Arte digital

Prólogo

Incursionar en el arte digital me ha posibilita reunir una serie de notas que, con el tiempo,
logré transformarlas indistintos planteos que hoy presento en este libro.

Si bien, mi primera intención era elaborar un manual para el dictado de un curso básico, se
transformó en una síntesis acerca de las cuestiones básicas para abordar la problemática.

En primer lugar, logré un cuestionamiento del término "arte digital", a fin de integrar distintas
variables que surgen en su entorno. El cuestionamiento principal es del ámbito académico, en
donde se trata de analizar las posturas a ultranza, así como también integrar una tercera vía
para ver, de alguna manera, que no todo es blanco o negro, sino que tiene matices de gris. En
esta fase, también se hace mención a los nuevos actores y su participación en esta tendencia
artística.

En la segunda parte, analizo los pormenores del proceso compositivo, teniendo en cuenta que
si bien se hace hincapié en lo que respecta a la aplicación de las bases del arte geométrico,
conjuntamente con los fractales, también subrayo la presencia de otras técnicas y métodos que
pueden ser aplicados, puesto que esta nueva forma de hacer arte no sólo permite una
reconversión de lo abstracto, sino también de la fotografía digital.

En último término, el orden conjunto, es un capítulo que sintetiza la conversión y puesta a

punto de la denominada "composición digital", con todo lo que ello implica, es decir, el análisis
de las formas hasta llegar a elaborar un fondo adecuado.

En el anexo adjunto, el lector encontrará una selección de las composiciones digitales de mi

autoría, por el cual puede orientarse para crear otras formas atrevidas y sinuosas.

Espero que a todo artista digital y también a los interesados en el tema, pueda ser de gran
utilidad, ya que como lo expresé anteriormente, concentran un enfoque personal, sin
descuidar lo artístico que es incluido como parte de lo tecnológico.

JORGE MARÍN

I-

Arte digital

Desde la aparición del arte como disciplina autónoma (estética), se han establecido distintas
áreas, que establecen no sólo una definición, sino también desde otras perspectivas logran una
integración y posibles relecturas de toda pieza artística.

Obviamente, debemos vincular al arte con disciplinas que se han desarrollado durante siglos:
literatura, teatro, música, pintura, etc. Pero la cuestión no es un juego tautológico que nos
permite comprender al arte desde una sola vertiente, sino que, por el contrario, un
reconocimiento integral de formas y manifestaciones diversas, en los que podemos determinar
lo meramente comercial. Como ejemplo, podemos citar el "best seller", contraponiéndolo con
los aspectos de la "literatura".
Con el uso de las tecnologías, el arte también se ha visto reflejado y enriquecido como en los
casos de la fotografía y el cine. A su vez, debemos ser cautelosos, puesto que no todos los
productos poseen una visión artística. Lo comercial nos ha impulsado a un consumo, a veces,
desmedido, de estas producciones que manifiestan lo trivial y estandarizado de una imagen.

Con el arribo del arte digital, ocurre una situación similar. Su rápida aceptación y crecimiento
exponencial en la red genera dudas en torno a las producciones creadas por computadora.

Para develar algunas cuestiones, es necesario incursionar en los aspectos del arte digital, las
críticas en torno a su proyección, y un perfil de los nuevos actores.

¿Qué es el arte digital?

El arte digital[1]es una nueva tendencia surgida en torno a la aplicación de programas

vectoriales y graficadores, el cual consiste en recrear una imagen a partir de una progresión
sistémica de contenidos virtuales, con la incorporación de colores cibernéticos y efectos de
distinta índole hasta conformar una composición digital.

El término "composición" aparece en la pintura para reherirse a la creación artística a partir de

un contexto, en el que se emplean determinadas técnicas, métodos, estilos, etc.[2] Al
adicionarse el adjetivo "sitial", hacemos referencia al ámbito de aplicación exclusivo de técnicas
para la remodelación de imágenes. Como bien lo señala Lev Manovich, la composición digital
puede pensarse "como un paso intermedio entre las imágenes 2D y las representaciones 3D
creadas por ordenador" (2006: 380).

En cada composición digital se recrea un concepto tecnológico en un espectro global del arte,
en donde es posible apreciar los elementos básicos (punto, línea, contorno, plano y volumen)
para las figuras geométricas, así como también la recreación de un dibujo a partir de un
original; la modelación de imágenes, tanto dibujos como fotografías, mediante el empleo de
efectos; y la aplicación de fractales prediseñados o recreados en forma exclusiva. Las
variaciones dinámicas de los objetos están conformadas por un grupo visual de posiciones,
formas y colores, integrándose los efectos de luces, cromatismos, etc. De este modo, toda
pieza gráfica es modelada a partir de la utilización de los recursos tecnológicos, teniendo en
cuenta una apreciación estética para diferenciarlo de una imagen estándar o seriada.

La idea de arte se traslada hacia lo intangible, es decir, del lienzo a la computadora, un

instrumento potencial sustractivo que incorpora el sistema de "interfaz de usuario",[3] la
utilización de software graficadores y vectoriales, juntamente con una tecnología aplicable a
multimedia e Internet,[4] en donde es posible manipular objetos y controladores virtuales, en
un ámbito de simulación mediante la pantalla electrónica. Esto ha permitido un desarrollo
exponencial de la imagen digital hacia metas impensables, extendiéndose masivamente por la
Web.

Al hacer uso de estos recursos, el artista digital puede no sólo crear un dibujo, sino también
apropiarse de una imagen para transformarla en un objeto distinto, cambiando su dirección,
trazado, color, etc. En todos los casos, busca tomar como referencia a la significación del
objeto, para lo cual depende de un conocimiento integral de lo tecnológico, así como también
el saber conjugar habilidad, creatividad e imaginación al momento de elaborar una
composición digital. A esto se le suma su intencionalidad para reconvertir esta pieza en
artística, es decir, la capacidad de renombrar, de hacer visible lo invisible, en una búsqueda por
la belleza, la deformidad, la caricaturización o cualquier otra característica que sea válida para
lograr como objetivo la cualidad de lo estético.

De este modo, las tecnologías, al ser mediadoras de otros espacios, reconvierten los espectros
del arte, en donde es posible entender una diferencia sustantiva entre lo analógico (dúctil,
permeable y físico), y digital (intangible y sustractivo) que sólo puede existir en una pantalla
electrónica.[5] Pese a estas diferencias, el arte digital retoma ambos aspectos, puesto que toda
pieza digital puede ser publicada tanto en forma analógica como virtual.

Pese a que el arte digital es de reciente data, muchos críticos y artistas se resisten a la idea de
que las piezas creadas digitalmente sean artísticas. Igualmente, su presencia no puede ser
ignorada, puesto que su auge sigue creciendo, al igual que sus adeptos.

Críticas al arte digital

La polémica en torno al arte digital aparece con posturas a ultranza. Los defensores del arte
tradicional se afianzan en la idea de que una pieza artística es el fruto de una creación
personal, negándose a reemplazar el lienzo por una pantalla electrónica; y los del arte digital
esgrimen su artillería de argumentos, postulando que, en un futuro no muy lejano, el arte se
contemplará en una pantalla electrónica.

Ambas posturas mantienen una controversia con una dialéctica propia, aunque también una
tercera postura trata de integrar ambos enfoques, que son válidos para desarrollar otro tipo de
ideas seculares en un orden co-causal.

El video, la fotoduplicación, la computadora, amplían el horizonte del arte hasta límites que
ignoramos, no sólo porque el avance tecnocientífico es continuo sino también porque involucra
a más y más personas pero no son el único horizonte del arte. Y, si bien Puk auguró la
sustitución de la tela –un soporte generalizado hace apenas quinientos años– por el tubo de
rayos catódicos, elaboraba, en rigor, una equivalencia metafísica. En todo caso, una década
después de formulado su pronóstico, las telas pintadas volvieron a inundar galerías y museos
(Glusberg, 1993: 283).

En tal sentido, podemos referirnos a tres aspectos que son elocuentes: lo perceptivo, el arte y
la fantasía e inspiración.

Lo perceptivo

Lo perceptivo aparece como un vínculo entre el artista y el soporte. En un lienzo, el artista

plasma una idea y, en cada trazo dibujado, proyecta una parte de su ser por la acción que
realiza la mano al manipular un pincel en la tela. Este momento es único e indescriptible, ya
que siente placer al hacerlo.

Esta idea también la podemos encontrar en los artistas digitales que concentran la mirada en
una pantalla electrónica, manipulan controles virtuales de un programa, encuentran la figura
adecuada y estructuran un espacio de acción, que son aplicables como un "momento único".
Entonces, podríamos preguntarnos: ¿cuál es la diferencia? Obviamente, el soporte, aunque
algunos críticos ponen el acento en que la computadora es un elemento tecnológico frío por
naturaleza, rígido, algo incomparable con el uso del pincel en la mano de un artista. Esta
resistencia cultural obliga a desacreditar al arte por los insumos, lo cual sería el equivalente a
rebajar el trabajo de un pintor por el uso de pinceles y pinturas. Gene Youngblood considera
que,

en verdad, no hay tal arte por computadoras. En primer lugar, el arte es siempre independiente
del medio utilizado para producirla: no es el óleo o el acrílico lo que convierte en arte a la
pintura, aun cuando esos materiales sean el tema de la pintura. Los límites del así llamado arte
por computadoras están circunscriptos por una más larga historia –la tradición de las bellas
artes–, que contiene a todas las artes visuales y define sus posibilidades (Glusberg, 1993: 306).

Obviamente, los esquemas preconcebidos siguen latentes como algo que no puede
modificarse con el tiempo.

Debemos aclarar que la computadora, los software y las herramientas tecnológicas de

multimedia e Internet son sólo mediadores como lo es cualquier objeto tecnológico, incluido
los pinceles y óleos.

Lo tecnológico se entrelaza con un proceso de concretizar lo visible o audible e, incluso, puede

llegar a completarse en un plano sensorial completo, en el cual se nutre de un macromundo,
en el que es posible recrear grandes movimientos en pequeñas creaciones, en el cual mantiene
al artista conectado a una globalidad de sucesos exclusivos.

El arte

En torno al arte[6]surgen distintas ideas, entre ellas, como una función simbólica, en la que es
posible encontrar una teleología definida: expresar la belleza, transmitir un sentimiento,
encarnar una idea, provocar una impresión de ritmos y proporciones diferentes. El artista
descubre formas que luego intenta sensibilizar en quienes lo contemplan, sintiéndose
identificado o conmovidos. Es decir, se logra crear una aprehensión artística del mundo, una
realidad social que pasa por el tamiz del artista, aunque esa realidad no es una copia fiel, sino
un reflejo altamente elaborado de su realidad social, en la que no sólo tienen cabida las
relaciones interhumanas, sino también con la naturaleza.

Desde el surgimiento del arte, un sinnúmero de definiciones y procedimientos trataron de

sistematizar métodos, estrategias, técnicas . para ubicarlo como una disciplina autónoma,
creándose en su entorno distintas variables identificatorias: bellas artes, arte decorativa,
etcétera.

El arte también puede ser estudiado por las distintas escuelas aparecidas en todas las épocas,
redescubriendo las formas dominantes, lo canonizado, los estilos. Entre las más significativas se
encuentran las Vanguardias, que han impulsado un quiebre de la visión, cambiando el soporte
tradicional por maquetas artísticas con la exhibición de elementos comunes: latas de cerveza,
ruedas, botellas, etc., así como también contaminaron el lienzo con otros materiales para
formar collages. De este modo, el arte se ha enriquecido con los nuevos agregados que, si bien
provocaron distintas reacciones, con el tiempo lograron transformarse en procedimientos
técnicos consensuados.
Desde lo tecnológico, como el caso de la fotografía y el cine, el arte ocupa un lugar destacado.
Las concepciones del espectro del arte pueden estar determinadas por la reformulación del
arte fotográfico analógico en la fotografía digital, y la representación del arte abstracto, por un
simulacro abstractivo.

Para el primer caso, se retoman los aspectos de la fotografía tradicional para reconvertirlos en
un espectro digital, en la que es posible una modelación de la imagen en cuanto a una
conversión sistémica de cambios de tono, brillo, etc., merced a la utilización de recursos
tecnológicos como el escáner.

En el segundo caso, el arte abstracto puede ser retomado al ámbito digital, a partir de una
remodelación de la imagen denominada ojo-pincel. En tal sentido, la representación focalizada
adquiere la categoría de simulacro abstractivo, condicionada por las distintas estructuras que
alcanzan su máxima expresión con la aplicación de efectos aditivos/sustractivos (mezclas,
distorsión, rotación, etc.) en formas dibujadas o rediseñadas a partir de un collage.

Ambas concepciones pueden mutarse para recrear un ámbito de acción, en un sinnúmero de

configuraciones en los que se obtienen como resultado una composición digital.

Cada pieza artística posee detalles que mantienen una fuerte influencia con la pintura,
diferenciándose de lo estándar, o bien, retomando lo estándar para ubicarlo en un nuevo
contexto.[7]

Definido en un amplio espectro, el arte se maneja con un concepto de lo estético, no sólo

como una disciplina filosófica que interpreta una teoría, sino como una cosmovisión del objeto
artístico y su representación, que es captada por un artista o espectador.

De este modo, la relación entre estética y arte han variado con el tiempo: durante los siglos
xviii y xix, lo estético permaneció dominado por el concepto del arte como imitación de la
naturaleza. La estética tradicional también se nutrió del enfoque de que toda obra era útil y
bella. Se podrían conmemorar hechos históricos y estimular la moral, sirviendo como causa
para instaurar una crítica social y ser útil para reformular nuevas ideas.

En el siglo xx, los conceptos vanguardistas comenzaron a cuestionar los enfoques tradicionales.
Desde la pintura, cobró una fuerza inusitada. De las escuelas impresionistas y
postimpresionistas se recibieron severas críticas de los pintores académicos. Posteriormente,
aparecen otras escuelas como los cubistas, los representantes del arte geométrico, entre otros,
que propusieron una verdadera "explosión" en el arte.[8]

¿Qué ocurre en la actualidad? Si bien algunos conceptos no han perdido vigencia, el arte sufre
una verdadera transformación.

Con el arribo de las Tecnologías de la Información y Comunicación (tic), la imagen digital

adquiere un nuevo protagonismo, no sólo como presencia mediadora de una tecnología, sino
que las críticas centradas en torno al objeto (computadora) se presentan enmarcadas en la
visión del arte.

Los defensores del arte tradicional ponen de manifiesto un concepto estético en la creación
personal como un componente exclusivo de la creatividad, argumentando: "esto es arte, lo
otro no".
Los defensores del arte digital, en cambio, incorporan la idea de arte, pero reformulado desde
lo virtual. En este caso, la postura es tautológica, puesto que el arte digital se desarrolla
exclusivamente por la tecnología y no de otra manera.

Si bien ambas posturas tienen como punto en común el arte, al cambiar el espacio de
representación, se le está confiriendo un concepto definido por el soporte.

El nuevo esquema que presenta el arte digital es una trasgresión, como otras tantas que ha
sufrido el arte vanguardista. En esta ocasión no sólo se ve afectado por el concepto gráfico,
sino también de qué manera el artista logra plasmar las ideas en las calidades del objeto como
espacio de representación.

El romper esquemas preconcebidos puede generar cambios, pero no debemos esperar que
surjan como por arte de magia, sino que deberán buscar respuestas para analizar un replanteo
en las reglas de juego que posibilitan descubrir las fronteras que los une y también los separa.

En cuanto a las diferencias, y este es nuestro punto de partida y, a la vez, de llegada, las artes
electrónicas están en las antípodas de las tradicionales, tanto por lo que han dado hasta ahora
como por lo que pueden dar todavía. Entre otros resultados, crearon un nuevo orden visual
perceptivos, y nuevas relaciones entre el artista y su obra, y, tanto o más importante, entre la
obra y el consumidor de ella, hasta el punto de disolver la frontera que separaba al artista del
espectador y permitir al espectador convertirse en artista (Glusberg, 1993: 306).

En primer término, podemos argüir que determinados grupos de artistas han intentado
ingresar a lo digital, pero sufren como tabú el de incluirlo a la visión tradicional, puesto que se
han dedicado a desarrollar proyectos tecnológicos a la distancia, tratando de justificar su
presencia, aunque todavía conservan ese viejo resabio de ideas encasilladas.

A su vez, podemos pensar lo digital como una nueva forma de expresión, incluyendo, a su vez,
los aspectos tradicionales. En tal sentido, más que hablar de una posible ruptura sería, más
bien, una continuidad.

La cuestión, en sí, se encuentra asociada con la visión academicista del arte que reduce su
espectro hacia lo canonizado, es decir, aquello que es estudiado como un proceso histórico,
consensuado, o bien, como algo pautado e invariable para apreciar la belleza. Lo canonizado,
muchas veces, provoca ceguera y lo que no se puede ver con buenos ojos es rechazado. Más
fácil es ver al arte digital como una práctica tecnicista centrada en un juego de imágenes
superpuestas, en el que se maneja el predominio de lo digital por lo digital, más que como una
expresión de la individualidad del ser.

Siguiendo este orden de ideas, la polémica centra sus bases en tres concepciones: La primera
pone de manifiesto la visión del arte por medio de lo canonizado, que adquiere relevancia para
determinar qué es el arte, desde una concepción a ultranza; la segunda se refiere a la calidad
de lo digital, en donde se resaltan aquellos aspectos principales de ejecución y representación:
pantalla, efectos, objetos y gramáticas interactivas;[9] y en último término, surge lo
tecnológico, que se conjuga como un fin en sí mismo, mostrando su característica básica: lo
digital por lo digital.
De este modo, se juzga el arte desde una postura tradicional sin tener en cuenta el soporte.
Como ejemplo, podemos citar las diferencias entre un filme y una obra literaria (novela):
ambos productos son concepciones estéticas diferentes. No podemos concebir al filme como
una síntesis de la novela, ni reclamarle al director de una película que no haya incluido ciertos
pasajes de la obra literaria, o haber variado el punto de vista. En el arte digital, ocurre una
situación similar.

En primer término, podemos corroborar que todos los programas de diseño y graficadores
poseen una estructura universal en cuanto a la concepción del dibujo, aplicación del color y
efectos. Obviamente, un programa puede diferir de otro de acuerdo con la marca comercial,
pero de ninguna manera se cambian las estructuras tradicionales: un cuadrado seguirá
teniendo cuatro ángulos rectos. Lo que varía es su aplicación práctica: se puede dibujar cada
línea, utilizar la herramienta cuadrado, o bien, tomar un dibujo prediseñado (símbolo). De este
modo, no existiría ningún impedimento para usar los programas de dibujo y crear una pieza
artística en una pantalla.

En segundo término, la aplicabilidad de lo digital sería la característica distintita del arte

tradicional, puesto que la aplicación de efectos es lo que hace que el arte digital pueda verse
de una manera diferente. Es una trasgresión que ofrece enormes posibilidades para crear
objetos de distinta naturaleza, ya que al dibujar una línea puede incluir el efecto de mezcla,
ejecutado directamente desde el menú. Muchas veces, por desconocimiento o mantenerse al
margen de las potencialidades que pueden ofrecer las tecnologías, se recurre a un argumento
facilista, haciendo que el espectador se aleje del fenómeno y no pueda comprenderlo ni
sentirlo como propio, ya que se lo ve como algo diferente y ajeno.[10]

En último lugar, podemos decir que las tecnologías son un medio y no pueden ser catalogadas
como un fin. De esta manera, el arte digital puede encausarse hacia nuevas representaciones,
sin abandonar muchos de los aspectos que ofrece el arte tradicional. Un artista puede crear un
trazo tanto en un lienzo como en una pantalla electrónica, sin que para ello sienta un desprecio
por la plástica o la tecnología. Utilizará la tecnología como un medio para el propósito de su
obra, y el arte como un fin.

Lo que se teme de este enfoque es llegar a encarnar lo que J. K. Hegel denominó "muerte del
arte".[11] En este caso, la lectura del arte puede verse como una saturación de elementos, una
densidad inapropiada, con una inestabilidad, mutabilidad y desarticulación de un centro
regente, lo que originaría una multiplicación de detalles y un cuestionamiento de la
"identidad".

En la sociedad actual, con el arribo de las tic, se han suscitado distintos cambios, en lo que
respecta al cúmulo de información, transformando el "saber" de la experiencia personal, en
una kybernesis, es decir, una exploración del conocimiento en la búsqueda de la información.
[12] El conocimiento, en vez de evolucionar hacia la tan anhelada Biblioteca de Alejandría, se
ha transformado en un cerebro mundial de coordenadas y estructuras cada vez más complejas
e intrincadas. De esta manera, no sólo la sociedad evolucionó en el conocimiento y la
información, sino que se perfila hacia un nuevo rumbo, a fin de tomar otros mecanismos y
reubicarlos en el medio en donde surgió.
En tal sentido, el arte digital no está al margen de estos cambios que se perfilan como
desafiantes, en términos tradicionales, sino que también pueden ser retomados como una
exploración hacia nuevas formas trasgresoras; el arte se traslada a una nueva concepción: es
abierto e interactivo. Las posturas a ultranza de algunos críticos no se pueden seguir
manteniendo, ya que, como bien lo destaca Jorge Glusberg: "La necesidad de sustituir las artes
tradicionales por las electrónicas ejerce el mismo absurdo criterio de quien sostenga el rechazo
en favor de aquellas" (1993: 305).

En gran medida, se intenta explicar con la teoría una práctica que redescubre al arte, no sólo en
lo referente a un cambio de expresión como la ilustración, el videoarte[13]o la música, sino
también descubrir lo estético en los videojuegos, multimedia y expresiones similares, que
poseen patrones culturales adaptados a una nueva tecnología.

Lo digital posee un lenguaje propio, transformando en un poder moldeable, vertiginoso y

dinámico. Es necesario acercarnos a esta nueva tendencia, aproximándonos a un nuevo
concepto: las tecnologías han influido en el espacio/tiempo, trascendiendo el plano material.
Solo así podemos retomar sus principios estéticos de lo expresivo, por distintos caminos cada
vez más complejos y mutables.[14]

El ámbito digital cuenta con la ventaja de que objetos de distinta naturaleza pueden coexistir
gracias a los instrumentos tecnológicos, en una simulación sensorial integradora, anulando el
tiempo y espacio reales para constituir otro distinto: la realidad virtual.[15]

La realidad virtual no tiene límites, puesto que podemos modificar, alternar y reconstruir
imágenes para "dar vida" a mundos irreales, en un nuevo especio conocido como un "no
lugar", abarcativo de un inmenso y monótono campo de la información cifrada en ceros y unos,
que produce una transmutación tecnológica.[16]

Es una realidad de que el arte digital posee nuevas reglas de juego para interpretar lo artístico.
Si así no fuera, dejaría de ser lo que es para convertirse en algo mecanizado y serial.

La fantasía e inspiración

En última instancia, analizaremos la postura: fantasía/creatividad Vs. Automatismo /

serialización. Estos opuestos aparecen como consecuencia de la utilización de la tecnología
como recurso.

El arte, en todas sus facetas, se lo ha relacionado con la fantasía y la creatividad por tener un
carácter subjetivo, oponiéndose a la postura lógica/racional del conocimiento científico, que
pretende sustraerse a los principios de la objetividad.

La fantasía se recrea a partir de la inspiración, manifestada espontáneamente. El mundo de la

fantasía no puede someterse a un análisis lógico, aunque muchos autores tratan de estudiar
sus postulados para develar sus misterios.[17]

La fantasía es un mundo irreal, que sumerge al artista a fabricar "castillos en el aire" y, en la

mayoría de las veces, los castillos se derrumban de la misma manera en que fueron creados.

Para muchos, el don que tiene un artista, en alguna medida, debería ser estimulado para que
se desarrolle adecuadamente por medio de la creatividad, como un proceso que intenta
materializar la inspiración hacia el mundo real: pintar un lienzo, escribir una prosa o armar una
maqueta.

La creatividad es subsidiaria de la fantasía, como si fuesen las dos caras de una misma moneda.
Aún más, sin la creatividad, muchas ideas no podrían ser materializadas convenientemente.

Si bien, la fantasía y la creatividad se consideran manifestaciones del pensamiento, debemos

tener presente que ambas se nutren de dos procesos simultáneos: la cultura y el conocimiento.

La cultura, en un sentido amplio, cumple un rol fundamental: es un proceso alienable, por el

cual todo individuo se somete para hallar su "identidad", hasta quedar integrado como una
segunda naturaleza.[18]

La cultura también cumple un rol destacado en la faz artística, estableciendo como norma
distintos aspectos que se cumplen en menor o mayor medida: primero se copia, luego se imita
y, por último, se recrea. Es decir, todo proceso de culturización tiene como finalidad la de
establecer modelos, en los cuales toda persona puede tomarlos como formas reproductivista,
de imitación y de recreación personal.

En tal sentido, un artista toma dichos modelos para desarrollar técnicas y estrategias, teniendo
como finalidad la de encontrar un "estilo" propio en todas sus creaciones artísticas.

La originalidad, en este caso, no consiste sólo en hallar la idea artística perfecta, sino en recrear
las ya existentes, en nuevas formas, con un sello personal. Lo que establece la cultura es llegar
a la recreación, puesto que "recrear" es volver a "crear".

En todo proceso de creación, se halla presente el conocimiento, basado no sólo en la

experiencia, sino también en un cúmulo de saberes que integran una amplia lista: técnicas,
estrategias, métodos, etcétera.

En vista de los preceptos enunciados: ¿qué lugar ocupa el conocimiento con relación a la
fantasía/creatividad?

En primer término, es indudable que todo conocimiento es prioritario, puesto que sin él,
cualquier idea, por más excelente que sea, no podría desarrollarse adecuadamente.

Cuando se habla de conocimiento, en un sentido amplio, no sólo involucra el "saber hacer", es

decir, utilizar elementos, sino también un "saber saber" y "saber leer" con conocimiento de
causa. Llevado al plano de lo intelectivo, el pensamiento es regulado por estos principios,
basados principalmente en los modelos culturales, pero enriquecidos con otros enfoques:
informativos y técnicos, que hacen del proceso una integridad sustancial.

Todo conocimiento implica un proceso de creatividad, puesto que un pintor o escritor puede
corregir sus obras tantas veces como sea necesaria, a fin de encontrar como meta final el
"buen diseño". Las barreras que separan el conocimiento técnico de una manifestación del
pensamiento como la fantasía son difusas. La fantasía puede existir en forma autónoma, pero
el conocimiento es necesario si queremos llevar a la "fantasía" hacia una realidad. El hecho de
pensar una idea no sólo implica quedarse con el resabio de "construir un castillo en el aire",
sino de armarlo y reconstruirlo en lo material.
Estas breves consideraciones entre la dupla fantasía/creatividad hacen que la enfrentemos con
el automatismo/serialización.

Este último contexto se origina por una contraposición emergente para distinguir un proceso
manual (lienzo y pinceles) de otro con un nivel tecnológico avanzado (computadora).

En alguna medida, los críticos centran su postura en afirmar que "esto es arte y lo otro no",
determinando que las características de un objeto tecnológico invalidan la posibilidad de
creación de una pieza artística. Se niega, a ultranza, que una pieza creada por computadora
posea originalidad, puesto que sólo pueden crearse formas perfectas, debido a la
incorporación de efectos y otros recursos que ofrecen los software de diseño.

Si un artista debe dibujar en un lienzo distintas figuras geométricas y colorearlas de una por
vez, la computadora ofrece como recurso la duplicación de formas con varios clicks de Mouse.
El proceso podría convertirse en automático y serial, puesto que sólo se cambia la dirección del
objeto.

Si bien la tecnología ofrece distintas perspectivas en lo que se refiere a los procesos:

correcciones sobre pantalla, recortes de imágenes, recreación de efectos, etc., debemos tener
presente que no es un proceso de automatismo perceptivo ni tampoco una aplicación serial de
elementos, como si en la computadora existiera un recetario de modelos para cada imagen.

Los dispositivos que la computadora ofrece al artista le sirven para modificar y mover la
información digital, no para dejarla fijada; y estas operaciones –o procedimientos– son
desarrolladas por la computadora según reglas que el artista controla, al menos en potencia
(Glusberg, 1993: 294).

Cada composición digital es también un producto de lo imaginario; incluso, en la aplicación de

recursos se hace necesaria su presencia. Por más que se piense que una imagen prediseñada
puede ser transformada en un elemento artístico, se debe basar en un principio de equidad.
Exige del artista una toma de conciencia del proceso tecnológico y que no descarte a la fantasía
o la creatividad, puesto que son indispensables para que la idea cobre protagonismo. Lo que el
artista plasma en una pantalla electrónica no difiere de otro que utilice un lienzo y pinceles. La
imagen confeccionada por efectos o cualquier creación personal, también es el resultado de
una idea (inspiración), recreada desde un proceso tecnológico (conocimiento). Debe hacer uso
de la creatividad para enriquecer la primigenia idea, corregirla, reelaborarla de acuerdo con el
soporte utilizado, para luego transformarla en una pieza artística.

En todo el proceso, lo que prima es el conocimiento técnico. No es posible acercarse a lo

tecnológico con sólo tener una vaga idea, puesto que no se aprovecharían al máximo las
potencialidades que ofrecen los software de diseño. Se sabe que cualquier error en el proceso
como, por ejemplo, la mala aplicación de una función rutinaria, puede ser un obstáculo para
llegar a buen término con todos los procedimientos. El conocimiento no sólo obliga a cualquier
artista a una actividad procedimental para comprender el uso de los menús, botonera y teclas
rápidas, sino tomar en cuenta que se debe generar un construto con los componentes
tecnológicos (físicos e inmateriales), puesto que es, en este ámbito, altamente complejo.
Quedarse sólo en este rizoma de lo probabilístico, implica no sólo una reducción de partes, sino
también excluir un conocimiento expreso en la faz del arte.
El arte, como bien se expresara, incluye distintas técnicas, métodos, etc., sino que se le suma
una conciencia taxativa de aplicación. ¿De qué valdría saber que un programa como Corel
ofrece como alternativas una aplicación de color a modo de pincel, acuarela, óleo, etc., si sólo
sabemos ubicarlo en un menú, pero no su aplicación práctica?

De este modo, podemos descartar cualquier crítica de automatismo y serialización, ya que no

sólo debemos recurrir a un conocimiento procedural de lo tecnológico, sino también a un
conocimiento técnico de aplicación efectiva, vinculado con lo artístico.

Muchas veces se hace hincapié en un solo aspecto, pero se descartan otras potencialidades
que ofrece la computadora. No es que se quiera suplantar el proceso de una técnica manual
por otro más complejo, o enriquecido con otras variantes significativas, sino que se está
comparando dos matrices distintas: un proceso analógico como puede ser la pintura sobre tela
y otro totalmente distinto, digitalizado en un proceso tecnológico.

Los efectos que se producen también son dispares, al igual que las reacciones del público.
Generalmente, estamos más acostumbrados a apreciar un cuadro al óleo que una pieza
digitalizada, precisamente, porque hemos sido educados culturalmente para que nos resulte
más placentera nuestra visita al museo.

Para asistir a una muestra de arte digital, en cambio, es menos espontánea, pese a que se
pueda exhibir en un museo. Si no estamos habituados al manejo de una computadora, también
nos resultará extraña, incluso, podemos tener ciertos prejuicios. Esto se debe, en gran parte, a
que los críticos ponen el acento en hacer una división tajante entre lo que se considera arte, o
bien, se crean ciertas resistencias por la "mala fama" que gira en torno a un objeto tecnológico.

Nuevos protagonistas

Entre el arte tradicional y el arte digital, hemos analizado las distintas posturas e, incluso, se ha
podido establecer una tercera vía para tratar de consensuar las visiones a ultranza.

Comparando las distintas visiones del arte (tradicional y digital), podemos enunciar modelos de
hombre como artistas, críticos y público interesado en la temática, para lo cual se pueden
asignar los roles de creador, espectador y usuario, cuyo canal (pieza artística) varía de acuerdo
con la forma de publicación, influyendo en los gustos y preferencias del público.

Si tomamos como referencia a la pintura, observamos que existe una relación artista/público
más directa, ya que el canal es una pieza artística considerada como un objeto tradicional. El
artista es el autor de la obra, mientras que el público está definido por un crítico, especialista, o
bien, una persona interesada en la temática.

En el arte digital, existen otros canales de comunicación. Toda pieza puede ser publicada tanto
en forma analógica como digital, en la cual se incorporan distintas categorías de actores: artista
digital, espectador, usuario y cibernauta.

El artista digital es el creador de una composición, para lo cual debe tener un conocimiento de
computación y arte, a fin de que en sus obras puedan apreciarse este espectro global.

El espectador, al igual que en el arte tradicional, es alguien que puede apreciar una obra
publicada en forma analógica, la cual es exhibida en salones, museos, etcétera.
El usuario, en cambio, es quien utiliza una publicación virtual con distintos fines e, incluso,
puede modificarlo a su gusto y preferencia, transformándose, a su vez, en un artista
globalizado.[19]

En último término, hallamos al cibernauta, que tiene una participación activa en la lectura de
las páginas Web, o bien, puede sumar a su tarea las prefijadas por el usuario.

Por ello, más que hablar de una comunicación directa con la obra artística, podemos utilizar
como metáfora la "comunicación itinerante", es decir, por varios circuitos, en los cuales puede
cumplir todas las etapas, o bien, enrolarse en una sola actividad.

En el arte digital, las tecnologías han multiplicado el escenario. En tal sentido, puede ser
corpóreo y, a su vez, efímero, puesto que circula por la red como si fuera una información más
entremezclándose en las tantas páginas que se publican a diario y que, después de un tiempo,
desaparecen.

A modo de cierre

Analizado las controversias que se suscita entre los artistas de lienzo y los artistas digitales, es
necesario encontrar un tercer enfoque que permita establecer cuáles serán las similitudes y
también las diferencias. En todos los casos, la cuestión se esgrime en un cúmulo de opiniones
que forjan una argumentación endeble, puesto que se establece como una visión bipolar, en
vez de una integración sustractiva.

Lo que plantean las tic es un enfoque novedoso, vinculado con un espacio diferente, que no
tiene otra variable que la de mostrar un sólo referente (la pantalla) y en tal sentido, surgen
nuevas reglas que se van incorporando en este mundo de cambios globalizado.

La idea de crear una pieza artística, opinión que queda reducida a un comparendo de
situaciones que se generan a partir de la utilización de un nuevo instrumento tecnológico,
representa también un modo de "hacer arte" completamente distinto a las formas
tradicionales. Si bien, el artista puede ser el mismo, lo que se establece es el posible
reduccionismo crítico: "esto es arte y lo otro no", como si el arte estuviera circunscripto a una
sola faz: "lo analógico" y "lo virtual" fuese algo impensable.

De este modo, las posturas a ultranza siempre generan un cierto recelo, teniendo como meta
"rechazar" aquello que no es comprendido o utilizado, sin tomar en cuenta la evolución
tecnológica.

Ahora bien, si aplicamos un reduccionismo a la postura de que "el arte futuro será visto en una
pantalla", caeríamos también en el error de determinar que el lienzo es una técnica pasada de
moda.

En ambos casos, la tercera postura del arte implica ver y concensuar ambas corrientes, es decir,
tener en cuenta que el arte sobre tela seguirá su curso, "ya en sus formas más difundidas, y
reinterpretadas de manera sucesiva (pintura, escultura, dibujo, grabado), ya en las más
recientes (instalaciones, ensamblajes, performances, obras conceptuales)" (Glusberg, 1993:
305), y coexistirá con aquel que se muestra en forma virtual, puesto que el arte ha cambiado su
rumbo y se ha trasladado hacia un nuevo escenario con los cambios que ello implica.