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Murdering the Devil 1970
#BFI 只能说雅，太雅了。影片真的是极致的讽刺并且带有极强的寓言色彩，整个空间的布置和着装真的是超级超级美（不愧是《雏菊》及大量捷克作品中的美术指导）。电影看似是一场奇怪风格的讽刺喜剧用通过强化戏剧性来批判性别权力，但更深层次也可能是政治上的一种寓言。
女主的主体性其实是模糊的，她贴近现实的希望逃离单身，但是当这样一位男性客体化的摆在她面前的时候，那种自信，粗俗和贪婪的特质对比女主实在是太讽刺了。影片以一次次精美的晚餐搭配上荒诞的情节呈现出一场现实正在发生的性别剥削，感觉很多情节可以算是另一种煤气灯效应的体现，但从某种情况看从女主的态度和言语其实可以知道她是懂得“社会运作体系”（其实可以从一次次打破第四面墙的对话看出这种表达），并想尝试以此运作的，只是后期达到了她忍耐的极限，而影片最妙的还是结尾处的处理，女主不光杀死了“魔鬼”（坐在葡萄干之上抽着烟的镜头太迷人了），体验了满是邪恶气息的葡萄干，并在最后把它们都卖了，属于不光拿回了权力，还创造了更多的价值（这里她在结尾说她可以买到任何事物了，给我一个Snowman，紧接着歌舞响起“Better a Snowman Than No Man” 感觉还是体现了一定的悲观思考，有一种在缺乏理想伴侣的情况下，宁可选择一个虚构或不完美的对象，也不愿孤身一人的感觉），之后的买买买其实还是有些讽刺和反思意味的，屠杀了“魔鬼”，然后呢？
男主作为个体其实“承载”了父权体制的形象，他的“食欲”是无穷无尽的，而物化女性的态度和对女主的吞噬式侵占都象征着社会对女性主体性的压迫，从某种程度上电影有着类似阿克曼电影式的情节和设定，女主的主要场所被设计在厨房和客厅，那种压迫并不是直接的，更多的是通过日常缓慢的推进，无声无息的蚕食。
其实影片角色上就如同我上面写的可能还暗示了一个更深层次的政治上的关系，在某种程度上两个角色可以被解读为捷克斯洛伐克和苏联，影片在70年上映，布拉格之春发生在1968年，捷克的社会文化和政治遭到全面压制，这部电影似乎也在通过“魔鬼”通过性别和权力的压制映射当时的政治，当然影片着重的体现出魔鬼的贪婪和欲望让我感觉格外敏感。，还有“婚姻”这个借口，不管是现实和映射也都足够讽刺了。
视觉上，精美，讲究，视觉冲击力非常强，我感觉没有人会不爱这个布景和服装设计，她的房间布置得如同一个舞台剧场景，绿意盎然的满是活力同时又带有一种独特的消费主义质感（其实主要是结尾部分让我有这种感觉），影片中的一次次的晚宴也是主线，精美的食物也带有不自然的感觉，所以如果电影是对两个角色的批判我也可以理解，她除了面对一个肥头大耳的吞噬者还应对着一个个隐藏起来的消费主义陷阱。
听觉上，后配音只是有部分不适，由于没有什么音色差，所以感觉还好，几次背景音乐出现都体现了一种满满的讽刺感，当然还有男主进食时候的声音，搭配女主嫌弃的表情太有戏了。
晚宴作为主线让人想起布努埃尔的《资产阶级的审慎魅力》，它们似乎同样用一种超现实主义的方式展现消费社会的荒谬，人们沉浸在物质与符号的世界里，对于情感的需求其实并不是观众所看到的那样。
折页提及，本片是捷克斯洛伐克新浪潮传奇服装设计师兼编剧Ester Krumbachová唯一的导演作品。她曾参与《雏菊》《女巫之锤》《瓦莱莉和她的奇迹一周》等经典影片的创作。尽管这部电影在1969年拥有所有成为新浪潮经典的潜质却因东欧集团的审查制度而遭封杀。
埃斯特尔·克伦巴赫乔娃出生于1923年，1950年代在剧场界开启职业生涯，担任舞台布景及服装设计师。1961年她进入电影界，1960年代末至1970年代初她几乎成为捷克斯洛伐克新浪潮的创意核心，为多部重要电影贡献独特视角。1968后新浪潮电影人遭到全面封杀，她也几乎无法再从事电影工作，许多计划中的作品被迫搁置。在“正常化”时期她被迫离开电影行业，转而制作手工珠宝，绘制明信片并在传奇性的多媒体剧场Laterna Magika秘密协作直到1989年天鹅绒革命后她才得以重返电影和电视行业，但仅短暂创作了数部作品。
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The House Is Black 1963
#Barbican 令人震撼的作品，让人不能回避的影像，“若人们闭上双眼，丑陋便会更甚”，所以我们睁开了双眼，房间将不再是黑的。影片仅有20分钟，镜头聚焦于伊朗的一个麻风病人聚居地，以直白的影像配合抒情的诗句旁白来呈现病人们的日常生活，影片中没有展现痛苦，没有展现悲凉，反而充满了希望与憧憬，而这一切的光亮都需要“看见者”去点燃。（开场没多久看到宗教的台词和医院内的场景就想到“上帝是否存在”这个话题，如果存在为什么要让这种事发生，但是没过多久就似乎从中抽离了出来，因为那一切似乎都不重要了）
视觉上，极具冲击力的特写镜头展现了各个年龄段病人的身体与面庞，通过这些画面构建了一种关于边缘人群的群体画像，而最重要的一点是真诚，电影的镜头并不像向下带着好奇，超脱和专业的角度来观看他人的现实，而是以平等的视角把这些“超现实”接到现实，是一种被尊重的展现，一种异常神圣的质感。
影片开场的第一个镜头就令人难忘，一位麻风病人女性望向镜子，镜头缓缓推进，直至我们难以分清究竟是病人在镜前，还是我们在镜前，这似乎也映照了电影中的第一句台词，我们似乎变得麻木，闭上双眼，仿佛一切都不存在，这第一幕就如此充满象征意义真的是让我喘气都停了几秒。影片的特写镜头极多，感觉到没有俯瞰也是因为导演并没有把镜头完全对准病人的面部，以用病人的情绪带动观众，而是存在大量病灶四肢的特写，不论是自行车的复健，重物压迫的矫正还是截肢者的行走和手部畸形的娱乐，都是日常生活的展现，这种引导远比直接展现面部痛苦更能让人共情。影片的剪辑做的也非常好，印象较深的是独轮车车轮的声音的脸部特写快剪和弹棉花那段儿利用弹弓的响声的快剪，一闪而过的脸部特写并没有让人专注于其中，而是一幕幕闪过的瞬间残留在眼前的光亮。
听觉上，不光是诗句的旁白，还有大量古兰经的参与，这种诗意与宗教结合到一起像是理性与感性的碰撞，像是超现实的现实主义呈现，让我想起了帕索里尼《马太福音》中山上宝训那段呈现。影片台词虽然不多，但是看的时候还是有很多被遗漏，希望回头翻一下剧本看看，那些台词诗句都是在太美了，当然，来到结束，也是回到起点，希望房屋不是黑的。
影片有太多太多令人难忘的场景，不论是从远处走进直至遮挡住镜头的人，还是小孩子拿起拐杖学起了巫师骑扫把飞行，亦或者课堂上的造句，还有最后结尾沉默着拉着手走向那扇即将关闭门的人群。
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Beau Is Afraid 2023
#BFI #Preview 看完电影后我的感受是…我一定被祝福了！太过瘾了！没想到影片能把自我，潜意识，记忆，荒诞等多种元素融合成一种极为舒适的风格。目前是今年看过的新片中最喜欢的，也是想再二刷的电影。在我看来的故事用一句话总结——变成母亲的男主在男权社会下“无可逃脱”的一生。以神话故事看则是带有男性性器的厄勒克特拉为了“父亲”弑母后也并未逃脱自己内心审判的故事。
电影是伯格曼式的内核表达，爱无能的传递感很强，风格上极其贴近于《雏菊》所展现的内心世界。影片所有的影像在我看来只有两类表达，博内心的恐惧和“外部世界”对他的影响，不存在任何“外物”。
整个故事结构看似一个归家之旅层层递进的关系，但宿命感太强了，我觉得与其说是“归家”不如说是是“溯源”，追溯恐惧的来源，像是一种从自我到潜意识再到集体潜意识的剖析过程。看到快退的时候我想到了《楚门的世界》，但当展示快进时预示着这一切早已发生，而这一切也都是博的内心，不同于厄勒克特拉被阉割的状态，我认为博就是一个带着男性性具的女性。
故事开始时，博已经是最自闭的状态，父亲的死亡让他从小没有接受过“父权”的洗礼（这像极了在柏林看的《男气管制》……这名字改的），强势的母亲让他不断怀疑自己，母亲或死亡或虐待儿童（他哥或他）至他在接近成年的年纪被领养到一个死了长子还有个不受重视的女儿的父权家庭（也可能是孤儿院，因为在照片中并没有成年的博），他在家庭中无法适应也近乎窒息，而男性身份则造成了小女孩的嫉妒直至另一场死亡，最后男主的精神状态就到了开场的一幕，这一幕在我看来是开场也是结尾。都是自闭的表达。
第一幕，公寓代表的自闭。男主听从医生的建议吃药，但是没有喝水导致他大量的潜意识涌进了他的自我，当一切离去，他想到了他母亲的死亡，否认这一切他想回到母亲的怀抱（浴缸），而他潜意识中的母亲就如那蜘蛛一般把他赶走。
第二幕，寄养代表的父权。回到了男主在寄养家庭中亦或者整个父权社会的表达，在这个社会中他的身份被认可，父亲在讨好这个身份，因为他死去了一个继承者，他希望一切能得到继承，而母亲则像是一个观察者，她不能插手这个社会的运行，只能按照父亲的要求去做，只有当不被重视的女儿“死去”她才真正的展现了崩溃，那粉色与蓝色的对照就再明显不过了，即使博作为男性也一直呆在粉色的房间内，而长子的房间则是蓝色的，当女儿邀请男主一起粉刷蓝房间时被拒绝，而最后是吞了蓝色的染料而死。
第三幕，森林代表的否认及渴望。博否认他父亲的死亡，他是多么渴望得到父亲的“洗礼”，这里他给自己编了一个故事，也是对照着他父亲的故事，一个合乎情理并且带有极强“男性”表达的故事，他在故事中费劲努力回到了自己“儿子们”身边，三个儿子的表达也非常到位，我隐约记得左边的打铁的，中间打架的和右边记不太清了。
第四幕，家代表的恐惧与父亲的“真相”。回到家中他看到了“母亲”的死亡，他变成了他的母亲，躺在床上被曾经最接近他的女性“插入”，并且她死在了自己的身上，也是对照自己母亲。母亲的出现让他崩溃，一定要知道真相，而真相就是一个极端“父权”的父亲，我实在想不出还有什么能比这个更加父权表达。而他的“哥哥”，感觉也可能是他的曾经也在旁边。他最终忍受不了“母亲”对他的嘲讽而做到了“弑母”。
第五幕，斗兽场代表的集体潜意识。孤舟上的自我摇摇欲坠，面对着曾经做的“错事”他的集体潜意识的批判让自我无法存活。
视觉上，镜头大量的俯拍和仰拍用于展现内心的状态，搭配着缓慢的推焦，伯格曼感很强，印象最深的是一个仰拍的缓慢推焦，搭配着华金的演技，太棒了。还有摇镜头所带来的凝视感，运镜也十分精彩，整部电影大量的运动镜头用于故事过度，还对于角色所处环境展示有很大帮助。构图上很对时候用于表现对照关系。跳剪很对时候用于展现时间的流逝感，但搭配特写镜头达成的效果更像是一种不稳定的精神状态的展现。森林中的画质感也非常好。
听觉上更多的关注了音效，很大程度帮助建立紧张的情绪。很多时候使用POV音效效果很好。
小细节，“寄养”家庭战死儿子的战友大量于父亲对照出现，基本代表着父亲内在形象的具象化展示。片中男主一直认为所有人都是母亲安排的意味着他潜意识对母亲控制抵抗的体现。博回家过程中小孩在玩船，被拽走后船翻了也预示了结尾。
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Sanatorium Under the Sign of the Hourglass 2024
This review may contain spoilers. I can handle the truth.
#ICA#LFF 伦影节第二部，电影改编自波兰作家Bruno Schulz的小说，小说本身就是超现实主义，影片则是很大成度的达成了该种表达，由于BFI之前办过兄弟俩的影展，所以结合之前看过的一些他们的作品感受，感觉影片整体是没有特别大的突破，但是真人现实与定格动画的结合还是蛮喜欢的，男主父亲去世后进入疗养院，利用沙展现了时间的变化，同时也很好的视觉化了回忆，梦境和现实相互交织的过程。影片开场透过眼睛的进入，跟随记忆火车的行驶均结尾有呼应，电影的结尾展现了男主这个角色在结尾无法走出这个“火车”，选择了停留，也体现了他无法释怀的执着。
电影在角色设计上跟导演前面一些作品类似，不过有些角色总给我中《锈湖》，
视觉上，非常喜欢那种模糊的梦幻感。电影中的窥探癖和恋物癖的呈现方式也非常的有趣，透过锁孔，眼睛，机器，门缝和摄影机呈现的偷窥很能代表记忆，而那虚焦和双爆都是呈现出了不清晰重叠的影像记忆中的模糊感，还有重复的景别递进呈现，仿佛是努力回忆那印象深刻的细节。电影中的遮罩运用得太好了，非常喜欢，完全没有类似画幅切换的不适。电影中画面最喜欢的部分有三幕，以沙粒撒到翻页的书上那一幕非常美，一幕是在摄影机中的画面倒置的画面实在是炸裂。最后则是局部扭曲的呈现了时间和空间的不稳定。
听觉上，音效的呈现很不错，不太喜欢是结尾以一个相似恢弘的配乐呈现“一直行驶”的火车。
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