El Camino Del Gaitero 6x9 Fisico e Ebook

EL
CAMINO
DEL
GAITERO
MÉTODO DE GAITA GALLEGA
De cero a profesional en 88 pasos
Germán Ruiz
Germán Ruiz 2019, Todos los derechos reservados
Publicado en España por Germán Ruiz
Primera Edición
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Índice
Introducción
Paso 1
Los elementos de la gaita ____________________________________ 14
Paso 2
El control postural _________________________________________ 16
Paso 3
Manteniendo y controlando el sonido _________________________ 20
Paso 4
Pulso, compás y figuras musicales ____________________________ 24
Paso 5
El pentagrama, las claves y los puntillos. _______________________ 30
Paso 6
Primeras 4 notas (do re mi si) ________________________________ 34
Paso 7
Notación de la digitación ____________________________________ 35
Paso 8
Introducción a la articulación ________________________________ 37
Paso 9
Melodía 1_________________________________________________ 39
Paso 10
Melodía 2_________________________________________________ 39
Paso 11
Melodía 3_________________________________________________ 39
Paso 12
Melodía 4_________________________________________________ 40
Paso 13
Afinación - Conceptos clave _________________________________ 41
Paso 14
Notas fa sol la _____________________________________________ 43
Paso 15
Batimentos de Do a La ______________________________________ 45
Paso 16
Melodía 5_________________________________________________ 46
Paso 17
Melodía 6_________________________________________________ 46
Paso 18
Melodía 7_________________________________________________ 46
Paso 19
Picados dedo 3 ____________________________________________ 47
Paso 20
Picados dedo 1 ____________________________________________ 47
Paso 21
Melodía 8_________________________________________________ 48
Paso 22
La forma en música ________________________________________ 49
Paso 23
Himno Antergo ____________________________________________ 50
Paso 24
Primera muñeira __________________________________________ 50
Paso 25
Ejercicio de tempero _______________________________________ 51
Paso 26
Melodía 9_________________________________________________ 52
Paso 27
Melodía 10________________________________________________ 53
Paso 28
Los picados abiertos ________________________________________ 53
Paso 29
Pasodoble de cabezudos _____________________________________ 55
Paso 30
Pasodoble de Mallou _______________________________________ 56
Paso 31
Rumba de Buxaina _________________________________________ 57
Paso 32
Melodía 11________________________________________________ 57
Paso 33
Melodía 12________________________________________________ 58
Paso 34
Melodía 13________________________________________________ 59
Paso 35
La palleta 1 _______________________________________________ 59
Paso 36
La escala mayor y las tonalidades_____________________________ 63
Paso 37
Los intervalos _____________________________________________ 67
Paso 38
Ejercicios Do mayor ________________________________________ 69
Paso 39
Los batimientos, comenzando a afinar el ronco _________________ 69
Paso 40
El portamento _____________________________________________ 74
Paso 41
Ejercicio de portamentosbatimentos __________________________ 75
Paso 42
Ejercicio de portamentos 2 __________________________________ 76
Paso 43
Vals de Taramundi_________________________________________ 77
Paso 44
Muñeira A Grelada ________________________________________ 78
Paso 45
Los modos ________________________________________________ 79
Paso 46
Escala de fa mayor - do mixolidio_____________________________ 80
Paso 47
Rebolada “La Fragua” _____________________________________ 81
Paso 48
Las escalas menores ________________________________________ 81
Paso 49
La escala de Do menor y melodía 14 __________________________ 84
Paso 50
Melodía 15________________________________________________ 85
Paso 51
Melodía 16________________________________________________ 85
Paso 52
El fenómeno físico-armónico y el calculo en cents _______________ 86
Paso 53
Muñeira de Chantada ______________________________________ 90
Paso 54
Foliada de Berducido _______________________________________ 91
Paso 55
Ejercicios rutinarios escalas menores__________________________ 92
Paso 56
La palleta 2 _______________________________________________ 93
Paso 57
El trino __________________________________________________ 94
Paso 58
Ejercicio de trinos _________________________________________ 94
Paso 59
Muñeira “A Camposa” _____________________________________ 95
Paso 60
El preludio _______________________________________________ 96
Paso 61
El mordente “floreo” _______________________________________ 98
Paso 62
Pasacoredoiras “na eira” ____________________________________ 99
Paso 63
El mordente “de ataque” ___________________________________ 100
Paso 64
Picados de enfatización ____________________________________ 101
Paso 65
Picados de enfatización ejercicio 1 ___________________________ 101
Paso 66
Paso 67
Paso 68
Paso 69
Repertorio”The easy club reel” _____________________________ 104
Paso 70
El vibrato _______________________________________________ 105
Paso 71
Vibrato con la notas do re y mi mib y lab _____________________ 106
Paso 72
Vibrato con las notas fa sol la sib si __________________________ 106
Paso 73
Muñeira de Chantada 2 ____________________________________ 107
Paso 74
Pasodoble de Cabezudos 2__________________________________ 108
Paso 75
Marcha de San Benito _____________________________________ 109
Paso 76
Doble picado-batimento____________________________________ 110
Paso 77
Ejercicio de doble picado-batimento atresillado ________________ 110
Paso 78
Ejercicio de doble picado batimento tipo “cran” _______________ 111
Paso 79
Ejercicio dobles picados sobre la nota sol _____________________ 111
Paso 80
Reel ____________________________________________________ 112
Paso 81
The Glass of beer (reel) ____________________________________ 113
Paso 82
El triple picado ___________________________________________ 114
Paso 83
El doble batimento ________________________________________ 115
Paso 84
La posición de silencio _____________________________________ 116
Paso 85
Andy Renwick's Ferret ____________________________________ 119
Paso 86
La escala cromática _______________________________________ 120
Paso 87
El triple batimento ________________________________________ 121
Paso 88
Muñeira de Ourense ______________________________________ 121
Introducción
El propósito de este libro es convertirte en un gaitero completo a través de

pasos. Cada paso es una meta en sí misma y a la vez un medio con el que
poder abordar el siguiente paso con naturalidad. Quizás a algunos pasos
bastará con que les dediques algunos minutos mientras que otros precisarán
de varias semanas o incluso meses. Puede haber gente que en unos meses
sean capaces de realizar todos los pasos mientras que a otros les puede
llevar toda una vida. Lo importante es disfrutar de cada paso y de su
estudio con alegría, con calma y sin prisas hasta llegar a la gran realización
del último paso ya convertidos en “gaiteros completos” … ¿o quizás todo
el método sea el primer paso para comenzar una etapa con el instrumento
explorando otros contextos musicales y alcanzar nuevas metas
inimaginables en este momento?
Este libro es eminentemente práctico. Hemos omitido capítulos dedicados

a la “historia de la gaita”, existentes en otros libros…pensamos que la
historia no es más que un relato, ninguno de los relatos acerca de la historia
de la gaita nos parece lo suficientemente firme como para asumirlo, y
tampoco queremos responsabilizarnos de la invención de un nuevo relato,
así que en ese sentido nos hemos decantado por el silencio.
En este método tampoco doy una importancia demasiado grande al

repertorio, las melodías que aparecen son las necesarias para aplicar las
técnicas que se van mostrando, nada más. En la actualidad existen
numerosos recursos para conseguir partituras o videos de canciones, que
están a disposición de cualquier persona interesada en ampliar su repertorio
con el instrumento.
Tampoco abordamos cuestiones musicales teóricas exceptuando las que

consideramos absolutamente básicas para la práctica musical del
instrumento, teniendo en cuenta que este libro pueda ser utilizado tanto por
personas con conocimientos de música como sin ellos. En el caso de estos
últimos en el libro podrán encontrar y aprender los contenidos básicos de
lenguaje musical, aunque con la ayuda del contenido audiovisual que
puedo enviar directamente a tu teléfono móvil podrán realizar todos los
10
pasos sin mayores conocimientos teóricos. Pese a eso recomendamos
encarecidamente ampliar los conocimientos de teoría musical a través de
otros libros o contenido de alta calidad sobre el tema que existe en internet.
En el caso de la afinación también nos quedamos en lo básico necesario

para la práctica musical del instrumento. No entramos a explicar el
fundamento teórico de temperamentos, diferentes sistemas de afinación, ni
comas, ni todos esos asuntos que son imprescindibles de saber para
comprender ese tema. También recomendamos a todos los que pretendan
convertirse en intérpretes de gaita que adquieran esos conocimientos a
través de otros medios.
11
Aclaraciones didácticas
Aunque he intentado que este libro pueda ser utilizado por personas que se
forman de forma autodidacta, es muy difícil sustituir al 100% a un buen
profesor. Si tenéis cualquier duda o problema mientras trabajáis con el
libro no dudéis en contactar conmigo con total confianza a través de
WhatsApp (+34 617-71-08-80) estaré encantado de resolver vuestras dudas
y ayudaros, así como enviaros contenido audiovisual que os pueda servir
para realizar más fácilmente los pasos de este libro.
Muchas de las formas de simbolizar los movimientos y las articulaciones

en este libro no están estandarizadas, por lo que no esperéis encontrarlas
fuera de este método (a no ser que en el futuro las adopten un gran número
de gaiteros).
El músico-gaitero debe de ser capaz después de haber adquirido los

conocimientos técnicos de abordar una partitura por sus propios medios y
sin necesidad de la mayoría de esos símbolos utilizados, que solamente
cumplen su función en el contexto de enseñanza-aprendizaje.
Es posible que algunos aspectos de este método puedan causar controversia

respecto a la forma de abordar algunos elementos, como por ejemplo las
notaciones de las digitaciones, la representación gráfica de los llamados en
ocasiones “ornamentos” y otra multitud de aspectos más.
Hay que tener claro que lo que aquí expongo es la forma de abordar esas
cuestiones que a me resulta más efectiva y coherente con mi forma de
entender el instrumento y la enseñanza del mismo.
Respecto al método que expongo aquí es muy completo respecto a la gaita

en base a su interpretación en el universo de la música “folk” actual. No se
centra en las formas más antiguas llamadas “tradicionales” de tocar ni en
las formas de interpretación que utilizan más de dos octavas con el fin de
poder abordar el repertorio erudito antiguo o contemporáneo.
12
Sin embargo, las herramientas que ofrece no dificultan, sino que facilitan
el acercamiento a cualquiera de estas dos vertientes del instrumento en
caso de que alguien que aprendiera gaita con este libro se interesara por
ellas.
13
EL CAMINO DEL GAITERO
Paso 1
Los elementos de la gaita
- Fol: Es la bolsa en la que se almacena el aire. Para producir el

sonido el gaitero ejerce presión con el brazo sobre él para forzar al aire a
salir y excitar las lengüetas. Originalmente los foles se hacían de piel de
animal (generalmente cabrito). Actualmente se suelen hacer de materiales
sintéticos como el goretex.
También existen foles de cuero cosido o de goma. Los de goma

recomendamos evitarlos porque debido a su elasticidad dificultan el
correcto uso del brazo en la práctica musical y porque generan muchos
problemas de exceso de humedad al tratarse de un material no transpirable.
- El soplete: Es el tubo que permite que el aire insuflado por el

gaitero llegue al fol. En el extremo más estrecho tienen una boquilla hecha
generalmente de plástico que puede estar fija al resto de la pieza o bien ser
intercambiable.
- El zapón: Es la válvula que se encuentra en el soplete que permite

que el aire pueda entrar al fol pero que no pueda salir. Los más sencillos
son simplemente un pequeño circulo de goma o cuero clavados
directamente al soplete, los más elaborados tienen armazones de plástico
que facilitan su limpieza
1 La tónica es la nota musical que ocupa el primer grado en una escala y tiene función de
reposo en el sistema tonal. Si todavía no sabes música no te preocupes por no entender
todavía este concepto.
2 Una octava es el intervalo que separa dos sonidos cuyas frecuencias fundamentales tienen
una relación de dos a uno.
3 Una quinta justa es el intervalo que separa dos sonidos cuyas frecuencias fundamentales
tienen una relación de 3 a 2
14
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
- El ronco: Es el tubo largo que recae sobre el hombro del gaitero.

Emite una nota pedal grave, generalmente dos octavas por debajo de la
tónica del punteiro.
- El punteiro: Es el tubo cónico con agujeros a través del cual el

gaitero produce las melodías tapando y destapando los correspondientes
agujeros con los dedos. Los hay de diferentes tamaños dependiendo de la
afinación en la que se encuentren.
- La ronqueta: Es el segundo tubo más largo de la gaita. Reposa

sobre el brazo derecho del gaitero o debajo de éste. Generalmente emite la
misma nota que el ronco, pero una octava más alta.
- El chillón: Es el tubo pequeño que puede estar situado al lado de

la ronqueta. La función es la misma que la del ronco y la de la ronqueta, si
bien puede dar la octava por encima de la ronqueta (unísono con el
punteiro) o bien la quinta.
- La palleta: Es la lengüeta doble que al ser excitada produce la

vibración que es amplificada por el punteiro. La palleta es en gran medida
la responsable del sonido de la gaita, es importante que todo gaitero
aprenda sobre ella y su manipulación para adaptarla a su gusto. Lo habitual
es que sean de caña, aunque también las hay sintéticas.
- El pallón: Es la lengüeta simple que al ser excitada produce la

vibración que es amplificada por los bordones. Pueden ser de caña o
sintéticas con diferentes diseños.
- Las buxas: son los cilindros que van atados al fol y sobre los que
se asientan todos los tubos que conforman el instrumento.
- El anillado: Puede ser de diferentes materiales: madera, metal o

metacrilato son los más comunes. Su función es estética y también
estructural.
15
Paso 2
El control postural
Durante la práctica musical deberemos considerar al instrumento como una

parte más de nuestro propio cuerpo, con la cual comunicamos al oyente la
música que la conjunción mente-cuerpo-instrumento produce. Aunque
parezca una obviedad es importante tener claro que la música no la hace el
instrumento, sino nuestro cuerpo al interactuar con el instrumento mediante
movimientos muy sutiles, en esencia la práctica de la música es la práctica
de esos movimientos que producen el sonido y que expresan aquello que se
encuentra en lo más profundo de nuestro ser. Para conseguir unos
movimientos precisos como los que se precisan para una buena
interpretación musical es necesario conseguir una postura lo más adecuada
posible para ello.
Antes de lanzarnos a tocar un instrumento sin más es conveniente

reflexionar, interiorizar ciertos aspectos básicos, ser conscientes de cómo
está nuestro cuerpo y de cómo nos sentimos con el instrumento entre
nuestros brazos. No es algo fácil. Nunca antes en la vida hemos tocado una
gaita. Al cogerla por primera vez parecerá que nada está en su sitio. Es una
tarea que lleva su tiempo la de “acoplar” la gaita a nuestro propio cuerpo.
Sin un maestro que nos guíe, lo normal es que utilizáramos una postura
“incorrecta”. Es posible llegar a tocar un instrumento a buen nivel con una
postura “incorrecta”, pero ya hemos visto que la música es movimiento, y
es preferible usar posturas que faciliten ese movimiento a posturas que en
mayor o menor medida lo impidan.
El enemigo del movimiento es la tensión. Muchas veces vemos el

aprendizaje de un instrumento como un “añadir” (hay que añadir cada vez
más y más cosas nuevas, más técnicas, más movimientos, más
recursos…etc.) Esta forma de aprender y de prosperar en base a lo que nos
falta es muy occidental y en ocasiones puede ser efectiva, pero en otras
ocasiones es mejor aprender y prosperar en base a lo que nos sobra, en el
caso del aprendizaje de la música lo que suele sobrar a los alumnos es la
tensión, y en ocasiones también los miedos, pero ese es otro
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+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
tema…respecto a la tensión hay que trabajar desde el principio para irse

librando de ella y ganar facilidad de movimiento.
Los hábitos corporales se generan a través de la repetición. Si realizamos

un movimiento de forma cotidiana (por ejemplo, atarnos los cordones de
los zapatos) llegamos a interiorizarlo y reproducirlo de forma automática
independientemente de si lo hacemos de una forma más o menos eficiente.
Tanto si aprendemos a atarnos los cordones de una manera eficiente como

lo contrario llegaremos a un punto en el cual tendremos tan interiorizado
ese movimiento que nos resultará muy difícil cambiar y realizarlo de otra
manera, aunque esta manera sea “mejor” o simplemente diferente que la
acostumbrada. ¿Habéis intentado ataros los cordones cambiando las
manos? Si es así os habréis dado cuenta de lo difícil que es. Ahora, por
ejemplo, os propongo cruzar los brazos, tal y como lo haríais
habitualmente. Después de eso cruzadlos, pero de forma inversa, es decir,
el brazo que antes estaba encima pasa abajo y viceversa… ¿Sentís la
segunda posición de los brazos extraña, por no decir incómoda? Es
simplemente una cuestión de hábito y de costumbre, no tendría por qué ser
diferente cruzar los brazos de una u otra manera, simplemente hemos
educado a nuestro cuerpo de esa forma.
Propongo como ejercicio preliminar comenzar a ser conscientes de nuestro

propio cuerpo y de la tensión que utilizamos durante nuestras tareas
cotidianas, por ejemplo, al comer, al estar sentados frente al ordenador, al
caminar, al subir escaleras, al tomar un vaso para beber agua
etc.…Debemos intentar ser conscientes de todos los movimientos que
realizamos, preguntarnos a nosotros mismos ¿Qué músculos estoy
utilizando para realizar este movimiento? ¿Qué tensiones estoy generando
y en dónde? ¿Puedo realizar este movimiento con un menor esfuerzo o con
menos tensión muscular? Por ejemplo, al comernos un yogur podríamos
tomar conciencia de cuánto apretamos los dedos al abrir el envase, de
cómo de fuerte sujetamos el propio yogur o la propia cucharilla
etc.…seguramente nos daremos cuenta de que en una acción tan banal
como comerse un yogur generamos mucha tensión innecesaria.
17
Seguramente seríamos capaces de abrir el envase haciendo menos fuerza

con las manos, utilizar menos fuerza para sujetar la cucharilla, podríamos
ser conscientes de nuestros hombros y percatarnos de que se encuentran en
tensión mientras comemos el yogur etc.
Si comenzamos a ser conscientes de nuestro propio cuerpo al realizar

cualquier tarea cotidiana que estamos acostumbrados a realizar de forma
automática, nos daremos cuenta de la cantidad de tensión innecesaria que
generamos.
Toda esa tensión innecesaria se multiplica al realizar una tarea más

compleja, como puede ser la práctica de un instrumento musical, en
nuestro caso la gaita. Por eso es de vital importancia tomar conciencia de
ello al empezar a tocar, o incluso antes si fuera posible.
A continuación, describiré la postura que recomiendo a la hora de tocar la

gaita, dispongo de un video en YouTube explicándolo que puedo enviarte
directamente al WhatsApp.
- Colocaremos el fol de la gaita en el brazo izquierdo, el ronco

recaerá sobre el hombro, más o menos cerca del punto en el que se unen la
clavícula y el húmero. En este momento hemos de ser conscientes sobre
todo de los hombros.
Es habitual generar tensión en ellos hacia arriba. También es importante

estar pendientes del cuello y de la cabeza. Intentaremos mantenerla erguida
sin que se nos incline hacia adelante.
18
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
- Apretaremos el fol con el brazo, intentando minimizar el contacto

con el antebrazo. Para ello es conveniente flexionar la muñeca izquierda un
poco hacia afuera.
- Hemos de colocar las manos de tal forma que la pinza entre el

índice y el pulgar formen algo parecido a una elipse.
19
Paso 3
Manteniendo y controlando el sonido
Podría decirse que la base de conseguir un buen sonido constante en la

gaita sin cansarse es encontrar un buen equilibrio entre el diafragma, que
es el músculo encargado de insuflar el aire en el fol y el brazo que es el
encargado de mantener la presión que precisa el fol en cada momento.
Al empezar a tocar el instrumento será muy difícil encontrar ese punto en

el cual hay que soplar muy poco, apretar muy poco y el sonido de la gaita
es constante y de calidad. Lo habitual será que nos vayamos al “extremo
del brazo” o “al extremo del aire”.
A los que se vayan al “extremo del brazo” les ocurrirá que apretarán
demasiado con un volumen de aire escaso dentro del fol, con lo cual les
costará un gran esfuerzo hacer sonar la gaita y será muy difícil para el
diafragma y los labios tener la fuerza suficiente como para ser capaces de
insuflar el aire necesario para que la gaita suene de forma continuada, por
lo que el sonido se entrecortará continuamente y será difícil mantenerlo
estable.
A los que se vayan al “extremo del aire” les ocurrirá que la gaita les sonará
por tener un gran exceso de aire dentro del fol, por lo que no será necesaria
la fuerza del brazo para hacerla sonar. Será fácil que la gaita suene de
forma constante y sin demasiado esfuerzo, pero no tendrás un control sobre
el sonido ni sobre la afinación.
El simil podría ser el de conducir un coche sin frenos, parece que funciona,
pero en realidad no tienes el control.
Deberemos ir trabajando para alejarnos del extremo en el que nos

encontremos e ir encontrando el equilibrio. El fol debe estar siempre
aproximadamente al 90% de su capacidad total de aire, produciendo
nosotros la presión necesaria para que suene el instrumento con el brazo.
20
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Si al estar tocando levantamos el brazo de forma repentina y la gaita no

deja de sonar por completo al instante quiere decir que estamos en el
“extremo del aire”. Si por el contrario nos cuesta mucho esfuerzo hacerla
sonar y da la sensación de que soplamos mucho, pero la cosa no funciona
es que estamos en el “extremo del brazo”
Es habitual también al comenzar con la gaita que a los pocos minutos de

hacerla sonar el aire comience a escaparse por los labios y por consiguiente
no seamos capaces de introducirlo en el fol.
Muchas veces ni siquiera somos conscientes de que ocurre eso y nos

preguntamos ¿cómo es posible que no me suene si no hago más que
soplar? Lo que ocurre es eso, que los labios aún no están acostumbrados a
mantener esa presión y el aire se escapa.
Cuando ocurre eso lo mejor es descansar y dejar el instrumento por un rato.

Al principio es probable que aguantemos solamente unos segundos o unos
pocos minutos, pero poco a poco iremos aumentando el tiempo hasta que
sin darnos cuenta seamos capaces de tocar varias horas seguidas sin
problema y con facilidad.
A continuación, propongo el primer ejercicio para practicar la emisión del

sonido. Desde ahora y hasta que dominemos de forma básica el tempero
bloquearemos el sonido de los roncos y trabajaremos únicamente con el
punteiro.
Los ejercicios que se proponen a continuación hay que trabajarlos de forma
rutinaria hasta que se dominen, siempre con metrónomo. El tempo lo
fijaremos en 50 bpm.
4 bpm se refiere a las pulsaciones por minuto (“beats per minute” en inglés) es una
medida empleada para medir el tempo en música. Equivale al número de
pulsaciones que caben en un minuto.
21
La línea S representa la duración del sonido, mientras que los palitos “P”
representan los pasos que debemos dar, andando sin movernos del sitio al
ritmo del metrónomo.
22
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
El tempero
Una vez hayamos comenzado con la práctica de este paso es buen

momento para entender de lo que hablamos los gaiteros cuando utilizamos
la palabra “tempero”.
“Temperar” es el hecho de conseguir un sonido lo más uniforme posible,

sin variaciones en la entonación en una misma nota. Cuando la presión del
aire que se encuentra en el interior del fol, siendo suficiente para producir
la excitación de las lengüetas y el correspondiente sonido, se ve alterado en
mayor o menor grado, se producen pequeñas oscilaciones en el sonido que
pueden resultar desagradables al oyente crítico. Lo que debemos intentar
con este ejercicio es conseguir que la presión del aire contenido en el fol
sea o más constante posible para evitar esas variaciones.
De todas formas, de momento mejor centrarse solamente en ser capaces de

mantener y de cortar el sonido dejando de apretar con el brazo de forma
precisa. Más adelante trabajaremos el tempero de forma visual con un
afinador electrónico y después prescindiremos del afinador para trabajar
con un sonido pedal fijo. Cuando tengamos un dominio aceptable del
tempero será el momento de comenzar a tocar con los bordones.
Si comenzamos a tocar con el ronco activado sin dominar el tempero nos

acostumbraremos a escuchar una afinación poco precisa y luego costará
mucho más avanzar en ese tema.
23
Paso 4
Pulso, compás y figuras musicales
La notación musical nos permite representar los diferentes elementos que

forman las ideas musicales. Estos elementos son la altura, la duración, la
articulación, el tempo, la dinámica, el silencio y el timbre.
Comenzaremos por aprender cómo se representa la duración de los

sonidos. Para esto lo primero que tenemos que tener claro es el concepto de
pulsación o pulso. Nos resultará familiar porque lo hemos estado
practicando en el paso anterior. Las pulsaciones normalmente se agrupan
en grupos de 2, 3 y 4 pulsaciones. A este patrón de pulsaciones lo
llamamos compás. Dentro de cada compás cada pulsación se corresponde
con un tiempo. De esta forma se generan compases de dos, tres y cuatro
tiempos siendo algunos implícita o explícitamente fuertes (F) y otros
débiles (d).
- Compás de dos tiempos: F - d - F - d - F - d - F - d

- Compás de tres tiempos: F - d - d - F - d - d - F - d - d
- Compás de cuatro tiempos: F - d - f - d - F - d - f – d
A la hora de leer música uno de los primeros símbolos que nos

encontraremos son los indicadores de compás colocados después de la
clave, como, por ejemplo:
5 El pulso es la unidad básica que se usa en música para medir el tiempo. Se trata de una
sucesión constante de pulsaciones que dividen el tiempo en partes iguales. Cada una de las
pulsaciones así como la sucesión de las mismas reciben el nombre de pulso. El pulso por lo
general es regular, aunque también puede variar (acelerarse o retardarse) a lo largo de una
pieza musical en función de los cambios de tempo de la misma.
24
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Como habréis podido comprobar, el número superior nos indica la cantidad

de tiempos o pulsaciones que tiene cada compás. Un compás es el espacio
que en el pentagrama se separa mediante líneas verticales.
El número inferior se refiere al tipo de figura musical al que equivale cada

pulso. Cada figura musical está relacionada con un número por convenio.
A continuación, podéis observar las principales figuras musicales y sus
respectivos silencios.
25
Aquí abajo están plasmadas sus equivalencias. El número que tienen a su

izquierda es el que les corresponde por convenio, y es el que se utiliza para
nombrar al tipo de nota con el que se corresponde cada pulso en el
denominador de la fracción indicadora del compás.
Como habréis podido comprobar, a figura más larga es la redonda, la mitad

de una redonda es una blanca, la mitad de una blanca una negra, y así
sucesivamente.
26
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Una vez sabido esto podemos empezar a leer los siguientes ejercicios:
27
Existen otros dos elementos que afectan a la duración del sonido y que
complementan a las figuras musicales que ya conocemos. Me refiero al
puntillo y la ligadura de prolongación.
El puntillo es un punto que se coloca detrás de una determinada nota

musical, alargando la duración de dicha nota la mitad de su valor. Por
ejemplo, si sabemos que una blanca sin puntillo equivale a dos negras en
duración, una blanca con puntillo equivaldrá a tres negras. De la misma
manera si una negra sin puntillo equivale a dos corcheas, una negra con
puntillo equivaldrá a tres corcheas, y así con todas las notas.
La ligadura de prolongación, por su parte, es un elemento que agrupa dos o

más notas de la misma altura, uniendo la duración de sus sonidos.
28
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
A continuación, y sabiendo esto, podemos medir los siguientes ejercicios:
29
Paso 5
El pentagrama, las claves y los puntillos.
Si en el paso anterior nos centramos sobre todo en lo referente a la

duración de los sonidos, en este quinto paso aprenderemos los aspectos
referentes a la altura del sonido y su notación. Entendemos por altura la
cualidad del sonido que permite distinguir un sonido grave de uno agudo.
La altura se representa en el pentagrama colocando las notas más arriba o
más abajo del pentagrama, en las diferentes barras y espacios, tomando
como referencia una determinada clave.
El pentagrama:
Las notas se colocan en las líneas o en los espacios del pentagrama. Si

alguna nota se encontrara por debajo o por encima del pentagrama
utilizaremos las líneas adicionales que se precisen.
30
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
La clave será la encargada de indicarnos el lugar que ocupará cada nota,

asignando una determinada nota a una altura concreta en el pentagrama.
Por ejemplo, en la siguiente imagen, la clave de sol nos indica que la nota
sol se encuentra situada en la segunda línea, a partir de ella, deduciremos el
lugar que ocupan el resto de notas.
La clave de sol será la que utilizaremos en la música escrita para gaita. La

utilización de una clave u otra responde al registro de las diferentes voces e
instrumentos. Las dos claves que más se utilizan son la de sol, para los
registros agudos, y la de fa en 4ª para los registros graves. A continuación,
dejo un cuadro con las diferentes claves para que las conozcáis.
Como habréis comprobado, existen siete claves principales. Dependiendo

de la clave que se utilice, una nota en una misma posición representará
cada una de las 7 notas musicales (esto no deja de ser una mera curiosidad,
pero no está de más saberlo).
31
La altura de un sonido depende de la frecuencia de dicho sonido. La

frecuencia del sonido se mide en hercios. El sonido no es más que una
vibración que se transmite generalmente por el aire.
En los instrumentos de cuerda por ejemplo hacemos vibrar una cuerda, en

los de viento lo que vibra es la columna de aire que se encuentra dentro del
tubo sonoro. Los seres humanos percibimos vibraciones comprendidas
entre los 16-20hz y los 16000 a 20000hz, dependiendo del oído de cada
persona. Cuantos menos hercios tenga un sonido más grave será, cuanto
más tenga más agudo.
Hay una regla referente a la altura que conviene recordar y que nos será
útil en el futuro cuando abordemos la afinación de la gaita:
Cuanto más grande, más grave, cuanto más pequeño más agudo: Esta regla
puede aplicarse a todo tipo de instrumentos o elementos sonoros.
Una cuerda larga, al ser excitada, siempre producirá un sonido más grave
que una corta del mismo grosor.
32
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Un parche grande en un instrumento de percusión siempre tendrá un

sonido más grave que uno pequeño, lo mismo ocurre con los tubos sonoros
de diferentes tamaños.
En realidad, y simplificando, lo que cualquier instrumentista hace para

conseguir producir las diferentes notas en su instrumento es variar esos
tamaños.
Al pulsar una cuerda lo que hacemos es producir variaciones en la longitud

de esa cuerda, produciendo las diferentes alturas de sonido. Al tapar o
destapar los agujeros de nuestro punteiro lo que conseguimos es dejar que
entre en vibración una parte más grande o más pequeña del tubo sonoro,
etc.
6 Un hercio (hz) simboliza un ciclo por cada segundo, un ciclo es la repetición de

un suceso. El número de hercios se utiliza ara representar el número de veces por
segundo que se repite una onda. La magnitud que mide el hercio se denomina
frecuencia.
33
Paso 6
Primeras 4 notas (do re mi si)
En este sexto paso aprenderemos a reconocer estas cuatro primeras notas y

a relacionar su posición en el pentagrama con la digitación de cada una.
Deberéis estudiarlo hasta tenerlo plenamente interiorizado. Te recuerdo
aquí las digitaciones de esas cuatro notas y su posición en el pentagrama.
A continuación, te escribo los primeros ejercicios de saltos para que

practiques la digitación de esas notas, su posición en el pentagrama y su
nombre hasta llegar a tener automatizada la relación entre esos tres
elementos.
34
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 7
Notación de la digitación
Las diferentes notas (alturas) musicales las producimos en el Punteiro de la

gaita, tapando o destapando agujeros con los dedos. Las diferentes
combinaciones agujero-dedo producen diferentes notas musicales.
Estas combinaciones reciben el nombre de “digitaciones”. Para escribir las

diferentes digitaciones utilizaremos un sistema de números. Cada número
simboliza un dedo, tal y como aparece en la siguiente imagen:
Cada dedo ocupará siempre el mismo agujero del punteiro, por lo que un
mismo número simboliza a la vez un dedo y un agujero concretos.
Si un número se encuentra tachado quiere decir que el agujero

correspondiente se ha de tapar solamente de forma parcial.
35
A continuación, os dejo la tabla de digitación básica de gaita gallega con la

que se puede tocar prácticamente todo el repertorio “folk”.
Si quieres disponer de la tabla de digitación completa no dudes en

escribirme al WhatsApp para que te la envíe.
SI: 01234567
DO: 0123456
DO#: 0123456
RE: 012345
MIb: 012346
MI: 01234 o 01235
FA: 0123
FA#: 01245 o 01245
SOL: 012
LAb: 0135 o 01356
LA: 01
SIb: 02
SI: 0
DO↑: 123456
DO#↑: 123456
RE↑: 12345
MIb↑:12345
FA↑: 12346
36
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 8
Introducción a la articulación
El concepto de articulación se aplica la manera de ejecutar los sonidos en

cuanto al ataque, la caída de cada nota y el grado de interrupción o de
continuidad del sonido existente entre notas.
El que nos interesa en este momento es el que produce la transición entre

un sonido y otro pasando de una nota a otra nota de la misma altura.
El concepto es bastante más difícil de describir que de entender. Lo que

pretendemos aprender en este momento se podría resumir como “separar
notas iguales”.
Para articular dos notas iguales consecutivas cada instrumento musical

tiene sus propios procedimientos, por ejemplo, en un piano para repetir
varias veces la nota do, el pianista debe pulsar la tecla las veces necesarias,
en el caso de un violín el violinista debe cambiar la dirección del arco,
etc.…en el caso de la gaita al ser en principio el flujo de sonido constante
tenemos que crear esa separación entre dos notas iguales mediante
movimientos de los dedos.
A estos movimientos de dedos que utilizamos los gaiteros para articular se

les suele denominar “picados” y “batimentos” o “batementos”
7 El picado y el batimento son procedimientos básicos de los que nos servimos los
gaiteros para articular. El picado consiste en destapar y volver a tapar rápidamente
un agujero que se encuentra tapado. El batimento consiste en tapar y destapar
rápidamente un agujero que se encuentra destapado. No confundir el termino
“picado” con el que se utiliza en música como sinónimo de “stacato”. En este
contexto el termino “picado” significa articular de forma que exista una interrupción
total del sonido entre nota y nota.
37
A continuación, os propongo realizar el siguiente ejercicio para trabajar la

articulación de las notas do y re mediante picados con el dedo 3 en ambas
notas y batimentos con el dedo 7 en el caso del do y el 6 o el 6+7 en el caso
de la nota re.
Os recomiendo estudiarlo con el video correspondiente.
38
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 9
Melodía 1
En este paso tocaremos con la gaita la primera frase musical sencilla.

Tendrás que utilizar tus conocimientos de lenguaje musical adquiridos en
los pasos anteriores, las cuatro notas que aprendiste en el paso 6 y el
batimento como mecanismo de articulación cuando sea necesario.
También es muy importante prestar atención a la mano izquierda, puesto

que en estas primeras melodías todavía no se moverá en el punteiro por lo
que es una buena oportunidad para estar atento a ella, a su postura y a la
tensión que genere para ir soltándola y apretando el punteiro lo menos
posible. Recomendable tocar con metrónomo.
Paso 10
Melodía 2
La función de esta melodía es básicamente la misma que la del paso 8.

Cuando sea necesario articularemos con un batimento.
Paso 11
Melodía 3
En esta tercera melodía tocaremos por primera vez un ritmo de tres

tiempos y trabajaremos la articulación de notas iguales mediante
batimentos en las notas do y re.
39
Paso 12
Melodía 4
En esta melodía nos encontraremos por primera vez con repeticiones de

tres notas seguidas iguales. En casos así utilizaremos generalmente primero
el picado (con el dedo 3 en este caso) y después el batimento.
40
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 13
Afinación - Conceptos clave
Para saber qué queremos decir los gaiteros cuando hablamos de afinación
es conveniente conocer, entender y distinguir tres conceptos clave:
1.) Diapasón: Cuando hablamos de diapasón estamos hablando de

afinación base, es decir, de la altura absoluta del sonido. Esta no tiene
ningún significado musical, puesto que es exclusivamente una cuestión de
convenio. El diapasón vigente en la actualidad fue establecido en 1939 en
la conferencia internacional de la ISA en 440hz. Esto quiere decir que la
frecuencia sonora denominada “la” se corresponde con una vibración
sonora de 440hz. En la práctica musical la mayoría de las veces se desvía
algo de esto. Si elegimos de forma consciente un diapasón diferente
solamente estamos desplazándonos del punto de partida y no afecta al
ámbito de la afinación y de la entonación. Estos dos conceptos no se
refieren a alturas de sonido absolutas, sino a relaciones entre alturas de
sonido, es decir, a las relaciones entre las notas.
2.) Entonación: Este término se utiliza para definir la gradación sutil de las
alturas de sonidos en instrumentos de afinación variable o en la voz. por
ejemplo, un violinista puede dar una nota “do” un poco más alta o un poco
más baja dependiendo del contexto sin que deje de escucharse y percibirse
como “una nota do”. Las diferencias de entonación no pueden sobrepasar
el punto en el que no se reconozca esa nota en cuestión y se reconozca
“otra nota”.
3.) Afinación: La afinación designa a un sistema fijo de alturas de sonido,

como el que se utiliza por ejemplo para los instrumentos de teclado.
También el sistema de cuerdas al aire de los instrumentos de cuerda
pulsada y frotada se considera afinación.
Después de conocer estos tres conceptos clave debemos tener claro la

clasificación de los diferentes instrumentos respecto a su afinación:
1.) Los instrumentos de afinación fija, como por ejemplo el piano y el

clave. Estos instrumentos se afinan antes de la interpretación en un sistema
determinado sin que e intérprete pueda modificar la entonación de las notas
durante la interpretación musical.
41
2.) Los instrumentos de afinación variable. Dentro de ellos hay bastante

gradación, El violonchelo o el violín, por ejemplo, tienen una libertad de
entonación muy grande y pueden adaptarse a los diferentes sistemas de
afinación muy fácilmente.
La flauta de pico o la gaita son también instrumentos de afinación variable,

aunque a un nivel más bajo que los dos ejemplos anteriores. En el caso
concreto de la gaita la mayor o menor facilidad para modificar la
entonación dependerá en gran medida de la palleta y de la técnica del
interprete.
Todos estos conceptos hay que tenerlos claros para saber que una gaita en
realidad no se “afina” como si se tratara de un instrumento de afinación fija
porque la gaita no es un instrumento de afinación fija. Cuando un gaitero
habla de “afinar la gaita” lo que quiere decir en realidad es que va a
comprobar donde están las notas respecto a una determinada presión en el
fol y a colocar las notas del punteiro “más o menos” en el lugar en el que
deberían estar (cuanto más preciso sea ese “más o menos” mejor).
El lugar exacto en el que deberían estar lo debe encontrar el gaitero durante

la práctica musical teniendo siempre ese “más o menos” como margen de
maniobra para la entonación de las notas.
8 International Standars Association.

9 Por sistema de afinación se entiende la constitución de una serie de relaciones
de frecuencia con las que se forman las notas de una determinada escala.
42
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 14
Notas fa sol la
En este paso ampliaremos nuestro registro musical con tres nuevas notas.
Trabajaremos de la misma manera que en el paso 6. Debemos interiorizar y
relacionar el nombre de cada nota con su posición en el pentagrama y con
su digitación.
En las notas Fa, sol y la recomendamos apoyar el dedo 7 en el agujero. Es

importante practicar eso en los siguientes ejercicios de saltos.
Recomendamos usar siempre metrónomo y llegar a un mínimo de 80 la
negra de velocidad.
En las notas blancas sobre todo prestar atención además de a la digitación a

la entonación de las notas y al tempero, intentando producir un sonido con
las menores oscilaciones posibles.
43
44
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 15
Batimentos de Do a La
En este paso trabajaremos los batimentos en todo el registro que hemos

desarrollado hasta ahora con los siguientes ejercicios. Importante seguir
apoyando el dedo 7 en las notas fa, sol y la. Prestaremos mucha atención a
la correcta ejecución de los batimentos.
En el primer ejercicio están escritos los dedos con los que golpearemos
para producir la articulación. En la nota do utilizaremos el dedo 7, en la
nota re el dedo 6, en la nota mi los dedos 5 y 6 de forma simultánea, en la
nota fa los dedos 4, 5 y 6, sin dejar de apoyar el 7 en ningún momento, en
la nota sol el dedo 3 y en la nota la los dedos 2 y 3. En el primer ejercicio
en 4/4 están escritas las digitaciones de los batimentos que utilizaremos en
esta ocasión.
Importante trabajar siempre con metrónomo desde una velocidad de 40 la

negra hasta 80 la negra.
Aunque parezca al principio muy despacio es importante trabajar desde

velocidades bajas para adquirir un buen control del tempo y una futura
técnica limpia y precisa.
45
Paso 16
Melodía 5
En esta sencilla melodía trabajaremos la articulación de los grados

conjuntos intentando pasar por las corcheas con la mayor delicadeza
posible. Las articulaciones de las notas iguales las realizaremos con los
batimentos trabajados en el paso anterior.
Paso 17
Melodía 6
Esta melodía es hermana de la del paso anterior. La función que cumple y

los objetivos que hay que trabajar con ellos son las mismas.
Paso 18
Melodía 7
Volvemos a encontrarnos con un compás de tres tiempos. En este caso

aparecen los primeros arpegios. Atención a las notas largas que han de
servirnos para ser conscientes de nuestro tempero.
46
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 19
Picados dedo 3
En este ejercicio trabajaremos las articulaciones de notas iguales desde el

si hasta el fa utilizando el dedo 3.
Paso 20
Picados dedo 1
En este ejercicio trabajaremos las articulaciones de notas iguales desde el

do hasta el la utilizando el dedo 1.
47
Paso 21
Melodía 8
Esta melodía cumple una función parecida a la del paso 17 pero aplicando
las articulaciones aprendidas en los pasos anteriores. En este caso
utilizaremos desde la nota do hasta la nota fa incluida el dedo 3 para
articular. Para las notas sol y la utilizaremos el dedo 1.
Cuando haya que repetir tres notas iguales primero el picado y luego el
batimento.
48
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 22
La forma en música
El concepto de forma en música puede relacionarse con múltiples aspectos,

el que nos interesa en este contexto es el referente a la estructura de una
obra. Una pieza musical no deja de ser un discurso sonoro. De la misma
forma que un texto escrito está formado por letras, que a su vez forman
palabras, que a su vez forman frases, que a su vez forman párrafos que
permiten estructurar ese texto para propiciar su comprensión con la música
pasa lo mismo.
Al escuchar música veremos que existen elementos que se repiten,

pequeñas frases que tienen un sentido musical en sí mismo y que se
complementan o se oponen a otras frases…podremos percibir pausas en el
discurso sonoro…etc. Por convenio la primera estrofa será denominada A.
Si posteriormente se presenta una estrofa con igual melodía, carácter,
compás, timbre…etc se la denominará con el mismo nombre. En cambio,
si la música que continúa fuera diferente se denominaría B.
Hay casos en donde la estrofa puede ser muy parecida pero no igual por
algún pequeño elemento, en ese caso se denomina “prima”, se añadirían
tantas “primas” como segmentos parecidos aparezcan. (por ejemplo A, A’,
A’’, etc)
En el mundo de la música folk, que es hacia el que está orientado

principalmente este libro las estructuras habitualmente serán muy sencillas,
con frases muy evidentes y piezas con pocas partes y estructuradas a
menudo de forma simétrica.
Como en muchos aspectos de la música este concepto es mucho más fácil

de entender y de aprender mediante la experimentación que mediante la
teoría, por lo que viendo el video correspondiente lo entenderéis fácilmente
y sin problemas.
La comprensión y el análisis de la forma de una obra es una herramienta

básica para ser capaces de aprender de memoria la música, puesto que es
una forma muy útil de descodificar, estructurar y de comprender el
discurso sonoro.
49
Paso 23
Himno Antergo
Esta “Marcha del Antiguo Reino de Galicia” será la primera pieza

completa que aprenderemos. Está formada por dos partes, repitiéndose
cada una de ellas dos veces. Estas repeticiones las indica la barra de
repetición (doble barra con dos puntos que indica que debe repetirse lo
tocado desde la doble barra con dos puntos opuesta). Prestar atención sobre
todo a la medida, a la articulación poco agresiva de todas las notas y al
salto de sexta que se encuentra al principio de la segunda parte. Debemos
tocarla con metrónomo hasta alcanzar una velocidad de 60 la negra.
Paso 24
Primera muñeira
Aquí aprenderemos nuestra primera muñeira. La muñeira es un ritmo

rápido en 6/8. Esta en concreto consta de dos partes, cada una de ellas de 8
compases, con un esquema y una estructura interna muy básica. Importante
como siempre trabajar con metrónomo.
50
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 25
Ejercicio de tempero
Ahora que tenemos un dominio básico del instrumento comenzaremos a

practicar el tempero de forma visual con un afinador electrónico. Lo que
debemos de conseguir es mantener una nota (debemos practicarlo con
todas las notas) haciendo que la aguja el afinador se mueva lo menos
posible.
Debemos prestar una gran atención a la forma de soplar (debe de ser lo

más continua y leve posible) y a la forma de apretar el brazo. También es
conveniente levantar el brazo repentinamente para conseguir que la gaita
deje de sonar en el acto y vuelva a sonar de nuevo estando la aguja del
afinador en el mismo lugar. No importa si está “alto” o “bajo”, esto es
simplemente el diapasón.
Lo que nos importa es mantener la nota constante con las menores

oscilaciones posibles. Este ejercicio debemos hacerlo de forma rutinaria
todos los días, aunque sea solamente unos pocos minutos. Dentro de
algunos pasos dejaremos de practicarlo de forma visual y comenzaremos a
hacerlo de forma auditiva con una nota pedal constante.
En mi canal de Youtube podréis encontrar videos con notas pedales

constantes en diferentes notas para hacer este ejercicio. También os será de
ayuda si lo ponéis mientras tocáis cualquier otra pieza, teniendo esta nota
fija como referencia constante.
51
Paso 26
Melodía 9
En esta melodía nos encontraremos con una pequeña escala por terceras y
con una pequeña progresión. Una progresión o secuencia melódica es una
idea musical que se repite en intervalos regulares y cuya intención es
generar dirección.
En este paso la idea musical comienza en el compás 5 y se va repitiendo a

intervalo de segunda descendente generando dirección y sensación de “irse
cayendo” hacia la tónica (final). Este tipo de secuencias son muy
habituales en alboradas o en preludios.
10 La tercera es un intervalo entre dos notas diferentes que en total ocupa la distancia de tres
notas: Por ejemplo entre do y mi hay una tercera (si contamos las notas incluidas en el
intervalo son tres: do, re y mi) o entre fa y la hay otra tercera (fa sol la) etc…lo veremos más
adelante en un paso dedicado a los intervalos.
52
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 27
Melodía 10
Esta melodía es básicamente un ejercicio de arpegios, estos elementos son

muy habituales en la música que tocaremos, por lo que conviene
trabajarlos mucho y dominar bien los saltos de cada uno. Un arpegio son
las notas de un acorde tocadas de forma separada.
Paso 28
Los picados abiertos
Hasta ahora hemos visto los llamados picados simples y batimentos como
procedimientos para articular notas iguales. En este caso el tema que nos
ocupa es el de otra forma de articular en gaita que se utiliza normalmente
para separar frases o ideas musicales de forma más convincente que
mediante las articulaciones pequeñas que hemos visto hasta ahora.
El mecanismo es el mismo que el de los picados que conocemos, pero

teniendo el agujero destapado durante un tiempo mucho mayor.
Como nos ocurre a menudo es un concepto mucho más sencillo de

entender mediante la experimentación y la escucha que mediante las
palabras, por lo que os recomiendo que veáis el video correspondiente y
hagáis el ejercicio técnico correspondiente.
En dicho ejercicio lo practicaremos con el dedo 1 de forma combinada con

los batimentos y en ritmo de seis por ocho.
53
En las siguientes melodías lo utilizaremos y lo pondremos en contexto

dentro de una pieza.
Hay que tener en cuenta que el picado abierto siempre resta algo de
duración a la nota anterior de la nota articulada. En este caso para que os
hagáis una idea resta valor a la nota negra, quedando como resultado
sonoro algo parecido al ejemplo siguiente (el tiempo que el dedo 1
permanece destapado de su agujero es el equivalente a la duración de los
silencios)
11 Un acorde en música tonal es un conjunto de notas sonando a la vez generalmente con

una función armónica, lo veremos más adelante.
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+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 29
Pasodoble de cabezudos
Este pasodoble presenta dos partes cuya estructura musical es en realidad

la misma, por lo que la forma podría verse tanto como AABB como
AAA’A’. En esta pieza trabajaremos los saltos por terceras y los picados
abiertos aprendidos en el paso anterior. El primer objetivo sería llegar a
tocarlo a 80 la negra, comenzando mucho más despacio, con el metrónomo
a corcheas si fuera necesario. El segundo objetivo sería llegar a 100 la
negra, aunque no es fundamental llegar a esa velocidad para pasar a los
siguientes pasos del método.
Aquí debajo os dejo el resultado sonoro de los picados abiertos de la

segunda parte de la pieza. El dedo debe destapar el agujero lo equivalente a
la duración de una corchea en este caso:
55
Paso 30
Pasodoble de Mallou
En este pasodoble seguiremos practicando todos los mecanismos técnicos

adquiridos hasta ahora, observar también la forma y analizar teniendo en
cuenta su configuración musical a través de secuencias sencillas
ascendentes y descendentes. Como siempre conviene practicar siempre con
metrónomo hasta una velocidad de 80 la negra en principio. Si somos
capaces intentar llegar a 100 la negra.
El resultado sonoro de los picados abiertos de la segunda parte debería ser

algo como lo que está escrito aquí abajo:
56
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 31
Rumba de Buxaina
En esta pieza seguimos trabajando los picados abiertos y el resto de

habilidades adquiridas hasta ahora. El objetivo es llegar a tocarla a 80 la
negra.
Paso 32
Melodía 11
En esta melodía trabajaremos cambio de si a do agudos. Con este ejercicio

completamos toda la primera octava de tesitura del instrumento. Este
ejercicio es un poco tedioso, pero es importante hacerlo con atención y con
calma.
La postura que recomendamos para el do agudo es 123456, y para el si 07,

existen otras digitaciones para ambas notas que encontraréis en la tabla de
digitación general de este libro, pero para este ejercicio recomendamos
esta.
57
Importante centrarse en que la tensión y el movimiento de la mano

izquierda sea lo más sutil posible y que el apoyo del meñique se haga con
solvencia y soltura para minimizar al máximo el movimiento del punteiro
entre ambas notas.
Paso 33
Melodía 12
En esta melodía introduciremos el re agudo, cuya digitación es 12345,

además de seguir trabajando el movimiento entre el do y el si agudos. Si os
fijáis en la partitura veréis que tiene un sostenido al principio de la misma,
esto se denomina armadura y lo veremos más adelante. En este caso la
melodía está en Sol Mayor (eso quiere decir que la nota tónica, la que
genera sensación de reposo es el sol) de ahí viene el fa sostenido.
Aunque en la armadura se indica que la nota fa debe de ser alterada

ascendentemente en este caso no nos afecta puesto que en la melodía no
hay ninguna nota fa. Solamente quiero que sirva como introducción para
cuando veamos la escala mayor y la tonalidad con más detenimiento.
58
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 34
Melodía 13
En esta melodía practicaremos fraseos sencillos sobre toda la escala de do

mayor, importante tocar con limpieza las semicorcheas y sin correr
respetando las cuatro pequeñas frases de dos compases cada una que
forman esta breve y sencilla melodía.
Paso 35
La palleta 1
La palleta es la doble lengüeta encargada de producir el sonido que

amplificará el punteiro, siendo fabricadas generalmente de caña, aunque
también las hay de plástico. La palleta es una de las partes clave del
instrumento, puesto que es el elemento que más importancia tiene a la hora
de fijar el timbre que deseemos para nuestro instrumento, la potencia en el
volumen, la entonación de las notas…es imprescindible que todo gaitero
conozca los mecanismos básicos de su manipulación para poder adaptarla a
sus gustos respecto al timbre, dureza, ataque, etc…
59
Lo primero que debemos aprender son los procedimientos que podemos

utilizar para ajustar la palleta e igualar y compensar la altura de las notas
en el punteiro. Las herramientas de las que nos servimos los gaiteros son:
- Alicates pequeños dentados: Los usaremos para abrir o cerrar la

palleta si fuera necesario, siempre con delicadeza y desde la brida o
frenillo.
- Navaja pequeña con filo recto: La usaremos para cortar la palleta si
fuera necesario o para quitar material de la parte media y baja de la caña.
- Taco de madera: Lo usaremos para mayor comodidad al apoyar la
palleta en caso de que haya que cortarla con la navaja y para no dañar la
superficie sobre la que trabajemos.
- Papel de lija de agua: Lo usaremos para quitar material de la caña
en la parte superior, que es la más delicada.
- Hilo: Lo utilizaremos para asentar la palleta más o menos
introducida en el punteiro.
- Celo: La cinta de celo no la usaremos en la palleta, pero es un
elemento importante para modificar la altura de ciertas notas tapando
parcialmente algunos agujeros del punteiro.
Para compensar la entonación de las notas lo máximo posible en el

punteiro utilizaremos un “orden de actuación”, empezando por los
procedimientos que menos afectan a la integridad física de la caña y que
son fácilmente enmendables en caso de equivocación hasta aquellos que
son mas difícilmente corregibles.
En el caso de que el punteiro esté descompensado o las notas no se

encuentren a la altura deseada manipularemos la palleta de la siguiente
manera (contando que la palleta se encuentre en un rango cómodo para
nosotros respecto a dureza y en buen estado).
Si se puede solventar el problema colocando algún celo en el punteiro esta

será nuestra primera opción
Si con el celo no es suficiente o no es posible se puede solventar el

problema subiendo o bajando la palleta usando hilo será nuestra siguiente
opción.
Si no ha sido posible solventarlo subiendo o bajando entonces abriremos o

cerraremos la palleta.
60
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Si abriendo o cerrando tampoco se soluciona entonces pasaremos a los

procedimientos que implican pérdida de material, como lijar o cortar.
Estos tres pasos los aplicaremos por norma general en este orden, pero en
la práctica no tiene por qué ser así. Si conocemos bien la palleta y la forma
de manipularla es posible que podamos corregir algo cortando o lijando
desde el principio, es solo una guía y un orden que sirve para un
“empalletado” desde cero.
A continuación, explicamos en qué consiste cada procedimiento:
-El celo: El celo sirve para bajar la altura de ciertas notas. Por ejemplo, si
la nota sol en un momento determinado y a una presión determinada de
aire (que aproximadamente será la que utilizaremos para tocar) está más
alta de lo que debería estar, pondremos un celo en el agujero inferior
tapándolo parcialmente hasta que sea necesario. Lo que estamos haciendo
para que se entienda es “acercar” un poco más esa nota sol a la nota fa.
Siempre que usemos celo hay que tener en cuenta que puede afectar en
mayor o menor medida a las notas superiores siguientes, y no solamente a
la nota inmediatamente superior (aunque será a la que más afecte)
-Subir-bajar la palleta: Consiste en asentar la palleta de forma más o menos

profunda en el punteiro, con el fin de subir o bajar la altura de las notas.
Cuando bajamos la palleta introduciéndola más en el punteiro la altura de

las notas subirá, puesto que la columna de aire será más pequeña (cuanto
más pequeño más agudo, recordad).
Cuando subamos la palleta sacándola del punteiro y asentándola con más

hilo la altura de las notas bajará, puesto que la columna de aire que vibra
en el punteiro será más grande (cuanto más grende, mas grave)
Hay que tener en cuenta que el cambio que se produzca al subir o bajar la
palleta afectará a todo el punteiro, pero siempre será mayor el cambio en
las notas agudas que en las graves, puesto que el punteiro es un tubo
cónico. Lo que quiero decir es que si por ejemplo metemos la palleta para
que la altura de las notas suba, subirá siempre más la de las notas agudas
del punteiro que el de las graves.
61
-Abrir-cerrar la palleta: Cerrando la palleta conseguiremos que suba la

altura de las notas, que el timbre sea más suave y dulce y que sea necesaria
menos presión a la hora de tocar (más blanda). También requerirá de un
uso del brazo más preciso para la correcta entonación de las notas.
Por el contrario, cuando abramos la palleta, bajará la altura de las notas, el

timbre será más potente y rudo y será necesaria más presión a la hora de
tocar, la capacidad de entonación del músico se verá mucho más limitada,
pero será mucho más sencillo mantener la altura de las notas estable si se
mantiene el tempero.
Cuando hablamos de abierto-cerrado nos referimos a la distancia que hay

entre una pala y otra mirando la palleta desde arriba. Para abrir o cerrar la
palleta lo haremos siempre con los alicates ejerciendo presión sobre el
frenillo.
Aunque parezca muy complicado en realidad no lo es tanto, es una

cuestión de práctica y de perder el miedo a manipular nuestra propia
palleta.
62
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 36
La escala mayor y las tonalidades
Simplificando mucho, una escala es un conjunto de sonidos ordenados de

una determinada manera, cada uno de esos sonidos se denominan “grados”
. Cada grado tiene una función y se nombran escribiéndolos con números
romanos.
La llamada escala diatónica es la más extendida en la música occidental.

La escala diatónica consta de 8 sonidos. La distancia entre las notas se
mide en tonos o semitonos, siendo un semitono la mitad de un tono. Una
octava tiene 5 tonos y dos semitonos.
Dependiendo de la forma como se ordenen esos tonos y semitonos

crearemos un tipo de escala u otro. En la escala mayor los tonos y
semitonos están ordenados de la siguiente manera: La T representa un tono
y la ST un semitono.
Como veis, los semitonos se encuentran entre el tercero y el cuarto grado y

entre el séptimo y el primero. En el piano la escala de Do mayor se
consigue si tocamos todas las teclas blancas entre un do y el de la octava
siguiente:
63
Como podéis observar, entre el mi y el fa y entre el si y el do no hay tecla

negra, esto es así porque ya hay un semitono de distancia entre ellos. Las
teclas negras del piano representan las llamadas “alteraciones”, es decir,
los sostenidos (#) y los bemoles (b).
Un sostenido aumenta la altura de una determinada nota un semitono,

mientras que un bemol disminuye la altura de la nota en un semitono.
Sabiendo eso podemos ver que la tecla negra que se encuentra situada entre
el do y el re representa la nota Do# y Reb simultáneamente este fenómeno
se conoce como enarmonía16
Para construir una escala mayor en una tonalidad diferente a la de Do

mayor deberemos servirnos de las alteraciones, pues de lo contrario los
tonos y semitonos estarían situados en lugares diferentes de la escala y no
formarían una escala mayor tonal, sino otro tipo de escala.
Aquí arriba tenemos una escala construida desde la nota sol. Podemos
comprobar que el primer semitono se encuentra entre el tercer y el cuarto
grado, igual que en la escala constituida desde la nota Do.
Sin embargo, el segundo semitono se encuentra entre el sexto y el séptimo

grado, y no entre el séptimo y el primero.
Las relaciones entre notas cambiarán y la escala sonará diferente (en este
caso sería una escala llamada de sol mixolidio) .
Para hacer que los tonos y semitonos de esta escala estén en el mismo
orden que el de la escala de Do, que es la referencia de todas las escalas
mayores, debemos servirnos de las alteraciones.
11 El Do# es el mismo sonido que el Reb en el sistema de afinación temperado.

12 Se dice que dos sonidos son enarmónicos, cuando, a pesar de compartir la misma
frecuencia de entonación en el sistema temperado, se nombran de forma diferente.
64
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
En este caso deberemos subir la nota fa un semitono, añadiéndole un

sostenido.
Al añadirle a la nota fa un sostenido, estamos incrementando su altura un

semitono, por lo tanto la distancia de semitono que había entre el mi y el fa
pasa a ser de un tono entre el mi y el fa#, y la distancia de tono qua había
entre el fa y el sol pasa a ser de un semitono entre el fa# y el sol.
Si quisiéramos por ejemplo, escribir una pieza en sol mayor, no es

necesario que añadamos el sostenido cada vez que encontremos la nota fa
en la partitura. Para esto nos servimos de la armadura.
La armadura consiste en indicar, justo después de la clave, al principio de

la pieza, las notas que estarán siempre alteradas, escribiendo, en o las
líneas correspondientes, los sostenidos o bemoles que existan per-se en
dicha tonalidad.
Si necesitáramos escribir una alteración que no estuviera escrita en la

armadura, la escribiríamos delante de la nota que deseemos alterar.
El efecto de dicha alteración terminaría al terminar el compás en el que fue

escrita.
13 En la música tonal se denomina “grado de la escala” a la posición de cada nota dentro de

la escala musical.
14 Una octava es un intervalo que separa dos sonidos cuyas frecuencias fundamentales
tienen una relación de dos a uno. El do más grave tendrá la mitad de hercios que el agudo.
65
Las notas de la armadura se alteran siempre en el mismo orden. En el caso

de los sostenidos es FA DO SOL RE LA MI SI, en el caso de los bemoles
justo al revés SI MI LA RE SOL DO FA, esto se puede entender muy bien
utilizando el llamado “circulo de quintas” (os recomiendo investigar y
aprender sobre el círculo de quintas por vuestra cuenta).
66
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 37
Los intervalos
Un intervalo es la diferencia de altura entre dos notas, suenen estas de

forma simultánea o sucesiva. Cuando suenan de forma simultánea se
llaman intervalos armónicos, cuando suenan de forma sucesiva se les llama
intervalos melódicos.
Si en un intervalo melódico la primera nota es más grave que la segunda se

trata de un intervalo ascendente, si la primera nota es más aguda que la
primera se trata de un intervalo descendente.
Un intervalo se nombra contando el número de notas que abarca, la cifra

resultante da nombre al intervalo.
Los intervalos se pueden considerar tonales o modales. Los tonales tienen

un valor justo y son el unísono, la cuarta, la quinta y la octava. Los
modales pueden tener un valor mayor o menor. Tanto los tonales como los
modales pueden ser aumentados o disminuidos.
No entraremos en el tema de los intervalos en mayor profundidad en este

método porque hay multitud de libros de teoría musical y material en
internet que lo explica.
67
Conocer todo esto es el primer paso para poder comenzar a aprender

armonía y otros aspectos de la teoría musical mucho más complejos.
Si queréis ser músicos-gaiteros completos deberéis aprender todo eso, pero

en este método de gaita no lo trabajaremos. Si queréis que os recomiende
material didáctico de otros autores para estudiar no dudéis en contactar
conmigo con total confianza.
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+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 38
Ejercicios Do mayor
En este paso trabajaremos ejercicios rutinarios sobre la escala de Do

mayor: escala, escala por terceras y arpegios. Estos ejercicios son
sumamente importantes y viene bien hacerlos independientemente del
nivel que tengamos.
Siempre con metrónomo y desde muy despacio ir creciendo en velocidad

de forma paulatina y día a día. Centrarse en el sonido y en la correcta
entonación de las notas antes que en la velocidad.
Paso 39
Los batimientos, comenzando a afinar
el ronco
En este paso hablaremos de los batimientos como indicios de

“desafinación” (no confundir el batimiento que es un fenómeno acústico
con batimento que es la palabra gallega que se usa para designar al
mecanismo de articulación ya conocido)
Los batimientos aparecen cuando se juntan dos frecuencias de sonido no

coinciden totalmente, causando mala impresión en el oyente.
69
El fenómeno se puede describir de la siguiente manera:
Si se superponen dos ondas sonoras con casi la misma longitud de onda,

es decir, suenan simultáneamente dos tonos de casi la misma altura o de
alturas diferentes en intervalos consonantes, se manifiesta un aumento y
disminución periódica de la intensidad que se designa como batimiento.
La rapidez o la frecuencia de los batimientos resulta de la diferencia entre
las frecuencias de ambos tonos. Cuanto más grande es esta diferencia,
más alta es la frecuencia de oscilación de los batimientos, es decir, más
rápidos son estos.
Un ejemplo: si las dos ondas siguientes a y b se superponen (c), se ve que

coinciden y se separan a intervalos regulares. En el lugar señalado con 1
se refuerzan mutuamente y en el 0 se neutralizan. En “d” se ha
representado la suma de ambas oscilaciones, en donde se puede ver la
pulsación de los batimientos como una gran curva envolvente, (que aquí
no está trazada)
Tratado práctico de entonación para instrumentistas y cantantes. (Doris

Geller)
La gaita es uno de los instrumentos en los que mejor se perciben los

batimientos, debido a su registro y a la riqueza de armónicos de su timbre.
70
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Si con dos gaitas producimos la misma altura de sonido y a continuación

uno de los gaiteros va deslizando el dedo lentamente ocurre lo siguiente:
Primero se escucha un único tono plano. Este comienza luego a hacer

pulsaciones o a “palpitar”, poco a poco es pálpito es más rápido y se
asemeja al vibrato. Finalmente los batimientos son tan rápidos que solo se
los percibe como aspereza del sonido.
A partir de una cierta densidad en el tiempo dejan de percibirse las

pulsaciones aisladamente y se funden en una impresión que manifiesta esa
aspereza. (El umbral de percepción humana para las pulsaciones
individuales o por ejemplo, para los tonos repetidos, está en ca. 50
milésimas de segundo, o sea, 20 pulsaciones por segundo. Esta magnitud,
también considerada como “factor humano” es constante para todos los
sentidos, por ejemplo, para la vista: si aplazar una película los fotogramas
cambian más lentamente de 20 veces por segundo, entonces se perciben
fotogramas aislados (para otros seres vivos rigen otras constantes
temporales). Finalmente, cuando se alcanza un intervalo de
aproximadamente un cuarto de tono, se perciben dos tonos separados, tan
próximos entre sí que hay una fuerte fricción entre ellos. Esta fricción se
hace algo más débil cuanto más se separan los tonos y finalmente
desaparece cuando se llega a un intervalo un poco más pequeño que una
tercera menor. El ámbito recorrido hasta aquí se denomina “ancho de
banda crítico”.
Mas que hablar del tema lo importante y recomendable es experimentarlo y

utilizarlo para su cometido que no es otra que conseguir la “afinación” de
los roncos. Para conseguir afinar los roncos primero hay que tener un
dominio básico del tempero, por eso es tan importante haberlo practicado
mucho desde que comenzamos a aprender. Si aún tenemos pendiente este
asunto no podremos comenzar a afinar los roncos. Como ya sabéis, los
roncos son los elementos de la gaita que emiten un sonido continuado,
conocido como pedal, sobre el cual se interpreta la melodía. Normalmente
una gaita tendrá entre uno y tres roncos. Aprender a afinar los roncos no es
tarea fácil, nos llevará bastante tiempo de práctica, por eso no os
desesperéis si al principio no sois capaces.
15 Por pedal entendemos un sonido prolongado y constante que suena junto con la melodía.
La nota pedal por lo general será la tónica, que es la encargada de generar estatismo en la
tonalidad.
71
Comenzaremos igualando las alturas de la nota do del punteiro con el

ronco (que también da un do), el resto de notas por ahora no nos
preocupan, puesto que estamos solamente practicando. A partir de aquí el
procedimiento a seguir consta de dos pasos que repetiremos tantas veces
como sea necesario:
1: Escuchar
2: Corregir
Es recomendable que la gaita no deje de sonar mientras llevamos a cabo el

proceso, manteniendo siempre el tempero lo mejor que podamos. Para ello
las correcciones en el ronco las llevaremos a cabo con la mano derecha,
pasándola por detrás del cuello, mientras hacemos sonar la nota sol en el
punteiro.
Después de corregir volveremos a la nota do y escucharemos de nuevo.

Para saber si la nota do del punteiro está alta o baja con respecto a la nota
del ronco, tantearemos buscando la afinación tapando un poco el agujero
del dedo 7 o destapando un poco el agujero del dedo 6. Una vez estemos
cerca de la afinación (se percibe porque se oyen claramente los
batimientos) nos podemos encontrar dos posibilidades:
- Posibilidad 1
Escuchamos un gran número de batimientos entre la nota do del ronco y la

nota do del punteiro. Estos batimientos desaparecen al tapar un poco el
agujero del dedo siete.
Explicación: La nota Do del punteiro está más alta que la nota Do del
ronco. Al tapar un poquito el agujero 7, lo que estamos haciendo es bajar
esa nota, acercándola cada vez más a la nota si.
Solución: Volveremos a la nota sol y corregiremos el ronco, haciendo el

tubo sonoro algo más corto (ya sabemos que más pequeño=más agudo y
mas grande=más grave) volveremos a la nota do y escucharemos de nuevo.
Si los batimientos han desaparecido quiere decir que la nota del ronco y la
del punteiro están a la misma altura, por lo tanto están “afinadas”. Si no
han desaparecido los batimientos deberemos volver a corregir.
72
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
- Posibilidad 2
Escuchamos un gran número de batimientos entre la nota do del ronco y la

nota do del punteiro. Estos batimientos desaparecen al destapar un poco el
agujero del dedo seis.
Explicación: La nota do del punteiro está más baja que la nota do del
ronco. Al destapar un poco el agujero 6, lo que estamos haciendo es subir
esa nota, acercándola cada vez más a la nota Re.
Solución: Volveremos a la nota sol y corregiremos el ronco, haciendo el

tubo sonoro más largo (ya sabemos que más pequeño=más agudo y más
grande= más grave). Regresaremos a la nota do y coloreemos a escuchar si
han desaparecido los batimientos o si debemos volver a corregir.
Es recomendable que practiquemos esto a diario. Lo ideal sería practicar 5

o 10 minutos el tempero escuchando un sonido de referencia (igual que
hacíamos antes con el afinador electrónico, la diferencia es que ahora en
vez de intentar mantener la aguja del afinador quieta debemos intentar
mantener el sonido de forma que no produzca batimientos) Y después
dedicar 10 minutos como mínimo a igualar la nota do de la gaita con la del
ronco, tal y como hemos explicado antes.
73
Paso 40
El portamento
El portamento es un recurso interpretativo que muchas veces en la jerga

gaiteril se nombra como “glisando”. Yo personalmente diferencio entre el
llamado glisando y el portamento, siendo para mí el glisando muy evidente
y el portamento muy sutil. Por gusto personal suelo evitar en general los
glisandos y utilizar de forma profusa portamentos muy sutiles, pero eso
entra dentro del gusto y de la forma de tocar de cada gaitero.
El llamado glisando consiste en pasar de una nota a otra inmediatamente

superior arrastrando el dedo despacio, por lo que se va de una nota a otra
pasando por todas las frecuencias intermedias.
En mi opinión en muchas ocasiones produce en la música una sensación de

“inestabilidad” que puede resultar desagradable.
Lo que recomiendo es utilizar esta técnica de una forma sutil, en ese caso
evito la palabra “glisando” para utilizar la palabra “portamento”. Cuando
se usa de forma sutil y con moderación es un recurso muy interesante.
A veces es casi imperceptible para el oyente común, sobretodo cuando se

utiliza atacando un intervalo descendente y haciéndolo como una
apoyatura “fugaz”. El efecto que produce es de “ablandar” la nota a la que
se va, llegando a esa nota de una forma menos agresiva que si no
utilizáramos el portamento.
Muchos maestros de gaita utilizan la palabra “apoyatura” para lo que en

este método llamamos “portamento”. Quizás portamento tampoco sea la
palabra más indicada, pero no me gusta llamarlo apoyatura porque
relaciono la apoyatura con otro concepto que se utiliza en armonía y en
análisis musical que no tiene que ver con esto.
De todas formas, como siempre hemos de fijarnos en “la cosa en si” por
encima de la palabra que utilicemos para nombrar a esa cosa. Respecto a la
forma de escribir esto en la partitura utilizo lo que en lenguaje musical si
que puede entenderse como una apoyatura, aunque en este caso la nota de
la apoyatura ni siquiera llega a percibirse, se ha de conseguir el efecto de
llegar a la nota posterior a la apoyatura de forma más delicada y blanda que
si no existiera ese movimiento.
74
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Diferencio entre dos tipos principales de portamento: El

“portamentobatimento” que sirve para separar notas iguales de forma
mucho más sutil y menos agresiva que un batimento normal y el
simplemente “portamento”, que es el que he explicado en el párrafo
anterior.
Paso 41
Ejercicio de portamentosbatimentos
En este paso trabajaremos los portamentos como una forma de articular. El

efecto sonoro sería como el de un batimento pero mucho mas blando y
menos agresivo. Sería el equivalente a una articulación portato . Lo
haremos tal y como veis en el video arrastrando el dedo del agujero
anterior a la nota de forma fugaz hacia fuera.
75
Paso 42
Ejercicio de portamentos 2
En este paso trabajaremos el portamento como una forma de ataque de la

segunda nota de un intervalo descendente. La idea es llegar a esa nota
pasando fugazmente por la nota inferior.
El efecto sonoro es de llegar a esa nota de forma más delicada y menos

agresiva que si fuéramos directamente sin utilizar el portamento. Debe ser
casi imperceptible para afectar solo al ataque de dicha nota, sin percibirse
la nota inferior por la que pasamos.
En este ejercicio lo haremos en intervalos de tercera.
76
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 43
Vals de Taramundi
Utilizaremos esta sencilla pieza para aplicar las técnicas adquiridas en los
pasos anteriores.
77
Paso 44
Muñeira A Grelada
En esta pieza trabajaremos de forma mucho más intensa muchas de las

técnicas que hemos visto hasta ahora. Como siempre importante trabajarla
desde tempos lentos y con mucha atención:
78
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 45
Los modos
En la edad media se desarrolló un modelo de ocho modos (octoechos) de

los que posteriormente salieron los dos modos utilizados en el sistema
tonal (mayor y menor). Si creamos una escala desde cualquiera de las notas
naturales hasta su octava estamos generando el modo característico de esa
nota (modo de do, modo de re, etc).
Se utiliza a veces una terminología de origen griego que es resultado de un

error de interpretación de la teoría musical griega, sin embargo estos
términos se encuentran fuertemente arraigados, por lo que en la práctica se
utilizan mucho:
Modo de do (jonico), modelo de escala mayor

Modo de re: dorico
Modo de mi: frigio
Modo de fa: lidio
Modo de sol: mixolidio
Modo de la: eolico (modelo de escala menor)
Modo de si: locrio
Cualquiera de estos modos puede transportarse a cualquiera de los grados

de la escala, nombrándose entonces por ejemplo: do dórico, fa mixolidio,
sol frigio… generando el modo a través de la armadura de clave o las
alteraciones correspondientes para que los tonos y semitonos de nuestra
escala coincidan con los de la escala deseada.
El tema es mucho más profundo y complejo, pero en este libro daremos

solamente estas pocas pinceladas para que simplemente se entienda que
pueden existir diferentes escalas, cada una con su sonoridad y su
personalidad, mas allá de las mayores y las menores del sistema tonal.
79
Paso 46
Escala de fa mayor - do mixolidio
Una de las alteraciones que más utilizaremos en el repertorio de gaita es el

sib (027) Esta nota es bastante inestable respecto a la entonación, por lo
que es importante tener el tempero bastante dominado, también es habitual
que suene a un volumen menor que el resto de notas del instrumento.
Esta nota nos permitirá tocar en la escala de fa mayor y de do mixolidio,

escalas bastante utilizadas en el repertorio de gaita actual.
80
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 47
Rebolada “La Fragua”
Es una sencilla pieza tradicional castellana en Fa mayor, para comenzar a

familiarizarnos con esta tonalidad.
Paso 48
Las escalas menores
Como vimos en pasos anteriores, la escala mayor tomaba como modelo la

escala de Do (jónico) en cuanto al orden que sigue en sus tonos y
semitonos.
La escala mayor podría decirse que suena por lo general alegre y vital,
soleada y luminosa. La escala menor, por el contrario se relaciona más con
la melancolía y es más oscura y misteriosa.
El modelo de escala menor, es la escala que se forma desde la nota La

(modo eólico), sin utilizar alteraciones. La menor y Do mayor, por lo tanto,
serían tonalidades relativas .
Aprenderemos tres tipos diferentes de escala menor: la natural, la armónica

y la melódica.
81
La escala menor natural es la que se forma desde la nota la en un

pentagrama sin alteraciones o desde otra nota respetando el esquema de
tonos - semitonos correspondiente.
La escala menor armónica es igual, pero alterando el séptimo grado un

semitono ascendentemente 20.
La escala menor melódica o mixta nace de la necesidad de suavizar el

intervalo de 2ª aumentada que se forma entre el sexto y el séptimo grado de
la escala menor armónica.
Es como la escala menor natural, pero alterando el sexto y séptimo grado

un semitono ascendentemente.
16 Esto es debido a la necesidad de la música tonal de crear tensión mediante dominantes.

La alteración de esta nota es fundamental para que funcione como “sensible”, la sensible es
la tercera del grado dominante.
17 Dentro del sistema tonal, las tonalidades homónimas son aquellas mayores y menores que
comparten la misma tónica, por ejemplo Do mayor y Do menor, Re mayor y Re menor, etc…
82
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
La escala menor que utilizaremos de forma más habitual en la gaita será la

de Do, que es la escala homónima de Do mayor, y tiene una armadura de
tres bemoles
83
Paso 49
La escala de Do menor y melodía 14
La escala de do menor es la escala menor más utilizada en el contexto folk

en la gaita. Como vimos en el paso anterior en esta escala las notas si, mi y
la se encuentran alteradas un semitono descendentemente.
El si bemol ya lo practicamos en el paso 45, ahora volveremos a

encontrarnos con él en otro contexto.
-Mi bemol: La digitación habitual de esta nota es 012346, aunque también

puede hacerse 012345 Es una nota bastante inestable respecto a la
entonación y puede tener tendencia a quedarse alta respecto al resto de
notas del punteiro, por lo que hay es importante controlar bien el brazo y
levantar lo menos posible el dedo 5, o encontrar el lugar de ese dedo
siempre sin tocar el agujero donde mejor se entona esa nota.
-La bemol: La digitación habitual es 0135, pero también puede funcionar

bien 013, 01356, o 1356.
Sería cuestión de dominarlas todas y elegir en cada momento la que vaya

mejor.
La primera melodía que veremos para trabajar la escala de do menor es la

siguiente, y está dedicada a trabajar el mib. Se trata de digitar lo más
limpiamente posible. Cuando haya que articular notas iguales utilizaremos
un batimento.
84
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 50
Melodía 15
En esta melodía añadiremos el lab junto con el mib ya trabajado

anteriormente.
Paso 51
Melodía 16
En esta melodía trabajamos con las tres alteraciones propias de la escala de

do menor natural, haciendo hincapié en el salto de lab a sib.
Es común en este salto que se produzca un efecto denominado “claqueo”,

muy típico de la gaita asturiana donde en el paso entre dos notas se escucha
fugazmente una nota grave que se produce por cruzamientos de
digitaciones.
En este caso intentaremos evitarlo y que el cambio entre esas dos notas se
produzca de forma limpia sin claqueo.
85
Paso 52
El fenómeno físico-armónico
y el cálculo en cents
El fenómeno físico-armónico es un fenómeno omnipresente en este estado

mental que llamamos existencia de la misma forma que por ejemplo la ley
de la gravedad, y representa un orden determinado por la naturaleza.
Cuando escuchamos una determinada frecuencia, en realidad está sonando
un número en principio infinito de sonidos, que acompañan a ese sonido
principal, A estos sonidos secundarios se les conoce por el nombre de
parciales, o sencillamente como armónicos. El conjunto de tonos parciales
de una frecuencia configura el llamado espectro armónico de dicha
frecuencia.
Todas las reflexiones que puedan hacerse sobre la afinación, la entonación,

etc, se apoyan en sus puntos esenciales en la serie de armónicos. Se puede
recurrir a ella, por una parte, para explicar determinados fenómenos
recurrentes en la música (por ejemplo, el grado de consonancia de los
acordes o ciertas jerarquías de intervalos) por otra parte sirve como punto
de partida para organizaciones más elevadas, como por ejemplo nuestro
sistema musical.
Mientras los griegos de la antigüedad (Pitágoras, Aristóteles, Euclides)

determinaban la serie por medio de la división de la cuerda en el
monocordio, nosotros disponemos desde 1928 del analizador de espectro,
con el cual podemos probar la existencia y estructura de la serie. Con él se
puede representar visualmente todo el espectro de frecuencias de un
sonido, en el cual se registra cada tono parcial, no solo con su frecuencia,
sino también con su intensidad.
18 Monocordio es un instrumento musical de una sola cuerda.

19 Los tonos diferenciales son indicadores de la entonación pura de los intervalos en
instrumentos agudos. Hablaremos de ellos más adelante.
86
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
La correspondencia matemática de los armónicos que suenan son las

relaciones de números enteros, como por ejemplo: 1:2, 2:3, 3:5 etc, es
decir, las más sencillas relaciones numéricas que han inspirado
constantemente a la humanidad especulaciones sobre la “armonía del
universo”. Por citar solo algunos autores: Pitágoras, Johanes Jepler, Hans
Jayser, y en la época más reciente Joachim Ernst Berendt.
-El significado práctico de la serie de armónicos.
Como decíamos al principio, con cada tono que escuchamos no suena sólo
ese único tono, sino además un número en principio infinito de tonos más
agudos: los armónicos o parciales. Todos juntos se funden tan fuertemente
en nuestra percepción auditiva hasta formar un sonido uniforme que
percibimos como un solo tono. Siempre percibimos como único tono el
armónico fundamental, incluso en las ocasiones en que los otros armónicos
son también muy potentes. En la gaita, por ejemplo, suena más fuerte el
tercer armónico, y sin embargo percibimos solamente el tono fundamental.
El tono fundamental y sus armónicos, cuyo número es teóricamente

infinito, forman juntos la serie de armónicos, también llamada serie de
tonos parciales. Está establecido por la naturaleza: Las frecuencias de
oscilación de los armónicos son exclusivamente números enteros,
multiplica de la frecuencia de oscilación del sonido fundamental, y forman
así una sucesión armónica 1:2:3:4, etc
De aquí viene la caracterización de “armónicas” para las frecuencias

parciales. También existen tonos parciales “inarmónicos”, los cuales no
son totalmente “armónicos”, como el piano, o están situados de forma
totalmente diferente, tonos parciales disonantes, como en los idiófonos de
metal y de madera (campanas, gong, xilófono). Pueden influir positiva o
negativamente en la calidad del sonido: en el piano, por ejemplo, la
“inarmonicidad” de los tonos parciales es una característica esencial de su
sonido, así como en los instrumentos de percusión mencionados.
87
En las campanas y el gong, los tonos parciales completamente desviados

respecto del orden armónico son la causa de que la impresión de altura del
sonido no sea clara o no exista en absoluto.
La disposición armónica de los tonos parciales, es decir, su “armonicidad”

es una condición esencial para la percepción de un tono claro.
Es posible producir tonos sin frecuencias parciales con medios

electroacústicos (tonos sinuosidades) sin embargo, nosotros no podemos
apreciar correctamente este sonido a causa de la naturaleza de nuestro oído:
este produce, al percibir tonos sinuosidades, armónicos espontáneos, los
llamados armónicos auditivos.
Estos se originan -como también los tonos diferenciales - mediante

distorsiones no lineales en el oído interno, un mecanismo comparable a las
distorsiones que se originan al reproducir música en un mal amplificador.
Es decir, incluso cuando escuchamos sonidos que “objetivamente” no
tienen armónicos, no podemos percibirlos como tales, ya que los
“interpretamos” automáticamente.
Los únicos sonidos sin armónicos que existen en la naturaleza son los
propios armónicos.
Los tonos sinuosidades no solo son irrelevantes para la práctica musical,

también pueden confundir al oído: asi, por ejemplo, los intervalos
disonantes compuestos por tonos sinuosidades suenan de forma similar a
los consonantes, ya que no existen armónicos que puedan producir
batimientos entre si.
88
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Con ello se complica considerablemente la audición de intervalos y

acordes.
89
Paso 53
Muñeira de Chantada
En esta famosa composición de Avelino Cachafeiro practicaremos la

mayoría de los elementos técnicos trabajados anteriormente
90
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 54
Foliada de Berducido
Continuamos con el trabajo sobre el modo menor con otra de las piezas
más emblemáticas del repertorio gallego.
91
Paso 55
Ejercicios rutinarios escalas menores
En este paso añadiremos como ejercicio rutinario los ejercicios de escalas

con las tres escalas menores (natural, armónica y melódica).
92
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 56
La palleta 2
Anteriormente aprendimos cuales eran las herramientas necesarias para la

manipulación de la palleta y las acciones básicas a realizar sobre ella para
facilitar la entonación y la compensación de las notas del punteiro.
En este segundo paso sobre la palleta aprenderemos las técnicas de

manipulación algo más avanzadas, que implican pérdida de material.
Distinguiremos cuatro zonas de la palleta, la zona alta o zona de vibración,
la zona media, la zona baja y la parte estructural.
La zona alta es la que más afecta al sonido, y es la zona de la palleta que

más vibra, será la zona en la que haremos un pequeño despunte con la
navaja en caso de que queramos reducir la longitud de la palleta, el
despunte subirá la altura de las notas y endurecerá el ataque. Normalmente
será necesario lijar un poco con la lija de agua la parte superior
posteriormente al despunte.
La zona media afecta sobretodo a la compensación de algunas notas,

sobretodo las de la gama aguda de la primera octava. El raspado en la zona
media baja la altura de las notas, no porque pierda material (la perdida de
material implicaría en realidad que suba la altura), si no porque al quitar
material de esta zona propiciamos que entre en vibración una superficie
mayor de la palleta, bajando por consiguiente la altura.
La zona baja afecta sobretodo al timbre y a la compensación del volumen

de algunas notas como el sib. (No porque al raspar esta zona suba el
volumen del sib, sino porque baja el de las demás y lo iguala)
Para realizar el despunte posaremos la palleta sobre el taco de madera

sujetándola con el dedo corazón de la mano izquierda.
93
El índice y el anular serán los encargados de calibrar el filo de la navaja

para colocarla en el lugar en el que queremos realizar el corte. Una vez la
navaja esté asentada, seguiremos sujetando la navaja solamente con la
mano derecha y apretaremos con la mano izquierda. (el procedimiento se
haría con las manos contrarias en el caso de ser zurdos)
Para realizar el rascado puede hacerse perfectamente con la palleta bien

asentada en el mismo punteiro.
Paso 57
El trino
El trino consiste en alternar rápidamente dos notas adyacentes. Se

representa en la partitura normalmente con la sílaba “tr” sobre la nota que
se considera principal del trino.
El trino puede servir para enfatizar una nota larga generalmente generadora
de tensión o utilizarse en valores más pequeños, en este caso suelen ser
parecidos a un mordente superior pero realizándose más de una repetición.
Paso 58
Ejercicio de trinos
94
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 59
Muñeira “A Camposa”
A continuación, trabajaremos otra de las muñeiras más conocidas del

repertorio gallego, la cual además nos servirá de excusa para hacer algunos
de los trinos que hemos trabajado anteriormente.
95
Paso 60
El preludio
El preludio es una melodía que precede a la pieza y sirve para que el

gaitero pueda comprobar y corregir rápidamente posibles desajustes de
altura en los roncos o en el punteiro. Actualmente en muchas ocasiones ha
perdido esa función y se ha convertido en un cliché que muchos gaiteros
hacen antes de comenzar a tocar una pieza.
Como su función es la de calibrar el ajuste de las alturas de sonido tiende a

darse mucho protagonismo a las notas del acorde de Do mayor, sobretodo
a las notas sol y do, y también a mi, puesto que son las consonancias con
las que es más fácil detectar indicios de “desafinación”.
Un preludio también sirve (o debería servir) para asentar la tonalidad de la

pieza que se interpretará posteriormente, por lo tanto si vamos a tocar en
Do menor, convendría hacer el preludio también en Do menor.
De forma habitual un preludio funciona de la siguiente manera, tocándose

generalmente ad-libitum.
Simplificándolo mucho un preludio no es más que pasar por las tres notas
del acorde mayor (do-mi-sol-do) haciendo pequeños adornos, escalas,
progresiones, etc entre una y otra de esas notas del acorde, que son las que
se suelen dejar más largas para calcular su correcta entonación. También es
muy habitual juguetear con las notas del acorde de dominante (sobretodo el
si y el re graves) para generar tensión antes de la resolución final en la
tónica.
Lo mejor es practicar diferentes mecanismos y giros melódicos para luego

utilizarlos a la hora de improvisar nuestros preludios, una forma de
preludiar personal puede ser una de las principales señas de identidad de un
gaitero.
96
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
A continuación, os dejo un ejemplo de preludio sencillo como base para

después ir generando vuestros propios preludios.
97
Paso 61
El mordente “floreo”
El mordente es una articulación muy utilizada en múltiples contextos, se

ejecuta de forma muy parecida a un picado pero siempre con el dedo de la
nota real que estemos dando en ese momento.
Como muchos conceptos es mucho más fácil comprenderlo en la práctica,

aunque a continuación describiremos los diferentes tipos de mordentes:
-Mordente “floreo”: Se ejecuta en intervalos descendentes. Es muy

parecido a un picado ejecutado con el dedo de la nota en la que nos
encontramos, volviendo a sonar fugazmente la nota en la que nos
encontramos antes de descender a la siguiente nota.
Aquí abajo os dejo un ejemplo de este tipo de mordentes:
En el ejemplo de arriba está entre grados conjuntos, pero puede ejecutarse

en otros intervalos más grandes de la misma forma, dejo aquí abajo otro
ejercicio para practicarlo desde en diferentes intervalos.
98
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 62
Pasacoredoiras “na eira”
En esta pieza trabajaremos los mordentes aprendidos en el paso anterior.
99
Paso 63
El mordente “de ataque”
-Mordente “de ataque”: Suele hacerse en un intervalo ascendente, consiste

en pasar fugazmente por la nota inmediatamente superior a la segunda nota
del intervalo, el efecto que produce es la enfatización de esta segunda nota.
El efecto es muy parecido al de los picados de articulación que veremos

posteriormente, si bien algo menos agresivo que estos.
100
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 64
Picados de enfatización
Se suelen nombrar de esa manera a los picados que se ejecutan entre dos
notas diferentes, aunque no tiene por qué ser necesariamente así siempre.
Esta técnica es muy característica de la música folk, sobre todo del

repertorio irlandés o escocés, pero actualmente se utiliza en todo tipo de
piezas. Su función habitual suele ser la de generar un “ritmo subyacente”
característico.
El efecto que produce es el de enfatizar la nota a la que afecta. Si se hace

de forma puntual simplemente enfatizará ese punto del discurso sonoro, si
se utiliza de forma rítmica generará ese ritmo característico de esta música.
Dependiendo del contexto nos interesará utilizarlos por ejemplo en las

partes fuertes de cada compás, en las partes débiles, o en combinaciones
concretas que interesen para nuestra interpretación.
Paso 65
Picados de enfatización ejercicio 1
En este ejercicio trabajaremos con el dedo 3, articulando entre el do y el fa

cada 4, 2 y en todas las notas. La nota que se enfatiza con el picado va
marcada con un símbolo de acento.
101
Paso 66
Ejercicios con el dedo 3 de do a fa por terceras, primero articular cada

cuatro, luego cada dos y finalmente todas.
Paso 67
Ejercicios con el dedo 1 de do a la primero cada dos, luego cada tres y

luego todas.
102
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 68
Ejercicios con el dedo 1 de do a la por terceras primero cada dos, luego

cada tres y luego todas.
103
Paso 69
Repertorio”The easy club reel”
A continuación, trabajaremos un reel, donde utilizaremos los picados de

articulación que hemos aprendido a ejecutar en los ejercicios anteriores.
Podemos utilizar cualquier dedo que queramos (el 1 o el 3), lo importante
es conseguir el efecto de acentuación y enfatización rítmica deseado.
104
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 70
El vibrato
El vibrato o flatemment es una técnica muy utilizada y manejarla bien

requiere mucha práctica. También es una de las técnicas más personales y
que más evidentemente diferencian la forma de interpretar de un gaitero de
la de otro.
El vibrato puede desempeñar varias funciones, una de ellas es “camuflar la

desafinación”, la otra es generar dirección en el discurso musical y por
último también puede utilizarse para generar un cierto movimiento o ritmo
en el discurso sonoro.
Todos tendremos en la cabeza la imagen de una orquesta sinfónica con sus

violines haciendo vibrato constantemente, esto responde a la primera
función, que es la de “camuflar la desafinación”. Si no se hiciera este
vibrato sería imposible que todos los violines hicieran exactamente la
misma nota, al ser un instrumento de afinación variable. Por eso se realiza
el vibrato, para que la nota “fluctúe” dentro de un rango de frecuencia y no
se perciba “desafinación”.
En el caso de la gaita este tipo de vibratos es un poco más problemático,

puesto que la fluctuación de la nota no se realiza modificando la
entonación tanto hacia arriba como hacia abajo en altura, si no que
solamente fluctúa hacia abajo, por eso hay que tener bastante precaución a
la hora de utilizarlo, para que no se produzca el efecto de que la entonación
sea demasiado baja.
En el caso del que el vibrato se utilice para generar dirección, el efecto

debe de ser como el de una pelota de goma botando en el suelo, ha de ir de
menos a más, tanto en velocidad como en ataque, aunque otras veces sea
preferible que se ejecute medido.
105
Habitualmente muchos gaiteros hacen el vibrato estirando los dedos de la

mano derecha y batiendo llegando a tapar mas o menos los agujeros
correspondientes. Yo no recomiendo hacerlo de esa manera porque a mi
juicio se pierde mucho control sobre el asunto y es mucho más fácil que
quede sucio o demasiado marcado.
Yo recomiendo utilizar las yemas de los dedos tapando parcialmente

alguno de los agujeros, sobre todo el dedo 4 es el que más utilizo, o el dedo
7 para notas más graves. Hacerlo de esa forma nos permite tener mucho
más control sobre el vibrato, su intensidad y su velocidad.
Paso 71
Vibrato con las notas do re y mi mib y lab
En estas notas utilizaremos para vibrar el dedo 7, lo haremos subdividiendo

2, 3 y 4, desde bastante despacio, poco a poco y combinando veces en las
que el vibrato sea lo más sutil posible a otras que sea más marcado. Lo
mejor es que lo veáis en el video correspondiente.
Paso 72
Vibrato con las notas fa sol la sib si
En estas notas utilizaremos para vibrar el dedo 5, tapando en mayor o

menor medida el agujero determinado para conseguir el vibrato deseado, lo
haremos con metrónomo subdividiendo en todas las notas lo trabajaremos
tanto de forma sutil como más intensa.
106
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 73
Muñeira de Chantada 2
Volvemos a trabajar esta pieza, pero añadiendo las técnicas adquiridas

recientemente.
107
Paso 74
Pasodoble de Cabezudos 2
Retomamos esta pieza añadiendo las técnicas que no conocíamos cuando la

tocamos por primera vez
108
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 75
Marcha de San Benito
En esta pieza trabajaremos sobre todo los vibratos medidos y de forma sutil
en las notas largas.
109
Paso 76
Doble picado-batimento
Esta es una técnica de articulación muy agresiva que seguramente tiene su

origen en la gaita escocesa. Nosotros lo ejecutaremos con los dedos 1, 3 +
Batimento. Se suele ejecutar de dos formas diferentes.
Una de ellas consiste en ejecutarlo de forma que haya la misma distancia

entre los tres movimientos, generando un tresillo, la otra forma consiste en
agrupar los dos picados y separarlos del batimento generando el efecto de
dos notas, la primera de ellas articulada de forma muy agresiva. Se
entiende mucho mejor viéndolo en el video que describiéndolo.
En muchas ocasiones utilizaremos solamente los dos picados para articular

de forma agresiva (cran)
Paso 77
Ejercicio de doble picado-batimento atresillado
110
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 78
Ejercicio de doble picado batimento
tipo “cran”
Paso 79
Ejercicios dobles picados sobre la nota sol
111
Paso 80
Reel
Un reel es una pieza rápida en cuatro por cuatro tradicional de Irlanda y

Escocia. Proviene de antiguos poemas fonéticos en lengua gaélica.
112
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 81
The Glass of beer (reel)
113
Paso 82
El triple picado
El efecto sonoro de esta técnica es bastante parecido al del doble picado-

batimento. Yo lo ejecuto habitualmente con los dedos 3-4-5, aunque es
habitual utilizar los dedos 1-4-3 (en ese orden) en gaita escocesa. El efecto
puede ser el de conseguir tres notas iguales muy rápidas cuando se separan
generando un tresillo o el de generar una articulación muy intensa
incluyendo los tres movimientos sobre una misma nota produciendo un
“cran”.
114
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 83
El doble batimento
Esta es una técnica proveniente de la gaita escocesa. Se puede ejecutar con

cualquier batimento, aunque lo habitual es hacerlo con el dedo 7 para
enfatizar la tónica.
Consiste en hacer rebotar el dedo dos veces sobre el agujero, generando un

“cran”. En escocia habitualmente lo hacen arrastrando el dedo rápidamente
de arriba a abajo del agujero dos veces.
En este ejercicio lo haremos desde la posición de sol cerrado (012456).
Ejecutaremos un batimento con el dedo 3 y a continuación el doble

batimento con el dedo 7.
Es una técnica que no sale a la primera, habrá que practicarlo primero muy
lentamente (ejercicio 1) y luego rápidamente (ejercicio 2) de forma
progresiva el ejercicio 1 se irá convirtiendo en el dos, en realidad son el
mismo pero variando la velocidad.
115
Paso 84
La posición de silencio
Existen posiciones en la gaita en las que la palleta se bloquea y se produce

un silencio en el punteiro mientras los roncos siguen sonando.
Estas posiciones son 123 o 1235. Suele funcionar mejor la segunda. Su

efectividad será mucho mayor cuando la palleta esté mas bien blanda y
flexible.
Esta técnica puede ser útil para que solamente se escuchen los roncos
manteniendo una presión de aire o para articulaciones durante el discurso
musical.
Aquellas en las que solemos emplear un picado abierto suelen ser proclives
también a utilizar la posición de silencio con la ventaja de que la
articulación suene mucho más limpia que utilizando el picado.
Esta técnica conviene practicarla durante mucho tiempo para conseguir

utilizarla sin que de la sensación de que el discurso musical se bloquea, se
para o “va a trompicones”.
Hay que conseguir llegar a hacerlo con delicadeza y con soltura para que el
discurso sonoro no suene entrecortado y se articule con naturalidad y con
sensación de continuidad.
116
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Respecto a la notación, la interpretaremos como una articulación “stacatto”

en la nota correspondiente.
117
118
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 85
Andy Renwick's Ferret
En esta pieza compuesta por Gordon Duncan practicaremos las técnicas

adquiridas anteriormente.
He escrito con silencios de semicorchea lo que debe ejecutarse con la

posición de silencio, también podría haberse escrito con un punto debajo
de la nota a modo de “stacato”
119
Paso 86
La escala cromática
Nuevas posiciones (do y fa sostenido) Escala cromática nuevas posiciones.
120
+34 617-71-08-80 GERMÁN RUIZ
Paso 87
El triple batimento
Esta técnica se puede emplear golpeando los dedos de la mano izquierda

con la mano derecha generando tres repeticiones. Produce un efecto de
articulación sumamente agresivo.
También se puede hacer (siendo el efecto menos agresivo de esa manera)

haciendo pasar los dedos 6 5 y 4 de la mano derecha por cualquiera de los
agujeros inferiores a la nota que se está dando.
Paso 88
Muñeira de Ourense
En esta pieza trabajaremos las últimas técnicas que hemos adquirido, como
los dobles y triples batimentos.
121

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EL

Todos los textos, imágenes, gráficos y datos, así como su composición o

El propósito de este libro es convertirte en un gaitero completo a través de

Este libro es eminentemente práctico. Hemos omitido capítulos dedicados

En este método tampoco doy una importancia demasiado grande al

Tampoco abordamos cuestiones musicales teóricas exceptuando las que

En el caso de la afinación también nos quedamos en lo básico necesario

Muchas de las formas de simbolizar los movimientos y las articulaciones

El músico-gaitero debe de ser capaz después de haber adquirido los

Es posible que algunos aspectos de este método puedan causar controversia

Respecto al método que expongo aquí es muy completo respecto a la gaita

- Fol: Es la bolsa en la que se almacena el aire. Para producir el

También existen foles de cuero cosido o de goma. Los de goma

- El soplete: Es el tubo que permite que el aire insuflado por el

- El zapón: Es la válvula que se encuentra en el soplete que permite

- El ronco: Es el tubo largo que recae sobre el hombro del gaitero.

- El punteiro: Es el tubo cónico con agujeros a través del cual el

- La ronqueta: Es el segundo tubo más largo de la gaita. Reposa

- El chillón: Es el tubo pequeño que puede estar situado al lado de

- La palleta: Es la lengüeta doble que al ser excitada produce la

- El pallón: Es la lengüeta simple que al ser excitada produce la

- El anillado: Puede ser de diferentes materiales: madera, metal o

Durante la práctica musical deberemos considerar al instrumento como una

Antes de lanzarnos a tocar un instrumento sin más es conveniente

El enemigo del movimiento es la tensión. Muchas veces vemos el

tema…respecto a la tensión hay que trabajar desde el principio para irse

Los hábitos corporales se generan a través de la repetición. Si realizamos

Tanto si aprendemos a atarnos los cordones de una manera eficiente como

Propongo como ejercicio preliminar comenzar a ser conscientes de nuestro

Seguramente seríamos capaces de abrir el envase haciendo menos fuerza

Si comenzamos a ser conscientes de nuestro propio cuerpo al realizar

Toda esa tensión innecesaria se multiplica al realizar una tarea más

A continuación, describiré la postura que recomiendo a la hora de tocar la

- Colocaremos el fol de la gaita en el brazo izquierdo, el ronco

Es habitual generar tensión en ellos hacia arriba. También es importante

- Apretaremos el fol con el brazo, intentando minimizar el contacto

- Hemos de colocar las manos de tal forma que la pinza entre el

Podría decirse que la base de conseguir un buen sonido constante en la

Al empezar a tocar el instrumento será muy difícil encontrar ese punto en

Deberemos ir trabajando para alejarnos del extremo en el que nos

Si al estar tocando levantamos el brazo de forma repentina y la gaita no

Es habitual también al comenzar con la gaita que a los pocos minutos de

Muchas veces ni siquiera somos conscientes de que ocurre eso y nos

Cuando ocurre eso lo mejor es descansar y dejar el instrumento por un rato.

A continuación, propongo el primer ejercicio para practicar la emisión del

Una vez hayamos comenzado con la práctica de este paso es buen

“Temperar” es el hecho de conseguir un sonido lo más uniforme posible,

De todas formas, de momento mejor centrarse solamente en ser capaces de

Si comenzamos a tocar con el ronco activado sin dominar el tempero nos

La notación musical nos permite representar los diferentes elementos que

Comenzaremos por aprender cómo se representa la duración de los

- Compás de dos tiempos: F - d - F - d - F - d - F - d

A la hora de leer música uno de los primeros símbolos que nos

Como habréis podido comprobar, el número superior nos indica la cantidad

El número inferior se refiere al tipo de figura musical al que equivale cada

Aquí abajo están plasmadas sus equivalencias. El número que tienen a su

Como habréis podido comprobar, a figura más larga es la redonda, la mitad

El puntillo es un punto que se coloca detrás de una determinada nota