Sinfonia

L’importanza storica delle ‘sinfonie’ albinoniane sta nel fatto che queste composizioni (scritte tra fine Seicento e gli anni Trenta del Settecento) hanno conservato l’esemplificazione del processo, nel suo stadio iniziale, di differenziazione stilistica e morfologica dei due tipi di sinfonia: quella ‘indipendente’ e quella ‘avanti l’opera’ [...]

The organist Christian Michael Wolff (1707–1789), who spent nearly his whole life in his native city of Stettin (today, Szczecin in Poland), has until recently attracted little attention as a composer. He has been disadvantaged by working in a very peripheral, provincial centre, but more particularly by the simple fact that it was only in the 1770s, when he was already advanced in age, that he began to publish his music systematically. Hardly known at all are his four relatively early (c. 1740) orchestral works preserved in Musik- och Teaterbiblioteket, Stockholm. These comprise two concertos for flute and strings, an oboe concerto and a sinfonia for strings.
Earlier studies of Wolff’s life and works, most notably one by Werner Freytag (1936), have brought to light his brief period of residence in Berlin (1729–1732) and accurately linked him in a general way to the Berlin school of composers represented by such figures as J.J. Quantz and C.P.E. Bach. They have identified his main published collections, consisting of a set of six “accompanied” sonatas for harpsichord (1776), a collection of 37 songs with written-out keyboard accompaniment (1777), a set of duets for two flutes (1778) and his final magnum opus, a collection of 57 chorale preludes for organ (1782). The scholarly evaluation of his music, however, has been coloured from the start by negative perceptions of the galant style, from which only the most recent commentaries have been able partially to free themselves.
The most progressive, original and attractive features of Wolff’s later music are all prefigured in the orchestral works in Stockholm. The consistency of his musical personality and his treatment of elements such as rhythm and form make it certain that the “Wolff” (without forename) of the concertos and sinfonia is the same man as the author of the collections – bearing in mind that this surname, with or without doubling of the final consonant, is shared by several German composers active during the same period. But the orchestral works remain firmly within the “late baroque” orbit – their natural comparators are works by such men as Hasse, Quantz or Vinci – whereas the late works all display to a greater or lesser extent empfindsam and, indeed, pre-classical features.
Analysis of the manuscript parts in Stockholm, all of which belong to the “Utile Dulci” collection (consultable in digital form) and have been thoroughly investigated by scholars with regard to their bibliographic aspects, reveals that they were copied out in the mid or late 1740s by a group of rather inexpert and careless scribes under the direction of the concertmaster of the court orchestra, Per Brant (1714–1767), who was also a collector of music and concert promoter in his own right. It is unlikely that they were acquired at first hand from Wolff himself: a second, anonymously preserved source for the oboe concerto in Schwerin suggests that the composer’s orchestral works were already in circulation in northern Germany, and so makes it more likely that it was from one or more places outside Stettin – perhaps Berlin itself – that they came into Brant’s hands.
The concertos are notable for a masterly and imaginative application of ritornello form (conforming closely to the advice given to composers by Quantz in his Versuch), capacious but not over-inflated dimensions, rhythmic sophistication, frequent dialogues between basso and bassetto, a mastery of idiomatic writing, in both technical and aesthetic respects, for woodwind instruments, occasional injections of contrapuntal rigour and a strong sense of structural and melodic continuity. Not only Vivaldi, as one would automatically expect, but also Locatelli and Tartini stand behind these works. The sinfonia betrays the influence of Vinci and the Neapolitans but advances even further than the concertos towards the classical musical idiom.
The high quality of Wolff’s orchestral works (and other music) shows that his rapid descent into obscurity during the early nineteenth century was undeserved as a final verdict. It is time to resurrect it, and him.

Sporadiche fino ai primi anni dell’Ottocento, le frequentazioni della Commedia dantesca da parte dei musicisti si fanno via via più assidue a partire dal XIX secolo fino alla contemporaneità. Ad accendere l’interesse dei compositori è in particolare l’episodio di Paolo e Francesca, dal Canto V dell’ Inferno: intorno alle figure degli amanti di Rimini fiorisce una produzione folta e multiforme che attraversa generi e stili, il censimento della quale costituisce l'oggetto del presente studio.

La vita musicale nel territorio della Martesana in età moderna è un capitolo della storia della musica lombarda che deve essere ancora approfondito adeguatamente. L’intento di questo scritto vuole essere quello di fornire un primo sguardo d’insieme delle varie sfaccettature del variegato mondo
musicale che interessò borghi e paesi della campagna ad est di Milano fra l’età di San Carlo e gli anni della Restaurazione.

Resumo: Este artigo discute experimentos de cimática empregando placas de Chladni e recipientes com água, partindo dos experimentos de Chladni, Jenny Hans, e da equipe do Cymascope. É discutido também a aplicação da Cimática na composição da obra Sinfonia Cimática que se dá de duas formas: da projeção em tempo real da cimática e de seu uso na criação de motivos melódicos e rítmicos. Abstract: This article discusses experiments in cymatics, utilizing Chladni plates and water containers, considering the experiments by Chladni, Jenny Hans and by the Cymascope group as a starting point. The application of Cymatics in the composicion of Sinfonia Cimática is also discussed and takes place in two forms: by cymatic real time projection, and its application on the melodic and rhythmic motives design.

Más allá de las acepciones propias de la ciencia histórica, "historia", en el lenguaje usual, es la narración de cualquier suceso, incluso de sucesos imaginarios y de mentiras; sea su propósito el engaño, el placer estético o cualquier otro. Por el contrario, aquí quiero averiguar los hechos y procesos que ocurrieron y se desarrollaron en el pasado e interpretarlos ateniéndose a criterios de objetividad; aunque la posibilidad de cumplimiento de tales propósitos y el grado en que sean posibles son en sí mismos objetos de debate. Lo ocurrente es que diferentes hechos sucedieron en distintos momentos de la historia de la música y en algún punto se entrelazan para dar vida a nuevos acontecimientos sonoros, sociales etc. Por eso desarrollaré y analizaré diferentes géneros de la música que por su similitud en el nombre, despertaron en mí la noción de querer saber qué tienen en común, cómo influenciaron al oyente, como a la sociedad en general. SINFONÍA, ROCK Y ROCK SINFÓNICO. Trazaré líneas, cuadrantes, "agujeros de gusanos", que hagan reconocer y dar respuestas al hecho de saber cuánto se repite la historia de la música… ¿ya está todo hecho?.

Through this paper, the history of suite as well as its essential movements have been discussed. Academic meaning of some terms like Partita, Overture and Sinfonia in regard of Bach are considered based on documented references, too.

در اين مقاله ضمن بيان اجمالي تاريخ سويت، موومان‌هاي ضروري آن مورد بحث و بررسي قرار گرفته و شأن منطقي واژه‌هايي چون پارتينا، اورتور و سنفونيا در آثار باخ، با ذكر دلايل مستند، تبيين شده است.

The present work is a first look at a study of the sound aspects intended by Meierhold in his theater conceptions in dialogue with music elements. Beginning with the concept of symbolism in literature, art and music, and reaching Meierhold's theater, the work tries to establish possible links that can be explored when training actors and or searching for news ways of performance.

La obra que hoy publica la Universidad de Jaén dedicada al que fue maestro de su catedral, Ramón Garay, en el 250 aniversario de su nacimiento está dividida en tres bloques: el biográfico, que de forma contextualizada sigue la pista del autor desde que nació en Avilés (1761) hasta que murió como maestro de capilla de la catedral jiennense (1823) pasando por sus lugares de formación: la catedral de Oviedo y la corte madrileña; entre sus maestros sobresalen Joaquín Lázaro y José Lidón, siendo su principal referente la música de Haydn, En este primer apartado se da cuenta pormenorizada de las polémicas oposiciones que hubo de sufrir antes de acceder al mencionado cargo.

En el segundo bloque se muestra la composición y funcionamiento de la capilla musical en tiempos tan difíciles como los de la guerra de la Independencia; aquí se informa, tanto de los cantores, como de los instrumentistas que interpretaron su música y como consecuencia de ello se plantea la posibilidad de que su obra pudiera ser estrenada en vida del autor por la propia capilla de la catedral jiennense que estaba suficientemente dotada para ello.

La última parte está dedicada al estudio de su obra sinfónica a través de sus diversos elementos y en cada una de sus sinfonías; el estudio contextual de su época y la referencia a compositores de la talla de Haydn o Boccherini da la oportunidad de conocer quiénes fueron sus modelos. La obra está plagada de ejemplos musicales, que proliferan en la parte dedicada al análisis de cada una de las obras, y en las conclusiones presentadas por el autor se puede advertir al mismo tiempo la evolución estética que el maestro ha seguido.

Resumo: Este texto consiste na análise dos aspectos intertextuais presentes no Lento (Assai) da Sinfonia n. 8 de Heitor Villa--Lobos (1887-1959), composta em 1950. É observado de que forma essas relações intertextuais incidem, apresentando as influências musicais exercidas no compositor, compreendendo o contexto em que o mesmo estava inserido, observando com quais compositores Villa-Lobos dialogava e de que forma isso ocorria. O fenômeno intertextual na música é abordado através da análise tradicional conexa com conceitos intertextuais, apresentados em categorias. Estas categorias englobam elementos gestuais, motívicos e estilizações. Os elementos relacionados às estilizações, em especial da música popular brasileira, serão discutidos através das tópicas musicais.

La música clásica es aquella que surge de las tradiciones litúrgicas y seculares en Europa, sobre todo, a partir del siglo XI hasta finales del siglo XVIII, según los autores. Sin embargo, habría que englobar todo aquello producido en el siglo XX y la actualidad que aborde las mismas características de producción y composición. Se caracterizó como música culta debido al contexto socio-cultural en el cual se desarrolló así como a su creciente profesionalización del músico-compositor, es decir, la música clásica fue promovida por la aristocracia, el clero y la burguesía. A medida que la música se transmitía a otros lugares, esta se mezclaba con la tradición y cultura musical de estos, surgiendo nuevos estilos y variantes según el lugar, manteniendo la raíz tradicional europea, donde surgió. Con ello se observa un desarrollo increíble en Europa, sobre todo, y en el mundo a partir de estos siglos XVI y XVII y surgen grandes compositores y composiciones como Beethoven, Mozart, Wagner, Vivaldi, Bach, Schubert, Chopin o Tchaikovsky, entre otros genios. Sin embargo, olvidamos u obviamos que en España han surgido numerosos compositores así como obras magnificas. De manera simultánea y coetánea con respecto a Europa, en España aparecieron compositores acorde a los tiempos y se observan composiciones en todas las épocas.