Performance Musical

O objetivo do artigo é apresentar o conceito de jogo na obra de Hans-Georg Gadamer
(2012) e suas relações com novos paradigmas da cognição sobretudo com o enacionismo (Varela,
1991). Procurarei por fim esboçar possíveis desdobramentos que o conceito pode oferecer à
construção de uma teoria da performance musical. A relação da hermenêutica filosófica de Gadamer
com o paradigma enacionista da cognição acontece pela superação da dicotomia na relação sujeito/
objeto que ambas abordagens enfrentam. Gadamer apresenta uma teoria geral da interpretação que
pretende explicar de que forma compreendemos e interpretamos o mundo. O conceito de jogo trazido
pelo autor permite abordar e iluminar diversos aspectos implicados em nossa interpretação de mundo,
sendo portanto uma teoria do entendimento. Gadamer traz a questão da compreensão para além da
consciência de quem conhece, ao entender que esse processo não suspende a alteridade do outro, mas
a conserva. Para Gadamer devemos nos desfazer de um modelo de entendimento centrado seja no
objeto, seja no sujeito, que é também um projeto enacionista. A compreensão é sempre um acordo, um
diálogo e num diálogo não existem sujeitos e objetos. É justamente a possibilidade de jogar-se sempre
com (alguém ou alguma coisa) que possibilita ao conceito apresentar a alteridade como um aspecto
inerente à compreensão. Transposta para o contexto da performance musical, o conceito de jogo
permite uma abordagem ampla de diversos aspectos implicados na performance tal como a relação
interprete e ouvinte assim como o caráter imponderável, dinâmico e circunscrito presente em toda
performance.
Palavras-chave: performance musical, filosofia cognitiva, enacionismo, jogo, Hans-Georg Gadamer.

La pregunta por la naturaleza de la música en tanto objeto de conocimiento subyace en la formulación de los constructos que integran los enfoques analíticos e interpretativos de la literatura musical en la academia de occidente. Pero el interés ontológico no acaba allí. Un camino en paralelo recorrido en el campo de la psicología de la música ha indagado la dimensión experiencial de la música en tanto estímulo sonoro, junto a los mecanismos y procesos de percepción y acción que intervienen en la cognición de las obras musicales. Si bien queda fuera
de toda discusión que la materialidad del sonido percibido y producido define la cualidad musical, sin embargo, una ontología del conocimiento musical basada en la construcción de perceptos no alcanza a brindar una explicación acabada del estatus de realidad en la cognición musical. En este trabajo interrogamos el concepto de realidad cognitiva en la intersección entre los campos musicológico y psicológico, y proponemos una dimensión imaginativa, corporeizada y dinámica
de la cognición musical. Explicamos el modo en que los conceptos del análisis musical se vinculan positivamente con el uso de correspondencias entre diferentes dominios de la experiencia.

A importância da obra filosófica de Rousseau é amplamente reconhecida, e mesmo o mérito de seus escritos teóricos e estéticos no campo da música. No entanto, sua criação musical mais importante, Le Devin, em que pese seu interesse histórico e qualidade artística, tem permanecido desconhecida do público.O processo de pesquisa sobre a obra Le Devin du Village, de Jean-Jacques Rousseau, realizado no Mestrado em Música (Instituto de Artes – Unicamp) provocou algumas reflexões sobre práticas de interpretação historicamente informada, discutidas no texto.

Resumo: Este trabalho analisa aspectos da relação entre escrita e performance do Concerto para Violão e Pequena Orquestra de Heitor Villa-Lobos e suas obras para violão solo. Foi feito um estudo comparativo de alguns trechos a fim de ilustrar e discutir passagens técnico-musicais usadas por Villa-Lobos no processo de composição do Concerto, em que se evidencia um recorrente uso da autocitação, assumida aqui como uma possibilidade intertextual. O levantamento dessas informações pode resultar na elaboração de uma pesquisa útil para os intérpretes, bem como na discussão da divulgada tese do Concerto como síntese de sua obra para violão. Palavras-chave: música para violão de Heitor Villa-Lobos; Concerto para Violão e Pequena Orquestra; processo intertextual em música. Abstract: This work analyzes aspects of the relationship between music notation and performance of Heitor Villa-Lobos's Concert for Guitar and Small Orchestra and his works for solo guitar. A comparative study of some of his pieces was carried out in order to illustrate and discuss technical-musical passages used by Villa-Lobos in the composition process of the Concerto, in which a recurrent use of self-citation, here assumed as an intertextual possibility, is evidenced. The collection of this information may result in the elaboration of useful research for performers as well as in the discussion of the popular consideration of the Concerto as a synthesis of his work for the guitar. Keywords: guitar music by Heitor Villa-Lobos; Concert for Guitar and Small Orchestra; intertextual process in music.

“What is the role of the performer in musical communication? Discuss by reference to the following two quotes, stating whether you agree with them or not: 1) 'the performer, for all his intolerable arrogance, is totally unnecessary except as his interpretations make the music understandable to an audience unfortunate enough not to be able to read it in print." (Schoenberg, in D. Newlin, Schoenberg Remembered: Diaries and Recollections (1938-76), New York: Pendragon Press, 1980, p. 164). 2) "The conductor must be humble before the composer; he [must] never interpose himself between the music and the
audience; all his efforts, however strenuous or glamorous, [must] be made in the service of the composer's meaning." (Leonard Bernstein, in The Joy of Music, London: Weidenfeld
and Nicolson, 1959, p. 56).”

Esta pesquisa tem como vontade primeira refletir acerca do trabalho do performador musical em performance, o que gera um mapeamento inicial em torno de algumas palavras, suas camadas e seus campos de atuação. Tomando o corpo como elemento articulador da pesquisa bibliográfica proposta, o trabalho irá observar, num primeiro momento, como a experiência viva do músico performador com o próprio fazer podem se relacionar com sua pesquisa acadêmica e artística. Num segundo momento, estudará a sociedade disciplinar produtora dos corpos dóceis que se põe a investir (FOUCAULT, 2014) o corpo do músico e seus fazeres em formação e em performação através de um adestramento técnico-mecânico fundamentado na abstração dos processos artísticos operados em música e, especificamente aqui, em técnica pianística. A partir disso, num terceiro momento, se aproxima de possíveis caminhos desviantes à mentalidade disciplinar, indo em direção a uma vivificação do corpo do músico atuante em Ato através da abordagem somática proposta pela Técnica Klauss Vianna de escuta do corpo (BITTAR, 2012).

The recordings of pianists born before the turn of the century provide perhaps the most tangible link available to a previous performance practice. Evidence such as eye-witness accounts of live performances, editions and recorded performances of pianists born before 1900 suggest overwhelmingly that in the 19th century the printed page had nowhere near its present significance. This dissertation documents and compares temporal and dynamic deviations employed by a representative group of early recorded pianists with respect to both Chopin’s score and 19th century performance treatises. It features a unique methodology for evaluating and summarizing common piano performance approaches of the 19th century in fine detail.

At mid-century, the avant-garde in both Europe and North America took a new interest in the physicality of musical performance. Musicians began to acknowledge the importance of concertgoers’ visual experience, and the elements of physical gesture, staging, and even the relationships between performers, were drawn within the scope of composable material. Instrumental music theatre was one of the results of this trend; it is a genre which takes advantage of the visual drama of music-making, setting visual material alongside acoustic material as an equal partner. Visual material, therefore, requires performers’ thoughtful attention, engagement, and rehearsal, in order to be an effective aspect of these works.
In this paper I explore the genre by considering various ways in which visual and acoustic material can relate. I describe the historical context within which this new direction first developed, looking closely at the styles and influence of Mauricio Kagel and John Cage. I then propose four different paradigms to model the relationship between sound and sight in instrumental music theatre, relating physical gesture to musical material. Through a discussion of relevant examples, I show how each of these four approaches creates drama and musical meaning at aesthetic, symbolic, and narrative levels.
I then discuss the challenges posed by instrumental music theatre, using examples from the repertoire. I believe that these challenges should also be considered opportunities for musical growth, and that ultimately a study of this genre will enrich musicians’ work in every performance, whether or not it is intentionally dramatic.

This paper provides a performance analysis of one of Ernani Braga’s most well regarded compositions, Cinco Canções Nordestinas do Folclore Brasileiro (Five Songs of Northeastern Brazilian Folklore). I include a biography of the composer, a complete catalogue of his songs, and an analysis of the musical construction and technical performance challenges of his folk song cycle. By doing so, I also hope to draw attention to Braga’s compositional output for voice and piano, and to raise awareness of his importance as great Brazilian musician and accomplished composer.

For more details, go to:
<http://www.scribd.com/doc/238185630/FIVE-SONGS-OF-NORTHEASTERN-BRAZILIAN-FOLKLORE-BY-ERNANI-BRAGA-HARMONIZED-FOR-VOICE-AND-PIANO-A-PERFORMANCE-GUIDEPDF>

O tema desta dissertação é a autorregulação da aprendizagem instrumental à luz da teoria social cognitiva, de Albert Bandura. Esta abordagem destaca a capacidade de o aluno intervir de forma consciente, intencional e autorreflexiva no próprio desenvolvimento, participando ativamente do seu processo de aprendizagem. A fundamentação teórica proposta para esta investigação apoia-se na “Abordagem Multidimensional da Autorregulação da Aprendizagem” de Zimmerman e Risemberg, que descreve a autorregulação a partir de seis dimensões: (1) motivação, (2) método, (3) tempo, (4) desempenho, (5) ambiente físico e (6) influências sociais. O objetivo desta pesquisa foi investigar elementos da
autorregulação da aprendizagem na conduta de uma percussionista durante o aprendizado de uma
nova obra musical. O método adotado consistiu em um estudo de caso, tendo como unidade de análise
o processo de estudo de uma obra realizado por uma aluna de bacharelado em música (percussão).
Os resultados indicaram: (a) a incidência de aspectos motivacionais no processo de estudo investigado,
com destaque para as crenças de autoeficácia e as expectativas de resultado; (b) o emprego de uma
diversidade de estratégias de natureza cognitiva, metacognitiva e comportamental. Tais estratégias foram adotadas em detrimento a padronização de ações, atuaram associadas (complementando-se) e
foram variadas e aprimoradas a medida que o processo de estudo avançou; (c) a ocorrência de eventos
relativos ao “planejamento” (metas de aprendizagem e delineamento das atividades), “monitoramento” (experiências e conhecimentos metacognitivos; observação e interpretação dos desafios) e
“avaliação” da aprendizagem (atribuições causais e inferências – autoavaliativas e autorreativas); (d) o
impacto das variáveis ambientais, com destaque às influências físico-estruturais e sociais, enfatizando
a modelação social e os processos de atenção, retenção, reprodução e motivação. Espera-se que as
considerações aqui apresentadas favoreçam o aprimoramento de condutas que orientem a prática musical de instrumentistas em direção a um desenvolvimento musical consciente, reflexivo e autônomo.

The objective of this research is to know the gestures used by the performers in chamber music. Chamber music is defined as participation in small groups, in which the performing is coordinated without the intervention of a conductor, each of the performers being responsible for the performance of their own voice or part. These demands make chamber practice a fundamental part of the musician's training and justify their insertion in the curriculum of professional education. The introduction exposes the limitations of the contents prescribed by the Spanish Administration for the teaching of this subject, being the only visual resources cited the upbeat.
The premise is that overcoming the difficulties inherent in public performins and classrooms has been made possible by the acquisition of skills for nonverbal communication, whose knowledge can be accessed through the adoption of an ethnographic perspective. The theoretical part refers to the different aspects of the instrumental interpretation and its relation with the gestuality developed by the performers.  The relationship between Music and movement in different planes (parameters of sound, articulation of musical discourse, instrumental mechanics, etc.) and precedents in research on nonverbal communication, in which signs can only be interpreted according to context, Place this research within the qualitative paradigm.  The research design is oriented to the development of the content analysis of the gestures used by the interpreters. The inclusion of specialties of all instrumental families results in limitations in the number of individuals in each of the sample sectors  The result contains a great variety of gestures, described in their context of application, detecting differences between the instruments, with divergences in some individuals and a relation with the mechanics of each specialty in numerous individuals.  In many of them, on the contrary, the dimensions of the sample make it difficult to generalize the conclusions. Notwithstanding these limitations, this research provides a system of analysis of the gesturality between instrumentalists, which allows the classification and characterization of the gestures, placing them in specific points of the musical discourse.  As a consequence, a tool is available to advance the development of the contents of the subject of Chamber Music, defining the gestural resources necessary for the group interpretation and the characteristics of the musical discourse that motivate the implementation of these means .
Résumé: Cette recherche vise à comprendre les gestes utilisés par les instrumentistes pour l'interprétation de la musique de chambre, la définition de cette discipline comment la participation à de petits groups, dans lesquels une action commune doit être coordonnée sans l'intervention d'un directeur (le chef d'orchestre), où chaque musicien est responsable de faire ses propres voix ou partie des interprètes.
Ces exigences font de la musique de chambre pratique une partie fondamentale de la formation musicien et elles justifient leur inclusion dans le curriculum de l'enseignement professionnel. L'introduction met en évidence les limites des contenus prescrits par l'Administration à l'enseignement de cette matière, étant les seules ressources visuelles ont cité les gestes pour marquer le comencement de l'intepretation.
On suppose que surmonter les difficultés de la chambre performance musicale dans les salles de classe et des scénarios rendus possibles par l'acquisition de compétences à la communication non verbale, dont la connaissance peut être accessible à partir de l'adoption d'un point de vue ethnographique. La partie théorique se réfère aux divers aspects de l'interprétation instrumentale et sa relation avec des gestes développés par les artistes interprètes ou exécutants.
La relation entre la musique et le mouvement à différents niveaux (paramètres du son, l'articulation musicale de la parole, de la mécanique instrumentale, etc.) et des précédents dans la recherche sur la communication non verbale dans laquelle des signes ne peut être interprété en fonction du contexte situer cette recherche dans le paradigme qualitatif.
La conception de la recherche se concentre sur le développement de l'analyse du contenu des gestes utilisés par les interprètes. Spécialités, y compris toutes les familles des résultats instrumentaux dans des limites sur le nombre de personnes dans chacun des secteurs de l'échantillon.
En conséquence, une variété de gestes, décrit dans son contexte d'application, la détection de différences entre les instruments, avec des différences de certains individus et une relation claire avec la mécanique de chaque spécialité dans un nombre considérable de cas est obtenu.
Dans un grand nombre d'entre eux, au contraire, les dimensions de l'échantillon difficile de généraliser les résultats. Malgré ces limites, cette étude fournit un système d'analyse de gestes entre instrumentistes, qui permet la classification et la caractérisation des gestes, en les plaçant dans des points spécifiques du discours musical.
Par conséquent, il existe un outil pour faire avancer le développement de contenus propres du sujet de musique de chambre, définissant les ressources gestuelles nécessaires à la performance du groupe et les caractéristiques du discours musical qui motivent la mise en œuvre de ces moyens.
Resumen: Esta investigación se dirige al conocimiento de la gestualidad utilizada por los instrumentistas para la interpretación de la música de cámara, entendiendo esta disciplina como la participación en pequeños grupos, en los que la actuación conjunta ha de coordinarse sin la intervención de un director, siendo cada uno de los intérpretes responsable de la realización de su propia voz o parte. Estas exigencias hacen de la práctica camerística una parte fundamental de la formación del músico y justifican su inserción en el currículo de las enseñanzas profesionales. La introducción pone de manifiesto las limitaciones de los contenidos prescritos por la Administración para la impartición de esta asignatura, siendo los únicos recursos visuales citados los gestos anacrúsicos. Se parte del supuesto de que la superación de las dificultades propias de la interpretación camerística en aulas y escenarios ha sido posible por la adquisición de habilidades para la comunicación no verbal, a cuyo conocimiento se puede acceder desde la adopción de una perspectiva etnográfica. La parte teórica hace referencia a los diferentes aspectos de la interpretación instrumental y su relación con la gestualidad desarrollada por los ejecutantes. La estrecha relación entre Música y movimiento en diversos planos (parámetros del sonido, articulación del discurso musical, mecánica instrumental, etc.) y los precedentes en la investigación sobre comunicación no verbal, en la que los signos sólo pueden ser interpretados en función del contexto, sitúan esta investigación dentro del paradigma cualitativo. El diseño de investigación se dirige al desarrollo del análisis de contenido de los gestos utilizados por los intérpretes. La inclusión de especialidades de todas las familias instrumentales tiene como consecuencia limitaciones en el número de individuos en cada uno de los sectores de la muestra. Como resultado, se obtiene una gran variedad de gestos, descritos en su contexto de aplicación, detectándose diferencias entre los instrumentos, con divergencias en algunos individuos y una relación clara con la mecánica de cada especialidad en una cantidad considerable de casos. En muchos de ellos, por el contrario, las dimensiones de la muestra dificultan la generalización de las conclusiones. No obstante estas limitaciones, esta investigación aporta un sistema de análisis de la gestualidad entre instrumentistas, que permite la clasificación y caracterización de los gestos, situándolos en puntos concretos del discurso musical. Como consecuencia, se dispone de una herramienta para avanzar en el desarrollo de los contenidos propios de la asignatura de Música de Cámara, definiendo los recursos gestuales necesarios para la interpretación en grupo y las características del discurso musical que motivan la puesta en práctica de estos medios.

La teoría reciente de la edición musical ha privilegiado las llamadas ediciones críticas como el estadio más elevado entre las alternativas existentes para el tratamiento de un texto musical. Si bien la edición crítica admite sin ambages que la intervención del texto por parte del editor resulta inevitable, también la considera hasta cierto punto indeseable. Este trabajo procura precisamente examinar el paradigma de la edición crítica con base en casos extremos de edición musical, donde se fuerzan los límites comúnmente admitidos de intervención del texto, poniendo a prueba dicha teoría. Para ello ensayamos un modelo de edición basado en lo que Paul Henry Lang llama “interpretación imaginativa”, estudiando sus consecuencias en un par de casos particulares.

The present work consists in an update of a work published in 2011 by ENSAIO – Research group in Music Performance Learning and Teaching, aiming to collaborate for investigations related to the learning, teaching and Pedagogy of musical instruments, voice and conducting. The work consists in a survey of
thesis and dissertations published in Brazil related to the subject, according to presented criteria. Conclusions point to the expressive increase of Brazilian’s academic production in the last four years – 76,25% – indicating growing interest in the mentioned topic.

This study aimed to investigate the presence of technical-vocal aspects of the
Italian singing school better known as Bel Canto, in the chamber music repertoire for
voice and guitar (or piano) by the Italian composer Mauro Giuliani (1781 – 1829). In
this way, it was first approached historical aspects of this singing school, treating
especially the insertion of the female voice in musical performances throughout the
XVII, XVIII and XIX centuries, and then selected five technical-vocal aspects
belonging to Bel Canto in order to conceptualize and exemplify them in pieces of the
operatic repertoire of the nineteenth century. In order to highlight the link between
Giuliani and the nineteenth-century vocal practice, there was an inclusion of some
aspects of this composer’s life and work, stressing through biographical,
historiographical, and compositional data, his relationship with Gioacchino Rossini,
which may justify the dramatic and scenic character of his works. Finally, the study
included two types of analysis of the piece Sei Ariette, Op. 95: a traditional and
formal analysis detecting, among other things, the five technical and vocal aspects of
Bel Canto previously studied; and an analysis of the poem-song, where it was
possible to develop a plot to establish unity among all ariettas that make up the work.
It was intended, in the light of such analyzes, to incorporate these elements in my
performance and elucidate them in the interpretation of the nineteenth century
belcantist repertoire.

This dissertation focuses on three piano pieces which had a central role in my doctoral recitals at UCSD: Klavierstück IX (1961) by Karlheinz Stockhausen, Sequenza IV (1966) by Luciano Berio, and Night Fantasies (1980) by Elliott Carter. I discuss here some of the challenges I faced in the process of learning these works, and provide suggestions on how to practice and perform them.

Esta pesquisa tem como objetivo investigar como o Artesanato Furioso desenvolve seu projeto artístico a partir de uma abordagem que coloca a ação performática como foco principal. Reconhecendo que a noção hegemônica de obra musical remeteria, segundo Lydia Goehr (1992), a uma prática musical oriunda de um contexto histórico e sócio-cultural específico, não podendo ser aplicado de maneira generalizada, esta pesquisa tomou como base as teorias de morfologia musical defendidas por Valério Fiel da Costa (2016), as quais fundamentam a prática do Artesanato Furioso. Nessa visão, a obra estaria situada no campo morfológico, tendo sua forma concretizada por meio da ação performática. As análises apresentadas nesta pesquisa tiverem como foco principal o processo performático desenvolvido pelo projeto Artesanato Furioso nos casos abordados. Foram selecionadas quatro performances, com características distintas, representativas das situações típicas abordadas pelo projeto: Child of Tree (1975), de John Cage, Quatre Fois (1980), de Didier Guigue, Wu Li (1990), de Hans-Joachim Koellreuter, e ÍCONES: iconoclastia, iconoplasmia e o Ícone de J-P Caron (2016), do próprio Artesanato Furioso. Nas análises foi feito o mapeamento das decisões interpretativas e soluções adotadas pelos performers ao longo do processo performático, considerando, além das performances públicas, as etapas de planejamento e preparação, e as informações fornecidas pelos performers quanto ao seu entendimento da proposta abordada. A partir da comparação entre as informações e gravações coletadas, foi possível traçar o perfil morfológico das performances estudadas e mostrando a relação entre o processo performático e os resultados morfológicos produzidos.

Resumo: O estudo da série harmônica faz parte dos conteúdos das principais aulas de teoria da música e de harmonia. A utilização da série sub-harmônica foi proposta por Hugo Riemann em Harmony Simplified, como fundamentação de uma estrutura funcional da harmonia. No entanto, este conteúdo apresenta pouca atenção dentro das aulas de solfejo. A proposta deste artigo é apresentar os aspectos teóricos das séries harmônica e sub-harmônica e vinculá-los a atividades pedagógicas na prática do solfejo visando o aprimoramento da afinação e também da percepção musical. A análise dos elementos teóricos propõe a utilização de notas de referência para guiar a entoação de arpejos maiores e menores dentro de um contexto que valorize o processo cognitivo durante a aprendizagem. Abstract: Studies about the harmonic series are essential part of the required content in music theory and also in harmony classes. Riemann was the pioneer to present the use of the subharmonic series to study harmony, but he was strongly criticized by researchers. Otherwise, the study of the harmonic and subharmonic series is not a vital part of solfege and ear training classes. This article aims to present some theoretical aspects of the harmonic and subharmonic series and link them to practical activities in solfege, regarding ear training and intonation. The use of the harmonic and subharmonic series can offer the reference sounds that will guide singing and intonation of major and minor chords.

La musicología, desde su perspectiva histórica, comúnmente propone a la partitura como referente principal. Influida por las ideas del formalismo, es en la escritura musical en donde se materializa la forma y coherencia interna de una obra musical autónoma y autosuficiente. Partiendo de las ideas de los estudios del performance, el presente trabajo busca indicar la influencia directa, tanto de condiciones corporales como instrumentales específicas, al texto musical escrito. A través de un análisis histórico de la escritura musical para guitarra del Renacimiento al siglo XX, se muestra como la partitura resulta reflejar un diálogo entre diferentes dimensiones las cuales, en su conjunto, forman lo que es la música. Palabras clave: escritura musical guitarrística, formalismo, dimensiones instrumental y corporal.

Musicology, in its historical perspective, commonly proposes the score as its primary referent. Influenced by formalist thinking, it's in the musical score where form and inner coherence of the autonomous and self-sufficient musical work materialize. Based on assumptions from the field of performance studies, the article's objective is to show how the human body and the physical conditions of the musical instrument itself reflect directly in musical writing. By ways of an historical analysis of guitar music notation from the Renaissance to the Twentieth Century, it is demonstrated how the score itself displays this dialogue between different dimensions which, in their totality, conform what we define as music.

Resumen
Este trabajo tiene por objeto plantear un problema de investigación derivado del análisis de objetos culturales altamente complejos como son las piezas de la cultura de masas, en relación a temas que también se destacan por su complejidad y opacidad como son la constitución y
producción de racialidades en el contexto local. Analiza casos de representación de la negritud en el cine argentino entre las décadas del treinta y principios de los años cincuenta a través de performances musicales de jazz, música tropical y candombe. Propone distintos modelos de representación según las características derivadas del estudio de casos, mediante herramientas interdisciplinarias que confluyen para el análisis desde una perspectiva en estudios culturales.
Palabras clave: Estudios culturales, Argentina; 1930-1950; Música y cine; representación y performance.

Este é um pedido antigo que só consegui terminar agora devido ao elevado nível de exigência do instrumental.
O tema: “All I ask of you” foi composto pelo famoso Andrew Lloyd Webber e foi incorporado na banda Sonora do filme “o fantasma da ópera” (The Phantom of the Opera) Esta canção em forma de dueto foi inicialmente gravada por Cliff Richard e Sarah Brightman em 1986, transformando-se automaticamente num sucesso mundial gigantesco. Posteriormente, muitas celebridades regravaram o tema, sendo, na minha opinião, a versão de maior sucesso (recente) a do dueto entre Kelly Clarkson e Josh Groban (2015).
A letra do tema foi baseada no romance homônimo de Gaston Leroux. Tendo sido escrita por Andrew Lloyd Webber, e Charles Hart O musical narra a história de uma bela soprano, Christine Daaé, que passa a ser a misteriosa obsessão de um gênio musical conhecido como "O Fantasma da Ópera", já que ninguém o vê nem sabe quem é.
O álbum de estúdio com o elenco original está na lista dos 200 álbuns definitivos no Rock and Roll Hall of Fame, e vendeu entre 24 a 40 milhões de discos por todo o mundo.
Musicalmente falando, o tema original está na tonalidade de Dó# mas eu fiz esta versão em Dó natural, harmonicamente é muito bem construído e está no grau de dificuldade avançada para os alunos do 2º ciclo. Melodicamente é fácil tanto ao nível da altura (não tem notas alteradas nem grandes saltos, como ao nível do ritmo, (colcheias, mínimas e semínimas).
Deixei um pequeno solo sem legenda que sugiro que sirva para desafiar alguns alunos mais avançados que queiram tocar sozinhos.

Electroacoustic music occupies a curious position within the arts. On the one hand, it appears to be aligned with the plastic arts, such as painting and sculpture; composers often refer to the haptic, kinaesthetic and even proprioceptive nature of their compositional acts in terms of crafting, moulding and sculpting sounds in the studio. On the other hand, electroacoustic music appears be aligned with the performing arts, such as drama, dance and most forms of instrumental music; the proliferation of diffusion systems and the increasing sophistication of tools for real-time spatialisation lend credence to associations with traditional notions of performance practice. This paper seeks to demystify this ostensible paradox. It starts considering an ontological distinction that holds between the plastic arts and the performing arts, goes on to consider whether electroacoustic music is ontologically similar to one or the other, and concludes with the following point: electroacoustic music may be characterised by either plasticity or performance but, in many cases, it falls between these polarities. This observation may help to explain why some philosophers, aestheticians and musicologists have struggled to accept electroacoustic music whilst enabling one to identify where the unique value of this exciting and uncompromising art-form resides.

Musicological, stylistic, pedagogical analysis and presentation of the performance edition of the Manuscript M.M. 4824 entitled "Consta este Livro de toda a Casta de Lisões, que servem para se fazer estudo na Rabeca: ao que Se seguem todos os tons, varias Cadencias, diferentes Arpegios, e outras Coriozidades he de Pedro Lopes Nogueira”. The violin method by Pedro Lopes Nogueira can be considered the most complete set of violin studies of the 18th century. From the point of view of the pedagogy of the period, based on partimenti, solfeggi and zibaldone, Nogueira's book has the characteristics of a compilation of exercises and compositions of the zibaldone, commonly used in the Italian music teaching of the 18th century, probably assimilated in Portugal and brought by the immigration of musicians from Italy. Pedro Lopes Nogueira was a Portuguese virtuoso and pedagogue who performed mainly in the cities of Lisbon and Coimbra in the first half of the 18th century for over 60 years. The uniqueness of this method is discussed within the historical context of violin pedagogy, which seems to put Portugal in a new perspective when we compare Pedro Lopes Nogueira with his European contemporaries. Inside his 244 pages, we find a great variety of materials headed by 13 sonatas for violin and continuous bass. The focus of the study is on these sonatas which are evaluated as to their feasibility, degrees of difficulty and musical content, putting them into perspective as a relevant source of teaching, stylistic data and repertoire for public presentation in recitals. A comparative analysis between the Casta de Lições and the main didactic works of the violin of the 18th century, addresses its technical and aesthetic issues, especially with the works of Francesco Geminiani, Leopold Mozart and José Herrando. As methodological references, the schemata proposed by Gjerdingen (GJERDINGEN 2007) and the theory of topics applied to baroque music (LOPEZCANO, 2011; MIRKA, 2014) are used as subsidies for a historically informed interpretation. Likewise, a comparison of the manuscript as a method of studies and/or lessons with one of the main modern authors of violin pedagogy, such as Ivan Galamian, allows the tracing of violinistic principles from the 18th century and their connection with current practices. Regarding the editorial process, the philological principles of the different types of edition (FIGUEIREDO 2004; FIGUEIREDO 2012) and especially the concepts and procedures of EdiP (Performance Edition), proposed by Fausto Borém (2015), are considered.

O presente trabalho é uma investigação sobre a construção das noções de estilo e identidade musical, na prática artística do instrumento bateria. Esta tese encontra-se dividida em duas seções: a primeira dedica-se a uma discussão de pressupostos teóricos acerca destas noções e suas implicações na performance musical de bateristas, em geral; a segunda seção é uma proposta de articulação das noções discutidas, nos dois primeiros capítulos com um estudo de caso, direcionado para a prática artística do baterista e compositor Realcino Lima Filho, o Nenê. O objetivo desta pesquisa é debater a construção social – em oposição aos apelos de uma expressão essencial – da identidade musical e do estilo, em intérpretes engajados na performance de bateria, a partir de três indicadores principais: a sonoridade, o groove (ou balanço) e o fraseado. A metodologia empregada no desenvolvimento desta pesquisa envolve: 1. Revisão bibliográfica, a partir do diálogo com autores ligados aos estudos culturais e de identidade, tais como Hall, Silva e Woodward, vinculando-os a autores ligados à musicologia crítica tais como Frith, Cook, Monson, Berliner, Fabbri, Benson, Roholt, além de autores ligados à sociologia, em especial à tradição disposicionalista, tais como Bourdieu e Lahire; 2. Um estudo de caso particular que contém: a) a construção de um retrato sociológico, a partir da noção de disposição social; b) entrevistas semiestruturadas e c) transcrições e análises musicais; 3. Cruzamento das noções teóricas, contidas na revisão bibliográfica com
dados e indicadores provenientes das entrevistas aplicadas e dos indicadores musicais captados por meio de transcrições de registros musicais selecionados, endereçados para exame e debate acerca da construção da identidade musical e do estilo na prática artística de
Nenê, notadamente junto ao trio, a partir do ano 2000. Em sua conclusão, este trabalho indica a importância contextual dos diferentes tempos e ambientes de prática social no esforço de compreensão da expressão artística de um indivíduo; e, no caso particular da prática musical de Nenê, aponta a centralidade de sua relação com a composição musical nas discussões sobre sua performance na bateria.
____________________________
This work is an investigation on the building of notions of style and musical identity in the artistic practice of drumset. This thesis is divided into two sections: the first is dedicated to a discussion on the theoretical assumptions of these notions and their implications to the performance of drummers in general; the second section is a proposal of articulation of the notions discussed in the first two chapters with a study case which focuses on the artistic practice of drummer and composer Realcino Lima Filho, also known as Nenê. The objective of this research is to debate the social construction – as opposed to the appeals of an essential expression – of musical identity and style of interpreters engaged in drumset performance, from three main data indicators: sound, groove and phrasing. The methodology used in the development of this research involves: 1. Bibliographic review of the dialogue with authors connected to cultural and identity studies such as Hall, Silva and Woodward, connecting them to authors linked to critical musicology such as Frith, Cook, Monson, Berliner, Fabbri, Benson, Roholt, as well as authors connected to sociology, especially to dispositional sociology, such as Bourdieu and Lahire; 2. A particular case study which contains: a) the constructions of a Sociological Picture from the notion of social disposition; b) semi-structured interviews and; c) musical transcriptions and analysis; 3. Crossing over of theoretical notions identified in the
bibliographic review with data and indicators taken from the interviews, and with musical indicators collected from the selected musical transcriptions and registers, used in the exam and debate on the construction of musical identity and style in Nenê’s artistic practice in his own trio from 2000s. As a conclusion, this work indicates the relevance of the context of different times and social practice environments in the effort of understanding an individual’s artistic practice; and in the particular case of Nenê’s music practice, it indicates the relevance of his relation with composition in the discussions on his drumset performance.

In this article, we aimed to understand some of the techniques employed by Toninho Horta in the role of accompanying guitarist, notably in his performance on the album “Sem Você” (Omagatoki, 1995). Through analysis of two versions of the song “Ela é Carioca” that appear on the album, we investigated four elements present in the two performances, namely: 1) reharmonization; 2) alteration of musical form; 3) rhythmic grooves on guitar; 4) technical-instrumental issues-solving strategies. In the reflection undertaken, the fourth item was highlighted as characteristic of Horta’s execution which may indicate new perspectives on the idiomatic resources of the guitar.

RESUMEN
    La presente investigación es una síntesis de una tesis de grado que analiza el perfil del egresado de la Licenciatura en Flauta de la Universidad Nacional de Cuyo y su inserción laboral. Se focaliza en la relación entre las herramientas brindadas en los planes de estudio y las exigencias de un puesto de trabajo con especificidad en el campo del título obtenido, observada desde el punto de vista de un grupo de egresados y estudiantes avanzados de la carrera. Para ello, se utilizó una metodología mixta, donde se articularon datos cuantitativos obtenidos a través de una encuesta de preguntas cerradas a 18 egresados y estudiantes avanzados, con datos cualitativos construidos a partir de entrevistas a flautistas profesionales. Sumado a un relevamiento de puestos de trabajo afines a la titulación objeto de esta investigación, que permitió tipificar la realidad laboral actual del flautista profesional en la Argentina, se pudieron describir las dificultades que se les presentan a los egresados para lograr una carrera deseable y sustentable en el terreno de la performance musical. Por ello, es que se llegó a la conclusión de que, en un medio caracterizado por la escasez de puestos de trabajo específicos de la titulación en cuestión, los egresados deben valerse de herramientas que trascienden a las que se les puede ofrecer en una formación de grado universitario.
ABSTRACT
    The present investigation is a synthesis of a degree thesis that analyses the graduate’s profile of the Bachelor's Degree in Flute of the National University of Cuyo and their labor insertion. Focuses on the connection between the tools offered in the study programmes and the demands of a job with specificity in the field of the obtained degree, analyzed from the point of view of graduates and advanced students of the course of study. In order to achieve this, a mixed methodology was used, where quantitative data, obtained through a survey of closed-ended questions to 18 graduates and advanced students, were articulated with qualitative data, obtained from interviews with
professional flute players. Considering a gathering of jobs related to the degree object of this research, which allowed to typify the current Argentine working conditions of the professional flute player, it was possible to describe the difficulties that graduates face in achieving a desirable and sustainable career in the field of musical performance. For this reason, it was concluded that, in an environment characterized by the shortage of specific jobs for the degree in question, graduates must employ tools that go beyond those that can offer their undergraduate university education.

The practice of Chamber Music develops communicative skills. The performers use the learning acquired in the other subjects of the conservatories, in a context of collaboration between the components of the group. The gestuality is an important tool for the communication between the performers, without changes in the sound text. This research uses a representative piece of the repertoire to advance the knowledge of the relationship between the body language of the different instruments and the levels of meaning of the musical language. The gestures are described in relation to the characteristics of the sound, the structure and the underlying message in the musical text. The resulting categories are a first contribution to the systematic teaching of these contents in the classroom.

La práctica de la Música de Cámara facilita el desarrollo de competencias comunicativas. Los intérpretes se sirven de los aprendizajes adquiridos en el resto de las asignaturas de los conservatorios, en un contexto de colaboración entre los componentes del grupo. La gestualidad destaca entre los recursos para la comunicación entre los intérpretes, evitando alteraciones del mensaje sonoro. Esta investigación utiliza una pieza representativa del repertorio para avanzar en el conocimiento de la relación entre el lenguaje corporal de los distintos instrumentos y los diferentes niveles de significado propios del lenguaje musical. Los gestos son descritos en relación a las características del sonido, la estructura y el mensaje subyacente en el texto musical. Las categorías resultantes constituyen una primera aportación para la enseñanza sistemática de estos contenidos en el aula.

Um problema muito comum, enfrentado tanto por alunos de graduação quanto de pós-graduação, refere-se à grande dificuldade de conceber intelectualmente e de formular verbalmente bons projetos de pesquisa em Música (trabalhos de conclusão de curso, iniciação científica, cursos de especialização, mestrado e doutorado). O presente texto almeja contribuir para a solução deste problema, apresentando uma visão geral sobre o conceito de Musicologia, ciência dedicada ao estudo da Música, com especial ênfase para a apresentação das principais características e objetivos das diferentes linhas de pesquisa existentes dentro da Musicologia. O texto também destaca quais são os principais desafios a serem enfrentados por tais linhas durante o século XXI. Espera-se que este texto auxilie os alunos de graduação e pós-graduação em Música a compreender melhor o que é esperado de seus projetos de pesquisa, de acordo com a linha de pesquisa adotada pelo orientador pretendido.

The  present  work  focus  effects  of  resonance  on  Sequenza  IV  for  piano  by  the italian  composer  Luciano  Berio  (1925-2003),  assuming  the  hypothesis  that  the resonance is a structural material. Therefore, five excerpts were selected from the score  and  extracted  from  recordings  of  three  chosen  pianists.  Fifteen  spectral analysis were elaborated to illustrate results perceptible by  listening, dealing with a discussion about the interpreter’s comprehension of the materials, particularities  of the  excerpts  and  their  expected  effects. This work  also  has  an  historical-cultural approach, establishing a dialog between the composer’s personal conceptions and musical ideas from his time,  evidencing  Sequenza  IV’s  importance  and  its peculiarities  inside  the  Sequenze  cycle. Also,  a  brief  study was made  about  the pedal  mechanisms  along  the  history,  as  well  as  its  applications  on  the  piano repertoire.

Este artigo apresenta os resultados obtidos nos dois primeiros capítulos da Dissertação de Mestrado O Choro Concertante para Saxofone Tenor e Orquestra de Claudio Santoro: Uma Proposta Interpretativa. São eles: “Contexto Histórico” e “Os eventuais problemas encontrados entre o Intérprete e o texto (a partitura)”. Como procedimento metodológico de pesquisa, recorreu-se às fontes primárias (partituras, correspondências pessoais do compositor, catálogos de obras, entrevistas) e às performances feitas pelos saxofonistas Joaquim Gonçalves Quincas, em 1954, e o autor deste trabalho em 2009. Em um segundo momento, realizou-se uma análise comparativa entre o manuscrito autógrafo (grade orquestral) e a edição da Academia Brasileira de Música (ABM 2003). Verificou-se, então, que os erros textuais encontrados nessa edição podem influenciar no estudo interpretativo da obra. Deste modo, é apresentada aqui uma edição da parte de saxofone baseada na transcrição do manuscrito autógrafo com comentários interpretativos para a performance.

Pablo Sarasate (1844-1908)
1. Zapateado
Enrique Granados (1867-1916)
2. Intermezzo
3. Zapateado
Isaac Albeniz (1860-1909)
4. Preludio
5. Tango
6. Serenata
7. Asturias
8. El Albaicin
9. Granada
Claude Debussy (1862-1918)
10. Soiree dans Grenade
11. La serenade interrompue
12. La Puerta del Vino

Resumo: Desenvolver a capacidade de perceber, imaginar, compreender, analisar e antecipar música é indispensável para o músico. Estes processos também são objetos de estudo da cognição musical, de modo que, uma clara compreensão aponta ser benéfica para formulação de questões de pesquisa cujas implicações têm aplicação direta tanto para a prática quanto para o ensino musical. Este artigo trata-se de uma discussão teórica dos conceitos relacionados a esses processos: Ouvido Interno, Representação Mental, Imagética, Prática Mental e Audiação. Apesar destes processos terem funções fortemente relacionadas, possuem abrangências distintas e muitas vezes podem ser apresentados com delineamento conceitual inapropriado. Cada um dos processos possue funções que se complementam, indo desde a captação das ondas sonoras para posterior processamento cognitivo, do formato representacional das informações na mente, até a manipulação, compreensão e atribuição de significado a estas informações. Abstract: Develop the ability to perceive, imagine, understand, analyze and anticipate music is indispensable for the musician. These processes are also objects of study of music cognition so that a clear understanding points be beneficial to formulate research questions which have direct implications for the practical implementation and music teaching. This article is a theoretical discussion of the concepts related to these proceedings: Inner Ear, Mental Representation, Imagery, Mental Practice and Audiation. Although these processes have strongly related functions, they have different scopes and can often be presented in a confusing way. These processes have functions that complement each other, ranging from the capture of sound waves for later cognitive processing, the representational format of information in mind, to the manipulation, understanding and attribution of meaning to this information. A percepção musical está fundamentada na recepção dos estímulos sonoros e sua decodificação enquanto elementos musicais. A frequência, a amplitude, a forma de onda e a duração de uma onda sonora são os elementos acústicos básicos que permitirão a identificação dos elementos musicais enquanto altura, dinâmica, timbre e ritmo. A identificação de frequências e suas diversas formas de representação oral, gestual e escrita formam o material de trabalho das disciplinas de Percepção musical. A discussão sobre percepção inicia-se na diferenciação entre ouvir e escutar, no qual ouvir é um processo físico

Este estudio interroga acerca de los obstáculos socio-históricos, intelectuales y poiéticos de la creación escénico-musical, desde un abordaje que vincula la performance artística con una ética de la subjetividad. Revela una propositiva de la libertad creativa, apuntalada en los límites propios de los ritos de la producción. Sortea los mecanismos que inhiben creatividad como los falsos ídolos, símbolos rígidos que de continuo se interponen en el quehacer del intérprete. Por último, conduce estas reflexiones hacia la escenificación de un concierto des-montado.

This research explores the socio-historical, intellectual and poietic obstacles of the scenic-musical creation, from an approach that links artistic performance with an ethics of subjectivity. Reveals a proposal of creative freedom, propped up within the limits of production rites. It circumvents the mechanisms that inhibit creativity such as false idols, rigid symbols that continuously get in the way of the interpreter's work. Finally, leads this reflections towards the setting  of a un-staged concert.