Vincent van Gogh

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(desambiguación).

Vincent van Gogh

Autorretrato (1887)

Información personal

Nombre de
Vincent Willem Van Gogh 
nacimiento

Nacimiento 30 de marzo de 1853 
Zundert (Reino de los Países Bajos) 

Fallecimiento 29 de julio de 1890   (37 años)

Auvers-sur-Oise (Francia)

Causa de
Herida por arma de fuego 
muerte

Sepultura Cimetière d'Auvers-sur-Oise y tomb of Vincent and

 Theo van Gogh 

Residencia Monasterio de Saint-Paul-de-Mausole 

Nacionalidad Neerlandesa

Familia

Padres Theodorus van Gogh 

Anna Cornelia Carbentus 

Sien
Pareja
Margot Begemann 

Educación

Educado en Academia Real de Bellas Artes de

Bruselas
Real Academia de Bellas Artes de
Amberes 

Alumno de Anton Mauve 

Información profesional

Ocupación Pintor, ilustrador botánico, dibujante, grabador,

dibujante
arquitectónico, aguafuertista, litógrafo y artista
gráfico 

Área Pintura 

Movimiento Posimpresionismo y expresionismo 

Géneros Pintura del paisaje, bodegón, retrato, paisaje

urbano, vista interior, autorretrato y arte cristiano 

Obras notables Los comedores de patatas

Terraza de café por la noche
La noche estrellada
El dormitorio en Arles
Los girasoles
Paisaje con carro y tren 
 Artistas
Anton Mauve, Paul Gauguin
relacionados

Firma

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Vincent Willem van Gogh (pronunciado   [ˈvɪnsɛnt fɑŋ'ɣɔx] (?·i); Zundert, 30 de

marzo de 1853-Auvers-sur-Oise, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés,
uno de los principales exponentes del postimpresionismo.1
Pintó unos 800 cuadros (entre ellos 43 autorretratos y 148 acuarelas) y realizó
más de 1600 dibujos. Una figura central en su vida fue su hermano menor Theo,
marchante de arte en París, quien le prestó apoyo financiero de manera continua y
desinteresada. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas
cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. De las 800 cartas que se
conservan del pintor, unas 650 fueron para Theo; las otras son correspondencia
con amigos y familiares.2
Desde joven tuvo inclinación hacia el dibujo. Su primer trabajo fue en una galería
de arte. Más tarde se convirtió en pastor protestante y en 1879, a la edad de
veintiséis años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica, donde
comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 pintó su primera gran
obra, Los comedores de patatas. En ese momento su paleta se componía
principalmente de tonos sombríos y terrosos. La luz y la preferencia por los colores
vivos por la que es conocido surgió posteriormente, cuando se trasladó al sur de
Francia, consiguiendo su plenitud durante su estancia en Arlés en 1888.
La calidad de su obra fue reconocida solo después de su muerte, en una
exposición retrospectiva en 1890, considerándose en la actualidad uno de los
grandes maestros de la historia de la pintura. Influyó grandemente en el ARTE DEL
SIGLO XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y
los fauvistas como Matisse, Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen.34 Falleció a los
treinta y siete años de edad por una herida de bala; aún no se sabe con seguridad
si fue un suicidio o un homicidio involuntario. A pesar de que existe una tendencia
general a especular que su enfermedad mental influyese en su pintura, el crítico
de arte Robert Hughes cree que las obras del artista están ejecutadas bajo un
completo control; de hecho, el pintor jamás trabajó en los periodos en los que
estaba enfermo.5

Índice

 1Biografía
o 1.1Primeros trabajos
 1.1.1Marchante de arte
  1.1.2Religión
 2Pintura: aprendizaje
o 2.1Etten
o 2.2La Haya
o 2.3Nuenen
o 2.4Amberes y París
 3Últimos tiempos: Arlés
o 3.1Retratos
o 3.2Estancia de Gauguin en Arlés
 3.2.1Corte de la oreja
o 3.3Sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence
o 3.4Exposiciones en vida
o 3.5Auvers-sur-Oise
o 3.6Muerte
 4Obra
o 4.1Impresionismo
o 4.2Postimpresionismo
o 4.3Expresionismo y fauvismo
o 4.4Reconocimientos
o 4.5Procedimientos de trabajo
o 4.6Obras
 5Cartas
 6Véase también
 7Referencias
 8Bibliografía
 9Enlaces externos

Biografía[editar]

La familia de Vincent van Gogh:

Arriba: sus padres Theodorus y Anna Cornelia.
Abajo, de izquierda a derecha: Vincent Willem, Anna Cornelia, Theo, Elisabetha Huberta, Wilhelmina
Jacoba y Cornelius Vincent.

Nació el 30 de marzo de 1853. Hijo de un austero y

humilde pastor protestante neerlandés llamado Theodorus y de su mujer Anna
Cornelia, Vincent recibió el mismo nombre que le habían puesto a un hermano que
nació muerto exactamente un año antes. El 1 de mayo de 1857 nació su
hermano Theo y ambos tuvieron cuatro hermanos más: Cornelius Vincent,
Elisabetha Huberta, Anna Cornelia y Wilhelmina Jacoba.
Durante la infancia acudió a la escuela de manera discontinua e irregular, pues
sus padres le enviaron a diferentes internados. El primero de ellos
en Zevenbergen en 1864, donde estudió francés y alemán.6 Dos años después se
matriculó en la escuela secundaria HBS Koning Willem II (Tilburg) viviendo con la
familia Hannik en la calle Sint Annaplein 18-19 y permaneció allí hasta que dejó
los estudios de manera definitiva a los quince años. 7 Por entonces comenzó su
afición por la pintura.
Sobre su infancia, Vincent van Gogh comentó: «Mi juventud fue triste, fría y
estéril».8
Primeros trabajos[editar]
Marchante de arte[editar]

El hermano de Vincent van Gogh, Theo, hasta hace poco asociada al primero, 9 en 1866.

Acequia (1872-73), dibujo juvenil de Van Gogh (La Haya).

Desde muy joven mostró un carácter difícil y un temperamento fuerte. Tras
abandonar los estudios y después de un año en Zundert, van Gogh empezó a
trabajar en 1869, a la edad de 16 años, como aprendiz en Goupil & Co. (más tarde
Boussod & Valadon), una importante compañía internacional de comercio de arte
de La Haya de la que su tío Vincent fue socio. 10 Se adaptó bastante bien a esta
nueva vida, llegando a escribir:
Es un negocio maravilloso. Cuanto más tiempo se trabaja en él más ambicioso se vuelve uno.

Cuatro años después fue trasladado a Londres para suministrar obras de arte a

los comercios del lugar y fue allí donde tuvo un primer contacto con Eugenia, hija
de Úrsula Loyer, patrona de la pensión donde se hospedó. Se enamoró de ella,
pero la chica estaba comprometida y lo rechazó. 11 En 1874, un año después de su
estancia en Londres, pasó las vacaciones en familia en Helvoirt y confesó su
malestar por Eugenia. Vivió aislado, leyendo libros religiosos y perdiendo el interés
por su trabajo.6
En mayo de 1875 fue destinado a París, donde creció su amor por el arte. En una
exposición de dibujos de Jean-François Millet comentó:
Cuando entré en la sala del hotel Drouot, donde estaban expuestos, sentí alguna cosa como: descálzate
porque el suelo que pisas es sagrado.12

El 10 de enero de 1878, en una carta dirigida a su hermano Theo, comunicó que

había sido despedido de la galería de arte y que tendría que irse el 1 de abril. 13 El
despido fue debido a que interponía sus gustos personales sobre las ventas que
debía hacer. Sin embargo, en Boussod & Valadon se quedó su hermano Theo,
cuatro años menor que él, que trabajaría allí desde 1873 hasta su muerte y sin
cuya abnegación nunca hubiera sido posible la corta e intensa carrera artística de
su hermano mayor. Su familia le propuso que abriera él mismo una galería, donde
podría ofrecer la clase de pintura que él escogiera. Rechazó la idea y más tarde
insistió a su hermano, también marchante de arte, para que dejase su trabajo ya
que «el comercio de arte era una farsa».14
Religión[editar]
A finales de marzo de 1876 regresó a Inglaterra, donde permaneció dos años. Por
aquel tiempo, Van Gogh aumentó su fanatismo religioso. Le entusiasmaba la
lectura de la Biblia, y La imitación de Cristo de Tomás de Kempis. Después de
estar un tiempo como maestro auxiliar en Ramsgate, empezó a trabajar en
Isleworth como ayudante del predicador metodista Jones, donde llegó a subir al
púlpito de la iglesia y leer un sermón que se había preparado escrupulosamente.
Sobre este primer sermón existe una copia que envió a su hermano Theo con
frases como:
Cuando me encontraba en el púlpito, me sentía como quien desde una oscura cueva subterránea vuelve
a salir a la plena luz, y es maravilloso pensar que, desde ahora, predicaré el Evangelio por todo el
mundo.

Pasó unos seis meses en Dordrecht como empleado de una librería, y en mayo de

1877 se trasladó a Ámsterdam donde quiso hacerse teólogo. Tuvo que desistir y
también abandonar sus deseos de entrar en una escuela metodista. Fue
rechazado por no saber ni latín, ni griego, y su dificultad para hablar en público,
aunque realmente el motivo era su falta de subordinación. Cada vez le era más
difícil adaptarse a un cierto orden y someterse a alguien que le dirigiese. 15
En 1879, quizás por su profundo fervor, fue enviado como misionero a la región
de Mons, a las minas de Borinage, en Bélgica, donde en condiciones
extremadamente duras realizó durante veintidós meses un trabajo evangelizador
entre los mineros de la zona. Pero con su fanatismo lo que conseguía era que le
llegaran a temer. Dormía en una pequeña barraca y su estado se degradaba cada
día más. Además, repartía entre los pobres lo poco que tenía. Decía que estaba
obligado a creer en Dios para poder soportar tantas desgracias. Sus superiores
decidieron entonces enviarle a Cuesmes, permaneciendo un año completo en una
absoluta pobreza y en contacto con los mineros, por los que sentía una gran
simpatía:
Los carboneros y los tejedores siguen constituyendo una raza aparte de los demás trabajadores y
artesanos y siento por ellos una gran simpatía y me sentiría feliz si un día pudiera dibujarlos, de modo
que estos tipos todavía inéditos o casi inéditos fuesen sacados a luz. 16

Después se le suprimió el pequeño sueldo que recibía. Ante todo esto, siguió los
consejos de su hermano Theo, del que ya estaba recibiendo ayuda económica, y
decidió dar un cambio a su vida y dedicarse a la pintura. 17

Pintura: aprendizaje[editar]

Dibujo El sembrador (1881), Museo Van Gogh.

Establecido en 1880 en Bruselas hizo amistad con el pintor neerlandés Anthon van
Rappard. Se inscribió en la Academia de Bellas Artes donde estudió dibujo y
perspectiva. En esta época realizó esbozos y dibujos basados en las pinturas
de Jean-François Millet, representando campesinos y mineros, modelos de la vida
cotidiana, y pintándolos muy realistas y con tonalidades oscuras. 18
Etten[editar]
El 12 de abril de 1881 Vincent llegó a Etten a visitar a su hermano. Durante este
período va a casa de su primo, el pintor Anton Mauve, y donde vuelve a
enamorarse, esta vez de una de sus primas Cornelia Adriana Vos-Stricker (Kee),
que acababa de enviudar, a la que propuso rápidamente matrimonio, la respuesta
de Kee fue: «No, jamás, jamás».19 A pesar de esta negativa, insistió mediante
cartas que la viuda no contestaba, además de negarse a verlo. Vincent insistió con
los padres de ella, fue a su casa a intentar verla de nuevo, los familiares le
llegaron a decir que su insistencia era «asquerosa». En diciembre de 1881,
escribió a su hermano, le contó la historia y las disputas con su padre: 20
Pero como puedes ver, estoy nuevamente en La Haya; por Navidad tuve una disputa bastante grave
con nuestro padre, que llegó al extremo de decirme que sería mejor que abandonase la casa. Lo dijo tan
enérgico que me fui aquel mismo día.

La Haya[editar]
Dibujos en La Haya

Pena (1882). Posiblemente la modelo fue Clasina María "Sien". Niña de rodillas delante de una cuna (1883).

En La Haya, su primo Antón, pintor de acuarelas, le aconsejó e insistió en la

importancia de que aprendiese perspectiva y dibujo. Vincent hizo entonces sus
primeras acuarelas y naturalezas muertas, utilizando tonos apagados, como se ve
en las acuarelas: Los pobres y el dinero (1882) y Naturaleza muerta con col y
zuecos (1881).
Mientras, su vida amorosa tomó un nuevo rumbo. Desesperado tras el rechazo de
su prima Kee, o quizá por compasión, Vincent recogió de la calle a Clasina María
Hoornik (Sien), una prostituta alcohólica, embarazada y con una hija, con la que
vivió durante un año; tanto la madre como la hija le sirvieron de modelo. En el
dibujo Dolor, en el margen inferior, citó las palabras de Jules Michelet del
tratado La Femme (1860): «¿Cómo es que hay en la tierra una sola mujer?» Sien,
por la falta de recursos económicos, había vuelto a ejercer la prostitución y esto,
unido a la gran presión que padecía Van Gogh por parte de su padre, de su
hermano Theo y su primo Mauve (con quien llegaría a discutir y romper su
amistad), hizo que este intento de vida familiar también fracasara. 21
Concluida esta relación con Sien, se trasladó a Drente, al norte de los Países
Bajos, donde permaneció durante tres meses y pintó temas paisajistas en pintura
al óleo, en los que se puede apreciar la diferencia con los dibujos realizados
anteriormente. Como quería plasmar todos los detalles, realizó los óleos con
trazos gruesos y pinceladas espesas. Esta temporada sintió más que nunca la
soledad; en las cartas dirigidas a su hermano, le insistía en que abandonara su
trabajo de marchante y siguiese el camino de la pintura. En diciembre de 1883
regresó nuevamente a la casa paterna, esta vez en Nuenen, donde el padre había
sido trasladado.22
Nuenen[editar]

El tejedor en el telar (1884), 70 × 85 cm.

En Nuenen fue bien recibido por su familia, que le acondicionó una habitación
como taller, donde realizó obras como Jardín rectoral en Nuenen en primavera. En
este periodo se dedicó a dibujar y pintar el trabajo en los telares. Coincidió con un
amigo suyo, Anthon van Rappard, al que había conocido en Bruselas y que había
venido a pasar unos días en Nuenen. Los dos juntos estudiaron y pintaron a
los tejedores rurales. En estas obras, Van Gogh no consiguió la misma técnica
que su amigo, pero este le sirvió de ejemplo.23
La pintura El tejedor en el telar, de mayo de 1884, expresa la dureza y el esfuerzo
de este oficio, pero también la dignidad del personaje. Aquí Van Gogh demuestra
la solidaridad y su identificación con el protagonista, intentando representar el
ideal de una sociedad libre de la industrialización y hace una alabanza al trabajo
artesanal. La composición de esta pintura consigue el efecto de enmarcar al
tejedor en el mecanismo del telar, dentro de un enrejado horizontal y vertical que
parece integrar al personaje hasta conseguir que llegue a formar parte de la
máquina. La claridad del fondo de la pintura hace resaltar todo el dibujo. 24
En el otoño de 1884, se enamoró de nuevo, ahora de la hija de un vecino, Margot
Begemann, diez años mayor que Vincent, que le acompañaba en sus salidas
pictóricas por el campo. Pensaron en contraer matrimonio, pero se encontraron
con la firme oposición de la familia de Margot, quien llegó a intentar suicidarse.
Poco después, el 26 de marzo de 1885, muere repentinamente el padre de
Vincent. Las disputas por la herencia entre su madre y sus hermanas hicieron que
se marchase de su casa para irse a vivir a un lugar más amplio que le ofreció un
sacristán de la Iglesia católica; en su familia, que eran protestantes, este hecho
fue considerado como una ofensa.25
Los comedores de patatas (1885), pintura al óleo, 82 × 114 cm. Museo van Gogh, Ámsterdam.

Durante la primavera de 1885 pintó la que se considera una de sus grandes obras
tempranas: Los comedores de patatas. Hasta entonces sus esfuerzos se habían
centrado siempre en la representación de una figura, pero en esta obra se
encontró con la dificultad de tener que coordinar cinco personajes y conseguir
relacionarlos. Para realizar esta pintura contrató modelos, y realizó diversos
esbozos de dibujos de las figuras y estudios sobre detalles, con las manos
sujetando el tenedor, la taza o la tetera. Los colores empleados de tonos terrosos
no contribuyeron a una fusión armoniosa con el fondo. 26
En una de sus cartas27expresó:
(...) He querido dedicarme conscientemente a expresar la idea de que esa gente que, bajo la lámpara,
come sus patatas con las manos que meten en el plato, ha trabajado también la tierra, y que mi cuadro
exalta, pues, el trabajo manual y el alimento que ellos mismos se han ganado tan honestamente (...).

Con ayuda de Theo se imprimieron veinte litografías de Los comedores de

patatas, que la gente de los alrededores pudo comprar a precios asequibles. 28
En un solo día trasladó directamente en la piedra, de memoria y sin dibujos
previos, la imagen de Los campesinos comiendo patatas (obviamente, en la
impresión en papel las figuras están invertidas). De las veinte litografías, Juliana
Montford ha logrado localizar ocho, entre las que se encuentra la del Museo
Thyssen-Bornemisza.

Campesinos comiendo patatas (1885). Litografía sobre papel Japón; museo Thyssen-Bornemisza.

Esta pintura provocó la ruptura con su amigo Rappard, ya que el hipersensible y

vulnerable Van Gogh no aceptó sus comentarios. Rappard le hizo esta crítica
basada en una de las 20 litografías:
Estarás de acuerdo conmigo en que este trabajo no se puede tomar seriamente. Por fortuna eres capaz
de mucho más. Pero, ¿por qué todo lo observas y lo tratas superficialmente, de la misma manera? ¿por
qué no estudias minuciosamente los movimientos? En este cuadro los personajes posan. La mano de la
mujer del fondo...¡qué poco real! ¿Y qué relación hay entre la cafetera, la mesa y la mano que toca el
asa? ¿Qué función hace esta cafetera? No se mantiene, tampoco la sujetan, entonces, ¿qué? ¿Y por
qué el hombre de la derecha no tiene rodillas, ni vientre, ni pulmones? ¿O quizá los tiene en la espalda?
¿Por qué a su brazo le falta un metro de largo, por qué le falta la mitad de la nariz? ¿Por qué la mujer de
la izquierda tiene por nariz un mango de pipa acabada en un dado? ¿Y aún te atreves, con esta forma
de trabajar, citar a Millet y a Breton? El arte es demasiado elevado para poderlo tratar con tanta
negligencia.29

Hay que aclarar que la dureza de la crítica por parte de van Rappard se debía
también al propio enfado que este tenía con Van Gogh, por el hecho de no haber
tenido noticia directa de la muerte repentina del padre de Vincent. Al principio de
esta misma carta se quejaba Rappard, ofendido de haber recibido una simple nota
a pesar de su amistad: «¿Pensaste que tenía tan poco interés en tu padre y tu
familia?»30A la vista de esta pintura en París, Camille Pissarro quedó
profundamente impresionado por la fuerza expresiva del cuadro. También Émile
Bernard escribió en un artículo:
Me quedé desconcertado, en esta confusión, por la comida de los pobres en una barraca inquietante
bajo una mísera luz. Era grandioso en su fealdad y estaba lleno de una vida inquietante.

Naturaleza muerta con Biblia (1885), 65 × 78 cm.

Seguramente cuando Bernard hablaba de la grandiosa fealdad, se refería a los

colores, puesto que él tenía un sentido del color mucho más luminoso. 31
Durante estos dos años en Nuenen completó numerosos dibujos y acuarelas, y
cerca de doscientas pinturas al óleo. Los colores usados continuaban siendo
oscuros. Su hermano Theo se quejaba, en una de sus cartas, de que eran
demasiado apagados y no estaban en la línea del estilo del momento, donde
destacaban las pinturas brillantes de los impresionistas. Vincent escribió al
respecto:
He leído con mucho placer Los maestros de antaño, de Fomentin. He encontrado «tratadas» en este
libro, en diversos sitios, las mismas cuestiones que me preocupaban mucho estos últimos tiempos (...)
tratar de dar un valor claro por medio de tonos relativamente oscuros. En una palabra, expresar la luz
por oposición a la oscuridad. Ya sé todo lo que piensas del "demasiado negro", pero, sin embargo, no
estoy aún absolutamente convencido (...).32

El cuadro Naturaleza muerta con Biblia fue pintado en octubre de 1885, antes de

su partida hacia Amberes, en memoria de su padre fallecido el 26 de marzo de
ese año.33 Se aprecia la biblia como símbolo de la casa paterna y de toda una
educación religiosa. Como contraste aparece La joie de vivre de Zola, el libro del
naturalismo y, en opinión de su padre, una de las obras más nefastas. En la
composición, Van Gogh coloca la vela, un símbolo religioso, con la idea de situar
ambos símbolos al mismo nivel.34
Amberes y París[editar]

Cráneo fumando un cigarrillo (1885).

Modelo de yeso de un hombre arrodillado (1886).

A la izquierda, grabado de Hiroshige representando El puente Ohashi y Atake bajo una lluvia repentina;
a la derecha, copia de Van Gogh de este grabado japonés: Japonaiserie: Puente bajo la lluvia, 1887, óleo
sobre lienzo, 73 × 54 cm, Rijksmuseum, Fundación Van Gogh, Ámsterdam.

En noviembre de 1885 Van Gogh llegó a Amberes, donde ocupó un pequeño taller
encima de una tienda de pinturas; el alquiler lo pagaba su hermano. Compró en
unos anticuarios algunas xilografías japonesas, y se dedicó a copiar modelos de
yeso de esculturas antiguas, expuestas en la entonces Real Academia de
Amberes, a pesar de su desacuerdo con la enseñanza académica. Descubrió las
pinturas de Rubens, que con su colorido y sus formas femeninas le abrieron la
alternativa del uso de colores como el carmín y el verde esmeralda. En esta época
contrajo sífilis, que aunque fue tratada médicamente, le hizo perder casi todos los
dientes. En febrero de 1886, comentó en cartas dirigidas a Theo que solo se había
podido permitir seis o siete comidas calientes desde el mes de mayo anterior. 35
El año 1886 se mudó a París, a vivir junto a su hermano menor Theo, a quien
avisó con esta simple nota: «Estaré en el Louvre desde el mediodía, o antes, si lo
deseas». Theo, que trabaja en Boussod & Valadon, le descubrió a Vincent los
trabajos del impresionismo; lo que produjo una paleta mucho más luminosa, donde
el color jugaría un rol fundamental en el resto de su obra. Durante los dos años
siguientes, los dos hermanos tuvieron múltiples fricciones y siempre tuvo que ser
Theo el que cediese y perdonase.
Se instalaron en Montmartre y empezó a codearse con los artistas de la época que
allí se reunían. Conoció a Émile Bernard y a Henri de Toulouse-Lautrec,
haciéndose gran amigo de ellos, así como a Paul Gauguin, Georges Pierre
Seurat, Paul Signac, Armand Guillaumin, Camille Pissarro y Paul Cézanne. Van
Gogh, como muchos pintores de la época, admiraba el
arte japonés de Hokusai, Hiroshige y Utamaro. Prueba de ello son las réplicas que
realizó de grabados japoneses y algunas pinturas suyas que reproducen ese país
de modo escenográfico. A las reproducciones procedentes del Japón se las
llamaba japonaiserie. Dos de estas obras realizadas por Van Gogh fueron Ciruelo
en flor y Puente bajo la lluvia, copias de obras de Hiroshige.36De ellas, Van Gogh
dejó escrito el siguiente comentario:
Envidio a los japoneses por la increíble claridad de la que están impregnados todos sus trabajos. Nunca
resultan aburridos ni hacen el efecto de haberlos realizado deprisa... Su estilo es tan sencillo como
respirar. Son capaces de hacer una figura con solo unos pocos trazos seguros, que hace que parezca
tan fácil como abrocharse el chaleco.37

Agostina Segatori sentada en el Café du Tambourin (1887).

Comenzó a utilizar los colores complementarios y todo esto le hizo abrirse a una
expresión en su arte que no había sospechado en los Países Bajos. Pissarro
también le explicó las nuevas teorías sobre la luz y el tratamiento divisionista de
los tonos. El artista consiguió ir añadiendo colores más ricos y luminosos a su
paleta, gracias a Signac, con quien trabajó en 1887. Practicó pintando paisajes
urbanos del barrio de Montmartre y naturalezas muertas ya con colores más vivos;
los rojos, amarillos y azules con sus complementarios ya se pueden apreciar casi
en todas sus pinturas de este periodo. 38
Exaltado por la intensidad del clima artístico de París, Van Gogh consiguió, con la
ayuda de Toulouse-Lautrec, la renovación de su pintura en lo que atañe a la
investigación psicológica en los retratos. Pudo apreciar las pinturas exóticas
realizadas por Gauguin en la Martinica. El retrato de Mujer en el Café de
Tambourin es del mes de febrero de 1887. No representa una bebedora en una
taberna cualquiera sino que es la imagen concreta de Agostina Segatori, una
antigua modelo de los pintores Degas y Corot, y que en ese momento era la
propietaria del café. El cuadro respira un cierto atractivo exótico, desde el peinado
de la mujer pasando por su vestido hasta el fondo de la pintura, donde en su
decoración se observan láminas japonesas. Una de las cosas más importantes
que aprendió en esta época fue la aplicación del contraste complementario, el
contraponer los tres colores básicos (amarillo, rojo y azul) a la mezcla formada por
los otros dos, como combinación rojo-verde, amarillo-violeta y azul-naranja, que
refuerzan su tono o se neutralizan al mezclarse en un gris deslucido. Se observa
la aplicación de esta técnica en los Cuatro girasoles, donde claramente existe el
contraste complementario entre el amarillo y el azul vivo del fondo. 39
Poco antes de acabar su etapa parisina, Van Gogh realizó tres retratos de Julien
Tanguy, llamado por todos los artistas «Père Tanguy», en cuya trastienda de su
establecimiento habían expuesto sus obras Van Gogh, Gauguin, Cézanne y
Seurat. Este retrato se considera la obra representativa de su etapa parisina. Con
una presentación frontal, es una imagen de una estructura simple, que contrasta
con el fondo decorado con estampas japonesas. El artista neerlandés estaba
dispuesto a realizar su sueño mediterráneo en busca de la luz cegadora de
la Provenza, con la explosión de la naturaleza y los colores puros, colores que
había estudiado en su colección de estampas japonesas. Fue un periodo muy fértil
en el que su arte se inclinó hacia el impresionismo, pero por otro lado, la absenta y
la fatiga mental agravaron su condición física. 40

Últimos tiempos: Arlés[editar]

Melocotonero en flor (1888).

El 21 de febrero de 1888 Van Gogh llega a Arlés, al sur de Francia. Primero se

instaló en una habitación situada en el Hotel-Restaurante Carrel, por la que
pagaba cinco francos diarios; esto sobrepasaba sus posibilidades económicas y
además el espacio era muy reducido para tener su taller. Pintaba todo lo que veía
(como Huerto en flor con vistas de Arlés) y ya no necesitaba estampas japonesas,
como él mismo reconoció en una carta dirigida a su hermano: «Aquí no me hace
falta para nada el arte japonés, porque me imagino estar en el Japón y nada más
necesito abrir los ojos y ver lo que tengo delante». Sus primeros cuadros en Arlés
fueron típicamente japoneses; la pintura Melocotonero en flor fue realizada en
marzo de 1888.

Los descargadores en Arlés (1888), Museo Thyssen-Bornemisza.

Pintó la naturaleza de los alrededores, los campos de trigo, los pantanos del delta
del Ródano y el canal del sur de Arlés, el cual reflejó en diversas obras, como El
puente de Langlois. Durante este periodo empezó a utilizar las pinceladas
ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos que caracterizan su obra
pictórica de los últimos tiempos.41
El 24 de mayo de cada año, gitanos de toda Europa acuden en peregrinaje
a Saintes-Maries-de-la-Mer para venerar a su patrona Sara la Negra. Van Gogh
acudió a observarlo y aprovechó para realizar pinturas durante ese tiempo. Entre
estos cuadros está la obra Barcas (barcos de pesca) en Saintes-Maries:42
He pasado una semana en Saintes-Maries. En la playa de arena había pequeñas barcas verdes, rojas y
azules, de formas y colores tan bellos que hacían pensar en flores. Son tan pequeñas que casi nunca
van a alta mar. Salen cuando no hace viento y vuelven a tierra cuando sopla con demasiada fuerza.
Vincent van Gogh, junio 1888.

Puesta del sol en Montmajour (1888), Museo Van Gogh.

El Museo Van Gogh anunció el 9 de septiembre de 2013 el hallazgo de una nueva

obra confirmada como pintura de Van Gogh: Puesta del sol en Montmajour,
realizada en Arlés.43 Entre las evidencias que han hecho detectar su autenticidad
se encuentran dos cartas de Van Gogh dirigidas a su hermano Theo fechadas en
julio de 1888 en las que describe el cuadro realizado: 4445
Ayer, al atardecer, yo estaba en un brezal pedregoso donde crecen muy pequeños y retorcidos robles,
en el fondo de una ruina en la colina, y campos de trigo en el valle. Era romántico, no podía ser más a la
Monticelli, el sol se derramaba, sus rayos amarillos muy por encima de los arbustos y el suelo,
absolutamente una lluvia de oro.
Vincent van Gogh, Arlés 5 de julio de 1888 (Carta 636).

Retratos[editar]
Al principio de su estancia en Arlés se dedicó a la realización de retratos. Sin
embargo, tenía dificultades para conseguir que alguien posase para él, sobre todo
si eran mujeres; la primera que pudo retratar fue una mujer joven a finales del mes
de julio, y le puso el nombre de La Mousmé, nombre japonés que le inspiró la
lectura del libro Madame Chisanthème, de Pierre Loti. Con los hombres le fue más
fácil convencerlos, ya que a cambio les invitaba a una copa en la taberna. Podía
retratarlos sin ningún problema, y así realizó las obras de El campesino, retrato de
Patience Escalier, El zuau, El lugarteniente Millet y El cartero Roulin.
Tuvo una buena amistad con Joseph Roulin, un cartero 4647 casado con la señora
Augustine Roulin y con la cual tenía tres hijos: Marcelle, Armand y Camille Roulin.
Vincent hizo un gran número de pinturas de esta familia; el retrato conocido como
"La Berceuse" muestra a la señora de Joseph Roulin; también están el Retrato de
Armand Rouliny el Retrato de Camille Roulin. Al cartero le pintó hasta en seis
retratos.
El Retrato de Eugène Boch fue realizado en ocasión de una visita que le hizo este
poeta belga en el mes de julio, según explicó a su hermano. En este retrato quería
captar las ideas románticas del personaje:
He exagerado el rubio del cabello, he utilizado también tonos naranjas y amarillo pálido. Detrás de la
cabeza, en lugar de pintar la pared ordinaria de la habitación, he pintado el infinito, un fondo plano del
azul más rico e intenso que he podido conseguir y con esta sencilla combinación de la cabeza brillante
sobre el fondo intensamente azul he conseguido un efecto misterioso, como si fuera una estrella en la
profundidad de un cielo azul.
Vincent van Gogh, julio de 1888

La Mousmé, National Gallery de Washington.

 

El Campesino, retrato de Patience Escalier, Colección de Stavros Niarchos (Atenas).

 


 El zuavo, Colección Lasker (Nueva York).
 

Retrato de Eugène Boch, Museo de Orsay (París).

Estancia de Gauguin en Arlés[editar]

Sembrador a la puesta de sol (1888).

Van Gogh pasó todo el verano pintando paisajes al aire libre. Para realizar la
composición colocaba en el fondo del cuadro toda la parte arquitectónica, con
torres de iglesia, chimeneas, casas, pueblos, en una fina franja a la altura del
horizonte, mientras que el primer plano lo reservaba para los campos y la
vegetación. Esto lo hizo con el cuadro Vista de Arlés con lirios en primer
plano, Los segadores con Arlés al fondo, La cosecha, Campos labrados, La viña
verde y una de sus obras paisajistas más conocidas, El sembrador, realizada en el
mes de junio, cuando la cosecha estaba casi a punto, como se puede apreciar en
el campo de trigo maduro que hay detrás del sembrador. Con los colores azul y
púrpura y los amarillos relucientes del sol y el cielo consiguió un contraste
cromático.48
La Casa Amarilla (1888).

Van Gogh tenía la intención de crear un taller de artistas, y para esto alquiló en
mayo la «casa amarilla» (llamada así por tener las paredes exteriores pintadas de
ese color) en Place Lamartine, situada al norte de la ciudad de Arlés. 49Theo le
envió trescientos francos para poder acondicionar y amueblar modestamente la
casa. El único que atendió a su petición del taller fue Paul Gauguin, con el que
mantuvo diversas cartas sobre el tema del Atelier du Midi que juntos habrían de
fundar y que pedirían la participación de Seurat, Signac y Bernard.50
También Theo insistió a Gauguin para que hiciera el viaje a Arlés. Gauguin vivía
en aquel tiempo en Pont-Aven, en Bretaña. Estaba lleno de deudas, se sentía
incomprendido y soñaba con la fundación de un círculo de pintores, pero
seguramente no había pensado en Van Gogh como componente del mismo. Su
meta era viajar a Martinica, pero la cuestión económica era un impedimento. 51
Theo van Gogh era el galerista y el marchante de Gauguin y este pensaba que
detrás del carácter extraño de Vincent y las intenciones de Theo se ocultaba
alguna estratagema comercial, por lo que no se decidía a viajar hacia Arlés. Así se
lo hizo saber en una carta dirigida a Émile Bernard, en octubre de 1888:
Por más que me aprecie, no creo que Theo se preste a mantenerme en el Midi solamente por mi cara
bonita. Con su carácter frío holandés ha estudiado el terreno y proyecta alguna cosa...

Jarro con doce girasoles (1888).

Autorretrato como un bonzo, dedicado a Gauguin.

Retrasó el viaje, disculpándose por carta, hasta que Theo acabó pagando todas
las deudas que tenía Gauguin. Entonces, este viajó a Arlés el 23 de octubre. 52
Mientras, Vincent había realizado diversas series de pinturas para decorar la casa,
especialmente la habitación destinada a Gauguin. 53
La ideología del simbolismo surgió a finales del siglo XIX. Según escribió en el año
1886 Edouard Dujardin, uno de los grandes teóricos de esta técnica:
El objetivo de la pintura y la literatura es reproducir el sentimiento provocado por las cosas con los
medios propios de las citadas artes. Lo que se debería expresar no es la imagen sino su carácter.

En la pintura Jarro con doce girasoles, pintado en agosto de 1888, Van Gogh

buscaba el espíritu del simbolismo. La meticulosidad de las flores contrasta con la
caótica situación de las hojas así como la pastosa aplicación del color que, delante
del fondo azul claro, consigue que el cuadro tenga un significado que va más allá
que la simple reproducción de las flores. Expone la imaginación del artista y su
gran fuerza expresiva, la cual exigía un gran delirio de sentimientos. 54
Durante ese mes de agosto realizó cuatro pinturas sobre girasoles: primero con
tres flores, después con cinco, hasta llegar a la de los doce girasoles sobre un
fondo azul, y otro con quince girasoles sobre fondo amarillo.
Antes de la llegada a Arlés de Gauguin, le envió un autorretrato, con el título
de Autorretrato como un bonzo, cuadro en el que es evidente su identificación con
el japonismo, ya que se retrató con la cabeza rapada al estilo bonzo. 55
Gauguin fue el que impulsó a Van Gogh para que pintase lugares históricos de
Arlés y así trabajaron juntos y pintaron la serie de vistas de Alyscamps.
Escogieron diferentes motivos, Gauguin pintó un paisaje con un encanto
pintoresco y más bien refinado, mientras que Van Gogh escogió un paseo
enmarcado por altos álamos que tenían un color amarillo puro que contrastaba
con el verde-azul del cielo. En cambio el color empleado por Gauguin era mucho
más tímido. Se pintaron mutuamente, Gauguin pintó de perfil a Van Gogh y este
pintó a Gauguin de espaldas.56
 Diferentes puntos de vista entre Gauguin y Van Gogh

Los Alyscamps (1888), por Paul Gauguin. La avenida de los Alyscamps (1888), por Van Gogh.

Corte de la oreja[editar]
Con el paso de las semanas, la convivencia de los dos artistas fue empeorando,
debido a sus diferencias personales, acentuadas por el carácter muy
temperamental de ambos. Pasados menos de dos meses, en la tarde del 23 de
diciembre de 1888, Van Gogh y Gauguin tuvieron un altercado que dio origen a
una de las explicaciones que se han dado acerca de la pérdida de la oreja
izquierda del primero. Gauguin en sus memorias 57 señala que Van Gogh le
amenazó y persiguió con una navaja barbera y que por la noche el neerlandés se
automutiló. A continuación, Van Gogh habría envuelto la oreja en un paño y se
habría dirigido a un burdel de Arlés que frecuentaba con Gauguin, donde presentó
este «regalo» a una prostituta llamada Rachel. Posteriormente regresó a la «casa
amarilla». A la mañana siguiente la policía lo encontró inconsciente, y fue
trasladado al hospital Hôtel-Dieu de Arlés.58 Se avisó a Theo, y Vincent, que no
recordaba el suceso, quedó ingresado durante catorce días. Gauguin dejó Arlés
con rumbo a París y no volvió a tener contacto con Vincent, exceptuando algunas
cartas posteriores.59

Autorretrato con oreja vendada (1889).

Gauguin declaró a la policía que la pérdida del apéndice auditivo se habría debido
a una autolesión. Se ha expuesto la teoría de que el corte en la oreja fue una
automutilación del artista como resultado del disgusto que le provocó la noticia de
que su hermano Theo se iba a casar.60
Nunca hubo unanimidad entre los estudiosos de los hechos, debido a las pocas
fuentes existentes y a que la versión generalmente admitida se basa en las
memorias de Gauguin, publicadas en 1903. En 2009 Hans Kaufmann y Rita
Wildegans, en su ensayo Van Goghs Ohr, Paul Gauguin und der Pakt des
Schweigens (La oreja de Van Gogh, Paul Gauguin y el pacto del silencio),
revisaron el incidente estudiando el informe policial, las noticias publicadas en los
periódicos de la época, la correspondencia de los dos pintores y los pocos
testimonios existentes, muy posteriores a los hechos. Llegaron a la conclusión de
que fue Gauguin quien hirió a Van Gogh con su sable en la disputa (era maestro
de esgrima), y que una vez solo Van Gogh habría terminado de recortar la oreja.
No se encontraron ninguna de las armas. Van Gogh no habría dicho nada para
proteger a su amigo, y Gauguin habría regresado precipitadamente a París debido
a su mala conciencia.6162 Leo Jansen, conservador del Museo van Gogh de
Ámsterdam, rechaza tal conclusión, afirmando que la evidencia presentada ha
sido en su mayor parte sacada de contexto.
Durante mucho tiempo se creyó que el artista se había cortado solo parte del
lóbulo de la oreja, no el apéndice completo. Sin embargo, un estudio de 2016
presentó, entre otras cosas, una carta a Theo van Gogh del doctor Félix Rey, que
le atendió durante el incidente, donde describe la lesión y acompaña un dibujo que
demuestra que se cortó la oreja casi por completo, conservando tan solo un trocito
inferior del lóbulo.63
Al regresar a su casa Van Gogh pintó el Autorretrato con oreja vendada, del que
existen dos versiones. Ambos cuadros muestran un vendaje en la parte derecha
de la cabeza, y debieron ser pintados delante de un espejo, ya que la oreja
seccionada fue la izquierda.64 En uno Van Gogh se representa fumando en pipa
para transmitir una sensación de sosiego, en una composición en la que
predomina tanto el equilibrio cromático como el equilibrio de los elementos
iconográficos.64 Pasadas cuatro semanas volvió a ser ingresado en el hospital ya
que presentaba síntomas de manía persecutoria y se imaginaba que le querían
envenenar. Durante unos diez días estuvo bajo tratamiento del doctor Félix Rey.
En marzo, atendiendo una petición de los vecinos de Arlés que avisaron a la
policía, fue ingresado una vez más, permaneciendo seis semanas en el Hospital
Hôtel-Dieu de Arlés. El 17 de abril, Theo contrajo matrimonio con Johanna Bonger
en Ámsterdam. Poco después, Vincent decidió internarse voluntariamente en el
hospital mental de Saint-Paul-de-Mausole, un exmonasterio en Saint-Rémy-de-
Provence, a unos treinta y dos kilómetros de Arlés.65
Sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence[editar]
La noche estrellada.

La noche estrellada (detalle).

Los últimos años de Van Gogh estuvieron marcados por sus permanentes
problemas psiquiátricos, que lo llevaron a ser recluido en sanatorios mentales de
forma voluntaria, entre los que se encontraba el manicomio de Saint Paul-de-
Mausole en Saint-Rémy-de-Provence, donde ingresó el 8 de mayo de 1889. En el
sanatorio tenía dos habitaciones disponibles, una de ellas habilitada para servirle
de taller.66 Cuando no quería pasear, por temor a sufrir una crisis, pintaba cuadros
de interior, como Jarrón con lirios. Uno de sus primeros cuadros allí fue Iris, donde
muestra una gran vitalidad rítmica y una gran conjunción de colores. En esta
época su pintura se caracteriza por la presencia de remolinos, como se puede
observar en una de sus pinturas más conocidas, La noche estrellada.67
La Piedad (según Delacroix), versión de Van Gogh.

Cuando empezó a salir a dar paseos por los alrededores de la clínica, creó obras
donde los temas eran pinos, cipreses y olivos. Fue durante el mes de junio cuando
desarrolló los efectos pictóricos ondulantes en los árboles. De los olivos con sus
troncos sinuosos, hizo varios cuadros: Alpilles con olivos en primer
plano, Olivo y Recolección de la oliva. Los pinos los tenía como modelos en el
mismo jardín del hospital. Uno de los primeros cuadros fue Maleza, donde solo se
aprecian en la parte inferior de los troncos con tonos constituidos por azules fríos.
Más tarde pintó los pinos que se aprecian en los cuadros: El jardín del hospital de
Saint Paul y Pinos en el cielo de la tarde. Pero fueron los cipreses, con su forma
triangular, los que le sirvieron para crear una magnífica serie de paisajes.
Incorporaba la mancha oscura del ciprés en muchas de sus grandes
composiciones, como en La noche estrellada y, entre otras, en Campo de trigo
con ciprés, Cipreses con dos mujeres y Ciprés en el cielo estelar.68
Muestra de una pintura y la anterior subyacente

Mancha de hierba (1887), Museo de Kröller-Müller, Países Bajos.

La cara de una mujer pintada anteriormente.

En Saint-Rémy, volvió a tener la necesidad de copiar a pintores que admiraba, por

lo que pidió a su hermano Theo que le enviase láminas de reproducciones, a partir
de las que él interpretaba el color a su manera. De esta forma exploró temas
religiosos como La Piedad (Delacroix), donde pintó a Cristo con el cabello y la
barba de color rojo y La resurrección de Lázaro (Rembrandt). También volvió a
copiar algunas de sus pinturas favoritas, las de Millet: la Campesina batiendo el
lino y La Noche (a partir de La Veillée de Millet). Todas se conservan en el Museo
Van Gogh de Ámsterdam.69
Exposiciones en vida[editar]
El viñedo rojo, una de las tres pinturas vendidas en vida de Van Gogh. 33

La primera exposición de la obra de Van Gogh fue en París en 1889, en el Salón

de los Independientes, organizada más tarde (entre mayo y octubre) que en otros
años, para que pudiera coincidir con la Exposición Universal de aquel mismo año.
La elección de obras las hacían los mismos artistas pero los nuevos socios solo
podían presentar dos, y Van Gogh indicó a su hermano las dos pinturas que
quería enviar: La noche estrellada (1888) e Iris (1889).70
En enero de 1890 recibió la invitación para participar en una exposición
en Bruselas con el grupo Les XX, a la que envió seis obras: dos de la serie de Los
girasoles y cuatro sobre paisajes. Dos de las que había pintado en Arlés, La viña
roja y Vista de Arlés, y dos más en Saint-Rémy. Durante la inauguración, Henri de
Groux criticó los cuadros de Van Gogh, pero salieron en su defensa Toulouse-
Lautrec y Paul Signac. En esta misma exposición vendió la obra El viñedo rojo,
adquirida por la pintora perteneciente al grupo Los XX Anna Boch,71 hermana de
su amigo Eugène Boch.7273
Finalmente fue en el Salón de los Independientes de París, en febrero de 1890,
donde expuso la cuota completa de diez pinturas. 74
Volvió a tener nuevos colapsos, que le duraban más que en las veces anteriores;
padecía angustia, terror y alucinaciones con accesos de ira muy intensos. Cuando
volvió a escribir a Theo, le explicó que había decidido abandonar la clínica.
Después de una breve estancia en París con su hermano, decidió establecerse
en Auvers-sur-Oise.75
Auvers-sur-Oise[editar]
La iglesia de Auvers-sur-Oise.

Trasladado a Auvers-sur-Oise, localidad cercana a París, se instaló en una

habitación de la posada Ravoux. Allí conoció a un amigo de Theo, el Dr. Paul
Gachet, pintor aficionado, que se ofreció a cuidarle y visitarle. Bajo la atención del
Dr. Gachet la actividad artística de Van Gogh fue intensa: en dos meses pintó más
de setenta cuadros. Frecuentaba la casa del doctor, y pintó el jardín, a su hija
Margarita rodeada de flores y en el piano, y al mismo doctor. Van Gogh volvió a
refugiarse en la pintura con gran entusiasmo, le gustaban los paisajes de Auvers,
como antes habían maravillado a tantos otros pintores
como Corot, Pissarro, Armand Guillaumin y Cézanne.76
Escribió a su madre estas reflexiones:
Estoy plenamente absorbido por estas llanuras inmensas de campos de trigo sobre un fondo de colinas,
vastos como el mar, de un amarillo muy tierno, un verde muy pálido, de un malva muy dulce, con una
parte de tierra labrada, todo junto con plantaciones de patatas en flor; todo bajo un cielo azul con tonos
blancos, rosas y violetas. Me siento muy tranquilo, casi demasiado calmado, me siento capaz de pintar
todo esto.77

En esta población es donde empezó a utilizar el formato horizontal alargado de

doble cuadrado, que precisamente en el valle de Oise había sido utilizado por el
pintor Charles-François Daubigny de la escuela de Barbizon. Van Gogh había
pintado algunas veces el jardín de la casa de Daubigny.
Su cuadro sobre La iglesia de Auvers-sur-Oise está construido sobre líneas
fuertes y definidas, que producen el efecto de una escultura recortada sobre el
azul intenso del cielo, lo que da una sensación de oscuridad. La profundidad la
consigue con los dos caminos en forma de /v/ en un primer plano; estos caminos
aparecen colocados de manera similar en una obra posterior, Campo de trigo con
cuervos. Van Gogh señala en sus cartas la soledad y la melancolía que tienen
estos últimos paisajes de trigales bajo cielos tempestuosos y amenazantes. Se ha
dicho que los símbolos de los cuervos planeando sobre el trigo sugieren la
premonición de la muerte.78Las dos bandas de color, con el contraste del azul y el
amarillo, anulan el espacio de la perspectiva. La composición de la perspectiva en
el campo abierto tiene un sentido inverso, sale del horizonte en dirección hacia la
parte delantera. El azul del cielo está en un solo plano y consigue crear una
unidad, mientras que el amarillo del trigo está dividido en dos planos, el rojo de los
caminos en tres y el verde complementario de las franjas del camino en cinco.
Este cuadro está considerado como una de las mejores obras del artista. 79

Campo de trigo con cuervos (julio de 1890). Pintura al óleo, 50 × 100 cm;

Museo Van Gogh, Ámsterdam.

Antonin Artaud, con un extenso poema en prosa, da la noción de la calidad de Van

Gogh; basta leer algunos fragmentos de tal poema ("Van Gogh, el suicidado por la
sociedad"):
(...) Regreso al cuadro de los cuervos; ¿quién ha visto cómo, en ese cuadro, equivale la tierra al mar?
(...) el mar es azul, pero no de un azul de agua, sino de pintura líquida(...) Van Gogh ha retornado los
colores a la Naturaleza, pero, a él, ¿quién se los devolverá? (...) aquel que supo pintar tantos soles
embriagados sobre tantas parvas sublevadas, el Café de Arlés, la recolección de las olivas,
los Alyscamps; (...) 'El puente', sobre un agua en donde se tiene el irrefrenable deseo de hundir el dedo
en un movimiento de regresión violenta a la infancia (...).

Muerte[editar]
Van Gogh en su lecho de muerte, dibujado por su médico y pintor aficionado Dr. Paul Gachet.

Las tumbas de Vincent y Theo van Gogh en el cementerio de Auvers-sur-Oise.

Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus
últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros. El 22 de febrero de 1890, Van Gogh sufrió
una nueva crisis que fue «el punto de partida de uno de los episodios más tristes
en una vida ya plagada de tristes acontecimientos». Este período duró hasta
finales de abril, tiempo durante el cual fue incapaz de decidirse a escribir, sin
embargo siguió dibujando y pintando.80 Hughes escribe que entre mayo de 1889 y
mayo de 1890, «tuvo arrebatos de desesperación y alucinación que le impedían
trabajar, y entre ellos, meses en los que pudo hacerlo y lo hizo marcado por el
éxtasis de extremo visionario».81 Sin embargo, su depresión empeoró y el 27 de
julio de 1890, a la edad de treinta y siete años, mientras paseaba por el campo, se
disparó en el pecho con un revólver. No se dio cuenta de que su herida era mortal
y volvió a la pensión Ravoux, donde murió en su cama dos días después, en
brazos de su hermano Theo. «Yo arriesgué mi vida por mi obra, y mi razón
destruida a medias»; estas son las palabras de Vincent en la última carta
encontrada en su lecho de muerte el 29 de julio de 1890. 82 Vincent fue enterrado
en el cementerio de Auvers-sur-Oise.83 Se considera que sus padecimientos
mentales eran consecuencia de los trastornos mentales que le generaba una
insuficiencia renal,84 probablemente por piedras en el riñón,85 aunque según otros
autores su enfermedad mental se la producía la sífilis.8687 Poco después de la
muerte de Vincent, su hermano Theo ingresó en una clínica de Utrecht, donde
falleció el 25 de enero de 1891, a los seis meses del fallecimiento de su hermano.
En 1914 el cuerpo de Theo fue exhumado y enterrado junto al de Vincent.
En 2011 surgió una teoría que postulaba que Van Gogh no se suicidó, sino que
murió por un disparo accidental efectuado por dos muchachos que jugaban con
una pistola. En una biografía sobre el artista, Van Gogh: la vida, Steven
Naifeh y Gregory White Smith mantienen que el disparo provino de René y Gaston
Secrétan, dos hermanos adolescentes que veraneaban en Auvers, y que eran
conocidos del pintor, por lo que no habría querido incriminarlos y se habría
autoinculpado. Según los autores, René era un chico problemático al que gustaba
vestirse de «cowboy», y se entretenía disparando a animales con una vieja pistola
calibre 38. Así, el 27 de julio de 1890 Van Gogh habría salido como siempre a
pintar, recibiendo de forma accidental el disparo del menor de los hermanos.
Según Naifeh, historiador del arte titulado en Princeton, «revisamos los
testimonios iniciales que dieron lugar a la versión del suicidio, y vimos que no eran
nada sólidos». Este autor afirma que en la entrevista que René Secrétan dio en
1956, el año de estreno de la película que Vincente Minnelli realizó sobre el pintor
neerlandés, su testimonio «está lleno de culpabilidad». Esta teoría no está
confirmada con otras pruebas ni aceptada por la mayoría de la comunidad
académica, y el Museo Van Gogh de Ámsterdam considera prematuro valorar las
conclusiones a las que han llegado estos autores. 88

Obra[editar]

El dormitorio en Arlés (1888).

Retrato El doctor Paul Gachet (1890).

Campos en Cordeville, en Auvers-sur-Oise (1890).

La italiana (1887), Museo de Orsay.

Lirios (1889); Getty Center, Los Ángeles.

Detalle de autorretrato (1889).

Vincent van Gogh produjo toda su obra (unas 900 pinturas y 1600 dibujos) durante
un período de solamente 10 años (etapa de 1880 a 1890) hasta que sucumbió a la
enfermedad mental (posiblemente un trastorno bipolar o una epilepsia).89 Decidió
ser pintor cuando tenía veintisiete años y siempre quiso reflejar la vida en sus
obras. Su carrera pictórica está marcada por los lugares donde vivió y trabajó. Así
se aprecia en la primera etapa de los Países Bajos (1880-1886), donde la pintura
tradicional y popular de este país, exclusivamente en colores terrosos, fueron lo
que más influyó en obras como Los comedores de patatas y las pinturas sobre los
tejedores. Realizó numerosos dibujos de mineros, de figuras campesinas y copió
obras de su pintor favorito, Jean-François Millet.90
Impresionismo[editar]
La siguiente etapa, en París (1886-1887), es la que le pone en contacto con
los impresionistas que pretendían romper con el academicismo de la época, con el
traslado a la pintura de las impresiones de sus sentidos mediante la observación
de la naturaleza. En París, conoció a pintores como Henri de Toulouse-
Lautrec y Paul Signac, descubrió una nueva percepción de la luz y el color,
aprendió la división de las gamas claras y los tonos y mostró una simplificación a
la vez que una mayor intensidad en el tratamiento de los colores. En esta época
empezó a copiar láminas japonesas, siendo uno de los pintores europeos a los
que más influyó este tipo de pintura.90
Postimpresionismo[editar]
Quizá Van Gogh representó mejor el postimpresionismo, estilo que sucedió
aproximadamente en el periodo entre 1885 y 1915. Representó una vía divergente
del impresionismo, donde los pintores hacen de la vida cotidiana su tema principal.
Este término fue utilizado por primera vez en 1910 por Roger Eliot Fry; surge del
título que dio a la exposición de la Grafton Gallery en Londres: «Manet y los
postimpresionistas». Fue utilizado por artistas como Cézanne, Van Gogh
y Seurat pero a veces también por otros artistas de la gran década impresionista
(1870-1880) como Matisse y Pierre Bonnard.91
Mujeres Bretonas (1888). Acuarela, Cívica de Arte Moderno, Milán, Italia.

Expresionismo y fauvismo[editar]
Su obra destaca por el uso del color y una técnica frenética que contiene algunos
trazos del expresionismo. Van Gogh y Gauguin tenían técnicas diferentes:
Gauguin acostumbraba a pintar normalmente en el taller de memoria y Van Gogh
necesitaba siempre copiar in situ, fuesen paisajes o un modelo. Su temperamento
exaltado quiso demostrarlo por la vía del color. 92
Los inicios del expresionismo aparecen durante las dos últimas décadas del
siglo XIX, en la obra de Van Gogh, La italiana de finales de 1887, y en la de Edvard
Munch (autor de El Grito) y, en otro nivel, en la del belga James Ensor (autor
de La entrada de Cristo a Bruselas). Una tendencia a la que contribuiría Van Gogh
después de su llegada en 1888 a Arlés, donde el choque con la luz del sur le
empuja a la conquista del color, con obras como La noche estrellada y Los olivos
de Saint-Rémy (1889). Las pinturas del periodo de Saint-Rémy de Provence se
caracterizan en general por remolinos y espirales. El pintor transita desde la
dramatización de las escenas de sus primeros trabajos a la simplificación que
caracterizó sus últimas obras, en las que Van Gogh ya anuncia el comienzo del
expresionismo. Desarrolló un estilo de fuerte dramatismo y prospección interior, y
para ello se sirvió de pinceladas sinuosas y densas, de intenso colorido y
estridente luminosidad, que deformaban la realidad hasta otorgarles un aire
onírico.93 Sin embargo, habría que esperar a agosto de 1911, cuando el crítico de
arte Wilhelm Worringer fue el primero en hablar de expresionismo. 94
En Alemania y Austria expresionistas como Ernst Ludwig Kirchner, Erich
Heckel, Paul Klee y Oskar Kokoschka aprenderán de la técnica de Van Gogh, del
nerviosismo, la exageración de las líneas y colores, que hacen que surja mejor la
expresión de los sentimientos y las emociones. El color y el empaste en la
proyección de la pintura de Van Gogh se formalizó quince años más tarde con el
surgimiento del fovismo. Según Van Gogh: «En lugar de reproducir con exactitud
lo que tengo delante de los ojos, prefiero servirme del color para expresarme con
más fuerza».95
Reconocimientos[editar]
Octavi Mirbeau, historiador de arte, uno de los primeros en admirar a Van Gogh,
para rendirle homenaje en el Salón de los Independientes, en la exposición
realizada en 1891, escribió:
Aquí me encuentro en presencia de alguien grande, gran maestro, una persona que me perturba, me
emociona, llama mi atención (...) Van Gogh poseía, de una manera poco frecuente, algo que diferencia
un hombre de otro: estilo (...) es decir, afirmación de la personalidad.

Desde el siglo XXI, el análisis del mensaje que se desprende de sus pinturas es

positivo y alegre. Durante su breve dedicación artística, Van Gogh consiguió el
dominio técnico y una productividad que pocos artistas han conseguido. En sus
obras consiguió fusionar las cualidades de sus predecesores neerlandeses, como
la devoción a la naturaleza, con el uso del color y la técnica de la pintura
francesa.96
Su fama creció rápidamente después de su muerte, gracias a la promoción de la
esposa de Theo que, aunque no tuvo una buena relación con Vincent, resultó ser
la única heredera de toda su obra tras el fallecimiento de su esposo, ocurrido poco
después de la del pintor. Ha de señalarse que a ella se debe una de las pocas
ventas de Van Gogh en vida del artista. El mayor impulso de su obra vino
especialmente después de una exposición de 71 de sus pinturas realizada
en París el 17 de marzo de 1901 (once años después de su muerte) a la que
siguieron otras exposiciones, como la de 1905 en Ámsterdam, o la de Colonia en
1912, Nueva York en 1913 y Berlín de 1914.97 Todas ellas tuvieron un gran
impacto sobre las generaciones artísticas posteriores. 98 Desde mediados del
siglo XX, Van Gogh fue reconocido como uno de los mayores pintores de la
historia.99100 En el año 2007, un grupo de historiadores holandeses realizó el The
Canon of the Netherlands para su enseñanza en las escuelas e incluyó a Van
Gogh como uno de los cincuenta temas del canon, junto con otros iconos
nacionales como Rembrandt y De Stijl.101
Se limitaron a solo tres las obras vendidas en vida del pintor: La viña roja,
comprada por Anna Boch por la suma de 400 francos; Puente de Clichy, adquirido
por 250 francos según el libro de ventas de la Casa Boussod y Valadon; y,
finalmente, un Autorretrato a los marchantes Sulley y Lori de Londres. Las tres
obras curiosamente fueron compradas el mismo año de 1888. 102
Varias de las pinturas de Van Gogh están entre las pinturas por las que se ha
pagado más en todo el mundo. El 30 de marzo de 1987 la pintura Lirios de Van
Gogh fue vendida por un valor récord de 53,9 millones de dólares en el local
Sotheby's de Nueva York.103 Pero su comprador, el magnate Alan Bond, no pudo
terminar de pagarla y tuvo que revenderla (por una suma no revelada) al Getty
Center de Los Ángeles. El 15 de mayo de 1990 su Retrato del Doctor Gachet fue
vendido por 82,5 millones de dólares en el local Christie's, estableciendo así un
nuevo precio récord.104
Procedimientos de trabajo[editar]
La técnica que empleaba era diferente según el efecto que quería conseguir,
cubría los planos con colores claros, mientras que en otros cuadros ponía
pinceladas amplias y a veces perfilaba todo el dibujo con trazos gruesos. En otras
ocasiones, trabajaba con un pincel duro rayando todas las formas, y según le
interesara, acentuaba las líneas o el color. El trazo con movimiento rítmico lo
repetía tanto en los dibujos como en las pinturas. 105
Se cree que Van Gogh hizo un reaprovechamiento de lienzos ya usados en más
de un tercio de su producción durante sus primeros trabajos. 106 En 2008, un
equipo de la Universidad Tecnológica de Delft y la Universidad de Amberes utilizó
avanzadas técnicas de rayos X para descubrir una imagen de la cara de una mujer
pintada anteriormente e incluso conseguir su coloración, que se encontraba por
debajo de la obra Mancha de hierba.107
Obras[editar]

 Joven cortando hierba con una hoz (1881), papel verjurado, carboncillo y

color al agua, Museo Kröller-Müller, Otterlo
 Autorretrato (1887), óleo sobre lienzo, Instituto de Arte de Chicago
 Autorretrato (1888), óleo sobre lienzo dedicado a Paul Gauguin, Museo
Fogg de Cambridge, Estados Unidos
 Autorretrato (1889), óleo sobre lienzo, Galería Nacional de
Arte de Washington
 Autorretrato con la oreja vendada y caballete  (1889), óleo sobre
lienzo, Galería de la Somerset House
 Almendro en flor (1890), óleo sobre lienzo, Museo van Gogh, Ámsterdam

Cartas[editar]

Theo van Gogh a la edad de veintiún años. Theo fue un defensor permanente y amigo de su hermano
mayor.

Una gran parte del conocimiento que se tiene sobre Van Gogh deriva de sus
cartas, la mayor parte dirigidas a su hermano, Theo van Gogh.108 Se conservan
más de seiscientas cartas de Vincent a Theo y cuarenta cartas de Theo a Vincent,
y aunque la mayoría de ellas no están fechadas, los historiadores de arte han sido
capaces de ordenar esta correspondencia, en gran parte, de manera cronológica.
La recopilación de estas fuentes textuales ha sido muy valiosa para establecer las
bases de lo que se conoce sobre los hermanos Van Gogh. Es interesante hacer
constar que el periodo en el que la vida de Van Gogh es más oscura, es el de su
etapa de París, ya que Theo y Vincent vivían juntos sin necesidad de escribirse y
por lo tanto hay menos información.109
Van Gogh mantuvo correspondencia y se conservan unas doscientas cartas
dirigidas a amigos y familiares especialmente con su hermana Wilhelmina. 110 Las
cartas salieron a luz en 1913, a través de la viuda de su hermano Theo, Johanna
van Gogh-Bonger, quien explicó la «inquietud» que sentía al mostrar el drama de
la vida del pintor y su preocupación para que no fuera motivo de eclipsar su obra
artística. El mismo Van Gogh había sido un ávido lector de biografías de otros
artistas para comprobar la consonancia del carácter con el arte de estos. 111