EVOLUCIÓN HISTÓRICA DE LA IMAGEN

La imagen ha acompañado desde siempre al hombre, no se sabe si desde el primer reflejo o la

primera sombra, solo nos constan los primeros intentos de plasmar figuras en las pinturas
rupestres. El resguardo de las cuevas es lo que ha permitido su pervivencia hasta nuestros días.

Se trata en este caso de pinturas creadas con pigmentos naturales, hollín grasa y tierra
acompañadas de incisiones o de las protuberancias de las cuevas. La denominada así “pintura”,
podría englobar también otras disciplinas como el grabado, el bajorrelieve o el petroglifo.

Lasca con líneas de arcilla amarilla encontrada en la Pinturas de las cuevas ibéricas. En la Pasiega
cueva de Blombos. Paleolitico. (Cantabria), Maltravieso,(Cáceres) y Ardales,
(Málaga).

La muestra más antigua, encontrada en 2018 estaba en la cueva de Blombos, en el sur de África, y
se data con 73000 años de antigüedad, realizada por el homo sapiens. Anteriormente, se
consideraban las más antiguas algunas pinturas de la península ibérica, que con 64.000 años de
antigüedad, que de color rojo y negro estarían realizadas sin embargo por neandertales.

Los motivos suelen ser animales o humanos, especialmente femeninos. Existen diferentes
interpretaciones de esas imágenes. Algunos como Breuil, consideran que forman parte un ritual
para favorecer la caza. Otros como Leroi-Gourhan proponen que su relación con ritos de iniciación
relacionados con el paso de adolescente a adulto. Las venus y vulvas tendrían que ver con la
fertilidad y el “milagro” de la reproducción humana. En cualquier caso parece confrimado que
todas ellas tienen un carácter simbólico y están relacionadas con cuestiones que atañen a la
supervivencia de estos grupos.

También les acompañan otros signos abstractos: puntos. Líneas, tectiformes o parrillas,
claviformes (considerados por algunos vulvas) o incluso poligonales. Su interpretación es más
difícil. Se cree que puedan ser signos que marquen la territorialidad de determinadas tribus.
El arte mueble o mobiliar es propio del Paleolítico. Se trata de objetos artísticos, funcionales o no,
que pueden ser transportados: bastones, fíbulas, estatuillas, propulsores... En cuanto a su
motivación y su significado, parece haber consenso en que se trata de un arte de función religiosa
y que su temática está íntimamente relacionada con la naturaleza y lo mágico. Son realizaciones
de sorprendente pericia técnica e intención estética. Quizás esto contribuyera a su función de
amuleto. Lo totémico, la sacralización de los animales ya aparece aquí tanto como en las pinturas.

También en esa época se desarrollan las estatuillas, fundamentalmente femeninas, de piedra o

hueso que a veces acompañan al arte mobiliario, decorando objetos de uso. Están talladas por
todas sus caras. Puede tratarse de los primeros amuletos. Las representaciones masculinas de
hombres sin rostro con órganos sexuales muy desarrollados o cabezas animales hacen también
pensar a algunos en ceremonias y rituales chamanistas, que convertirían a las cuevas no en
habitáculos, sino en santuarios.

Arte paleolítico: cabeza de caballo Venus de Brassempouy (Francia) Figura masculina en la

tallada en marfil, Mas d'Azil (Pirineos) cueva de La Pasiega,
Cantabria

En el periodo intermedio del Mesolítico, se tiende a la esquematización y hay un descubrimiento

importante: la alfarería. Es mucho el avance, pues permite el transporte y almacenamiento,
especialmente de líquidos.
Su decoración es eminentemente geométrica. Hay indicios de que las primeras decoraciones se
hacían con cuerdas, utilizadas a menudo de refuerzo, pero después se introdujeron otras
variantes: la acanaladura, el cordón (línea en relieve a modo de cuerda, ligeramente debajo del
borde) y las asas de diversos tipos.
La cerámica de la época inicial (hacia el 4000 a. C.) es de la llamada «cardial», con incisiones de
diversos tipos en la arcilla blanda pero ya moldeada, hechas con los dedos o con punzones o
espátulas de hueso o piedra pulida. Recibe el nombre de cardial por estar producidas la mayoría
de las incisiones con conchas del molusco Cardium edule, el berberecho. Las incisiones, a menudo
combinadas, buscaban efectos simétricos.
El estilo del Neolítico se transforma en una intención artística geométricamente estilizada. En lugar
de las minuciosas representaciones fieles a la naturaleza, plenas de detalles , encontramos por
todas partes signos ideográficos, esquemáticos y convencionales, que indican más que reproducen
el objeto. El arte neolítico tiende ahora a fijar la idea, el concepto, la sustancia de las cosas, es
decir a crear símbolos en lugar de imágenes.
Aparecen, más específicamente en la Edad de los Metales los grandes monumentos megalíticos,
entre ellos:

 Los menhires: monolitos verticales ocasionalmente antropomorfos, para marcar territorio.

 Los dólmenes: sepulturas construidas con dos o más piedras verticales cubiertas por una
losa horizontal.
 Los crómlechs: conjuntos de menhires de forma circular, observatorios astronómicos
vinculados al culto del sol. El más famoso se encuentra en Inglaterra (S tonehenge)
En la península ibérica se desarrolló en este período un estilo de pintura rupestre en la
zona levantina basado en la pintura de escenas de caza en rocas al aire libre, con representaciones
esquemáticas de figuras humanas.

Cuevas de Valltorta, Castellón Menhir Champ-Dolent, Cerámica cardial de la cueva de La

Bretaña francesa Sarsa, Valencia.

La relación con lo sagrado pervive en las primeras civilizaciones, preocupadas por lo trascendente.
Los egipcios ya desde el Neolítico decoran paletas votivas como la de Narmer, además de decorar
la cerámica y otros objetos tanto utilitarios como mágicos.
Asombra la perfección, delicadeza y monumentalidad del arte egipcio, que se mantiene fiel a unos
rígidos principios durante cuatro milenios salvo el paréntesis que supuso el reinado de Amenofis
IV.

La imagen impactante que aun hoy ofrecen las pirámides, construidas con conocimientos
matemáticos verdaderamente sorprendentes para la época, revelan dos mensajes claros: el poder
de los faraones-dioses y su vínculo con la otra cuestión vital para el arte egipcio: el más allá.
Pintaban las tumbas de sus faraones con representaciones mitológicas y escenas de la vida
cotidiana, como la caza, la pesca, sus celebraciones... pues se suponía que todo ello continuaba
tras la muerte. Las representaciones humanas varían en función del representado: son hieráticas,
idealizadas y monumentales para los poderosos y de tamaño más reducido y tratamiento más
naturalista según se baja en el escalafón social. Esta jerarquía se aprecia si aparecen juntos,
adoptando siempre mayor tamaño el personaje más importante.

El módulo para medir las representaciones antropomórficas es el puño, siendo de 18 puños la

altura de un humano adulto. En cuanto a la perspectiva elegida, suele ser la frontal para escultura,
y el característico “perfil egipcio” para relieve y pinturas. El porqué de esta representación que en
realidad presenta diferentes puntos de vista en un mismo cuerpo se basa en la denominada
perspectiva aspectiva: cada parte se representa desde el ángulo que mejor la representa. De ahí
que, en el rostro, la nariz y la boca estén de perfil (es como mejor se aprecian sus características y
además nos remite a su función de respirar) sin embargo, los ojos se dibujan de frente. El torso se
dibuja de frente porque es el contenedor de los órganos vitales, que en esta posición se visualizan
mejor. Finalmente, las piernas aparecen representadas tanto de frente como de perfil para que se
vieran completos y en posición de caminar. Manos con todos sus dedos sin nada solapado sobre
ellos. Todo ello era importante para el paso a la otra vida de forma completa. El punto de vista
frontal se reserva a veces para los enemigos cuya vida eterna no interesaba

Enemigo en Medinet Habu, uno de ellos con rostro Paleta de Narmer

frontal

La representación de animales va desde deidades hasta amuletos. Se desarrolla una rica y fina
joyería.
La mayor parte de relieves y esculturas, se policroman con colores planos y pasta vítrea para dar
mayor viveza a partes como los ojos. Aparece la escritura jeroglífica, discutida por los expertos
como transcripción ideográfica, fónica o conceptual.

El punto divisorio entre lo que consideramos Prehistoria e Historia, lo marca la presencia de

testimonios escritos. Pero el nacimiento de la escritura no tiene fecha concreta. Se consideran
varios sistemas de protoescritura, pues si bien transmiten información están desprovistos de
contenido lingüístico directo: escritura vincha, las escrituras jeroglíficas del antiguo Oriente
medio (egipcia, protocuneiforme, sumeria y cretense). la escritura Jiahu , la escritura indu, o las
runas eslavas

Se suele señalar a los sumerios, 3000 a.C. que  habían desarrollado un anexo silábico para su
escritura, reflejando la fonología y la sintaxis del idioma sumerio hablado. Se trata siempre de
unos documentos contables, generados por la necesidad de contar bienes o incluso espacios de
tiempo.

Evolución de la escritura sumeria Evolución de la escritura egipcia

Datos contables, hacia el 2360 a.C. La piedra de Rosetta contiene un texto en tres
tipos de escritura y es la pieza clave para
comenzar a descifrar los jeroglíficos egipcios
El arte griego se caracteriza por un marcado antropocentrismo. El hombre y las deidades de forma
humana son los protagonistas de las imágenes, que bien cuentan historias sagradas o reflejan
deportes y juegos de la época. Son humanos idealizados, y sus medidas modelo de proporción. El
módulo para medirlas es la cabeza, siendo de 7 u 8 cabezas la de un adulto. Soportes
tridimensionales como la cerámica o la escultura en bronce adquieren gran perfección. Nuestra
idea monocroma de las obras de este periodo se debe al estado de conservación de las obras,
escasísimas en el caso del bronce, o de sus copias romanas, pero podría no ajustarse a su aspecto
original. De hecho los griegos no conciben sin color ni su escultura ni su arquitectura, siendo
creadores de la pintura encáustica, que usa la cera como aglutinante consiguiendo resultados
brillantes

Crátera del SXII a. C. Pintura del periodo antiguo conservada Cleobis y Bitón del escultor Polídenes
completa SVI a .C. de Argos 600 a. c.

Kílix ático con escena Laoconte y sus hijos. Periodo helenístico Diadumenos de Policleto. S.V a.C.
pederasta.S.V a.C. años 301 a 126 a. C.

El arte sirve de nuevo como representación del poder, ya no individual sino del colectivo de las
polis o ciudades. El culto y todas sus imágenes sirven además para cohesionar a la población de
diferente clase social en torno a las imágenes de deidades identificativas de cada ciudad.Otra
imagen de creación griega lo supone el espectáculo del teatro. Imagen en movimiento que
representaba tragedias vistiendo túnicas y máscaras, y junto a las competiciones olímpicas
suponen las imágenes del entretenimiento del momento.
Los romanos heredan buena parte de la tradición griega y le suman iconografías, técnicas e ideas
de las diferentes partes del vasto imperio, como el mosaico. Es un arte ecléctico, que crea el
género del retrato, imagen reconocible de un ser humano concreto. Los de los emperadores son
idealizados para la reafirmar su poder y su programa político. En la esfera privada se utilizaban en
el contexto funerario. Bustos, acompañados de inscripciones, elenco de familiares y amigos del
fallecido decoraban altares, tumbas y urnas cinerarias. Su realismo proviene de la tradición de las
máscaras mortuorias.

Se utiliza el formato redondo o tondo. Las imágenes se crean a veces para ser contempladas en la
intimidad de las villas privadas, de carácter más decorativo que narrativo. Abunda la pintura
mural, con las técnicas del temple o el fresco además de la encaústica. Son  bodegones, escenas
mitológicas, paisajes, naturaleza muerta, escenas cotidianas y retratos de la clase imperial.

Retrato familiar en vidrio dorado .Gala Fresco Pompeyano Detalle de un busto de Marco

Placidia Porcio Cato Uticense, Circa 80
a.C
El relieve sirve de base a un leguaje cada vez más narrativo y secuencial. La imagen del poder se
mezcla con la imagen recreativa; la opulencia y fastos de los festejos romanos como imágenes en
movimiento: el circo, el antiteatro, como demostración del poderío imperial.

La llegada del cristianismo provoca el uso de la imagen como medio propagandístico y

catequético. Desde el arte Paleocristiano hasta la Edad Media, todos los aspectos de la vida
estaban influidos por la religión y la Iglesia era una institución con un fuerte poder político,
económico y cultural. Son los más importantes clientes/productores de imágenes y por tanto
quienes controlan los mensajes que por ellas se transmiten. Pero no sin que existiera un gran
debate al respecto.

Ya en Bizancio surge la onoclasia o iconoclastia, expresión que en griego significa «ruptura de

imágenes», es la deliberada destrucción dentro de una cultura de los iconos religiosos de la propia
cultura y otros símbolos o monumentos, normalmente por motivos religiosos o políticos. Su mayor
controversia se desarrolla durante los siglos VIII y IX, y no quedó restringida al ámbito eclesiástico,
o a argumentos teológicos. La confrontación cultural continua con el Islam, y la amenaza militar
que este último representaba, probablemente tuvo que ver en las actitudes de uno y otro bando.
El cristianismo nace iconoclasta hasta que, probablemente influido por la idolatría grecorromana,
el culto se acrecienta venerando las representaciones de Dios, la Virgen, los santos, etc. Aunque el
cristianismo admite la imagen, son continuos los enfrentamientos entre los defensores de las
imágenes y los espiritualistas, que prefieren una fe "más racional" y menos apegada a los sentidos.
El judaísmo prohíbe representar a Dios con una imagen, la palabra de Dios basta; el islamismo es
aún más estricto, siendo considerado un arte aniconista, sin representación de seres humanos o
seres vivos. Puede ser así en el arte religioso, pero sí se ven figuras humanas y animales en la
cerámica y otras artes menores. También en los libros. No obstante, la no representación humana
o animal daría origen a la lacería, la caligrafía cúfica y el ataurique, que tanto se identifica con el
arte árabe.

El Buen Pastor en Cristo Pantocrátor, mosaico bizantino Decoraciones típicas del arte

las Catacumbas de (siglo XII) de la Iglesia de la Sagrada islámico religioso
Priscila (250-300), Roma. Sabiduría (Hagia Sofia) , Estambul

Los libros, soportes de imágenes son producidos en

 Los escritorios del Palacio Imperial
 Centros de enseñanza superior
 Producciones privadas a cargo de copistas que realizaban copias para particulares
 Los monasterios
Su forma deriva del códex romano, a diferencia del papiro en rollo egipcio y relacionado con las
tabillas de barro o cera de escritura cuneiforme. Los consumidores de las imágenes en los libros
son, aparte del clero, tan solo nobleza y realeza.
La letra utilizada será la Uncial hasta el siglo VIII, cuando se impulsó la letra minúscula
reservándose la uncial para documentos solemnes. Se escribe en oro, plata y rojo. Las ilustraciones
se reservan a los libros de temática o científica, siendo sus autores anónimos. Los copistas trabajan
para clientela imperial o la iglesia, estudiantes y monjes copian ellos mismos para su propio uso.
Existen ejemplares muy lujosos, con empleo de oro y plata sobre pergamino y encuadernados con
tapas de madera forradas con tela y piel decoradas con gemas y metales preciosas. El soporte
scriptorio es precioso, como lo manifiestan los palimpestos o pergaminos reciclados, el uso de
abreviaturas o predominio de la minúscula.
La temática es eminentemente religiosa: biblias, testamentos, salterios o libros de salmos,
bestiarios sin interés zoológico pero sí simbólico (Ave Fénix=resurrección, la caza del unicornio=
martirio de Cristo), cantoral, misal, breviario...
En las ilustraciones prevalece el valor expresivo, simbólico y narrativo. Se perfilan las figuras con
gruesos trazos negros, el color es plano y lleno de vigor. No respetan la proporción o la
perspectiva, la idea de profundidad es transmitida por medio de la superposición de cabezas, el
movimiento por la repetición paralela de los gestos de varias figuras

Biblia de Guttemberg Fabricación del papel

Distribuidores de libros. Estacionarios
La Baja Edad Media y sus dos grandes estilos internacionales, Románico y Gótico, desarrollan el
arte propagandístico de la Iglesia que centraliza su producción, temática y consumo. Para Georges
Duby, el arte medieval tiene tres funciones básicas: ser una ofrenda a Dios, a los santos (esto
explicaría la riqueza en una era tan pobre), intermediar entre lo terrenal y lo divino (haciendo
visible lo invisible y explicándolo), y expresar el poder político y religioso.
Frente a esta iconografía más conocida, ha llamado mi atención el reciente estudio que ha puesto
su foco en la temática erótica presente en en el exterior de los templos, a veces en la sillería. Esto
tendría su paralelismo en las drôlerie, de los iluminadores de textos góticos. De las explicaciones
propuestas se maneja desde bromas de los canteros, incitación o búsqueda de procreación o
exposición de actitudes pecaminosas a denunciar.
El gótico introduce la luz coloreada de las vidrieras y la proporción más estilizada. En las
representaciones humanas, un mayor naturalismo y expresividad.
Pórtico de la Gloria Santiago de Compostela maestro Mateo y sus trabajadores Canecillos de
entre 1168 y 1188 Santillana del Mar,
San Martín de
Fuentidueña, Segovia

La llegada del grabado y la imprenta artesanal en el s XV hace la imagen mucho más accesible
gracias a la reproducción múltiple que permite la estampación. Su origen parece estar en Corea, y
reúne las matrices de madera (xilográficas) junto con el del uso del papel como nuevo soporte:
barato, ligero. Las primeras representaciones son naipes y figuras de santos.
Esta reproducción múltiple trae también cierta imprecisión, ya que las matrices de las ilustraciones
se reutilizan en varios libros haciendo referencia, por ejemplo, a ciudades diferentes. Y problemas
de autoría y sus derechos, que en ocasiones acaban en los tribunales.
En la pintura renacentista, los logros de la perspectiva dominan la imagen bidimensional, capaz de
proyectar ahora la realidad tridimensional de manera verosímil en un plano. En el Renacimiento se
introducen los temas profanos, mitológicos y de la naturaleza y las imágenes ya no son
únicamente propiedad de la iglesia, sino de una nueva clase social en despegue: la burguesía.
Aparece el capital como nuevo patrocinador del arte, el mecenazgo. Desaparecen los estilos
internacionales y se acentúan las diferencias de cada zona.
El productor de imágenes pasa de artesano a artista reconocible. El artista comienza a interesarse
por la fisiología de la visión, por cómo se perciben las imágenes. Importan los mensajes pero
también y mucho las formas, en las que se alcanza gran maestría técnica. Interesa la originalidad y
se teoriza sobre la composición, ayudándose para ella entre otras cosas de conocimientos
matemáticos.
El hombre vuelve a ser el centro de todo, siendo representado por motivos religiosos, mitológicos
o históricos de forma idealizada, así como la de la naturaleza que le acompaña. El gran
conocimiento anatómico que demuestran proviene de las disecciones de cadáveres.
En general, es una vuelta al clasicismo grecorromano con un gran virtuosismo técnico. Un arte
preocupado por la armonía, el equilibrio, el ritmo.
El conocimiento de nuevos territorios, con diferente fauna, flora y pobladores requiere también de
los servicios de los creadores de imágenes para documentar estos descubrimientos. A tal efecto,
adquieren una gran importancia las imágenes cartográficas. Los mapas que dan una idea del
mundo conocido.
El avance del arte sigue creando imágenes planas o tridimensionales con métodos tradicionales
más o menos iguales desde el SXVI con el perfeccionamiento de la pintura al óleo. La imprenta
trabaja con tipos móviles de metal y estampas con matrices de metal desde ese momento
Y del dominio de la técnica en las diferentes disciplinas se presume en el Barroco. Cuadros que
parecen fotografías cuando esta aún no se ha inventado, esculturas que parecen reales y que
también parecen captar el instante. Las obras expresan emociones intensas al servicio de los
poderosos. Toda la mesura y el equilibrio del renacimiento se desvanecen en pro de la
expresividad y el alarde técnico.

David de Miguel Angel (1501-1504) David de Bernini (1622-1624) 

A finales del S. XVII, los europeos conocían ya el telescopio, el microscopio, la gravitación

universal, las leyes del movimiento de Newton, la presión atmosférica y las máquinas de cálculo
gracias al trabajo de los primeros científicos de la Revolución Científica. Todo ello cambiará
evidentemente la visión que del mundo tienen los hombres.
El Neoclasicismo separa de manera definitiva la creación artística de lo divino y de lo artesanal. La
base de todo es el proyecto realizable. En las artes figurativas, la base de todo es el dibujo, el fino
trazo lineal, como análisis del objeto.
El Romanticismo se opone y promueve el corazón, la pasión, lo irracional, lo imaginario, el
desorden, la exaltación, el color, la pincelada y el culto a la Edad Media y a las mitologías de la
Europa del Norte.
El notorio desarrollo industrial, sus "efectos secundarios" y la frustración con los estímulos
revolucionarios de 1848 llevan al artista a olvidarse del tema político y a centrarse en el tema
social. El manifiesto realista comprende que la única fuente de inspiración en el arte es la realidad,
no existe ningún tipo de belleza preconcebida más allá de la que suministra la realidad, y el artista
lo que debe hacer es reproducir esta realidad sin embellecerla.
Con la llegada de la Revolución industrial se multiplican la producción y creación de bienes, entre
ellos las imágenes. La litografía permite la reproducción múltiple a color. Ya es posible la impresión
masiva de imágenes a todo color. Frente a una producción en serie, deshumanizada, que no
valora al trabajador y descuida la calidad de las producciones surge en Inglaterra el movimiento
Arts and Crafts. Se ocupó de la recuperación de las artes y oficios medievales, reivindicando el
papel de los creadores, el valor de los materiales tradicionales, en una visión utópica y moralista
de la producción de muebles, tejidos, encuadernaciones, orfebrería, alfarería, calzado, vidrio
soplado, objetos decorativos y funcionales. Revalorizan las conocidas como artes menores,
pensando en una obra de arte total.
El movimiento tuvo diferentes variantes nacionales y llegó también a las colonias.

P
apel de pared
por William
Morris,1862

Lámpara de Sillas manufacturadas por Morris,  El comedor verde, uno de los trabajos de
mesa en metal Marshall, Faulkner & Co., 1863‐1865 Morris and Company
cristal, 1910
Dirk Van Erp.

En el S. XIX., un sistema nuevo para la captación de imágenes lo revolucionará todo: la fotografía.

La luz era quien dibujaba la imagen. Ya no eran necesarias habilidades especiales, años de práctica
para reproducir lo que se ve de manera verosímil. Aunque en los comienzos es de baja definición y
costosa química basada en las sales de plata además de largos tiempos de exposición... los rápidos
avances harán que se popularice cada vez más.
Grandes hitos en la historia de la foto fueron la aparición del daguerrotipo que redujo los tiempos
de exposición, la aparición del cliché fotográfico de la mano de Eastman y la casa Kodak, quien
será también el responsable de la popularización de la foto a color.
La imagen se obtiene de forma instantánea, es asequible y al alcance de muchos, se puede
reproducir muchas veces de forma idéntica. Permite a demás congelar el movimiento y analizar,
por ejemplo, el trote de los caballos como hizo Muybridge.
Tras un periodo inicial en el que copia modelos de la pintura, se usa como imagen documental
testimonial y periodística en, entre otras cosas, los conflictos bélicos. Las imágenes sirven de
nuevo para dar a conocer fenómenos, personajes y lugares que no se ven presencialmente.
Joseph Niece, tejados de París , 1826 Boulevard du Temple Louis Daguerre, 1838
La fotografía crea además su propio lenguaje, con encuadres y angulaciones que le son propios.
Acompaña y testimonia a la ciencia en muchos de sus descubrimientos. Sus innovaciones les
permiten captar detalles antes nunca observados por el ojo humano.
Pero pese a este realismo o credibilidad, bien es cierto que estas imágenes también pueden
trucarse. Bien pronto lo supieron los regímenes totalitarios y la publicidad.
Hacia finales de siglo y comienzo del siglo XX se podía ver una gran variedad de vanguardias. La
pintura se ve cuestionada como reproductora o creadora de una realidad verosímil.
El postimpresionismo, el puntillismo, el simbolismo pictórico, el expresionismo, el cubismo,
el fauvismo, el surrealismo, el futurismo darían cuenta de una sociedad que vive en revoluciones
cada vez más rápidas. Y así se revolucionan las maneras de ver y producir imágenes.
La fotografía entra a formar parte de las disciplinas artísticas, cada vez más abiertas y menos
sujetas a la jerarquía tradicional de mayores y menores Expresiones de aparición en el arte del
siglo XX, como: arte ambiental, arte cinético, arte efímero, arte postal, arte ambiental, arte
público, arte urbano, instalación, intervención, Land Art,…
Otras disciplinas artísticas, como las artes escénicas, poseen dimensiones compartidas con las
artes visuales, por lo que estas definiciones no son estrictas y se consideran también expresiones
como: arte de acción, arte interactivo, caligrafía, grafitti, happening, performance…
La fotografía renovó decisivamente los sistemas de reproducción mecánica de imágenes y la
imprenta, con el sistema offset, que reúne lo aprendido de la litografía con la nueva técnica.
Aunque este seguía siendo entonces, hasta finales del siglo XX, un terreno solo para trabajadores
especializados.
Y fue desde luego la precursora de las imágenes en movimiento, del cine. El lenguaje del cine toma
los encuadres y puntos de vista de la foto, y la lectura de imágenes de parte de los anteriores
lenguajes secuenciales de imágenes, desde las narraciones de victorias bélicas, historias sagradas,
calendarios, aleluyas o historietas. Pero por supuesto también tiene su propio lenguaje. La
secuencia como unidad narrativa es pronto educada por los creadores y captada por los
espectadores, de tal manera que hoy las tenemos asumidas como naturales. La continuidad en la
narración, el sonido fuera de cámara, las elipsis, o saltos hacia delante y hacia atrás en el tiempo,…
no hace falta que sean explicadas al espectador moderno.
El paso de lo analógico a lo digital facilitó el acceso a la creación y multiplicación de las imágenes
de manera exponencial. Las artes visuales engloban las expresiones que incorporan nueva
tecnología orientada al arte o elementos no convencionales, y su mayor componente expresivo es
visual, nuevos medios, entre los que se incluyen: arte digital, fanart ,fotografía, net.art, videoarte
La proliferación de pantallas portátiles en nuestra vida cotidiana nos sobreexpone a la visión de
imágenes tal que es difícil de asimilar. También su banalización, pues aunque toda imagen es
susceptible de transmitir una idea o mensaje quizás los contenidos ahora son más de índole
doméstica y entretenimiento.