TEMA8 El Arte Griego, Epoca Arcaica y Clasica PDF

El arte griego: época arcaica y clásica
[8.1] ¿Cómo estudiar este tema?
[8.2] La Grecia arcaica
[8.3] La cerámica griega arcaica
[8.4] Escultura arcaica
[8.5] Arquitectura arcaica
[8.6] La Grecia clásica
[8.7] Arquitectura clásica
[8.8] Escultura clásica
[8.9] Pintura clásica
TEMA
El arte griego: época arcaica y clásica
ÆVariedad de ciudades-estado o polis con distintos gobiernos (aristocracia, tiranía o

A Características de monarquía)
R la Grecia arcaica ÆElementos comunes a distintas polis: juegos panhelénicos, lengua y religión
Esquema
T ÆRenacimiento cultural: alfabeto derivado del fenicio y desarrollo literario (Homero)

E ÆDesarrollo comercial y marítimo
TEMA 8 – Ideas clave

A
R Cerámica arcaica Estilo geométrico, estilo orientalizante y estilo arcaico
C
A ARTE Escultura arcaica Kouros, Koré y escultura monumental
I
C
O Edificios de madera sustituidos por edificios de piedra
Arquitectura arcaica Surgen órdenes arquitectónicos (dórico y jónico)
ÆEsplendor político, filosófico, literario y artístico

Características de
A ÆAuge de Atenas por victorias en Guerras Médicas, pero decadencia por Guerra Peloponeso
la Grecia clásica
R ÆFin época clásica: Alejandro Magno conquista Grecia – Helenismo
T
E Arquitectura clásica Escultura clásica Pintura clásica
C ÆRe pre se ntación realista cue rpo ÆPintura sobre le citos: líne a
Edificio fundame ntal: templo
humano negra sobre fondo de blanco
L
ÆConstruido e n lugar alto ÆOrden y proporción llena de naturalismo y fle xibilidad
Á ÆInte rior: hogar de la divinidad ÆMás movimie nto y libe rtad de ÆPintura sobre ánforas: figuras
S ARTE ÆBúsqueda belleza ideal: posturas– contrapposto blancos sobre fondo negro
I órdenes, re finamiento y escala ÆArmonía y be lleza ide al pe ro demasiado teatral y forzado
C humana ÆRe pre se ntación de ropajes ÆPolicromía de colores vivos en
O ÆTemas: mitología clásica y hé roes arquite ctura y escultura más
olímpicos vive za y re alismo
ÆEstilo se vero y e stilo clásico
Arte antiguo y medieval
Ideas clave
8.1. ¿Cómo estudiar este tema?
Para preparar este tema debes estudiar las Ideas clave y el capítulo 5 (páginas 155-
215) del manual de referencia de la asignatura, Historia general del arte.
Comenzaremos con el estudio del arte griego, antecedente directo del arte europeo que
ha influido hasta nuestros días, centrándonos en el arte de época arcaica y de época
clásica.
8.2. La Grecia arcaica
Con la caída de la civilización micénica comenzaron los llamados Siglos Oscuros de la

historia de Grecia. El país fue invadido por nuevos pueblos venidos del norte: los
dorios, que se instalaron en la Grecia peninsular, y los jonios, que ocuparon las islas
griegas y la costa de la actual Turquía.
La información que tenemos de esta etapa es escasa, ya que la escritura Lineal B dejó
de utilizarse, desapareciendo así los testimonios escritos sobe este periodo. Sí que se
sabe que la sociedad se volvió fundamentalmente rural, muchos avances técnicos se
olvidaron y el comercio con otras regiones se redujo drásticamente.
En el siglo VIII a.C. empezó a surgir una nueva civilización heredera de la micénica
pero muy diferente de ella en muchos aspectos: la civilización griega arcaica. Como
fecha clave que muestra este cambio se suele proponer el año 776 a.C., año de las
primeras olimpiadas.
Características de la Grecia arcaica
Organización territorial a base de ciudades-estado, llamadas polis, cada una

con su propia estructura política, social e incluso religiosa (cada ciudad tenía un dios
especialmente protector, como ocurría en Atenas con Atenea, en Olimpia con Zeus,
en Delfos con Apolo, en Éfeso con Artemisa, etc.)

Políticamente, las formas de gobierno más habituales son:

o Monarquía: se mantiene en las regiones del norte, como Macedonia.
o Aristocracia: son un conjunto de nobles los que gobiernan al resto de los
ciudadanos.
o Tiranía: son muy habituales en esta época arcaica, su inicio suele estar en un
personaje que, en momentos de crisis, toma el poder apoyado por el pueblo y lo
ejerce en solitario. Algunos de ellos alcanzaron gran renombre, como Pisístrato
en Atenas, y fueron mecenas decididos del arte en su ciudad.
A pesar de la dispersión de estas ciudades-estado había elementos comunes que

creaban un sentimiento de unidad: las fiestas panhelénicas (juegos olímpicos,
píticos, nemeos e ístmicos), la lengua griega y la religión.
A la vez, la rivalidad entre las distintas ciudades-estado era muy grande, de modo
que los enfrentamientos militares entre diferentes polis eran bastante
habituales.
Nuevo sistema de escritura, no basado en el Lineal B, sino en el alfabeto fenicio, lo

cual proporcionó más testimonios escritos y obras literarias como la Ilíada y la
Odisea, de Homero.
Mayor desarrollo comercial y marítimo, que propició:

o El contacto con otras civilizaciones como Egipto y Mesopotamia.
o La conquista de Sicilia y el sur de Italia, conocido como Magna Grecia, lo cual
facilitó el contacto con los etruscos.
o El establecimiento de colonias comerciales en zonas como el sur de Francia o el
actual Levante español.
8.3. La cerámica griega arcaica
Uno de los productos más comercializados por los griegos fueron las manufacturas de
cerámica, lo que fomentó el incremento de calidad del trabajo de alfarería. Tal vez por
eso, en la primera etapa del arte griego arcaico, la evolución artística y el incremento de
calidad más importante se observó en el trabajo de cerámica.

Principales tipos de cerámica griega:
Ánfora: vasija alta y con dos asas junto al cuello, ya terminada en pie chato, ya en
punta y de forma fusiforme para colocarla en este caso hundida en el suelo arenoso o
sobre un montante y cuyo destino era el de guardar y transportar líquidos y granos.
Crátera: vasija grande con boca ancha y dos asas o mangos hacia el tercio interior de
la parte ventruda que servía para mezclar en ella el agua y el vino.
Hidria: gran vasija a modo de tinaja provista de tres asas dispuestas de modo que
pueda volcarse fácilmente y que se destinaba a depósito de agua.
kílix o cáliz: copa de poco fondo, ancha y con dos asas.
Lécito o lekythos: frasco de estrecho y largo cuello con asa en el mismo destinado a
guardar aceite o perfumes.
Pithos: gran vasija esferoidal y de boca estrecha.
El estilo geométrico (s. VIII a.C.)
El primer estilo presente en la cerámica griega arcaica es el estilo geométrico,

denominado así por los motivos decorativos utilizados. Las principales características
de este estilo son:
Finalidad funeraria: se trata de ánforas y vasijas utilizadas para hacer ofrendas a

los difuntos. También son útiles para estudiar las creencias de esta cultura, más
centrados en alabar la vida del difunto que en definir la existencia tras la muerte.
Decoración a base de dibujos abstractos (como triángulos, cuadrados o círculos

concéntricos, muchas veces colocados en bandas horizontales), figuras humanas y
animales esquemáticos (construidos a base de figuras geométricas como
triángulos, círculos o rombos).
No hay representación del espacio ni perspectiva, así que todas las figuras se
representan de forma que se puedan ver claramente: los caballos se ponen unos
más arriba que los otros para indicar que se encuentran en hilera, las cosas que
deberían estar tumbadas se ponen de medio lado para que se vean (como el difunto
sobre la camilla del Vaso de Dipilon).

El estilo orientalizante (s. VII a.C.)
El contacto con Asia Menor a través de las polis jonias y las relaciones comerciales
con los fenicios, un pueblo marinero asentado en la actual Siria, propició la aparición
del estilo orientalizante. Esto produjo la llegada de objetos artísticos orientales así
como la introducción en Grecia del gusto por lo exótico y lujoso del arte oriental. Todo
ello animó a los griegos a introducir cambios en la forma de representar escenas en las
vasijas de cerámica, experimentando nuevas soluciones plásticas que aún tienen
un cierto carácter experimental.
Características del estilo orientalizante
ÆIntroducción de figuras de animales, de clara inspiración oriental, como leones,

monstruos alados o combates de fieras.
ÆIntroducción de nuevos motivos decorativos: líneas curvas, espirales, bandas
entrelazadas, palmetas, florones…
ÆIntroducción de nuevos temas de carácter narrativo, tomados de los mitos y
leyendas griegos.
ÆCombinan la representación de siluetas (figuras con la línea pintada pero el interior
en blanco) con figuras macizas (con el interior pintado del mismo color que la
línea).
ÆMayor realismo y menor esquematización en el tratamiento de las figuras,
intentando representar la anatomía del cuerpo humano (para lo cual recalcan las
articulaciones, como las rodillas).
Se pueden diferenciar dos estilos:
Protoático: en torno a la ciudad de Atenas. Se caracteriza por dotar a las figuras de

un mayor vigor dramático. Destaca el Vaso de Eleusis.
Protocorintio: en torno a la ciudad de Corinto. Se caracteriza por utilizar gran
variedad de motivos animales tratados con gran realismo y vitalidad.
La pintura arcaica de cerámica (s.VII-V a.C.)
La experimentación del estilo orientalizante cuajó en un nuevo estilo denominado

estilo arcaico, con un carácter más griego pero que recoge todos los avances del
periodo anterior. El nuevo estilo tendrá un gran auge y demanda en el exterior, lo cual
llevará a una gran valoración de estas obras y de los artesanos que las han
realizado: cada vasija se decora con pinturas originales que no suelen repetirse, los
talleres cerámicos se representan en las pinturas de las vasijas, los artesanos firman con
su nombre las obras realizadas, etc.

Características generales de esta etapa
ÆLas vasijas tienen menor tamaño que en épocas anteriores, ya que no suelen tener
una función funeraria sino un uso doméstico y decorativo.
ÆLos temas suelen estar tomados de la mitología y las leyendas griegas, pero
también se representan escenas de la vida cotidiana.
ÆDestaca la cerámica ática, realizada en la ciudad de Atenas y sus alrededores.
ÆLas figuras representadas son macizas, sin alternar con siluetas, como en el periodo
anterior. Sí que varía el color con el que se rellenan estas figuras, lo cual permite
diferenciar dos estilos diferentes.
Durante este periodo, se diferencian dos estilos sucesivos en el tiempo: estilo de

figuras en negro y estilo de figuras en rojo.
Estilo de figuras en negro:
Las figuras representadas son de color negro, destacándose sobre el rojo de la

arcilla de la vasija, y completándose con detalles que dan un mayor brillo y realismo,
como líneas realizadas con estilete o pequeñas pinceladas de pintura blanca o
purpurina.
Las figuras se caracterizan por su esbeltez y su elasticidad, así como por la fuerza y
el dramatismo de algunas de las escenas representadas. Además, se aprecia un
intento de representar la tridimensionalidad y un mayor realismo: figuras
enteramente de perfil, imágenes diagonales (en escorzo) que introducen profundidad,
superposición de planos al representar varias figuras, etc.
Dentro de este estilo destaca el vaso François, una crátera con decoración pictórica
dividida en bandas horizontales, entre las que destacan representaciones mitológicas
con una gran variedad iconográfica y tratadas con una gran minuciosidad. Otra obra
destacada es el Ánfora vaticana, obra del pintor Exequias, en uno de cuyos lados
se encuentra la escena de Aquiles y Áyax jugando a los dados, interesante porque,
dentro de su temática heroica, presta atención a una escena cotidiana, un momento de
relajación que se aprecia incluso en la forma de representar la anatomía de las dos
figuras.

Estilo de figuras en rojo:
En este periodo se invierten los colores utilizados en la etapa anterior: las figuras son
de color rojo y el perfil y las líneas interiores se realizan con pintura negra
aplicada en finas líneas.
Esto permite introducir un mayor realismo y un mayor número de detalles en el

rostro, en las vestiduras, etc., lo cual da a las figuras una mayor expresividad en los
rostros y una gran flexibilidad en el cuerpo y los ropajes.
Además, al estar el dibujo más definido se pueden representar escorzos con más
facilidad, por ejemplo, empiezan a aparecer pies dibujados de frente.
Resumen: cerámica arcaica
Estilo geométrico Estilo orientalizante Estilo arcaico
ÆFinalidad funeraria ÆIntroducción rasgos de ÆVasijas de menor

ÆDecoración: motivos Oriente: experimental tamaño (uso doméstico y
abstractos y figuras a base ÆInfluencia oriental: decorativo)
de formas geométricas leones y animales ÆTemas: mitológicos,
ÆNo hay perspectiva: se luchando pero también cotidianos
muestra todo: fuerzan ÆNuevos motivos ÆFiguras siempre macizas
puntos de vista decorativos más dinámicos ÆImportante cerámica
ÆNuevos temas de ática (Atenas)
carácter más narrativo ÆDos estilos: figuras rojas
ÆMezclan siluetas con sobre fondo negro y figuras
figuras macizas negras sobre fondo rojo
ÆMayor realismo en
representación figuras
ÆDos estilos: protoático y
protocorintio
8.4. Escultura arcaica
Durante el periodo geométrico y orientalizante existen, además de la cerámica,

pequeñas esculturas, en metal o marfil, cuyas características son similares a las de las
pinturas comentadas.

En cambio, en el periodo arcaico las esculturas más abundantes son figuras

monumentales, de tamaño natural, en piedra tallada. Destacan por su perfección
técnica, que probablemente revele contactos de los artistas locales con los escultores
egipcios.
Kourós y koré
La mayor parte de las figuras representadas tienen forma humana, de hombre o mujer
joven, por lo que se denominan genéricamente como kourós (hombre joven) y koré
(mujer joven).
Las características de estas esculturas son:
Influencia del arte egipcio: por ejemplo en su carácter cúbico

(que muestra su dependencia respecto al bloque de piedra), la
posición del cuerpo (con los brazos extendidos, las manos cerradas
y una pierna adelantada) o la forma de resaltar elementos
anatómicos (como las rótulas o el arco del abdomen).
Gran rigidez.
Tratamiento geométrico de los cabellos, que recuerdan más
a una peluca que al cabello natural.
Sin embargo, a diferencia del arte egipcio no son relieves, sino
figuras totalmente exentas, con espacios vacíos entre las
extremidades, lo cual requiere mayor maestría técnica.
Los rasgos son estereotipados, sin buscar la individualización.
Inexpresividad: los ojos son grandes y almendrados, pero sin
expresión. Aunque se les representa sonriendo, se trata de un gesto
convencional, pero tan habitual que se suele calificar como
“sonrisa arcaica”.

A lo largo del periodo arcaico, estas esculturas van evolucionando hacia un mayor
detallismo anatómico, una mayor elasticidad que va diluyendo la rigidez de las figuras y
un mayor refinamiento en el tratamiento de los cabellos y de los pliegues de los
vestidos.
De entre estas figuras destacan la Dama de Auxerre entre las representaciones

femeninas y el Caballero Rampín entre las representaciones masculinas.
Escultura arquitectónica
Además de la escultura exenta, la escultura en piedra de época arcaica también se

encuentra en ocasiones decorando los edificios, en combinación con la arquitectura, a
la que complementa. En este caso, es importante tener en cuenta la ley del marco.
La ley del marco indica que las figuras escultóricas que decoran un edificio deben
ajustarse al marco arquitectónico en que se encuentran, por lo que su forma
estará determinada por el espacio en el que se vayan a situar.
En los templos griegos, hay tres espacios en los que se suelen colocar
representaciones escultóricas: el friso, el tímpano y las columnas.
Es el espacio horizontal que separa las columnas del tejado. Suele estar
Friso decorado con relieves, que pueden ocupar toda la longitud del friso (friso
corrido) o formar espacios rectangulares (metopas) separados por triglifos.
Es el espacio triangular que se encuentra en el centro del frontón, bajo el

Tímpano
tejado.
Pueden tener forma humana. Si tienen forma masculina se llaman

Columnas
atlantes y si tienen forma femenina se llaman cariátides.
En el caso del tímpano, la representación debe adaptarse a la forma triangular del

espacio, lo cual resulta bastante complicado de lograr. Se puede optar por dos
soluciones:
Realizar imágenes de diferentes tamaños: más pequeñas en los extremos y

mayores en el centro. El resultado es poco realista, aunque a menudo tiene un
significado simbólico, pues las figuras centrales tienen mayor importancia que las de

los extremos. Será la solución más habitual en los primeros años del arte arcaico
griego, y así se aprecia en el frontón del Templo de Artemisa en Corfú.
Modificar las posturas de las figuras para que se adapten a la forma del tímpano:
así se sitúan figuras tumbadas en los extremos, acuclilladas o inclinadas en la zona
media y de pie en la parte central. Se trata de una solución más naturalista y en poco
tiempo se convertirá en la representación más habitual, como se ve en el Templo de
Egina.
Esta evolución es una muestra de los cambios que experimentó la escultura

monumental durante la época arcaica. Las primeras representaciones son poco
realistas, pero en cambio tienen una gran vitalidad y un enorme dinamismo, que
les hace, por ejemplo, sobrepasar el espacio arquitectónico en que se encuentran para
acercarse al espectador. Un ejemplo es la representación de Gorgona en el Templo de
Artemisa en Corfú.
Poco a poco, las representaciones van ganando realismo y aprovechan la

profundidad del marco arquitectónico para dar sensación de profundidad en la
escena, aunque mantienen su expresividad. Un ejemplo es el friso del Tesoro de Sifnos
en Delfos.
En las últimas obras la tendencia al realismo culmina en un gran dominio de la

forma humana pero la expresividad se sustituye por una gran dignidad y nobleza.
Las composiciones buscan transmitir equilibrio, serenidad y armonía, valores que
culminarán en el arte griego clásico. Un ejemplo es el frontón del Templo de Afaia en
Egina.
8.5. Arquitectura arcaica
Lo más característico de la arquitectura de época arcaica es la progresiva sustitución de

la arquitectura en madera por edificios construidos en piedra. Se comienzan a
utilizar los órdenes clásicos, sobre todo el dórico y en algún caso esporádico el
jónico, que alcanzaran su madurez en el periodo clásico.

8.6. La Grecia clásica
El periodo clásico de la historia de Grecia comprende los siglos V y IV,

aproximadamente desde el inicio de las guerras médicas en el 490 a.C. hasta la
muerte de Alejandro Magno en el 323 a.C.
Se trata del periodo de esplendor de la civilización griega, tanto en política, como

en filosofía, en literatura y, por supuesto en arte. Este esplendor, aunque se extenderá
por todo el territorio griego, tendrá como ciudad más destacada la polis de Atenas.
Es el momento en el que Esquilo, Sófocles y Eurípides escriben sus tragedias o

Heródoto sus obras de historia, es el momento en el que Sócrates, Platón y Aristóteles
exponen su pensamiento filosófico y es la época de la consolidación de la democracia,
gracias a las reformas políticas llevadas a cabo sucesivamente por Solón, Clístenes y
Pericles.
Parte de esos avances políticos y culturales de Atenas se debieron a la posición

hegemónica que esta polis obtuvo tras las dos Guerras Médicas (490-449), en
defensa contra las invasiones de los reyes persas. Sin embargo, la Guerra del
Peloponeso (431-404), acabó con la posición proponderante de Atenas, primero a
favor de Esparta y posteriormente de otras polis como Tebas y Corinto, que la
mantendrían hasta las conquistas de Filipo II de Macedonia y su hijo Alejandro Magno.
En este contexto tuvo lugar el gran desarrollo del arte clásico griego.
8.7. Arquitectura clásica
El edificio más destacado de la arquitectura griega es el templo.
Aunque se conservan ejemplos de casas de la época, tanto ricas como modestas,

ninguna fue tan cuidada como la construcción de los templos a las divinidades. Tal vez
la razón sea que el sistema democrático no propiciaba dinastías de gobernantes con
grandes palacios, pero sí que favorecía la concentración de los esfuerzos de la polis
hacia un elemento común que era compartido por todos y que les identificaba como

habitantes de una misma ciudad: el culto a la divinidad o divinidades protectoras de la

polis.
Por eso mismo, los grandes recintos sagrados solían

colocarse en lo alto de colinas o mesetas, razón
por la cual se les denominaba acrópolis, ciudades
altas. Sus cimientos se apoyaban sobre roca viva,
que se apisonaba o se rellenaba para colocar un
basamento recto.
Sin embargo, los templos no eran lugares de culto

como los actuales: no estaban previstos para acoger a los fieles en el interior, sino que
las ceremonias (por ejemplo, procesiones) tenían lugar en el exterior, como una
reminiscencia de los cultos al aire libre de las civilizaciones cretense y micénica. El
interior quedaba reservado para acoger las esculturas del dios titular, que en
muchas ocasiones eran imágenes de gran tamaño y ricamente trabajadas: las esculturas
de Atenea para el Partenon y de Zeus para el santuario de Olimpia, ambas realizadas
por Fidias, eran “crisoelefantinas”, es decir, estaban realizadas con oro y marfil.
El templo se entendía así como una casa de la divinidad, y tal vez por eso, el modelo
que seguían estos templos era el del hogar tradicional desde época micénica,
estructurado en torno al mégaron.
La arquitectura griega se basaba en modelos fijos, que se aplicaban con continuidad en

diferentes espacios y para distintas funciones. Es significativo que estos modelos
reciban el nombre de “órdenes”: para los griegos era importante saberse una
civilización ordenada que sabía imponer la regularidad y la armonía sobre los
desórdenes del mundo. Las escenas que representan preferentemente en la escultura
decorativa son la gigantomaquia (lucha de dioses contra gigantes),
centauromaquia (lucha de los lapitas contra los bárbaros centauros) y
amazonomaquia (lucha de griegos contra las salvajes amazonas). El tema común en
todos ellos es el triunfo del orden sobre el caos, de la civilización sobre la barbarie.
Pero estos modelos ordenados no son rígidos, ni excesivamente estrictos. El arte griego,
incluso en época clásica, se caracterizó por su afán de experimentación para solucionar
algunos de los problemas que surgían en las construcciones hasta alcanzar la belleza
perfecta. Fruto de esta experimentación son los “refinamientos”, pequeñas

alteraciones en la forma de los elementos para lograr una sensación más bella. A pesar
de la sensación de simetría y geometrismo que produce un templo griego, las líneas
utilizadas pocas veces son totalmente rectas, sino que se introducen pequeñas
curvaturas para dar una mayor sensación de flexibilidad y evitar un aspecto
excesivamente pesado. Algunas de estas correcciones son:
Éntasis: consiste en estrechar ligeramente la columna en la parte superior y

ensancharla en la parte inferior. Es una característica propia del orden dórico.
Curvaturas en la grada y el entablamento, que tienen forma cóncava, igual que
cada uno de los ábacos que coronan los capiteles e incluso el frontón.
Disposición de las columnas: todas ellas se inclinan ligeramente hacia el
interior.
Profundización en las acanaladuras del fuste de las columnas: las acanaladuras
son más profundas en la parte superior que en la inferior.
Estos refinamientos están especialmente presentes en el Partenón, en Atenas, en el que

prácticamente no existe ninguna línea totalmente recta.
Los refinamientos prueban que los griegos no ponían la norma como valor supremo,
sino que por encima de ella se encuentra el hombre: frente a la magnificencia del arte
egipcio u oriental, el arte griego está concebido a la medida del hombre, a escala
humana.
CARACTERÍSTICAS DE LOS ÓRDENES GRIEGOS

Dórico Jónico Corintio
Orden austero y recio Orden delicado y elegante Orden refinado y estilizado
Columnas robustas Columnas esbeltas Columnas muy esbeltas
No basa Sí basa
Fuste grueso y con éntasis Fuste alto y delgado
Aristas de cantos vivos Aristas de cantos planos y menos pronunciados
Capitel: volutas, ábaco
Capitel: equino y ábaco Capitel: hojas de acanto
estrecho
Cornisa muy volada Cornisa menos volada
Arquitrabe liso Arquitrabe dividido en tres bandas
Friso: metopas y triglifos Friso corrido (sin compartimentar)

Consulta en el + Información el vocabulario básico de los órdenes griegos.

Frente a esta reglamentación precisa de las columnas y otros elementos sustentantes

del edificio, la planta de los templos era menos homogénea y dependía de varios
factores: el tamaño que debía tener el edificio, el espacio en el que se situaba, la
divinidad a la que estaba destinado, etc.

La arquitectura clásica griega no surgió espontáneamente, sino que se pueden apreciar

en ella la influencia de otros estilos artísticos anteriores: de la arquitectura egipcia,
de la micénica y de los pre-helénicos.
De la arquitectura egipcia toman:
El uso de la piedra como material, colocadas unas sobre otras, sin argamasa.
El abundante uso de columnas.
La inspiración vegetal de las columnas (con forma de papiro en Egipto, con
decoración de volutas y hojas de acanto en los capiteles griegos).
Las columnas decoradas con estrías, cuyo origen probablemente esté tomado de los
haces de cañas que sostenían los hogares primitivos en Egipto, y que
proporcionaban a las columnas un claroscuro que, probablemente, resultaría muy
hermoso para los arquitectos griegos.
De la arquitectura micénica toman:
La estructura del edificio, que se basa en los palacios micénicos, en concreto del
mégaron. Los griegos toman el modelo de la residencia real micénica porque, como
hemos indicado, conciben el templo como el hogar de la divinidad.
Los relieves decorativos, pudiendo considerar relieves como los de la Puerta de
los leones como antecedente de los relieves que decoran los tímpanos de los templos.

De los templos pre-helénicos, de madera, construidos en los siglos oscuros y en los

primeros tiempos de la época arcaica ha quedado la imitación de ciertas soluciones
constructivas propias de la edificación en madera, como los triglifos, que imitan el
final de las vigas en la arquitectura de madera.
Los templos más conocidos del arte griego se encuentran en ciudades y santuarios
famosos: Delfos, Delos, Mileto, Epidauro, Eleusis… Destacan especialmente los
templos de Paestum y las construcciones de la Acrópolis. El Templo de Artemisa
en Éfeso, de estilo jónico, fue considerado una de las siete maravillas del mundo
antiguo, pero fue destruido por un incendio y no se conserva casi nada de él.
Los templos de Paestum
Están situados en el Sur de Italia. En esta ciudad se conservan, entre otras ruinas, dos
templos dóricos, muy tempranos, conocidos como la Basílica y el Templo de Poseidón.
La Basílica constituye un vínculo entre el arte arcaico y el clásico por su aspecto

robusto y macizo, que se debe al grosor de sus columnas y a la escasa distancia que
hay entre ellas.
El Templo de Poseidón resulta más esbelto por el adelgazamiento de las columnas,
por lo que se encuentra más cerca del estilo clásico.
La Acrópolis
En las construcciones de la Acrópolis, el arte clásico, tanto dórico como jónico,

alcanza su más perfecta y depurada expresión. Las más destacadas son:
El Partenón: la construcción más destacada de la Acrópolis es el templo dedicado a

Atenea Parthenos (que significa virginal), la diosa protectora de la ciudad. Es un
templo dórico, períptero y octástilo. Está decorado con magníficos relieves que
representan el nacimiento de Atenea, su disputa con Poseidón o la procesión en su
honor durante las fiestas Panateneas. En su construcción se han cuidado
especialmente los “refinamientos” ópticos logrando transmitir una sensación de
flexibilidad más que de rigidez.

Los Propileos: son dos edificios casi simétricos que sirven de pórtico de entrada a
la acrópolis. El edificio se adapta al terreno abrupto convirtiéndolo en una magnífica
construcción dórica. En una de sus alas se encontraba la primera pinacoteca o
museo de pintura de la historia.
El templo de Atenea Niké: el nombre significa “Atenea Victoriosa”, ya que se

trata de un pequeño templo construido para conmemorar la victoria griega sobre los
persas en Salamina. Es un templo anfipróstilo y tetrástilo. En este caso el orden
empleado es ya el jónico. Destacan los relieves del friso y del parapeto, que
representa una procesión de victorias aladas.
El Erecteion: se trata de un complejo templo con varias alas diferentes entre sí,
cuya planta irregular se debe a la difícil orografía del terreno. Cada una de sus
estancias estaría dedicada probablemente a una divinidad distinta, como Erecteio,
rey de Atenas, la propia Atenea y Poseidón. También se trata de un templo jónico.
Lo más característico de este edificio es el Pórtico de las Cariátides, una
columnata con esculturas en forma de mujer, de pose elegante, que destacan por la
finura del modelado de los paños pegados al cuerpo y por la serena belleza de sus
rostros.
El orden corintio y los edificios construidos con posterioridad a la época de Alejandro

Magno se estudiarán en el tema 9.
8.8. Escultura clásica
El periodo griego clásico es el momento en el que la escultura alcanza el pleno dominio

en la representación del cuerpo humano, incluyendo las correctas proporciones, el
movimiento del cuerpo y las vestiduras, la expresión de sentimientos y la belleza ideal.
Características generales
1. Interés por la representación realista del cuerpo humano. Siguiendo la

filosofía de Protágoras, según la cual “El hombre es la medida de todas las cosas”, la
escultura tendrá como principal objeto la representación del cuerpo humano,
masculino y femenino. Por esa razón, dejarán en un segundo plano la representación

del entorno natural, que tanto había interesado a los egipcios, o las representaciones de
animales, en las que Mesopotamia había demostrado su maestría.
2. Búsqueda del orden y la proporción, aplicando las matemáticas para llegar a la

representación perfecta. En este sentido el escultor Policleto escribió un tratado
llamado Canon sobre las proporciones que debía seguir la representación del cuerpo
humano, teoría que luego plasmó en su escultura el Doríforo.
3. Mayor movimiento y libertad de posturas. Frente a la rigidez y a la forzada

simetría del periodo arcaico, la escultura clásica representará imágenes más relajadas y
con un sentido del equilibrio más natural. Lo lograrán equilibrando las distintas partes
del cuerpo: un brazo doblado y otro extendido, una pierna flexionada y la otra recta
sosteniendo el peso. Esta forma de representar las figuras se denomina
contrapposto.
El contrapposto es la forma de representar la figura humana disponiendo

armónicamente las distintas partes del cuerpo humano de modo que las extremidades
en tensión y las extremidades relajadas queden equilibradas.
4. Búsqueda de la armonía y la belleza perfecta. La escultura griega clásica no

representa toda la realidad, sino que selecciona aquellos rasgos que le permiten
representar la belleza ideal.
5. Dominio en la representación ropajes. Además de representar con fidelidad la

anatomía humana, los griegos también destacaron en la representación de los ropajes.
Podían ser de dos tipos:
Tejidos gruesos, como túnicas o mantos: en ese caso, los tejidos al caer formaban
pliegues pesados y blandos, que los griegos trataron de representar con
fidelidad estudiando del natural la forma que tenían estos pliegues.
Tejidos ligeros como velos: en ese caso son pliegues pequeños y finos, con un
trazado asimétrico y nervioso y suelen representarse muy pegados al cuerpo,
como si estuvieran mojados, de manera que se adivine el cuerpo humano bajo las
vestiduras. A esta técnica, que permite combinar la habilidad en la representación de
la anatomía con el tratamiento de los pliegues de los tejidos, se le denomina técnica
de los paños mojados.

La técnica de los paños mojados consiste en representar las trasparencias del

cuerpo humano producidas cuando la ropa está mojada
6. Los temas más habituales en la escultura son la mitología clásica y los juegos
olímpicos:
La mitología clásica incluye a todos los dioses y héroes del Olimpo griego y los
mitos y leyendas protagonizados por ellos. Se incluyen también los relatos de la
Ilíada y la Odisea.
Los juegos olímpicos: los participantes en los juegos y sobre todo los vencedores
serán los protagonistas de abundantes representaciones escultóricas, como el
Auriga de Delfos, el Discóbolo, el Doríforo o el Diadúmeno.
Por último, hay que señalar que, por desgracia, no se conservan apenas obras
originales, sino copias, contemporáneas o muchas veces romanas; y además el estado
de conservación es en ocasiones lamentable.
Estilo severo (480-450 a.C.)
El estilo severo es el primero de los estilos escultóricos del periodo clásico. Su

nombre viene de la expresión que caracteriza a las esculturas realizadas en esta etapa:
la sonrisa arcaica desaparece y es sustituida por una expresión seria y meditativa.
Lo más significativo de este periodo es que se abandona la rigidez del periodo

arcaico: las nuevas esculturas intentan introducir un mayor movimiento y muestran
igualmente un mayor realismo en la representación de la figura en reposo, gracias al
empleo del contrapposto, que se empieza a utiliar en estos momentos.
Las obras más destacadas de este estilo son: Efebo de Kritios, Auriga de Delfos,
Discóbolo de Mirón, Doríforo de Policleto y Poseidón.
Efebo de Kritios: en él se aprecia ya el uso del contrapposto, que proporciona un

mayor realismo en vez del simetrismo artificioso del arte arcaico.
Auriga de Delfos: representa a un deportista, un conductor de carro, cuya victoria se

conmemoró con esta imagen. En este caso sí que se trata de una escultura original, en

bronce. El personaje está vestido, así que en vez de por su estudio anatómico resulta
interesante por la representación de los pliegues de su ropaje. Su expresión es solemne
y serena, pensativa, pero los restos de policromía y la taracea conservada en los ojos le
aporta aún cierta expresividad.
Discóbolo de Mirón: también en este caso se sigue la línea de representación

egipcia: la cabeza está representada de perfil, el tronco de frente y las piernas de perfil,
pero no resulta una postura forzada, como en Egipto, sino natural por la acción que
está realizando: se trata de un deportista olímpico lanzando un disco. La escultura
introduce también una mayor variedad de puntos de vista que acaba en cierta manera
con la frontalidad de las esculturas precedentes.
Doríforo de Policleto: escultura que representa a un portador de lanza. El autor

intentó plasmar en él las proporciones perfectas matemáticamente estudiadas, razón
por la cual la figura fue bautizada como Canon. Otra conocida obra suya es el
Diadúmeno, que también representa a un deportista, en este caso atándose una cinta
en el pelo, y que muestra el mismo interés por la anatomía humana.
Apolo en la batalla entre lapitas y centauros: escena procedente de uno de los

frontones del Templo de Zeus en Olimpia. Mantiene la perfección técnica que se
aprecia en la suavidad de los contornos, pero introduce un mayor dinamismo (a base
del entrelazamientos de las figuras) y un mayor interés por la expresión de
sentimientos como la tensión, el dolor o la repulsión.
Poseidón: también se trata de una figura original en bronce, que se hundió al

naufragar el barco que la transportaba y fue rescatada del mar ya en el siglo XX.
Destaca por su excelente estudio anatómico y por el dinamismo que transmiten las
líneas abiertas de los brazos y las piernas. Aun así, se puede ver aún la dependencia de
las representaciones del arte egipcio: tiene la cabeza de perfil, el torso de frente y los
pies de perfil.
Estilo clásico (450-400 a.C.)
El estilo clásico se caracteriza por su naturalidad y fluidez. Las esculturas han

perdido cualquier rastro de rigidez y predomina en ellas aire fluido y sereno y un gran
dominio del equilibrio.

La representación del cuerpo humano, bien sea desnudo bien sea a través de sutiles
vestiduras mediante la técnica de los paños mojados, se realiza sin problemas técnicos y
la sensación que transmiten las imágenes es de una gran belleza ideal y armonía.
Además, frente a la expresión ausente de la mayor parte de las escultura precedentes,

en el periodo clásico se introduce también en los rostros una expresión de
sufrimiento sereno y noble que se conoce con el nombre de pathos.
Las esculturas más representativas de este periodo son Nióbide moribunda y las
esculturas de Fidias.
Nióbide moribunda: representa a una de las hijas de Niobe, asesinada con flechas
por Artemisa debido a las burlas de su madre hacia la madre de la diosa. La joven ha
sido representada en el momento en que intenta arrancarse de la espalda la flecha que
acaba de herirle. Se trata del primer desnudo femenino de gran tamaño y revela que el
dominio anatómico de los escultores se extendía también al cuerpo femenino, más
blando y menos musculoso que el masculino. La expresión de su rostro revela el digno
sufrimiento que, como hemos indicado, se suele denomina pathos.
Fidias: fue un importante escultor, amigo de Pericles, quien le encomendó la

supervisión de las obras de la Acrópolis. Se sabe de él que realizó dos grandes
esculturas de Atenea para la Acrópolis (una para el Partenón y otra para estar situada
frente a los Propileos) y otra gran imagen de Zeus para el santuario de Olimpia.
También se le atribuyen los relieves de los frontones y frisos del Partenón, pero sin
saber hasta qué punto pudo ser realmente su autor. Destaca en estas obras la
naturalidad del movimiento de las figuras, que transmite fluidez y armonía, y la
solemnidad de las escenas representadas. Las obras más representativas son:
El nacimiento de Atenea: representado en uno de los frontones, se puede ver a

los dioses que contemplan el nacimiento de la diosa, destacando la imagen de
Dionisos y de tres diosas reclinadas, llenos de naturalidad, sin ninguna tensión.
Procesión en honor de Atenea: representada en el friso, destaca por la armonía

de la composición, con un gran equilibrio rítmico.

La importancia de la figura de Fidias hizo que se puedan considerar herederas de su

estilo otras esculturas conservadas de este periodo. Algunas de ellas son:
Victorias aladas (Nikei) del templo de Atenea Niké, en la Acrópolis de Atenas:

muestra una procesión de personificaciones de la Victoria, que destacan por su
elegancia y la delicadeza del tratamiento de las vestiduras, a base de finísimos
tejidos que se pegan al cuerpo dejando intuir la anatomía. Destaca la representación
de la Niké calzándose.
Estela funeraria de Hégeso: relieve funerario que representa a una dama de la

nobleza sentada eligiendo unas joyas de un cofre que le presenta una criada. Lo más
llamativo es la delicadeza de los gestos y del modelado, y de la forma de representar
la profundidad, dejando en un bajorrelieve muy sutil los elementos más alejados.
Resumen: escultura clásica
ÆInterés por representación realista cuerpo humano

ÆBúsqueda del orden y la proporción
ÆMás movimiento y libertad de posturas– contrapposto
ÆBúsqueda de armonía y belleza ideal
ÆDominio representación ropajes, gruesos o finos – paños mojados
ÆTemas: mitología clásica y héroes olímpicos
ÆDos estilos consecutivos: estilo severo y estilo clásico
8.9. Pintura clásica
Si son pocas las esculturas originales que se conservan del periodo clásico, todavía son
menos las pinturas que han llegado hasta nuestros días. No se conservan pinturas
murales ni pinturas sobre tabla, así que los únicos ejemplos que nos quedan de
pintura es sobre cerámica.
En este periodo tienen un valor especial las pinturas de línea negra sobre fondo
blanco, que se suelen encontrar sobre pequeñas vasijas llamadas lecitos, destinados a
guardar aceites o perfumes. Lo más interesante de ellas es la limpieza de la línea y la
finura en el trazado, que permite representar con detalle los pliegues de los vestidos,
la expresión del rostro y el volumen de los cuerpos, dando sensación de profundidad.

Por otro lado, continúan las representaciones sobre ánforas, de mayor tamaño que los
lecitos y que suelen representar figuras blancas sobre fondo negro. En este caso,
las representaciones han perdido el naturalismo y la flexibilidad de periodos anteriores,
y el intento por mostrar expresividad dramática resulta forzado y excesivamente
teatral.
Por último, al hablar de la pintura tenemos que hacer referencia a la policromía que
se utilizaba tanto en la arquitectura como en la escultura. Los edificios de mármol y las
esculturas que han llegado hasta nuestros días han perdido casi toda la policromía,
dando la impresión de que se trata de obras de un color uniforme o de un blanco
lechoso. Sin embargo, algunos restos conservados en figuras, por ejemplo en el Auriga
de Delfos, nos indican que las esculturas y los relieves de los edificios solían
policromarse para dotarles de un mayor realismo, y probablemente de colores
vivos y brillantes. No se sabe mucho de la técnica ni de los materiales empleados,
pero sí se sabe lo suficiente como para rechazar la imagen de un arte frío y blanquecino
y sustituirlo por otro más animado y colorido.

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cerámica arcaica y la exploración en detalle de obras como el Ánfora de Exequias.
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observar desde diferentes puntos de vista.
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http://maps.google.com/maps?ll=37.970861,23.726194&spn=0.01,0.01&t=k&q=37.97
0861,23.726194
+ Información
A fondo
Vocabulario básico de los órdenes griegos
Ábaco: parte superior, en forma de tablero, que corona el capitel.

Acanto: planta con hojas largas, rizadas y espinosas, a imitación de las cuales se
adornan los capiteles corintios.
Acrótera: remate adornado de los ángulos de los frontones.
Arquitrabe: parte inferior del entablamento, la cual descansa inmediatamente sobre
el capitel de la columna.
Basa: pieza inferior de la columna, sobre la que se asienta, lisa o decorada con
molduras.
Capitel: parte superior de la columna y de la pilastra, que las corona.
Collarino: decoración en forma de anillo que se coloca en la parte inferior del capitel.
Cornisa: coronamiento o elemento saliente, con molduras, que sirve de remate a otro.
Entablamento: coronamiento de un edificio un un orden de arquitectura compuesto
por varias molduras y el frontón.
Equino: moldura convexa, característica del capitel dórico.
Escocia: moldura cóncava, más ancha en la parte inferior que en la superior.
Estereóbato: basamento sobre el que reposa el templo griego.
Estilóbato: parte superior del estereóbato, sobre el que se apoya una columnata.
Friso: parte del cornisamento que media entre el arquitrabe y la cornisa, que suele
adornarse con decoración escultórica.
Frontón: remate triangular de una fachada o de un pórtico. Se coloca también encima
de puertas y ventanas.
Fuste: parte de la columna que media entre el capitel y la basa.
Gotas: cada uno de los pequeños troncos de pirámide o de cono que como adorno se
colocan debajo de los triglifos del cornisamento dórico.
Krepis o krepidoma: plataforma escalonada, en piedra, sobre la que se asienta un
templo.
Metopa: en el friso dórico, espacio que media entre triglifo y triglifo.
Tímpano: espacio triangular que queda entre las dos cornisas inclinadas de un
frontón y la horizontal de su base.
Toro: moldura convexa lisa, de sección semicircular y a veces elíptica.
TEMA 8 – + Información
Triglifo: adorno del friso dórico que tiene forma de rectángulo saliente y está surcado
por tres canales.
Voluta: adorno en forma de espiral o caracol, típico de los capiteles jónicos.
Arte griego orientalizante
Artículo sobre las distintas manifestaciones del arte griego durante la época
orientalizante y las influencias que hicieron surgir este estilo artístico.
El artículo está disponible en el aula virtual o en la siguiente dirección web:

http://www.ucm.es/centros/cont/descargas/documento7824.pdf
La situación de los artistas y artesanos en Grecia y Roma
Artículo del historiador José María Blázquez sobre los artistas en Grecia y los primeros
tiempos de Roma: su situación social, su prestigio, su trato con los gobernantes, etc.

http://descargas.cervantesvirtual.com/servlet/SirveObras/058151764779482954544
80/014023.pdf?incr=1
Iconografía de Apolo y las musas en el arte antiguo y sus pervivencias en el

arte occidental
Artículo sobre la forma de representar al dios Apolo y a las musas en el arte griego, con
ejemplos de las principales obras en las que aparece y de las escenas que más
frecuentemente se representan.

http://fuesp.com/revistas/pag/cai26g.pdf
Webgrafía
Museo del Prado
Página web del Museo del Prado que dedica un especial a Policleto y sus esculturas más
destacadas: el Dorífero y el Diadúmeno.
http://www.museodelprado.es/coleccion/a-fondo/diadumeno-policleto-h-420-
ac/cuestiones-formales-mas-destacadas/el-canon-de-policleto/
Cultura clásica
Página web de recursos para la docencia que incluye información sobre la historia del
arte griego con imágenes, juegos, glosario, etc.
http://recursos.cnice.mec.es/latingriego/Palladium/cclasica/esc326ca1.php?PHPSESS
ID=8000dabc82376ec8a673531de9a743e8
Bibliografía
BOARDMAN, J. El arte griego. Destino. Barcelona. 1997.
ROBERTSON, M. El arte griego. Alianza Ed. Madrid. 1985.
RICHTER, G. El arte griego. Destino. Barcelona. 1980.
Test
1. Une cada uno de estos términos con el ámbito geográfico que le corresponde.
Estilo geométrico Escenas de carácter narrativo tomadas de mitología

Estilo orientalizante Figuras macizas y se introducen temas cotidianos
Estilo arcaico Vasijas funerarias y figuras de aspecto geométrico
2. Une cada uno de estos estilos cerámicos con su característica más destacada.
Protoático Representa animales con gran realismo y vitalidad

Protocorintio Permite más detalles expresivos en rostro y vestido
Figuras negras Figuras no muy realistas pero sí más dramáticas
Figuras rojas Figuras llenas de fuerza y elasticidad
3. La representación de un joven desnudo, probablemente un héroe o un atleta

olímpico, en la escultura arcaica griega se suele denominar:
A. Koré.
B. Kourós.
C. Kilix.
4. ¿Cuál de estas características no se corresponde con el estilo de la escultura arcaica?

A. Aún se pueden considerar más altorrelieves que imágenes exentas.
B. Se aprecia excesiva rigidez en la postura del cuerpo y en los cabellos.
C. Los rostros son inexpresivos y el único rasgo animado es la sonrisa arcaica.
5. Une cada uno de estos términos con su definición.
Friso Columna con forma de figura humana femenina

Tímpano Espacio horizontal que separa las columnas del tejado
Atlante Espacio triangular que se encuentra bajo el tejado
Cariátide Columna con forma de figura humana masculina
TEMA 8 – Test
6. Une cada uno de los órdenes arquitectónicos con su rasgo diferencial.
Dórico Capitel decorado con hojas de acanto

Jónico Capitel decorado con volutas
Corintio Capitel formado por ábaco y equino lisos
7. Une cada una de las influencias que recibe la arquitectura griega con las
características que aporta esa influencia:
Egipcios Estructura de hogar doméstico en torno al mégaron

Micénicos Abundancia e inspiración vegetal de las columnas
Pre-helénicos Las construcciones imitan los edificios de madera
8. ¿Cuál de estos temas no está presenta en la escultura griega clásica?

A. Atletas olímpicos.
B. Animales llenos de vitalidad y realismo.
C. Mitología clásica.
9. Une cada término con su definición.
Contrapposto Representar la forma del cuerpo bajo la ropa mojada

Paños mojados Expresión de sufrimiento sereno y noble
Pathos Disponer equilibradamente las partes del cuerpo
10. ¿Cuál de estas características es propia de la pintura clásica sobre lecitos?

A. Figuras blancas sobre fondo negro.
B. Línea flexible y naturalista.
C. Gran expresividad y dramatismo.
TEMA 8 – Test

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El arte griego: época arcaica y clásica

[8.1] ¿Cómo estudiar este tema?

[8.2] La Grecia arcaica

[8.3] La cerámica griega arcaica

[8.4] Escultura arcaica

[8.5] Arquitectura arcaica

[8.6] La Grecia clásica

[8.7] Arquitectura clásica

[8.8] Escultura clásica

[8.9] Pintura clásica

ÆVariedad de ciudades-estado o polis con distintos gobiernos (aristocracia, tiranía o

T ÆRenacimiento cultural: alfabeto derivado del fenicio y desarrollo literario (Homero)

TEMA 8 – Ideas clave

ÆEsplendor político, filosófico, literario y artístico

8.1. ¿Cómo estudiar este tema?

8.2. La Grecia arcaica

Con la caída de la civilización micénica comenzaron los llamados Siglos Oscuros de la

Características de la Grecia arcaica

Organización territorial a base de ciudades-estado, llamadas polis, cada una

TEMA 8 – Ideas clave

Políticamente, las formas de gobierno más habituales son:

A pesar de la dispersión de estas ciudades-estado había elementos comunes que

Nuevo sistema de escritura, no basado en el Lineal B, sino en el alfabeto fenicio, lo

Mayor desarrollo comercial y marítimo, que propició:

8.3. La cerámica griega arcaica

TEMA 8 – Ideas clave

Principales tipos de cerámica griega:

kílix o cáliz: copa de poco fondo, ancha y con dos asas.

Pithos: gran vasija esferoidal y de boca estrecha.

El estilo geométrico (s. VIII a.C.)

El primer estilo presente en la cerámica griega arcaica es el estilo geométrico,

Finalidad funeraria: se trata de ánforas y vasijas utilizadas para hacer ofrendas a

Decoración a base de dibujos abstractos (como triángulos, cuadrados o círculos

TEMA 8 – Ideas clave

El estilo orientalizante (s. VII a.C.)

Características del estilo orientalizante

ÆIntroducción de figuras de animales, de clara inspiración oriental, como leones,

Se pueden diferenciar dos estilos:

Protoático: en torno a la ciudad de Atenas. Se caracteriza por dotar a las figuras de

La pintura arcaica de cerámica (s.VII-V a.C.)

La experimentación del estilo orientalizante cuajó en un nuevo estilo denominado

TEMA 8 – Ideas clave

Características generales de esta etapa

Durante este periodo, se diferencian dos estilos sucesivos en el tiempo: estilo de

Estilo de figuras en negro:

Las figuras representadas son de color negro, destacándose sobre el rojo de la

TEMA 8 – Ideas clave

Estilo de figuras en rojo:

Esto permite introducir un mayor realismo y un mayor número de detalles en el

Resumen: cerámica arcaica

Estilo geométrico Estilo orientalizante Estilo arcaico

ÆFinalidad funeraria ÆIntroducción rasgos de ÆVasijas de menor

8.4. Escultura arcaica

Durante el periodo geométrico y orientalizante existen, además de la cerámica,

TEMA 8 – Ideas clave

En cambio, en el periodo arcaico las esculturas más abundantes son figuras

Las características de estas esculturas son:

Influencia del arte egipcio: por ejemplo en su carácter cúbico

TEMA 8 – Ideas clave