Vincent van Gogh

Vincent Willem van Gogh (pronunciado

  [ˈvɪnsɛnt fɑŋ'ɣɔx] ; Zundert, 30 de marzo de
1853-Auvers-sur-Oise, 29 de julio de 1890) fue un
Vincent van Gogh
pintor neerlandés, uno de los principales exponentes
del postimpresionismo.1 ​

Pintó unos 800 cuadros (entre ellos 43 autorretratos

y 148 acuarelas) y realizó más de 1600 dibujos. Una
figura central en su vida fue su hermano menor
Theo, marchante de arte en París, quien le prestó
apoyo financiero de manera continua y
desinteresada. La gran amistad entre ellos está
documentada en las numerosas cartas que se
intercambiaron desde agosto de 1872. De las 800
cartas que se conservan del pintor, unas 650 fueron
para Theo; las otras son correspondencia con amigos
y familiares.2 ​

Desde joven tuvo inclinación hacia el dibujo. Su Autorretrato (1887)

primer trabajo fue en una galería de arte. Más tarde Información personal
se convirtió en pastor protestante y en 1879, a la Nombre de
edad de veintiséis años, se marchó como misionero a Vincent Willem Van Gogh
nacimiento
una región minera de Bélgica, donde comenzó a
dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 Nacimiento 30 de marzo de 1853
Zundert (Países Bajos)
pintó su primera gran obra, Los comedores de
patatas. En ese momento su paleta se componía Fallecimiento 29 de julio de 1890 (37 años)
principalmente de tonos sombríos y terrosos. La luz Auvers-sur-Oise (Francia)
y la preferencia por los colores vivos por la que es Causa de
Herida por arma de fuego
conocido surgió posteriormente, cuando se trasladó muerte
al sur de Francia, consiguiendo su plenitud durante Sepultura Cementerio de Auvers-sur-Oise
su estancia en Arlés en 1888.
Nacionalidad Neerlandesa
La calidad de su obra fue reconocida solo después Familia
de su muerte, en una exposición retrospectiva en Padres Theodorus van Gogh
1890, considerándose en la actualidad uno de los Anna Cornelia Carbentus
grandes maestros de la historia de la pintura. Influyó Pareja Sien
grandemente en el arte del siglo  xx, especialmente
entre los expresionistas alemanes y los fauvistas Margot Begemann
como Matisse, Derain, Vlaminck y Kees Van Educación
Dongen.3 4​ ​ Falleció a los treinta y siete años de Educado en Academia Real de Bellas Artes
edad por una herida de bala; aún no se sabe con de Bruselas
seguridad si fue un suicidio o un homicidio
involuntario. A pesar de que existe una tendencia Real Academia de Bellas Artes
general a especular que su enfermedad mental de Amberes
influyese en su pintura, el crítico de arte Robert Alumno de Anton Mauve
Hughes cree que las obras del artista están
Información profesional
ejecutadas bajo un completo control; de hecho, el Ocupación Pintor, ilustrador botánico,
pintor jamás trabajó en los periodos en los que dibujante, grabador, dibujante
estaba enfermo.5 ​ arquitectónico, aguafuertista,
litógrafo y artista gráfico
Área Pintura

Índice Empleador Goupil & Cie (1869-1873)

Movimiento Posimpresionismo
Biografía
Géneros Pintura del paisaje, bodegón,
Primeros trabajos retrato, paisaje urbano, vista
Marchante de arte interior, autorretrato y arte
Religión cristiano
Pintura: aprendizaje Artistas
Anton Mauve, Paul Gauguin
Etten relacionados
La Haya Firma
Nuenen
Amberes y París
Últimos tiempos: Arlés
Retratos
Estancia de Gauguin en Arlés
Corte de la oreja
Sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence
Exposiciones en vida
Auvers-sur-Oise
Muerte
Obra
Impresionismo
Postimpresionismo
Expresionismo y fauvismo
Reconocimientos
Procedimientos de trabajo
Obras
Robos de sus cuadros
Cartas
Véase también
Referencias
Bibliografía
Enlaces externos

Biografía
Nació el 30 de marzo de 1853. Hijo de un austero y humilde pastor protestante neerlandés llamado
Theodorus y de su mujer Anna Cornelia, Vincent recibió el mismo nombre que le habían puesto a un
hermano que nació muerto exactamente un año antes. El 1 de mayo de 1857 nació su hermano Theo y
 ambos tuvieron cuatro hermanos más: Cornelius Vincent,
Elisabetha Huberta, Anna Cornelia y Wilhelmina Jacoba.

Durante la infancia acudió a la escuela de manera discontinua e

irregular, pues sus padres le enviaron a diferentes internados. El
primero de ellos en Zevenbergen en 1864, donde estudió francés y
La familia de Vincent van Gogh: alemán.6 ​ Dos años después se matriculó en la escuela secundaria
Arriba: sus padres Theodorus y Anna HBS Koning Willem II (Tilburg) viviendo con la familia Hannik en
Cornelia. la calle Sint Annaplein 18-19 y permaneció allí hasta que dejó los
Abajo, de izquierda a derecha:
estudios de manera definitiva a los quince años.7 ​ Por entonces
Vincent Willem, Anna Cornelia,
comenzó su afición por la pintura.
Theo, Elisabetha Huberta,
Wilhelmina Jacoba y Cornelius Sobre su infancia, Vincent van Gogh comentó: «Mi juventud fue
Vincent.
triste, fría y estéril».8 ​

Primeros trabajos

Marchante de arte

Desde muy joven mostró

un carácter difícil y un
temperamento fuerte. Tras
abandonar los estudios y
después de un año en
Zundert, van Gogh empezó
a trabajar en 1869, a la
edad de 16 años, como
aprendiz en Goupil & Co.
(más tarde Boussod &
Valadon), una importante
compañía internacional de
comercio de arte de La
Haya de la que su tío
El hermano de Vincent van Gogh, Vincent fue socio.10 ​ Se
Theo, hasta hace poco asociada al adaptó bastante bien a esta
Acequia (1872-73), dibujo juvenil de
primero,9 ​en 1866. nueva vida, llegando a
Van Gogh (La Haya).
escribir:

Es un negocio maravilloso. Cuanto más tiempo se trabaja en

él más ambicioso se vuelve uno.

Cuatro años después fue trasladado a Londres para suministrar obras de arte a los comercios del lugar y fue
allí donde tuvo un primer contacto con Eugenia, hija de Úrsula Loyer, patrona de la pensión donde se
hospedó. Se enamoró de ella, pero la chica estaba comprometida y lo rechazó.11 ​En 1874, un año después
de su estancia en Londres, pasó las vacaciones en familia en Helvoirt y confesó su malestar por Eugenia.
Vivió aislado, leyendo libros religiosos y perdiendo el interés por su trabajo.6 ​

En mayo de 1875 fue destinado a París, donde creció su amor por el arte. En una exposición de dibujos de
Jean-François Millet comentó:
 Cuando entré en la sala del hotel Drouot, donde estaban expuestos, sentí alguna cosa como:
descálzate porque el suelo que pisas es sagrado.12 ​

El 10 de enero de 1878, en una carta dirigida a su hermano Theo, comunicó que había sido despedido de la
galería de arte y que tendría que irse el 1 de abril.13 ​ El despido fue debido a que interponía sus gustos
personales sobre las ventas que debía hacer. Sin embargo, en Boussod & Valadon se quedó su hermano
Theo, cuatro años menor que él, que trabajaría allí desde 1873 hasta su muerte y sin cuya abnegación
nunca hubiera sido posible la corta e intensa carrera artística de su hermano mayor. Su familia le propuso
que abriera él mismo una galería, donde podría ofrecer la clase de pintura que él escogiera. Rechazó la idea
y más tarde insistió a su hermano, también marchante de arte, para que dejase su trabajo ya que «el
comercio de arte era una farsa».14 ​

Religión

A finales de marzo de 1876 regresó a Inglaterra, donde permaneció dos años. Por aquel tiempo, Van Gogh
aumentó su fanatismo religioso. Le entusiasmaba la lectura de la Biblia, y La imitación de Cristo de Tomás
de Kempis. Después de estar un tiempo como maestro auxiliar en Ramsgate, empezó a trabajar en
Isleworth como ayudante del predicador metodista Jones, donde llegó a subir al púlpito de la iglesia y leer
un sermón que se había preparado escrupulosamente. Sobre este primer sermón existe una copia que envió
a su hermano Theo con frases como:

Cuando me encontraba en el púlpito, me sentía como quien desde una oscura cueva
subterránea vuelve a salir a la plena luz, y es maravilloso pensar que, desde ahora, predicaré el
Evangelio por todo el mundo.

Pasó unos seis meses en Dordrecht como empleado de una librería, y en mayo de 1877 se trasladó a
Ámsterdam donde quiso hacerse teólogo. Tuvo que desistir y también abandonar sus deseos de entrar en
una escuela metodista. Fue rechazado por no saber ni latín, ni griego, y su dificultad para hablar en público,
aunque realmente el motivo era su falta de subordinación. Cada vez le era más difícil adaptarse a un cierto
orden y someterse a alguien que le dirigiese.15 ​

En 1879, quizás por su profundo fervor, fue enviado como misionero a la región de Mons, a las minas de
Borinage, en Bélgica, donde en condiciones extremadamente duras realizó durante veintidós meses un
trabajo evangelizador entre los mineros de la zona. Pero con su fanatismo lo que conseguía era que le
llegaran a temer. Dormía en una pequeña barraca y su estado se degradaba cada día más. Además, repartía
entre los pobres lo poco que tenía. Decía que estaba obligado a creer en Dios para poder soportar tantas
desgracias. Sus superiores decidieron entonces enviarle a Cuesmes, permaneciendo un año completo en
una absoluta pobreza y en contacto con los mineros, por los que sentía una gran simpatía:

Los carboneros y los tejedores siguen constituyendo una raza aparte de los demás trabajadores
y artesanos y siento por ellos una gran simpatía y me sentiría feliz si un día pudiera dibujarlos,
de modo que estos tipos todavía inéditos o casi inéditos fuesen sacados a luz.16 ​

Después se le suprimió el pequeño sueldo que recibía. Ante todo esto, siguió los consejos de su hermano
Theo, del que ya estaba recibiendo ayuda económica, y decidió dar un cambio a su vida y dedicarse a la
pintura.17 ​

Pintura: aprendizaje
Establecido en 1880 en Bruselas hizo amistad con el pintor neerlandés
Anthon van Rappard. Se inscribió en la Academia de Bellas Artes donde
estudió dibujo y perspectiva. En esta época realizó esbozos y dibujos
basados en las pinturas de Jean-François Millet, representando campesinos y
mineros, modelos de la vida cotidiana, y pintándolos muy realistas y con
tonalidades oscuras.18 ​

Etten

El 12 de abril de 1881 Vincent llegó a Etten a visitar a su hermano. Durante

este período va a casa de su primo, el pintor Anton Mauve, y donde vuelve a
enamorarse, esta vez de una de sus primas Cornelia Adriana Vos-Stricker Dibujo El sembrador
(Kee), que acababa de enviudar, a la que propuso rápidamente matrimonio, (1881), Museo Van Gogh.

la respuesta de Kee fue: «No, jamás, jamás».19 ​ A pesar de esta negativa,

insistió mediante cartas que la viuda no contestaba, además de negarse a
verlo. Vincent insistió con los padres de ella, fue a su casa a intentar verla de nuevo, los familiares le
llegaron a decir que su insistencia era «asquerosa». En diciembre de 1881, escribió a su hermano, le contó
la historia y las disputas con su padre:20 ​

Pero como puedes ver, estoy nuevamente en La Haya; por Navidad tuve una disputa bastante
grave con nuestro padre, que llegó al extremo de decirme que sería mejor que abandonase la
casa. Lo dijo tan enérgico que me fui aquel mismo día.

La Haya
Dibujos en La Haya
En La Haya, su primo Antón, pintor de acuarelas, le
aconsejó e insistió en la importancia de que aprendiese
perspectiva y dibujo. Vincent hizo entonces sus
primeras acuarelas y naturalezas muertas, utilizando
tonos apagados, como se ve en las acuarelas: Los
pobres y el dinero (1882) y Naturaleza muerta con col
y zuecos (1881).

Mientras, su vida amorosa tomó un nuevo rumbo.

Desesperado tras el rechazo de su prima Kee, o quizá
por compasión, Vincent recogió de la calle a Clasina
María Hoornik (Sien), una prostituta alcohólica,
embarazada y con una hija, con la que vivió durante un
año; tanto la madre como la hija le sirvieron de modelo.
En el dibujo Dolor, en el margen inferior, citó las Pena (1882).
Niña de rodillas delante de
palabras de Jules Michelet del tratado La Femme Posiblemente la modelo
una cuna (1883).
(1860): «¿Cómo es que hay en la tierra una sola fue Clasina María "Sien".
mujer?» Sien, por la falta de recursos económicos, había vuelto a ejercer la prostitución y esto, unido a la
gran presión que padecía Van Gogh por parte de su padre, de su hermano Theo y su primo Mauve (con
quien llegaría a discutir y romper su amistad), hizo que este intento de vida familiar también fracasara.21 ​

Concluida esta relación con Sien, se trasladó a Drente, al norte de los Países Bajos, donde permaneció
durante tres meses y pintó temas paisajistas en pintura al óleo, en los que se puede apreciar la diferencia con
los dibujos realizados anteriormente. Como quería plasmar todos los detalles, realizó los óleos con trazos
gruesos y pinceladas espesas. Esta temporada sintió más que nunca la soledad; en las cartas dirigidas a su
hermano, le insistía en que abandonara su trabajo de marchante y siguiese el camino de la pintura. En
diciembre de 1883 regresó nuevamente a la casa paterna, esta vez en Nuenen, donde el padre había sido
trasladado.22 ​

Nuenen

En Nuenen fue bien recibido por su familia, que le acondicionó una

habitación como taller, donde realizó obras como Jardín rectoral en
Nuenen en primavera. En este periodo se dedicó a dibujar y pintar
el trabajo en los telares. Coincidió con un amigo suyo, Anthon van
Rappard, al que había conocido en Bruselas y que había venido a
pasar unos días en Nuenen. Los dos juntos estudiaron y pintaron a
los tejedores rurales. En estas obras, Van Gogh no consiguió la
misma técnica que su amigo, pero este le sirvió de ejemplo.23 ​

La pintura El tejedor en el telar, de mayo de 1884, expresa la El tejedor en el telar (1884), 70 × 85

dureza y el esfuerzo de este oficio, pero también la dignidad del cm.
personaje. Aquí Van Gogh demuestra la solidaridad y su
identificación con el protagonista, intentando representar el ideal de
una sociedad libre de la industrialización y hace una alabanza al trabajo artesanal. La composición de esta
pintura consigue el efecto de enmarcar al tejedor en el mecanismo del telar, dentro de un enrejado
horizontal y vertical que parece integrar al personaje hasta conseguir que llegue a formar parte de la
máquina. La claridad del fondo de la pintura hace resaltar todo el dibujo.24 ​

En el otoño de 1884, se enamoró de nuevo, ahora de la hija de un vecino, Margot Begemann, diez años
mayor que Vincent, que le acompañaba en sus salidas pictóricas por el campo. Pensaron en contraer
matrimonio, pero se encontraron con la firme oposición de la familia de Margot, quien llegó a intentar
suicidarse. Poco después, el 26 de marzo de 1885, muere repentinamente el padre de Vincent. Las disputas
por la herencia entre su madre y sus hermanas hicieron que se marchase de su casa para irse a vivir a un
lugar más amplio que le ofreció un sacristán de la Iglesia católica; en su familia, que eran protestantes, este
hecho fue considerado como una ofensa.25 ​

Durante la primavera de 1885 pintó la que se considera una de sus

grandes obras tempranas: Los comedores de patatas. Hasta
entonces sus esfuerzos se habían centrado siempre en la
representación de una figura, pero en esta obra se encontró con la
dificultad de tener que coordinar cinco personajes y conseguir
relacionarlos. Para realizar esta pintura contrató modelos, y realizó
diversos esbozos de dibujos de las figuras y estudios sobre detalles,
con las manos sujetando el tenedor, la taza o la tetera. Los colores
empleados de tonos terrosos no contribuyeron a una fusión
armoniosa con el fondo.26 ​ Los comedores de patatas (1885),
pintura al óleo, 82 × 114 cm. Museo
En una de sus cartas27 ​expresó: van Gogh, Ámsterdam.

(...) He querido dedicarme conscientemente a expresar la

idea de que esa gente que, bajo la lámpara, come sus patatas
con las manos que meten en el plato, ha trabajado también
la tierra, y que mi cuadro exalta, pues, el trabajo manual y
el alimento que ellos mismos se han ganado tan
honestamente (...).
Con ayuda de Theo se imprimieron veinte litografías de Los comedores de patatas, que la gente de los
alrededores pudo comprar a precios asequibles.28 ​

En un solo día trasladó directamente en la piedra, de memoria y sin dibujos previos, la imagen de Los
campesinos comiendo patatas (obviamente, en la impresión en papel las figuras están invertidas). De las
veinte litografías, Juliana Montford ha logrado localizar ocho, entre las que se encuentra la del Museo
Thyssen-Bornemisza.

Esta pintura provocó la ruptura con su amigo Rappard, ya que el

hipersensible y vulnerable Van Gogh no aceptó sus comentarios.
Rappard le hizo esta crítica basada en una de las 20 litografías:

Estarás de acuerdo conmigo en que este trabajo no se puede

tomar seriamente. Por fortuna eres capaz de mucho más.
Pero, ¿por qué todo lo observas y lo tratas superficialmente,
de la misma manera? ¿por qué no estudias minuciosamente
los movimientos? En este cuadro los personajes posan. La
mano de la mujer del fondo...¡qué poco real! ¿Y qué
Campesinos comiendo patatas relación hay entre la cafetera, la mesa y la mano que toca el
(1885). Litografía sobre papel Japón; asa? ¿Qué función hace esta cafetera? No se mantiene,
museo Thyssen-Bornemisza. tampoco la sujetan, entonces, ¿qué? ¿Y por qué el hombre
de la derecha no tiene rodillas, ni vientre, ni pulmones? ¿O
quizá los tiene en la espalda? ¿Por qué a su brazo le falta un
metro de largo, por qué le falta la mitad de la nariz? ¿Por
qué la mujer de la izquierda tiene por nariz un mango de
pipa acabada en un dado? ¿Y aún te atreves, con esta forma
de trabajar, citar a Millet y a Breton? El arte es demasiado
elevado para poderlo tratar con tanta negligencia.29 ​

Hay que aclarar que la dureza de la crítica por parte de van Rappard se debía también al propio enfado que
este tenía con Van Gogh, por el hecho de no haber tenido noticia directa de la muerte repentina del padre de
Vincent. Al principio de esta misma carta se quejaba Rappard, ofendido de haber recibido una simple nota
a pesar de su amistad: «¿Pensaste que tenía tan poco interés en tu padre y tu familia?»30 ​
A la vista de esta
pintura en París, Camille Pissarro quedó profundamente impresionado por la fuerza expresiva del cuadro.
También Émile Bernard escribió en un artículo:

Me quedé desconcertado, en esta confusión, por la comida de los pobres en una barraca
inquietante bajo una mísera luz. Era grandioso en su fealdad y estaba lleno de una vida
inquietante.

Seguramente cuando Bernard hablaba de la grandiosa fealdad, se

refería a los colores, puesto que él tenía un sentido del color mucho
más luminoso.31 ​

Durante estos dos años en Nuenen completó numerosos dibujos y

acuarelas, y cerca de doscientas pinturas al óleo. Los colores
usados continuaban siendo oscuros. Su hermano Theo se quejaba,
en una de sus cartas, de que eran demasiado apagados y no estaban
en la línea del estilo del momento, donde destacaban las pinturas
brillantes de los impresionistas. Vincent escribió al respecto:
Naturaleza muerta con Biblia (1885),
He leído con mucho placer Los maestros de antaño, de 65 × 78 cm.
Fomentin. He encontrado «tratadas» en este libro, en
diversos sitios, las mismas cuestiones que me preocupaban
 mucho estos últimos tiempos (...) tratar de dar un valor
claro por medio de tonos relativamente oscuros. En una
palabra, expresar la luz por oposición a la oscuridad. Ya sé
todo lo que piensas del "demasiado negro", pero, sin
embargo, no estoy aún absolutamente convencido (...).32 ​

El cuadro Naturaleza muerta con Biblia fue pintado en octubre de 1885, antes de su partida hacia
Amberes, en memoria de su padre fallecido el 26 de marzo de ese año.33 ​ Se aprecia la biblia como
símbolo de la casa paterna y de toda una educación religiosa. Como contraste aparece La joie de vivre de
Zola, el libro del naturalismo y, en opinión de su padre, una de las obras más nefastas. En la composición,
Van Gogh coloca la vela, un símbolo religioso, con la idea de situar ambos símbolos al mismo nivel.34 ​

Amberes y París

En noviembre de 1885 Van Gogh llegó a Amberes, donde ocupó

un pequeño taller encima de una tienda de pinturas; el alquiler lo
pagaba su hermano. Compró en unos anticuarios algunas
xilografías japonesas, y se dedicó a copiar modelos de yeso de
esculturas antiguas, expuestas en la entonces Real Academia de
Amberes, a pesar de su desacuerdo con la enseñanza académica.
Descubrió las pinturas de Rubens, que con su colorido y sus formas
femeninas le abrieron la alternativa del uso de colores como el
carmín y el verde esmeralda. En esta época contrajo sífilis, que
aunque fue tratada médicamente, le hizo perder casi todos los
dientes. En febrero de 1886, comentó en cartas dirigidas a Theo
que solo se había podido permitir seis o siete comidas calientes
desde el mes de mayo anterior.35 ​

El año 1886 se mudó a París, a vivir junto a su hermano menor

Theo, a quien avisó con esta simple nota: «Estaré en el Louvre
Cráneo fumando un cigarrillo (1885).
desde el mediodía, o antes, si lo deseas». Theo, que trabaja en
Boussod & Valadon, le descubrió a Vincent los trabajos del
impresionismo; lo que produjo una paleta mucho más luminosa, donde el color jugaría un rol fundamental
en el resto de su obra. Durante los dos años siguientes, los dos hermanos tuvieron múltiples fricciones y
siempre tuvo que ser Theo el que cediese y perdonase.

Se instalaron en Montmartre y empezó a codearse con los artistas de la época que allí se reunían. Conoció a
Émile Bernard y a Henri de Toulouse-Lautrec, haciéndose gran amigo de ellos, así como a Paul Gauguin,
Georges Pierre Seurat, Paul Signac, Armand Guillaumin, Camille Pissarro y Paul Cézanne. Van Gogh,
como muchos pintores de la época, admiraba el arte japonés de Hokusai, Hiroshige y Utamaro. Prueba de
ello son las réplicas que realizó de grabados japoneses y algunas pinturas suyas que reproducen ese país de
modo escenográfico. A las reproducciones procedentes del Japón se las llamaba japonaiserie. Dos de estas
obras realizadas por Van Gogh fueron Ciruelo en flor y Puente bajo la lluvia, copias de obras de
Hiroshige.36 ​De ellas, Van Gogh dejó escrito el siguiente comentario:

Envidio a los japoneses por la increíble claridad de la que están impregnados todos sus
trabajos. Nunca resultan aburridos ni hacen el efecto de haberlos realizado deprisa... Su estilo
es tan sencillo como respirar. Son capaces de hacer una figura con solo unos pocos trazos
seguros, que hace que parezca tan fácil como abrocharse el chaleco.37 ​
Comenzó a utilizar los colores complementarios y todo esto le hizo
abrirse a una expresión en su arte que no había sospechado en los
Países Bajos. Pissarro también le explicó las nuevas teorías sobre la
luz y el tratamiento divisionista de los tonos. El artista consiguió ir
añadiendo colores más ricos y luminosos a su paleta, gracias a
Signac, con quien trabajó en 1887. Practicó pintando paisajes
urbanos del barrio de Montmartre y naturalezas muertas ya con
colores más vivos; los rojos, amarillos y azules con sus
complementarios ya se pueden apreciar casi en todas sus pinturas
de este periodo.38 ​

Exaltado por la intensidad del clima artístico de París, Van Gogh

consiguió, con la ayuda de Toulouse-Lautrec, la renovación de su
pintura en lo que atañe a la investigación psicológica en los retratos.
Pudo apreciar las pinturas exóticas realizadas por Gauguin en la
Martinica. El retrato de Mujer en el Café de Tambourin es del mes
de febrero de 1887. No representa una bebedora en una taberna Modelo de yeso de un hombre
cualquiera sino que es la imagen concreta de Agostina Segatori, arrodillado (1886).
una antigua modelo de los pintores Degas y Corot, y que en ese
momento era la propietaria
del café. El cuadro respira
un cierto atractivo exótico,
desde el peinado de la
mujer pasando por su
vestido hasta el fondo de la
pintura, donde en su
decoración se observan
láminas japonesas. Una de
las cosas más importantes A la izquierda, grabado de Hiroshige
que aprendió en esta época representando El puente Ohashi y
fue la aplicación del Atake bajo una lluvia repentina; a la
contraste complementario, derecha, copia de Van Gogh de este
el contraponer los tres grabado japonés: Japonaiserie:
colores básicos (amarillo, Puente bajo la lluvia, 1887, óleo sobre
Agostina Segatori sentada en el Café rojo y azul) a la mezcla lienzo, 73 × 54 cm, Rijksmuseum,
du Tambourin (1887). formada por los otros dos, Fundación Van Gogh, Ámsterdam.
como combinación rojo-
verde, amarillo-violeta y
azul-naranja, que refuerzan su tono o se neutralizan al mezclarse en un gris deslucido. Se observa la
aplicación de esta técnica en los Cuatro girasoles, donde claramente existe el contraste complementario
entre el amarillo y el azul vivo del fondo.39 ​

Poco antes de acabar su etapa parisina, Van Gogh realizó tres retratos de Julien Tanguy, llamado por todos
los artistas «Père Tanguy», en cuya trastienda de su establecimiento habían expuesto sus obras Van Gogh,
Gauguin, Cézanne y Seurat. Este retrato se considera la obra representativa de su etapa parisina. Con una
presentación frontal, es una imagen de una estructura simple, que contrasta con el fondo decorado con
estampas japonesas. El artista neerlandés estaba dispuesto a realizar su sueño mediterráneo en busca de la
luz cegadora de la Provenza, con la explosión de la naturaleza y los colores puros, colores que había
estudiado en su colección de estampas japonesas. Fue un periodo muy fértil en el que su arte se inclinó
hacia el impresionismo, pero por otro lado, la absenta y la fatiga mental agravaron su condición física.40 ​
Últimos tiempos: Arlés
El 21 de febrero de 1888 Van Gogh llega a Arlés, en el sur de
Francia. Primero se instaló en una habitación situada en el Hotel-
Restaurante Carrel, por la que pagaba cinco francos diarios; esto
sobrepasaba sus posibilidades económicas y además el espacio era
muy reducido para tener su taller. Pintaba todo lo que veía (como
Huerto en flor con vistas de Arlés) y ya no necesitaba estampas
japonesas, como él mismo reconoció en una carta dirigida a su
hermano: «Aquí no me hace falta para nada el arte japonés, porque
me imagino estar en el Japón y nada más necesito abrir los ojos y
ver lo que tengo delante». Sus primeros cuadros en Arlés fueron
típicamente japoneses; la pintura Melocotonero en flor fue realizada
en marzo de 1888.

Pintó la naturaleza de los

alrededores, los campos de
trigo, los pantanos del delta Melocotonero en flor (1888).
del Ródano y el canal del
sur de Arlés, el cual reflejó
en diversas obras, como El puente de Langlois. Durante este
periodo empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos,
verdes y azules intensos que caracterizan su obra pictórica de los
últimos tiempos.41 ​

Los descargadores en Arlés (1888), El 24 de mayo de cada año, gitanos de toda Europa acuden en
Museo Thyssen-Bornemisza. peregrinaje a Saintes-Maries-de-la-Mer para venerar a su patrona
Sara la Negra. Van Gogh acudió a observarlo y aprovechó para
realizar pinturas durante ese tiempo. Entre estos cuadros está la
obra Barcas (barcos de pesca) en Saintes-Maries:42 ​

He pasado una semana en Saintes-Maries. En la playa de arena había pequeñas barcas verdes,
rojas y azules, de formas y colores tan bellos que hacían pensar en flores. Son tan pequeñas
que casi nunca van a alta mar. Salen cuando no hace viento y vuelven a tierra cuando sopla
con demasiada fuerza.
Vincent van Gogh, junio 1888.

El Museo Van Gogh anunció el 9 de septiembre de 2013 el

hallazgo de una nueva obra confirmada como pintura de Van
Gogh: Puesta del sol en Montmajour, realizada en Arlés.43 ​ Entre
las evidencias que han hecho detectar su autenticidad se encuentran
dos cartas de Van Gogh dirigidas a su hermano Theo fechadas en
julio de 1888 en las que describe el cuadro realizado:44 45
​ ​

Ayer, al atardecer, yo estaba en un brezal pedregoso donde

crecen muy pequeños y retorcidos robles, en el fondo de una
ruina en la colina, y campos de trigo en el valle. Era
romántico, no podía ser más a la Monticelli, el sol se Puesta del sol en Montmajour
derramaba, sus rayos amarillos muy por encima de los (1888), Museo Van Gogh.
arbustos y el suelo, absolutamente una lluvia de oro.
Vincent van Gogh, Arlés 5 de julio de 1888 (Carta 636).
Retratos

Al principio de su estancia en Arlés se dedicó a la realización de retratos. Sin embargo, tenía dificultades
para conseguir que alguien posase para él, sobre todo si eran mujeres; la primera que pudo retratar fue una
mujer joven a finales del mes de julio, y le puso el nombre de La Mousmé, nombre japonés que le inspiró la
lectura del libro Madame Chisanthème, de Pierre Loti. Con los hombres le fue más fácil convencerlos, ya
que a cambio les invitaba a una copa en la taberna. Podía retratarlos sin ningún problema, y así realizó las
obras de El campesino, retrato de Patience Escalier, El zuau, El lugarteniente Millet y El cartero Roulin.

Tuvo una buena amistad con Joseph Roulin, un cartero46 47

​ ​casado con la señora Augustine Roulin y con
la cual tenía tres hijos: Marcelle, Armand y Camille Roulin. Vincent hizo un gran número de pinturas de
esta familia; el retrato conocido como "La Berceuse" muestra a la señora de Joseph Roulin; también están
el Retrato de Armand Rouliny el Retrato de Camille Roulin. Al cartero le pintó hasta en seis retratos.

El Retrato de Eugène Boch fue realizado en ocasión de una visita que le hizo este poeta belga en el mes de
julio, según explicó a su hermano. En este retrato quería captar las ideas románticas del personaje:

He exagerado el rubio del cabello, he utilizado también tonos naranjas y amarillo pálido.
Detrás de la cabeza, en lugar de pintar la pared ordinaria de la habitación, he pintado el
infinito, un fondo plano del azul más rico e intenso que he podido conseguir y con esta
sencilla combinación de la cabeza brillante sobre el fondo intensamente azul he conseguido un
efecto misterioso, como si fuera una estrella en la profundidad de un cielo azul.
Vincent van Gogh, julio de 1888

La Mousmé, National El Campesino, El zuavo, Colección Retrato de Eugène

Gallery de retrato de Patience Lasker (Nueva York). Boch, Museo de
Washington. Escalier, Colección Orsay (París).
de Stavros Niarchos
(Atenas).

Estancia de Gauguin en Arlés

Van Gogh pasó todo el verano pintando paisajes al aire libre. Para realizar la composición colocaba en el
fondo del cuadro toda la parte arquitectónica, con torres de iglesia, chimeneas, casas, pueblos, en una fina
franja a la altura del horizonte, mientras que el primer plano lo reservaba para los campos y la vegetación.
Esto lo hizo con el cuadro Vista de Arlés con lirios en primer plano, Los segadores con Arlés al fondo, La
cosecha, Campos labrados, La viña verde y una de sus obras paisajistas más conocidas, El sembrador,
 realizada en el mes de junio, cuando la cosecha estaba casi a punto,
como se puede apreciar en el campo de trigo maduro que hay
detrás del sembrador. Con los colores azul y púrpura y los amarillos
relucientes del sol y el cielo consiguió un contraste cromático.48 ​

Van Gogh tenía la intención

de crear un taller de artistas,
y para esto alquiló en mayo
la «casa amarilla» (llamada
así por tener las paredes
Sembrador a la puesta de sol (1888). exteriores pintadas de ese
color) en Place Lamartine,
situada al norte de la ciudad
49
de Arlés. ​Theo le envió trescientos francos para poder
acondicionar y amueblar modestamente la casa. El único que
atendió a su petición del taller fue Paul Gauguin, con el que La Casa Amarilla (1888).
mantuvo diversas cartas sobre el tema del Atelier du Midi que
juntos habrían de fundar y que pedirían la participación de Seurat,
Signac y Bernard.50 ​

También Theo insistió a Gauguin para que hiciera el viaje a Arlés. Gauguin vivía en aquel tiempo en Pont-
Aven, en Bretaña. Estaba lleno de deudas, se sentía incomprendido y soñaba con la fundación de un círculo
de pintores, pero seguramente no había pensado en Van Gogh como componente del mismo. Su meta era
viajar a Martinica, pero la cuestión económica era un impedimento.51 ​Theo van Gogh era el galerista y el
marchante de Gauguin y este pensaba que detrás del carácter extraño de Vincent y las intenciones de Theo
se ocultaba alguna estratagema comercial, por lo que no se decidía a viajar hacia Arlés. Así se lo hizo saber
en una carta dirigida a Émile Bernard, en octubre de 1888:

Por más que me aprecie, no creo que Theo se preste a mantenerme en el Midi solamente por
mi cara bonita. Con su carácter frío holandés ha estudiado el terreno y proyecta alguna cosa...

Retrasó el viaje, disculpándose por carta, hasta que Theo acabó

pagando todas las deudas que tenía Gauguin. Entonces, este viajó a
Arlés el 23 de octubre.52 ​Mientras, Vincent había realizado
diversas series de pinturas para decorar la casa, especialmente la
habitación destinada a Gauguin.53 ​

La ideología del simbolismo surgió a finales del siglo  xix. Según

escribió en el año 1886 Edouard Dujardin, uno de los grandes
teóricos de esta técnica:

El objetivo de la pintura y la literatura es reproducir el

sentimiento provocado por las cosas con los medios propios
de las citadas artes. Lo que se debería expresar no es la
imagen sino su carácter.

Jarro con doce girasoles (1888). En la pintura Jarro con doce girasoles, pintado en agosto de 1888,
Van Gogh buscaba el espíritu del simbolismo. La meticulosidad de
las flores contrasta con la caótica situación de las hojas así como la
pastosa aplicación del color que, delante del fondo azul claro, consigue que el cuadro tenga un significado
que va más allá que la simple reproducción de las flores. Expone la imaginación del artista y su gran fuerza
expresiva, la cual exigía un gran delirio de sentimientos.54 ​
 Durante ese mes de agosto realizó cuatro pinturas sobre girasoles:
primero con tres flores, después con cinco, hasta llegar a la de los
doce girasoles sobre un fondo azul, y otro con quince girasoles
sobre fondo amarillo.

Antes de la llegada a Arlés de Gauguin, le envió un autorretrato,

con el título de Autorretrato como un bonzo, cuadro en el que es
evidente su identificación con el japonismo, ya que se retrató con la
cabeza rapada al estilo bonzo.55 ​

Gauguin fue el que impulsó a Van Gogh para que pintase lugares
históricos de Arlés y así trabajaron juntos y pintaron la serie de
vistas de Alyscamps. Escogieron diferentes motivos, Gauguin pintó
un paisaje con un encanto pintoresco y más bien refinado, mientras
que Van Gogh escogió un paseo enmarcado por altos álamos que
Autorretrato como un bonzo, tenían un color amarillo puro que contrastaba con el verde-azul del
dedicado a Gauguin. cielo. En cambio el color empleado por Gauguin era mucho más
tímido. Se pintaron mutuamente, Gauguin pintó de perfil a Van
Gogh y este pintó a Gauguin de espaldas.56 ​

Diferentes puntos de vista entre Gauguin

Corte de la oreja y Van Gogh
Con el paso de las semanas, la convivencia de los dos
artistas fue empeorando, debido a sus diferencias
personales, acentuadas por el carácter muy
temperamental de ambos. Pasados menos de dos
meses, en la tarde del 23 de diciembre de 1888, Van
Gogh y Gauguin tuvieron un altercado que dio origen
a una de las explicaciones que se han dado acerca de la
pérdida de la oreja izquierda del primero. Gauguin en
sus memorias57 ​ señala que Van Gogh le amenazó y
persiguió con una navaja barbera y que por la noche el
neerlandés se automutiló. A continuación, Van Gogh La avenida de los
habría envuelto la oreja en un paño y se habría dirigido Los Alyscamps (1888), por Alyscamps (1888), por Van
a un burdel de Arlés que frecuentaba con Gauguin, Paul Gauguin. Gogh.
donde presentó este «regalo» a una prostituta llamada
Rachel. Posteriormente regresó a la «casa amarilla». A la mañana siguiente la policía lo encontró
inconsciente, y fue trasladado al hospital Hôtel-Dieu de Arlés.58 ​ Se avisó a Theo, y Vincent, que no
recordaba el suceso, quedó ingresado durante catorce días. Gauguin dejó Arlés con rumbo a París y no
volvió a tener contacto con Vincent, exceptuando algunas cartas posteriores.59 ​

Gauguin declaró a la policía que la pérdida del apéndice auditivo se habría debido a una autolesión. Se ha
expuesto la teoría de que el corte en la oreja fue una automutilación del artista como resultado del disgusto
que le provocó la noticia de que su hermano Theo se iba a casar.60 ​

Nunca hubo unanimidad entre los estudiosos de los hechos, debido a las pocas fuentes existentes y a que la
versión generalmente admitida se basa en las memorias de Gauguin, publicadas en 1903. En 2009 Hans
Kaufmann y Rita Wildegans, en su ensayo Van Goghs Ohr, Paul Gauguin und der Pakt des Schweigens
(La oreja de Van Gogh, Paul Gauguin y el pacto del silencio), revisaron el incidente estudiando el informe
policial, las noticias publicadas en los periódicos de la época, la correspondencia de los dos pintores y los
pocos testimonios existentes, muy posteriores a los hechos. Llegaron a la conclusión de que fue Gauguin
 quien hirió a Van Gogh con su sable en la disputa (era maestro de
esgrima), y que una vez solo Van Gogh habría terminado de
recortar la oreja. No se encontraron ninguna de las armas. Van
Gogh no habría dicho nada para proteger a su amigo, y Gauguin
habría regresado precipitadamente a París debido a su mala
conciencia.61 62
​ ​Leo Jansen, conservador del Museo van Gogh de
Ámsterdam, rechaza tal conclusión, afirmando que la evidencia
presentada ha sido en su mayor parte sacada de contexto.

Durante mucho tiempo se creyó que el artista se había cortado solo

parte del lóbulo de la oreja, no el apéndice completo. Sin embargo,
un estudio de 2016 presentó, entre otras cosas, una carta a Theo
van Gogh del doctor Félix Rey, que le atendió durante el incidente,
donde describe la lesión y acompaña un dibujo que demuestra que
Autorretrato con oreja vendada se cortó la oreja casi por completo, conservando tan solo un trocito
(1889).
inferior del lóbulo.63 ​

Al regresar a su casa Van Gogh pintó el Autorretrato con oreja

vendada, del que existen dos versiones. Ambos cuadros muestran un vendaje en la parte derecha de la
cabeza, y debieron ser pintados delante de un espejo, ya que la oreja seccionada fue la izquierda.64 ​En uno
Van Gogh se representa fumando en pipa para transmitir una sensación de sosiego, en una composición en
la que predomina tanto el equilibrio cromático como el equilibrio de los elementos iconográficos.64 ​
Pasadas cuatro semanas volvió a ser ingresado en el hospital ya que presentaba síntomas de manía
persecutoria y se imaginaba que le querían envenenar. Durante unos diez días estuvo bajo tratamiento del
doctor Félix Rey. En marzo, atendiendo una petición de los vecinos de Arlés que avisaron a la policía, fue
ingresado una vez más, permaneciendo seis semanas en el Hospital Hôtel-Dieu de Arlés. El 17 de abril,
Theo contrajo matrimonio con Johanna Bonger en Ámsterdam. Poco después, Vincent decidió internarse
voluntariamente en el hospital mental de Saint-Paul-de-Mausole, un exmonasterio en Saint-Rémy-de-
Provence, a unos treinta y dos kilómetros de Arlés.65 ​

Sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence

Los últimos años de Van Gogh estuvieron marcados por sus

permanentes problemas psiquiátricos, que lo llevaron a ser recluido
en sanatorios mentales de forma voluntaria, entre los que se
encontraba el manicomio de Saint Paul-de-Mausole en Saint-
Rémy-de-Provence, donde ingresó el 8 de mayo de 1889. En el
sanatorio tenía dos habitaciones disponibles, una de ellas habilitada
para servirle de taller.66 ​ Cuando no quería pasear, por temor a
sufrir una crisis, pintaba cuadros de interior, como Jarrón con
lirios. Uno de sus primeros cuadros allí fue Iris, donde muestra una
gran vitalidad rítmica y una gran conjunción de colores. En esta La noche estrellada.
época su pintura se caracteriza por la presencia de remolinos, como
se puede observar en una de sus pinturas más conocidas, La noche
estrellada.67 ​

Cuando empezó a salir a dar paseos por los alrededores de la clínica, creó obras donde los temas eran
pinos, cipreses y olivos. Fue durante el mes de junio cuando desarrolló los efectos pictóricos ondulantes en
los árboles. De los olivos con sus troncos sinuosos, hizo varios cuadros: Alpilles con olivos en primer
plano, Olivo y Recolección de la oliva. Los pinos los tenía como modelos en el mismo jardín del hospital.
Uno de los primeros cuadros fue Maleza, donde solo se aprecian en la parte inferior de los troncos con
 tonos constituidos por
azules fríos. Más tarde
pintó los pinos que se
aprecian en los cuadros: El
jardín del hospital de Saint
Paul y Pinos en el cielo de
la tarde. Pero fueron los
cipreses, con su forma
triangular, los que le La noche estrellada (detalle).
sirvieron para crear una
magnífica serie de paisajes.
Incorporaba la mancha oscura del ciprés en muchas de sus grandes
composiciones, como en La noche estrellada y, entre otras, en
Campo de trigo con ciprés, Cipreses con dos mujeres y Ciprés en
el cielo estelar.68 ​
La Piedad (según Delacroix), versión
de Van Gogh.
Muestra de una pintura y la anterior subyacente

En Saint-Rémy, volvió a tener la necesidad de

copiar a pintores que admiraba, por lo que pidió a
su hermano Theo que le enviase láminas de
reproducciones, a partir de las que él interpretaba
el color a su manera. De esta forma exploró temas
religiosos como La Piedad (Delacroix), donde Mancha de hierba (1887), La cara de una mujer
pintó a Cristo con el cabello y la barba de color Museo de Kröller-Müller, pintada anteriormente.
rojo y La resurrección de Lázaro (Rembrandt). Países Bajos.
También volvió a copiar algunas de sus pinturas
favoritas, las de Millet: la Campesina batiendo el
lino y La Noche (a partir de La Veillée de Millet). Todas se conservan en el Museo Van Gogh de
Ámsterdam.69 ​

Exposiciones en vida

La primera exposición de la obra de Van Gogh fue en París en

1889, en el Salón de los Independientes, organizada más tarde
(entre mayo y octubre) que en otros años, para que pudiera
coincidir con la Exposición Universal de aquel mismo año. La
elección de obras las hacían los mismos artistas pero los nuevos
socios solo podían presentar dos, y Van Gogh indicó a su hermano
las dos pinturas que quería enviar: La noche estrellada (1888) e Iris
(1889).70 ​

En enero de 1890 recibió la invitación para participar en una El viñedo rojo, una de las tres
exposición en Bruselas con el grupo Les XX, a la que envió seis pinturas vendidas en vida de Van
obras: dos de la serie de Los girasoles y cuatro sobre paisajes. Dos Gogh.33 ​
de las que había pintado en Arlés, La viña roja y Vista de Arlés, y
dos más en Saint-Rémy. Durante la inauguración, Henri de Groux
criticó los cuadros de Van Gogh, pero salieron en su defensa Toulouse-Lautrec y Paul Signac. En esta
misma exposición vendió la obra El viñedo rojo, adquirida por la pintora perteneciente al grupo Los XX
Anna Boch,71 ​hermana de su amigo Eugène Boch.72 73 ​ ​
Finalmente fue en el Salón de los Independientes de París, en febrero de 1890, donde expuso la cuota
completa de diez pinturas.74 ​

Volvió a tener nuevos colapsos, que le duraban más que en las veces anteriores; padecía angustia, terror y
alucinaciones con accesos de ira muy intensos. Cuando volvió a escribir a Theo, le explicó que había
decidido abandonar la clínica. Después de una breve estancia en París con su hermano, decidió establecerse
en Auvers-sur-Oise.75 ​

Auvers-sur-Oise

Trasladado a Auvers-sur-Oise, localidad cercana a París, se instaló

en una habitación de la posada Ravoux. Allí conoció a un amigo de
Theo, el Dr. Paul Gachet, pintor aficionado, que se ofreció a
cuidarle y visitarle. Bajo la atención del Dr. Gachet la actividad
artística de Van Gogh fue intensa: en dos meses pintó más de
setenta cuadros. Frecuentaba la casa del doctor, y pintó el jardín, a
su hija Margarita rodeada de flores y en el piano, y al mismo
doctor. Van Gogh volvió a refugiarse en la pintura con gran
entusiasmo, le gustaban los paisajes de Auvers, como antes habían
maravillado a tantos otros pintores como Corot, Pissarro, Armand
Guillaumin y Cézanne.76 ​

Escribió a su madre estas reflexiones:

Estoy plenamente absorbido por estas llanuras inmensas de

La iglesia de Auvers-sur-Oise.
campos de trigo sobre un fondo de colinas, vastos como el
mar, de un amarillo muy tierno, un verde muy pálido, de un
malva muy dulce, con una parte de tierra labrada, todo junto
con plantaciones de patatas en flor; todo bajo un cielo azul
con tonos blancos, rosas y violetas. Me siento muy
tranquilo, casi demasiado calmado, me siento capaz de
pintar todo esto.77 ​

En esta población es donde empezó a utilizar el formato horizontal alargado de doble cuadrado, que
precisamente en el valle de Oise había sido utilizado por el pintor Charles-François Daubigny de la escuela
de Barbizon. Van Gogh había pintado algunas veces el jardín de la casa de Daubigny.

Su cuadro sobre La iglesia de Auvers-sur-Oise está construido sobre líneas fuertes y definidas, que
producen el efecto de una escultura recortada sobre el azul intenso del cielo, lo que da una sensación de
oscuridad. La profundidad la consigue con los dos caminos en forma de /v/ en un primer plano; estos
caminos aparecen colocados de manera similar en una obra posterior, Campo de trigo con cuervos. Van
Gogh señala en sus cartas la soledad y la melancolía que tienen estos últimos paisajes de trigales bajo cielos
tempestuosos y amenazantes. Se ha dicho que los símbolos de los cuervos planeando sobre el trigo sugieren
la premonición de la muerte.78 ​Las dos bandas de color, con el contraste del azul y el amarillo, anulan el
espacio de la perspectiva. La composición de la perspectiva en el campo abierto tiene un sentido inverso,
sale del horizonte en dirección hacia la parte delantera. El azul del cielo está en un solo plano y consigue
crear una unidad, mientras que el amarillo del trigo está dividido en dos planos, el rojo de los caminos en
tres y el verde complementario de las franjas del camino en cinco. Este cuadro está considerado como una
de las mejores obras del artista.79 ​
Campo de trigo con cuervos (julio de 1890). Pintura al óleo, 50 × 100 cm;
Museo Van Gogh, Ámsterdam.

Antonin Artaud, con un extenso poema en prosa, da la noción de la calidad de Van Gogh; basta leer
algunos fragmentos de tal poema ("Van Gogh, el suicidado por la sociedad"):

(...) Regreso al cuadro de los cuervos; ¿quién ha visto cómo, en ese cuadro, equivale la tierra
al mar? (...) el mar es azul, pero no de un azul de agua, sino de pintura líquida(...) Van Gogh
ha retornado los colores a la Naturaleza, pero, a él, ¿quién se los devolverá? (...) aquel que
supo pintar tantos soles embriagados sobre tantas parvas sublevadas, el Café de Arlés, la
recolección de las olivas, los Alyscamps; (...) 'El puente', sobre un agua en donde se tiene el
irrefrenable deseo de hundir el dedo en un movimiento de regresión violenta a la infancia
(...).

Muerte

Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras
y en sus últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros. El 22 de febrero de
1890, Van Gogh sufrió una nueva crisis que fue «el punto de
partida de uno de los episodios más tristes en una vida ya plagada
de tristes acontecimientos». Este período duró hasta finales de abril,
tiempo durante el cual fue incapaz de decidirse a escribir; sin
embargo, siguió dibujando y pintando.80 ​Hughes escribe que entre
mayo de 1889 y mayo de 1890, «tuvo arrebatos de desesperación y
alucinación que le impedían trabajar, y entre ellos, meses en los que
pudo hacerlo y lo hizo marcado por el éxtasis de extremo
visionario».81 ​ Sin embargo, su depresión empeoró y el 27 de julio
de 1890, a la edad de treinta y siete años, mientras paseaba por el
campo, se disparó en el pecho con un revólver. No se dio cuenta de
que su herida era mortal y volvió a la pensión Ravoux, donde
murió en su cama dos días después, en brazos de su hermano Theo. Van Gogh en su lecho de muerte,
dibujado por su médico y pintor
«Yo arriesgué mi vida por mi obra, y mi razón destruida a medias»;
aficionado Dr. Paul Gachet.
estas son las palabras de Vincent en la última carta encontrada en su
lecho de muerte el 29 de julio de 1890.82 ​ Vincent fue enterrado en
el cementerio de Auvers-sur-Oise.83 ​ Se considera que sus padecimientos mentales eran consecuencia de
los trastornos mentales que le generaba una insuficiencia renal,84 ​probablemente por piedras en el riñón,85 ​
aunque según otros autores su enfermedad mental se la producía la sífilis.86 87​ ​ Poco después de la muerte
de Vincent, su hermano Theo ingresó en una clínica de Utrecht,
donde falleció el 25 de enero de 1891, a los seis meses del
fallecimiento de su hermano. En 1914 el cuerpo de Theo fue
exhumado y enterrado junto al de Vincent.

En 2011 surgió una teoría que postulaba que Van Gogh no se

suicidó, sino que murió por un disparo accidental efectuado por dos
muchachos que jugaban con una pistola. En una biografía sobre el
artista, Van Gogh: la vida, Steven Naifeh y Gregory White Smith
mantienen que el disparo provino de René y Gaston Secrétan, dos
hermanos adolescentes que veraneaban en Auvers, y que eran
conocidos del pintor, por lo que no habría querido incriminarlos y
se habría autoinculpado. Según los autores, René era un chico Las tumbas de Vincent y Theo van
problemático al que gustaba vestirse de «cowboy», y se entretenía Gogh en el cementerio de Auvers-
disparando a animales con una vieja pistola calibre 38. Así, el 27 de sur-Oise.
julio de 1890 Van Gogh habría salido como siempre a pintar,
recibiendo de forma accidental el disparo del menor de los
hermanos. Según Naifeh, historiador del arte titulado en Princeton, «revisamos los testimonios iniciales que
dieron lugar a la versión del suicidio, y vimos que no eran nada sólidos». Este autor afirma que en la
entrevista que René Secrétan dio en 1956, el año de estreno de la película que Vincente Minnelli realizó
sobre el pintor neerlandés, su testimonio «está lleno de culpabilidad». Esta teoría no está confirmada con
otras pruebas ni aceptada por la mayoría de la comunidad académica, y el Museo Van Gogh de Ámsterdam
considera prematuro valorar las conclusiones a las que han llegado estos autores.88 ​

Obra
Vincent van Gogh produjo toda su obra (unas 900 pinturas y 1600
dibujos) durante un período de solamente 10 años (etapa de 1880 a
1890) hasta que sucumbió a la enfermedad mental (posiblemente
un trastorno bipolar o una epilepsia).89 ​ Decidió ser pintor cuando
tenía veintisiete años y siempre quiso reflejar la vida en sus obras.
Su carrera pictórica está marcada por los lugares donde vivió y
trabajó. Así se aprecia en la primera etapa de los Países Bajos
(1880-1886), donde la pintura tradicional y popular de este país,
exclusivamente en colores terrosos, fueron lo que más influyó en
obras como Los comedores de patatas y las pinturas sobre los El dormitorio en Arlés (1888).
tejedores. Realizó numerosos dibujos de mineros, de figuras
campesinas y copió obras de su pintor favorito, Jean-François
Millet.90 ​

Impresionismo

La siguiente etapa, en París (1886-1887), es la que le pone en contacto con los impresionistas que
pretendían romper con el academicismo de la época, con el traslado a la pintura de las impresiones de sus
sentidos mediante la observación de la naturaleza. En París, conoció a pintores como Henri de Toulouse-
Lautrec y Paul Signac, descubrió una nueva percepción de la luz y el color, aprendió la división de las
gamas claras y los tonos y mostró una simplificación a la vez que una mayor intensidad en el tratamiento de
los colores. En esta época empezó a copiar láminas japonesas, siendo uno de los pintores europeos a los
que más influyó este tipo de pintura.90 ​
Postimpresionismo

Quizá Van Gogh representó mejor el postimpresionismo, estilo que

sucedió aproximadamente en el periodo entre 1885 y 1915.
Representó una vía divergente del impresionismo, donde los
pintores hacen de la vida cotidiana su tema principal. Este término
fue utilizado por primera vez en 1910 por Roger Eliot Fry; surge
del título que dio a la exposición de la Grafton Gallery en Londres:
«Manet y los postimpresionistas». Fue utilizado por artistas como
Cézanne, Van Gogh y Seurat pero a veces también por otros
artistas de la gran década impresionista (1870-1880) como Matisse
y Pierre Bonnard.91 ​

Expresionismo y fauvismo
Retrato El doctor Paul Gachet
(1890).
Su obra destaca por el uso del color y una técnica frenética que
contiene algunos trazos del expresionismo. Van Gogh y Gauguin
tenían técnicas diferentes: Gauguin acostumbraba a pintar
normalmente en el taller de memoria y Van Gogh necesitaba
siempre copiar in situ, fuesen paisajes o un modelo. Su
temperamento exaltado quiso demostrarlo por la vía del color.92 ​

Los inicios del expresionismo aparecen durante las dos últimas

décadas del siglo  xix, en la obra de Van Gogh, La italiana de
finales de 1887, y en la de Edvard Munch (autor de El Grito) y, en
otro nivel, en la del belga James Ensor (autor de La entrada de
Cristo a Bruselas). Una tendencia a la que contribuiría Van Gogh
después de su llegada en 1888 a Arlés, donde el choque con la luz Campos en Cordeville, en Auvers-
del sur le empuja a la conquista del color, con obras como La noche sur-Oise (1890).
estrellada y Los olivos de Saint-Rémy (1889). Las pinturas del
periodo de Saint-Rémy de Provence se caracterizan en general por
remolinos y espirales. El pintor transita desde la dramatización de
las escenas de sus primeros trabajos a la simplificación que
caracterizó sus últimas obras, en las que Van Gogh ya anuncia el
comienzo del expresionismo. Desarrolló un estilo de fuerte
dramatismo y prospección interior, y para ello se sirvió de
pinceladas sinuosas y densas, de intenso colorido y estridente
luminosidad, que deformaban la realidad hasta otorgarles un aire
onírico.93 ​ Sin embargo, habría que esperar a agosto de 1911,
cuando el crítico de arte Wilhelm Worringer fue el primero en
hablar de expresionismo.94 ​

En Alemania y Austria expresionistas como Ernst Ludwig

Kirchner, Erich Heckel, Paul Klee y Oskar Kokoschka aprenderán
de la técnica de Van Gogh, del nerviosismo, la exageración de las
líneas y colores, que hacen que surja mejor la expresión de los
sentimientos y las emociones. El color y el empaste en la
La italiana (1887), Museo de Orsay.
proyección de la pintura de Van Gogh se formalizó quince años
más tarde con el surgimiento del fovismo. Según Van Gogh: «En
lugar de reproducir con exactitud lo que tengo delante de los ojos, prefiero servirme del color para
expresarme con más fuerza».95 ​
Reconocimientos

Octavi Mirbeau, historiador de arte, uno de los primeros en admirar

a Van Gogh, para rendirle homenaje en el Salón de los
Independientes, en la exposición realizada en 1891, escribió:

Aquí me encuentro en presencia de alguien grande, gran

maestro, una persona que me perturba, me emociona, llama
mi atención (...) Van Gogh poseía, de una manera poco
frecuente, algo que diferencia un hombre de otro: estilo (...)
es decir, afirmación de la personalidad. Lirios (1889); Getty Center, Los
Ángeles.
Desde el siglo  xxi, el análisis del mensaje que se desprende de sus
pinturas es positivo y alegre. Durante su breve dedicación artística,
Van Gogh consiguió el dominio técnico y una productividad que
pocos artistas han conseguido. En sus obras consiguió fusionar las
cualidades de sus predecesores neerlandeses, como la devoción a la
naturaleza, con el uso del color y la técnica de la pintura
francesa.96 ​

Su fama creció rápidamente después de su muerte, gracias a la

promoción de la esposa de Theo que, aunque no tuvo una buena
relación con Vincent, resultó ser la única heredera de toda su obra Detalle de autorretrato (1889).
tras el fallecimiento de su esposo, ocurrido poco después de la del
pintor. Ha de señalarse que a ella se debe una de las pocas ventas
de Van Gogh en vida del artista. El mayor impulso de su obra vino
especialmente después de una exposición de 71 de sus pinturas
realizada en París el 17 de marzo de 1901 (once años después de su
muerte) a la que siguieron otras exposiciones, como la de 1905 en
Ámsterdam, o la de Colonia en 1912, Nueva York en 1913 y
Berlín de 1914.97 ​ Todas ellas tuvieron un gran impacto sobre las
generaciones artísticas posteriores.98 ​ Desde mediados del siglo  xx,
Van Gogh fue reconocido como uno de los mayores pintores de la
historia.99 100
​ ​ En el año 2007, un grupo de historiadores
Mujeres Bretonas (1888). Acuarela,
holandeses realizó el The Canon of the Netherlands para su Cívica de Arte Moderno, Milán, Italia.
enseñanza en las escuelas e incluyó a Van Gogh como uno de los
cincuenta temas del canon, junto con otros iconos nacionales como
Rembrandt y De Stijl.101 ​

Se limitaron a solo tres las obras vendidas en vida del pintor: La viña roja, comprada por Anna Boch por la
suma de 400 francos; Puente de Clichy, adquirido por 250 francos según el libro de ventas de la Casa
Boussod y Valadon; y, finalmente, un Autorretrato a los marchantes Sulley y Lori de Londres. Las tres
obras curiosamente fueron compradas el mismo año de 1888.102 ​

Varias de las pinturas de Van Gogh están entre las pinturas por las que se ha pagado más en todo el mundo.
El 30 de marzo de 1987 la pintura Lirios de Van Gogh fue vendida por un valor récord de 53,9 millones de
dólares en el local Sotheby's de Nueva York.103 ​ Pero su comprador, el magnate Alan Bond, no pudo
terminar de pagarla y tuvo que revenderla (por una suma no revelada) al Getty Center de Los Ángeles. El
15 de mayo de 1990 su Retrato del Doctor Gachet fue vendido por 82,5 millones de dólares en el local
Christie's, estableciendo así un nuevo precio récord.104 ​La exhibición Imagine Van Gogh supone una serie
de pantallas que en forma simultánea permiten sumergir al espectador en una selección de obras del autor
en tamaño grande proyectadas desde distintos ángulos.

Procedimientos de trabajo

La técnica que empleaba era diferente según el efecto que quería conseguir, cubría los planos con colores
claros, mientras que en otros cuadros ponía pinceladas amplias y a veces perfilaba todo el dibujo con trazos
gruesos. En otras ocasiones, trabajaba con un pincel duro rayando todas las formas, y según le interesara,
acentuaba las líneas o el color. El trazo con movimiento rítmico lo repetía tanto en los dibujos como en las
pinturas.105 ​

Se cree que Van Gogh hizo un reaprovechamiento de lienzos ya usados en más de un tercio de su
producción durante sus primeros trabajos.106 ​ En 2008, un equipo de la Universidad Tecnológica de Delft
y la Universidad de Amberes utilizó avanzadas técnicas de rayos X para descubrir una imagen de la cara de
una mujer pintada anteriormente e incluso conseguir su coloración, que se encontraba por debajo de la obra
Mancha de hierba.107 ​

Obras
Joven cortando hierba con una hoz (1881), papel verjurado, carboncillo y color al agua,
Museo Kröller-Müller, Otterlo
Autorretrato (1887), óleo sobre lienzo, Instituto de Arte de Chicago
Autorretrato (1888), óleo sobre lienzo dedicado a Paul Gauguin, Museo Fogg de
Cambridge, Estados Unidos
Autorretrato (1889), óleo sobre lienzo, Galería Nacional de Arte de Washington
Autorretrato con la oreja vendada y caballete (1889), óleo sobre lienzo, Galería de la
Somerset House
Almendro en flor (1890), óleo sobre lienzo, Museo van Gogh, Ámsterdam

Robos de sus cuadros

Los cuadros de van Gogh han sido objeto de robo desde la Segunda Guerra Mundial. Algunas de sus obras
no han sido recuperadas. En 2002 ladrones robaron 2 de los cuadros del Museo Van Gogh, La playa de
Scheveningen durante una tormenta (1882) y Congregación saliendo de la Iglesia Reformada en Nuenen
(1884-1885), que fueron hallados en Italia en 2016.108 ​

Cartas
Una gran parte del conocimiento que se tiene sobre Van Gogh deriva de sus cartas, la mayor parte dirigidas
a su hermano, Theo van Gogh.109 ​ Se conservan más de seiscientas cartas de Vincent a Theo y cuarenta
cartas de Theo a Vincent, y aunque la mayoría de ellas no están fechadas, los historiadores de arte han sido
capaces de ordenar esta correspondencia, en gran parte, de manera cronológica. La recopilación de estas
fuentes textuales ha sido muy valiosa para establecer las bases de lo que se conoce sobre los hermanos Van
Gogh. Es interesante hacer constar que el periodo en el que la vida de Van Gogh es más oscura, es el de su
etapa de París, ya que Theo y Vincent vivían juntos sin necesidad de escribirse y por lo tanto hay menos
información.110 ​
Van Gogh mantuvo correspondencia y se conservan unas
doscientas cartas dirigidas a amigos y familiares especialmente con
su hermana Wilhelmina.111 ​ Las cartas salieron a luz en 1913, a
través de la viuda de su hermano Theo, Johanna van Gogh-Bonger,
quien explicó la «inquietud» que sentía al mostrar el drama de la
vida del pintor y su preocupación para que no fuera motivo de
eclipsar su obra artística. El mismo Van Gogh había sido un ávido
lector de biografías de otros artistas para comprobar la consonancia
del carácter con el arte de estos.112 ​

Véase también
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Enlaces externos
Wikimedia Commons alberga una galería multimedia sobre Vincent van Gogh.
Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Vincent van Gogh.
Museo van Gogh (http://www.vangoghmuseum.nl/), Ámsterdam.
La Galería de Vincent van Gogh. Sitio avalado por el Museo van Gogh (http://www.vggallery.
com/international/spanish)
Obras De Arte Completas De Vincent van Gogh (https://www.vincentvangogh.org)(en
inglés)

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