Vincent van Gogh

Pintó unos 900 cuadros (entre ellos 43 autorretratos y 148 acuarelas) y realizó

más de 1600 dibujos. Una figura central en su vida fue su hermano
menor Theo, marchante de arte en París, quien le prestó apoyo financiero de
manera continua y desinteresada. La gran amistad entre ellos está
documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de
1872. De las 800 cartas que se conservan del pintor, unas 650 fueron para
Theo; las otras son correspondencia con amigos y familiares.2
Desde joven tuvo inclinación hacia el dibujo. Su primer trabajo fue en
una galería de arte. Más tarde se convirtió en pastor protestante y en 1879, a la
edad de 26 años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica,
donde comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 pintó su
primera gran obra, Los comedores de patatas. En ese momento su paleta se
componía principalmente de tonos sombríos y terrosos. La luz y la preferencia
por los colores vivos por la que es conocido surgió posteriormente, cuando se
trasladó al sur de Francia, consiguiendo su plenitud durante su estancia
en Arlés en 1888.
La calidad de su obra fue reconocida solo después de su muerte, en una
exposición retrospectiva en 1890, considerándose en la actualidad uno de los
grandes maestros de la historia de la pintura. Influyó grandemente en el arte
del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y
los fauvistas como Matisse, Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen.34 Falleció
a los 37 años por una herida de bala; aún no se sabe con seguridad si fue un
suicidio o un homicidio involuntario. A pesar de que existe una tendencia
general a especular que su enfermedad mental influyese en su pintura, el
crítico de arte Robert Hughes cree que las obras del artista están ejecutadas
bajo un completo control; de hecho, el pintor jamás trabajó en los periodos en
los que estaba enfermo.
Primera etapa de su vida (1853-1869)

La familia de Vincent van Gogh:

Arriba: sus padres Theodorus y Anna Cornelia.
Abajo, de izquierda a derecha: Vincent Willem, Anna Cornelia, Theo,
Elisabetha Huberta, Wilhelmina Jacoba y Cornelius Vincent.
Nació el 30 de marzo de 1853. Hijo de un austero y humilde pastor protestante
neerlandés llamado Theodorus y de su mujer Anna Cornelia, Vincent recibió
el mismo nombre que le habían puesto a un hermano que nació muerto
exactamente un año antes. El 1 de mayo de 1857 nació su hermano Theo y
ambos tuvieron cuatro hermanos más: Cornelius Vincent, Elisabetha Huberta,
Anna Cornelia y Wilhelmina Jacoba.

Durante la infancia acudió a la escuela de manera discontinua e irregular, pues

sus padres le enviaron a diferentes internados. El primero de ellos en
Zevenbergen en 1864, donde estudió francés y alemán.6 Dos años después se
matriculó en la escuela secundaria HBS Koning Willem II (Tilburg) viviendo
con la familia Hannik en la calle Sint Annaplein 18-19 y permaneció allí hasta
que dejó los estudios de manera definitiva a los 15 años.7 Por entonces
comenzó su afición por la pintura.

Sobre su infancia, Vincent van Gogh comentó: «Mi juventud fue triste, fría y
estéril».8

Primeros trabajos
Marchante de arte

El hermano de Vincent van Gogh, Theo, hasta hace poco asociada al

primero,9 en 1866.

Acequia (1872-73), dibujo juvenil de Van Gogh (La Haya).

Desde muy joven mostró un carácter difícil y un temperamento fuerte. Tras
abandonar los estudios y después de un año en Zundert, van Gogh empezó a
trabajar en 1869, a la edad de 16 años, como aprendiz en Goupil & Co. (más
tarde Boussod & Valadon), una importante compañía internacional de
comercio de arte de La Haya de la que su tío Vincent fue socio.10 Se adaptó
bastante bien a esta nueva vida, llegando a escribir:
Es un negocio maravilloso. Cuanto más tiempo se trabaja en él más ambicioso
se vuelve uno.
Cuatro años después fue trasladado a Londres para suministrar obras de arte a
los comercios del lugar y fue allí donde tuvo un primer contacto con Eugenia,
hija de Úrsula Loyer, patrona de la pensión donde se hospedó. Se enamoró de
ella, pero la chica estaba comprometida y lo rechazó.11 En 1874, un año
después de su estancia en Londres, pasó las vacaciones en familia en Helvoirt
y confesó su malestar por Úrsula. Vivió aislado, leyendo libros religiosos y
perdiendo el interés por su trabajo.6

En mayo de 1875 fue destinado a París, donde creció su amor por el arte. En
una exposición de dibujos de Jean-François Millet comentó:
Cuando entré en la sala del hotel Drouot, donde estaban expuestos, sentí
alguna cosa como: descálzate porque el suelo que pisas es sagrado.12
El 10 de enero de 1878, en una carta dirigida a su hermano Theo, comunicó
que había sido despedido de la galería de arte y que tendría que irse el 1 de
abril.13 El despido fue debido a que interponía sus gustos personales sobre las
ventas que debía hacer. Sin embargo, en Boussod & Valadon se quedó su
hermano Theo, cuatro años menor que él, que trabajaría allí desde 1873 hasta
su muerte y sin cuya abnegación nunca hubiera sido posible la corta e intensa
carrera artística de su hermano mayor. Su familia le propuso que abriera él
mismo una galería, donde podría ofrecer la clase de pintura que él escogiera.
Rechazó la idea y más tarde insistió a su hermano, también marchante de arte,
para que dejase su trabajo ya que «el comercio de arte era una farsa».14

Religión
A finales de marzo de 1876 regresó a Inglaterra, donde permaneció dos años.
Por aquel tiempo, Van Gogh aumentó su fanatismo religioso. Le entusiasmaba
la lectura de la Biblia, y La imitación de Cristo de Tomás de Kempis. Después
de estar un tiempo como maestro auxiliar en Ramsgate, empezó a trabajar en
Isleworth como ayudante del predicador metodista Jones, donde llegó a subir
al púlpito de la iglesia y leer un sermón que se había preparado
escrupulosamente. Sobre este primer sermón existe una copia que envió a su
hermano Theo con frases como:

Cuando me encontraba en el púlpito, me sentía como quien desde una oscura

cueva subterránea vuelve a salir a la plena luz, y es maravilloso pensar que,
desde ahora, predicaré el Evangelio por todo el mundo.
Pasó unos seis meses en Dordrecht como empleado de una librería, y en mayo
de 1877 se trasladó a Ámsterdam donde quiso hacerse teólogo. Tuvo que
desistir y también abandonar sus deseos de entrar en una escuela metodista.
Fue rechazado por no saber ni latín, ni griego, y su dificultad para hablar en
público, aunque realmente el motivo era su falta de subordinación. Cada vez le
era más difícil adaptarse a un cierto orden y someterse a alguien que le
dirigiese.15

En 1879, quizás por su profundo fervor, fue enviado como misionero a la

región de Mons, a las minas de Borinage, en Bélgica, donde en condiciones
extremadamente duras realizó durante 22 meses un trabajo evangelizador
entre los mineros de la zona. Pero con su fanatismo lo que conseguía era que
le llegaran a temer. Dormía en una pequeña barraca y su estado se degradaba
cada día más. Además, repartía entre los pobres lo poco que tenía. Decía que
estaba obligado a creer en Dios para poder soportar tantas desgracias. Sus
superiores decidieron entonces enviarle a Cuesmes, permaneciendo un año
completo en una absoluta pobreza y en contacto con los mineros, por los que
sentía una gran simpatía:

Los carboneros y los tejedores siguen constituyendo una raza aparte de los
demás trabajadores y artesanos y siento por ellos una gran simpatía y me
sentiría feliz si un día pudiera dibujarlos, de modo que estos tipos todavía
inéditos o casi inéditos fuesen sacados a luz.16
Después se le suprimió el pequeño sueldo que recibía. Ante todo esto, siguió
los consejos de su hermano Theo, del que ya estaba recibiendo ayuda
económica, y decidió dar un cambio a su vida y dedicarse a la pintura.17

Pintura: aprendizaje

Dibujo El sembrador (1881), Museo Van Gogh.

Establecido en 1880 en Bruselas hizo amistad con el pintor neerlandés Anthon
van Rappard. Se inscribió en la Academia de Bellas Artes donde estudió
dibujo y perspectiva. En esta época realizó esbozos y dibujos basados en las
pinturas de Jean-François Millet, representando campesinos y mineros,
modelos de la vida cotidiana, y pintándolos muy realistas y con tonalidades
oscuras.18
Etten
El 12 de abril de 1881 Vincent llegó a Etten a visitar a su hermano. Durante
este período va a casa de su primo, el pintor Anton Mauve, y donde vuelve a
enamorarse, esta vez de una de sus primas Cornelia Adriana Vos-Stricker
(Kee), que acababa de enviudar, a la que propuso rápidamente matrimonio, la
respuesta de Kee fue: «No, jamás, jamás».19 A pesar de esta negativa, insistió
mediante cartas que la viuda no contestaba, además de negarse a verlo.
Vincent insistió con los padres de ella, fue a su casa a intentar verla de nuevo,
los familiares le llegaron a decir que su insistencia era «asquerosa». En
diciembre de 1881, escribió a su hermano, le contó la historia y las disputas
con su padre:20
Pero como puedes ver, estoy nuevamente en La Haya; por Navidad tuve una
disputa bastante grave con nuestro padre, que llegó al extremo de decirme que
sería mejor que abandonase la casa. Lo dijo tan enérgico que me fui aquel
mismo día.
La Haya
Dibujos en La Haya
Vincent van Gogh - Sorrow.jpgVan Gogh 1883-03, The Hague - Girl
Kneeling by a Cradle F 1024 JH 336.jpg
Pena (1882). Posiblemente la modelo fue Clasina María "Sien". Niña de
rodillas delante de una cuna (1883).
En La Haya, su primo Antón, pintor de acuarelas, le aconsejó e insistió en la
importancia de que aprendiese perspectiva y dibujo. Vincent hizo entonces sus
primeras acuarelas y naturalezas muertas, utilizando tonos apagados, como se
ve en las acuarelas: Los pobres y el dinero (1882) y Naturaleza muerta con col
y zuecos (1881).

Mientras, su vida amorosa tomó un nuevo rumbo. Desesperado tras el rechazo

de su prima Kee, o quizá por compasión, Vincent recogió de la calle a Clasina
María Hoornik (Sien), una prostituta alcohólica, embarazada y con una hija,
con la que vivió durante un año; tanto la madre como la hija le sirvieron de
modelo. En el dibujo Dolor, en el margen inferior, citó las palabras de Jules
Michelet del tratado La Femme (1860): «¿Cómo es que hay en la tierra una
sola mujer?» Sien, por la falta de recursos económicos, había vuelto a ejercer
la prostitución y esto, unido a la gran presión que padecía Van Gogh por parte
de su padre, de su hermano Theo y su primo Mauve (con quien llegaría a
discutir y romper su amistad), hizo que este intento de vida familiar también
fracasara.21

Concluida esta relación con Sien, se trasladó a Drente, al norte de los Países
Bajos, donde permaneció durante tres meses y pintó temas paisajistas en
pintura al óleo, en los que se puede apreciar la diferencia con los dibujos
realizados anteriormente. Como quería plasmar todos los detalles, realizó los
óleos con trazos gruesos y pinceladas espesas. Esta temporada sintió más que
nunca la soledad; en las cartas dirigidas a su hermano, le insistía en que
abandonara su trabajo de marchante y siguiese el camino de la pintura. En
diciembre de 1883 regresó nuevamente a la casa paterna, esta vez en Nuenen,
donde el padre había sido trasladado.22
El tejedor en el telar (1884), 70 × 85 cm.
En Nuenen fue bien recibido por su familia, que le acondicionó una habitación
como taller, donde realizó obras como Jardín rectoral en Nuenen en
primavera. En este periodo se dedicó a dibujar y pintar el trabajo en los
telares. Coincidió con un amigo suyo, Anthon van Rappard, al que había
conocido en Bruselas y que había venido a pasar unos días en Nuenen. Los
dos juntos estudiaron y pintaron a los tejedores rurales. En estas obras, Van
Gogh no consiguió la misma técnica que su amigo, pero este le sirvió de
ejemplo.23

La pintura El tejedor en el telar, de mayo de 1884, expresa la dureza y el

esfuerzo de este oficio, pero también la dignidad del personaje. Aquí Van
Gogh demuestra la solidaridad y su identificación con el protagonista,
intentando representar el ideal de una sociedad libre de la industrialización y
hace una alabanza al trabajo artesanal. La composición de esta pintura
consigue el efecto de enmarcar al tejedor en el mecanismo del telar, dentro de
un enrejado horizontal y vertical que parece integrar al personaje hasta
conseguir que llegue a formar parte de la máquina. La claridad del fondo de la
pintura hace resaltar todo el dibujo.24

En el otoño de 1884, se enamoró de nuevo, ahora de la hija de un vecino,

Margot Begemann, diez años mayor que Vincent, que le acompañaba en sus
salidas pictóricas por el campo. Pensaron en contraer matrimonio, pero se
encontraron con la firme oposición de la familia de Margot, quien llegó a
intentar suicidarse. Poco después, el 26 de marzo de 1885, muere
repentinamente el padre de Vincent. Las disputas por la herencia entre su
madre y sus hermanas hicieron que se marchase de su casa para irse a vivir a
un lugar más amplio que le ofreció un sacristán de la Iglesia católica; en su
familia, que eran protestantes, este hecho fue considerado como una ofensa.25

Los comedores de patatas (1885), pintura al óleo, 82 × 114 cm. Museo van
Gogh, Ámsterdam.
Durante la primavera de 1885 pintó la que se considera una de sus grandes
obras tempranas: Los comedores de patatas. Hasta entonces sus esfuerzos se
habían centrado siempre en la representación de una figura, pero en esta obra
se encontró con la dificultad de tener que coordinar cinco personajes y
conseguir relacionarlos. Para realizar esta pintura contrató modelos, y realizó
diversos esbozos de dibujos de las figuras y estudios sobre detalles, con las
manos sujetando el tenedor, la taza o la tetera. Los colores empleados de tonos
terrosos no contribuyeron a una fusión armoniosa con el fondo.26

En una de sus cartas27expresó:

(...) He querido dedicarme conscientemente a expresar la idea de que esa gente
que, bajo la lámpara, come sus patatas con las manos que meten en el plato, ha
trabajado también la tierra, y que mi cuadro exalta, pues, el trabajo manual y
el alimento que ellos mismos se han ganado tan honestamente (...).
Con ayuda de Theo se imprimieron veinte litografías de Los comedores de
patatas, que la gente de los alrededores pudo comprar a precios asequibles.28

En un solo día trasladó directamente en la piedra, de memoria y sin dibujos

previos, la imagen de Los campesinos comiendo patatas (obviamente, en la
impresión en papel las figuras están invertidas). De las veinte litografías,
Juliana Montford ha logrado localizar ocho, entre las que se encuentra la del
Museo Thyssen-Bornemisza.

Campesinos comiendo patatas (1885). Litografía sobre papel Japón; museo

Thyssen-Bornemisza.
Esta pintura provocó la ruptura con su amigo Rappard, ya que el hipersensible
y vulnerable Van Gogh no aceptó sus comentarios. Rappard le hizo esta crítica
basada en una de las 20 litografías:

Estarás de acuerdo conmigo en que este trabajo no se puede tomar seriamente.

Por fortuna eres capaz de mucho más. Pero, ¿por qué todo lo observas y lo
tratas superficialmente, de la misma manera? ¿por qué no estudias
minuciosamente los movimientos? En este cuadro los personajes posan. La
mano de la mujer del fondo...¡qué poco real! ¿Y qué relación hay entre la
cafetera, la mesa y la mano que toca el asa? ¿Qué función hace esta cafetera?
No se mantiene, tampoco la sujetan, entonces, ¿qué? ¿Y por qué el hombre de
la derecha no tiene rodillas, ni vientre, ni pulmones? ¿O quizá los tiene en la
espalda? ¿Por qué a su brazo le falta un metro de largo, por qué le falta la
mitad de la nariz? ¿Por qué la mujer de la izquierda tiene por nariz un mango
de pipa acabada en un dado? ¿Y aún te atreves, con esta forma de trabajar,
citar a Millet y a Breton? El arte es demasiado elevado para poderlo tratar con
tanta negligencia.29
Hay que aclarar que la dureza de la crítica por parte de van Rappard se debía
también al propio enfado que este tenía con Van Gogh, por el hecho de no
haber tenido noticia directa de la muerte repentina del padre de Vincent. Al
principio de esta misma carta se quejaba Rappard, ofendido de haber recibido
una simple nota a pesar de su amistad: «¿Pensaste que tenía tan poco interés
en tu padre y tu familia?»30A la vista de esta pintura en París, Camille
Pissarro quedó profundamente impresionado por la fuerza expresiva del
cuadro. También Émile Bernard escribió en un artículo:

Me quedé desconcertado, en esta confusión, por la comida de los pobres en

una barraca inquietante bajo una mísera luz. Era grandioso en su fealdad y
estaba lleno de una vida inquietante.

Naturaleza muerta con Biblia (1885), 65 × 78 cm.

Seguramente cuando Bernard hablaba de la grandiosa fealdad, se refería a los
colores, puesto que él tenía un sentido del color mucho más luminoso.31

Durante estos dos años en Nuenen completó numerosos dibujos y acuarelas, y

cerca de doscientas pinturas al óleo. Los colores usados continuaban siendo
oscuros. Su hermano Theo se quejaba, en una de sus cartas, de que eran
demasiado apagados y no estaban en la línea del estilo del momento, donde
destacaban las pinturas brillantes de los impresionistas. Vincent escribió al
respecto:

He leído con mucho placer Los maestros de antaño, de Fomentin. He

encontrado «tratadas» en este libro, en diversos sitios, las mismas cuestiones
que me preocupaban mucho estos últimos tiempos (...) tratar de dar un valor
claro por medio de tonos relativamente oscuros. En una palabra, expresar la
luz por oposición a la oscuridad. Ya sé todo lo que piensas del "demasiado
negro", pero, sin embargo, no estoy aún absolutamente convencido (...).32
El cuadro Naturaleza muerta con Biblia fue pintado en octubre de 1885, antes
de su partida hacia Amberes, en memoria de su padre fallecido el 26 de marzo
de ese año.33 Se aprecia la biblia como símbolo de la casa paterna y de toda
una educación religiosa. Como contraste aparece La joie de vivre de Zola, el
libro del naturalismo y, en opinión de su padre, una de las obras más nefastas.
En la composición, Van Gogh coloca la vela, un símbolo religioso, con la idea
de situar ambos símbolos al mismo nivel.34

Amberes y París

Cráneo fumando un cigarrillo (1885).

Modelo de yeso de un hombre arrodillado (1886).

A la izquierda, grabado de Hiroshige representando El puente Ohashi y Atake

bajo una lluvia repentina; a la derecha, copia de Van Gogh de este grabado
japonés: Japonaiserie: Puente bajo la lluvia, 1887, óleo sobre lienzo, 73 × 54
cm, Rijksmuseum, Fundación Van Gogh, Ámsterdam.
En noviembre de 1885 Van Gogh llegó a Amberes, donde ocupó un pequeño
taller encima de una tienda de pinturas; el alquiler lo pagaba su hermano.
Compró en unos anticuarios algunas xilografías japonesas, y se dedicó a
copiar modelos de yeso de esculturas antiguas, expuestas en la entonces Real
Academia de Amberes, a pesar de su desacuerdo con la enseñanza académica.
Descubrió las pinturas de Rubens, que con su colorido y sus formas femeninas
le abrieron la alternativa del uso de colores como el carmín y el verde
esmeralda. En esta época contrajo sífilis, que aunque fue tratada médicamente,
le hizo perder casi todos los dientes. En febrero de 1886, comentó en cartas
dirigidas a Theo que sólo se había podido permitir seis o siete comidas
calientes desde el mes de mayo anterior.35

El año 1886 se mudó a París, a vivir junto a su hermano menor Theo, a quien
avisó con esta simple nota: «Estaré en el Louvre desde el mediodía, o antes, si
lo deseas». Theo, que trabaja en Boussod & Valadon, le descubrió a Vincent
los trabajos del impresionismo; lo que produjo una paleta mucho más
luminosa, donde el color jugaría un rol fundamental en el resto de su obra.
Durante los dos años siguientes, los dos hermanos tuvieron múltiples
fricciones y siempre tuvo que ser Theo el que cediese y perdonase.

Se instalaron en Montmartre y empezó a codearse con los artistas de la época

que allí se reunían. Conoció a Émile Bernard y a Henri de Toulouse-Lautrec,
haciéndose gran amigo de ellos, así como a Paul Gauguin, Georges Pierre
Seurat, Paul Signac, Armand Guillaumin, Camille Pissarro y Paul Cézanne.
Van Gogh, como muchos pintores de la época, admiraba el arte japonés de
Hokusai, Hiroshige y Utamaro. Prueba de ello son las réplicas que realizó de
grabados japoneses y algunas pinturas suyas que reproducen ese país de modo
escenográfico. A las reproducciones procedentes del Japón se las llamaba
japonaiserie. Dos de estas obras realizadas por Van Gogh fueron Ciruelo en
flor y Puente bajo la lluvia, copias de obras de Hiroshige.36De ellas, Van
Gogh dejó escrito el siguiente comentario:

Envidio a los japoneses por la increíble claridad de la que están impregnados

todos sus trabajos. Nunca resultan aburridos ni hacen el efecto de haberlos
realizado deprisa... Su estilo es tan sencillo como respirar. Son capaces de
hacer una figura con solo unos pocos trazos seguros, que hace que parezca tan
fácil como abrocharse el chaleco.37

Mujer en el Café de Tambourin (1887).

Comenzó a utilizar los colores complementarios y todo esto le hizo abrirse a
una expresión en su arte que no había sospechado en los Países Bajos. Pissarro
también le explicó las nuevas teorías sobre la luz y el tratamiento divisionista
de los tonos. El artista consiguió ir añadiendo colores más ricos y luminosos a
su paleta, gracias a Signac, con quien trabajó en 1887. Practicó pintando
paisajes urbanos del barrio de Montmartre y naturalezas muertas ya con
colores más vivos; los rojos, amarillos y azules con sus complementarios ya se
pueden apreciar casi en todas sus pinturas de este periodo.38

Exaltado por la intensidad del clima artístico de París, Van Gogh consiguió,
con la ayuda de Toulouse-Lautrec, la renovación de su pintura en lo que atañe
a la investigación psicológica en los retratos. Pudo apreciar las pinturas
exóticas realizadas por Gauguin en la Martinica. El retrato de Mujer en el Café
de Tambourin es del mes de febrero de 1887. No representa una bebedora en
una taberna cualquiera sino que es la imagen concreta de Agostina Segaroti,
una antigua modelo de los pintores Degas y Corot, y que en ese momento era
la propietaria del bar. El cuadro respira un cierto atractivo exótico, desde el
peinado de la mujer pasando por su vestido hasta el fondo de la pintura, donde
en su decoración se observan láminas japonesas. Una de las cosas más
importantes que aprendió en esta época fue la aplicación del contraste
complementario, el contraponer los tres colores básicos (amarillo, rojo y azul)
a la mezcla formada por los otros dos, como combinación rojo-verde,
amarillo-violeta y azul-naranja, que refuerzan su tono o se neutralizan al
mezclarse en un gris deslucido. Se observa la aplicación de esta técnica en los
Cuatro girasoles, donde claramente existe el contraste complementario entre el
amarillo y el azul vivo del fondo.39

Poco antes de acabar su etapa parisina, Van Gogh realizó tres retratos de
Julien Tanguy, llamado por todos los artistas «Père Tanguy», en cuya
trastienda de su establecimiento habían expuesto sus obras Van Gogh,
Gauguin, Cézanne y Seurat. Este retrato se considera la obra representativa de
su etapa parisina. Con una presentación frontal, es una imagen de una
estructura simple, que contrasta con el fondo decorado con estampas
japonesas. El artista holandés estaba dispuesto a realizar su sueño
mediterráneo en busca de la luz cegadora de la Provenza, con la explosión de
la naturaleza y los colores puros, colores que había estudiado en su colección
de estampas japonesas. Fue un periodo muy fértil en el que su arte se inclinó
hacia el impresionismo, pero por otro lado, la absenta y la fatiga mental
agravaron su condición física.40

Últimos tiempos: Arlés

Melocotonero en flor (1888).
El 21 de febrero de 1888 Van Gogh llega a Arlés, al sur de Francia. Primero se
instaló en una habitación situada en el Hotel-Restaurante Carrel, por la que
pagaba cinco francos diarios; esto sobrepasaba sus posibilidades económicas y
además el espacio era muy reducido para tener su taller. Pintaba todo lo que
veía (como Huerto en flor con vistas de Arlés) y ya no necesitaba estampas
japonesas, como él mismo reconoció en una carta dirigida a su hermana:
«Aquí no me hace falta para nada el arte japonés, porque me imagino estar en
el Japón y nada más necesito abrir los ojos y ver lo que tengo delante». Sus
primeros cuadros en Arlés fueron típicamente japoneses; la pintura
Melocotonero en flor fue realizada en marzo de 1888.

Los descargadores en Arlés (1888), Museo Thyssen-Bornemisza.

Pintó la naturaleza de los alrededores, los campos de trigo, los pantanos del
delta del Ródano y el canal del sur de Arlés, el cual reflejó en diversas obras,
como El puente de Langlois. Durante este periodo empezó a utilizar las
pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos que
caracterizan su obra pictórica de los últimos tiempos.41

El 24 de mayo de cada año, gitanos de toda Europa acuden en peregrinaje a

Saintes-Maries-de-la-Mer para venerar a su patrona Sara la Negra. Van Gogh
acudió a observarlo y aprovechó para realizar pinturas durante ese tiempo.
Entre estos cuadros está la obra Barcas (barcos de pesca) en Saintes-Maries:42

He pasado una semana en Saintes-Maries. En la playa de arena había

pequeñas barcas verdes, rojas y azules, de formas y colores tan bellos que
hacían pensar en flores. Son tan pequeñas que casi nunca van a alta mar. Salen
cuando no hace viento y vuelven a tierra cuando sopla con demasiada fuerza.
Vincent van Gogh, junio 1888.

Puesta del sol en Montmajour (1888), Museo Van Gogh.

El Museo Van Gogh anunció el 9 de septiembre de 2013 el hallazgo de una
nueva obra confirmada como pintura de Van Gogh: Puesta del sol en
Montmajour, realizada en Arlés.43 Entre las evidencias que han hecho
detectar su autenticidad se encuentran dos cartas de Van Gogh dirigidas a su
hermano Theo fechadas en julio de 1888 en las que describe el cuadro
realizado:4445

Ayer, al atardecer, yo estaba en un brezal pedregoso donde crecen muy

pequeños y retorcidos robles, en el fondo de una ruina en la colina, y campos
de trigo en el valle. Era romántico, no podía ser más a la Monticelli, el sol se
derramaba, sus rayos amarillos muy por encima de los arbustos y el suelo,
absolutamente una lluvia de oro.
Vincent van Gogh, Arlés 5 de julio de 1888 (Carta 636).
Retratos
Al principio de su estancia en Arlés se dedicó a la realización de retratos. Sin
embargo, tenía dificultades para conseguir que alguien posase para él, sobre
todo si eran mujeres; la primera que pudo retratar fue una mujer joven a
finales del mes de julio, y le puso el nombre de La Mousmé, nombre japonés
que le inspiró la lectura del libro Madame Chisanthème, de Pierre Loti. Con
los hombres le fue más fácil convencerlos, ya que a cambio les invitaba a una
copa en la taberna. Podía retratarlos sin ningún problema, y así realizó las
obras de El campesino, retrato de Patience Escalier, El zuau, El lugarteniente
Millet y El cartero Roulin.

Tuvo una buena amistad con Joseph Roulin, un cartero4647 casado con la
señora Augustine Roulin y con la cual tenía tres hijos: Marcelle, Armand y
Camille Roulin. Vincent hizo un gran número de pinturas de esta familia; el
retrato conocido como "La Berceuse" muestra a la señora de Joseph Roulin;
también están el Retrato de Armand Rouliny el Retrato de Camille Roulin. Al
cartero le pintó hasta en seis retratos.

El Retrato de Eugène Boch fue realizado en ocasión de una visita que le hizo
este poeta belga en el mes de julio, según explicó a su hermano. En este
retrato quería captar las ideas románticas del personaje:
He exagerado el rubio del cabello, he utilizado también tonos naranjas y
amarillo pálido. Detrás de la cabeza, en lugar de pintar la pared ordinaria de la
habitación, he pintado el infinito, un fondo plano del azul más rico e intenso
que he podido conseguir y con esta sencilla combinación de la cabeza brillante
sobre el fondo intensamente azul he conseguido un efecto misterioso, como si
fuera una estrella en la profundidad de un cielo azul.
Vincent van Gogh, julio de 1888

La Mousmé, National Gallery de Washington.

El Campesino, retrato de Patience Escalier, Colección de Stavros Niarchos

(Atenas).

El zuavo, Colección Lasker (Nueva York).

Retrato de Eugène Boch, Museo de Orsay (París).

Estancia de Gauguin en Arlés

Sembrador a la puesta de sol (1888).

Van Gogh pasó todo el verano pintando paisajes al aire libre. Para realizar la
composición colocaba en el fondo del cuadro toda la parte arquitectónica, con
torres de iglesia, chimeneas, casas, pueblos, en una fina franja a la altura del
horizonte, mientras que el primer plano lo reservaba para los campos y la
vegetación. Esto lo hizo con el cuadro Vista de Arlés con lirios en primer
plano, Los segadores con Arlés al fondo, La cosecha, Campos labrados, La
viña verde y una de sus obras paisajistas más conocidas, El sembrador,
realizada en el mes de junio, cuando la cosecha estaba casi a punto, como se
puede apreciar en el campo de trigo maduro que hay detrás del sembrador.
Con los colores azul y púrpura y los amarillos relucientes del sol y el cielo
consiguió un contraste cromático.48
La Casa Amarilla (1888).
Van Gogh tenía la intención de crear un taller de artistas, y para esto alquiló
en mayo la «casa amarilla» (llamada así por tener las paredes exteriores
pintadas de ese color) en Place Lamartine, situada al norte de la ciudad de
Arlés.49Theo le envió trescientos francos para poder acondicionar y amueblar
modestamente la casa. El único que atendió a su petición del taller fue Paul
Gauguin, con el que mantuvo diversas cartas sobre el tema del Atelier du Midi
que juntos habrían de fundar y que pedirían la participación de Seurat, Signac
y Bernard.50

También Theo insistió a Gauguin para que hiciera el viaje a Arlés. Gauguin
vivía en aquel tiempo en Pont-Aven, en Bretaña. Estaba lleno de deudas, se
sentía incomprendido y soñaba con la fundación de un círculo de pintores,
pero seguramente no había pensado en Van Gogh como componente del
mismo. Su meta era viajar a Martinica, pero la cuestión económica era un
impedimento.51Theo van Gogh era el galerista y el marchante de Gauguin y
este pensaba que detrás del carácter extraño de Vincent y las intenciones de
Theo se ocultaba alguna estratagema comercial, por lo que no se decidía a
viajar hacia Arlés. Así se lo hizo saber en una carta dirigida a Émile Bernard,
en octubre de 1888:

Por más que me aprecie, no creo que Theo se preste a mantenerme en el Midi
solamente por mi cara bonita. Con su carácter frío holandés ha estudiado el
terreno y proyecta alguna cosa...

Jarro con doce girasoles (1888).

Autorretrato como un bonzo, dedicado a Gauguin.

Retrasó el viaje, disculpándose por carta, hasta que Theo acabó pagando todas
las deudas que tenía Gauguin. Entonces, este viajó a Arlés el 23 de octubre.52
Mientras, Vincent había realizado diversas series de pinturas para decorar la
casa, especialmente la habitación destinada a Gauguin.53
La ideología del simbolismo surgió a finales del siglo XIX. Según escribió en
el año 1886 Edouard Dujardin, uno de los grandes teóricos de esta técnica:
El objetivo de la pintura y la literatura es reproducir el sentimiento provocado
por las cosas con los medios propios de las citadas artes. Lo que se debería
expresar no es la imagen sino su carácter.
En la pintura Jarro con doce girasoles, pintado en agosto de 1888, Van Gogh
buscaba el espíritu del simbolismo. La meticulosidad de las flores contrasta
con la caótica situación de las hojas así como la pastosa aplicación del color
que, delante del fondo azul claro, consigue que el cuadro tenga un significado
que va más allá que la simple reproducción de las flores. Expone la
imaginación del artista y su gran fuerza expresiva, la cual exigía un gran
delirio de sentimientos.54

Durante ese mes de agosto realizó cuatro pinturas sobre girasoles: primero con
tres flores, después con cinco, hasta llegar a la de los doce girasoles sobre un
fondo azul, y otro con quince girasoles sobre fondo amarillo.

Antes de la llegada a Arlés de Gauguin, le envió un autorretrato, con el título

de Autorretrato como un bonzo, cuadro en el que es evidente su identificación
con el japonismo, ya que se retrató con la cabeza rapada al estilo bonzo.55

Gauguin fue el que impulsó a Van Gogh para que pintase lugares históricos de
Arlés y así trabajaron juntos y pintaron la serie de vistas de Alyscamps.
Escogieron diferentes motivos, Gauguin pintó un paisaje con un encanto
pintoresco y más bien refinado, mientras que Van Gogh escogió un paseo
enmarcado por altos álamos que tenían un color amarillo puro que contrastaba
con el verde-azul del cielo. En cambio el color empleado por Gauguin era
mucho más tímido. Se pintaron mutuamente, Gauguin pintó de perfil a Van
Gogh y este pintó a Gauguin de espaldas.56

Diferentes puntos de vista entre Gauguin y Van Gogh

Paul Gauguin 085.jpg Van gogh-lallee des alyscamps.jpg
Los Alyscamps (1888), por Paul Gauguin. La avenida de los Alyscamps
(1888), por Van Gogh.
Corte de la oreja
Con el paso de las semanas, la convivencia de los dos artistas fue empeorando,
debido a sus diferencias personales, acentuadas por el carácter muy
temperamental de ambos. Pasados menos de dos meses, en la tarde del 23 de
diciembre de 1888, Van Gogh y Gauguin tuvieron un altercado que dio origen
a una de las explicaciones que se han dado acerca de la pérdida de la oreja
izquierda del primero. Gauguin en sus memorias57 señala que Van Gogh le
amenazó y persiguió con una navaja barbera y que por la noche el holandés se
automutiló. A continuación, Van Gogh habría envuelto la oreja en un paño y
se habría dirigido a un burdel de Arlés que frecuentaba con Gauguin, donde
presentó este «regalo» a una prostituta llamada Rachel. Posteriormente regresó
a la «casa amarilla». A la mañana siguiente la policía lo encontró inconsciente,
y fue trasladado al hospital Hôtel-Dieu de Arlés.58 Se avisó a Theo, y
Vincent, que no recordaba el suceso, quedó ingresado durante catorce días.
Gauguin dejó Arlés con rumbo a París y no volvió a tener contacto con
Vincent, exceptuando algunas cartas posteriores.59

Autorretrato con oreja vendada (1889).

Gauguin declaró a la policía que la pérdida del apéndice auditivo se habría
debido a una autolesión. Se ha expuesto la teoría de que el corte en la oreja fue
una automutilación del artista como resultado del disgusto que le provocó la
noticia de que su hermano Theo se iba a casar.60

Nunca hubo unanimidad entre los estudiosos de los hechos, debido a las pocas
fuentes existentes y a que la versión generalmente admitida se basa en las
memorias de Gauguin, publicadas en 1903. En 2009 Hans Kaufmann y Rita
Wildegans, en su ensayo Van Goghs Ohr, Paul Gauguin und der Pakt des
Schweigens (La oreja de Van Gogh, Paul Gauguin y el pacto del silencio),
revisaron el incidente estudiando el informe policial, las noticias publicadas en
los periódicos de la época, la correspondencia de los dos pintores y los pocos
testimonios existentes, muy posteriores a los hechos. Llegaron a la conclusión
de que fue Gauguin quien hirió a Van Gogh con su sable en la disputa (era
maestro de esgrima), y que una vez solo Van Gogh habría terminado de
recortar la oreja. No se encontraron ninguna de las armas. Van Gogh no habría
dicho nada para proteger a su amigo, y Gauguin habría regresado
precipitadamente a París debido a su mala conciencia.6162 Leo Jansen,
conservador del Museo van Gogh de Ámsterdam, rechaza tal conclusión,
afirmando que la evidencia presentada ha sido en su mayor parte sacada de
contexto.

Durante mucho tiempo se creyó que el artista se había cortado solo parte del
lóbulo de la oreja, no el apéndice completo. Sin embargo, un estudio de 2016
presentó, entre otras cosas, una carta a Theo van Gogh del doctor Félix Rey,
que le atendió durante el incidente, donde describe la lesión y acompaña un
dibujo que demuestra que se cortó la oreja casi por completo, conservando tan
solo un trocito inferior del lóbulo.63

Al regresar a su casa Van Gogh pintó el Autorretrato con oreja vendada, del
que existen dos versiones. Ambos cuadros muestran un vendaje en la parte
derecha de la cabeza, y debieron ser pintados delante de un espejo, ya que la
oreja seccionada fue la izquierda.64 En uno Van Gogh se representa fumando
en pipa para transmitir una sensación de sosiego, en una composición en la
que predomina tanto el equilibrio cromático como el equilibrio de los
elementos iconográficos.64 Pasadas cuatro semanas volvió a ser ingresado en
el hospital ya que presentaba síntomas de manía persecutoria y se imaginaba
que le querían envenenar. Durante unos diez días estuvo bajo tratamiento del
Dr. Félix Rey. En marzo, atendiendo una petición de los vecinos de Arlés que
avisaron a la policía, fue ingresado una vez más, permaneciendo seis semanas
en el Hospital Hôtel-Dieu de Arlés. El 17 de abril, Theo contrajo matrimonio
con Johanna Bonger en Ámsterdam. Poco después, Vincent decidió internarse
voluntariamente en el hospital mental de Saint-Paul-de-Mausole, un
exmonasterio en Saint-Rémy-de-Provence, a unos treinta y dos kilómetros de
Arlés.65

Sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence

La noche estrellada.

La noche estrellada (detalle).

Los últimos años de Van Gogh estuvieron marcados por sus permanentes
problemas psiquiátricos, que lo llevaron a ser recluido en sanatorios mentales
de forma voluntaria, entre los que se encontraba el manicomio de Saint Paul-
de-Mausole en Saint-Rémy-de-Provence, donde ingresó el 8 de mayo de 1889.
En el sanatorio tenía dos habitaciones disponibles, una de ellas habilitada para
servirle de taller.66Cuando no quería pasear, por temor a sufrir una crisis,
pintaba cuadros de interior, como Jarrón con lirios. Uno de sus primeros
cuadros allí fue Iris, donde muestra una gran vitalidad rítmica y una gran
conjunción de colores. En esta época su pintura se caracteriza por la presencia
de remolinos, como se puede observar en una de sus pinturas más conocidas,
La noche estrellada.67

La Piedad (según Delacroix), versión de Van Gogh.

Cuando dejó de salir a dar paseos por los alrededores de la clínica, empezó
obras donde los temas eran pinos, cipreses y olivos. Fue durante el mes de
junio cuando desarrolló los efectos pictóricos ondulantes en los árboles. De los
olivos con sus troncos sinuosos, hizo varios cuadros: Alpilles con olivos en
primer plano, Olivo y Recolección de la oliva. Los pinos los tenía como
modelos en el mismo jardín del hospital. Uno de los primeros cuadros fue
Maleza, donde sólo se aprecian en la parte inferior de los troncos con tonos
constituidos por azules fríos. Más tarde pintó los pinos que se aprecian en los
cuadros: El jardín del hospital de Saint Paul y Pinos en el cielo de la tarde.
Pero fueron los cipreses, con su forma triangular, los que le sirvieron para
crear una magnífica serie de paisajes. Incorporaba la mancha oscura del ciprés
en muchas de sus grandes composiciones, como en La noche estrellada y,
entre otras, en Campo de trigo con ciprés, Cipreses con dos mujeres y Ciprés
en el cielo estelar.68

Muestra de una pintura y la anterior subyacente

Mancha de hierba (1887), Museo de Kröller-Müller, Países Bajos.

La cara de una mujer pintada anteriormente.

En Saint-Rémy, volvió a tener la necesidad de copiar a pintores que admiraba,
por lo que pidió a su hermano Theo que le enviase láminas de reproducciones,
a partir de las que él interpretaba el color a su manera. De esta forma exploró
temas religiosos como La Piedad (Delacroix), donde pintó a Cristo con el
cabello y la barba de color rojo y La resurrección de Lázaro (Rembrandt).
También volvió a copiar algunas de sus pinturas favoritas, las de Millet: la
Campesina batiendo el lino y La Noche (a partir de La Veillée de Millet).
Todas se conservan en el Museo Van Gogh de Ámsterdam.69

Exposiciones en vida

El viñedo rojo, una de las tres pinturas vendidas en vida de Van Gogh.33
La primera exposición de la obra de Van Gogh fue en París en 1889, en el
Salón de los Independientes, organizada más tarde (entre mayo y octubre) que
en otros años, para que pudiera coincidir con la Exposición Universal de aquel
mismo año. La elección de obras las hacían los mismos artistas pero los
nuevos socios sólo podían presentar dos, y Van Gogh indicó a su hermano las
dos pinturas que quería enviar: La noche estrellada (1888) e Iris (1889).70

En enero de 1890 recibió la invitación para participar en una exposición en

Bruselas con el grupo Les XX, a la que envió seis obras: dos de la serie de Los
girasoles y cuatro sobre paisajes. Dos las que había pintado en Arlés, La viña
roja y Vista de Arlés, y dos más en Saint-Rémy. Durante la inauguración,
Henri de Groux criticó los cuadros de Van Gogh, pero salieron en su defensa
Toulouse-Lautrec y Paul Signac. En esta misma exposición vendió la obra El
viñedo rojo, adquirida por la pintora perteneciente al grupo Los XX Anna
Boch,71 hermana de su amigo Eugène Boch.7273

Finalmente fue en el Salón de los Independientes de París, en febrero de 1890,

donde expuso la cuota completa de diez pinturas.74

Volvió a tener nuevos colapsos, que le duraban más que en las veces
anteriores; padecía angustia, terror y alucinaciones con accesos de ira muy
intensos. Cuando volvió a escribir a Theo, le explicó que había decidido
abandonar la clínica. Después de una breve estancia en París con su hermano,
decidió establecerse en Auvers-sur-Oise.75

Auvers-sur-Oise

La iglesia de Auvers-sur-Oise.
Trasladado a Auvers-sur-Oise, localidad cercana a París, se instaló en una
habitación de la pensión Ravoux. Allí conoció a un amigo de Theo, el Dr. Paul
Gachet, pintor aficionado, que se ofreció a cuidarle y visitarle. Bajo la
atención del Dr. Gachet la actividad artística de Van Gogh fue intensa: en dos
meses pintó más de setenta cuadros. Frecuentaba la casa del doctor, y pintó el
jardín, a su hija Margarita rodeada de flores y en el piano, y al mismo doctor.
Van Gogh volvió a refugiarse en la pintura con gran entusiasmo, le gustaban
los paisajes de Auvers, como antes habían maravillado a tantos otros pintores
como Corot, Pissarro, Armand Guillaumin y Cézanne.76

Escribió a su madre estas reflexiones:

Estoy plenamente absorbido por estas llanuras inmensas de campos de trigo
sobre un fondo de colinas, vastos como el mar, de un amarillo muy tierno, un
verde muy pálido, de un malva muy dulce, con una parte de tierra labrada,
todo junto con plantaciones de patatas en flor; todo bajo un cielo azul con
tonos blancos, rosas y violetas. Me siento muy tranquilo, casi demasiado
calmado, me siento capaz de pintar todo esto.77
En esta población es donde empezó a utilizar el formato horizontal alargado
de doble cuadrado, que precisamente en el valle de Oise había sido utilizado
por el pintor Charles-François Daubigny de la escuela de Barbizon. Van Gogh
había pintado algunas veces el jardín de la casa de Daubigny.

Su cuadro sobre La iglesia de Auvers-sur-Oise está construido sobre líneas

fuertes y definidas, que producen el efecto de una escultura recortada sobre el
azul intenso del cielo, lo que da una sensación de oscuridad. La profundidad la
consigue con los dos caminos en forma de /v/ en un primer plano; estos
caminos aparecen colocados de manera similar en una obra posterior, Campo
de trigo con cuervos. Van Gogh señala en sus cartas la soledad y la melancolía
que tienen estos últimos paisajes de trigales bajo cielos tempestuosos y
amenazantes. Se ha dicho que los símbolos de los cuervos planeando sobre el
trigo sugieren la premonición de la muerte.78Las dos bandas de color, con el
contraste del azul y el amarillo, anulan el espacio de la perspectiva. La
composición de la perspectiva en el campo abierto tiene un sentido inverso,
sale del horizonte en dirección hacia la parte delantera. El azul del cielo está
en un solo plano y consigue crear una unidad, mientras que el amarillo del
trigo está dividido en dos planos, el rojo de los caminos en tres y el verde
complementario de las franjas del camino en cinco. Este cuadro está
considerado como una de las mejores obras del artista.79
Campo de trigo con cuervos (julio de 1890). Pintura al óleo, 50 × 100 cm;
Museo Van Gogh, Ámsterdam.
Antonin Artaud, con un extenso poema en prosa, da la noción de la calidad de
Van Gogh; basta leer algunos fragmentos de tal poema ("Van Gogh, el
suicidado por la sociedad"):

(...) Regreso al cuadro de los cuervos; ¿quién ha visto cómo, en ese cuadro,
equivale la tierra al mar? (...) el mar es azul, pero no de un azul de agua, sino
de pintura líquida(...) Van Gogh ha retornado los colores a la Naturaleza, pero,
a él, ¿quién se los devolverá? (...) aquel que supo pintar tantos soles
embriagados sobre tantas parvas sublevadas, el Café de Arlés, la recolección
de las olivas, los Alyscamps; (...) 'El puente', sobre un agua en donde se tiene
el irrefrenable deseo de hundir el dedo en un movimiento de regresión violenta
a la infancia (...).
Muerte

Van Gogh en su lecho de muerte, dibujado por su médico y pintor aficionado

Dr. Paul Gachet.

Las tumbas de Vincent y Theo van Gogh en el cementerio de Auvers-sur-

Oise.
Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus
últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros. El 22 de febrero de 1890, Van Gogh
sufrió una nueva crisis que fue «el punto de partida de uno de los episodios
más tristes en una vida ya plagada de tristes acontecimientos». Este período
duró hasta finales de abril, tiempo durante el cual fue incapaz de decidirse a
escribir, aunque sin embargo siguió dibujando y pintando.80 Hughes escribe
que entre mayo de 1889 y mayo de 1890, «tuvo arrebatos de desesperación y
alucinación que le impedían trabajar, y entre ellos, meses en los que pudo
hacerlo y lo hizo marcado por el éxtasis de extremo visionario».81 Sin
embargo, su depresión empeoró y el 27 de julio de 1890, a la edad de treinta y
siete años, mientras paseaba por el campo, se disparó en el pecho con un
revólver. No se dio cuenta de que su herida era mortal y volvió a la pensión
Ravoux, donde murió en su cama dos días después, en brazos de su hermano
Theo. «Yo arriesgué mi vida por mi obra, y mi razón destruida a medias»;
estas son las palabras de Vincent en la última carta encontrada en su lecho de
muerte el 29 de julio de 1890.82 Vincent fue enterrado en el cementerio de
Auvers-sur-Oise.83 Se considera que sus padecimientos mentales eran
consecuencia de los trastornos mentales que le generaba una insuficiencia
renal,84 probablemente por piedras en el riñón,85 aunque según otros autores
su enfermedad mental se la producía la sífilis.8687 Poco después de la muerte
de Vincent, su hermano Theo ingresó en una clínica de Utrecht, donde falleció
el 25 de enero de 1891, a los seis meses del fallecimiento de su hermano. En
1914 el cuerpo de Theo fue exhumado y enterrado junto al de Vincent.

En 2011 surgió una teoría que postulaba que Van Gogh no se suicidó, sino que
murió por un disparo accidental efectuado por dos muchachos que jugaban
con una pistola. En una biografía sobre el artista, Van Gogh: la vida, Steven
Naifeh y Gregory White Smith mantienen que el disparo provino de René y
Gaston Secrétan, dos hermanos adolescentes que veraneaban en Auvers, y que
eran conocidos del pintor, por lo que no habría querido incriminarlos y se
habría autoinculpado. Según los autores, René era un chico problemático al
que gustaba vestirse de «cowboy», y se entretenía disparando a animales con
una vieja pistola calibre 38. Así, el 27 de julio de 1890 Van Gogh habría
salido como siempre a pintar, recibiendo de forma accidental el disparo del
menor de los hermanos. Según Naifeh, historiador del arte titulado en
Princeton, «revisamos los testimonios iniciales que dieron lugar a la versión
del suicidio, y vimos que no eran nada sólidos». Este autor afirma que en la
entrevista que René Secrétan dio en 1956, el año de estreno de la película que
Vincente Minnelli realizó sobre el pintor holandés, su testimonio «está lleno
de culpabilidad». Esta teoría no está confirmada con otras pruebas ni aceptada
por la mayoría de la comunidad académica, y el Museo Van Gogh de
Ámsterdam considera prematuro valorar las conclusiones a las que han
llegado estos autores.88

Obra

El dormitorio en Arlés (1888).

Retrato El doctor Paul Gachet (1890).

Campos en Cordeville, en Auvers-sur-Oise (1890).

La italiana (1887), Museo de Orsay.

Lirios (1889); Getty Center, Los Ángeles.

Detalle de autorretrato (1889).

Vincent van Gogh produjo toda su obra (unas 900 pinturas y 1600 dibujos)
durante un período de solamente 10 años (etapa de 1880 a 1890) hasta que
sucumbió a la enfermedad mental (posiblemente un trastorno bipolar o una
epilepsia).89 Decidió ser pintor cuando tenía 27 años y siempre quiso reflejar
la vida en sus obras. Su carrera pictórica está marcada por los lugares donde
vivió y trabajó. Así se aprecia en la primera etapa de los Países Bajos (1880-
1886), donde la pintura tradicional y popular de este país, exclusivamente en
colores terrosos, fueron lo que más influyó en obras como Los comedores de
patatas y las pinturas sobre los tejedores. Realizó numerosos dibujos de
mineros, de figuras campesinas y copió obras de su pintor favorito, Jean-
François Millet.90

Impresionismo
La siguiente etapa, en París (1886-1887), es la que le pone en contacto con los
impresionistas que pretendían romper con el academicismo de la época, con el
traslado a la pintura de las impresiones de sus sentidos mediante la
observación de la naturaleza. En París, conoció a pintores como Henri de
Toulouse-Lautrec y Paul Signac, descubrió una nueva percepción de la luz y
el color, aprendió la división de las gamas claras y los tonos y mostró una
simplificación a la vez que una mayor intensidad en el tratamiento de los
colores. En esta época empezó a copiar láminas japonesas, siendo uno de los
pintores europeos a los que más influyó este tipo de pintura.90

Postimpresionismo
Quizá Van Gogh representó mejor el postimpresionismo, estilo que sucedió
aproximadamente en el periodo entre 1885 y 1915. Representó una vía
divergente del impresionismo, donde los pintores hacen de la vida cotidiana su
tema principal. Este término fue utilizado por primera vez en 1910 por Roger
Eliot Fry; surge del título que dio a la exposición de la Grafton Gallery en
Londres: «Manet y los postimpresionistas». Fue utilizado por artistas como
Cézanne, Van Gogh y Seurat pero a veces también por otros artistas de la gran
década impresionista (1870-1880) como Matisse y Pierre Bonnard.91

Mujeres Bretonas (1888). Acuarela, Cívica de Arte Moderno, Milán, Italia.

Expresionismo y fauvismo
Su obra destaca por el uso del color y una técnica frenética que contiene
algunos trazos del expresionismo. Van Gogh y Gauguin tenían técnicas
diferentes: Gauguin acostumbraba a pintar normalmente en el taller de
memoria y Van Gogh necesitaba siempre copiar in situ, fuesen paisajes o un
modelo. Su temperamento exaltado quiso demostrarlo por la vía del color.92

Los inicios del expresionismo aparecen durante las dos últimas décadas del
siglo XIX, en la obra de Van Gogh, La italiana de finales de 1887, y en la de
Edvard Munch (autor de El Grito) y, en otro nivel, en la del belga James Ensor
(autor de La entrada de Cristo a Bruselas). Una tendencia a la que contribuiría
Van Gogh después de su llegada en 1888 a Arlés, donde el choque con la luz
del sur le empuja a la conquista del color, con obras como La noche estrellada
y Los olivos de Saint-Rémy (1889). Las pinturas del periodo de Saint-Rémy
de Provence se caracterizan en general por remolinos y espirales. El pintor
transita desde la dramatización de las escenas de sus primeros trabajos a la
simplificación que caracterizó sus últimas obras, en las que Van Gogh ya
anuncia el comienzo del expresionismo. Se tuvo que esperar a agosto de 1911,
cuando el crítico de arte Wilhelm Worringer fue el primero en hablar de
expresionismo.93

En Alemania y Austria expresionistas como Ernst Ludwig Kirchner, Erich

Heckel, Paul Klee y Oskar Kokoschka aprenderán de la técnica de Van Gogh,
del nerviosismo, la exageración de las líneas y colores, que hacen que surja
mejor la expresión de los sentimientos y las emociones. El color y el empaste
en la proyección de la pintura de Van Gogh se formalizó quince años más
tarde con el surgimiento del fovismo. Según Van Gogh: «En lugar de
reproducir con exactitud lo que tengo delante de los ojos, prefiero servirme del
color para expresarme con más fuerza».94
Reconocimientos
Octavi Mirbeau, historiador de arte, uno de los primeros en admirar a Van
Gogh, para rendirle homenaje en el Salón de los Independientes, en la
exposición realizada en 1891, escribió:
Aquí me encuentro en presencia de alguien grande, gran maestro, una persona
que me perturba, me emociona, llama mi atención (...) Van Gogh poseía, de
una manera poco frecuente, algo que diferencia un hombre de otro: estilo (...)
es decir, afirmación de la personalidad.
Desde el siglo XXI, el análisis del mensaje que se desprende de sus pinturas es
positivo y alegre. Durante su breve dedicación artística, Van Gogh consiguió
el dominio técnico y una productividad que pocos artistas han conseguido. En
sus obras consiguió fusionar las cualidades de sus predecesores neerlandeses,
como la devoción a la naturaleza, con el uso del color y la técnica de la pintura
francesa.95

Su fama creció rápidamente después de su muerte, gracias a la promoción de

la esposa de Theo que, aunque no tuvo una buena relación con Vincent,
resultó ser la única heredera de toda su obra tras el fallecimiento de su esposo,
ocurrido poco después de la del pintor. Ha de señalarse que a ella se debe una
de las pocas ventas de Van Gogh en vida del artista. El mayor impulso de su
obra vino especialmente después de una exposición de 71 de sus pinturas
realizada en París el 17 de marzo de 1901 (11 años después de su muerte) a la
que siguieron otras exposiciones, como la de 1905 en Ámsterdam, o la de
Colonia en 1912, Nueva York en 1913 y Berlín de 1914.96 Todas ellas
tuvieron un gran impacto sobre las generaciones artísticas posteriores.97
Desde mediados del siglo XX, Van Gogh fue reconocido como uno de los
mayores pintores de la historia.9899 En el año 2007, un grupo de historiadores
holandeses realizó el The Canon of the Netherlands para su enseñanza en las
escuelas e incluyó a Van Gogh como uno de los cincuenta temas del canon,
junto con otros iconos nacionales como Rembrandt y De Stijl.100

Se limitaron a solo tres las obras vendidas en vida del pintor: La viña roja,
comprada por Anna Boch por la suma de 400 francos; Puente de Clichy,
adquirido por 250 francos según el libro de ventas de la Casa Boussod y
Valadon; y, finalmente, un Autorretrato a los marchantes Sulley y Lori de
Londres. Las tres obras curiosamente fueron compradas el mismo año de
1888.101

Varias de las pinturas de Van Gogh están entre las pinturas por las que se ha
pagado más en todo el mundo. El 30 de marzo de 1987 la pintura Lirios de
Van Gogh fue vendida por un valor récord de 53,9 millones de dólares en el
local Sotheby's de Nueva York.102 Pero su comprador, el magnate Alan
Bond, no pudo terminar de pagarla y tuvo que revenderla (por una suma no
revelada) al Getty Center de Los Ángeles. El 15 de mayo de 1990 su Retrato
del Doctor Gachet fue vendido por 82,5 millones de dólares en el local
Christie's, estableciendo así un nuevo precio récord.103

Procedimientos de trabajo
La técnica que empleaba era diferente según el efecto que quería conseguir,
cubría los planos con colores claros, mientras que en otros cuadros ponía
pinceladas amplias y a veces perfilaba todo el dibujo con trazos gruesos. En
otras ocasiones, trabajaba con un pincel duro rayando todas las formas, y
según le interesara, acentuaba las líneas o el color. El trazo con movimiento
rítmico lo repetía tanto en los dibujos como en las pinturas.104

Se cree que Van Gogh hizo un reaprovechamiento de lienzos ya usados en

más de un tercio de su producción durante sus primeros trabajos.105 En 2008,
un equipo de la Universidad Tecnológica de Delft y la Universidad de
Amberes utilizó avanzadas técnicas de rayos X para descubrir una imagen de
la cara de una mujer pintada anteriormente e incluso conseguir su coloración,
que se encontraba por debajo de la obra Mancha de hierba.106

Otras
Joven cortando hierba con una hoz (1881), papel verjurado, carboncillo y
color al agua, Museo Kröller-Müller, Otterlo
Almendro en flor (1890), óleo sobre lienzo, Museo van Gogh, Ámsterdam
Cartas

Theo van Gogh a la edad de 21 años. Theo fue un defensor permanente y

amigo de su hermano mayor.
Una gran parte del conocimiento que se tiene sobre Van Gogh deriva de sus
cartas, la mayor parte dirigidas a su hermano, Theo van Gogh.107 Se
conservan más de seiscientas cartas de Vincent a Theo y cuarenta cartas de
Theo a Vincent, y aunque la mayoría de ellas no están fechadas, los
historiadores de arte han sido capaces de ordenar esta correspondencia, en
gran parte, de manera cronológica. La recopilación de estas fuentes textuales
ha sido muy valiosa para establecer las bases de lo que se conoce sobre los
hermanos Van Gogh. Es interesante hacer constar que el periodo en el que la
vida de Van Gogh es más oscura, es el de su etapa de París, ya que Theo y
Vincent vivían juntos sin necesidad de escribirse y por lo tanto hay menos
información.108

Van Gogh mantuvo correspondencia y se conservan unas doscientas cartas

dirigidas a amigos y familiares especialmente con su hermana Wilhelmina.109
Las cartas salieron a luz en 1913, a través de la viuda de su hermano Theo,
Johanna van Gogh-Bonger, quien explicó la «inquietud» que sentía al mostrar
el drama de la vida del pintor y su preocupación para que no fuera motivo de
eclipsar su obra artística. El mismo Van Gogh había sido un ávido lector de
biografías de otros artistas para comprobar la consonancia del carácter con el
arte de estos.110

Obras
Autor: Vincent van Gogh
Título original: La Nuit étoilée
Título (inglés): The Starry Night
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1889
Se encuentra en: Museo MoMA, New York

Es una de las obras más famosas del mundo, apreciada por décadas
por sus formas sinuosas y azules profundos.
Pintado en 1889, la obra trata de las vistas nocturnas que tenía Van
Gogh desde su habitación en el sanatorio mental de Saint-Remy,
donde pasó los últimos años de su vida.

En segundo plano el pueblo, cuya tranquilidad y colores sombríos

contrasta con la enérgica composición del cielo, donde sus
voluptuosas texturas y trazos en espiral transmiten vivacidad y
dinamismo. Se dice que Van Gogh expresaba así que la obra está
centrada en el cielo y no en la tierra.

Autor: Vincent van Gogh

Título original: Terrasse du café le soir
Título (inglés): Cafe Terrace at Night
También conocido como: Cafe Terrace
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
Se encuentra en: Museo Kröller-Müller, Países Bajos

Se yergue como uno de los trabajos más destacados del pintor. Es

también sin duda uno de los más famosos producidos en la breve
pero prolífica carrera del artista.

Autor: Vincent van Gogh

Título original: Champ de blé avec cyprès
Título (inglés): Wheat Field with Cypresses
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1889
Se encuentra en: Museo MET, New York

Autor: Vincent van Gogh

Título (inglés): Seascape near Les Saintes-Maries-de-la-Mer
Estilo: Postimpresionismo
Género: Marina
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
Se encuentra en: Museo Van Gogh, Ámsterdam
El artista pintó este vibrante paisaje marino, al aire libre, en 1888.
Intentó capturar el color del mar. Lo describió como "de un color
cambiante

Autor: Vincent van Gogh

Título original: Vase avec quinze tournesols
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
Se encuentra en: The National Gallery, Londres
Corresponde a la cuarta versión de la serie de girasoles.
Autor: Vincent van Gogh
También conocido como: Almendro en flor
Título original: Amandier en fleurs
Título (inglés): Almond Blossoms
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1890
Autor: Vincent van Gogh
Título original: Tournesols
Título (inglés): Sunflowers
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1889
Se encuentra en: Museo de Arte de Filadelfia, EE. UU.

El gusto por estas flores fue casi una obsesión para Vincent, no solo
las pintó con todo tipo de iluminación y disposición, sino que cada
composición la realizaba varias veces. Por ejemplo en esta otra
versión de los Girasoles, se muestran los mismos elementos con
ligeros cambios: 12 flores en un jarrón ovalado, sobre una mesa.
Muelle con hombres descargando barcazas de arena" Ver
Autor: Vincent van Gogh
Título (inglés): Quay with Men Unloading Sand Barges
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888 en Arles, Francia
Se encuentra en: Museo Folkwang, Alemania

Muestra a unos trabajadores descargando sacos de arena de unas

barcazas junto a sus amarres.

Autor: Vincent van Gogh

Título original: L’Église d’Auvers-sur-Oise
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1890
Se encuentra en: Museo de Orsay, París

"Casa en campo de trigo" Ver

Autor: Vincent van Gogh
Título original: Ferme dans un champ de blé
Título (neerlandés): Boerderij in het koren
Título (inglés): Farmhouse in a Wheat Field
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
Cuando el artista llegó a Arles, al sur de París quedó impresionado
inmediatamente por las vistas, e hizo un bosquejo de este paisaje en
una carta a su hermano Theo.
"La cosecha" Ver
Autor: Vincent van Gogh
Título original: La moisson
Título (inglés): The Harvest
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888

La pintura está inundada de los tonos dorados y azules cálidos

percibidos por Vincent en el valle de La Crau, a las afueras de Arles.
La composición está formada por pinceladas en todas direcciones
para plasmar las figuras, las cuales se sobreponen a un cielo liso en
color y textura.

Actualmente se encuentra expuesta en el Museo de Van Gogh, en

Ámsterdam.

"Irises" Ver
Autor: Vincent van Gogh
Título original: Iris
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1889
Se encuentra en: Museo J. Paul Getty, en Los Ángeles, EE. UU.

Este cuadro titulado Irises fue pintado por Van Gogh en 1889, un
año antes de su muerte. Para pintar estas flores se inspiró en las que
habían en el propio jardín del asilo mental donde se encontraba.

Es una obra llena de aire y vida, cada uno de los "Irises" que pintó el
artista es único. Van Gogh estudiaba cuidadosamente el movimiento
y las formas de la planta para crear una variedad de siluetas entre
líneas onduladas, dobladas y rizadas. El cuadro se encuentra
actualmente en el museo J. Paul Getty, Estados Unidos.

"La noche estrellada sobre el Ródano" Ver

Autor: Vincent van Gogh
Título original: Nuit étoilée sur le Rhône
Título (inglés): Starry Night Over the Rhone
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
Se encuentra en: Museo de Orsay, París

Paisaje nocturno con estrellas brillantes reflejadas en el agua.

"Olivos con cielo amarillo y sol" Ver

Autor: Vincent van Gogh
Título (inglés): Olive Trees with Yellow Sky and
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1889
Se encuentra en: Instituto de Artes de Minneapolis

"Pequeño peral en flor" Ver

Autor: Vincent van Gogh
Título (inglés): Small pear tree in blossom
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888

En esos meses pintó 15 obras de árboles floreciendo. En una carta a

su hemano Theo, Vincent se refirió a esta obra diciendo: "Ahora
también tengo un pequeño peral, vertical, con otros dos lienzos
horizontales en ambos lados."

"La siesta" Ver

Autor: Vincent van Gogh
Título original: La méridienne ou la sieste
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1889-1890
Se encuentra en: Museo de Orsay, París

El cuadro La siesta fue pintado por Vincent Van Gogh mientras se

encontraba internado en un asilo para enfermos mentales, en Saint
Remy de Provence, Francia. La composición está inspirada en un
dibujo de Millet, según Vincent comenta a su primo en una carta.

Aunque copiada la idea, los expertos aseguran que en esta obra se

aprecia el estilo personal de Van Gogh con toda su fuerza,
caracterizado en este cuadro por la construcción cromática basada en
contrastes de colores complementarios: azul/violeta y
amarillo/naranja.

"Jarrón de gladiolos y aster" Ver

Autor: Vincent van Gogh
Título original: Vaas met tuingladiolen en Chinese asters
Título (inglés): Vase with Gladioli and Chinese Asters
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1886

El artista le escribe a un amigo contándole que el motivo es que no

tenía dinero para pagar a modelos. Este tipo de cuadros le daba la
posibilidad de experimentar con colores brillantes. En este cuadro el
artista ha aplicado la pintura densa, lo que aporta textura y relieve a
la imagen.
"Jardín de Montmartre" Ver
Autor: Vincent van Gogh
Título (inglés): Garden with courting couples: square Saint-Pierre
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1887

Esta obra utiliza la técnica puntillista, aunque más que con puntos
pinceló el cuadro con pequeñas rayas de pintura, aportando así
texturas con su estilo particular.

"Un cangrejo de espaldas" Ver

Autor: Vincent van Gogh
Título (inglés): A crab on its back
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1887
El artista evitaba salir a la intemperie cuando el clima era muy frío y
lluvioso, uno de esos días, Vincent concibió esta obra. Movido por
las ganas de imitar figuras que había visto en litografías de arte
japonés (influencia artística que en occidente se denominó
"Japonismo"). Fue más allá, él quería mostrar cómo se reflejaba la
luz en el caparazón, el resultado es una obra con muchos detalles del
animal.

"Huerto de olivos" Ver

Autor: Vincent van Gogh
Título original: Olivenhain
Título (inglés): Olive Orchard
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1889 (Junio)
Se encuentra en: Museo Nelson-Atkins, Misuri

Pintado durante su estancia en el sanatorio de Saint-Rémy-de-

Provence, donde el genio pasaría los últimos días de su vida.

En una de sus cartas a Theo se refiere al cuadro con estas palabras:

"Sus sombras violeta yacen sobre la arena soleada."
"Bodegón con membrillos" Ver
Autor: Vincent van Gogh
Título original: Nature morte aux coings
Título (inglés): Still Life with Quince Pears
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888-89
Se encuentra en: Galería Nuevos Maestros, Colecciones estatales de
arte de Dresde, Alemania

Se trata de una temática escasa en la obra del pintor, la obra presenta

14 membrillos dispuestos sobre una tela azul y fondo de pared
marrón. Los detalles de brillo, cromática y sobre todo las pinceladas
hacen que la autoría de Vincent sea inmediatamente reconocible.

"El melocotonero" Ver

Autor: Vincent van Gogh
Título original: Pêcher en fleur
Título (inglés): Peach Tree in Blossom
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
Se encuentra en: Museo Rijksmuseum, Ámsterdam

Esta pintura de melocotoneros rosados florecidos al principio fue

pensada como la parte de un cuadro tríptico.

"El jardín del poeta" Ver

Autor: Vincent van Gogh
Título original: Jardin du poète III
Título (inglés): The Poet's Garden III
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888

"El huerto blanco" Ver

Autor: Vincent van Gogh
Título original: De witte boomgaard
Título (inglés): The White Orchard
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888

El artista estaba especialmente satisfecho con esta obra y junto con

"El melocotonero rosa" (The pink peach tree) y "El huerto rosa"
(The pink orchard), formó un tríptico.

"Campo con flores" Ver

Autor: Vincent van Gogh
Título original: Veld met irissen bij Arles
Título (inglés): Field with Irises near Arles
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
El pintor escribió a su hermano Theo sobre este paisaje en Arles:
"Realmente es un sueño".

"Álamos en Nuenen" Ver

Autor: Vincent van Gogh
Título original: De populierenlaan bij Nuenen
Título (inglés): Poplars near Nuenen
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1885
Se encuentra en: Museo Boijmans Van Beuningen, Holanda

"Les Vessenots, Auvers" Ver

Autor: Vincent van Gogh
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1890
Se encuentra en: Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

El artista pintó este cuadro en 1890, además de un gran número de

paisajes en las semanas antes de su muerte, siempre al aire libre.
Esta magnífica obra le hacía sentir especialmente libre, al mismo
tiempo demuestra sus sensaciones de melancolía y soledad, aquellas
que pronto lo llevarían al suicidio.

"Paseo a lo largo del Sena" Ver

Autor: Vincent van Gogh
Título original: Langs de Seine
Título (inglés): Walk Along the Banks of the Seine
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1885

Muestra las vistas del río Sena en París. El autor de la obra no

completó este trabajo, las líneas de lápiz con las que bosquejó la
composición antes de que comenzara a pintar, son todavía visibles
en el borde de la orilla opuesta del río.
"Salón de baile en Arles" Ver
Autor: Vincent van Gogh
Título original: La salle de danse à Arles
Título (inglés): The Dance Hall in Arles
Estilo: Postimpresionismo
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1888
Se encuentra en: Museo de Orsay, París