1.

Distintos tipos de pinturas

2. Historia de la pintura
3. La pintura por época

Distintos tipos de pinturas

La témpera:
Es un medio similar a la acuarela, pero tiene una "carga" de talco industrial o blanco de zinc, esta carga
adicional al pigmento le da su carácter opaco y no translúcido como la acuarela, sin embargo tiene la virtud de
dar tonalidades claras sobre una oscura, cosa que en la acuarela "clásica" es incorrecta, a ese defecto en la
acuarela se le denomina "acuarela opaca" o "muerta". La fórmula de la tempera también lleva goma arábiga,
miel y a veces hiel de buey para tener más fluidez en el recorrido del pincel. Es a su vez un medio muy eficaz
para complementar dibujos y hacer efectos de trazo seco o de empaste.
Acrílicos:
El ácido acrílico es un compuesto químico. En su estado puro, se trata de un líquido corrosivo, incoloro y de
olor penetrante. Es miscible con agua, alcoholes y cloroformo.
Pasteles:
La técnica de pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de colores similares a las tizas
escolares pero que se diferencian de éstas en que, en su composición, llevan una alta proporción de pigmento
que se mezcla con cola y en ocasiones yeso. De esta manera se consiguen colores luminosos, intensos y
bien saturados.
Es una técnica de las llamadas secas, ya que a diferencia de la pintura al óleo o la acuarela, no se utiliza
ningún disolvente y se aplica directamente sobre la superficie de trabajo.
Es una técnica cómoda, generalmente rápida y que permite realizar correcciones con gran facilidad, razón por
la cual es utilizada por muchos artistas.
Temple:
Es una mezcla de agua, clara y yema de huevo y aceite, también se puede agregar un poco de barniz, con
este procedimiento se logra mayor firmeza o agarre y un secado más rápido, sin embargo el acabado es más
impermeable. En lugar del agua se puede emplear leche.
Todo esto se mezcla con el pigmento hasta crear una pasta similar a la del óleo y se trabaja de la misma
forma en cuanto a la secuencia. Su fondo de aplicación puede ser la tabla, el lienzo o el.
Óleo:
su pastosidad, por su admirable libertad ya que su secado es gradual se pueden hacer esfumados
y mezclas sobre el mismo lienzo o soporte.
Lo más empleado es el termino "graso sobre magro". Las primeras etapas deben tener más color que aceite
para que el exceso no dañe la estructura de la tela, y para evitar que estas primeras capas generen
filtraciones sobre las últimas capas, dando un aspecto grasiento y perjudicial para la conservación posterior
del cuadro, ya que en los excesos de aceite está el problema del amarilleo.
La Superficie:
La pintura puede ser expresada sobre una gran variedad de superficies. Estas pueden tener características
distintas, como lo son la textura y absorción.
Hay formas de sacar provecho al medio y a la superficie, por ejemplo, el muro preparado para el fresco es
muy absorbente, para realizar transiciones suaves se debe tener una pronta ejecución, tener los colores listos
y tomar el tiempo primero para realizar los difuminados, sin embargo, esa cualidad absorbente del muro
puede emplearse para trabajar con trazos lenticulares y provocar una vibración. De esta forma los limitantes
de la superficie se pueden convertir en una ventaja para dar más expresividad a la composición.

Historia de la pintura
La pintura ha adoptado diferentes formas, según los distintos medios y técnicas que la han guiado y se han
convertido en propios de cada una de ellas. Hasta el siglo XX, la pintura se apoya, en el arte del dibujo. En
occidente, la pintura al fresco, que alcanzó su mayor grado de desarrollo a finales de la edad media y
durante el renacimiento, se basa en la aplicación de pintura sobre yeso fresco o seco. Otra variedad antigua
es la pintura al temple.
 Durante el renacimiento, la pintura al óleo vino a ocupar el lugar del fresco y del temple; tradicionalmente se
pensaba que esta técnica había sido desarrollada a finales de la edad media por los hermanos flamencos Jan
van Eyck y Hubert van Eyck, pero en la actualidad se cree que fue inventada mucho antes.
Otras técnicas de pintura son el esmalte, la encáustica, la grisalla y la acuarela. En los últimos años se ha
extendido el uso de las pinturas acrílicas, con base de agua, de rápido secado y que no se oscurecen con el
paso del tiempo.
Con el transcurrir de los siglos, se han venido sucediendo diferentes métodos y estilos artísticos, así
como teorías relacionadas con la finalidad del arte para, reaparecer en épocas posteriores con alguna
modificación. En el renacimiento, la pintura al fresco en muros y techos cedió el paso a la pintura de caballete
al óleo, pero se reactualizó en el siglo XX con las obras de los muralistas mexicanos.

La necesidad de expresar una emoción intensa por medio del arte une a pintores tan diferentes como
el español El Greco, del siglo XVI, y los expresionistas alemanes del siglo XX. En el polo opuesto de los
intentos de los expresionistas por revelar la realidad interior, siempre ha habido pintores empeñados en
representar exactamente los aspectos exteriores. Elrealismo y el simbolismo, la contención clásica y la pasión
romántica, se han ido alternando a lo largo de la historia de la pintura, revelando afinidades e influencias
significativas.
Yoha:

La pintura por época

Pintura Prehistórica y Antigua:
Las pinturas más antiguas que se conocen fueron realizadas en las paredes de las cuevas que servían de
abrigo a la especie humana hace treinta mil años, durante el periodo paleolítico. Hay muestras del arte
paleolítico en emplazamientos de Europa occidental, del África sahariana y del sur, y en Australia. En algunas
zonas, como el litoral mediterráneo, eldesarrollo de la pintura siguió en el periodo neolítico.
Comprende las siguientes características:
 En la pintura realista y naturalista, realista y abstracta, usó diferentes técnicas, as¡ los dedos o
técnica digital, la crin del animal o técnica de la brocha y también la técnica del esfumado, que consistía en
soplar por una caña o, hueso hueco la pintura.
 La cueva francesa de Pech-Merle (Dordoña) presenta pinturas de singular objetividad; en ella el
paisaje quiere ser ya resaltado, pero la mano es el símbolo que predomina en esta cueva, que tiene una
antigüedad de unos 40 mil años.
 El mamut fue también motivo de inspiración del pintor de Pech-Merle; está tratado con rasgos
poderosos y rápidos.
 También del periodo de Aurignac son las pinturas rupestres de la región francesa Cougnac; aquí la
pintura está basada en el perfil. Los animales predilectos son el alce, el ciervo o la cabra y la figura humana
apenas tiene importancia.
 El magdaleniense es la cumbre de la pintura paleolítica y prueba de ello es la cueva de Lascaux que
algunos historiadores clasifican como perteneciente al periodo peri gordiano del paleolítico superior.
 El tema más frecuente en Lascaux es el toro; estas cuevas fueron descubiertas en 1940 y los
animales son en su mayoría de grandes proporciones.
 Otra cueva de gran importancia en el arte magdaleniense francés es la de Niaux. En ella predominan
los fondos blancos y los rasgos negros. Estos colores como el rojo y el amarillo, fueron logrados con las
mencionadas tierras colorantes con polvo de carbón.
* Las pinturas prehistóricas de las cuevas de  Lascaux,  Francia, datan aproximadamente del 13000 A.c. y
fueron realizadas con pigmentos (rojo y ocre) soplados a través de  huesos  huecos sobre la roca, o aplicados
con juncos o ramas aplastadas después de mezclarlos con grasa animal.
Pinturas Rupestres:
El término «rupestre» deriva del latín rupestris, y éste de rupes (roca), aunque también es sinónimo de
primitivo. De modo que, en un sentido estricto, rupestre haría referencia a cualquier actividad humana sobre
los muros de cavernas, covachas, abrigos rocosos, etc. Desde este aspecto, es prácticamente imposible aislar
las manifestaciones pictóricas de otras representaciones del arte prehistórico grabados sobre piedra
 por erosión. Al estar protegidas de la erosión por la naturaleza del soporte, las pinturas rupestres han resistido
el pasar de los siglos.
Se trata de una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene constancia, ya que, al
menos, existen testimonios datados hasta los 40.000 años de antigüedad, es decir, durante la última
glaciación. Por otra parte, aunque la pintura rupestre es esencialmente una expresión espiritual primitiva, ésta
se puede ubicar en casi todas las épocas de la historia del ser humano y en todos los continentes
exceptuando la Antártida. Las más antiguas manifestaciones y las de mayor relevancia se encuentran
en España y Francia, se corresponden con el periodo de transición del Paleolítico al Neolítico. En ciertos
casos las obras rupestres se dan en zonas recónditas de la cueva o en lugares difícilmente accesibles; hay
otros, en cambio, en los que éstas están a la vista. Cuando la decoración está apartada de los sitios ocupados
por el asentamiento se plantea que fue un santuario o algo con significado religioso o fuera de lo cotidiano. En
los casos en los que la pintura aparece en contextos domésticos es necesario replantear esta idea y
considerar la integración del arte, lareligión y la vida cotidiana del ser humano primitivo.
Pintura Egipcia:
La pintura egipcia estuvo durante el Imperio Nuevo. Sin embargo, dado el carácter religioso de la misma, las
técnicas pictóricas evolucionaron muy poco de un período al otro. Sus temas eran normalmente narraciones
de la vida cotidiana y batallas, además de leyendas religiosas. Las típicas figuras de perfil con los brazos y el
cuerpo de frente de los murales egipcios, son producto de la utilización de la perspectiva aspectiva. Los
egipcios no representaron las partes del cuerpo humano según su ubicación real sino teniendo en cuenta la
posición desde la que mejor se observara cada una de las partes. Esta práctica se mantuvo hasta mediados
del Imperio Nuevo. Del Imperio Antiguo se conservan las famosas pinturas "Ocas de Meidun" y del Imperio
nuevo merecen mencionarse los murales de la tumba de la reina Nefertari, en el Valle de las Reinas, en
Tebas.
Pintura Minoica:
Los minoicos decoraron con pinturas realistas, de gran viveza, las paredes de sus palacios en Creta y también
la cerámica. Los colores son planos y vivos, de gama reducida, conseguidos mediantes pigmentos minerales.
Se considera que la función de la pintura minoica sería fundamentalmente religiosa.
En cuanto a la temática destacan las escenas de vida religiosa o cortesana, así como los paisajes. Las figuras
humanas representan a jóvenes, con hombres atléticos con la piel rojo oscuro y mujeres pálidas vistiendo el
traje típico de falda de volantes y corpiño que deja al aire los pechos. En los paisajes se
representan plantas cretenses o, en ocasiones, egipcias. Los animales son representados en movimiento, con
el llamado "galope minoico".
Las pinturas más conocidas son el fresco de los lirios; los portadores de ofrendas y las decoraciones del
Megarón de la Reina o del salón del Trono de Cnosos.
Pintura Griega:
Con excepción de algunos fragmentos, no hay vestigios de los murales griegos. Sin embargo, las
representaciones naturalistas de escenas mitológicas en la cerámica griega pueden arrojar alguna minima
idea sobre cómo era esa pintura de gran formato. En la era helenística, las escenas y motivos representados
en los mosaicos son también probablemente el eco de pinturas monumentales realizadas con otras técnicas
que no han llegado hasta nosotros.
Con anterioridad a la formación del arte griego hubo en territorios de la antigua Grecia un arte que se ha
llamado prehelénico, conservadas tan sólo en ruinas de edificios de la época y sobre estuco, representando
paisajes, acciones guerreras y ceremonias cortesanas o religiosas cuyas figuras aunque imperfectas
muestran expresión y vida. Su "fama" se debe casi por entero a los antiguos historiadores pues no se
conserva de ella ni un solo cuadro ni se conoce obra alguna de Zeuxis, Parrasio y Apeles, considerados
desde la antigüedad los pintores mas celebres. Las obras pictóricas griegas que al presente se conocen y
conservan consisten únicamente en decoraciones y de otras elegantes vasijas salvo algunos mosaicos de
pavimento y placas de arcilla pintadas y sin contar las obras de pintura romana en que intervino mano griega.
Los asuntos representados en las pinturas, a juzgar por lo que se observa en las mencionadas vasijas, fueron
escenas de la vida humana y tradiciones o leyendas mitológicas y heroicas.
Esta se divide en tres periodos (después del cretense y micénico ya nombrados):
 El de formación y arcaico que dura hasta el siglo V A. c, el cual se distingue por las influencias asirias
y egipcias que revela en sus dibujos. La pintura de las vasijas de el de formación suele ofrecer desde
mediados del siglo VIII a. C las figuras de color negro sobre fondo amarillo o rojo
 El de elegancia nacional, durante el siglo V a. C. y parte del IV a. C. en que se emancipó la pintura
con Polignoto, seguido de Apolodoro, Zeuxis y Parrasio, muy correctos en el dibujo, atribuyéndose al primero
la invención del claroscuro. Las vasijas de este periodo tienen las figuras rojas sobre fondo negro.
 El alejandrino o de difusión desde mediados del siglo IV a. C. hasta dos siglos más tarde en que fue
Grecia conquistada por los romanos. Las vasijas de este periodo que es la época de las grande ánforas
decorativas o de lujo continúa casi en lo mismo que en el precedente pero con menor corrección y con cierto
barroquismo en el dibujo hasta principios del siglo II a. C. en que terminan las figuras pintadas y se usan
de relieve con color negro o rojo.
De todas las variaciones apuntadas, se guardan elegantes muestras en los grandes museos de Europa y en
ellas puede verse que la tal pintura no pasa del simple género decorativo.
Pintura Romana:
Los romanos decoraban sus villas con suelos de mosaicos y murales representando rituales, mitos, paisajes,
naturalezas muertas, y escenas cotidianas. Los artistas romanos conseguían crear la ilusión de realidad,
utilizando la técnica conocida como perspectiva aérea, mediante la que se representan de forma más borrosa
los colores y contornos de los objetos más distantes para conseguir efectos espaciales. En las excavaciones
realizadas en las ciudades de Pompeya y Herculano, se ha recuperado una recopilación de pintura romana,
tanto civil como religiosa.
Los orígenes de la pintura romana se confunden con los de su escultura y de tal modo se hallan en el arte
helenista. Los romanos admiraban la pintura griega tanto como la escultura, y animaban a los artistas que
trabajaban para ellos a hacer copias de obras griegas especialmente famosas o populares. Las pinturas, con
figuras individuales, grupos o paneles enteros, se reproducían, se adaptaban, estropeaban o embellecían
según el talento de los artistas y las exigencias del cliente.
Los procedimientos usados en esta pintura debieron ser el encausto, el temple y el fresco. Aunque se sabe
que los romanos desarrollaron la pintura sobre tabla, los restos pictóricos conocidos más importantes son de
tipo mural, protegidos con una capa de cera que avivaba los colores.
En el Egipto romano se descubrió una excelente colección de retratos sobre tabla, realizados para ser
colocados sobre las momias. Entre los más famosos cuadros murales de este arte greco-romano se
encuentran:
 el de las bodas aldobrandinas (Museo Vaticano)
 el de Paris juzgando a las tres Diosas
 el de Io libertada por Hermes
 el de Ceres en su trono (de Pompeya, hoy en el Museo de Nápoles)
Romanizada la pintura griega, tomó un carácter propio. Se distingue por la delicadeza, gracia y fantasía del
dibujo, sobre todo, en vegetales estilizados, por la viveza del colorido por el realismo y la voluptuosidad en las
figuras y por cierto contraste de colores y luces tal que aproxima el estilo al de la escuela impresionista
moderna. Todo ello, aunque no sale del género decorativo, refleja el espíritu de una sociedad ruidosa,
elegante, frívola y grande.
Pintura paleocristiana y bizantina:
Las muestras de pintura paleocristiana datan de los siglos III y IV y son los frescos de las tumbas, en los que
se representan escenas del Nuevo Testamento, cuya característica son ciertas estilizaciones y
convencionalismos artísticos procedentes del mundo clásico. Esta pintura no tiene la calidad realista de la
pintura romana. Los trazos son rápidos, no muy precisos. Se observa en ella la influencia griega en el trazo de
los pliegues de la ropa y la influencia oriental en el uso constante del simbolismo, pero lo que importa es la
transmisión de la idea, del mensaje religioso.
Entre las obras más extraordinarias de este periodo paleocristiano se encuentran los mosaicos, del siglo VI,
de las iglesias de Rávena, Italia, destacando los de San Vitale en los que están representados temas tanto
espirituales como profanos. Las figuras estilizadas y alargadas que decoran las paredes de la iglesia, vistas
casi de frente, miran al espectador con los ojos muy abiertos y parecen flotar.
Esta presentación poco terrenal pasó a ser característica del arte bizantino el cual perduró del año 330 al
1453. El estilo bizantino aparece también en los iconos, pinturas convencionales sobre tabla, destinadas al
culto, que representan a Jesucristo, la Virgen y los santos.
Pintura prehispánica en América:
Expresan la visión de la creación del universo según los antiguos mesoamericanos que poblaron esa zona
situada en el norte y el centro de América, entre los siglos II antes de Cristo y VII después de Cristo
 La descripción del viaje que emprende el alma a través de lo que en conceptos cristianos se llamaría cielo e
infierno refleja la inquietud respecto a la trascendencia del ser humano que no se conforma con su existencia
terrenal. Murales del el agua, la sangre, la vida, la serenidad, están reflejadas en los frescos dedicados a
Tláloc, deidad de la lluvia, y al paraíso que ofrece cada vez que se prodiga.
Además de las escenas de la vida y la historia prehispánicas plasmadas en libros pintados, sobresalen las
pinturas murales de Cacaxtla, en Tlaxcala, y de Bonampak, en Yucatán (México). En ellas quedaron
plasmadas escenas bélicas y ceremoniales donde resalta el dramatismo del dolor y el orgullo del triunfo. El
uso de los colores y del detalle, en los innumerables giros y atributos de las vestimentas de los personajes
que lucen exuberantes peinados, armamentos, joyería, calzados, máscaras, sientan las bases de un pilar
fundamental de la plástica americana. Es importante destacar el hecho de que pasarían unos siglos hasta que
las culturas de América tuvieran contacto con las europeas y, por tanto, se desarrollaron sin ninguna
influencia extracontinental.
Pintura Medieval:
A pesar de que pueden rastrearse algunos vagos recuerdos o elementos de continuidad de la pintura
medieval con el arte clásico grecorromano, lo que predomina es una radical discontinuidad entre ambos,
destacando la personalidad propia del periodo.
Esta es básicamente una pintura religiosa salvo excepciones, que se hacen más numerosas al final de
la Edad Media. La representación de paisaje suele limitarse al fondo de las composiciones, que en muchas
ocasiones se limita a un color plano o se llena con figuras de forma casi obsesiva que se juntan en el primer
plano, se superponen en horizontal o incluso en vertical, sin buscar efectos de profundidad. No se utiliza la
perspectiva geométrica hasta los periodos finales; y la perspectiva aérea está del todo ausente. Suele usarse
la perspectiva jerárquica (representación a un mayor tamaño de la figura más importante, sin consideración de
su ubicación en el espacio). Es muy importante la utilización de simbolismos y un
complejo lenguaje iconológico.
Pintura Gótica:
La pintura en esta época era de temas seglares realizados en aquel periodo, sobre todo en Italia. En el
Palazzo Pubblico de Siena, Ambrogio Lorenzetti pintó unos frescos, entre 1338 y 1339, que representan la
vida ciudadana y campesina del siglo XIV, y en la sala del consejo del ayuntamiento, se conserva un retrato
ecuestre, pintado por Simone Martini, en el que aparece un héroe militar local, con su campamento como
telón de fondo.
La pintura gótica, implica un gran cambio respecto a la pintura románica, debido a la progresiva reducción de
los muros y su sustitución por vidrieras, lo que supone la búsqueda de otros soportes, desarrollándose la
pintura sobre la tabla.
Aunque en pintura gótica es más difícil hablar de características generales, se pueden destacar las siguientes:
-         Las técnicas empleadas son variadas según los soportes: temple y óleo, en pintura sobre tabla,  y el
fresco en las pinturas murales.
-         Importancia del modelado, desde tonos planos al juego de contraluces
-         La luz contribuye a destacar el volumen, pero en general no es una luz real y puede tener contenido
simbólico
-         El interés por la perspectiva también evoluciona, aparece la preocupación por el espacio pictórico a
partir del siglo XIV, con los pintores italianos y el gótico internacional
-         Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un naturalismo idealizado individual  y
expresivo, al igual que en la escultura.
-         La temática religiosa, y en menor escala también la profana.
La evolución de la pintura gótica se realiza en cuatro etapas que reflejan la evolución y la personalidad de los
artistas:
 Estilo franco gótico (mediados del siglo XII hasta mediados del siglo XIV)
 Estilo italo-gótico (segunda mitad del siglo XIV) destacan: La escuela de Siena y La escuela de
Florencia.
 El estilo internacional (finales del siglo XIV y primera mitad del siglo XV)
 La escuela de los Primitivos Flamencos (siglo XV y principios del siglo XVI)
Estilo Gótico Internacional
La fusión de las tradiciones artísticas del norte de Europa y de Italia que tuvieron lugar a principios del siglo
XV, se conoce como estilo gótico internacional. Entre las muchas características que definen la pintura de
este estilo, se encuentra el detalle realista, que denota una perspicaz observación de los seres humanos y de
la naturaleza, por parte del pintor.
CECI:
Pintura Renacentista:
El término renacimiento describe la revolución cultural de los siglos XV y XVI originada en Italia por el
despertar del interés hacia la cultura clásica y por una fuerte confianza en el individualismo. Se seguía
rindiendo culto a los logros de la antigüedad, pero al mismo tiempo se producía una reactivación intelectual y
cultural.
Las iglesias y edificios seglares de Italia y los museos de todo el mundo ofrecen una gran recopilación de la
pintura renacentista italiana.
El desarrollo de los principios de la perspectiva lineal, llevado a cabo por varios arquitectos y escultores a
principios del siglo XV, permitió a los pintores conseguir, por medio de la representación bidimensional, la
ilusión del espacio tridimensional. Muchos de los artistas se valieron del empleo dramático de la perspectiva y
del escorzo en su dibujo para producir la ilusión de la prolongación de un objeto o figura en el espacio. La
exploración de la anatomía condujo a un mayor entendimiento de la representación de la forma humana.
También se empezaba a utilizar la pintura al óleo, desafiando a la antigua supremacía del temple y del fresco.
Los pintores que explotaban el potencial de la nueva técnica trabajaban superponiendo estratos de veladuras
de óleo transparentes y los lienzos sustituyeron a las antiguas tablas. Algo más tarde, otros artistas,
destacaron por los tonos cálidos de sus óleos.
Alto Renacimiento:
Los maestros del alto renacimiento fueron Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel y Tiziano. Da Vinci
Realizaba continuos experimentos con pigmentos oleosos sobre yeso seco, y a ello se debe el deterioro de
los murales que han llegado hasta nuestros días "como es el caso de La última cena. Rafael perfeccionó los
anteriores descubrimientos renacentistas enmateria de color y de composición, creando tipos ideales en sus
representaciones de la Virgen y del Niño y en sus estudios de retratos de sus coetáneos. Un estilo de pintura
colorista alcanzó su clímax en Venecia con las obras de Tiziano, cuyos retratos denotan un
profundo conocimiento de la naturaleza humana. Entre sus obras maestras se incluyen también
representaciones de temas cristianos y mitológicos, así como numerosos desnudos femeninos, famosos en su
género.
Estudio yo esta parte
Pintura Renacentista del Norte de Europa:
La influencia del renacimiento italiano alcanzó el norte de Europa a principios del siglo XV, pero esta
renovación de la actividad artística y cultural no se basaba en la antigüa edad clásica, sino que estaba más
bien marcada por un gran interés hacia los seres humanos y su entorno y a la meticulosa representación
pictórica de los detalles naturales. Hablando en general, el interés por el arte antiguo y el conocimiento de la
perspectiva lineal no se desarrollaron en el norte hasta el siglo XVI e, incluso entonces, no todos los artistas
sacaban provecho de los descubrimientos hechos en Italia.
Pintura Barroca:
El arte barroco del siglo XVII se caracteriza por su aspecto dinámico, en contraste con el estilo clásico,
relativamente estático, del renacimiento. Esta tendencia se distingue por las líneas compositivas diagonales,
que proporcionan el sentido del movimiento, y por el empleo de un marcado claroscuro. Con ambas técnicas
se consiguió un estilo dramático, grandioso, apropiado al espíritu fundamental de la contrarreforma. Muchos
pintores de principios del siglo XVII empezaron también a desviarse de la artificialidad del manierismo en un
intento por volver a un reflejo más exacto del mundo natural.
El arte barroco se caracteriza por el gran drama, los colores ricos e intensos, y fuertes luces y sombras. En
oposición al arte renacentista, el arte barroco pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila
racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento.La pintura barroca a menudo dramatiza las
escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro.
Pintura Rococó:
El rococó es un estilo más ligero y festivo, muy adecuado para la decoración de las residencias parisinas.
Eran muy populares las escenas mitológicas y pastorales, en las que aparecían mujeres en papel de madre y
de ama de casa. Como parangón a la tradición rococó del continente, se encuentran las obras de tres
destacados artistas ingleses del siglo XVIII. William Hogarth era conocido por sus cuadros y grabados de tono
moralizante, en los que ironizaban los disturbios sociales de su época. Thomas Gainsborough y Sir Joshua
 Reynolds, siguiendo la tradición establecida por van Dyck, se centraron en retratar a la aristocracia inglesa. El
vigor y la gracia de estos retratos, y su penetrante interpretación psicológica, los elevan del simple retrato
social a un incomparable registro de las modas y costumbres de las clases adineradas de la época.
Pintura Neoclásica:
En la segunda mitad del siglo XVIII la pintura experimentó una revolución, cuando el neoclasicismo vino a
sustituir al exuberante estilo rococó. Este resurgimiento clásico en las artes se debió a diferentes
acontecimientos. En primer lugar, a mediados del siglo XVIII, se iniciaron muchas excavaciones arqueológicas
en Italia y en Grecia y se publicaron libros con dibujos de antiguas construcciones que los arquitectos ingleses
y franceses copiaron. En segundo lugar, en 1755, el historiador del arte alemán Johann Joachim
Winckelmann publicó su ensayo pensamientos sobre la imitación de las obras griegas en la pintura y la
escultura, ensalzando la escultura griega. Fue Jacques-Louis David el principal defensor del neoclasicismo. El
estaba imbuido de las influencias clásicas recibidas durante su estancia en Roma, y con anterioridad, de las
obras del clasicista francés del siglo XVII, Poussin. El sobrio estilo de David armonizaba con los ideales de la
Revolución Francesa. David no sólo utilizaba la historia antigua y el mito clásico como fuentes para sus temas,
sino que basaba la forma de sus figuras en la escultura antigua. Su gran sucesor fue Jean Auguste Dominique
Ingres, a quien se llegó a identificar con la tradición académica en Francia por la fría serenidad de sus líneas y
tonos, y por su esmerado interés por el detalle, como en su sorprendente retrato de La condesa de
Haussonville (1845, colección Frick, Nueva York). David ejerció su influencia sobre muchos otros pintores,
entre los que se encontraban varias mujeres que destacaban como seguidoras suyas. La pintura neoclásica
participa del resto de características del Neoclasicismo. Se trata de volver a los ideales clásicos tras los
excesos del barroco y del rococó.
El problema principal que se planteaba a los pintores neoclásicos, a diferencia de lo que ocurría con los
arquitectos o escultores de este estilo, era la escasez de las pinturas clásicas. Se tomaron modelos de la
antigüedad adaptándolos a las necesidades de renovación política, social, ética y cultural de la época. En
consonancia con el racionalismo del momento, el predominio del dibujo es patente, mientras que la
importancia del color queda relegada. A ello también contribuye la escasez de pintura clásica, por lo que los
pintores han de basarse en la escultura griega y romana. El resultado es que las obras resultan, además de
sobrias, algo fríos.
Sin duda el máximo auge de la pintura neoclásica se produce durante la Revolución Francesa y su máximo
exponente será el pintor francés Jacques-Louis David. Francia se convierte así en el centro artístico de esta
época.
Pintura Romántica:
Sucediendo muy de cerca al neoclasicismo, el movimiento romántico introdujo el gusto por lo medieval y lo
misterioso, así como el amor por lo pintoresco y lo sublime de la naturaleza. Se dio rienda suelta a la
imaginación individual y a la expresión de la emoción y del estado de ánimo, desbancando al enfoque
intelectual razonado de los neoclasicistas. En general, los pintores románticos preferían las técnicas coloristas
y pictoricistas al estilo neoclásico, lineal y frío.
En el siglo XIX se producen dos movimientos opuestos en la pintura:
 Pintura neoclásica: se basa en la razón.
 Pintura romántica: se basa en los sentimientos.
Los primeros años del siglo XIX estuvieron dominados por el neoclasicismo. El cambio se produjo cuando
los filósofos alemanes, empezaron a hablar de lo subjetivo y del sentimiento.
No hay una filosofía del romanticismo definida, ni tampoco cronología exacta. Es una consecuencia de una
nueva sensibilidad y una nueva forma de ver la sociedad donde se aspira a nuevas formas de expresión y ya
se han liberado las estructuras sociales en la que ese nuevo hombre que surge se asienta.
Por tanto, el arte romántico surge a consecuencia del giro y del cambio. Nace como un arte revolucionario,
que aspira a conseguir cambios sociales, culturales, políticos, etc.
Los pintores del Romanticismo más importantes son Teodoro Gericault y Delacroix
Realismo:
Hacia mediados del siglo XIX, el pintor francés Gustave Courbet rechazaba tanto el neoclasicismo como el
romanticismo y proclamaba un movimiento individual llamado realismo. No le interesaba la pintura histórica, ni
los retratos de los gobernantes, ni los temas exóticos, pues creía que el artista debía ser realista y pintar los
acontecimientos cotidianos de la gente común. El entorno elegido para muchos de sus lienzos fue Ornan, su
villa natal en el levante francés; allí retrató a obreros construyendo una carretera, a ciudadanos asistiendo a
un funeral, o a hombres sentados alrededor de la mesa escuchando música y fumando. Aunque no existía
ningún movimiento artístico realista formal, la obra de algunos pintores del siglo XIX presenta tendencias que
pudieran ser identificadas como tales. Honoré Daumier, pintó pequeños lienzos realistas sobre la vida en las
calles de París.
La pintura realista no introdujo grandes novedades en técnicas. Se revalorizaron los grandes maestros
naturalistas del Barroco, especialmente los españoles e italianos. Su mayor innovación fue en los temas: el
mundo del trabajo de los obreros y campesinos. La aparición de la fotografía en 1839 influyó poderosamente
en el arte, haciendo ver de otra manera la realidad.
Desarrollo del Impresionismo:
Al volver sus ojos hacia los temas cotidianos, los artistas de mediados del siglo XIX sentaron un precedente
para la siguiente generación de la vanguardia francesa. Edouard Manet fue el principal innovador de la
década de 1860 y su estilo fue precursor del impresionismo. Al igual que Courbet, Manet encontró muchos de
sus temas en la vida que le rodeaba (los parisinos solazándose en restaurantes, en parques, o paseando en
barco). Estas y otras innovaciones, como su pincelada libre e imprecisa y sus amplios parches de color
superpuestos sin transición, hacen que se considere a Manet el primer pintor moderno.
Movimientos Post-Impresionistas
En la década de 1880, y durante un breve periodo, Pissarro se desvió hacia una nueva técnica, una
ramificación del impresionismo desarrollada por Georges Seurat y conocida como puntillismo. Seurat y sus
seguidores neoimpresionistas transformaron la pincelada suelta, típica del impresionismo, en puntitos de
pigmento puro, superponiendo sobre el lienzo zonas diminutas de colores complementarios. Las obras
tempranas de tres importantes artistas de finales del siglo XIX, Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Henri
Toulouse-Lautrec, denotaban la influencia del impresionismo, pero acabaron por desarrollar estilos
postimpresionistas claramente definidos. Tanto van Gogh como Pissarro hicieron breves experimentos con la
división del color. Sin embargo, en el estilo desarrollado por van Gogh era típico el empleo del color puro,
aplicado muy denso en pinceladas vacilantes que dotaban a la obra de intensa expresión emocional. Muchos
de sus lienzos, en especial los de cipreses azotados por el viento y los de campos de trigo bajo cielos
tormentosos, expresan su propio estado de ánimo, tal como lo reflejan las fuerzas de la naturaleza. El estilo
de van Gogh ejerció gran influencia sobre los pintores del norte de Europa que, a principios del siglo XX,
desarrollaron el expresionismo.
La obra de su colega Gauguin refleja también distorsiones de línea y de color pero difiere de la suya en que
es más simbólica que expresionista. Las zonas de colores mates fuertes forman motivos decorativos, con los
contornos muy marcados. Gauguin fue la figura central de un nuevo movimiento conocido como sintetismo o
simbolismo, activo durante la década de 1890, cuyos inmediatos seguidores formaban el grupo de los Nabis.
Otro camino tomó Toulouse-Lautrec, pintor de personas, que elegía a sus modelos entre las cantantes y
bailarinas de cabaret y las prostitutas; estas figuras eran la expresión de la decadencia social del París de los
llamados "Alegres Noventa".
Fauvismo
A principios de siglo, los artistas, tanto franceses como alemanes, mostraron su interés por el arte de
las sociedades no-occidentales. Después de investigar las llamadas tradiciones artísticas primitivas en
Bretaña, Gauguin trasladó su búsqueda a los mares del sur. Su modelo de color decorativo y
sus teorías influyeron sobre un grupo posterior de pintores, conocidos como los "fauves" (fieras), a la cabeza
de los cuales estaba Henri Matisse. La utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo el desinterés
por el acabado y sus colores chillones le trajo el desprecio de la crítica cuando expuso sus paisajes, pintados
en Colliure, en el Salón de Otoño de 1906. Allí también se expuso el Retrato de la Sra. Matissede Matisse,
que fue interpretado como una caricatura de la feminidad y como una excentricidad. El repudio de la crítica
convirtió a los fovistas en el grupo más avanzado de París en ese entonces.
Aunque concebían la actividad artística como un impulso vital, el punto de partida fue la resolución
de problemas puramente plásticos, como el uso del color en una función plástica y constructiva al mismo
tiempo. Para los fauvistas el cuadro debía ser expresión, no composición y orden.
ANTO
Expresionismo
La obra de los artistas más preocupados por plasmar sentimientos y respuestas subjetivos, por medio de la
distorsión de la línea y del color, que por representar fielmente la realidad externa, se fundió en un movimiento
conocido como expresionismo. Fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que
tuvo plasmación en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza,
fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la
aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros
exponentes de las llamadas "vanguardias históricas".
Suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y
el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la
realidad. Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la
amargura que invadió a los círculos artísticos eintelectuales de la Alemania prebélica, así como de la
Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939).
Cubismo
El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza,
la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la
naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que
serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde
diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno.
Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en
las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que
se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca
cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada. Los principales temas serán los retratos y
las naturalezas muertas urbanas.
Cubismo AnalíticoCaracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas
ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más
difícil comprensión.
Cubismo SintéticoAl Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de
la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se
resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más significativas de la
figura que serán vistas por todos sus lados.
Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de elementos de la vida
cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El primero en practicarlo fue Braque. El collage nos ayuda a
recuperar el referente concreto, a partir de aquí ya no interesa el análisis minucioso, sino la imagen global.
Pintura Abstracta:
El arte abstracto, que abarca varios estilos bien definidos, empezó a desarrollarse en Alemania, Estados
Unidos, Rusia y los Países Bajos durante la segunda década del siglo XX. Sus pinturas de cuadrículas,
poniendo de relieve la bidimensionalidad del plano pictórico, y sus teorías estéticas fueron la base del
desarrollo de la abstracción geométrica en Estados Unidos en la década de 1930. En esta última tendencia
destaca en América Latina el italo-brasileño Alfredo Volpi, cuyo trabajo desemboca en
una geometría sensible, con trazos menos exactos y más imaginativos. Se enfatiza los aspectos cromáticos,
formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o
formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y
tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto
usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir
con independencia de referencias visuales del mundo real.
Dadaísmo:
Surgió en Europa y en Norteamérica. Fue una oposición al pasado violento de la Primera Guerra Mundial. Se
distingue por: la inclinación hacia lo dudoso, terrorismo, muerte y nihilismo, lo fantasioso, busca renovar la
expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no
mezclables y tiene una tónica general de rebeldía o destrucción.
Caracterizado por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las
convenciones con respecto al arte, creando un anti-arte. Sus orígenes se localizan cuando una serie de
artistas de distintas nacionalidades se encontraron como refugiados en Zúrich durante la Primera Guerra
Mundial. Se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de
la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo
universal en general.
Surrealismo
En 1924 André Bretón presentó un manifiesto dando el nombre de surrealismo al movimiento que proclamaba
la superioridad del inconsciente y el papel de los sueños en la creación artística. Los surrealistas más
importantes fueron Ernst, Salvador Dalí, Joan Miró, René Magritte, Jean Arp y André Masson. En América
Latina destaca el chileno Roberto Matta, que combina el surrealismo con la abstracción.
Por otra parte, se podría incluir a la mexicana Frida Kahlo dentro de una corriente surrealista influida por el
arte popular.
A partir de la II Guerra Mundial, los artistas de todo el mundo han desempeñado un importantísimo papel en la
creación de nuevos estilos o en el desarrollo de los ya existentes. Entre ellos se encuentran el expresionismo
abstracto, el Op Art y el Pop Art, el foto realismo y el minimalismo.
El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas épocas.
Pablo Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925. Se consideran surrealistas las obras del período
Dinard (1928-1930), en que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras
medio máquinas medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces terrorífico.
Expresionismo Abstracto:
La presencia en Estados Unidos de muchos surrealistas europeos refugiados, fue sin duda el "empujón" en la
creación del expresionismo abstracto, movimiento centrado en Nueva York entre las décadas de 1940 y 1950.
La técnica pictórica implicaba gotear colores sobre lienzos de gran formato para crear al azar motivos
enérgicos. Otras técnicas expresionistas abstractas implicaban, aplicar sobre el lienzo grandes extensiones de
color sutilmente modulado.
Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración. No obstante, hay excepciones y
algunos emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles. Las telas presentan un aspecto
geométrico que las hace diferentes de movimientos precedentes, como el surrealismo.
Una de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la
pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie
del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.
El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios: magenta, amarillo y
cian. Los pintores expresionistas que redujeron la obra a prácticamente un solo color estaban ya anticipando
el arte minimal.
Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la
angustia y el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas
obras.
Op Art y Pop Art
En la década de 1960 se iniciaron nuevos estilos y movimientos. Algunos pintores siguieron en la senda de la
abstracción, como muestra el Op Art. Este se basa en producir ilusiones ópticas generalmente abstractas, el
Pop Art es figurativo, como se aprecia en las divertidas obras de su creador, el artista inglés Richard Hamilton.
Los artistas Pop tomaban susimágenes de los anuncios, de las películas, de las tiras cómicas y de los objetos
cotidianos.
El Arte Pop fue un movimiento artístico surgido a mediados de los años 1950 en el Reino unido y finales de
los años 1950 en los Estados Unidos. El arte pop desafió la tradición afirmando que el empleo de imágenes
de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación es contiguo con la perspectiva de las Bellas
artes dado que el Pop remueve el material de su contexto y aísla al objeto o lo combina con otros elementos
para su contemplación. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo
conducen.
La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas
conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión.
Nuevo Realismo:
Las irónicas imágenes del Pop Art ayudaron a despejar el camino para un renacimiento de la pintura realista.
El realismo es un estilo continuo, pero muy individualista, en el arte de América. Los realistas que se
destacaron en las décadas de 1970 y 1980 fueron aquellos que habían asumido algunos de los conceptos
estéticos del arte abstracto. La foto realismo se basaba en la fotografía para conseguir una variedad de
pintura realista impersonal, con detalles precisos.
Nuevas Tendencias Abstractas:
Después de la intensa subjetividad del expresionismo abstracto, la pintura abstracta se inclinó hacia una
pureza formal más rigurosa e impersonal. La culminación de esta tendencia fue el minimalismo, en el cual la
pintura se reducía a simples formas geométricas, motivos rítmicos o colores lisos. Fue un movimiento
relacionado con el anterior, que evolucionó hacia composiciones abstractas más complejas y dinámicas.
Bajo la influencia de la máxima de Duchamp, según la cual la pintura debía estar "al servicio de la mente", el
arte conceptual solía consistir en una sola palabra o en una afirmación teórica.
La Pintura Europea de la Posguerra:
En Inglaterra las agónicas figuras de Francis Bacon y los cuadros urbanos, llenos de lirismo, de David
Hockney dan fe de la vitalidad de la pintura figurativa inglesa. En América Latina, el dibujante, pintor, moralista
y escultor colombiano Fernando Botero empieza e exponer desde principios de la década de 1950.
La factura ingeniosa de sus personajes obesos deja ver la influencia de los pintores italianos del quattrocento.
Neo-expresionismo
En la década de 1980 varios artistas jóvenes, europeos y americanos, se rebelaron contra la pureza
formalista, impersonal y austera, de gran parte del arte abstracto. El resultado fue un resurgimiento de la
pintura figurativa y narrativa llamado neo-expresionismo. Muchos de los seguidores de este movimiento
evitaron la representación realista, empleando en su lugar pinceladas toscas y colores fuertes para plasmar
sus visiones subjetivas, por lo general ambiguas y enigmáticas.
Algunos de los exponentes más importantes de este movimiento son: Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Markus
Lüpertz, Karl Horst Hödicke, Jörg Immendorff, Dieter Krieg, Sigmar Polke, Antonius Höckelmann, Volker
Tannert, A. R. Penck y Peter Brötzmann, si bien este último más reconocido en el ámbito de su carrera
musical, su trabajo como artista plástico lo destaca en el nacimiento del movimiento Fluxus, en estrecha
relación con Nam June Paik, Joshep Beuys. Estos grupos destacan por su agresividad temática y cromática,
con colores fluorescentes y temáticos frecuentemente sexual.
Entre los artistas norteamericanos destacan Basquiat y Haring, que combinaban la agresividad con el humor y
la ironía. Utilizaban generalmente colores básicos muy saturados, formando manchas planas o, en el caso de
Haring, líneas y contornos muy definidos.
Aunque fue un movimiento de corta duración, éste gozó de una gran popularidad en su momento, en parte
gracias a la fuerte promoción que recibió por parte de gente importante dentro del medio artístico de la época.

Leer más: http://www.monografias.com/trabajos76/historia-pintura/historia-pintura2.shtml#ixzz56egVrd4m

«A veces las palabras no son suficientes para expresar todos los matices de nuestras
sensaciones más intensas». Así se presenta el curso de 'Potenciación de la creatividad' que
se llevará a cabo en la casa de cultura de Eibar.
Un taller para adultos dirigido por la pintora Maite Arriaga. «Está pensado sobre todo para
personas en riesgo de exclusión social que se decidan a pasar por un programa de
enriquecimiento personal».
Un programa que busca mostrar a los participantes la manera de expresar los sentimientos de
un modo diferente. «La pintura nos sirve como una vía de expresión diferente a la verbal».
En definitiva, se busca que los asistentes al curso «puedan expresarse a través de la pintura,
tengan o no tengan conocimientos sobre este arte», recalca la profesora del programa.
«Se trata de entrar en el inconsciente que llevamos dentro. A partir de ahí desarrollar las
imágenes y las formas que vamos viendo». Un proceso para el que no es necesario estar
iniciado ya que Maite Arriaga guiará a los asistentes en todo momento.
Las clases cuentan con una estructura, «en la primera clase habrá una presentación de cada
alumno y conoceremos los motivos que les han movido para apuntarse al taller», explica la
pintora. Pero al ser un curso eminentemente prácticos «empezarán a trabajar enseguida. Se
empieza a pintar prácticamente desde el primer día de clase».
Además de dibujar, en el curso también se analizarán los trabajos que se van creando y su
significado. «Cuando van saliendo las imágenes se va guiando al alumno y se va
desarrollando una historia para dar forma a lo que estamos viendo».
Objetivos
Esta potenciación de la creatividad se presenta como un proyecto psicoeducativo. Como
explica Maite Arriaga, con dos objetivos iniciales: «uno, desarrollar la expresión creadora a
través de la pintura y otro alimentar el desarrollo integral del individuo».
Para la artista es fundamental mantener « el respeto y mucho silencio. Cada uno tiene que
estar bien concentrado en lo que está haciendo, sentirlo, vivirlo y verlo. Esto es, ver qué es lo
que está saliendo y descubrir la capacidad creativa que tiene cada persona que acude al
taller».
El curso comienza el próximo cuatro de octubre y tendrá un plazo de duración de tres meses.
Se impartirá todos los lunes y miércoles, de 9.30 a 11.30 horas en la casa de cultura de
Portalea.

Pintura
Para otros usos de este término, véase Pintura (desambiguación).

La creación de Adán, por Miguel Ángel. Detalle de uno de los frescos de la Capilla Sixtina en el Palacio
Apostólico de la Ciudad del Vaticano.

La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentosmezclados con otras

sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas.
En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de
composición pictórica, y el dibujo.
La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada —una hoja
de papel, un lienzo, un muro, una madera, un fragmento de tejido, etc.—
una técnica determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujos,
etc. dando lugar a una obra de arte según algunos principios estéticos.
El arquitecto y teórico del clasicismo André Félibien, en el siglo XVII, en un prólogo de
las Conferencias de la Academia francesa hizo una jerarquía de géneros de la pintura clásica:
«la historia, el retrato, el paisaje, los mares, las flores y los frutos».
La pintura es una de las expresiones artísticas más antiguas y una de las siete Bellas Artes.
En estética o teoría del arte, la pintura está considerada como una categoría universal que
comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre superficies. Una categoría aplicable a
cualquier técnica o tipo de soporte físico o material, incluyendo los soportes o las técnicas
efímeras así como los soportes o las técnicas digitales.
 Índice
  [ocultar] 

 1Definición
 2Historia de la pintura
 3Géneros pictóricos
o 3.1Pintura histórica
o 3.2Retrato
o 3.3Pintura de género
o 3.4Paisaje
o 3.5Naturaleza muerta
o 3.6Desnudo
 4Técnicas
o 4.1Óleo
o 4.2Cera
o 4.3Acuarela
o 4.4Témpera
o 4.5Acrílico
o 4.6Pastel
o 4.7Temple
o 4.8Tinta
o 4.9Fresco
o 4.10Grisalla
o 4.11Puntillismo
o 4.12Dripping
o 4.13Grafiti
o 4.14Técnicas mixtas
 5Materiales
o 5.1Soportes
 5.1.1Tabla de madera
 5.1.2Lienzo
 5.1.3Cobre
 5.1.4Vidrio
 5.1.5Papel
o 5.2Pinceles
o 5.3Fondos
o 5.4Pigmentos
 6Véase también
 7Referencias
 8Bibliografía
 9Enlaces externos

Definición[editar]
El arte de la pintura por Johannes Vermeer (1665)Kunsthistorisches Museum de Viena.

Una pintura es el soporte pintado sobre un muro, un lienzo, o una lámina. La

palabra pintura se aplica también al color preparado para pintar, asociado o no a una técnica
de pintura; en este sentido es empleado en la clasificación de la pintura atendiendo a las
técnicas de pintar, por ejemplo: «pintura al fresco» o «pintura al óleo».
La clasificación de la pintura puede atender a criterios temáticos (como la «pintura histórica» o
la «pintura de género») o a criterios históricos basados en los periodos de la Historia del
Arte (como la «pintura prehistórica», la «pintura gótica») y en general de cualquier período de
la historia de la pintura.
Las pinturas son obras de arte, atendiendo a su sentido estético Ernst Gombrich dice que:1
No hay nada de malo en que nos deleitemos con la pintura de unpaisaje porque nos recuerda
nuestra casa o en un retrato porque nos recuerda un amigo, ya que como hombres que somos, cuando
miramos una obra de arte estamos sometidos al recuerdo de una multitud de cosas que para bien o
para mal influyen sobre nuestros gustos.
Gombrich, Historia del arte (2002)

Y parafraseando a Arnold Hauser:

Las interpretamos (las pinturas) de acuerdo con nuestras propias finalidades y aspiraciones, les
trasladamos un sentido, cuyo origen está en nuestras formas de vida y hábitos mentales.
Ernst Bloch en El espíritu de la utopía (1918), defiende el arte no figurativo, relacionándolo con
una concepción utópica del hombre, como un destino no revelado pero presente de forma
inconsciente en lo más profundo del ser humano.2
Si la tarea de la pintura fuera ponernos ante los ojos del aire y la preciosa vastedad del espacio y de
todo lo demás, más valdría ir a disfrutar directa y gratuitamente de todo aquello.
Ernst Bloch, El espíritu de la utopía (1918)
Erwin Panofsky y otros historiadores del arte, analizan el contenido de las pinturas mediante
la iconografía (forma) y laiconología (su contenido), primero se trata de comprender lo que
representa, luego su significado para el espectador y, a continuación, analizan su significado
cultural, religioso y social más ampliamente.

Historia de la pintura[editar]
Artículo principal: Historia de la pintura

Réplica de unas pinturas de lacueva de Chauvet del períodoAuriñaciense.

La historia de la pintura comprende desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea, e

incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios, que
coincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural.
El llamado arte parietal de pintura mural en cuevas, se concentra fundamentalmente en
algunas regiones pirenaicas pertenecientes a Francia y España y en la costa mediterránea en
el arte levantino, y en otras muestras inferiores que se encuentran en Portugal, Norte de
África, Italia y Europa oriental. Las pinturas rupestres más antiguas conocidas se encuentran
en la Cueva de Chauvet, en Francia, fechadas por algunos historiadores en unos 32.000 años,
de los períodos entre elAuriñaciense y el Gravetiense. Fueron realizadas
con ocre de arcilla, rojo de óxido de hierro y negro de dióxido de manganeso. También
destacan las cuevas deLascaux y Altamira. Se encuentran dibujados rinocerontes, leones,
búfalos, mamuts, caballos o seres humanos a menudo en actitud de caza. 3
Las imágenes que se observan en papiros o las paredes de las tumbas egipcias, desde hace
unos 5.000 años, son escenas de la vida cotidiana y mitológicas, simbolizadas con los rasgos
característicos de perfil y utilizando el tamaño de las figuras como rango social. En la Antigua
Roma era normal decorar los muros de las casas y palacios principales y entre las mejor
conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano. En la época paleocristiana se
decoraron las catacumbascon escenas del Nuevo Testamento y con la representación
de Jesús como el «Buen Pastor». Eran figuras estáticas con grandes ojos que parecían mirar
al espectador. Este estilo continuó en la escuela bizantina de Constantinopla. La pintura
románica se desarrolla entre los siglos XII y XIII, siendo las zonas más interesantes las del Sur
de Francia y las de Cataluña, la mayoría de las veces eran temas religiosos realizados para
los ábsides y muros de las iglesias con representaciones delPantocrátor, la Virgen María y la
vida de santos. En pintura gótica además de los temas religiosos se representan temas laicos
principalmente en Francia e Italia, donde destacó la figura el pintor Giotto.4
La Gioconda pintura delrenacimiento por Leonardo da Vinci.

En el renacimiento tuvo la pintura una gran influencia clásica, se desarrolló laperspectiva lineal

y el conocimiento de la anatomía humana para su aplicación en la pintura, también en esta
época apareció la técnica del óleo. Fue una época de grandes pintores entre los que
destacaron Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael Sanzio y Tiziano. En la obra de La
Gioconda descollan las nuevas técnicas empleadas por Leonardo, el sfumato y el claroscuro.
Miguel Ángel realizó una de las más grandes obras pictóricas: los frescos de la Capilla Sixtina.
Los artistas que más emplearon temas simbólicos fueron los del Norte de
Europa encabezados por los hermanos Jan van Eyck y Hubert van Eyck.
En Alemania sobresalió el pintor yhumanista Durero.4

Hipnotizador (1912), de Bohumil Kubišta (Ostrava). Pintura del expresionismo con mezcla del cubismo.

La Iglesia de la Contrarreforma busca el arte religioso auténtico con el que quiere contrarrestar

la amenaza del protestantismo, y para esta empresa las convenciones artificiales de
los manieristas, que habían dominado el arte durante casi un siglo, ya no parecían adecuadas.
Las dos características más importantes del manierismo eran el rechazo de las normas y la
libertad en la composición, en los colores y en las formas, la novedad de loscaravaggistas era
un naturalismo radical que combinaba la observación física detallada con una aproximación,
incluso teatral y dramática mediante el claroscuro, el uso de luz y
sombra. Caravaggio y Annibale Carracci son dos pintores coetáneos, considerados decisivos
en la conformación pictórica del barroco. La pintura barroca se caracteriza por el dinamismo
de sus composiciones; se distinguieron entre otrosVelázquez, Rubens y Rembrandt. En la
primera mitad del siglo XVIII se impuso elrococó, más alegre y festivo que el barroco. Tuvo
especial importancia en Francia y Alemania.
El romanticismo de principios del siglo XIX expresaba estados de ánimos y sentimientos
intensos. En Francia el pintor más importante fue Delacroix; en el Reino
Unido, Constable y Turner; en los Estados Unidos, Thomas Cole; y en España,Francisco de
Goya. Con la invención de la fotografía a mediados del siglo XIX, la pintura empezó a perder
su objetivo histórico de proporcionar una imagen realista; el impresionismo, con Manet como
precursor, es un estilo de pinceladas sueltas y yuxtaposición de colores que busca reconstruir
un instante percibido, una impresión, sin interesarse por los detalles concretos. 5
El inicio del siglo XX se caracteriza por la diversidad de corrientes pictóricas: el Fovismo, que
rechaza los colores tradicionales y se acerca a colores violentos; el Expresionismo, que
mostraba más los sentimientos que la reproducción fiel de la realidad;
el Cubismo con Georges Braque y Picasso, con la descomposición de las imágenes
tridimensionales a puntos de vista bidimensionales; y la pintura abstracta, heredera del
cubismo. El expresionismo abstracto se desarrolló enNueva York entre los años 1940-1950,
el Pop art llegó un poco después, con un conocido exponente en Andy Warhol.
Elminimalismo se caracteriza por la búsqueda de la máxima expresión con los mínimos
recursos estéticos. El siglo XXI demuestra una idea de pluralismo y las obras se siguen
realizando en una amplia variedad de estilos y gran estética.4

Géneros pictóricos[editar]
Artículo principal: Jerarquía de géneros

Entierro del Conde de Orgaz (1586-1588), de El Greco.Se puede considerar dentro del género de
pintura histórica: describe una leyendalocal según la cual elconde fue enterrado por sant Esteban y san
Agustín. En la parte inferior, se describe un enterramiento con la pompa del siglo XVI; en la parte
superior, está representada la Gloria y la llegada del alma del conde.

Retrato de El doctor Paul Gachet(1890) por Van Gogh.

Pintura de género: Boda campesina(1568) por Pieter Brueghel el Viejo.

Paisaje tipo vedutismo de la Iglesia de Santa Lucía des del Gran Canal(siglo XVIII) por Francesco

Guardi.
Canasta de fruta (c. 1599) naturaleza muerta por Caravaggio.

Los géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la presentación
artística a través de la historia de la pintura, que ha afectado también la técnica, las
dimensiones, al estilo y a la expresión de las obras de arte. Los autores como Platón (427-347
a. C.), Aristóteles (384-322 aC) y Horacio (65-8 aC) afirmaron que el arte es siempre
una mímesis y que su mérito está en el valor didáctico de lo que representa y su buena
representación, sin establecer diferencias entre el retrato imaginado o real. Vitruvio en la
segunda parte del siglo I, describió la decoración de comedores donde se veían imágenes con
comida y de otras salas con paisajes o escenas mitológicas. 6
En el renacimiento, Leon Battista Alberti quiso elevar el grado de «artesano de la pintura» al
de «artista liberal» afirmando: «El trabajo más importante del pintor es lahistoria», con la
palabra historia se refería a la pintura narrativa, con escenas religiosas o épicas « ... la que
retrata los grandes hechos de los grandes hombres dignos de recordarse difiere de la que
describe las costumbres de los ciudadanos particulares, de la que pinta la vida de los
campesinos. La primera tiene carácter majestuoso, debe reservarse para edificios públicos y
residencias de los grandes, mientras que la otra será adecuada para jardines ...» 7
La aparición de la pintura al óleo en el siglo XVI y el coleccionismo, hizo que, aunque no se
perdiera la monumentalidad para murales narrativos, surgieran las pinturas más comerciales y
en otros formatos más manejables, así comenzaron a clasificarse los géneros pictóricos y su
especialización por parte de los artistas. En la Italia central se continuó haciendo pintura
histórica, los pintores de la parte norte de la península itálica realizaban retratos y los de
los Países Bajos realizaron lapintura de género a pequeña escala presentando la vida
campesina, el paisaje y lanaturaleza muerta. En 1667, André Félibien historiógrafo, arquitecto
y teórico delclasicismo francés, en un prólogo de las Conferencias de la Academia hace
unajerarquía de géneros de la pintura clásica: «la historia, el retrato, el paisaje, los mares, las
flores y los frutos».8
Pintura histórica[editar]
La pintura histórica era considerada grande genre e incluía las pinturas con temas religiosos,
mitológicos, históricos, literarios o alegóricos, era prácticamente una interpretación de la vida y
mostraba un mensaje intelectual o moral. Sir Joshua Reynolds, en sus Discursos sobre arte
expuestos en la Royal Academy of Arts entre 1769 y 1790 comentaba: «El gran fin del arte es
despertar la imaginación ... De acuerdo en correspondencia con la costumbre, yo llamo esta
parte del arte Pintura Histórica, pero debería decirse Poética .(...) Debe algunas veces
desviarse de lo vulgar y de la estricta verdad histórica a la búsqueda de grandeza para su
obra ». Aunque Nicolás Poussin fue el primer pintor que realizó este género en formato más
reducido, esta innovación tuvo poco éxito, Diego Velázquez en 1656 realizó Las Meninas con
un tamaño que demuestra simbólicamente que este retrato de la familia real entra dentro del
género de la pintura histórica, mucho más tarde Pablo Picasso en su obra Guernica de 1937,
también emplea una gran dimensión para esta pintura histórica. 9
Retrato[editar]
Dentro de la jerarquía de géneros, el retrato tiene una ubicación ambigua e intermedia, por un
lado, representa a una persona hecha a semejanza de Dios, pero por otro lado, al fin y al
cabo, se trata de glorificar la vanidad de una persona. Históricamente, se ha representado los
ricos y poderosos. Pero con el tiempo, se difundió, entre la clase media, el encargo de retratos
de sus familias. Aún hoy, persiste la pintura de retrato como encargo de gobiernos,
corporaciones, asociaciones o particulares. Cuando el artista se retrata a sí mismo se trata de
unautorretrato. Rembrant exploró en este sentido con sus más de sesenta autorretratos. El
artista en general intenta un retrato representativo, como afirmóEdward Burne-Jones: «La
única expresión que se puede permitir en la gran retratística es la expresión del carácter y la
calidad moral, nada temporal, efímero o accidental.» 10 En la técnica del óleo fue Jan van
Eyck uno de los primeros que lo impuso en los retratos, su Matrimonio Arnolfini fue un ejemplo
de retrato de pareja en cuerpo completo. Durante el renacimiento, representaron el estatus y
éxito personal del retratado, sobresalieron Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Durero.11 En
España descollaron Zurbarán, Velázquez y Francisco de Goya. Los impresionistas franceses
también practicaron este género, Degas, Monet, Renoir,Vincent van Gogh, Cézanne etc. En el
siglo XX, Matisse, Gustav Klimt, Picasso,Modigliani, Max Beckmann, Umberto
Boccioni, Lucian Freud, Francis Bacon o Andy Warhol.12
Pintura de género[editar]
La pintura de género o «escena de género» es el retrato de los hábitos de las personas
privadas en escenas cotidianas y contemporáneas del pintor, también se suele llamar «pintura
costumbrista». Los primeros cuadros más populares se dieron en los Países Bajos durante el
siglo XVI y entre los artistas más destacados se encuentran Pieter Brueghel el
Viejo y Vermeer. No se sabe con seguridad si se trata de simple representación de la realidad
con un propósito de mera distracción, a veces cómico, o bien se buscaba una finalidad
moralizante a través de los ejemplos cercanos al espectador. No hay duda de que, en el
cuadro de género del siglo XVIII, sí estaba presente la intención satírica o moralizante en
obras como las de William Hogarth o Jean-Baptiste Greuze. En España, Diego Velázquez lo
cultivó con su Vieja friendo huevos o El aguador de Sevilla, Francisco de Goyareflejó, en
varias obras de cartones para tapices, las fiestas populares, Bartolomé Esteban Murillo hizo
escenas de género de mendigos y jóvenes picarescos. En Francia, Jean-Honoré
Fragonard y Antoine Watteau hicieron un tipo de pinturas idealizadas de la vida diaria. 13
Paisaje[editar]
En China y Japón son los países donde, desde el siglo V, se encuentran pinturas con el tema
del paisaje. En Europa, aunque aparecen elementos de paisaje como fondo de escenas
narrativas, o tratados de botánica y farmacia, se inicia verdaderamente en el siglo XVI, cuando
con la aparición del coleccionismo se empezó a pedir temas de cuadros campestres y a
designar como especialistas a los pintores del norte de Europa. Así de una manera específica
se impuso el tema del «paisaje holandés», que se caracteriza por su horizonte bajo y los
cielos cargados de nubes y con motivos típicos holandeses como los molinos de viento,
ganados y barcas de pesca. Los paisajes venecianos de Giorgione y sus discípulos son con
una apariencia lírica y un bello tratamiento cromático, este tipo de pintura se desarrolló sobre
todo a lo largo de todo el siglo XVIII, en un estilo llamado vedutismo, que son vistas
generalmente urbanas, en perspectiva, llegando a veces a un estilo cartográfico, donde se
reproducen imágenes panorámicas de la ciudad, describiendo con minuciosidad los canales,
monumentos y lugares más típicos de Venecia, solos o con la presencia de la figura humana,
generalmente de pequeño tamaño y en grandes grupos de gente. Sus mayores exponentes
fueron Canaletto, Bernardo Bellotto, Luca Carlevarijs y Francesco Guardi. En la escuela de
Barbizon fueron los primeros en pintar al aire libre y hacer un estudio sobre el paisaje a base
de la luz y sus variantes que influyeron especialmente en la pintura impresionista.14
Naturaleza muerta[editar]
Es el género más representativo de la imitación de la naturaleza de objetos inanimados, en
general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida, utensilios de cocina, de mesa, libros,
joyas etc. y se puede decir, que es el menos literario de todos los temas. Su origen está en la
antigüedad donde se utilizaba para la decoración de grandes salones, como
losfrescos romanos en Pompeya. Plinio el Viejo relata que los artistas griegos de siglos antes,
eran muy diestros en el retrato y la naturaleza muerta. Fue muy popular en el arte occidental
desde el siglo XVI, un ejemplo es La carnicería de Joachim Beuckelaer. En el mismo
siglo Annibale Carracci y Caravaggio representaron magníficas naturalezas muertas. Durante
el siglo XVII evolucionó en los Países Bajos un tipo de bodegón, llamado «vanitas», donde se
exponían instrumentos musicales, vidrio, plata y vajilla, así como joyas y símbolos como libros,
cráneos o relojes de arena, que servían de mensaje moralizante de lo efímero de los placeres
de los sentidos. La Academia francesa lo catalogó en el último lugar de la jerarquía pictórica.
Con la llegada del impresionismo y junto con la técnica del color, la naturaleza muerta volvió a
ser un tema normal entre los pintores, las pinturas de los Girasoles de Van Gogh son de los
más conocidos. Los artistas durante elcubismo pintaron también composiciones de
bodegones, entre ellos Pablo Picasso, Georges Braque, Maria Blanchard yJuan Gris.15
Desnudo[editar]

El Juicio de Paris (1904) de Enrique Simonet.

El desnudo es un género artístico que consiste en la representación del cuerpo

humano desnudo. Es considerado una de las clasificaciones académicas de las obras de arte.
Aunque se suele asociar al erotismo, el desnudo puede tener diversas interpretaciones y
significados, desde la mitologíahasta la religión, pasando por el estudio anatómico, o bien
como representación de la belleza e ideal estético de perfección, como en la Antigua Grecia.
El estudio y representación artística del cuerpo humano ha sido una constante en toda la
historia del arte, desde la prehistoria(Venus de Willendorf) hasta nuestros días. Una de las
culturas donde más proliferó la representación artística del desnudo fue la Antigua Grecia,
donde era concebido como un ideal de perfección y belleza absoluta, concepto que ha
perdurado en el arte clasicista llegando hasta nuestros días, y condicionando en buena
medida la percepción de la sociedad occidental hacia el desnudo y el arte en general. En
la Edad Media su representación se circunscribió a temas religiosos, siempre basados en
pasajes bíblicos que así lo justificasen. En el Renacimiento, la nueva cultura humanista, de
signo másantropocéntrico, propició el retorno del desnudo al arte, generalmente basado en
temas mitológicos o históricos, perdurando igualmente los religiosos. Fue en el siglo XIX,
especialmente con el impresionismo, cuando el desnudo empezó a perder su carácter
iconográfico y a ser representado simplemente por sus cualidades estéticas, el desnudo como
imagen sensual y plenamente autorreferencial.16

Técnicas[editar]
Artículo principal: Técnicas de pintura

Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos en el

soporte a pintar. En general, y en las técnicas a continuación expuestas, si los pigmentos no
son solubles al aglutinante permanecen dispersos en él.17
Óleo[editar]

Paleta de pintor, pinceles y tubos de pintura al óleo.

El dos de mayo de Francisco de Goya.

El vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y el disolvente es

la trementina. La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco,
mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. Estos aceites se secan más
lentamente que otros, no por evaporación sino por oxidación. Se forman capas de pigmento
que se incrustan en la base y que, si se controla cuidadosamente los tiempos de secado, se
fijarán correctamente en las siguientes capas de pigmento. Este proceso de oxidación confiere
riqueza y profundidad a los colores del pigmento seco, y el artista puede variar las
proporciones de aceite y disolventes, como la trementina, para que la superficie pintada
muestre toda una gama de calidades, opaca o transparente, mate o brillante. Por esta y por
otras razones, el aceite puede considerarse como el medio más flexible. Usado de una
manera conveniente, la pintura al óleo cambia muy poco de color durante el secado aunque, a
largo plazo, tiende a amarillear ligeramente. Su capacidad de soportar capas sucesivas,
permite al artista desarrollar un concepto pictórico por etapas - Degas llamaba este
proceso bien amenée(bien llevado)- y la lentitud de secado le permite retirar pintura y repasar
zonas enteras. Las fotografías con rayos X demuestran que incluso los grandes maestros
introducían a menudo cambios durante el proceso de realización de un cuadro. 18
Cera[editar]
El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes. La encáustica, que deriva del
griego enkaustikos ('grabar a fuego'), es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso
de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene efectos muy cubrientes y es
densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con una espátula caliente. La
terminación es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una capa de cera caliente
previamente extendida (que en este caso ya no actúa como aglutinante sino como protección).
Esta operación se llama «encaustización» y está perfectamente descrita por Vitruvio (c. 70-25
aC), que dice así: «Hay que extender una capa de cera caliente sobre la pintura y a
continuación hay que pulir con unos trapos de lino bien secos.»19

Caja de acuarelas.

Thomas Girtin, Abadía Jedburghdesde el río, acuarela sobre papel, 1798-99

Acuarela[editar]
La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores
utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el
fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos
aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas
transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está
realizando. Requiere del artista la seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución, ya
que su mayor mérito consiste en el frescor y la transparencia de los colores. Sin embargo
existe la acuarela hiper realista que va en contra de este postulado y que utiliza barnices para
no remover las primeras capas y dar sucesivas veladuras con lo que se consigue un
claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez de la acuarela clásica. 20
Témpera[editar]
La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela, pero tiene una «carga»
de talco industrial o blanco de zinc. Este añadido adicional al pigmento le aporta a la témpera
el carácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela, permitiéndole aplicar
tonalidades claras sobre una oscura, procedimiento que en la acuarela «clásica» se considera
incorrecto. Es a su vez un medio muy eficaz para complementar dibujos y hacer efectos de
trazo seco o de empaste. Igual que la acuarela su aglutinante es la goma arábiga, aunque
muchas témperas modernas contienen plástico. Con esta técnica François Boucher logró
grandes obras maestras, los artistas del siglo XVIII emplearon la acuarela y el gouache juntos
para dar distinción a una zona concreta de la pintura hecha con acuarela . Según el
pintor Paul Signac: «... determinados rosas violáceos de los cielos de Turner, ciertos verdes
de las acuarelas de Johan Jongkind no se habrían podido conseguir sin un poco de
gouache.»21
Acrílico[editar]
La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están
contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente). Aunque son
solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Se destaca especialmente por la
rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo.
La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue desarrollada paralelamente
en Alemania y Estados Unidos. El pintor Jackson Pollock utilizó las pinturas acrílicas tal como
salen de los tubos para conseguir texturas nuevas y espesas mientras que Morris Louis las
diluía con gran cantidad de agua para pintar grandes telas que quedaban con un efecto de
teñido más que de pintura.22
Pastel[editar]

Caja de barritas de pastel.

El barreño, Degas, pintura al pastel.

La técnica de la pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de colores cuyos

pigmentos en polvo están mezclados con la suficiente goma o resina para que queden
aglutinados y formen una pasta seca y compacta. La palabra pastel deriva de la pasta que así
se forma; es pasta modela en la forma de una barrita del grueso aproximado de un dedo que
se usa directamente (sin necesidad de pinceles ni espátulas, ni de disolvente alguno) sobre la
superficie a trabajar, como soporte es común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje
de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente
versátil para que se pueda usar sobre otras superficies como madera. Son colores fuertes y
opacos, la mayor dificultad es la adhesión del pigmento a la superficie a pintar, por lo que se
suele usar alfinalizar el dibujo fijadores atomizados (spray) especiales. El pastel generalmente
se usa como el «crayón» o el lápiz, su recurso expresivo más afín es la línea con la cual se
puede formar tramas, también suele usarse el polvo, que tiende a soltar la barra del pastel,
para aplicar el color. Muchos artistas han empleado esta técnica desde el siglo XVI, Leonardo
da Vinci, fue uno de los primeros en utilizarlo en Italia en el dibujo de Isabel de Este. Otros
artistas son Hans Holbein el Joven, Correggio, Fragonard o Degas.23
Temple[editar]
La pintura al temple tiene como aglutinante una emulsión de agua, clara y yema de
huevo y aceite. Conviene primero hacer la mezcla del huevo con el aceite hasta lograr una
mezcla homogénea, después gradualmente agregar el agua hasta crear la emulsión
o médium de la técnica al temple. La proporción es de un huevo entero, más una parte igual
de aceite, más una, dos o tres partes de agua, dependiendo de la fluidez que se quiera
alcanzar. También se puede agregar un poco de barniz «dammar» que reemplaza la parte
de aceite de linaza, con este procedimiento se logra mayor firmeza o agarre y un secado más
rápido, sin embargo el acabado es más impermeable a las nuevas veladuras. En lugar del
agua se puede emplear leche desnatada, látex de higuera o cera siempre con agua. Giorgio
Vasari también empleó en su descripción la palabra temple para la composición de aceite con
barniz. Grandes obras maestras como por ejemplo El nacimiento de Venus de Sandro
Botticelli están realizadas con esta técnica.24 Según explica D.V. Thompson:
Una pintura al huevo bien hecha está entre las formas de pintura más duraderas que ha inventado el
hombre. Bajo la suciedad y los barnices, muchas obras medievales al temple de huevo están tan frescas
y brillantes como cuando se pintaron. Normalmente las pinturas al temple han cambiado menos en
quinientos años que cuadros al óleo en treinta.
D.V. Thompson, The Materials and Tecniques of Medieval Painting (1956) Nova York.

Tinta[editar]

Pincel, barra de tinta y tintero.

Tinta sobre papel, siglo XIV, Japón.

La presentación de la tinta, también llamada tinta china, es generalmente líquida aunque

también puede ser una barra muy sólida que se debe moler y diluir para su uso. Se usa sobre
papel y los colores de tinta más utilizados son el negro y el sepia, aunque actualmente se
usan muchos otros. La tinta se aplica de varias maneras, por ejemplo con pluma o plumín, que
son más adecuados para dibujo o caligrafía y no para pinturas, las diferentes puntas de
plumilla se utilizan cargadas de tinta para hacer líneas y con ellas dibujar o escribir. Otro
recurso para aplicar la tinta es el pincel, que se utiliza básicamente como la acuarela y que se
llamaaguada, pero la técnica milenaria llamada caligrafía o escritura japonesa también está
hecha con tinta y pincel sobre papel. Otras formas más utilitarias de usar la tinta es el
tiralíneas (cargador de tinta) o rapidograph. La tinta junto con el grafitoson más bien técnicas
de dibujo.
Fresco[editar]
A menudo el término fresco se usa incorrectamente para describir muchas formas de pintura
mural. El verdadero fresco es a las técnicas pictóricas modernas lo que el latín es a los
idiomas modernos. La técnica del fresco se basa en un cambio químico. Los pigmentos de
tierra molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa reciente
de cal yarena, mientras la cal está aún en forma de hidróxido de calcio. Debido al dióxido de
carbono de la atmósfera, la cal se transforma en carbonato de calcio, de manera que el
pigmento cristaliza en el seno de la pared. Los procedentes para pintar al fresco son sencillos
pero laboriosos y consumen mucho tiempo. Esta técnica de pintura suele ser estable y de
larga duración, aunque se puede dañar por causas físicas, químicas o bacteriológicas, la más
frecuente es la humedad que consigue la alteración de los colores ante la disolución del
carbonato de calcio y el desarrollo del moho.25
Véase también: Fresco

Grisalla[editar]

Pigmento de óxido de hierro.

Mural en la catedral de Vich deJosep Maria Sert.

Es una técnica pictórica basada en una pintura monocroma en claroscuro: «luz y sombra»
como la llamó Giorgio Vasari, el color está hecho de una mezcla de óxidos de hierro y de
cobre y de un fundente, que produce la sensación de ser un relieve escultórico. En el siglo XIV
se utilizó para esbozos prepatorios de los escultores para conseguir el efecto de relieve
mediante diversas gradaciones de un solo color. Bajo el reinado de Carlos V de Francia, el
uso de la grisalla fue sobre todo en la miniatura, en losvitrales y en la pintura. Su utilización
será una de las características de la pintura flamenca: en el dorso de los retablos se solía
representar una Anunciación en grisalla (Políptico de Gante, Jan Van Eyck, para la catedral de
San Bavón en Gante). Josep Maria Sert enfatiza aún más por su evolución cromática, que
termina apoyándose en un predominio de la monocromía dorada. Empleaba una gama
cromática limitada: oros, ocres, tierras tostadas, con toques de carmín, utilizando como fondo
una rica preparación en metal, plata ypan de oro.26
Puntillismo[editar]
El puntillismo es la técnica que surgió en el neoimpresionismo por el estudio practicado
principalmente por el pintorGeorges Seurat, que consiste en colocar puntos pequeños
esféricos de colores puros, en lugar de la técnica de pinceladas sobre el soporte para pintar.
Al haber relaciones físicas entre los colores, la interacción entre los primarios y
complementarios, consiguen con la posición de unos junto a otros la mezcla óptica, a partir de
una cierta distancia del cuadro, que es capaz de producir el efecto de la unión entre ellos. 27
Dripping[editar]
El dripping es una pintura automática, que según los surrealistas se consigue con ella una
pintura casual, hecha con gotas y salpicaduras de pintura, es la técnica pictórica característica
de la «action painting» estadounidense (pintura de acción). La pintura se realiza por el artista
caminando sobre la superficie a pintar con grandes brochas o con el mismo bote de pintura,
dejando caer el goteo del color, normalmente esmalte, que es el que forma las manchas sobre
el soporte.
Grafiti[editar]

Pintura envasada en spray.

Grafiti en una calle de Barcelona.

Se realiza con una pintura envasada en aerosoles que se utiliza pulsando el botón superior
por lo que sale en una aspersión muy fina y permite pintar grandes superficies, normalmente
los muros de las calles, a la pintura conseguida de esta manera se le denominagrafiti. A
finales del año 1970 se empezaron a ver muchas de estas obras urbanas firmadas y cada vez
más elaboradas, incluso se fabrican pintura en aerosol exclusivamente para estos artistas, a
veces se utilizan plantillas para recortar la superficie que se quiere pintar, así como también
hay otras plantillas para letras en el mercado, aunque lo más corriente es que los propios
artistas se hagan las suyas.
Técnicas mixtas[editar]
A veces se emplean diversas técnicas en un mismo soporte. El collage por ejemplo, que es
una técnica artística ( no pictórica por no ser pintada) se convierte en una técnica mixta
cuando tiene alguna intervención con guache, óleo , tinta o cualquier otra pintura. 28
Finalmente, sería conveniente distinguir entre «procedimiento pictórico» y «técnica pictórica».
Se entiende por procedimiento pictórico la unión de los elementos que constituyen el
aglutinante o adhesivo, y los pigmentos. La forma de aplicar este procedimiento pictórico se
denomina técnica pictórica.29

Materiales[editar]

Pintura con cera o encàustica sobre tabla en Fayum.

Existe información sobre los materiales empleados por los artistas en documentos escritos,
notas dirigidas a otros artistas y otra fuente es el examen técnico y científico de las obras de
arte. Estos exámenes sirven también para reforzar las pruebas documentales. Como es
natural los materiales empleados a partir del siglo XX son mucho más numerosos y
exhaustivos.30
Soportes[editar]
El soporte cumple la función de ser el portador del fondo y de las capas de pintura. Los
soportes son muy variados, los más tradicionales son el papel, el cartón, lamadera, el lienzo y
los muros, a los que se puede añadir el metal, el vidrio, elplástico o el cuero entre otros. Todos
necesitan de una imprimación especial según el procedimiento pictórico que se quiera
seguir.31
Tabla de madera[editar]
Artículo principal: Tabla (pintura)

La tabla de madera ha sido de los soportes más utilizados desde siempre, los artistas egipcios
ya pintaban sobre la madera de los sarcófagos y especialmente en la Edad Media,
los retablos o los frontales de altar. Su imprimación es suficiente con una capa de cola o en
caso de tener que dorar con pan de oro, hay que hacer otra preparación de
colas, yeso y arcilla previas, y también fue el principal soporte para la pintura de caballete
europea hasta el siglo XV.32 La madera maciza empleada antiguamente se había de cubrir con
tiras de tela de lino encoladas para disimular las juntas, también a veces se cubría
completamente con la tela, así se evitaban posibles grietas posteriores. Así lo explica Cennino
en su obra Il Libro dell'Artedel año 1390.33 Se utilizan también el contrachapado y
el conglomerado, tableros prefabricados que ofrecen la característica de tener las superficies
lisas y sin uniones, se encuentra el llamado táblex que además de ligero, tiene dos caras una
lisa y otra rugosa, se suele utilizar por la parte rugosa ya que la lisa necesita una preparación
para que la pintura se adhiera a ella correctamente. 34
Lienzo[editar]
Artículo principal: Lienzo

Vista posterior de un bastidor en construcción, soporte de madera sobre el cual tensar el lienzo.

Plinio el Viejo narró que el emperador Nerón encargó un retrato suyo sobre una tela de 36,5

metros de largo. Heraclio en su manuscrito De Coloribus te Artibus Romanorum del siglo X,
describía cómo se preparaba un lienzo de lino para poder pintarlo y dorarlo, tensando la tela y
preparándola con cola de pergamino. La pintura sobre tela fue utilizada sobre todo en el norte
de Europa y después en Italiapor su gran ligereza, a partir del siglo XVIII se hizo corriente su
utilización en bastidor fijo y desde el siglo XIX se comercializó en serie.32
Los lienzos más usados son los provenientes de fibras vegetales como : el cáñamo, el lino,
el yute con tramado fino o el algodón, todos se presentan con grano fino o grueso según el
resultado que quiera el artista de su trabajo, también hay soportes realizados con tejido
de poliéster. Estos lienzos se pueden adquirir a metros y montarlos sobre marco el propio
pintor o utilizar los que hay en el mercado de diferentes tipos y formatos. Existe
una numeración internacional para las medidas de largo y ancho de cada bastidor, además
tres formatos diferentes para cada número que corresponde a: «figura», «paisaje» y «marina»,
el tamaño de un lado es siempre el mismo y el otro va disminuyendo, por ejemplo el «40
figura» mide 100 × 81 cm, el «40 paisaje» mide 100 × 73 cm y el «40 marina» mide 100 ×
64 cm. Naturalmente no hay que seguir esta regla, cada autor puede realizar su obra
libremente en la medida que más desee.35 La mayoría de lienzos del mercado están
preparados con aceite de linaza y tapaporos y también existen preparaciones a base de
emulsiones aptos para el óleo o el acrílico, así se simplifica la preparación
de imprimaciones para diferentes tipos de pintura y se obtiene siempre el mismo resultado. 36

Vidrio pintado greco-romano del siglo II.

Cobre[editar]
No es un soporte muy común, pero fue usado principalmente durante el siglo XVI en láminas
muy delgadas y por pintores del norte de Europa, como el artista alemánAdam Elsheimer. El
tamaño normalmente pequeño de estas planchas hace pensar que los artistas que las
emplearon, las habían reciclado de antiguos grabados.32
Vidrio[editar]
Artículo principal: Vidrio

Otro soporte para pintar es el vidrio, realizado en objetos (jarras, vasos) con esmalte que una
vez decorados en frío, debe ser sometido, para su fijación al soporte, al calor del horno con
una temperatura inferior a la fusión del vidrio.37 Fue el soporte para vidrieras de catedrales
desde el siglo XII, donde se colocaban cristales de colores y la pintura sobre el mismo vidrio
por medio de la grisalla, así se conseguía por un lado, cambiar el color del cristal de fondo y
por otro, hacer los trazos de las figuras representadas, especialmente los rostros. 38
Papel[editar]
Artículo principal: Papel
Dibujo sobre papel de arroz chino (1729).

Se han datado hallazgos de papel procedentes de China cerca del 200 a. C. Se da como

inventor del papel al chino Cai Lun (50 a. C.-121), eunuco imperial, que mejoró la fórmula del
papel, convirtiéndolo en una alternativa al papiro y alpergamino, los soportes tradicionales
para la escritura, gracias al añadido de almidón que protegía las fibras vegetales. El soporte
del papel es utilizado en diversas técnicas pictóricas, las más corrientes son la acuarela, el
gouache, el pastel y la tinta china negra o en colores. Hay gran variedad de texturas, pesos y
colores, y su elección depende del estilo del artista. Existen tres tipos estándares:

 Papel prensado en caliente: tiene una superficie dura y lisa, muchos artistas
consideran una superficie demasiado resbaladiza para la acuarela.
 Papel prensado en frío: es texturado, semiáspero, adecuado para lavados amplios y
lisos.
 Papel áspero: con una superficie granulada, cuando se aplica un lavado se obtiene un
efecto moteado por las cavidades del papel.
El peso del papel es la segunda consideración para su elección, ya que un papel más pesado
tiene menos tendencia a ondularse. Para evitar que el papel se ondula hay tensarlo. El
gramaje apropiado para la acuarela es entre 120 g/m² subasta 850 g/m².
Pinceles[editar]
Los pinceles, son un instrumento clásico y efectivo que el pintor emplea en su trabajo. Los
pinceles pueden variar en tamaño, anchura, y calidad. Los materiales de los componentes de
los pinceles y brochas pueden ser orgánicos o sintéticos.
Pinceles diversos.

El pincel consta de tres partes: el pelo, la férula o virola y el mango. Se distinguen por el pelo y
su forma, los planos y los de «lengua de gato» suelen ser de pelo duro y los redondos de pelo
fino. Los pinceles los escogen los artistas según el trabajo a realizar y su forma de tratar la
pintura. Para preparar grandes superficies utilizan las brochas grandes, el interior de las
cuales está vacío para recoger una mayor cantidad de pintura, otras brochas más pequeñas
ya no tienen el vacío central. Las cerdas de los pinceles suelen ser naturales provenientes de
diferentes animales (caballo, marta, cerdo etc.) o de crines artificiales. Los pinceles, requieren
ser tratadas con cuidado para así prolongar su vida útil; esto incluye su limpieza continua. Una
forma eficaz de mantener las cerdas de los pinceles en buen estado, es quitar el excedente de
pintura, limpiarlos con disolvente y lavarlos con jabón, secar la humedad con una franela y
guardarlos horizontalmente o con las cerdas hacia arriba. Se utiliza también como medio para
imprimir la pintura rodillos de diferentes tamaños y materiales, como los de lana, goma-
espuma ofibras, esponjas naturales o artificiales y los cuchillos paleta y
las espátulas metálicas de hoja flexible en formas diversas sirven para unir diferentes colores
y también para pintar con ellas.39
Fondos[editar]

Interior con una mujer bebiendo en compañía de dos hombres por Pieter de Hooch. A través de la
transparencia de la falda de la mujer de la derecha y de la capa del hombre, a medida que pason los
años se aprecia las baldosas pintadas anterioremente como fondo de la pintura.

En la diversidad de soportes, se acostumbra a modificar antes de comenzar la pintura en

ellos, con un tratamiento de imprimación el fondo, que alcanza una superficie pintada con el
color y la textura deseada por el artista. Solían hacerse por medio orgánico como el aceite o la
cola, mezclado con el color blanco o coloreado, estos medios adhesivos han sido las colas de
animales y de pescado, los secantes y las emulsiones de huevo, aceite o resina , el color
sólido solía ser la cal, la piedra pómez y la tierra ocre. Esto definía también el efecto visual de
la obra finalizada. Este color en el fondo del soporte, consigue en un blanco reflejar la luz a
través de las capas de pintura y si es un color oscuro tiende a rebajar el tono de la pintura. 40
Según Giorgio Vasari explica en su tratado Sobre la técnica en el prólogo técnico deLas
Vidas (1550), los fondos oleosos tienen la ventaja de conservar su flexibilidad en los lienzos
de grandes dimensiones y que se puedan enrollar para trasladarlos, aunque necesitan de un
tiempo mayor para su secado. Durante los siglos XVII y XVIII se utilizaron mucho los fondos
pintados con tonos de tierra rojizas, lo que permitía dejar algunos espacios sin poner pintura y
el cuadro ganaba en uniformidad tonal. Desde el siglo XIX los fondos comerciales han sido
preparados industrialmente con blanco de plomo y secante. 41
Pigmentos[editar]
Los pigmentos se dividen en inorgánicos como los derivados de minerales, las tierras, sales u
óxidos con los que se consiguen los colores de tierras ocres y sienas, y
los orgánicos derivados devegetales o animales como los conseguidos por cocción de
semillas o calcinación y los obtenidos por vía sintética comoanilinas también de compuesto
orgánico. Los orgánicos suelen ser menos estables que los inorgánicos. El pigmento junto con
el aglutinante forma la pintura. El aglutinante es el que permite alcanzar la fluidez en el
pigmento y conseguir la adhesión de la pintura en la superficie, puede ser acuoso o graso. El
disolvente tiene la misión de diluir o disolver y su tipo depende de la clase del aglutinante
empleado. Así el aguarrás diluye el aceite y disuelve la resina, y el agua disuelve la goma y
una vez disuelta, también puede diluirla más.42
Según el índice de opacidad de la pintura utilizada, a medida que pasan los años, puede
captar mejor el fondo de una pintura y los «arrepentimientos» del artista durante su ejecución.
En pinturas realizadas anteriormente al siglo XVIII se pueden observar las partículas del
pigmento mediante un microscopio, cuanto más grueso era el grano del pigmento más baja
calidad tenía la pintura. Durante el siglo XIX se sintetizaron materias colorantes que se usaban
como pigmentos, el azul cobalto, el amarillo zinc y el óxido de cromo entre otros. El número de
pigmentos ha ido creciendo hasta la actualidad en que existe una gran variedad y todos de
excelente calidad

EL RASGADO:
El rasgado de papel además de producir destrezas permite que el niño obtenga sentido de las formas y
conocimientos del material, lo cual le permitirá más tarde trabajar con otros materiales.
Cuando el niño practica el rasgado, debe iniciarse en formas libres que después identificará como formas
sugerentes, a medida que domine el rasgado podrá manifestarse creando formas figurativas geométricas.
Las diferentes formas las puede rasgar de revistas y periódicos, como formas en la naturaleza, árboles,
nubes, etc.
Actividad Nro. 1: (Para el primer nivel)
Rasgar tiras de papel rectas, onduladas, en formas de flecos, organizarlas y pegarlas sobre un soporte.
Actividad Nro. 2: (Para el Segundo y Tercer Nivel)
Formar figuras geométricas con tiras de papel rasgadas, rasgar figuras impresas de revistas, rasgar formas
geométricas enteras de revistas o periódicos, rasgar formas que representen frutas u objetos conocidos,
hacer rasgado de formas simétricas, hacer una composición de rasgado. La composición se puede completar
con creyones de cera o marcadores.
EL RECORTADO:
Esta técnica la debe iniciar el niño cuando haya alcanzado cierto grado de madurez motriz y tenga establecido
la coordinación visual-motora.
Actividad Nro. 1: (Para el Segundo y Tercer Nivel)
Recortar tiras de papel rectas y onduladas, formar figuras geométricas con las mismas.
Recortar figuras geométricas enteras de revistas, recortar figuras impresas, recortar formas naturales tomadas
de revistas, componer y descomponer una figura, hacer una composición combinando formas naturales
tomadas de revistas. Estas actividades se pueden completar con creyones de cera o marcadores.
LA PINTURA DACTILAR:
El niño quiere expresarse y uno de los medios empleados por él, es la pintura, en esta actividad el niño da
riendas sueltas a su creatividad. Para la realización de la pintura dactilar es recomendable que el niño use
toda la mano y la realización de diversos movimientos, mediante el uso de la pintura dactilar se logran muchas
formas y líneas.
Actividad Nro. 1: (Para el Primer Nivel)
Estampar toda la mano del niño mojada en tempera en hojas de papel.
Estampar las huellas digitales, estampar el dedo meñique, estampar rodando el pulgar, estampar el puño,
estampar el lado de la mano.
Hacer un dibujo dactilar en una hoja blanca, como árboles, animales, pintar el arco iris.
Actividad Nro. 2: (Para el Segundo y Tercer Nivel.)
Hacer una composición dactilar.
NOCIONES DE COLORES: (Para el Segundo y Tercer Nivel)
Reconocer los colores primarios en formas geométricas, mezclar para hacer colores. Ejemplo: Producir
el color naranja, mezclando amarillo y rojo. Producir el color violeta, mezclando el azul con el rojo. Producir el
color verde, mezclando amarillo y azul. Producir el color marrón, mezclando rojo con negro.
Reconocer el blanco, el negro para producir los colores claros se le agrega el color oscuro.
SECUENCIA DE TRAZADOS: (Para el Primer Nivel)
Actividad Nro. 1:
Trazar líneas de izquierda a derecha con el dedo índice, utilizando tempera llenar toda la hoja. Trazar líneas
de derecha a izquierda utilizando creyones de cera. Trazar líneas de arriba hacia abajo utilizando creyones de
cera. Trazar líneas de abajo a arriba utilizando témpera y dedo. Trazar líneas de arriba debajo de izquierda a
derecha, una sobre la otra con creyones de cera, témpera y dedo, utilizar una hoja para cada trazo.
PINTAR ESCURRIENDO: (Para el Segundo y Tercer Nivel)
Para esta técnica se prepara pintura clara y ligera con témpera y agua, luego en una hoja de papel hasta
conseguir una forma, se pueden utilizar varios colores.
PINTAR SOPLANDO: (Para el Segundo y Tercer Nivel)
Las artes plásticas le permiten al niño expresarse por medio de éstas técnicas, el niño crea, inventa o imagina
y estas son actividades que debemos delegar en forma permanente.
Para pintar soplando: se prepara un pintura clara (témpera y agua), se hecha esta pintura en una hoja, luego
con un pitillo soplas hasta regar toda la pintura para conseguir formas.
IMPRIMIR CON CUERDAS: (Para el Segundo y Tercer Nivel)
Procedimiento: doblas una hoja por la mitad, colocas sobre una mitad tres cuerdas mojadas en témpera en
diferentes colores. Las cuerdas deben tener 30 cm. cada una. Con la otra mitad de la hoja imprimes
suavemente, abres la hoja y retiras las cuerdas.
IMPRIMIR SOBRE VIDRIO: (Para el Segundo y Tercer Nivel)
Procedimiento: en una superficie de vidrio dejas caer unas cuantas gotas de témpera de varios colores, luego
colocas una hoja sobre el vidrio, imprimes pasando la mano suavemente, retire la hoja del vidrio y veras que
forma quedo impresa en el papel.
IMPRIMIR CON VARIOS OBJETOS: (Para el Segundo y Tercer Nivel)
Con esta técnica se utilizan gran variedad de objetos, aquí tenemos unas cuantas sugerencias utilizables para
imprimir: carretes de hilos, tapas de envases de diferentes tamaños, pinzas de ropa, cartón corrugado, peine,
cepillo, paletas de helado, hojas de plantas. Para imprimir con el pitillo se recortan las partes de pitillo en
forma de brocha formando dos muy fijas, estas se introducen en la témpera luego se imprime en el papel.
Actividad Nro. 1:
Imprimir todos los objetos en una hoja y realizar una composición con los mismos.
Actividad Nro. 2:
Imprimir las hojas de plantas y hacer una composición de las mismas.
IMPRIMIR FLOTANDO CON CREYONES DE CERA SOBRE PAPEL LIJA: (Para el Segundo y Tercer Nivel)
Procedimiento: elige varios objetos para frotar, coloque la lija sobre el material, luego frota con colores de cera
de diferentes colores, utiliza la lija (600) fina, frota con la parte de la lija.
IMPRIMIR CON PAPEL CREPÉ: (Para Segundo y Tercer Nivel)
Procedimiento: recortar formas de papel crepé, colocarlas en una hoja con un pincel mojado en agua trata de
pegar las formas, esperas que seque un poco y retiras las formas de papel crepé, puedes terminar algunos
detalles con el pincel y el agua que quede en la forma.
Actividad Nro. 2:
Imprimir con hisopos de papel crepé.
Tomas un palito, le colocas un pedazo de papel crepé para mojarlo en agua luego haces una composición en
forma de puntos con los colores que suelta el papel.
DECOLORACIÓN: (Para Tercer Nivel)
Procedimiento: se recorta un pedazo de papel seda de un color fuerte que quede del tamaño de una
hoja carta, luego recorta una cartulina del mismo tamaño, pega el papel seda en la cartulina después
comienzas a hacer los dibujos con el hisopo remojado en cloro.
EL GRANULADO: (Para Segundo y Tercer Nivel)
La técnica consiste en hacer una composición con marcadores finos y rellenar las partes de la composición
con azúcar, café, chocolate, granos, etc.
DACTILOPINTURA: (Para Tercer Nivel)
Procedimiento: mezclar témpera con leche espesa o leche condensada en partes iguales, en una hoja
realizas un dibujo marcando solo el borde del dibujo, con el dedo índice mojado en témpera. Con un pincel
fino rellenas las partes necesarias del dibujo con la mezcla de témpera, después cubre el dibujo con un
pedazo de papel celofán.
PINTURA SOBRE LIJA CON TIZA BLANCA Y CERA: (Para Tercer Nivel)
Procedimiento: para esta técnica se pega la lija en un pedazo de cartulina, se utilizan varios trocitos de tiza
blanca las cuales serán mojadas en témpera y se realizará el dibujo que se desea.
PINTURA SOBRE LIJA CON TIZAS DE COLORES Y PEGA: (Para Tercer Nivel)
Procedimiento: para esta actividad se pega la lija en un pedazo de cartulina, se utilizan varios pedazos de
tizas de colores, los cuales se mojan en pega y se realiza una composición.
EL TROQUELADO: (Para Segundo y Tercer Nivel)
Procedimiento: consiste en hacer un dibujo, arrugar bien el papel lustrillo a el cual se le ha dado una
determinada forma, luego se alisa bien el papel, se pinta con témpera del mismo color para permitir que el
mismo color se introduzca en las ranuras quebradas, luego se pega el papel lustrillo sobre la figura
complementando con marcadores finos las partes faltantes del dibujo.
EL COLLAGE EN VOLUMEN: (Para el Segundo y Tercer Nivel)
Esta es una técnica donde se utiliza el rasgado, es muy fácil de aplicar y le permite al niño ejercitar su
motricidad fina.
La técnica consiste en hacer una composición, rasgar las tiras de papel, periódico o revista, luego enrollarlas y
colocarlas en varias partes de la composición, está técnica va acompañada con témpera, creyones de cera y
marcadores finos.
PULSAR CON AGUJA PUNTA ROMA: (Para el Segundo y Tercer Nivel)
Esta técnica le permite al niño el dominio de los dedos, precisión de los movimientos y coordinación disco-
motriz.
La técnica consiste en hacer siluetas con creyones de cera, luego pulsar al derecho y al revés las líneas de
las figuras.
ENSARTADOS: (Para el Segundo y Tercer Nivel)
La técnica consiste en ir introduciendo un hilo a través del orificio de macarrones, cuencas de collares.
Actividad Nro. 1:
Formar collares, pintar collares de pasta con témpera.
Hacer collares de papel.
LA PAPINFLEXIA: (Para Segundo y Tercer Nivel)
Comprende doblados y pegados. Doblados con recortados: en esta técnica se logran destrezas que el niño
necesita para el aprendizaje de la escritura, en el segundo nivel se comienzan por nombrar los doblados y
plegados más sencillos, para el tercer nivel doblados y plegados.
Ejemplos: para el segundo nivel el velero, la casa, la flor, el perro, etc. Para el tercer nivel el barco, la casa, el
perro, el gato, los peces en serie, el molino, la rana, el porta retrato, el florero, el cisne, la gallina, el pavo real
y otros.
TRENZADOS: (Para Tercer Nivel)
Los trenzados son actividades muy desarrolladas por los niños, tienen una base motriz muy grande, le permite
al niño adquirir destrezas necesarias para el aprendizaje de la cultura.
Actividad Nro. 1:
Trenzar un corazón.
Actividad Nro. 2:
Trenzado de plantillas en cartulina de construcción: pintar y recortar las plantillas en cartulina, luego trenzar
con pabilo, estambre o trenzas.
Actividad Nro. 3:
Trenzar un pez: recortas 10 tiras de papel lustrillo de 1 cm. cada una, trenzas y formas el pez, en una hoja,
cortar cuatro tiras de cada lado diagonal y dejar las dos del medio más larga para formar la cola.
Actividad Nro. 4:
Hacer un dámelo: recortar 8 tiras de papel lustrillo negro, 8 blancas de 1 cm. y medio cada una, recortar un
cuadrado de cartulina y trenzar el dámelo.
CONSTRUIR FORMS GEOMÉTRICAS: (Para Tercer Nivel)
Actividad Nro. 1:
Un árbol: con un círculo grande verde y un triángulo pequeño marrón.
Actividad Nro. 2:
Un tren: con un rectángulo pequeño negro, un cuadrado pequeño negro, cuatro cuadrados grandes en azul,
amarillo, verde y rojo, ocho círculos marrones.
Actividad Nro. 3:
Un gato: Con dos círculos marrones, uno grande y uno pequeño, dos círculos pequeños negros,
dos triángulos marrones, seis líneas rectas y una curva.
Actividad Nro.4:
Una carpa de indio: con un triángulo amarillo grande, un triángulo pequeño naranja, dos líneas marrones
pequeñas.
Actividad Nro. 5:
Una casa: con un triángulo marrón grande, dos rectángulos pequeños amarillos, un rectángulo pequeño rojo,
un cuadrado verde grande, un rectángulo amarillo.
Actividad Nro. 6:
Un árbol de navidad: con una estrella amarilla, seis círculos rojos pequeños, un triángulo verde grande, un
cuadrado marrón pequeño.
Actividad Nro. 7:
Una mariposa: con dos corazones amarillos, un rectángulo verde, dos líneas marrones.
Actividad Nro. 8:
Una flor: con cinco círculos violeta grande, un círculo pequeño amarillo, una línea verde semi-curva.
FANTASIA DE PAPEL LUSTRILLO: (Para Segundo y Tercer Nivel)
Esta técnica consiste en hacer figuras con marcadores finos, hacerle huecos de diferentes formas a la figura,
luego con papel lustrillo llenar el hueco.
FANTASIA DE PAPEL DE SEDA: (Para el Segundo y Tercer Nivel)
La técnica consiste en hacer siluetas con marcadores finos, luego arrugar bien el papel de seda y llenar las
siluetas con el mismo.
FANTASIA DE PAPEL CREPÉ: (Para Tercer Nivel)
Actividad Nro. 1:
La actividad consiste en hacer un dibujo en cartulina, luego se recortan tiras de papel crepé, se le pone pega
al dibujo, se van pegando las tiras de papel crepé arruchadito hasta cubrir todo el dibujo.
Actividad Nro. 2:
Papel Crepé en Barniz: esta técnica se realiza con el mismo procedimiento de la anterior, solo se le agrega el
barniz después de que esté terminada la técnica.
El barniz: se liga pega blanca con un poco de agua y con un pincel grueso se barniza toda la actividad.
Esta técnica se emplea para los adornos de navidad, se completa con escarcha, hilo dorado y marcadores
finos.
PICADO DE CLAVO Y DEDO: (Para Segundo y Tercer Nivel)
 La técnica consiste en hacer siluetas con marcadores finos y papel lustrillo, luego pulsar con el clavo las
partes de las líneas de la silueta, luego con cuidado se extrae la figura con los dedos sin necesidad de tijeras,
pegar en hojas plantillas y formas.
PINTURA SOBRE PAPEL ALUMINIO: (Para Segundo y Tercer Nivel)
Consiste en recortar un pedazo de papel aluminio de tamaño de una hoja de papel carta, luego pegarla a un
pedazo de cartulina del mismo tamaño y realizar una composición con témpera.
LOS TÍTERES: (Para Segundo y Tercer Nivel)
Los títeres representan un papel importante en la educación del niño, su construcción desarrolla se
creatividad e imaginación, mientras que su manejo influye positivamente en su expresión corporal.
Existen muchos títeres: títeres de bolsas de papel, de fieltro, corcho, medias y de pasta de papel.
PINTURA SOBRE BOLSAS PLÁSTICAS: (Para Segundo y Tercer Nivel)
La técnica consiste en recortar un pedazo de plástico del tamaño de una hoja carta luego pegarlo en cartulina
del mismo tamaño. Realiza una composición con témpera.
PINTURA SOBRE LÁMINAS DE ACETATO:
Coloca la lámina de acetato sobre un pedazo de cartulina del mismo tamaño. Realiza una composición con
témpera.
EL MONTAJE: (Para Tercer Nivel)
Para esta técnica se utiliza papel lustrillo o cartulina de construcción, se dibuja y se recorta la figura en partes,
las figuras deben ir montadas una sobre la otra.
EL COLLAGE: (Para Segundo y Tercer Nivel)
Con pedacitos de papel y pedacitos de tela, con recortes de revistas y otros materiales puedes realizar un
collage sobre la superficie de la cartulina o papel, puedes combinar diferentes materiales.
ALGODÓN EN RELIEVE Y DELINEACIÓN CON ESTAMBRE: (Para Segundo y Tercer Nivel)
La técnica consiste en hacer un dibujo con marcadores finos en cartulina, luego rellenas con algodón todo el
dibujo y lo delineas con estambre.
LA CABULLITA: (Para Segundo y Tercer Nivel)
La técnica consiste en hacer dibujos con marcadores finos, en algunas partes del dibujo colocar pabilo o
estambre de varios colores.
DELINEACIÓN CON PABILO: (Para Segundo y Tercer Nivel)
Consiste en hacer figuras con marcadores finos y creyones de cera, luego delinear la figura con pabilo.
EL MOSAICO: (Para Segundo y Tercer Nivel)
El mosaico es una de las más antiguas formas de arte. Este ha adquirido un gran valor pedagógico y su
practica se lleva a cabo desde los niveles más elementales, siendo reconocida con una excelente técnica
educativa, es básicamente un procedimiento que consiste en hacer formas en una hoja de papel, luego de
colocar pequeños trozos de papel de seda, lustrillo, cartulina o granos.
EL MÓVIL: (Para Segundo y Tercer Nivel).
El móvil es una expresión artística que se logra con diferentes materiales y diferentes formas sostenidos
en equilibrio mediante libros, cintas, chenil, ganchos o palitos. Algunos móviles: móviles con materiales de
desecho, cartulina, fieltro, arcilla, etc.
EL MOLDEADO CON PLASTILINA: (Para Primero, Segundo y Tercer Nivel).
Con esta técnica se desarrolla la coordinación fina, mediante esta actividad el niño tiene sensaciones táctiles,
es un ejercicio importante para la educación de la sensibilidad táctil y le permite al niño adquirir una fortaleza
muscular en los dedos. Para moldear el niño necesita arcilla, plastilina o pasta de papel.
Actividad Nro. 1:
Hacer un dibujo con plastilina dependiendo del nivel.
Pasta de Papel:
Materiales:
 Harina de Trigo.
 Una taza de papel toilette bien picado.
 Pega blanca.
 Tres cucharadas de vinagre.

Preparación:
Mezcle en una olla la harina y la pega, revuelva bien, agrega los pedacitos de papel toilette y luego el vinagre,
esto se puede licuar pero debe quedar bien espeso.
EL TROQUETE: (Para Segundo y Tercer Nivel)
Consiste en recortar tiras de papel de revistas, coserlas y hacer una composición de las mismas.
TÉCNICA # 50: (Para Segundo y Tercer Nivel)
Actividad Nro. 1:
Agrupar objetos con su color, forma y tamaño.
Actividad Nro. 2:
Recortar texturas de la naturaleza.
Actividad Nro. 3:
Recortar texturas y cosas fabricadas, identificarlas por su textura. Ejemplo: suave, lisa, áspera, rugosa, etc.
Actividad Nro. 4:
Hacer una composición con diferentes texturas.
MATERIALES DE DESECHO: (Para Segundo y Tercer Nivel)
Actividad Nro. 1:
Hacer composiciones con materiales de desecho.
TÉCNICA # 52: (Para Segundo y Tercer Nivel).
Actividad Nro. 1:
Dibujar y pintar el relleno del papel cuadriculado.
Actividad Nro. 2:
Hacer un dibujo libre.
Actividad Nro. 3:
Interpretar gráficamente escenas del hogar y preescolar.
TÉCNICA # 53: (Para Segundo y Tercer Nivel)
Actividad Nro. 1:
Interpretar gráficamente miembros de la familia.
Actividad Nro. 2:
Recortar animales del hogar y preescolar.
Actividad Nro. 3:
Interpretar formas naturales por medio del dibujo y la pintura.
TÉCNICA # 54: (Para Segundo y Tercer Nivel)
Actividad Nro. 1:
Recortar formas naturales de las flores y frutas.
Actividad Nro. 2:
Dibujar o recortar escenas de nuestro folklore.
PABILO DE COLORES:
MATERIALES: pabilo, cola color, cartulina negra, palito de 2 puntas.
PROCEDIMIENTO: Se cortan en pedazos de 8 a 10 cm. las tiras de pabilo, se introducen en la cola color de
diferentes colores y con la ayuda del palito de 2 puntas colocarlos sobre la cartulina, y formar con ellos la
figura deseada.
VITRAL:
MATERIALES: Papel de seda (cortado en cuadritos de diferentes colores), goma de pegar, pincel grueso y
lámina de acetato.
PROCEDIMIENTO: Se cubre la lámina de acetato con la goma de pegar, procedemos a colocar lo pedacitos
de papel de seda evitando que queden partes sin cubrir, al mismo tiempo podemos colocarle más goma, para
que no queden cuadritos de papel levantados. Una vez que la lámina de acetato está totalmente cubierta,
dejarlos secar y luego desprender la lámina que se forma con la goma y el papel de la lámina de acetato. Con
la lámina que se formo podemos realizar cualquier tipo de figuras, utilizando a la vez la técnica del plegado o
simplemente recortando.
PINTURA DENTRÍFICA:
MATERIALES: pasta dental, témpera, envase, pincel, dibujo.
PROCEDIMIENTO: se mezcla la crema dental con la témpera o color deseado y luego se pinta el dibujo,
dejarlo secar.
PINTURA CON GELATINA:
MATERIALES: gelatina en polvo, leche condensada, pega blanca, témpera, pinceles, dibujo.
PROCEDIMIENTO: se mezcla la gelatina con la goma y la leche condensada, agregar en porciones
separadas los colores de la témpera a utilizar. Se procede a pintar el dibujo con la mezcla preparada, al secar
quedará en relieve.
TEXTURIZADO:
MATERIALES: Cáscaras de huevos, pega, témpera o pintura al frío, pinceles, hojas de papel bond blanco.
PROCEDIMIENTO: se elabora un dibujo preferiblemente grande, se unta la pega a toda la figura, sin dejar
secar se le rocían las cáscaras de huevo trituradas, luego dejar secar y finalmente pintar del color deseado.
MANCHAS DE COLOR
MATERIALES: Témpera.
PROCEDIMIENTO: cubrir la hoja con manchas de témpera aguada, utilizando pincel. No dejar espacios en
blanco. Dibujar con témpera negra. Otra variante es dibujar las manchas con papeles de colores.
DACTILOPINTURA:
MATERIALES: harina o almidón, témpera y cartulina.
PROCEDIMIENTO: Preparar con almidón o harina y agua una pasta suave. Colocar en la masa la pasta
suave incolora y separar las témperas. Mojar los dedos en ella, y luego en el color que se desee usar y dibujar
con el dedo sobre la cartulina ideando una escena.
PAPEL MOJADO: (3-6 años).
MATERIALES: Papeles de buena calidad, tizas de colores, esponjas, agua.
PROCEDIMIENTO: dibujar con tiza sobre un papel de buena calidad que ha sido humedecido con la esponja
(es conveniente utilizar hojas pequeñas con el fin de que el agua no se seque, antes de finalizar el dibujo). Al
contacto de la tiza con el papel mojado aumenta la sensibilidad del color, se torna brillante.
DIBUJO SOBRE LÁMINAS DE BARRO: (5-6 años)
MATERIALES: palillos, telas, colores.
PROCEDIMIENTO: con la arcilla hacer una o varias láminas de 1 cm. de grosor más o menos, dejando la
superficie bien lisa con las manos mojadas. Luego con la ayuda de palillos podrá empezar a dibujar por
incisión sobre el barro fresco, el dibujo que se desee. Otra posibilidad es la impresión de distintas texturas en
las láminas de barro, a través de unapresión de distintas telas hasta que dejen huellas en el barro. Una vez
seco podemos dar color y tendremos una colección de texturas según forma y grosor.
FORMAS DIVERTIDAS: (4-6 años)
MATERIALES: cartulina negra u hojas pintadas de negro, formas variadas huecas, pinturas de varios colores
y arena de mar.
PROCEDIMIENTO: Organizan las figuras huecas que van a usar y se mojan por el lado hueco con la pintura
(distintos colores) mezclada con la arena de mar y se transfiere la forma en la cartulina u hoja pintada de
negro. Dar libertad para que el niño con todas las figuras que se tienen pueda crear el dibujo que desee
(figuras abstracto o modelo de preferencia).
TIZA SECA: (3-6 años)
MATERIALES: papeles de diferentes tamaños y colores, papeles de diferentes texturas corrugadas, rugosas,
lisas, etc.; tizas de diferentes tamaños, colores o de forma cilíndrica o cuadrada.
PROCEDIMIENTO: Distribuir al grupo de niños la tiza blanca o de colores claros y papel oscuro (se puede
hacer al contrario, tizas oscuras y papel claro). Si se utiliza tiza de color, facilitar a los niños agua y toallas de
papel que le permitan mantener limpias las manos. Motivar a los niños a utilizar los extremos y cantos de tiza.
El niño internaliza que la intensidad ydensidad del color, dependerán de la presión que ejerza con la tiza sobre
el papel.
CUADRO DE GOMA ESPUMA: (5-6 años).
MATERIALES: goma espuma de 1 cm. de espesor cortada en la forma de su preferencia, estambre de varios
colores, pinturas para teñir la goma espuma, spray para almidonar la ropa, aguja punta roma.
PROCEDIMIENTO: Se tiñe el trozo de goma espuma que se va a usar. La transfiere con marcador la figura
preestablecida para esta labor (a escogencia del docente y los niños), con estambre y aguja punta roma se
pasa a coser toda la orilla de la figura dibujada, se rellenan partes de la figura para darle más colorido.
Finalmente, después de coser, se le rocía spray para almidonar la ropa, se le coloca una cinta detrás del
cuadro para poder guindarlo en la pared. En vez del spray se puede pegar el trozo de goma espuma en una
superficie dura y plana que le de firmeza al cuadro.
MÉTODO LESMES (DESARROLLO VISOGRAFO – MOTRIZ): (Primer Nivel)
MATERIALES: Música, témpera, papel periódico, papel blanco.
PROCEDIMIENTO: Recorremos el salón, representando que pintamos las paredes al tiempo que se canta
una canción, procurando que coordinen el gesto con el ritmo (1-2, 1-2, arriba-abajo, arriba-abajo, etc.). Es
importante mantener el ritmo. Una vez hecho esto, los niños que van a pintar extienden periódicos y colocan
sobre ellos el papel blanco del tamaño deseado, que tendrá dibujada una flecha en un extremo, para indicar
la dirección que tienen que seguir. En este caso, la misma que han seguido en la canción y con el mismo
ritmo. Con la mano untada de pintura, repiten los gestos anteriores, sin preocuparse del borde del papel, al
tiempo que siguen cantando la canción. Cuando la hoja esté cubierta totalmente de pintura, la dejamos secar.
Con éste método trabajamos las direcciones del trazado.
TÉCNICA DE LA VELA: (Primer Nivel)
MATERIALES: Hojas blancas, papel crepé, vela, agua.
PROCEDIMIENTO: Hacer un dibujo en la hoja con la vela, después se moja el papel crepé con agua y se
pasa por la hoja para que salga el dibujo (y se deja secar).
TÉCNICA PARA PREPARAR LA PLASTILINA: (I Nivel)
MATERIALES: Aceite, harina de trigo, colorante de torta, agua, pega.}
PROCEDIMIENTO: La harina se pone en una taza se le agrega el aceite, colorante, el agua, se prepara la
masa y se modela la figura y se le coloca la pega y se deja secar.
TÉCNICA # 90:
MATERIALES: Cartulina, cuerda, témpera y creyones de cera.
PROCEDIMIENTO: meter la cuerda dentro de la tarjeta de cartulina, dejando un poco por fuera. Agregarle la
témpera de un solo color, cerrar la cartulina y halar hacia abajo. Al abrir conseguimos una forma por ambos
lados de la cartulina, se colorea después de secar los espacios en blanco y queda como un cuadro.
TÉCNICA # 91:
MATERIALES: Bolas de algodón pequeñas, cartulina y témpera.
PROCEDIMIENTO: Se coloca la cartulina blanca en el piso al nivel de los pies, luego con las bolitas de
algodón se mojan en témpera y se tiran desde arriba para que caigan y se estrellen contra la cartulina, se va
repitiendo con diversos colores.
TÉNICA CON ALMIDÓN: (III Nivel)
MATERIALES: Agua, almidón y pega.
PROCEDIMIENTO: Se mezclan todos los ingredientes y luego se colocan encima de un envase o tapa
plástica de tal manera que luego de varios días de secado, se desmonte y los niños lo pinten.
PINTURA CON HILOS:
MATERIALES: Cartulinas Blancas, témpera de diversos colores, palitos de madera (ganchos), estambre,
envases grandes de plástico, tijeras, tirro.
PROCEDIMIENTO: Enrollar el estambre en un sentido hasta la mitad del palo de madera. Colocar el tirro para
que no desprenda y volver a enrollar dicho estambre en sentido contrario al efectuado con anterioridad,
colocando otro tirro en la punta y cortando con una tijera lo sobrante. Vaciar la témpera en los envases, un
color en cada uno de ellos; si está muy espesa agregar un poquito de agua. Colocar las cartulinas blancas
sobre la mesa, donde uno de sus lados esté al ras del borde de la misma, y fijarla con tirros. Invitar a los niños
a colocar sus palitos dentro de los envases con pintura, sólo hasta la mitad que tiene el hilo y esperar a que
se escurra toda la pintura antes de sacarlo del mismo. Seguidamente, colocar la mitad del palito que tiene hilo
con pintura sobre la cartulina, dejando la otra mitad fuera de la mesa para que los niños lo puedan rodar.
Invitarlos a mezclar los colores, rodando los palitos entre sus compañeros de mesa.
TÉCNICA # 100:
En un rectángulo de cartón, escribe su nombre con marcador, luego le hechas pega a las letras, pegamento
de color sobre el papel que está abajo del cartón y sigues la letra y te sales un poco. Otro color de pegamento
(cola color) igual haciendo líneas, dejando secar. Usar plumas plateadas alrededor del pegamento y hacer
dibujos extras.
TÉCNICA # 101:
Un recorte grande que tenga muchos colores, recortarlo en tiras, rellenar con marcadores los espacios que
queden separados luego de pegarlos; utilizando los colores para estirar el dibujo recortado.
DIBUJO A CIEGAS:
MATERIALES: Hoja blanca o cartulina, creyones de cera blanco, témpera, pinceles, agua.
PROCEDIMIENTO: Hacer un dibujo con el creyón de cera blanco y luego pasar una capa de témpera aguada
con el pincel. Variantes: Hacer el dibujo con goma blanca o con una vela y usar tinta china en vez de témpera.
PINTURA INVISIBLE:
MATERIALES: Cartulinas blancas, papel de seda de colores, tijeras, pega, hisopos, un poco de cloro, envases
de plástico.
PROCEDIMIENTO: Colocar el cloro en los envases de plástico. Seguidamente, cortar rectángulos más
pequeños que la cartulina blanca y pegarlos a ésta, solo con una gota en cada esquina del papel de seda;
esperando unos minutos a que esté seco. Invitar a los niños a colocar los hisopos dentro de los envases con
cloro, utilizando estos como pinceles. Pedirles que realicen el dibujo de su preferencia. A medida que el cloro
se vaya secando irá decolorando el papel de seda, apareciendo el dibujo hecho por los niños en color blanco.
MARNOLEADO: (5 años en adelante).
MATERIALES: Papel blanco, platos, pinturas al óleo, solventes, pinceles, guantes de goma, pote grande con
agua.
PROCEDIMIENTO: Verter un poco de color en el plato y diluirlo con solvente. Colocar la mezcla en el agua,
agregar un nuevo color y revolver suavemente. Ponerse los guantes, sostener el papel por las esquinas e
introducirlo en el agua de forma horizontal. Levantar el papel con rapidez en la misma posición.
GRABADO CON CREYONES DE CERA: (5 años en adelante).
MATERIALES: Creyones de cera, hoja blanca o cartulina, plancha.
PROCEDIMIENTO: Marcar un doblez en el papel o cartulina, dibujar en un lado y doblar nuevamente, luego
planchar.
SOPLADO: (3 años y medio en adelante).
MATERIALES: Hoja o cartulina, témpera de colora, pitillo cortado a unos 5 o 6 cm.
PROCEDIMIENTO: Se colocan gotas de témpera bastante líquida sobre el papel y se procede a soplar cada
gota hasta extenderla bien.
SIMETRÍA O MARIPOSA: (Edad todas).
MATERIALES: Hoja blanca o cartulina, témpera, rodillo.
PROCEDIMIENTO: Doblar el papel, abrir y colocar gotitas de pintura en el área cerca del doblez. Doblar
nuevamente aplastar con la mano o el rodillo. Variante: pintar el dibujo de un lado y seguir con el
procedimiento.
PINTAR CON TENEDORES: (Edad todas).
MATERIALES: Hoja blanca, témpera, tenedores, envases planos para la témpera.
PROCEDIMIENTO: Mojar el tenedor en la pintura e imprimir en la hoja.
GRABADO DE COMIQUITAS: (5 a 6 años).
MATERIALES: Papel encerado, comiquitas de periódico, paleta de helado.
PROCEDIMIENTO; Se coloca la parte encerada del papel sobre la comiquita y con la paleta de helado se
frotará toda la superficie hasta que quede grabada la comiquita en el papel.

Leer más: http://www.monografias.com/trabajos15/plastica-preescolar/plastica-
preescolar.shtml#ixzz56ei5z3Jp