Análisis Musical

La armonía del flamenco está basada en progresiones y procesos cadenciales definidos, que a lo largo de toda su historia se han ido desarrollando, entremezclando con componentes musicales más relacionados con otros tipos de música. La aportación de Ramón Montoya ha sido muy significativa en la música flamenca, junto con la de los guitarristas que le sucedieron, hasta llegar a Paco de Lucía, la gran celebridad revolucionaria de la guitarra flamenca, el principal protagonista de este trabajo. Nuevas tensiones en los acordes, progresiones, patrones melódicos,…todo ello unido a la nueva concepción de grupo flamenco. No obstante, la cepa armónica de la música flamenca sigue vigente, y la cadencia andaluza junto a los giros y modulaciones clásicas, siguen manteniendo el esqueleto armónico de las distintas falsetas, a pesar de la continua búsqueda de nuevas sonoridades que realizan los guitarristas flamencos contemporáneos, siguiendo el rumbo que en su día emprendió el maestro Paco de Lucía.

En el 2018 se cumplen 20 del pasodoble-marcha Fernandín [1], del compositor contestano José Vicente Egea Insa. La obra consigue el primer premio en el Concurso de Composición de Música Festera de Alcoy del año 1998. Ante la clasificación de esta obra como pasodoble-marcha, su autor nos razona que eso “porque además de que es el que más se asemeja a la composición (es muy similar al pasodoble dianero), es un intento de intentar abarcar más ámbito que el puramente localista de Moros y Cristianos de la Comunidad Valenciana”.

Felix Mendelssohn and Paul Hindemith, composing about one hundred years apart, integrated visual elements, including drawings and illustrated notations, into musical manuscripts they designed as gifts for women they admired. The two documents, illustrating Mendelssohn’s Schilflied (1842) and Hindemith’s Ludus Tonalis (1942), are strong declarations of compositional and artistic ideology. This article examines the scores as reflecting, respectively, aspects of nineteenth-century and early twentieth-century conceptions of musical composition and form, and their relation to visual media.

NB: Translated by Farshad Moshfeghi for Iran's Music Report Magazine (2012)

Artículo incluido en el libro "Interpretación pianística: Estudios para la formación integral del pianista" publicado por el Cuerpo Académico de Interpretación y Ciencias de la Música, Universidad de Guanajuato / Itaca, ISBN 978-607-441-390-8

Resumen: Utilizar imágenes con el fin de ilustrar la música mientras ésta deviene en el tiempo es una práctica cada día más usual. Se deriva de la marcha veloz de las tecnologías de edición, almacenamiento y coparticipación; un desarrollo que ha acelerado no sólo la producción audiovisual, sino la interrelación de material e ideas de muy distinta naturaleza y proveniencia. Para ahondar en estos temas y, al mismo tiempo, evitar caer en una discusión teórica alejada de la realidad, el presente artículo se concentra en un caso de estudio: la recepción iconográfica de Erlkönig, el lied opus 1 de Franz Schubert basado en la balada del mismo nombre de Goethe. La primera parte del artículo analiza imágenes que se han ido incorporando en la recepción del lied: se concentra en las nuevas formas de presentar la música, las cuales van desde la reutilización de un puñado de imágenes que acompaña el devenir musical hasta la elaboración de material nuevo en forma de video animado. La segunda parte estudia la relación estructural entre texto, música y video; las polémicas del pasado que resurgen y cómo el análisis armónico y el hermenéutico apoyan la interpretación de estos productos culturales.

La disciplina del análisis y la teoría musical en España adolece de severas deficiencias que dificultan su desarrollo a un nivel comparable con el de la mayoría de los países occidentales, lo que se refleja en una enseñanza enormemente heterogénea y, en demasiados casos, de escasa calidad. Partiendo de nuestra débil tradición en la disciplina, las causas de esta situación pueden encontrarse en varios factores. En primer lugar, apenas existen espacios de encuentro en los que los profesionales de la materia (especialmente los docentes) puedan expresarse, compartir experiencias e intercambiar opiniones, como sociedades, revistas u otro tipo de publicaciones. En segundo lugar, la investigación en esta área es exigua debido a que los profesionales, procedentes en su gran mayoría de los conservatorios, apenas cuentan con los medios y alicientes que en la universidad son habituales. En tercer lugar, la escasez de publicaciones en español y la dependencia, en el mejor de los casos, de traducciones que resultan a menudo problemáticas, obstaculizan la estandarización de un vocabulario técnico básico que aclare los conceptos esenciales y permita un diálogo fructífero. Y en cuarto lugar, la inexistencia de una titulación específica para esta materia y su identificación en la normativa actual con la de composición, que responde a objetivos bien diferentes, dificulta la adecuada formación de los futuros profesionales. En esta comunicación trataremos de explicar las mencionadas deficiencias, centrándonos en algunos ejemplos concretos en los que éstas resultan especialmente obvias, proponiendo finalmente algunas iniciativas concretas que puedan comenzar a desbloquear esta situación, en especial la conveniencia de contar con una sociedad de análisis y teoría musical que sirva adecuadamente como punto de encuentro y promotora de actividades útiles para el desarrollo de la disciplina.

La presente investigación es un material didáctico que explica el funcionamiento de los elementos estructurales –o compositivos– del pasillo y el bambuco instrumentales a partir de un estudio de análisis musical sobre la obra de Álvaro Romero Sánchez (1909-1999). Esta sistematización se logra partiendo de la unificación y aplicación de un sistema de análisis práctico a doce obras, compuestas y grabadas por el propio compositor, que por primera vez se publican en partituras y acompañan de sus grabaciones. Esta publicación se hace efectiva gracias al Premio Nacional en Investigación Musical del Ministerio de Cultura y aspira a suplir vacíos en las fuentes documentales y académicas de la música de la región andina colombiana. Con el plan de distribución y socialización, esta investigación llega de manera gratuita a los programas de formación musical, los centros de documentación musical y las principales redes de bibliotecas a nivel nacional.
El pasillo y el bambuco son dos de los aires populares más representativos de Colombia y han sido cultivados prácticamente en la totalidad de la zona andina colombiana desde el siglo XIX. Lamentablemente, su documentación no ha sido tan efectiva como su tradición en lo que a aspectos netamente musicales concierne; es difícil encontrar partituras, discos y, más aún, metodologías de análisis musical que desglosen y sistematicen los géneros nacionales desde visiones académicas cosmopolitas. Como la música del mundo, el pasillo y el bambuco también tienen un lenguaje musical muy preciso, y todo lenguaje tiene su propio vocabulario, alfabeto, reglas de gramática y convenciones para su uso. Es lamentable, que en el caso de la estética andina colombiana sean escasas las publicaciones, que profundicen en el estudio de su composición y análisis, dirigidas a músicos profesionales y estudiantes de nivel universitario.

Notas al disco "Entre fandangos y habaneras" del Trío Malats y Ana Belén (Universal Music Spain, 2015). Contenido del disco: "Trío en Si bemol mayor" de Joaquim Malats, "Trío Op. 50" de Enrique Granados, "Cinco canciones negras" de Xavier Montsalvatge (arr. David San José).

Consideraciones estilísticas acerca de una de las primeras aproximaciones al serialismo de Arnold Schoenberg: la Serenata, Op. 24. Realizadas en base al análisis de estilo propuesto por el musciólogo Jan LaRue, basado en Sonido, Armonía, Melodía, Ritmo y Crecimiento.

Esta investigación llevada a cabo a lo largo de los dos últimos años analiza los quince programas online más utilizados a nivel mundial. Se han realizado todos y cada uno de los ejercicios que se proponen de la forma en la que se proponen y se han comparado con los que se realizan en una clase presencial de entrenamiento auditivo. Los resultados determinan cuál son sus ventajas y desventajas a la hora de formar un buen oído musical. Las conclusiones definen por qué no pueden ser un sustituto de un profesor especialista aunque si pueden ser un complemento muy útil.

Este artículo se inicia con una breve revisión de aportes de la investigación musicológica en estructuras perceptivas en Latinoamérica. En 1941 Carlos Vega publica una propuesta de estudio de la música popular, que más tarde con las aportaciones de Humberto Sagredo en 1988, formarán una perspectiva de estudio alternativa respecto a las posiciones más di- fundidas del estudio de estructuras perceptivas. Revoredo (2006) revisa el planteamiento de Sagredo para de nir los procedimientos de análisis y aplicarlos a muchos más ejemplos de música popular, académica y sistemas musicales. En esta teoría aparecen dos conceptos prin- cipales: “interés” -referido a la optimización estructural-, y “tiempo perceptivo” -referido a la inducción de articulaciones formales-. Este artículo enfoca dichos conceptos a una variedad de casos de análisis de música popular latinoamericana que incluyen examinar hits en música comercial, rasgueos regionales, ritmos y patrones de percusión, melodías, armonías y formas de temas populares. Estos conceptos estructurales también se han aplicado desde el 2006 en la percepción acústica mediante técnicas de creatividad musical para colectivos de improvi- sación coordinada, quienes utilizaban las in uencias urbana y tradicional de la música popular para generar nuevas canciones. Finalmente se discute que esta línea de investigación puede aportar conocimiento sobre la experiencia de la música popular latinoamericana.

Helmut Lachenmann compuso " Güero ", para piano, en 1969. En esta obra el piano se utiliza como si fuera un güero, instrumento ideófono (que suena por sí mismo, sin cuerdas ni parches) caracterizado por la forma en que se toca raspándose. El piano, entonces, es tratado como güero en el sentido de que se utilizan los dedos para raspar diferentes zonas del piano, generando materiales diversos. Así como la relación que se plantea con el instrumento y su tradición es poco ortodoxa, así mismo es el tipo de escritura, que le permite al compositor expresar los movimientos de raspado de manera analógica. El enfoque de este análisis estará en la puesta en relación entre los materiales tímbricos y el desarrollo formal de la obra.

Enlace a la Tesis depositada en la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria.

La presente tesis se centra en la didáctica del análisis musical (AM), cuyo estudio se aborda bajo diversos enfoques. Nuestra investigación pretende por un lado describir el momento actual del AM en los Centros Superiores y plantear dos propuestas metodológicas diferentes, que tienen en cuenta la renovación de la disciplina, pero que al mismo tiempo sean practicables en nuestra realidad educativa actual.

"En un mercado Persa" es una pieza programática que nos narra los acontecimientos de un día en un mercado de medio Oriente, es la obra más popular del compositor británico Albert Ketelbey, quien logró ser millonario y vivir de su obra, pues su fama se debió a su "música ligera" para salones de té.

La progresiva eliminación de determinados contenidos del lenguaje musical y el entrenamiento auditivo, por un mal planteamiento de los mismos tanto en materiales como en metodologías, está provocando que la importancia de saber leer y escribir música se cuestione constantemente: ¿para qué sirve la lectoescritura musical? ¿de qué forma debe afrontarse para que ni sea una tortura ni un aburrimiento? ¿cómo compaginarlo con el desarrollo del oído musical y de la interpretación de una forma eficiente?

Se trata de un trabajo didáctico donde los temas teóricos se ilustran con partituras de obras fundamentales europeas y latinoamericanas. Contiene un voluminoso apéndice de ejercicios para las destrezas musicales que cubren los temas teóricos tratados. Estos ejercicios – en su gran mayoría – están igualmente representados por obras de los grandes compositores.
Este libro es el primero de una trilogía didáctica dedicada al eje principal de la formación de todo músico: 1. La teoría musical; 2. La armonía y; 3. Las formas musicales. Todos ellos fundamentados en el análisis de históricas composiciones musicales. Con el presente título se completa la disponibilidad de todo el ciclo en formato digital.

El presente artículo presenta una propuesta de estudio de la obra musical del compositor
colombiano Blas Emilio Atehortúa (c. 1933-2020) con base en diferentes fuentes biográficas, teóricas, analíticas y documentales que revelan diferentes aspectos de su vida personal y profesional, de su pensamiento y de su lenguaje musical. El estudio se desarrolló en tres niveles: primero, se clasificaron las obras de su catálogo con base en la relación intertextual de sus títulos y caracterización sus partituras manuscritas; segundo, se contrastó esta información con reseñas y comentarios de programas de mano, biografías y publicaciones para validar el agrupamiento de sus obras para finalmente hacer la contrastación de esta nueva información con el obtenido del análisis musical de cinco obras orquestales relevantes para la consolidación de su carrera. Como resultado se obtuvo un panorama que muestra el desarrollo del pensamiento musical de Blas Atehortúa, donde se evidencia cómo por medio de la experimentación logró apropiarse de las técnicas y estéticas que aprendió en el Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales hasta la consolidación de un lenguaje musical con un estilo reconocible dentro de la producción de música académica en Latinoamérica.

How to cite:  Syroyid Syroyid, B. (2018). The Silence Devices of Bill Evans's 1963 Solo Session: April in Paris, All the Things you are, and Ornithology. In A.Benetti, F. Monteiro & J. Salgado Correia (Eds.) Abstracts of the Research Hands on PIANO - International Conference on Music Performance (p. 32). University of Aveiro
____________________________________________________________________________________



Bill Evans (1928-1980) was one of the most influential jazz pianists of the 20th century. Jazz musicians often study Bill Evans’s harmonic innovations through the transcription of his recordings. We will be using transcriptions by William Hughes (2017); however, the object our study will be silence, defined as an intentional refraining from producing sound. Bill Evans made frequent usage of silence devices in his improvisations, which are especially noticeable in his solo recordings. We will be looking at the piano session recorded on January 10, 1963, released posthumously in two separated albums as ‘The Solo Sessions, Vol.1’ (1989), and ‘The Solo Sessions, Vol.2’ (1992). With the intention of conducting a deeper analysis on the most significant material, we have selected only three tracks: ‘April in Paris’ (vol. 1/1), ‘All the Things You Are’ (vol. 2/1), and ‘Ornithology’ (vol. 2/6).

Este trabalho procura estudar a música de Hermeto Pascoal a partir do pensamento musical defendido por ele, a música universal, por meio de uma breve análise da música Ailin, última faixa do disco Mundo Verde Esperança (2002). O enfoque principal consiste em investigar os elementos que compõem a sua visão de música universal e relacionar um destes aspectos, a diversidade cultural, com sua realização na gravação selecionada, por meio de uma transcrição e análise de diversos parâmetros musicais. Inicialmente apresenta-se uma revisão biográfica do compositor concentrada no seu processo de formação, que é baseado em suas experiências de vida, assim como um estudo dos principais aspectos estão contidos nas suas ideias de música universal, cuja práxis central consiste em misturar de diferentes maneiras os mais variados sons e elementos. Em seguida é realizada uma análise musical da faixa Ailin, na qual a conclusão procura demonstrar como as constatações apresentadas através das considerações analíticas se relacionam com uma das teorias dos estudos culturais, o
hibridismo.

El presente estudio consiste en un análisis en torno al
poliestilismo o pluralidad de estilos, como un factor característico en el repertorio del dúo musical Twenty One Pilots. A través de este análisis, se intenta comprender a la interacción estilística como una
unidad, en lugar de identificar y clasificar cada uno de los lenguajes por separado. Además, se hace hincapié en los estilos como construcciones culturales identitarias, que modelan y condicionan las expectativas del oyente. Particularmente, se analizarán dos canciones: Implicit Demand for Proof y Ode to Sleep.

Aproximación Fenomenológica a la obra musical de Gonzalo Castellanos Yumar  es una reflexión sobre la música en un sentido que abarca distintos aspectos de tipo filosófico, estético y técnico. Desde el punto de vista filosófico, intenta formular los fundamentos de una posible fenomenología de la música para el enunciado de un nuevo paradigma analítico: el paradigma dinámico. Las implicaciones estéticas, pedagógicas y técnicas de esta nueva visión acerca de lo que podemos entender como Dinámica Musical apenas comienzan a esbozarse. El método analítico que puede estudiar la música desde esta perspectiva es el que hemos dado en llamar Análisis Dinámico,  el cual consiste en detectar las causas y el sentido del movimiento interno de la energía musical en la obra. Con este método hemos pretendido analizar un grupo de obras del maestro Gonzalo Castellanos Yumar, quien ha sido quizás el compositor venezolano que ha utilizado con mayor conciencia en su obra el paradigma dinámico y quien ha sido sin duda uno de los músicos venezolanos más importantes del siglo XX en su doble faceta de compositor y director de orquesta.

How to cite: Syroyid Syroyid, B. (2020). Csound como herramienta didáctica para una introducción a la composición eletrónica: Estudio de caso de una miniatura musical "(In)harmonic Study". AV Notas, 9, 106-139 ____________________________________________________________________________________ (English below) Csound es un lenguaje de programación que facilita la composición de música electrónica a través de una interfaz de código mediante el programa CsoundQt. A pesar de su potencial técnico y musical para la creación de música electrónica, CsoundQt es una aplicación que actualmente cuenta con una difusión algo limitada en las aulas de composición. El objetivo de este artículo es presentar aspectos que puedan resultar de utilidad para la docencia de la composición electrónica mediante Csound. Como estudio de caso, se proporciona un análisis tímbrico con Sonic Visualiser de "(In)harmonic Study", una breve composición original que explora diversos modelos de síntesis de sonido en una estructura musical que alterna estados de armonicidad e inarmonicidad. Asimismo, en los anexos se facilita la partitura completa y el audio en formato mp3 de la pieza con la finalidad de facilitar un estudio más detallado de las posibilidades musicales de Csound. ABSTRACT IN ENGLISH. Csound is a programming language that facilitates the composition of electronic music by means of a coding interface in the software CsoundQt. In spite of its technical and musical potential for the creation of electronic music, Csound is a software that currently has a rather limited spread in composition classrooms. The main goal of this article is to present aspects that might be useful for the teaching of electronic composition by means of Csound. As a case study, a timbrical analysis by means of Sonic Visualiser is provided for the piece “(In)harmonic Study”, an original composition that explores diverse sound synthesis models in a musical structure that alternates between states of harmonicity and inharmonicity. Likewise, the full score and mp3 audio of the piece is provided in the annexes with the aim of listening to and illustrating the musical possibilities of Csound.

Este texto representa el primer capítulo del libro Arquitectura de la Música, el cual puede ser leído y descargado como archivo PDF. Dicho libro ya ha tenido dos ediciones reseñadas con detalles que se exponen en esta página de academia.edu:

1era edición (2013)

https://www.academia.edu/35395508/Saavedra_Rafael_Arquitectura_de_la_M%C3%BAsica_M%C3%A9rida_Venezuela_Ediciones_Actual_2013_208_p._ISBN_978-980-11-1624-0_Disponible_en_Amaz0n_

2da edición (2017)

https://www.academia.edu/35395604/Saavedra_Rafael_Arquitectura_de_la_M%C3%BAsica_2da_edici%C3%B3n_Saarbr%C3%BCcken_Alemania_Editorial_Acad%C3%A9mica_Espa%C3%B1ola_2017_188_p._ISBN_978-620-2-24203-5._Informaci%C3%B3n_https_www.morebooks.de_store_es_book_arquitectura-de-la-m_C3_BAsica_isbn_978-620-2-24203-5

Entre los temas desarrollados en el tratado, se destacan:

• Los elementos tangibles musicales (temáticos, armónicos, modales, estructurales)
• El período y sus elementos constitutivos como base fundamental del discurso musical
• El principio binario (era del bajo continuo y a partir de la segunda mitad del siglo XVIII)
• El principio ternario (forma ternaria simple y forma ternaria compleja)
• Las variaciones (el basso ostinato, el tema con variaciones ornamentales, las variaciones libres)
• El principio del ritornello (era del bajo continuo y el rondó instrumental de cinco partes)
• La sonata como estructura y la sonata como género instrumental (el ciclo sonata, la sinfonía, el concierto)

La transcripción del presente documento fue realizada por el Prof. Guillermo González

How to cite: Syroyid Syroyid, B. (2019). El uso del silencio en el sinfonismo español: Albéniz, Falla y Turina. En: Actas del I Congreso Nacional sobre Sinfonismo Español, pp. 289-306. ISBN 978-84-9959-331-9
____________________________________________________________________________________
Actualmente, la gran mayoría de los estudios analíticos musicológicos tienden a centrarse en el sonido y, principalmente, en la altura musical, dejando de lado el fenómeno de las pausas o silencios musicales. Sin embargo, en muchas ocasiones, es el correcto uso de las pausas o silencios, lo que aporta trascendencia y genialidad a una obra. El presente trabajo pretende explorar el uso del silencio como técnica compositiva dentro del repertorio sinfónico español de finales de siglo XIX y principios del XX, tomando como objeto de estudio siete extractos procedentes de obras de Albéniz, Falla y Turina.  Partiendo de un análisis comparativo entre partitura y grabación sonora, sugerimos las siguientes funciones musicales: el silencio cadencial en Albéniz, el silencio rítmico en Falla y el silencio interruptivo en Turina.

La oportunidad de escribir un artículo sobre esta ingeniosa joya de la composición del Clasicismo, nació en una matinal clase de Taller de Música Contemporánea, en el Conservatorio Superior de Música de Málaga. Fue el momento en el que sentimos la necesidad de profundizar sobre la corriente aleatoria del siglo XX. Sin embargo, ya nos habían llegado rumores de la existencia de obras encuadradas en este estilo de una época muy anterior: el Clasicismo. Esta información despertó una gran curiosidad que se materializó en un proceso de investigación continuado, hasta que finalmente se llegó a la comprensión del procedimiento aleatorio empleado. El descubrimiento causó inicialmente cierta euforia, ya que tardamos un tiempo en encontrar algún escrito significativo en ese sentido respecto al tema. Sin embargo, algo más adelante, ya pudimos percatarnos de que la sigilosa aleatoriedad de Mozart había sido bien investigada, incluso con el desarrollo de algunos programas online. En realidad, el juego musical de los dados K.516f, no era más que otro de los muchos juegos aleatorios de la época, denominados de forma genérica bajo el nombre de: Musikalisches Würfelspiele. Este dato implicó un cambio de enfoque del artículo, ya que lo que en un principio se pensaba que se descubría casi de cero, ofrecía solo una pequeña ampliación a lo que ya estaba investigado. En cualquier caso, la carencia de información en español respecto al tema, animó al desarrollo del presente artículo. En resumen, en este artículo intentaremos explicar el procedimiento empleado para la composición de los Musikalisches Würfelspiel, centrándonos en el K.516f, atribuido a Mozart, en la edición de 1787 de N. Simrock

Traducción y síntesis de la introducción y el capítulo 1 de la Guía para el análisis musical de Nicholas Cook para uso de la cátedra Análisis Musical 1 y 2, Universidad Nacional de Rosario.
Esta traducción no persigue fines comerciales y se distribuye bajo licencia Creative Commons BY NC SA.

La flauta mágica de Wolfgang Amadeus Mozart fue representada por vez primera en Viena en 1791. Es un lugar común asociar esta ópera con los misterios egipcios y la masonería, frente a la que si bien Mozart simpatizó mantuvo una afectuosa distancia. La flauta mágica es, más bien, un haz de enigmas, que incluso pondrá en cuestión los principios excesivamente masculinos de los francmasones. El presente ensayo, en un intento de mitoanálisis, hace énfasis en el mitologema de la iniciación, clave existencial de la aventura humana que echa sus raíces en el Mito y que es recreada aquí a través del lenguaje quintaesenciado de la música.

“Los bosques de cemento” es una composición musical para orquesta sinfónica de unos 6 minutos de duración compuesta a finales de 2013. Esta obra resultó ganadora en el I Concurso de Composición para Orquesta Sinfónica “Emilio Lehmberg” organizado por el Conservatorio Superior de Música de Málaga. La obra fue estrenada el 7 de febrero de 2014 en la Sala Falla del Conservatorio Superior de Música de Málaga por la orquesta sinfónica del Conservatorio Superior de Música de Málaga, compuesta por alumnos del centro, bajo la batuta del profesor de dirección de orquesta, David García Carmona. A continuación, se incluye la videograbación del estreno.

Resumen: En este artículo estudiaremos algunos aspectos del modelo pedagógico conocido como «armonía escolástica», que ha predominado en la enseñanza de la armonía en España durante mucho tiempo. Éste se basa en la realización de ejercicios escritos sujetos a un complejo sistema de reglas (supuestamente absolutas y atemporales, pero en la práctica procedentes tanto de diversos estilos históricos como de convenciones pedagógicas) y en los que se presta una especial atención al movimiento individual de las voces, dejando a menudo en segundo plano otras cuestiones puramente armónicas-sobre todo, la sintaxis armónica-.
Para ello, consideraremos algunos de los más significativos tratados de armonía modernos, examinando las diferentes posturas que han adoptado en cuanto a su relación con el contrapunto, y analizaremos el uso de estos términos aplicados a dos tradiciones esenciales en la larga historia de la teoría de la composición musical; previamente, trataremos de aclarar el concepto de sintaxis armónica y su papel básico en la enseñanza de la disciplina. A continuación, abordaremos el asunto del distanciamiento entre la teoría y la práctica, especialmente en el caso de la armonía escolástica, y finalizaremos con un apartado de conclusiones que contiene una propuesta pedagógica brevemente esbozada.

A continuación, se presentan todo lo relacionado a las escalas que podemos usar en la composición musical. Es a gusto de cada creador el utilizar y escoger cada una de estas herramientas para crear un discurso musical, por supuesto que tenga coherencia y significativo en la frase. 1) Los Modos griegos: Escalas Ambrosianas y Gregorianas (siglo IV en adelante) Primitivo canto cristiano: 2) Grecia Antigua: 3) Modos Litúrgicos: De fecha posterior al canto gregoriano. Corresponden a la escala diatónica con el Sib como único accidente permitido. = Tónica = Dominante

PALAU VALDERRAMA, Paloma. Bombarra, tuba y helicón: Música tradicional de las Adoraciones del Niño Dios en el norte del Cauca y sur del Valle. Monografía (Pregrado en Música). Facultad de Artes Integradas, Escuela de Música, Universidad del Valle, Cali, 2007.

El presente trabajo pretende mostrar ciertos aspectos del estado actual de la música tradicional de las adoraciones en algunas poblaciones -habitadas mayoritariamente por afrodescendientes y mestizos- en el norte del Cauca y sur del Valle del Cauca. Esta música  (juga o fuga, arrullo, torbellino y villancico) ha sido poco estudiada desde la disciplina de la musicología y para establecer su estado actual, se hizo una comparación con el texto de la investigadora Heliana Portes: Las adoraciones nortecaucanas del niño Dios. Un estudio etnomusicológico, realizado en el año 1986. Para tal fin se escogió un grupo banda de vientos, uno de los formatos instrumentales de fugas, además de los "violines caucanos", junto al que se realizó una observación participante durante su circulación y práctica musical en varias poblaciones de la mencionada región. Para mayor claridad en el análisis, los resultados de la investigación se han dividido en aspectos musicales y sociales.

Sol de América (1981-1982) es una composición para narrador,  coro  y  orquesta  del  compositor  uruguayo Antonio  Mastrogiovanni  (1936-2010).  El  presente estudio  utiliza  el  método  hermenéutico  (Nattiez, 1990) para dar cuenta de esta obra a partir del análisis de su orquestación. En este caso, se le da preeminencia a  las  texturas,  timbres  y  sonoridades  por  encima de  la  armonía,  las  alturas  o  la  forma,  parámetros que  usualmente  se  priorizan  en  la  mayoría  de  los métodos  analíticos.  Como  resultado  se  obtiene  una visión  inédita  de  la  música,  desde  una  perspectiva que  permite  descubrir  las  propiedades  fuertemente cohesivas de la orquestación.

The article analyzes the serial-rotational foundation of the late Stravinsky’s musical language. Particular attention is paid to creative links between Stravinsky and Krenek, which served as the basis for the Russian master’s adaptation of the hexachordal rotational technique. Based on the analysis of Stravinsky’s late works sketches, the evolution of his rotational seriality is traced. The universal system of indexation of Stravinsky’s late serial-rotational scores, allowing to optimize their structural and intonational analysis, has been proposed.

В статье анализируется серийно-ротационная основа музыкального языка позднего Стравинского. Особое внимание уделено творческим связям Стравинского и Кшенека, послужившим основой для обращения русского мастера к технике гексахордной ротации. На основе анализа эскизов поздних произведений прослеживается эволюция ротационного элемента серийности Стравинского. Предлагается универсальная система индексации его поздних серийно-ротационных партитур, позволяющая оптимизировать их структурно-интонационный анализ.

У статті аналізується серійно-ротаційна основа музичної мови пізнього Стравінського. Особлива увага приділена творчим зв’язкам Стравінського та  Кшенека, що слугували основою звернення російського майстра до техніки  гексахордної ротації. На основі аналізу ескізів пізніх творів простежено еволюцію ротаційного елементу серійності Стравінського. Пропонується  універсальна система індексації його пізніх серійно-ротаційних партитур, яка дозволяє оптимізувати їх структурно-інтонаційний аналіз.

Ante la difuminación del concepto y/o contenido del análisis musical en algunas tendencias actuales, se propone un replanteamiento de su estatus, poniendo el acento en su carácter práctico en los aspectos interdisciplinarios y en la necesidad de un equilibrio entre "texto" y "contexto" en la práctica analítica.

Faced with the blurring of the concept and/or content of musical analysis in some current trends, a rethinking of its status is proposed, emphasizing its practical character in interdisciplinary aspects and the need for a balance between "text" and "context" in analytical practice.

RESUMEN
El estudio del pensamiento estético de los compositores venezolanos es el principal interés de esta investigación, la cual se llevó a cabo gracias al testimonio espontáneo y sincero de varios de los creadores pertenecientes a la asociación civil llamada Sociedad
Venezolana de Música Contemporánea (SVMC). La reducida documentación sobre este gremio y de la composición venezolana del último tercio del siglo XX a la actualidad, hizo que esta investigación de campo sea a nivel exploratorio, de alcance temporal
sincrónico, con un enfoque cualitativo y transversal. Ello permitió que la recolección de información evidencie directamente las fuentes de primera mano desde el punto de vista etnográfico, es decir, a través del verbo mismo de este muestreo intencional de compositores que están inmersos dentro del ámbito musical venezolano.
Se logró así un registro de las particulares perspectivas que reflejan a viva voz su verdad sobre la composición, el arte y la problemática social y cultural que repercute en cada compositor dentro de esta sociedad. Por medio de sus perspectivas y posturas artísticas, se logró identificar varias características que los relacionan estéticamente como compositores venezolanos y latinoamericanos, donde la identidad, el pensamiento filosófico y su vocación musical son los pilares del motor creativo de éstos. Dirigido a noveles y consagrados músicos, compositores y musicólogos cuyo interés sea el conocer y generar aportes y propuestas que permitan una mayor expansión y difusión de la obra artística hecha por venezolanos comprometidos con la creación musical.

Trabajo de grado para obtener el título de Maestra en Artes Musicales con énfasis en composición y arreglos. Facultad de Artes ASAB-Universidad Distrital FJC. Bogotá, Colombia. 2014.
tatuaje. Composición contemporánea motivada a partir del análisis de las categorías música-mujer-resistencia, incluye:

- Análisis de dos obras de compositoras en América Latina: G. Paraskevaídis y A. Romano.
- Composición y análisis de la obra "tatuaje" de Melissa Vargas.