica. Nel trentennio al suo servizio Haydn svolse
una intensa attività di compositore e direttore e le sue composizioni furono conosciute in tutta Europa. Nel
1790, alla morte di Nicola, Haydn divenne libero professionista perché gli Esterhazy sciolsero l’orchestra per
motivi economici e accordarono al maestro di cappella. Accolse così l’offerta del violinista impresario Salomon
di comporre e dirigere sinfonie per la sua società di concerti a Londra, nacquero così le 12 “sinfonie londinesi”.
L’impatto con gli oratori di Handel lo portò a comporre musica sacra per la ricostituita cappella Esterhazy.
Morì durante l’occupazioni di Vienna da parte delle truppe napoleoniche

Toccò tutti i generi e le forme coltivate tra il 1750 e il XIX sec, ma, a differenza di Mozart, con alcune
limitazioni: opere teatrali composte per il teatrino di corte, scarsa produzione di concerti per strumenti solisti,
musica sacra composta solo dopo il ritorno da Londra

SINFONIE E CONCERTI SOLISTICI

Il catalogo dell’Hoboken (da cui la sigla Hob) riconosce autentiche 108 sinfonie, tutte in 4 tempi, ad eccezione
dei lavori giovanili. Fino alla n.81 sono state scritte per la cappella degli Esterhazy (circa 20 strumentisti), più
ampie ed elaborate le 6 “parigine” nn.82-87 e le 12 “londinesi” nn.93-104, che già presentano pienamente
maturato lo stile sinfonico: l’individuazione della scrittura timbrica degli strumenti e il loro impiego (autonomo,
per famiglie, per combinazioni timbriche)
Rilievo inferiore hanno i concerti solistici, scritti nei primi anni del servizio presso gli Esterhazy. E’ possibile
che il concerto non fosse particolarmente gradito al suo protettore, o che il Soli-Tutti non fosse congeniale alla
natura di Haydn

MUSICA DA CAMERA
- Nicola Esterhazy teneva molto in considerazioni la musica da camera e Haydn negli anni 1761-90 scrisse
moltissimo per formazioni cameristiche con baryton, lo strumento suonato da Nicola (una specie di violone
con corde di risonanza). Il punto più alto della produzione cameristica è costituito dagli 83 quartetti. Il
quartetto fu la forma a cui Haydn fu più legato, e più delle sinfonie testimonia il cammino stilistico
compiuto: affrancamento dalle ultime vestigia del barocco, partecipazione e distacco dallo stile galante,
maturità conquistata coi 6 quartetti op. 33 (1778-81), i “quartetti russi” dedicati al principe Petrovic. Definì
nel quartetto lo stile della “conversazione musicale”, in cui ogni strumento aveva pari dignità
- Anche nelle 52 sonate per clavicembalo, poi per forte-piano è possibile seguire il percorso stilistico: dalle
prime che ricordano le suites, a quelle del 1776 in cui si riconosce l’influsso di C.Ph.E.Bach, a quelle
mature successive al 1780
- Compose una cinquantina di divertimenti (serenate, cassazioni, notturni: + o – stessa cosa), una forma
austriaca di musica da camera non impegnata per archi o fiati, di struttura variata, generalmente Allegro-
Minuetto-Andante-Minuetto-Allegro
- 41 trii con forte-piano e 21 trii per archi

OPERE TEATRALI
Circa 13, prevalentemente buffe per il teatrino degli Esterhazy. Le più note sono Lo speziale, Le pescatrici, Il
mondo della luna, tutti “drammi giocosi” su libretto di Goldoni

COMPOSIZIONI VOCALI SACRE

Ad eccezione di un oratorio e di poche messe, la produzione sacra fu successiva al soggiorno in Inghilterra. La
maggior parte delle messe hanno un pretesto esterno dovuto a committenze.
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Decise invece autonomamente di comporre 2 oratori: La creazione (1798) e Le stagioni (1801). Opera singolare
è Le 7 ultime parole di Cristo sulla Croce (1785), nata per orchestra e poi trasformata in oratorio

Il suo più alto merito è quello di aver convogliato gli elementi a volte contraddittori dello stile classico e di
averlo realizzato nei quartetti e nelle sinfonie. Il valore artistico è la felicità dell’invenzione musicale. Il suo
equilibrio, la facilità con cui realizzava le melodie e gli spunti tematici, a volte presi a prestito dalla musica
popolare, spiegano il successo che ebbe in tutta Europa. Segno evidente della sua popolarità fu l’influenza che
ebbe sui compositori contemporanei e i successori, primo tra tutti Mozart

WOLFGANG AMADEUS MOZART (Salisburgo,1756-Vienna, 1791)

Figlio di Leopold, violinista, compositore e didatta della cappella musicale della cappella musicale di
Salisburgo, sede di un principato ecclesiastico semi-indipendente. Leopold intuì il precoce ed eccezionale
talento del figlio e si occupò della sua formazione musicale. Dal 1762 al 1772 Wolfgang compì numerosi viaggi
di studio in tutta Europa in compagnia del padre. Numerose furono le sue esibizioni in pubblico, e tra un
viaggio e l’altro tornava a Salisburgo per studiare e comporre. Ma la vita musicale della cittadina, nonostante
fosse abbastanza attiva, gli andava stretta, così cercò sistemazione a Mannheim e a Parigi, dove morì la madre
nel 1778. Nel 1781 avvenne la rottura con l’arcivescovado di Salisburgo e lasciò il posto alla cappella per
stabilirsi a Vienna, dove sposò Costanza Weber. I primi anni ottenne successo, suonando in pubblico i suoi
concerti per piano e orchestra, dava lezioni e gli editori, soprattutto Artaria, pubblicavano volentieri i suoi
lavori, tra cui Il ratto dal serraglio. Ironicamente, il favore del pubblico andò scemando quando compose i suoi
più grandi capolavori: Le nozze di Figaro, Don Giovanni, Così fan tutte, le ultime sinfonie, i quintetti, le
memorabili musiche da camera. Anche la situazione economica non era rosea. Morì colpito da febbre reumatica
e fu seppellito in una fossa comune

OPERE TEATRALI (il K sta per von Kochel)

24 sono le opere per il teatro, raggruppabili in: opere serie su libretti italiani, opere buffe in italiano e
singespiele
- l’opera seria italiana, di schema metastasiano, benchè lo stile belcantistico piacesse al pubblico, era al
tramonto. Le sue più note erano Mitridate re di Ponto (1770), Ascanio in Alba (1771) su libretto del Parini e
Lucio Silla (1772), tutte e 3 rappresentate al teatro Ducale di Milano. Idomeneo re di Creta (1781), la più
riuscita, La clemenza di Tito (1791) su rifacimento di libretto metastasiano. All’intenso discorso teatrale,
influenzato da Gluck e dalla tragedie-lyrique, si affianca un fitto discorso orchestrale, i numerosi cori e
l’alto impegno vocale dei brani solistici.
- Le opere buffe più famose, ispirate da commedie o romanzi dell’epoca, erano La finta semplice (1768), La
finta giardiniera (1775), opere giovanili. Le 3 opere su libretto di Lorenzo da Ponte, abate estroso e
irrequieto, Le nozze di Figaro (1786), tratta dalla commedia di Beaumarchais, Don Giovanni (1787), Così
fan tutte (1790) riassumono l’opera buffa italiana, ma allo stesso tempo la trascendono. I personaggi escono
dalla tipizzazione ed esprimono i propri sentimenti come nell’opere seria. Altrettanto nuova è la
partecipazione orchestrale, spesso in scrittura sinfonica
- I singspiele sono 3: il giovanile Bastien und Bastienne (1768), Il ratto dal serraglio (1782), turquerie che
eleva il genere a grande arte e Il flauto magico (1791), l’unica opera in cui si evidenziano gli ideali del
tempo ispirati allo spirito laico e illuminista di stampo massonico

MUSICA VOCALE SACRA

17 messe, mottetti, litanie e offertori per soli, coro e orch. furono composti in gioventù per gli uffici sacri a
Salisburgo. Tra le opere più note i Vesperes solemnes de confessore K.339 e il Kyrie K.341. La sua ultima
composizione, non terminata, fu il Requiem per soli coro e orch., i cui brani mancanti furono scritti dall’alunno
Sussamayr

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SINFONIE
La maggior parte delle 49 sinfonie fu composta tra il 1765 e il 1779 e mostra l’evoluzione orchestrale. Negli
anni viennesi ne compose 6, che costituiscono l’apice del loro genere. Tra queste la Haffner, la Linz, la Praga,
la Jupiter

CONCERTI SOLISTICI
Al contrario di Haydn, scrisse molti concerti per vari strumenti solisti. I 17 per pianoforte scritti a Vienna ed
eseguiti da lui stesso furono veicolo di grande popolarità. In questi il concerto solistico classico trova una delle
sue più alte espressioni. Il pianismo non è mai fine a se stesso, né ostentazione e il rapporto tra solista e orch. ha
carattere unitario

QUARTETTI E QUINTETTI
Sono la forma in cui Mozart sente di più Haydn, senza mortificare la sua personalità. I più noti sono i quintetti
K.515 e 516 e il quintetto per clarinetto e archi K.581

ALTRI GENERI
Coltivò tutte le forme di musica da camera per pianoforte: sonate a 2 mani (17), a 4 mani (5), fantasie,
variazioni, 42 sonate per violino e pianoforte. Al periodo salisburghese risalgono la maggior parte delle
serenate, dei divertimenti e delle cassazioni (generi per altro molto simili)

Mozart non acquistò tra i contemporanei il consenso europeo come Haydn, certamente perché mori troppo
giovane. Un’altra ragione era la qualità della musica, che, in parole semplici, era più difficile di quella di
Haydn. In un’epoca in cui la “facilità” era un grande pregio. Analizzando la musica di Mozart si notano infatti
la pluralità di temi negli Allegro, la concatenazione varia e fantasiosa dei periodi, con le loro asimmetrie
fraseologiche. Spiegare l’incanto della musica di Mozart è impossibile. Molto importante l’economia musicale:
mai troppo prolisso, mai troppo stringato. La tavolozza di sentimenti, su cui però prevale un sereno ottimismo,
è vastissima
LUDWIG VAN BEETHOVEN (Bonn,1770-Vienna,1827)

Discendente da una famiglia di origine fiamminga, era figlio di un modesto e alcoolizzato tenore nella cappella
di corte che lo avviò presto alla musica sperando in un bambino prodigio. A soli 14 anni divenne organista di
corte e in seguito le amicizie amicizie influenti, soprattutto col conte Waldstein, lo convinsero a partire per
Vienna nel 1787. Vi rimase stabilmente, dopo l’occupazione della Colonia da parte dei francesi. Ricevette
lezioni più che da Haydn, da Schenk, Alvrechtsberger e Salieri, intanto che stringeva amicizia con i più
influenti membri della famiglia reale, a cui dedicò molte delle sue composizioni. Intorno al 1802, anno del
“testamento di Heiligenstadt” si accorse di star diventando sordo, cosa che minò la sua volontà di affermarsi.
Dovette interrompere l’attività di concertista e si dedicò completamente alla composizione. Di tanto in tanto
organizzava “accademie” cioè concerti a pagamento dove presentava le nuove composizioni. Per assicurargli la
tranquillità economica alcuni amici e ammiratori tra cui l’arciduca Rodolfo e i principi Lobkowitz e Kinsky si
impegnarono nel 1809 a corrispondergli una pensione di 4000 fiorini all’anno. Dopo il 1815 iniziò un periodo
difficile: molti amici morirono o lasciarono Vienna e le esecuzioni delle sue composizioni diminuirono. Alla
morte del fratello Carlo ebbe in tutela il nipote, ma da lui e dalla madre del ragazzo ebbe noie anche giudiziarie.
Dal 1820 alla morte, colpito da cirrosi epatica seguita da idropisia, è il periodo delle grandi, ultime creazioni: le
ultime sonate per pianoforte e quartetti, la 9° sinfonia e la Missa solemnis

La sua produzione fu numericamente inferiore a quella di Haydn e Mozart, basta pensare alle 9 sinfonie contro
le 108 e 39 degli altri due. Le sue composizioni erano certamente più ampie di quelle di tutti i precedenti
maestri, inoltre non scriveva di getto, ma il lavoro maturava attraverso una lunga serie di appunti , abbozzi e
continui rifacimenti. Tranne che per lavori da poco, per accontentare editori o estimatori e amici, non scrisse
mai su commissione, ma per sé stesso, e per questo poteva permettersi audaci innovazioni che superavano le
convenzioni correnti. Alcuni musicologi, con a capo Wilhelm de Lenz, individuano 3 periodi stilistici:
- periodo “dell’imitazione” (1793-1802): le sonate fino all’op.14, i 6 quartetti op.18, le prime 2 sinfonie
- periodo “dell’estrinsecazione” (1803-1815): le sonate dall’op.26 all’op.90, i quartetti op.59,74 e 95, le sinf.
dalla 3° all’8°, il Fidelio e i concerti

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- periodo “della riflessione” (1816-1826): le ultime 5 sonate, la Missa solemnis, la 9° sinfonia e gli ultimi
quartetti d’archi
COMPOSIZIONI PER ORCHESTRA
- Caposaldo del repertorio sinfonico sono le 9 sinfonie. A partire dalla 3°(l’Eroica) ebbero proporzioni
maggiori di quelle di Haydn e Mozart. In molte di esse viene sviluppata una tematica: la 3° la grandezza
eroica, la 5° la lotta contro le forze avverse che si risolve in una vittoria (da do min a do magg), la 6° gli
idilli campestri cari all’arte del XVIII sec, la 9° l’aspirazione alla fratellanza universale e il fondamento
della gioia sull’amore per un Padre celeste, rivelatrice dell’idealità morale di Beethoven. Con la 9° sinfonia
viene superato il confine tra generi musicali vocali e strumentali, con l’introduzione di 4 voci soliste e un
coro in un’ opera sinfonica
- 11 ouvertures, tra cui Leonore, Coriolano, Egemont, Prometeo
- 5 concerti per pianoforte e orchestra
- concerto per violino e orchestra op.61
- triplo concerto per pianoforte, violino, violoncello e orchestra op.56
COMPOSIZIONI PER PIANOFORTE
- le 32 sonate per pianoforte (… varie chiacchere, specie sulla forma…allargare la forma-sonata senza
snaturarla)
- 33 variazioni su un valzer di Diabelli op.120 (1823)
- 2 raccolte di Bagatelle op.119 e 126 (1823)
MUSICA DA CAMERA
- 18 quartetti , tra i 3 Quartetti russi op.59 in omaggio all’ambasciatore russo a Vienna, che stupirono per
l’abbondanza di temi (tra cui 2 temi russi), e per la complessità degli sviluppi
- 10 sonate per violino e pianoforte, tra cui l’op.24 La Primavera e l’op.47 a Kreutzer, 5 sonate per
violoncello e pianoforte, il Settimino op.20, trii con pianoforte e trii con archi
OPERE TEATRALI
Una sola, il Fidelio (1805), la storia di Leonora travestita da uomo che salva il marito, condannato a morte da
un nemico politico. Il libretto, nella forma del singspiel è una traduzione da un fortunato libretto francese. Non
ebbe inizialmente fortuna (troppo lunga, accusa di trattare le voci come strumenti). Come nella 9° sinfonia,
compare l’umanità di Beethoven, con tutte le sue aspirazioni (omaggio alla libertà e all’amore, condanna della
tirannia)
COMPOSIZIONI VOCALI SACRE E PROFANE
Scarso rilievo hanno le cantate, i lieder, le poche composizioni a cappella, l’oratorio Cristo sul monte Oliveto.
Capolavoro invece la Missa solemnis op.123 (1823) dedicata all’arciduca Rodolfo, quando fu nominato
arcivescovo

Fu il primo compositore a rappresentare con la sua opera gli avvenimenti che si svolgevano nel mondo, dalle
vicende storiche ai mutamenti dell’animo dell’uomo (lui stesso, ma anche l’Umanità). La sua filosofia aderisce
a quella illuministica prima, poi a Kant, Klopstock, Goethe, Schiller. Grande fede nell’umanità, l’amore e la
fratellanza, la lotta contro il dolore e il destino, tutto questo trovò terreno fertile nell’antitesi tra i 2 temi della
forma sonata, così come il frequente ricorso alla modulazione e alla variazione armonica sono proiezione di
lotta interiore

ALTRI COMPOSITORI

Durante il classicismo aumentò l’interesse per la musica, in confronto alle altre epoche, con il conseguente
aumento di musicisti. Si ricordano Karl Ditters von Dittersdorf (1739-1799), autore di molti singespiele, 120
sinfonie e 44 concerti, Johann Friedrich Reichardt (1752-1814), instancabile viaggiatore, compositore e autore
di scritti teorici, o l’altrettanto prolifico boemo Antonin Reicha (1770-1836), oltre a Carl Czerny (1791-1857), il
cui catalogo superò le 1000 composizioni, in grandissima parte pianistiche. Oltre a questi si ricordano i nostri

- Giovanni Battista Viotti (Vercelli,1755-Londra,1824), che studiò a Torino con Pugnani, ma trascorse gran
parte della vita a Parigi e Londra, dove diventò impresario teatrale e commerciante di vini. Interruppe presto
la prestigiosa carriera concertistica, ma non quella di compositore, dedicata al violino, con 29 concerti, 42
49
 duetti, 18 sonate, quartetti e trii. Le sue composizioni sono pregevoli per forma e musicalità, ma poco
originali. Fu il fondatore della moderna scuola violinistica, con il suo allievo Rode

- Nicolò Paganini (Genova,1782-Nizza,1840), il più grande violinista di tutti i tempi, fu essenzialmente

autodidatta. Dal 1806 fu direttore d’orchestra a Lucca. Dal 1824 al 1834 viaggiò per tutta Europa in tournee.
Al ritorno si stabilì presso Parma, ma i disagi della sua vita sregolata lo portarono a morte precoce. I suoi 24
Capricci sono (insieme alle sonate e partite per violino solo di Bach) il più alto termine di bravura
violinistica. Scrisse anche 9 (ne rimangono 6) concerti per violino e orchestra (Il carnevale di Venezia, Le
streghe), sonate per violino e chitarra, quartetti, composizioni per chitarra (strumento del quale era ottimo
esecutore)

- Luigi Boccherini (Lucca,1743-Madrid,1805) fu il primo autorevole compositore per violoncello. Studiò

prima col padre, poi a Roma. Fu nominato primo violoncello della cappella palatina di Lucca e si fece
apprezzare sia come solista che in formazione con i violinisti Nardini e Manfredi e il violista Cambini.
Invitato a Madrid a lavorare presso la famiglia reale. Rimase in Spagna tra angustie ed indigenze. Scrisse
sonate per violino e b.c, sonate per violoncello e b.c, 137 quintetti d’archi, la maggior parte con 2
violoncelli, sestetti per archi, ottetti per archi e fiati, 30 sinfonie, 11 concerti per violoncello, uno per
violino, uno per clavicembalo. L’opera vocale è scarsa, ma è notevole lo Stabat Mater per 3 voci soliste e
archi. I suoi quartetti e quintetti influenzarono i contemporanei, Haydn e Mozart compresi

- Muzio Clementi (Roma,1752-Evesham,Inghilterra,1832) si trasferì in giovane età in Inghilterra, dove

proseguì gli studi pianistici. Fu concertista, didatta, organizzatore e autore di sonate e di fondamentali opere
didattiche, fabbricante di pianoforti ed editore. Fu autore di più di 100 sonate (1775-1821) che
costituiscono, dopo le sonate dei 3 Grandi, il nucleo di opere pianistiche dello stile classico, e del
monumentale Gradus ad Parnassum .

TESI XXIX: Il periodo romantico

IL ROMANTICISMO

Le prime definizioni di romanticismo furono ad opera del “gruppo di Jena” guidato dai fratelli Schlegel, e al
quale appartennero il filosofo Fichte e i poeti Tieck e Novalis. Il romanticismo esordì con il rifiuto del primato
della ragione illuministica e dell’arte classica, con i luoghi comuni della cultura greco-romana, i principi
d’imitazione e di unità aristotelica. Al repertorio di ispirazione classica, i romantici opposero fonti di
ispirazione medioevale (storia e leggenda), mentre alla ragione opposero i sentimenti e la spontaneità. Non fu
un semplice cambiamento di gusto, ma una rivoluzione culturale dettata da un nuovo sentimento secondo cui i
supremi valori dell’esistenza sono le misteriose forze della natura. Interessò in primis la letteratura; i poeti e
letterati più noti furono Shelley, Byron, de Musset, Heine, Manzoni, Hugo, Coleridge…

La musica in età romantica

Il romanticismo è il periodo che segue il classicismo, periodo che va dal 1820 al 1914, ma i pareri dei
musicologi sono discordanti. Alcuni infatti pensano al classicismo-romanticismo come ad un periodo unico. Il
concetto romantico della musica nacque prima della musica romantica, per quanto possa sembrare strano. Le
prime testimonianze del nuovo modo di intendere la musica, cioè il più vero modo di espressione dell’anima, si
trovano negli scritti di Hoffman (1776-1882), apprezzato letterato e ministro della giustizia prussiana. I caratteri
della musica romantica non sono univoci, abbondano i segnali contraddittori, come l’affermazione del primato
della musica strumentale su quella vocale (fatto nuovissimo) e il grande interesse dei romantici tedeschi per
l’opera. Atteggiamenti contrastanti anche nelle pagine di uno stesso compositore, che poteva affiancare pagine
di profondo intimismo ad esibizioni virtuosistiche; o il concetto di musica pura che convive con le tentazioni di
quella a programma. Ma tra i caratteri che distinsero il romanticismo, ne vanno citati almeno 2: il superamento

50
del cosmopolitismo, a favore del riconoscimento delle culture nazionali e il liberarsi dal primato della forma-
sonata a favore di nuove forme più libere e asimmetriche

LE ESPRESSIONI PRIVILEGIATE DELLA MUSICA ROMANTICA

Sviluppo e crescita delle creazioni sinfoniche

Dall’orchestra delle sinfonie classiche, che oggi chiameremmo “da camera” si ha un progressivo incremento di
mezzi strumentali: si passa dai 25-40 esecutori al centinaio. All’orchestra romantica accadde più o meno quello
che si riscontra nella pittura dell’800: da Delacroix agli impressionisti si riscontra il bisogno di un nuovo
cromatismo e nuove luminosità. Nell’organico delle orchestre vennero inseriti nuovi strumenti quali ottavino,
controfagotto, trombone, basso tuba, arpa, vari strumenti a percussione, mentre verso la metà del secolo entrò in
uso la divisione in file tra gli archi. I compositori che diedero apporti decisivi allo sviluppo dell’orchestra
furono Beethoven, Berlioz, Liszt, Wagner, Mahler, Debussy

Il pianoforte

Sparito il clavicembalo e ignorato l’organo, fu il re incontrastato della musica strumentale romantica. A partire
dal 1820-30 la letteratura per pianoforte, accanto alle sonate, comparvero forme dall’architettura più semplice
basate sul Lied che diedero vita a 2 tendenze opposte: l’intimismo e il virtuosismo

Il Lied

Si distinguono il Lied strofico, quello vero e proprio che accompagna il canto con la stessa melodia, a volte
lievemente modificata, e il Lied “durchkomponiert”, che presenta da una strofa all’altra sempre nuovo materiale
melodico
I MUSICISTI DELLA PRIMA GENERAZIONE ROMANTICA

Franz Schubert (Vienna,1797-1828)

A 11 anni ottenne una borsa di studio presso la cappella di corte e potè frequentare la Stadtkonvikt, dove scrisse
un centinaio di composizioni, quartetti e 2 sinfonie. Fu affidato a Salieri perché gli insegnasse la composizione
vocale e intorno al 1815 naquero i primi capolavori liederistici, Margherita all’arcolaio e Il re degli elfi. Non
amava insegnare e dovette affrontare ristrettezze economiche. Fu aiutato da alcuni amici e ammiratori. In una
città dove la vita musicale era vivacissima, viveva appartato. Non gradiva i salotti e non osava nemmeno
avvicinare Beethoven, che venerava. La composizione lo assorbiva completamente e le sue composizioni erano
ascoltate nei circoli musicali della media borghesia, dove si tenevano le famose “schubertiadi”. Solo nel 1828,
pochi mesi prima della morte per tifo, la Vienna ufficiale conobbe la sua arte grazie ad un concerto organizzato
dagli amici

Le sue composizioni portano la sigla D, da Otto Erich Deutsch, che fece il catalogo completo delle sue
composizioni
- i lieder: ne compose più di 600, su testi poetici di Goethe, Schiller, Klopstock, Ossian, Claudius, Schlegel,
Novalis, Heine, Muller (col quale fece 2 raccolte). Sono la parte più intima e poetica di Schubert. La
melodia, chiarissima, è semplice e orecchiabile e l’accompagnamento pianistico non svolge un ruolo
subordinato
- lavori teatrali: circa 12, tra opere, singspiele e commedie musicali. Pochi rappresentati in vita, i più noti
sono Alfonso und Estrella (1821), Fierabras e Rosamunda (1823)
- musica sacra: 8 messe, e varie parti di messe
- per pianoforte: 22 sonate, la Wanderer-Fantasia (1822), i 6 Momenti musicali op.94 (1823), gli 8
improvvisi op.90 e op.142 (1827), circa 300 danze (scozzesi, landler, minuetti, galop, valzer, tra cui le
raccolte Valses sentimentales e Valses nobles)
- da camera: sonate per violino e pianoforte, sonate per arpeggione (una gande chitarra a 6 corde che si suona
con l’arco) e pianoforte, 2 trii per archi, 3 trii con pianoforte, 12 quartetti per archi, il quintetto per archi e
pianoforte (La trota), l’ottetto
51
- per orchestra: 10 sinfonie, tra cui La tragica, La piccola, L’incompiuta (solo i primi 2 tempi), La grande. Le
prime 6 si ricollegano alla serenità mozartiana. Dalla 4° in avanti sono evidenti i segni della sua personalità

E’ errato definirlo un romantico tout-court. Fu a metà tra classicismo e romanticismo. La sua formazione fu
esclusivamente classica. Il nucleo centrale della sua personalità è il lirismo, sereno e limpido, capace di dilatarsi
moltissimo nelle ancora presenti strutture derivate dal classicismo

Hector Berlioz (1803-Parigi,1869)

Figlio di medico, si iscrisse alla facoltà di medicina, ma la sua vera passione era la musica. Prese lezioni da
Lesueur e nel 1826 entrò al Conservatorio di Parigi dove studiò contrappunto e composizione. Era molto
curioso dal punto di vista artistico. La conoscenza del Faust di Goethe lo convinse a mettere in scena le Huit
scenes de Faust (1829). L’anno seguente compose l’opera più conosciuta, la Symphonie fantastique. Vinse il
Prix de Rome con la cantata Sardanapale, a Roma conobbe Mendelsshon e Glinka, e scrisse Lelio ou Le retour
a la vie. Tornato a Parigi sposò un’attrice irlandese di teatro, ma non fu un matrimonio felice. Si occupò di
giornalismo e poco di composizione, sino al 1842, quando iniziò una tournee europea con la soprano Maria
Recio. All’accoglienza all’estero però non corrispondeva la considerazione del pubblico francese, che accolse
freddamente Les Troyens (1863)
- le opere teatrali più note sono: Benvenuto Cellini (1838), un insuccesso, Les Troyens (1863), tragedie-
lyrique in due parti (La prise de Troye, 3 atti e Les Troyens a Carthage, 5 atti), Beatrice et Benedict (1862),
opera-comique in 2 atti
- composizioni sinfonico-corali: Huit scenes de Faust per soli coro e orch, poi ampliato e mutato in La
damnation de Faust, 1845-46 (definita “opera de concert”, a metà tra la composizione sinfonica e l’opera),
Lelio ou Le retour a la vie, monodramma lirico per recitante, soli, coro e orch (1831-32), Grande Messe de
Morts (un Requiem, 1837), Te deum (1849), L’enfance de Christ (trilogia sacra, 1854)
- composizioni sinfoniche: Symphonie fantastique (1830) è in 5 tempi e ognuno porta un titolo, costituisco
“episodi della vita di un artista”, Harold en Italie (1834, per viola concertante e orch, in 4 tempi), Romeo et
Juliette (sinfonia drammatica, 1839)
- scritti letterari o teorici: Voyage musical en Allemagne et en Italie, Etudes sur Beethoven, Gluck et Weber,
Memoires

Impersonò, nella vita come nell’arte alcuni aspetti caratteristici del romanticismo. Vissuto a Parigi, dove il
pubblico apprezzava ancora gli ideali di grandiosità della Grand-opera e gli aspetti virtuosistici della musica
strumentale, si sentì spesso isolato. Raccolse grandi favori invece presso il pubblico tedesco, dal gusto più
simile al suo. La sua idealità lo spingeva verso concezioni drammatiche e musicali di vaste proporzioni, che il
suo istinto tumultuoso frenava appena. Fu grandissimo maestro della strumentazione nello spiegare grandi
mezzi e valorizzare i timbri di tutti gli strumenti, molti dei quelli erano stati tenuti prima di lui in posizioni
subordinate

Felix Mendelsshon (Ambugo,1809-Lipsia,1847)

Apparteneva ad una agiata famiglia di origine ebrea, però di religione protestante. Iniziò lo studio del pianoforte
con la madre, poi proseguì a Berlino con Berger e Zelter (amico di Goethe). A contatto con poeti, artisti e
filosofi che frequentavano il suo salotto, frequentò i corsi di filosofia di Hegel. Riportò alla vita la Passione
secondo Matteo di Bach. Viaggiò molto e conobbe diversi musicisti, tra cui Berlioz, Chopin, Liszt, Rossini e
Meyerbeer. Fu virtuoso del pianoforte e fondò a Lipsia nel 1843 il Conservatorio in cui insegnarono Schumann
e Moscheles. La morte dell’amata sorella Fanny, anche lei pianista e compositrice, lo colpì nel profondo, morì
pochi mesi dopo la sua morte
- per orchestra: 11 sinfonie giovanili per archi (1820-24), 5 concerti giovanili per vari solisti, 2 concerti per
pianoforte e orch (1831), un concerto per violino e orch (1837), 5 sinfonie, tra cui la Lobgesang che
richiede nell’ultimo tempo soli e coro, la Scozzese, l’Italiana e la Riforma, composte dal 1824 al 1842,
ouvertures, tra cui Sogno di una notte di mezza estate, Calma di mare e viaggio felice, La grotta di Fingal
(o Le Ebridi). Nella forma sinfonica sempre molto attento allo stile classico, non rifiutò idee nuove, come
nelle sinfonie Italiana e Scozzese, senza però infrangere le regole della tradizione
- da camera: sonate per violino, viola, violoncello e pianoforte; 2 trii e 3 quartetti con pianoforte; quartetti e
quintetti d’archi; ottetto per archi op.20

52
- per pianoforte: 48 Romanze senza parole, 3 sonate, preludi, fughe, capricci, studi, variazioni, Andante e
Rondò capriccioso op.14 (1824), Variations seriouses op.54 (1841). Due aspetti della sua personalità: il
virtuosismo delle sonate, delle variazioni e dei rondò contro il lirismo delle romanze
- teatrali e vocali: alcune opere quasi tutte giovanili, musiche di scena per il Sogno di una notte di mezza
estate, Athalia di Racine, Edipo a Colono e Antigone. Composizioni corali a cappella con
accompagnamento strumentale, 2 oratori: Paulus op.36 su testo proprio e Elia op.70 su testo biblico
Più di tutti i contemporanei ebbe la fortuna di trovarsi in un ambiente che facilitò il suo talento. Questa fortuna
si manifesta nella sua opera, priva di conflitti interiori, in cui prevale equilibrio e armonia. Il suo romanticismo
non era urto di passioni, ma sereno, a volte un po’ maliconico. Alfred Einstein lo defini “il classicista
romantico”

Robert Schumann (Zwickau, Sassonia,1810-Endenich, vicino a Bonn,1857)

Il padre, era libraio ed editore, gli instillò l’amore per la letteratura. Iniziò a studiare pianoforte a 7 anni. Il suo
temperamento irrequieto gli vietò uno studio regolare. Fu in sostanza un autodidatta che imparò molto dalle
opere del passato, specie da Bach. Si iscrisse a giurisprudenza, ma non terminò gli studi, presa la decisione di
diventare pianista e compositore, e studiò con Wieck, ma dopo la paralisi di 2 dita della mano destra dovette
dedicarsi interamente alla composizione, oltre che di direttore e redattore del noto periodico musicale da lui
fondato. Sposò felicemente la figlia del suo maestro, Clara Wieck, che diventò un’ottima concertista. La
malattia mentale ereditaria da cui era affetto gli procurava visioni e disturbi all’udito e peggiorava rapidamente,
così fu internato in una casa di salute, dove morì.

In ogni fase sviluppò un genere compositivo: 1830-39 composizioni per pianoforte, nel 1840 moltissimi lieder,
dal 1842 la musica da camera. Nel periodo 1842-53 le composizioni sinfoniche e sinfonico-corali
- per pianoforte: Variazioni sul nome Abegg, Papillons, le Danze dei seguaci di Davide, la Toccata op.7,
Carnaval, Pezzi fantastici, 12 Studi sinfonici, Scene infantili, Kreisleriana, la Fantasia op.17, Novellette, la
Sonata in Sol min. Tra le composizioni successive al 1840 L’album per la gioventù e le Waldszenen
- lieder: varie raccolte liederistiche, tra cui i due capolavori Frauenliebe und –leben e Dichterliebe (amor di
poeta). Fu il continuatore del lavoro liederistico di Schubert, migliorando ancora di più la connessione tra
pianoforte e voce. I poeti preferiti erano Heine, von Chamisso, Eichendorf, ma anche Goethe e Byron
- da camera: quartetti per archi op.41 dedicati a Mendelssohn in cui si sente l’influenza di Beethoven,
quartetto per archi e pianoforte op.47 e quintetto con pianoforte op.44, sonate per violino e pianoforte
op.105 e 121 e 3 trii con pianoforte
- sinfoniche: 4 sinfonie, tra cui La primavera e la Renana, oltre ad alcune ouvertures. Concerto per pianoforte
e orch. op.54, Konzertstuck op.92, concerto per violoncello e orch. op.129. L’ardore romantico e la bellezza
delle idee musicali sono caratteristica della produzione sinfonica
- composizioni sinfonico-corali: l’oratorio profano Il paradiso e la Peri per soli, coro e orch., su testo proprio
tratto da Th.Moore e le Otto scene del Faust di Goethe. Si cimentò anche con l’opera (Genoveva, 1850) ma
con scarsa fortuna
- scritti letterari: numerosi articoli sul suo periodico musicale, la “Neue Zeitschrift fur Musik”, in cui si fece
promotore delle “vie nuove” della musica. Brillante scrittore e abile polemista, contrastò gli elogi che
ricevevano i colleghi Chopin, Mendelssohn, Liszt e Schubert. Per gusto polemico aveva fondato l’ideale
“Lega dei seguaci di Davide” (gli innovatori) in lotta coi “Filistei” (i conservatori). Spesso firmava gli
articoli con gli pseudonimi di Florestano, brillante ed estroverso, ed Eusebio, pensoso, sognatore e chiuso in
se stesso, a volte inserendo un terzo personaggio, Maestro Raro, moderatore tra i due. Schumann diede a
Florestano ed Eusebio consistenza musicale nei personaggi di Carnaval op.9
Molto la sua musica deve all’influenza delle idee letterarie. Il suo modo di comporre non mostra svolgimenti
consequenziali, bensì la composizione è frutto del fantasticare. Questo tipo di sintassi, basata sull’urgenza delle
idee, dà ai suoi lavori una concentrazione intensa di sentimenti senza sosta

Fryderyk Chopin (Varsavia, 1810-Parigi,1849)

Figlio di un insegnante francese emigrato in Polonia, iniziò giovanissimo lo studio del pianoforte e si rivelò
subito un bambino prodigio. Dal 1823 al 1826 frequentò il liceo e studiò con Elsner, il miglior insegnante di
musica di Varsavia. Cagionevole di salute, trascorreva le estati in campagna, dove venne a contatto con la
53
musica popolare polacca. Lasciò definitivamente la Polonia nel 1830, quando fu occupata dalle truppe zariste,
andò a Vienna e nel 1831 si stabilì a Parigi. Inizialmente non fu facile, ma poi venne accettato nei più
prestigiosi salotti, dove conobbe Liszt, Berlioz, Bellini, Rossini, Meyerbeer, Heine, Balzac, Delacroix.
Diventato il più prestigioso insegnante di pianoforte di Parigi, alternò l’attività didattica a quella di
compositore. Ebbe una relazione di una decina d’anni con la scrittrice George Sand, finita la quale, nel 1847 si
recò in Inghilterra e Scozia, per un lungo periodo di concerti. Il clima umido non giovò alla sua salute precaria,
minata dalla tubercolosi. Rientrato a Parigi, si spense assistito dalla sorella e dagli amici. Il suo cuore è
conservato in una teca d’argento a Varsavia

Escludendo il Trio op.8, la sonata per violoncello op.65 e una ventina di canti polacchi per voce e pianoforte, la
sua produzione fu essenzialmente pianistica

- forme di discendenza classica si riconoscono nelle 3 sonate (la n.2 è quella con la marcia funebre), i 2
concerti per pianoforte e orchestra del 1830, i 4 scherzi
- tra quelle che rivelano i legami con la terra natia, le polacche (già conosciuta come danza libera della suite)
e le mazurke, danze ternarie
- composizioni brillanti e mondane, i 19 valzer, i 4 improvvisi
- richiamo alla poesia al clima romantico sono i notturni e le 4 ballate
- di aspetto didattico, ma di alto valore artistico sono i 12 studi op.10 e i 12 op.25 e i 24 preludi op.28
- altre composizioni pianistiche sono il Bolero op.19, la Tarantella op.43, la Fantasia op.49, la Berceuse
op.57, la Barcarola op.60

Fu tra le personalità più rappresentative del romanticismo. Fu definito “poeta del pianoforte”, definizione tanto
generica quanto valida. Poche volte nella storia della musica un artista si identificò tanto nello strumento. Bach
con l’organo e il clavicembalo, Paganini col violino, Chopin col pianoforte. Le sue composizioni si
caratterizzano per l’idiomaticità: la sua musica per pianoforte è “pianistica”. Anche Mendelssohn e Schumann
si avvicinarono alla “pianisticità” ma non quanto Chopin

Franz Liszt (Doborjan, oggi Raiding, sud-est di Vienna,1811-Bayreuth,1886)

Il padre, amministratore di una tenuta degli Esterhazy, fu il suo primo insegnante di pianoforte. A 10 anni andò
a Vienna grazie ad una borsa di studio per studiare pianoforte con Czerny e composizione con Salieri, 2 anni
dopo andò a proseguire gli studi a Parigi con Paer e Reicha. Si fece presto ottimo concertista e fece amicizia
con Berlioz, Paganini, Rossini, Chopin, Hugo, Lamartine, Heine, Delacroix. A casa di Chopin conobbe e
s’innamorò della contessa Marie D’Agoult, amica della Sand e come lei scrittrice, dalla quale ebbe 3 figlie (tra
cui Cosima, futura moglie di Hans von Bulow e poi di Wagner). Tra il 1835 e il 1839 viaggiarono in Svizzera e
in Italia. Liszt rievocherà i paesaggi in Annees de pelerinage. Il successo strepitoso ottenuto come concertista a
Vienna lo convinse imitare Paganini. Fu impegnato nell’attività concertistica in varie città d’Europa dal 1839 al
1847. Aveva “inventato” la formula del moderno recital: un intero programma di musica per pianoforte
eseguito a memoria. I concerti non lo distoglievano dalla composizione: scrisse in quegli anni i Grandi Studi e
gli Studi di esecuzione trascendentale, oltre a molte altre tra cui le Consolations e le Rapsodie ungheresi.
Stanco di viaggiare, accettò nel 1848 la nomina a kapellmeister a Weimar, dove rimase per 13 anni. Presentò al
teatro di corte, tra le tante opere, il Lohengrin di Wagner. Inoltre diresse opere sinfoniche di Mozart,
Beethoven, Schubert, Schumann, Berlioz, Wagner. Anche la sua attività di compositore si orientò verso la
musica sinfonica, senza trascurare il pianoforte, con la sonata in Si min dedicata a Schumann. Contrasti e
incomprensioni, anche a causa della sua relazione adulterina con una principessa russa, lo convinsero a
spostarsi a Roma, dove restò dal 1861 al 1869. Qui, ritrovata l’aspirazione giovanile alla vita religiosa, prese gli
ordini minori. Si mise a comporre messe oratori e salmi. Ricominciò a girare l’Europa, dirigendo, componendo
e insegnando. Recatosi nel 1886 per assistere alle rappresentazioni wagneriane, fu colpito da un malore e morì

- per pianoforte: l’imponente opera si può dividere in 4 categorie: opere originali, studi, trascrizioni e
parafrasi. La sua natura romantica si esprime grazie alle opere originali, spesso originate da stimoli
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 geografici o storici, come L’album d’un voyageur, gli Annees del pelerinage, Venezia e Napoli, Ritratti
storici ungheresi, oppure riflessioni su temi religiosi, come le Harmonies poetiques et religieuses, le
Legendes su S.Francesco, L’arbre de Noel. Numerosi inoltre i pezzi caratteristici e le danze: le 2 ballate, gli
scherzi, le marce, gli improvvisi, i valzer (il più noto è il Mephisto-valzer), le 6 Consolations, i Jeux d’eau
a la Villa d’Este, ma il culmine del suo pianismo lo sia ha nella Sonata in Si min. I 12 Grandes etudes
dedicati al maestro Czerny, i 12 Etudes d’execution trascendante e i 6 Etudes d’execution trascendante
d’apres Paganini, di indubbio valore artistico, sono l’eredità della tecnica pianistica di Czerny e Clementi
rielaborata da Liszt. Atteggiamento non condiviso da altri compositori è quello della trascrizione, cioè
riduzioni per pianoforte di composizioni fatte per altri organici. Note sono le trascrizioni delle sinfonie di
Beethoven. Di maggior impegno erano le parafrasi, che con un pianismo ricco di effetti tipicamente
operistici riproponeva la pagine più acclamate della Norma, di Lucia di Lammermoor, di Lucrezia Borgia,
del Rigoletto, del Trovatore, dell’Aida, del Lohengrin e molte altre ancora
- per orchestra: affrontò tardi la produzione sinfonica. Scrisse 12 poemi sinfonici (forma da lui stesso creata),
quasi tutti con un referente letterario o pittorico preciso, composti negli anni di Weimar, così come la
Faust-Symphonie in 3 parti, ispirata a Goethe e dedicata a Berlioz e la Dante-Symphonie, ispirata alla
commedia dantesca e dedicata a Wagner. 2 Concerti per pianoforte e orch, la Totentanz, parafrasi del Dies
Irae, la Fantasia su temi popolari ungheresi. Diede un apporto fondamentale all’orchestrazione: curò in
particolare l’individuazione dei vari strumenti in relazione alle loro possibilità sonore e al timbro. La sua
scrittura fa spesso ricorso ai contrasti di colore
- religiose: fu il più religioso tra i musicisti della prima generazione romantica. Scrisse una Missa solemnis
per soli, coro e orch.(1855), il Requiem per soli, coro maschile, ottoni e organo, i 2 grandi oratori La
leggenda di Santa Elisabetta e Christus in 3 parti. Inoltre salmi, Te Deum, Ave Maria, Pater noster, cantici,
inni, responsori… per coro, con o senza solisti e accompagnamento organistico o orchestrale
- scritti letterari: i suoi scritti sono raccolti in 6 volumi e comprendono, scritti su Chopin, lettere, relazioni di
viaggio, saggi critici

Il più attivo dei musicisti della prima generazione romantica, rimase sulla scena per mezzo secolo. Diede vita
alla nuova figura di interprete virtuoso. Nel suo ecletismo confluirono la tradizione musicale tedesca,
l’educazione letteraria e culturale francese, il gusto melodico italiano (influenzato soprattutto dall’opera di
Bellini), il fascino della musica tzigana-ungherese. La sua fantasia era catalizzata dalla realtà, spesso da viaggi,
immagini o letture. Tra i contemporanei, nessuno più di lui fu tanto lontano dalla tradizione classica, anche
quando ne assumeva le strutture esterne. Nelle composizioni sufficientemente ampie adottò 2 principi
conduttori: la trasformazione di un tema in altri temi differenti, ma mai estranei alla matrice originale,
l’introduzione di un “principio ciclico” secondo il quale un tema riappariva nei successivi movimenti,
adeguandosi alle situazioni psicologiche. Anche dal punto di vista armonico, fu anticipatore dei suoi tempi.

TESI XXX: La musica strumentale dei secoli XIX e XX. Il poema sinfonico e la musica a
programma da Vivaldi in poi
MUSICA ASSOLUTA E MUSICA A PROGRAMMA

L’autonomia musicale si arrestò con l’affermazione dell’estetica romantica: spesso i compositori cercavano in
elementi extramusicali i pretesti per le loro composizioni. Nacque così la musica a programma, nella quale,
teorizzò Liszt, i temi e i loro sviluppi sono condizionati dal loro rapporto con l’idea poetica, e non seguivano
più le regole formali della musica assoluta. I postulati della musica a programma si realizzarono nel poema
sinfonico, ma ebbe antecedenti nella musica descrittiva e nella sinfonia a programma

La musica descrittiva

I primi esempi di musica descrittiva risalgono alle composizioni polifoniche vocali nella quale le parole del
testo sollecitano risposte musicali, come nel caso dei madrigalismi, o in alcune cacce dell’Ars nova italiana, e in
alcune chansons di Janequin sul canto degli uccelli o su battaglie. Un esempio più recente è La vittoria di
Wellington op.91 di Beethoven. In Froberger episodi di vita di personaggi. In Vivaldi Il cimento dell’armonia e
dell’invenzione. Tuttavia in tutte queste composizioni, l’elemento extramusicale non influiva sulla forma.

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La sinfonia a programma

È il termine per indicare quelle sinfonie del primo ‘800 in cui sono inseriti nella forma classica elementi
romantici. Spesso i tempi delle sinfonie portano in testa titoli e didascalie esplicativi. Gli esempi più noti sono
la 6° sinfonia Pastorale di Beethoven, la Symphonie Fantastique di Berlioz, 5 “episodi di vita di un artista” di
cui l’autore stesso fece conoscere la chiave di lettura (“il programma dev’essere considerato come il testo
parlato di un’opera”), e sulla stessa linea pose Lelio, ou le Retour a la vie e Harold en Italie, ispirato al poema
di Byron. Sono sinfonie a programma anche la Faust-symphonie e la Dante-symphonie di Liszt

Il poema sinfonico

Il termine fu adottato la prima volta da Liszt e a partire dal Tasso da Goethe (1849) fu adottato per le sue
composizioni sinfoniche del genere, anche quelle scritte in precedenza. I 12 poemi sinfonici di Liszt esprimono
con “programma” un’idea poetica, una scena, un’atmosfera o un personaggio che sono enunciati in un brano
stampato all’inizio della composizione. Secondo l’aspetto formale, il poema sinfonico è un unico tempo, spesso
però costituito da più brani di carattere contrastante. Il più autorevole seguace di Liszt fu R.Strauss, che
cominciò con Don Juan (1889) la serie dei suoi poemi sinfonici, con una raffinata orchestrazione di ascendenza
wagneriana. Furono i musicisti delle scuole nazionali a riconoscere nel poema sinfonico un mezzo efficace per
esaltare la loro terra e le loro origini, oltre che forma musicale estremamente duttile. Tra i compositori che
coltivarono il poema sinfonico tra il 1870 e il 1930: i francesi e tedeschi Saint Saens, Cesar Frank, Paul Dukas,
Claude Debussy, Arthur Honegger; i russi Piotr Ciaikovski, Aleksander Borodin, Igor Stravinski; il boemo
Bedrich Smetana (Moldava); il finlandese Jan Sibelius; l’ungherese Bela Bartòk (Kossuth); il viennese Arthur
Schoenberg; l’italiano Ottorino Respighi (La Trilogia Romana); l’americano George Gershwin (Un americano
a Parigi) e Aaron Copland

Ritorno all’ideale della forma: la “musica assoluta”

L’estetica romantica del poema sinfonico fu contestata dal critico viennese Hanslick, col suo libro “Del bello
musicale”. Egli riteneva che la musica esprimeva solo idee scaturite dalla musica stessa. Questo pensiero fu
caldeggiato da alcuni compositori nella prima metà del XX sec, tra cui Stravinski, che scrisse in un passo della
sua biografia che “se la musica sembra esprimere qualche cosa, non è che un’illusione”. Fu così che nella
seconda metà del XIX sec. e nel primo trentennio del XX, musica a programma e musica assoluta convissero.
Molti compositori dalla classica formazione viennese o formatisi nell’area Germanica (Brahms, Bruckner,
Dvorak) rimasero fedeli alla musica assoluta, mentre altri, in particolare quelli delle scuole nazionali, furono
presenti in entrambi i campi

I PRINCIPALI COMPOSITORI IN AUSTRIA E GERMANIA

Nei decenni di declino degli Asburgo Vienna visse una fioritura culturale eccezionale (la psicoanalisi di Freud,
architetti e urbanisti tra cui Gustav Klimt). Qui si operò il recupero del classicismo musicale. Ad eccezione di
R.Strauss, i maggiori compositori che gravitavano attorno a Vienna rifiutarono la musica a programma

Johannes Brahms (Amburgo,1833-Vienna 1897)

Figlio di un modesto contrabbassista, già da giovanissimo si guadagnava da vivere suonando nelle orchestrine.
Nel 1853 fu decisiva la tournee con un violinista ungherese, perché conobbe a Dusseldorf Clara e Robert
Schumann: egli aveva infatti scritto nel suo periodico un articolo intitolato Vie nuove in cui portava l’attenzione
sul giovane Brahms. Rimase con Schumann fino alla fine di quest’ultimo. Nacque una passione con Clara, ma
Brahms la troncò subito. Rientrato ad Amburgo nel 1857 si fece apprezzare come pianista, direttore e
compositore. Dal 1863 abitò a Vienna. Si dedicò prevalentemente alla composizione e dopo la morte di Wagner
era considerato il maggior compositore tedesco

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La sua opera segue un processo di gradualità alla Schumann. Fino al 1853 scrisse soprattutto per pianoforte,
Lieder e musiche da camera, nei 5 anni seguenti anche composizioni per piccola orchestra, dal 1858 si occupò
di composizioni corali a cappella e a quelle per soli, coro e orchestra. Dal 1876 scrisse le sinfonie. Dal 1887
tornò al pianoforte e alla musica da camera, mai abbandonati
- per orchestra: 4 sinfonie, 2 serenate, le Variazioni su un tema di Haydn op.56, l’Ouverture accademica
op.80 e l’Ouverture tragica op.81, 2 concerti per pianoforte e orch, un concerto per violino e orch, il doppio
concerto per violino e violoncello e orch.
- da camera: 2 sestetti per archi, 2 quintetti per archi, un quintetto per clarinetto e archi, un quintetto per
pianoforte e archi, 3 quartetti per archi, 3 quartetti per archi e pianoforte, 3 trii con pianoforte, 3 sonate per
violino, 2 per violoncello, 2 per clarinetto (o viola) e pianoforte
- per pianoforte: 3 sonate (op.1, 2, 5), Variazioni e fuga su u tema di Handel op.24 e Variazioni su un tema di
Paganini op.35, altri 35 brevi pezzi tra cui Valzer op.39, Klavierstucke op.76, Rapsodie op.97, Fantasie
op.116, Intermezzi op.117
- vocali: Ein deutsches Requiem per soli, coro e orch, quartetti vocali con pianoforte raccolti nei Liebeslieder
e nei Neue Liebeslieder, raccolte di musiche corali a cappella con accompagnamento strumentale, varie
raccolte per voce e pianoforte: Sechs Gesange, Vier ernste Gesange, Deutsche Volkslieder

Autorevole messaggero di musica pura di fronte a numerosi colleghi che componevano musica a programma, di
fronte ai progressisti Liszt e Wagner, Brahms era accusato di essere restauratore, mentre in realtà l’esperienza
romantica era profondamente penetrata all’interno delle strutture classiche che soleva usare. Dal punto di vista
della musica strumentale, continuò l’opera di Schumann, anche nella scelta della forma, il Lied. La musica da
camera costituisce il cuore della sua produzione. Insieme alla forma, la sintassi di Brahms deriva dal più
dinamico principio della classicità: l’elaborazione del tema. Fu tra i più ispirati compositori di Lieder, dal tono
elegiaco e intimo

Anton Bruckner (Linz,1824-Vienna,1896)

Organista nel duomo di Linz, andò a Vienna nel 1868 come organista aggiunto di corte e come professore di
contrappunto al conservatorio.
Scrisse inizialmente messe e mottetti, cantate solistiche e corali con o senza orch, senza trascurare la musica da
camera. E’ ricordato per le sue 9 sinfonie, alcune delle quali hanno anche 2 o 3 versioni, segno delle varie
revisioni. Snobbato dal pubblico e accusato di essere un “sinfonista wagneriano”, solo recentemente si è
compreso che Bruckner non è debitore nè di Wagner nè di Brahms. Le sue sinfonie, tramite l’accostamente di
grossi blocchi sonori, ricordano l’organo, mentre i temi rinviano alla lezione dell’ultimo Beethoven

Hugo Wolf (1860-1903) era un grande ammiratore di Wagner. Scrisse l’opera Der Corregidor, alcune musiche
strumentali tra cui la Serenata italiana e 250 Lieder su testi di Eichendorf, Morike o Goethe, o su traduzione da
italiano e spagnolo. Suo modello furono i Lieder wagneriani, soprattutto nella relazione tra poesia e musica,
poste sullo stesso piano, e nel rifiuto delle strutture strofiche

Richard Strauss (Monaco,1864-Garmish,1949)

Figlio di un cornista dell’orchestra di corte di Baviera. Ebbe formazione in un ambiente musicalmente

stimolante e per il suo apprendistato fu importante la figura di Hans von Bulow, che lo consigliò e diresse i suoi
primi lavori sinfonici. Oltre all’attività di compositore svolse anche quella di direttore d’orchestra. Diresse il
teatro di corte di Weimar e il teatro dell’opera di Monaco e di Vienna. Dal 1924 si ritirò nella sua villa a
Garmish per dedicarsi alla composizione

- per orchestra: scrisse numerosi poemi sinfonici, tra cui Don Juan da Lenau, Macbeth da Shakespeare, il più
noto e geniale I tiri burloni di Till Eulenspiegel “tratto da un’antica melodia in forma di rondò”, Also
sprach Zarathustra liberamente ispirato a Nietzsche, Don Chisciotte con violoncello solista, Symphonia
domestica, autobiografico. Altre composizioni sinfoniche sono la giovanile sinfonia in 4 parti Aus Italien,
Eine Alpensymphonie, Metamorphosen per 23 archi solisti, Burlesca per pianoforte e orch, alcuni concerti
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 per corno. Gli aspetti fondamentali della sua musica orchestrale sono l’esuberanza della fantasia e il
virtuosismo orchestrale, dal tessuto molto vario e senza indugi
- opere teatrali: compose opere tutta la vita, la prima fu Guntram (1894). Le più note sono Salomè (1905)
grande successo sull’adattamento in un atto da O.Wilde, mentre le altre opere, in collaborazione col poeta
Hugo von Hofmannstahl sono Elektra da Sofocle, Der Rosenkavalier, Arianna a Nasso, Die Frau ohne
Schatten, Elena Egizia, Arabella. Nelle prime opere in cui viene fatto uso del leitmotive wagneriano le
armonie sono aspre e a volte dissonanti, ma dal Rosenkavalier in poi le linee melodiche si fanno più
morbide ed eleganti
- lieder: circa 150 per pianoforte e voce, divisi in una 30ina di raccolte, alcune raccolte per voce e orch, come
i Vier Letzte Lieder (4 ultimi lieder)

Non scrisse lavori religiosi, essendogli estraneo il senso del trascendente. Caratteristiche della sua musica è la
ricchezza dell’invenzione melodica, le sonorità sensuali, le due opposte ispirazioni di potente vitalità e di soave
tenerezza. A volte però la tensione drammatica viene meno

Gustav Mahler (Kalitsch,Boemia,1860-Vienna,1911)

Discendente da una famiglia di ebrei poveri e laboriosi, studiò al conservatorio di Vienna e a 20 anni cominciò
la carriera di direttore d’orchestra, diresse numerosi teatri, ultimo quello di Vienna, che gli diede onori e
amarezze. Lavorò anche a New York, ma la malattia lo costrinse a tornare a Vienna

Si dedicò alla composizione solo nei mesi estivi, quando era libero da impegni di teatro. Compose
esclusivamente per orchestra: 9 sinfonie (n.1 “Il titano”, n.2 “La resurrezione”, n.3 “Della Natura”, n.5 quella
con l’Adagietto, n.6 “Tragica”, n.7 “Il canto della notte”, n.8 “dei Mille”). Inoltre scrisse numerosi Lieder per
voce e orchestra, tra cui Il Lied lamentoso, Lieder di un artigiano ambulante, Lieder dei bambini morti, Il Lied
della terra

La sua produzione sinfonica riassume la tradizione classico-romantica e segna l’apogeo e la rapida estinzione
della musica tardo-romantica. Esteriormente fu un compositore di musica programmatica, visti i titoli che dava
alle sue composizioni. Capitava però che eliminasse anche tali titoli. Impiegò mezzi grandiosi. I materiali
sonori che utilizzava avevano varie provenienze, anche popolari. Valorizzò i timbri puri e le aggregazioni di
pochi colori.

Altri compositori

Tra i numerosi musicisti tedeschi della seconda metà del XIX sec. e dell’inizio del XX meritano un cenno

- Max Bruch (1838-1920), che lasciò molte musiche per coro, a cappella o con accompagnamento di orch, 3
sinfonie, molta musica da camera, 3 concerti per violino
- Hans Pfitzner (1869-1949), autore di alcune opere teatrali wagneriane, compose anche per orch, per coro a
cappella, musica da camera, concerti
- Max Reger (1873-1916), che ripropose un ritorno, in chiave romantica, musiche e forme della musica
protestante barocca. Le sue opere migliori sono infatti un innesto sulle forme barocche del suo linguaggio
armonico, basato su un cromatismo post-wagneriano

IL RINNOVAMENTO STRUMENTALE IN FRANCIA

Nell’800 i destini musicali di Francia e Italia furono affini. In Francia il ritorno alla musica strumentale fu più
rapido che in Italia. La rinascita francese ebbe il via dalla fondazione della Società Nazionale per la Musica
Francese nel 1871. La tappa successiva fu l’apertura di una Schola Cantorum nel 1894, che riproponeva il canto
gragoriano, valorizzando il metodo storico. Il recupero della musica strumentale scaturì in parte dai wagneriani,
in parte dal recupero della tradizione classica e francese
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Camille Saint Saens (Parigi,1835-Algeri,1921), compositore, organista e pianista, fu sua l’idea di fondare la
Società Nazionale e ne fu il primo presidente. La sua produzione toccò tutti i generi. Per orchestra scrisse
3 sinfonie (la terza con organo e 2 pianoforti) e vari poemi sinfonici, tra cui Phaeton, Danse macabre. Per
strumenti solisti e orchestra: 5 concerti per pianoforte, 3 concerti per violino, Introduzione e Rondò
capriccioso per violino. Da camera: sonate, trii, quartetti e quintetti; assai noto è Le carneval des
animeaux (1886)

Cesar Frank (Liegi,1822-Parigi,1890) studiò con Reicha al conservatorio di Parigi. Organista in varie chiese
parigine, fu tra i fondatori della Società per la Musica e ne divenne presidente. Insegnò organo al
Conservatorio. Le composizioni dell’ultimo decennio di vita furono le più significative. Scrisse 3 poemi
sinfonici, Variazioni sinfoniche per pianoforte e orch, da camera la Sonata per violino e pianoforte (in
forma ciclica), il quartetto d’archi con pianoforte. Per pianoforte scrisse Preludio, corale e fuga, Preludi,
aria e finale; per organo alcune raccolte e 3 corali. Il grandioso oratorio Les Beatitudes e Redemption.
Considerato uno dei maggiori organisti del suo tempo e grande improvvisatore, fu spesso accusato di
germanofilia, ma riuscì ugualmente a infondere nei parigini il gusto per musica non teatrale. Le sue creazioni
sono caratterizzate da una fluente e duttile melodia, che grazie al movimento delle parti risolve le dissonanze
senza durezza

Vincent d’Indy, allievo si Frank, fervente wagneriano, fu anch’egli presidente della Società Nazionale,
riorganizzò la Schola Cantorum, insegnò composizione (il suo Corso di composizione musicale si usa ancora).
Le sue composizioni riflettono l’insegnamento di Frank. Si ricordano la Symphonie sur un chant montagnard
francais e le variazione sinfoniche a ritroso Istar

Gabriel Faurè (1845-1924) fu allievo di Saint Saens, organista e maestro di cappella, insegnò al conservatorio
di Parigi e ne fu direttore. Autore di 2 opere, di un Requiem, di una Ballade per pianoforte e orch, diede il
meglio di sé nelle piccole composizioni pianistiche (preludi, notturni, improvvisi) e nelle melodie per canto e
pianoforte, tra cui emergono le Cinq melodies e il ciclo La bonne chanson su versi di Paul Verlaine.
Affrancatosi dall’influenza di Wagner e Chopin, espresse nella maturità un gusto melodico pronunciato ma
elegante

Claude Debussy (Saint-Germain-en Laye,Ile de France,1862-Parigi,1918) studiò al conservatorio di Parigi,

vinse il Prix de Rome, ma il soggiorno italiano si rivelò improduttivo per il suo carattere ribelle. Si interessò
alla musica di Giava, presentata all’esposizione universale del 1889 e frequentò poeti, musicisti, letterati, pittori
nel salotto di Mallarmè. Cominciò a farsi conoscere come compositore dopo il 1890. Nei 25 anni successivi era
riconosciuto il leader del rinnovamento musicale
- per il teatro: Pelleas et Melisandre, dramma lirico in 5 atti su libretto di Maeterlinck (una vicenda onirica
alla Tristano e Isotta, proponeva un nuovo tipo di canto, un continuo declamato su piccoli intervalli
sostenuto da una soffice orchestrazione, Le martyre de S.Sebastien, mistero danzato su versi di D’Annunzio,
la leggenda danzata Khamma, il poema danzato Jeux
- vocali: le cantate giovani Primtemps per coro femminile e orch, L’enfant prodigue per soli coro e orch,
un’ottantina di melodie per canto e pianoforte tra cui le raccolte Cinq poemes de Baudelaire, Le fetes
galantes da Verlaine, Trois poemes de Mallarmè
- per orchestra: Prelude a l’apres-midi d’un faune (1894), ispirato a Mallarmè, i 3 Nocturnes ispirati a quadri
di Whistler, i 3 schizzi sinfonici di La Mer, Iberia, dalle 3 Images (non quelle per pianoforte!)
- per pianoforte: Deux Arabesques, Suite Bergamasque, Pour le piano, Estampes, Images I&II, Children’s
Corner, 2 libri di preludi, 12 Etudes dedicati a Chopin
- da camera: i migliori risultati li ebbe negli ultimi anni con Syrinx per flauto solo, una sonata per violoncello
e pianoforte, una sonata per flauto, viola e arpa, una sonata per violino e pianoforte
- scritti: scrisse su importanti giornali quali “Le Figaro”, il “Mercure de France” e “Musica”

Il linguaggio di Debussy segna il superamento delle posizioni tardo romantiche. Fu essenzialmente un lirico che
si rivela nella melodia, una melodia nuova fatta di scale modali, pentafoniche e per toni interi, che si
identificava nell’arabesco. Innovativi gli aspetti armonici. L’armonia scolastica gli andava troppo stretta, rifiutò
così il sistema gerarchico dell’armonia tonale e delle cadenze “obbligate”. Spesso evitava nelle sue scale di
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mettere una sensibile per non essere costretto a risolvere. La novità dell’armonia debussiana fu il concepire
ogni singolo accordo come unità sonora libera dai precedenti e senza obblighi verso i seguenti; creò quindi
successioni di suoni regolati solo dalla bellezza della melodia

LA RIPRESA DELLA MUSICA STRUMENTALE IN ITALIA

Il predominio del melodramma non annullò la musica strumentale, sebbene l’opera assorbisse i migliori
compositori e interpreti; ne sono prova le composizioni non teatrali di Rossini e Donizetti, e, in misura minore
di Bellini e Verdi. La tradizione violinistica di Paganini fu viva e presente grazie ad Alessandro Rolla, Camillo
Sivori e Antonio Bazzini. I veri animatori della rinascita strumentale italiana furono

- Giovanni Sgambati (1841-1914), romano, pianista allievo di Liszt. Influì sullo sviluppo della cultura
strumentale romana facendo conoscere musiche sinfoniche e da camera tedesche. Compose 2 sinfonie e un
concerto per pianoforte e orch, oltre che a lavori per pianoforte e da camera

- Giuseppe Martucci (1856-1909), napoletano, iniziò l’attività di pianista, ma il suo contributo alla cultura
strumentale italiana lo diede come direttore, animatore di associazioni concertistiche e insegnante. Lasciò
inoltre 2 sinfonie e un concerto per pianoforte e orch, oltre a brevi pezzi quali Notturno e Novelletta per
orchestra

- Marco Enrico Bossi (Salò,1861-piroscafo sull’Atlantico,1925), organista insegnante ai conservatori di

Napoli e Roma. La sua produzione, influenzata da Brahms, affianca ad opere teatrali, composizioni
sinfonico-corali, e altre composizioni per orch, da camera, per organo

- Ferruccio Busoni (Empoli,1866-Berlino,1924), celebre pianista, fu anche fervido compositore. Scrisse

opere teatrali (Arlecchino, Turandot, Doktor Faust, completato da un allievo), musica sinfonica (Berceuse
elegiaque, Rondò arlecchinesco, Fantasia indiana), per pianoforte (6 sonatine e la Fantasia
contrappuntistica in 3 versioni), oltre a trascrizioni e rielaborazioni, soprattutto di musiche di Bach. Lasciò
anche l’importante scritto Saggio di una nuova estetica musicale

Ebbero fortuna nei nostri salotti le romanze, versione nostrana del Lied. Oltre a Rossini, Bellini e Donizetti,
coltivarono questo genere alcuni “specialisti”, tra cui Stanislao Gastaldon, Pier Adolfo Tirindelli, ma soprattutto
Francesco Paolo Tosti (1864-1916) che fu maestro di canto alla corte italiana e successivamente della famiglia
reale inglese; compose oltre 300 romanze in italiano e in inglese.

TESI XXXI: Le giovani scuole nazionali: Russia, Norvegia, Finlandia, Cecoslovacchia,

Spagna
Nazionalità e nazionalismi in Europa dopo il 1830
La presa di coscienza dell’identità nazionale sbocciò in seno a quasi tutti i popoli e operò un’inversione di
tendenza rispetto al cosmopolitismo illuministico. Il concetto di “nazionalità” era volutamente generico, ognuno
vi leggeva ciò che preferiva: i liberali concetti di libertà e sovranità popolare, i conservatori la fedeltà alle
tradizione e all’ordine costituito. L’affermazione del principio di nazionalità avvenne in modi cruenti:
cospirazioni, rivolte, rivoluzioni, moti; la presa di coscienza passò attraverso il pensiero filosofico e politico di
Mill, Fichte, Hegel, Mazzini, Gioberti…Strettamente legato al concetto di nazionalità era quello di una lingua
nazionale; di conseguenza, lo era anche il linguaggio musicale. Dopo il Congresso di Vienna del 1815 la carta
politica europea era profondamente modificata. Risultati appariscenti del desiderio nazionale furono l’unità
d’Italia (1861) e Germania (1871), ma anche altri popoli ottennero risultati concreti, anche se meno
appariscenti: riconoscimenti delle specificità etiniche e linguistiche, rappresentanze parlamentari, forme di
autonomia

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Le scuole nazionali
Tra l’inizio del ‘600 e la metà dell’800 la musica europea era la somma di quella italiana, francese e tedesca.
Gli altri paesi furono musicalmente “colonizzati”. L’affermazione del nazionalismo diede vita alle scuole
nazionali, che si proponevano il recupero della tradizione musicale nazionale, spesso basati su scale modali e
danze dai ritmi ignoti al precedente repertorio europeo. Nelle opere vennero proposti libretti ispirati alla storia e
a leggende nazionali. Una precisazione: alcuni esponenti ebbero formazione tedesca ma portarono con sé le loro
origini (Grieg, Smetana, Dvorak), altri composero in un contesto di assestata scrittura europea, ma impiegarono
i moduli folcloristici delle loro terre (Albèniz, Granados), altri aderirono solo in parte alla cultura nazionale
(Sibelius). Solo per la Russia si può parlare di una vera e propria scuola nazionale, che si identifica col
movimento artisticamente patriottico del Gruppo dei Cinque

NAZIONALISMO ED EUROPEISMO IN RUSSIA

All’inizio del XIX sec. dominavano musicalmente la Russia l’opera italiana e la musica strumentale tedesca. I
primi passi in direzione dell’autonomia furono ad opera di Glinka e Dargomizski
- Michail Glinka (Smolensk,1804-Berlino,1857) si formò a Milano, dove conobbe Bellini e Donizetti, e a
Berlino. A S.Pietroburgo frequentò l’ambiente culturale intorno a Puskin, che gli fornì il libretto del suo
primo successo, l’opera Una vita per lo zar (1836). Diventò direttore d’orch.di corte. Esito più sfortunato
ebbe la seconda opera Russlan e Ludmilla. Dopo il 1844 viaggiò: Parigi, Spagna, Varsavia, Berlino. Lasciò
anche composizioni corali, pianistiche e per orch, tra cui Jota aragonesa
- Aleksandr Dargomizski (Dargomyz,1813-S.Pietroburgo,1869) fu introdotto da Glinka nella vita culturale
cittadina, spronandolo alla composizione. Si affermò con l’opera Russalka (1856) su libretto proprio. Il suo
capolavoro è Il convito di pietra, lasciato incompleto e terminato da Cui e Rimski-Korsakov, e interamente
concepito in forma di recitativo. Questo stile di canto influenzò il teatro di Mussorgski

Il Gruppo dei Cinque

Negli anni tra il 1830 e 40 il movimento più importante del nazionalismo russo fu quello slavofilo, in cui i
seguaci esaltavano la Patria russa e le attribuivano l’ambiziosa missione di trascendere la nazionalità. Questi
principi ispirarono i musicisti di S.Pietroburgo intorno al 1860, guidati da Mili Balakirev, il solo musicista
professionista, in mezzo ai giovani aspiranti cui fu dato il nome di Gruppo dei Cinque. Essi non innovarono le
forme, ma all’interno di esse portarono elementi nazionali originali: scale modali impiegate nel rito ortodosso,
canti popolari, danze contadine, scene operistiche basate su storia russa, o scene di vita rurale. Tra i Cinque i
minori sono Cui, delicato miniaturista, e Balakirev, oggi ricordato per la fantasia Islamey per pianoforte. I
maggiori furono invece Borodin, Rimski-Korsakov e Mussorgski

- Aleksandr Borodin (Pietroburgo,1833-1887) fu un valoroso scienziato. Professore di chimica e autore di

importanti trattati scientifici, fu musicista autodidatta. Scrisse 3 opere tra cui Il principe Igor su libretto
proprio, completato da Rimski-Korsakov e Glazunov, 3 sinfonie (la 2° è la più nota), il celebre schizzo
Nelle steppe dell’asia centrale, musica da camera, tra cui il 2° quartetto per archi. Influenzato da
Mendelssohn, non impiegò motivi popolari, ma il loro spirito influenzò la gentile e tendenzialmente esotica
scrittura melodica

- Nicolai Rimski-Korsakov (Novgorod,1844-S.Pietroburgo,1908) fu il “professore” del Gruppo. Ufficiale di

marina, studiò con Balakirev. Nel 1871 ottenne la cattedra di composizione al conservatorio di
S.Pietroburgo. completò e “corresse” le composizioni degli altri del Gruppo. Insegnò a Glazunov,
Stravinski e Respighi. Lasciò 15 opere, molte su libretto proprio; le più note sono Sadko, Lo zar Saltàn, Il
gallo d’oro. Nella produzione sinfonica il Capriccio spagnolo, la suite sinfonica Sheherazade, l’ouverture
La grande Pasqua russa su temi liturgici. Il suo interesse per la musica russa è manifestato
nell’armonizzazione di canti popolari russi. Pubblicò un Trattato pratico di armonia e utili Principi di
strumentazione. È ricordato come uno dei grandi maestri dell’orchestrazione, sulla scia di Liszt e Berlioz. Il
suo linguaggio sinfonico influì molto sulla cerchia dei Cinque e interessò anche Debussy. Le sue eclettiche
melodie utilizzavano spesso le antiche scale modali e intervalli eccedenti e diminuiti

- Modest Mussorgski (governatorato di Pskov,1839-S.Pietroburgo,1874) proveniva da una antica famiglia

della nobiltà rurale. Studiò pianoforte con la madre. A 10 anni si trasferì a S.Pietroburgo dove divenne
sottotenente della Guardia. La conoscenza con Dargomizski, Balakirev, Borodin e Cui nel 1855 rafforzò la
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 vocazione musicale. Studiò composizione e nel 1860 abbandonò la carriera militare, ma l’abolizione della
servitù della gleba, ad opera di zar Alessandro II lo privò dei proventi della proprietà terriera, obbligandolo
a trovarsi un impiego statale. Dopo vari rimaneggiamenti il Boris Godunov (su libretto proprio tratto da
Puskin e Karamazin) fu rappresentato nel 1874 e piacque al pubblico, ma lasciò perplessi molti musicisti.
Per problemi di salute legati all’alcool non terminò la Kovancina, completata da Rimski-Korsakov e la
Fiera di Sorocinski, completata da Liadov. Tra le composizioni non teatrali si ricordano La notte di
S.Giovanni sul Monte Calvo, per orch, rielaborata da Rimski-Korsakov, i Quadri di un’esposizione, liriche
per canto e pianoforte, tra cui La camera dei bambini, Senza sole, Canti e danze della morte. Attuò in modo
radicale la poetica dei Cinque. Indifferente nei confronti delle regole della composizione, costituì, un
passaggio obbligato verso la musica moderna. Il realismo fu un dato di fatto della sua creatività, quasi tutte
le sue composizioni sono legate a un pretesto esterno e portano un titolo

I compositori filo-occidentali

Non tutti i compositori aderirono all’integralismo del Gruppo dei Cinque. Al contrario, dopo il 1860 il russo
colto sentiva di essere parte integrante dell’Europa. Così i musicisti, tra cui
- Anton Rubinstein (1829-1894) pianista famoso, fondatore del conservatorio di S.Pietroburgo (1862), fu
anche operista e direttore d’orchestra. Suo fratello Nicolai fondò il conservatorio di Mosca (1864)
- Aleksandr Grecianinov (1864-1956), allievo dei cons.di Mosca e S.Pietroburgo, si stabilì a Parigi, poi negli
USA. La sua miglior produzione è la musica corale liturgica e numerose liriche per canto e pianoforte
- Aleksandr Glazunov (1865-1936), allievo di Rimski-Korsakov, insegnò e diresse il cons.di S.Pietroburgo.
Sinfonista eccellente, lasciò 9 sinfonie, ouvertures, fantasie e concerti, segnate dall’influenza di Liszt e
Brahms e dalle melodie calde e a volte orientaleggianti
- Sergei Rachmaninov (1873-1943), pianista di fama mondiale e direttore d’orchestra, naturalizzato
statunitense. Scrisse 13 preludi op.32, 2 raccolte di Etudes-tableaux, 2 sonate per pianoforte, 4 concerti e la
Rapsodia su un tema di Paganini per pianoforte e orch.op.43
- Aleksandr Scriabin (Mosca,1872-1915), dopo gli studi al cons.di Mosca iniziò la carriera come pianista, ma
dal 1904 si dedicò interamente alla composizione, prevalentemente per pianoforte e orch. Per orchestra: 3
sinfonie, Il poema dell’estasi, Prometeo o il poema del fuoco con pianoforte, organo, coro e “clavier a
lumiere”; per pianoforte: 10 sonate, 19 “poemi”, 26 studi, 90 preludi (tra cui i 24 op.11) valzer, mazurche,
notturni. Il suo pianismo rivela l’influenza di Liszt e Chopin. Il traguardo a cui tendeva era la creazione di
un’opera in cui si fondessero musica, poesia, danza, colori, luce e profumi

Piotr I.Ciaikovski (governatorato di Vietka,1840-S.Pietroburgo,1939)

Figlio di un ing.minerario, ebbe le prime lezioni di pianoforte dalla madre. Entrò nella facoltà di diritto a
S.Pietroburgo e frequentò il conservatorio. Ottenne la cattedra di armonia. Sposò un’ex allieva, ma fu
un’unione disastrosa. Grazie agli aiuti economici di una ricca ammiratrice, ebbe modo di dedicarsi interamente
alla composizione. Si fece apprezzare anche come direttore d’orchestra

- per il teatro: 10 opere, tra cui Eugenio Oneghin (1879), Mazeppa, La dama di picche, tutte e tre su libretto
proprio e di soggetto tratto da Puskin. Le sue opere sono del tipo italiano che dà importanza al canto e
all’espressione melodica. 3 balletti: Il lago dei cigni (1877), La bella addormentata (1890), Lo
schiaccianoci (1892). I balletti, segnarono la nascita del balletto sinfonico
- per orchestra: 6 sinfonie, tra cui la n.1 “Sogni d’inverno”, la n.2 “Piccola Russia”, la n.3 “Polacca”, la n.6
“Patetica”; l’ouverture-fantasia Romeo e Giulietta, la fantasia Francesca da Rimini, il Capriccio italiano,
l’ouverture 1812; 3 concerti per pianoforte e orch (il n.3 ha un tempo solo), il concerto per violino e orch.
Le sinfonie dimostrano una grande forza comunicativa. Mancò nello sviluppo organico dei temi, ma ebbe
grande intuito per gli effetti orchestrali e una melodia fluida e di alto senso drammatico. I concerti per
pianoforte richiamano il virtuosismo di Liszt
- altre composizioni: 3 quartetti per archi, un trio con pianoforte; pianistica, tra cui Le stagioni e L’album dei
fanciulli; corale sacra e profana; melodie per canto e pianoforte

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La sua musica esprime la fase finale del romanticismo europeo, quella delle eleganze decadentistiche e
patetiche. La spontaneità di Ciaikovski è grande pregio, ma anche limite, perché l’effusione lirica a volte cade
nel languore, e gli accenti vigorosi diventano enfasi
COMPOSITORI NAZIONALI IN BOEMIA, NORVEGIA, FINLANDIA E SPAGNA

La Boemia
Era parte dell’impero austriaco. Nel 1848 scoppiarono moti rivoluzionari. I Cechi non rivendicavano
l’indipendenza, ma condizioni di parità con gli altri popoli sotto gli Asburgo. Vantava solide tradizioni
musicali. Gli esponenti più noti del nazionalismo musicale boemo furono

- Bedrich Smetana (1824-1884), partecipò ai moti rivoluzionari e fondò una scuola con l’aiuto economico di
Liszt. Fu critico e poi direttore del teatro nazionale. Divenuto sordo, si dedicò alla composizione. Le opere
teatrali più note sono La sposa venduta, Dalibor e Libusi. La creazione più nota è il ciclo sinfonico La mia
patria, con la seconda sinfonia Moldava. Lasciò anche composizioni pianistiche in forma di danza, e da
camera, tra queste il Quartetto “della mia vita”. Profondamente influenzato dal sinfonismo post-
beethoveniano (Schumann e Liszt), fuse insieme alla tradizione elementi etnici, in particolare le danze
popolari

- Antonin Dvorak (1841-1904), mentre studiava in cons, si guadagnava da vivere suonando in orchestra.
Studiò anche a Vienna, dove conobbe Brahms. Raggiunse il successo con le Danze slave per pianoforte a 4
mani e con lo Stabat Mater. Dal 1892 al 1895 diresse il cons.di New York. Lasciò una copiosa produzione,
tra cui 10 opere, con la più nota Rusalka (=l’ondina,1901), che però denunciano una debolezza drammatica;
più apprezzata la musica sinfonica: 9 sinfonie, la più conosciuta è l’ultima Dal nuovo mondo, con l’impiego
di melodie indiane e negre, 3 Rapsodie slave, Suite ceca, un concerto per pianoforte, uno per violino, uno
per violoncello; numerose le composizioni per coro a cappella con orch, tra cui lo Stabat Mater, il Requiem
e il Te Deum; 17 quartetti per archi

L’Europa settentrionale
Niels Gade (1817-1890) Nielsen (1865-1931) in Danimarca, Franz Berwald (1796-1868) in Svezia, Stanislaw
Moniusko (1819-1872) in Polonia, Grieg in Norvegia e Sibelius in Finlandia. Tutti di formazione tedesca,
innestarono nelle loro composizioni elementi popolari della propria terra. Solo Grieg e Sibelius lasciarono
durevoli impronte

- Edvard Grieg (Bergen,1843-1907) studiò nel cons di Lipsia, allievo di Moscheles, Richter e Reinecke. Ebbe
contatti con Gade. Valido didatta, fondò una scuola musicale e la pensione accordatagli dal governo gli
permise di comporre. Musica sinfonica: le musiche di scena per il dramma Peer Gynt di Ibsen (da cui trasse
2 suites), l’Holberg suite, la Suite Lirica, le Danze sinfoniche, il noto concerto in La min per pianoforte e
orch. Per pianoforte la sonata op.7, Danze e canti norvegesie soprattutto i 66 Pezzi lirici composti tra il
1867 e il 1901. Compose anche 2 quartetti e sonate per violino/violoncello e pianoforte. Utilizzò canti e
danze contadine, sopratto le “slatter”. La sua progredita scrittura armonica interessò e influenzò Debussy

- Jan Sibelius (1865-1957) completò a Helsinki gli studi musicali. Insegnò al cons fino al 1910. La pensione
concessa dal governo gli permise di ritirarsi a comporre. Tra le sue composizioni, un’opera, una cantata per
soli coro e orch, 7 sinfonie, un concerto per violino e orch, Lieder. Le sue creazioni nazionali sono una
decina di poemi sinfonici ispirati al Kalevala il poema nazionale finlandese, tra cui Finlandia op.26. Non
utilizzò materiale sono popolare, ma non per questo i suoi quadri sonori sono meno rappresentativi della sua
terra

La Spagna
Dopo la fioritura polifonica e la musica strumentale per vihuela, la Spagna, escludendo Scarlatti e Boccherini
rimase estranea allo sviluppo musicale. Intorno alla metà del XIX sec. il genere preferito era la zarzuela,
spettacolo teatrale simile al singspiel, in cui le parti cantate erano influenzate dal canto operistico italiano e
francese. La scuola nazionale spagnola si avvalse dei nomi di compositori di origine catalana, ma residenti
all’estero, Parigi in particolare
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- Felipe Petrell (1841-1922), iniziatore della rinascita musicale spagnola, compose una trilogia operistica,
Los Pireneus, fu autore di studi storici e saggi sulla tradizione musicale spagnola

- Isaac Albeniz (1860-1909), dalle spiccate doti pianistiche, studiò a Parigi, Lipsia e Bruxelles. Dal 1880
iniziò a inserire proprie composizioni nei programmi dei concerti che eseguiva. Compose alcune opere
teatrali, ma il suo nazionalismo si nota nella musica per pianoforte, coi 12 pezzi di Iberia, i 12 Piezas
caracteristicas, i Requerdos de la viaie, la suite espanola, i 6 fogli d’album di Espana

- Enrique Granados (1867-1918) studiò a Barcellona e Parigi e divenne concertista. Alternò l’attività di
pianista a quella di compositore. Il suo capolavoro è l’opera Goyescas. Per pianoforte 17 Danzas espanolas,
3 Escenas poeticas, 6 Escenas romanticas. Il suo stile è più semplice e meno originale di quello di Albeniz,
soprattutto nel linguaggio armonico. Insoliti però gli effetti che seppe trarre dalla tecnica pianistica

LE SCUOLE NAZIONALI, FASE SECONDA

La seconda generazione di musicisti delle scuole nazionali non si limitò a utilizzare materiale sonoro etnico, ma
riuscì a farlo proprio assorbendo l’essenza della propria terra d’origine. Tra questi il polacco Szymanowski, il
brasiliano Villa-Lobos, il messicano Chavez, oltre a
- Leos Janacek (1854-1928), nato in Moravia, si formò alla scuola d’organo di Brno, si perfezionò a
S.Pietroburgo, Lipsia e Vienna. Insegnò composizione e fece attività critica. Tra le opere teatrali si ricorda
Jenufa, I viaggi del signor Brucek, Da una casa di morti. Tra le composizioni orchestra la Sinfonietta.
Pubblicò 11 raccolte di canti popolari
- Manuel de Falla (1876-1945) di Cadice, fu allievo di Pedrell. Le maggiori composizioni sono 7 canciones
populare espanolas, il balletto El sombrero de tres picos, le Notti nei giardini di Spagna per pianoforte e
orch (1915), il concerto per clavicembalo e 5 strumenti
- Zoltan Kodaly (1882-1967), ungherese, iniziò nel 1905 insieme a Bartok un lavoro di ricerca sul canto
popolare magiaro. Viaggiò a Berlino e a Parigi. Le brillanti composizioni per orch. più note sono le Danze
di Marosszek e le Danze di Galanta, ma le sue qualità liriche emergono nei lavori vocali, come nel Psalmus
Hungaricus per tenore, coro e orch. e nei lavori teatrali, tra cui Filanda magiara. La sua produzione fu
improntata al linguaggio della musica contadina ungherese
- Bela Bartòk (1881-1945) nacque in Transilvania (allora ungherese). Iniziò lo studio del pianoforte con la
madre, proseguì a Bratislava, poi a Budapest. Si occupò di etnomusicologia con Kodaly. A causa della
situazione politica si traferì negli USA. Per pianoforte: 14 bagatelle, vari adattamenti di canti popolari
ungheresi, Allegro Barbaro, l’importante opera didattica Mikrokosmos; da camera: 2 sonate per violino e
pianoforte, 2 rapsodie per violino e pianoforte, sonata per 2 pianoforti e percussione, 6 quartetti per archi
(tra le sue opere più significative); per orchestra: il poema sinfonico Kossuth, 2 Ritratti, 2 Images, Musica
per archi, celesta e percussione, un concerto per violino e orch, un concerto per 2 pianoforti e orch,
rapsodia per pianoforte e orch; lavori teatrali: il balletto Il principe di legno, l’opera in un atto Il castello del
principe Barbablu, il balletto in un atto Il mandarino meraviglioso; composizioni vocali: la cantata profana
I cervi fatati, melodie per voce e pianoforte

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TESI XXXII: sguardo riassuntivo alle forme di musica svoltesi dalla fine del ‘500 in poi
Musica vocale sacra
Sopravvivono le forme delle composizioni richieste dall’esercizio del culto (messe e parti di messe, salmi,
Magnificat, vedi TESI XI, XII, XV). Assumono lo stile concertante, per soli, coro e orch. Nascono, in stile
monodico, l’oratorio cattolico e la cantata luterana da chiesa (TESI XV)

Musica vocale profana

Al madrigale polifonico succedono, in stile monodico, l’aria con testo in italiano, duetto da camera (TESI XV)

L’opera italiana
Nacque a Firenze alla fine del ‘500. Nel ‘600 le 3 scuole: romana, veneziana, napoletana (TESI XVI e XVII).
Nel ‘700 l’opera napoletana diventa europea, distinzione tra opera seria e buffa (TESI XVIII). Nell’800 il
grande melodramma italiano (TESI XXII)

L’opera fuori dall’Italia

In Francia: nel ‘600-‘700 il ballet de cour, la tragedie-lyrique, l’opera-ballet, l’opera comique (TESI XX);
nell’800 il Grand-opera (TESI XXIII)
In Germania: nel ‘700 il Singspiel (TESI XX); nell’800: il dramma romantico, Wagner (TESI XXIII)
Altrove: il masque in Inghilterra, la zarzuela in Spagna, l’opera nazionale in Russia e in Boemia

La musica strumentale
Nel ‘500 e primo ‘600: trascrizioni da musiche polifoniche vocali e composizioni cembalo-organistiche (TESI
XXIV)
Nel ‘600: la suite, le sonate da chiesa e da camera (TESI XXV)
Nel ‘700: la sonata solistica e il concerto barocco. La sonata, il concerto e il quartetto classici (TESI XXVI)
Nell’800: sono ancora coltivate le forme classiche, ma si affermano il poema sinfonico (per orch) e tutte le
forme derivate dal Lied per pianoforte (TESI XXIX)

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