Las Exposiciones Fotograficas en El Muse PDF

TRABAJO ACADÉMICAMENTE DIRIGIDO:

Las exposiciones fotográficas del
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
bajo la dirección de Manuel J. Borja-Villel
(2008 – 2012)

Realizado por:
Beatriz Concepción Bravo García

ÍNDICE
Introducción ........................................................................................ 4
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y sus directores .................... 6
Ficha de Exposiciones Fotográficas temporales (2008 – 2012)
-‐ Chen Chieh-Jen ............................................................................ 10

-‐ Robert Smithson y Leonardo Cantero .............................................. 14
-‐ Javier Riera ................................................................................. 20
-‐ Edward Steichen........................................................................... 23
-‐ Alberto García-Alix........................................................................ 28
-‐ Zoe Leonard ................................................................................ 32
-‐ The Atlas Group / Walid Raad ......................................................... 37
-‐ Manhattan, uso mixto ................................................................... 41
-‐ Jean-Luc Mylayne ......................................................................... 51
-‐ Dorit Margreiter............................................................................ 54
-‐ Una luz dura, sin compasión. El movimiento de la fotografía obrera.
(1926-1939) ................................................................................ 57
-‐ Antoni Muntadas. Entre = Between ................................................. 62
-‐ James Coleman ............................................................................ 66
Otras exposiciones fotográficas .............................................................. 69
Puesta en común de las exposiciones ..................................................... 73
Relación de las exposiciones fotográficas temporales con la exposición

fotográfica permanente ......................................................................... 80
Conclusión........................................................................................... 84
Anexo ................................................................................................. 88
Bibliografía .......................................................................................... 93
2
Las exposiciones fotográficas del
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
bajo la dirección de Manuel J. Borja-Villel.
(2008 – 2012)
Beatriz Concepción Bravo García
(NIF: 5.259.436-G)
Tutor del TAD: Javier Pérez Segura
Departamento de Historia del Arte III (Contemporáneo)
Facultad de Geografía e Historia
Universidad complutense de Madrid
Madrid, 2012
3
INTRODUCCIÓN
Al elegir el tema de mi trabajo me guié, más que por un tema que

dominaba a la perfección, por un tema que había echado en falta en toda
la carrera de Historia del Arte, como es la Historia de la Fotografía.
En cuanto a la fotografía como tal, me he centrado en el Museo Nacional

Centro de Arte Reina Sofía como lugar de referencia a la hora de exponer
entre sus paredes tal disciplina artística, tanto por su cercanía en la
ciudad de Madrid como por su importancia dentro del panorama artístico
español contemporáneo.
Al seleccionar las exposiciones temporales quería escribir sobre el Reina

Sofía desde una nueva perspectiva, ya que la exposición permanente
junto con su historia museística, está mucho más revisada y estudiada
desde que se estableció en los años de 1990, al igual que los cambios que
han hecho sobre la distribución de salas, reflejando así la filosofía de los
diferentes directores1.
Por otra parte, y porque según apunta Ana María Guasch2: “Las
exposiciones son lo que en la definición y afianzamiento de las
vanguardias históricas, desde el futurismo al surrealismo, fueron los
manifiestos y lo que para las neovanguardias generadas después de la
Segunda Guerra Mundial representaron las proclamas de historiadores y,
particularmente, de críticos”3.

1 Además de las publicaciones propias del Museo, en el 2010, Isaac Ait Moreno, presentó
la tesis doctoral: Aportaciones a la historia del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
1979 -1994, contribuyendo a este estudio histórico del museo.
2 Ana María Guasch (1953) es catedrática de Historia del Arte de la Universidad de
Barcelona y crítico de arte. Ha centrado su interés en el análisis de exposiciones del arte
internacional desde la Segunda Guerra Mundial hacia nuestros días.
3 De su libro: Los manifiestos del arte posmoderno. También apunta que las exposiciones
son las manifestaciones de la política cultural del momento, capaces de activar discursos
históricos y recursos para la didáctica del arte.
4
El periodo desde el nombramiento como director del MNCARS de Manuel
Borja-Villel desde 2008 hasta la fecha, se ve envuelta en el cambio de
filosofía y la reestructuración museográfica de las salas en el 2009, con
cambios que afectan a todo el museo en sí, con las más de 500 obras
incorporadas al nuevo discurso expositivo que arranca con la modernidad
y llega hasta nuestros días, y en el 2010 con la colección correspondiente
a los años 40, 50 y 60, con el título ¿La Guerra ha terminado? Arte en un
mundo dividido (1945-1968), en la planta 4ª del edificio Sabatini.
Este cambio de filosofía incluye cambios en la dirección con nuevas

incorporaciones, como la incorporación en el 2008 de Lynne Cooke4 como
nueva subdirectora de Conservación, Investigación y Difusión del Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofía, lo que afecta irremediablemente a la
elección de temas y artistas en las exposiciones temporales.
La elección de las exposiciones a investigar para este trabajo no ha sido

sencillo, puesto que según la propia subdirectora del Reina Sofía, Lynne
Cooke, su “política consiste en coleccionar aquellas piezas que formen
unas narrativas coherentes con la historia visual del arte y la historia
cultural. El museo no sólo colecciona obras clasificadas (estrictamente)
como fotografías, sino que también piezas que fusionen la fotografía con
otras disciplinas o trabajos de artistas plásticos que incorporen
fotografías. Son unos criterios muy amplios5.”
A pesar de esos ‘amplios criterios’, he elegido trece muestras expositivas

que abarcan múltiples artistas, y que a mi juicio se acercan más al
concepto fotográfico, aunque engloben en más de una ocasión y a su vez,
distintas disciplinas artísticas.

4 Lynne Cooke, de origen australiano, es doctora de Historia del Arte por la Universidad
de Londres. Co-‐Comisaria en la Bienal de Venecia de 1986, y comisaria en exposiciones
de importantes Centros de Arte y Museos por todo el mundo, así como ensayista de
artistas contemporáneos. Antes de su incorporación en el Reina Sofía, era comisaria en
el Dia Art Foundation de Nueva York.
5 Declaraciones hechas a la revista Tendencias del Arte al poco de su llegada al MNCARS,
sobre la importancia de la fotografía como disciplina artística dentro de un museo.

(http://www.tendenciasdelarte.com/pdf/julio09/fotografia.pdf)
5
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y sus directores.
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) tiene una larga
historia. Por una parte el continente del mismo, el antiguo Hospital San
Carlos, edificio obra de José de Hermosilla y Francisco Sabatini, construído
por orden de Carlos III y declarado Monumento Histórico-Artístico por
Real decreto en 1977. Ha sufrido a lo largo del tiempo diferentes
restauraciones: en 1980 realizada por Antonio Fernández Alba y en 1988
con José Luis Íñiquez de Onzono y Antonio Vázquez de Castro, quienes
introdujeron las tres torres de ascensores panorámicos que caracterizan
hoy día la estética externa del museo. Pero su continuo crecimiento hizo
que se plantease en un momento una posible expansión, la cual se llevó a
cabo con la construcción de un nuevo edificio por el arquitecto Jean
Nouvel, inagurado en el 2005.
Por otra parte es la historia del contenido, pues es sobre todo el reflejo de
la ambición de la joven democracia española en los años ochenta, por
convertir lo que era el Centro de Arte Contemporáneo en Museo Nacional.
El Centro de Arte Reina Sofía se abrió ya en 1986 y fue constituido en
Museo Nacional por real decreto en 1988, pero se consolida como un
auténtico museo el 10 de septiembre de 1992, cuando se inaugura la
Colección Permanente del mismo, gracias al traslado de El Guernica desde
el Casón del Buen Retiro. El centro hasta ese momento sólo había acogido
exposiciones de tipo temporal.
Desde su apertura el MNCARS ha tenido seis directores diferentes, y cada

periodo ha sido representativo del momento social y político por el que
estaba pasando el país6. Así mismo, en el 2007 debido al nuevo cambio

6 Para profundizar en este tema historiográfico es referente el libro Arte y Estado en la
España del Siglo XX, de Mª. Dolores Jiménez-‐Blanco, el cual recoge las líneas generales de
la política artística oficial a través de las diversas épocas del museo. Así como el artículo
de Álvaro Martínez-‐Novillo “Pavana para un museo difunto. (A propósito de un libro de
Dolores Jiménez-‐Blanco)” sobre el libro antes citado, en el cual hace un compendio de
las aportaciones más destacables del mismo. Este artículo puede descargarse de
internet: http://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=2047975.
6
ministerial, César Antonio Molina llevó a cabo el Plan de Modernización de
las Instituciones Culturales de la Administración General del Estado,
propuesto ya por la anterior ministra Carmen Calvo, por el cual quedaba
establecido que el director del MNCARS sería seleccionado mediante
concurso público, lo que forzó la dimisión de Ana Martínez de Aguilar y la
elección, mediante concurso público y contratado por un período de cinco
años prorrogables hasta un máximo de quince, a su sucesor y actual
director del museo, Manuel Borja-Villel.
Listado de directores del Centro de Arte y Museo Nacional Centro de Arte

Reina Sofía (1986 – 2012):
Carmen Giménez: Directora del Centro de Arte Reina Sofía en el periodo

de 1986 a 1988.
Nació en Casablanca en 1943 y se tituló en Historia del Arte por la École

du Louvre en 1965. Ya en España se pasó siete años asesorando en
Cultura con el gobierno socialista.
Fue decisivo su impulso para el proyecto museológico del Centro de Arte

Reina Sofía y en su programación expositiva inicial. Actualmente Carmen
Gimenez es conservadora de arte del siglo XX del Museo Guggenheim. Ha
sido elegido como académica honoraria de la Real Academia de Bellas
Artes de San Fernando en el 2012.
Tomás Llorens Serra: Director del Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía del periodo de 1988 a 1990.
Nacido en Castellón en 1936. Licenciado en Derecho y en Filosofía y

Letras con una tesis doctoral en Estética. Ha sido también conservador
jefe del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid de 1991 a 2005. Fue
medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2007.
7
María de Corral: Directora del Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía en el periodo de 1991 a 1994.
Nacida en Madrid, es crítico de arte y comisaria independiente. Dentro de

una larga lista de coordinaciones, direcciones y comisariados,
actualmente, es Coordinadora de la Colección de Arte Contemporáneo
(Museo Patio Herreriano de Valladolid) y Senior Curator del Dallas
Museum of Art (EEUU).
Ha formado parte de distintos consejos y patronatos tanto españoles

como extranjeros, así como asesora en colecciones de fundaciones como
Fundación Telefónica, Fundación “La Caixa” o directora de la Bienal de
Pontevedra.
José Guirao  Director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en
el periodo de 1994 al 2000.
Nacido en Almería en 1959, es licenciado en filología hispánica. Dirigió el

Área de Cultura de la Diputación de Almería en los años ochenta y fue
desarrollando proyectos hasta que llegó a Madrid. Como director remodeló
la colección permanente. Fue además el encargado de licitar la ampliación
del museo del arquitecto francés Jean Nouvel.
Juan Manuel Bonet: Director del Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía en el periodo de 2000 al 2004.
Nació en París en 1953. Es crítico de arte y literatura, así como comisario

de exposiciones y retrospectivas de diversos artistas. Antes de dirigir en
Reina Sofía había estado como director del IVAM durante cinco años. Es
conocido por sus publicaciones como el Diccionario de las vanguardias en
España o sus monografías de Juan Gris y Gerardo Rueda.
Ana Martínez de Aguilar: Directora del Museo Nacional Centro de Arte

Reina Sofía en el periodo de 2004 al 2007.
Nacida en 1965 en San Sebastián. Es historiadora del arte con un máster

en Dirección y Administración de Empresa, siendo así la primera licenciada
en historia del arte con experiencia en gestión y dirección de museos que
8
accede al puesto de directora del Reina Sofía. Es directora del Museo
Esteban Vicente desde su apertura en 1997.
Durante su mandato al frente del Reina Sofía culminó la ampliación del

museo de Jean Nouvel, inaugurada el 26 de septiembre de 2005. También
sacó adelante un proyecto museográfico al mismo tiempo que desarrolló
una política de exposiciones temporales que fue considerada por algunos
críticos como la mejor del país.
Manuel Borja-Villel: Director del Museo Nacional Centro de Arte Reina

Sofía en el periodo de 2008 al actual.
Nacido en Castellón en 1957. Historiador del arte por la Universidad de

Valencia, completando sus estudios en la Universidad de Yale y la
Universidad de Nueva York.
Ha sido director del museo de la Función Antoni Tàpies de Barcelona de

1990 a 1998. A partir de esa fecha es nombrado director del MACBA
(Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Sus planes para el museo
desde un principio implican una reforma de la colección permanente (que
llevará a cabo en 2009) en la que permanecen, no obstante, el discurso
histórico y el peso del Guernica, así como del arte de los años 30 como
núcleo principal7.

7 Se ahondará en los cambios realizados en el Reina Sofía por Borja-‐Villel, a lo largo de
este trabajo.
9
Fichas de Exposiciones fotográficas temporales:
TÍTULO: Chen Chieh-Jen. Tribunal militar y prisión (2007 – 2008)
AUTOR: Chen Chieh-Jen
FECHAS: 4 de marzo de 2008 – 12 de mayo 2008
LUGAR DE EXPOSICIÓN: Edificio Sabatini
COORDINACIÓN: Amelie López Aranguren.
BIOGRAFÍA / TRABAJO DEL ARTISTA: Chen Chieh-Jen (1960). Nacido

en Taoyuan, Taiwán y graduado en la Escuela Superior de Artes, creció
bajo la dictadura que el Kuomintang impuso en Taiwán hasta 1991. Su
padre era uno de los soldados del ejército del KMT, trasladado a la isla en
1949. Vivió en un barrio habitado mayoritariamente por familias formadas
por parejas mixtas, de padre chino y madre taiwanesa. Cerca de su casa
de la infancia había una prisión con presos políticos, que también era
tribunal militar durante los años de la Ley Marcial (régimen dictatorial
durante los años 1947-1987), lo que influyó más tarde en sus reflexiones
sobre el mundo que nos rodea.
Es un video-artista que explora la trayectoria de la historia moderna de

Taiwán, de la dominación colonial, del período de la Ley Marcial y la época
de Taiwán como base en la producción capitalista mundial tras la Ley
Marcial, para lo que sufrió una transformación en la sociedad de consumo
con la entrada del neoliberalismo.
Chen Chieh-Jen ha realizado exposiciones individuales en el Museo de

Bellas Artes de Taipei, Redcat Centro de Arte en Los Ángeles, Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, Asia Society de Nueva
York y la Galerie Nationale du Jeu de Paime en París, Chinese Arts Centre
en Manchester y A Space Gallery en Toronto. En España tuvo su primera
exposición individual en 2005, en la que presentaba dos vídeos: Bade
Area (2005) y Factory (2003), en los que aborda la situación política y
económica de su país frente a fenómenos de la economía global.
10
LA EXPOSICIÓN EN EL MNCARS:
Asunto: Tribunal Militar y Prisión, habla de los derechos humanos de

entonces y de ahora. Utiliza como principal elemento la prisión en la que
pasaron los años los presos políticos durante la dictadura de la Ley Marcial
(1949-1987). Aprovecha para hacer una reflexión, sobre aquella época y
sobre ésta, en la que la prisión se ha convertido en un monumento a los
Derechos Humanos de Taiwán, comparando ambas épocas y
preguntándose si de algún modo no seguimos todos encerrados en esa
prisión. “Esta sociedad que es el resultado de la neurocirugía para la
anulación del pensamiento”.
Contenido: Es un vídeo-instalación. Compuesto por dos vídeos, Tribunal

Militar y Prisión creado especialmente para esta exposición, un
largometraje, película de 35mm transferida a DVD (en el que utiliza su
técnica del slow-motion y el silencio), donde recoge su visión sobre lo que
sucedió en esta prisión. Utiliza para ello, espacios ficticios mezclados con
reales y personas de la calle para hacer de sí misma en un papel de
marginados sociales. Este primer vídeo, protagonista de la exposición, lo
complementa con un segundo vídeo de corta duración donde se expone la
versión oficial del gobierno de Taiwán sobre los años de la dictadura.
Programa: Pertenece al ciclo de proyectos: “Producciones” del Museo

Reina Sofía.
Relación de la exposición con el trabajo del artista: Tribunal militar y

prisión es una creación más dentro de su trayectoria donde utiliza sus
trabajos para criticar y hacer reflexiones sobre una realidad mundial, pues
no solamente se centra en Taiwán, ya que tratamos con un mundo
globalizado.
RECORRIDO DEL ARTISTA A PARTIR DE ESA EXPOSICIÓN:
Este artista sigue exponiendo internacionalmente. En nuestro país y tras

la exposición del MNCARS, ha intervenido también en una exposición en
La Fábrica Galería (del 11 diciembre 2008 al 24 enero 2009), bajo el título
“Portraits” recoge el vídeo de Militar Court and Prison además de otras
fotografías. Esta exposición me parece importante porque tiene más
11
difusión que la del MNCARS, a pesar de que el centro de la muestra es el
vídeo realizado para el museo con anterioridad.
También está presente en otros proyectos como PhotoEspaña 2012, en

una muestra colectiva producida por la Fundación Telefónica, en la Sala
Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid.
CATÁLOGO:
Autores: Textos del catálogo escritos por Susana Sanz Giménez, amiga
personal del artista y licenciada en Historia del Arte y Estudios de Asia
Oriental (China), doctora en arte contemporáneo, dedicada al estudio del
arte contemporáneo en China, Taiwán y Japón. Estudiante visitante en el
Departamento de Arte de la Universidad de Beijing. Trabaja como Editora
ejecutivo en Jefe de la revista Art in China.
Análisis de los textos: En este caso el catálogo es de corta extensión, y

está presentado por Susana Sanz de forma literaria, en la que a través de
un cuento en el que personifica a un libro. Usa la historia que le contó su
padre de niña, de cómo escondía el manifiesto comunista en época del
franquismo en España para enlazarlo con la época actual y la represión
que a día de hoy se sigue viviendo por parte del estado. El relato finaliza
con la intervención de un niño chino, con el que quiere hacer una
comparación entre la falta de integración de la población extranjera en
nuestro país, asemejándolo a estar encerrado en una prisión (enlazando
con el tema de la exposición).
La presentación de este texto para el catálogo de la exposición, difiere del

prototipo de textos introductorios para exposiciones, en los que se suele
hablar del artista, de su obra anterior y centrarse en la obra de la
exposición. Posiblemente sea debido a que es el artista quien pide
expresamente a Susana Sanz, amiga suya, que haga una introducción que
llame a la reflexión de lo que quiere decir con toda su obra, y no con este
trabajo en especial.
12
INFORMACIÓN EN PRENSA:
Listado de Medios: ArteInformado; Iberarte; El País; El Mundo;

Esmadrid.com; ArteSpain.com; Arteenlared.com; El Cultural;
Dolcedity.com; ABC.
Alcance y Conclusión: Lo nombran las revistas de arte y hay reseñas en

periódicos, como en toda exposición que presenta el Reina Sofía, pero no
hay un alcance excesivo fuera de estos medios.
Respecto a los medios que lo tratan, no solamente hay textos sobre la

exposición, aprovechando las nuevas tecnologías, en la web de
www.esmadrid.com existe un vídeo con partes de Tribunal Militar y Prisión
donde la coordinadora Amelie López Aranguren habla sobre la instalación
y el propio Chen Chieh-Jen8.
La mayoría de noticias escritas recogen las palabras de Amelie López.

Destacable es el artículo de El Cultural, en el que profundiza en la
filosófica lectura que el artista da a su obra. Está escrito por Rocío de la
Villa, que hablará de muchas otras exposiciones.

8
http://www.esmadrid.com/es/cargarAplicacionVideo.do?identificador=15657&texto=li
breria+el+hada+trabalenguas
13
TÍTULO: LUGAR /PLACE (Título oficial de PhotoEspaña08)
AUTORES: Robert Smithson y Leonardo Cantero.
FECHAS: 3 de junio – 27 de julio 2008
LUGAR DE EXPOSICIÓN: Robert Smithson. Hotel Palenque 1969-1972:

Edificio Sabatini. Planta 4. Sala 16. - Leonardo Cantero: Planta 4. Salas 14
y 15.
COMISARIADO: Robert Smithson. Hotel Palenque 1969-1972: Sergio

Mah – Leonardo Cantero: Catherine Coleman.
BIOGRAFÍA / TRABAJO DEL ARTISTA: Robert Smithson (1938 –

1973). A pesar de su muerte temprana a los 35 años, tuvo una fructífera
carrera. Comenzó como escultor y artista experimental, realizando su
primera exposición individual con 21 años. Considerado como uno de los
principales artífices en la configuración forma y teórica del Land Art, se dio
a conocer al crear algunas de las obras más destacadas de este
movimiento, como el Spiral Jetty, una estructura gigante de roca y
escombros diseñada en 1970 en el Salt Lake de Utah y rompiendo con la
fabricación de objetos formales dentro de galerías. Fotografía sus
creaciones porque las considera efímeras, y quiere que perduren en el
tiempo, como hizo con esta obra creando Spiral Jetty Film Stills. También
produjo los Slideworks, transparencias de diapositivas de 35 mm, que son
a la vez obras de arte y documento, no siendo una representación formal
del paisaje en término fotográficos tradicionales.
Smithson centró su interés en la entropía, la cartografía, la paradoja, la

lengua, el paisaje, la cultura popular, la antropología y la historia natural.
En 1979 sus escritos sobre arte conceptual, landscape y teoría fueron

editados a título póstumo por su mujer y publicados en 1979, teniendo un
impacto en la escultura y teoría del arte durante más de treinta años.
Estos textos tratan sobre la tierra, la cultura occidental y la naturaleza de
los objetos, cuestionando las categorías tradicionales del arte entre los
años de 1964-1973.
14
Leonardo Cantero: (1907 – 1995). Nació en Bilbao e hizo estudios de
arquitectura, aunque pronto se interesó por la fotografía. Aunque de una
generación anterior a sus compañeros, fue uno de los fundadores del
grupo La Palangana, que se creó en Madrid en 1957, dentro de todos los
nuevos grupos de artistas interesados en modernizar la práctica artística
en la España de los sesenta. Este grupo, integrado también por Francisco
Ontañón, Ramón Masats, Francisco Gómez, Gabriel Cualladó y el pintor
Joaquín Rubio Camín, estaban unidos por una forma común de entender
la fotografía, entre ella el humanismo y el aspecto social que encontraron
en la exposición The Family of Man (1955) del MoMA, creada por
Steichen, y cuya influencia les llegó a través del catálogo y de las revistas
que editaban en aquel momento. El trabajo de Cantero se centró casi
exclusivamente en fotografiar la finca familiar de La Dehesa de Hoyos,
pero también fue un viajante de España y el extranjero, de cuyos lugares
tomó múltiples imágenes.
Asunto: Son dos exposiciones independientes y a la vez

complementarias9. La exposición principal es la de Robert Smithson, que
se complementa con la obra y exposición de las fotografías de Leonardo
Cantero10. Ellos dos son las propuestas que entran en el marco de
PhotoEspaña08, que tiene como temática El Lugar, en el MNCARS.
Contenido: Robert Smithson. Hotel Palenque 1969 – 1972 -> Es una

instalación, compuesta por 31 diapositivas en color y una grabación que
recoge una conferencia impartida por Robert Smithson en la Universidad
de Utah a estudiantes de arquitectura. Tiene una duración de 45’.

9 Estas exposiciones contribuyen, según Borja-‐Villel, “a integrar cada vez más la
fotografía” en la colección de la institución y a “reivindicar a estos autores, conservando

y manteniendo sus archivos”
10 Según Sergio Mah, comisario general de PhotoEspaña ’08, nos dice que entre el
trabajo de Smithson y el de Cantero hay puntos de conexión, ya que ambos proponen
trabajos de “documentación fotográfica”.
15
Leonardo Cantero -> Compuesta por cuarenta fotografías de una
selección de las más de 400 que fueron donadas por la familia del artista
al Reina Sofía en 2005.
Obras que se exponen:
Hotel Palenque: es parte del resultado de una expedición al Yucatán en

1969 de Robert Smithson, en la cual realizó varios trabajos: happenings,
textos, fotografías de “incidents of Mirror-Travel in the Yucatan” y una
presentación de diapositivas del hotel en el que se hospedaban, “Hotel
Palenque”, las expuestas en esta muestra. Cuando tres años más tarde
presentó las fotografías en una conferencia en la Universidad de Utah,
logró identificar la edificación del Hotel con las ruinas prehispánicas
mayas, con su proceso de destrucción y renovación, e incluso por
grabados del propio Piranesi, resaltando elementos constructivos y
decorativos que aludían al arte neoyorkino de los sesenta. Esta obra se
convirtió en un referente de los artistas viajeros, y la posibilidad de captar
una imagen distinta de la generalizada del entorno.
En sus trabajos han persistido las creaciones de enormes dimensiones en

espacios naturales, y un estudio de la relación existente entre la
naturaleza y la intervención humana, así como la energía que las
transforma y unifica. Esta exposición es una muestra de ello.
Leonardo Cantero: Dentro de toda la obra que donó su familia al MNCARS,

esta es una representación de las fotografías que tomó en su finca familiar
La Dehesa del Hoyo, en Sotillo de la Adrada (Ávila), leitmotiv de su
trabajo fotográfico. Aquí está la esencia humana de la influencia que tuvo
de la exposición The Family of Man, nombrada más arriba, y de la cual fue
artífice Edward Steichen, uno de los fotógrafos que también tuvo una
exposición de su obra en el MNCARS por esas mismas fechas.
16
Programa: Se presenta en el MNCARS como parte de su colaboración en
PhotoEspaña ’08.
CATÁLOGO:
Catálogo: Lugar/Place. Catálogo general de PHOTOESPAÑA08, puesto que

no existe un catálogo en solitario de estas exposiciones.
Autores: Los textos principales son escritos por Sergio Mah, Jean-François
Chevrier y Jeremy Millar. El texto que presenta la exposición de Robert
Smithson, es un extracto de su conferencia que dio él sobre el Hotel
Palenque. El texto que presenta la obra de Leonardo Cantero está escrito
por la comisaria de la exposición, Catherine Coleman.
Análisis de los textos: Sergio Mah, nuevo comisario general de

PhotoEspaña’08 escribe “Senses of place”, una introducción al concepto
del “lugar” que es el marco que une todas las exposiciones del
PhotoEspaña’08. Ya nombra a Smithson, uno de los artistas clave de este
festival, y pone en valor ese “lugar” como algo desapercibido que se
convierte en una extensión más del ser humano. Nos habla de la historia
de la fotografía y la predisposición existente a inclinarse asuntos
cotidianos, resaltando en todo momento la importancia de lugar.
Los otros dos textos giran en torno al mismo concepto, desde puntos de
vista diferentes. Por una parte Jean-François Chevrier, historiador y crítico
de arte escribe “El lugar narcisista y la conquista del espacio”, cuyo texto
comienza citando un texto de Ovidio y otro de Baudelaire, separándose ya
de la visión más ilustrativa de Mah, y centrándose en el mito de Narciso
para dar esa visión del “lugar” dentro de la estética y la literatura, un
Lugar como perspectiva, paisaje, espacio. Es poco más o menos una oda
al paisaje.
Por otra parte está Jeremy Millar, artista e investigador en la Ruskin

School of Drawing and Fine Art de la Universidad de Oxford, que nos
presenta el texto Las guías de viaje son inútiles, en el cual nos da una
visión más filosófica, científica, centrándose en el viaje de Smithson al
Yucatán y empezando con una cita del mismo “Todas esas guías son
inútiles”, dijo Tezcatipoca. “Tienes que viajar al azar, como los primeros
17
mayas. Te arriesgas a perderte entre los matorrales, pero es la única
manera de hacer arte”, hablando del papel que el “lugar” ha tenido a lo
largo del tiempo en la filosofía y las artes plásticas, con la importancia del
viaje como fondo.
El texto sobre Leonardo Cantero escrito por Catherine Coleman es un

repaso a la historia de la fotografía española de los años ‘50-‘60 y
particularmente en la fotografía de Cantero, con datos biográficos y
específicos de su obra.
Listado de Medios: El Cultural; Revista de Arte Logopress; Soitu.es;

Artdaily.com; EcoDiario; El Mundo; ABC; El País; 20 Minutos;
ArtSpain.com; Masdearte.com; Telva; La Vanguardia; Arteinformado.com.
Alcance y Conclusión de la exposición: Por una parte las noticias que se

centran en la exposición de Smithson y Cantero dentro del marco de
PhotoEspaña’08 y por otra las que se centran en el festival de
PhotoEspaña’08 y nombran a Smithson o Cantero como muestra de ese
festival.
En El Cultural lo tratan desde todos esos puntos de vista, desde un listado

con las diez mejores exposiciones de PHE08, hasta una entrevista a su
Comisario General. En general se incide más sobre la figura de Robert
Smithson.
Muchas de estas noticias son una transcripción de la redactada por

Concha Barrigós de la agencia EFE. También es destacable la cantidad de
blogs o páginas sobre aficionados de la fotografía que informan de esta
noticia.
ACTIVIDADES EN RELACIÓN CON LAS EXPOSICIONES:
Encuentros PHE. Debates en torno a la fotografía. – Serie de conferencias

que hablará sobre el futuro de la fotografía. Director: Joan Fontcuberta.
Fechas: 5, 6 y 7 de junio de 2008.
18
Campus PHE. – Talleres y seminarios de fotografía impartidos en Aranjuez
durante el mes de junio.
Descubrimientos PHE. – Exposición de 70 nuevos valores en la fotografía.
La Noche de la Fotografía – En el Barrio de Las Letras de Madrid el 13 de

junio. Con PhotoMaratón, proyecciones y música en directo.
Festival Off – Diferentes galerías de arte de Madrid exponen sus

propuestas fotográficas durante el tiempo que dura PhotoEspaña.
19
TÍTULO: Javier Riera. Noche Áurea.
AUTOR: Javier Riera.
FECHAS: 12 de junio de 2008 – 8 de septiembre de 2008
LUGAR DE EXPOSICIÓN: Edificio Sabatini. Planta 0, Sala “Espacio Uno”.
COORDINACIÓN: Amelie Aranguren
BIOGRAFÍA / TRABAJO DEL ARTISTA: Javier Riera. (Avilés, Asturias.

1964). Estudió Bellas Artes en Salamanca, completando su formación con
talleres en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Docente desde 2005 en la
Universidad Francisco de Vitoria. En su obra, generalmente usa la pintura,
y no la fotografía como soporte. Lleva exponiendo desde 1993, tanto en
exposiciones colectivas como individuales y su obra siempre ha estado
relacionada con la naturaleza, ya sea en su etapa con la pintura, en la
cual convocaba la unión de una naturaleza exterior con una naturaleza
interior, como con la fotografía, en la cual hace una investigación sobre
diferentes aspectos del paisaje proyectando sobre la naturaleza formas de
naturaleza geométrica y relacionadas con contenidos simbólicos.
Asunto: Es una exposición fotográfica que muestra una simbiosis entre el

paisaje, la luz y la simbología de la naturaleza revelada a través de
intervenciones con luz y geometría, realizadas directamente sobre el
paisaje. Es un proceso que Riera comienza con la elección del lugar donde
va a proyectar esas imágenes de luz. Una vez la oscuridad engulle el
paisaje, proyecta las formas geométricas, superpone paisaje y geometría,
paisaje y luz, que se solapan, acontecen a la vez, dando todo un
significado simbólico a su obra. El nombre de “Noche Áurea” hace
referencia al número áureo (o divina proporción) presente en muchas de
esas geometrías y a la luz dorada que predomina en las proyecciones.
Contenido: La exposición la integran 8 cajas de luz y 15 fotografías sobre

papel con un tamaño que no excede los 70x70 cm.
20
Programa: Pertenece al ciclo de proyectos: “Producciones” del Reina
Sofía, un ciclo de proyectos específicos a cargo de artistas nacionales e
internacionales.
CATÁLOGO:
Autores: El texto lo escribe Andrés Barba (Madrid, 1975). Novelista,

ensayista y fotógrafo.
Análisis de los textos : Es un catálogo pequeño con un único texto de

Andrés Barba, pero que recoge lo esencial de esta apuesta fotográfica,
donde habla de la experiencia estética, de la luz y del paisaje, tres pilares
fundamentales en la obra artística de Riera, ya sea en pintura o fotografía.
Se trata de una reflexión sobre la naturaleza de la luz, que da vida al
objeto que ilumina, propiciando una realidad no dada a ser visible, en este
caso un paisaje que en la mayoría de los casos se aparece cuando estas
luces de formas geométricas se proyectan sobre él.
Para dar veracidad a lo que dice se apoya en la importancia del paisaje a

través de la historia desde una perspectiva sagrada y filosófica, hablando
en el fondo de cómo Riera al intervenir el paisaje estaría acariciando los
límites del Land Art.11
RELACIÓN DE LA EXPOSICIÓN CON EL TRABAJO DEL ARTISTA:
Es una oportunidad para Javier Riera esta exposición, ya que su trabajo

suele estar siempre relacionado con la pintura. En realidad, lo que hace es
cambiar el método de exposición, aunque no se separa de su filosofía
artística y su ahondamiento en el paisaje en toda su obra.

11 “La luz aquí no sólo ilumina el paisaje, sino que lo penetra, abre pasillos en los
bosques, recorta contra el cielo los extremos de los árboles haciéndoles adquirir formas
geométricas o cristalizadas, el paisaje es aquí por primera vez intervenido.” Andrés
Barba.
21
Listado de Medios: La Voz de Asturias, Soitu.es, 20 Minutos, Lne, El

comercio, Guiarte, Guía del Ocio, El Punto de las Artes, ABC MADRID360,
El Cultural, ABCD.
Alcance y conclusión: Se dan eco de esta exposición los medios culturales,

como reseñas en publicaciones como 20 Minutos o Guía del Ocio,
presentándolo como actividad cultural a la que poder asistir. En su
mayoría reproducen las palabras de Andrés Barba.
En El Comercio entrevistan a Javier Riera y da una visión más personal de

su exposición, aportando datos nuevos a los del catálogo. Es también
Rocío de la Villa en El Cultural quien hace una reflexión más profunda de
esta exposición, aludiendo a trabajos anteriores y a las declaraciones del
propio Riera.
RECORRIDO DEL ARTISTA A PARTIR DE ESA EXPOSICIÓN: Después

de montar esta exposición para el MNCARS, la presenta en 2010 en la
Capilla de la Trinidad del Museo Barjola en Gijón, Asturias, con el nombre
“Secuencias”.
22
TÍTULO: Edward Steichen. Una epopeya fotográfica.
AUTOR: Edward Steichen.
FECHAS: 24 de junio – 22 de septiembre de 2008
LUGAR DE EXPOSICIÓN: Edificio Nouvel.
COMISARIADO: William A. Ewing, Todd Brandow y Nathalie

Herschdorfer. Coordinación: Lucía Ybarra.
ITINERANCIA: Jeu de Paume, París, Francia (9 de octubre de 2007 – 30

de diciembre de 2007) - Musée de l’Elysée, Lausana, Suiza (17 de enero
de 2008 – 23 de marzo de 2008) - Palazzo Magnani, Reggio Emilia, Italia
(12 de abril de 2008 – 8 de junio de 2008)
BIOGRAFÍA / TRABAJO DEL ARTISTA: Edward Steichen (1879 –

1973), nacido en Luxemburgo pero emigró pronto con su familia a
Estados Unidos, desde donde desarrolló su carrera, concretamente en
Nueva York. Desde el pictorialismo, pasando por las vanguardias con las
imágenes comerciales, tocó diferentes áreas de fotografía, géneros:
retratos, desnudos, paisajes rurales y urbanos, bodegones y flores,
fotografía documental, fotoperiodismo, teatro y danza, fotografía de
guerra… Seguir a Steichen es seguir en sí misma la historia de la
fotografía y descubrir a una mente inquieta que declaró: “la fotografía es
ridículamente fácil e imposiblemente difícil”.
Considerado “inventor” de la fotografía moderna, comenzó como pintor

antes que fotógrafo, y una vez en la fotografía se interesó por la corriente
pictorialista. Junto a Stieglitz,12 quien quiso hacer progresar la fotografía
americana para colocar al nivel de la europea, fundaron el grupo Photo-
Secession, la revista Camera Work (como vehículo de difusión del grupo)

12 Alfred Stieglitz, puente entre las prácticas pictorialistas y documentales del siglo XIX y
la modernidad del XX, declaró: “La belleza es mi pasión; la verdad, mi obsesión.” Y sólo
unos años más tarde radicalizaría esta máxima asegurando que “la función de la
fotografía no consiste en ofrecer placer estético sino en proporcionar verdades visuales
sobre el mundo”. – Joan Fontcuberta; El beso de Judas. Fotografía y verdad. pág. 12.
23
y la Galería 291 en su antiguo estudio de la Quinta Avenida. Uso pionero
de la fotografía en color, antes de que su uso comercial se generalizara.
En la Primera Guerra Mundial hizo fotografías de reconocimiento aéreo, y

fue ya en 1923 cuando abandonó definitivamente la fotografía pictorialista
y entró en contacto con la moda gracias los trabajos que realizó para el
grupo editorial Condé Nast, quien agrupaba la revista Vogue y Vanity Fair.
Fue en esta etapa de su vida, la etapa de entreguerras, cuando se daría
más a conocer al ser el retratista de grandes estrellas de la época, y al
mismo tiempo las críticas por compañeros de profesión al considerar que
lo que estaba haciendo ya no era arte. Pero la verdad es que creó
innovaciones en la fotografía publicitaria, adoptando un estilo modernista
que animó a otros fotógrafos de Estados Unidos a acercarse a estilos más
europeos.
Con la Segunda Guerra Mundial tuvo un papel de “fotoperiodista

incorporado”, trabajando para la marina de Estados Unidos y produciendo
material a favor de los aliados. Después de la guerra comenzó otra etapa
para él, en este caso como director del departamento de fotografía del
MoMA, donde cabe destacar la exposición que hizo en 1955 The Family of
Man (hoy en día en Luxemburgo), la exposición más vista en directo de la
historia con más de 9 millones de visitantes y la única exposición incluida
en el registro de la Memoria del Mundo de la UNESCO: “Un proyecto
escenográfico colosal que más que ningún otro, centró el significado de la
fotografía en la disposición de las imágenes más que en la producción de
las mismas”.13
La técnica que utilizó para las fotografías en su carrera, fueron procesos

de revelado, monocromo y color, fotomontajes, fotomurales e incluso una
fotoescultura: una representación tridimensional.

13 Olivier Lugon, “Edward Steichen, escenógrafo de exposición”. Catálogo de la exposición.
Pág 270.
24
Asunto: Es la primera retrospectiva europea tras su fallecimiento. Es una

exposición itinerante que llega a Madrid tras estar en París, Suiza e Italia.
Esta exposición del MNCARS se complementa de forma paralela con la

exposición del Museo del Traje, “Edward Steichen, fotografía de moda. Los
años de Condé Nast, 1923-1937”, coorganizada con la Foundation for the
Exhibition of Photography y el Museo de Elyseé de Laussane.
Contenido: Casi 300 fotografías originales que se completan con material

documental: catálogos de exposiciones, maquetas, copias de revistas
Vogue y Vanity Fair. Se expone a modo de instalación, recreando los
distintos ambientes de los diferentes periodos y épocas de Steichen.
CATÁLOGO:
Autores: Todd Brandow y William A. Ewing son quienes conforman el

catálogo. El catálogo intercala imágenes con textos, empezando por una
introducción de Ewing (conservador, director del Musée de l’Elysée en
Lausana), y siguiendo por autores Ronald J. Gredim (investigador y
escritor sobre las exposiciones de Stechein), Catherine Coleman (Primera
conservadora jefe de Fotografía del MNCARS) y Pamela G. Roberts
(experta sobre la fotografia pictorialista) para hablar de su Etapa de
Pictorialista, Simbolista. En cuanto su Etapa Modernista los textos son
escritos por Patricia Johnston (escritora sobre fotografía y profesora de
arte en Massachusetts), T. Steichen (la viuda del fotógrafo), Oliver Lugon
(profesor de historia y estética del cine en la universidad de Lausana,
especialista en historia de la fotografía), y A.D. Coleman (crítico,
historiador y conservador).
Análisis de los textos: Hay una gran preocupación en general por la

documentación (todos los textos llevan notas), e incluso por la
demostración de que los textos están escritos por especialistas ya sea de
la fotografía en general o relacionados con Steichen, y por ello en la parte
final del mismo catálogo presenta a cada uno de los escritores de los
textos. Los textos diferenciados por sus dos grandes etapas fotográficas
(Simbolista, Modernista), se complementan unos a otros.
25
En la primera parte, los textos de Ronald J. Gredrim se pierden quizás
demasiado en la anécdota y en un estilo melindroso a la hora de hablar de
su fotografía, que se contrasta más por la claridad con la que presenta
Catherine Coleman esta primera etapa del artista. El texto de Pamela G.
Roberts trata sobre el color y va parejo con el segundo de Ronald J.
Gredrim sobre la luz, hablando en ambos de su etapa de aprendizaje, de
sus pequeños avances, perdiendo de cierta forma la rigurosidad que se
vende desde el catálogo. En cambio, me parece más interesante desde el
punto de vista formativo, el texto de Patricia Johnston sobre su época
modernista, hablando tanto de su fotografía como del contexto de la
época. También destaco el último texto de A.D. Coleman, que hace un
repaso a toda su carrera y nos da también el punto de vista de sus
detractores.
Listado de Medios: Revista de arte, Arte Y Parte; Emilianet; Yo Dona;

Dominical; Guía del Ocio; Babelia de El País; Negocio; Yahoo Noticias; El
Mercurio de Chile; ABC; DEIA; Diario de Noticias; Diario de Sevilla; El
Correo Gallego; El Mundo; Cronicamadrid.com; La Opinion A Coruña; La
Razón; Público; Latercera.cl; La Opinión de Tenerife; Diario de Mallorca;
El periódico de Aragón; La Rioja; La Voz de Cádiz; Sur de Málaga; 20
Minutos; Diario de Burgos; Diario Palentino; Diario de Ibiza; Actualhoy
Granda Hoy; La Tribuna de Albacete; La Tribuna de Ciudad Real; El
Cultural; Faro de Vigo; Hoy Mujer; Estrella Digital; Metro; Mujer Hoy; El
Economista; Diario de Arousa; Galicia Hoxe; Vogue; Nuevo Estilo;
Woman; Ronda Iberia; Madriddiario.es; El Punto de las Artes; Hoy, diario
de Extremadura; La Voz Digital de Cádiz; Interviú, El Correo, Territorios;
OK!; Nortecastilla.es; ABCD; GARA; Descubrir el Arte; La Vanguardia;
ABC MADRID 360; ON Madrid; Marie Claire; Metropoli; Casa Viva;
Alcance y Conclusión: La exposición tiene un alcance internacional, con

menciones incluso en el extranjero (México o Chile), y el listado de
periódicos provinciales es extenso. También es destacable que se hacen
eco de esta exposición las revistas de moda, como Yo Dona, Vogue o
26
Dominical, aunque simplemente aprovechen para hablar de la faceta de
fotógrafo de moda y la exposición pase a un segundo plano.
Muchos de estas publicaciones son reseñas o muestran la noticia escrita

por Mila Trenas de la agencia EFE. Todas en general insisten la
importancia de Stechein en el arranque de la fotografía moderna.
Destacables son las noticias de Babelia escrita por Amelia Castilla, donde
además de dar una información muy completa y de referirse a los textos
del catálogo, presenta la opinión de Horacio Fernández, profesor de la
universidad de Cuenca. Tanto El Cultural (Elena Vozmediano), como
Madriddiario (Ana Narbón), La Vanguardia (Rocío de la Villa) o Descubrir
el arte (Javier Pérez Segura) dan una visión más personal de la
exposición, dentro de los datos objetivos de la misma.
Destaca entre todos el artículo de Javier Montes, que titula “El anticristo
de la fotografía”, por la visión nueva que ofrece y el estilo con que lo
narra. Dentro de una leve sátira se pone en la piel por un momento de los
detractores de Steichen, criticando sus fotografías.
Los días 26 y 27 de junio se organiza un Simposio internacional: “Steichen

y sus contemporáneos”, con la participación de Ian Wallace, Enrique Leal
o José María Mellado, entre otros, para analizar las aportaciones de
Steichen a la fotografía.
27
TÍTULO: Alberto García Alix. De donde no se vuelve.
AUTOR: Alberto García Alix
FECHAS: 4 de noviembre de 2008 – 23 de febrero de 2009.
LUGAR DE EXPOSICIÓN: Edificio Sabatini. 3ª planta.
COMISARIADO: Nicolás Combarro. Coordinación: Rafael García.
BIOGRAFÍA / TRABAJO DEL ARTISTA: Alberto García-Alix nació en

León en 1956, aunque al trasladarse pronto a la capital con su familia,
será uno de los que mejor atestigüen el Madrid de los años ‘80 a través de
la fotografía. Su relación con la fotografía comienza pronto, montando un
pequeño laboratorio con un fotógrafo aficionado amigo suyo. En sus
primeras fotografías retrata el entorno inmediato, con una mirada muy
personal y ya en los años ‘70 y ‘80 fue representante de los cambios
sociales y culturales de su entorno con una fotografía de autor, llamado
“el fotógrafo de la Movida” fue representante de la llamada “Movida
Madrileña”, sobre todo por el valor testimonial de sus fotografías, de
retratos de personas que no sobrevivieron a ese fenómeno cultural. Como
dice el propio García-Alix: “Todos sabemos que una colección de
retratados es una colección de futuros cadáveres, pero siempre queda ese
anhelo de presencia porque siempre hay detrás un fotógrafo y un ojo que
ve esa escena”.
Ya cerca de los años ’90 se centra en una fotografía más trabajada, en

cuanto a composición y originalidad, llegando a ser Premio Nacional de
Fotografía en 1999. En 2003 y a causa de una hepatitis que le hizo
exiliarse a París durante tres años, su fotografía siguió evolucionando a
una imagen más psicológica y abstracta.
Asunto: Se trata de una exposición que nace a través de un texto

elaborado por el propio García-Alix que se convierte en vídeo para la
muestra: “De donde no se vuelve”. Este vídeo se convierte en eje
narrativo de la exposición, pues reflexiona sobre su obra a través de un
viaje de recuerdos, unos recuerdos que se complementan con una
28
selección de heterogéneas fotografías suyas captadas entre 1976 y 2008 y
presentadas en diferentes formatos. Alrededor de 50 obras son fotografías
de época, tanto sus primeras fotografías presentadas en negativo de
35mm como las de los años 80’ y 90’ en formato medio, siendo el resto
son piezas de nueva producción, distanciándose de las primeras porque
son fotografías más introspectivas, una exposición narrada en primera
personas y rozando la abstracción en la representación de paisajes,
personajes y esencias de la propia vida. Según Nicolás Combarro: “No se
trata de un trabajo retrospectivo, sino introspectivo. Un viaje entre
presente, pasado y destino. Una reflexión vital sobre la fotografía”.
Contenido: Una pieza audiovisual (vídeo hilo conductor y pieza

documental referida a la vida y obra del artista grabada mientras se
preparaba la muestra) y una serie fotográficas de 200 fotografías. La
muestra es comisariada por Nicolás Combarro, fotógrafo y ayudante de
García-Alix los últimos años.
RECORRIDO DEL ARTISTA A PARTIR DE ESA EXPOSICIÓN:
Presente en PHOTOESPAÑA ’12 -> air_port_photo, organizada por la

Fundación Aena, que reunirá en el Real Jardín Botánico-CSIC trabajos de
Helena Almeida, José Manuel Ballester, Alberto García-Alix y Chema
Madoz, entre otros.
CATÁLOGO:
Autores: César Antonio Molina y Manuel Borja-Villel (Ministro de Cultura y

Director del Reina Sofía, respectivamente) en las introducciones del
catálogo. Jenaro Talens con “Ninguna esperanza que me detenga”, Anders
Petersen con “Una manera de esconder y proteger” y Nicolás Combarro
con “Un viaje sin retorno” y Alberto García-Alix con “De donde no se
vuelve”
Análisis de los textos: El texto fundamental de este catálogo se trata de la

narración de Alberto García Alix “De donde no se vuelve”, ya que es el
guión que sirve en la pieza audiovisual que da el hilo narrativo a toda la
exposición. Este texto, recuerda al artículo de Roland Barthes “La Cámara
29
lúcida”, por la insistencia en torno al tema de la captación de la muerte,
por trasladar la ‘naturaleza trágica’ de la fotografía en sus muestras.
Respecto a los otros textos, el de Anders Petersen, fotógrafo, aporta poco
al catálogo, es una opinión personal de su fotografía en la que comparte
la visión de García-Alix (no hay más que comparar los documentos
fotográficos de ambos artistas). Más interesantes son los textos de Nicolás
Combarro, dirigido directamente al espectador y establecido, eso sí,
dentro del discurso fotográfico del propio García-Alix, aunque sobre todo
el más completo es el texto de Jenaro Talens que trata el cruce entre la
imagen y la narración, aportando una base teórica a toda su obra, al
mismo tiempo que nos conduce por la biografía del fotógrafo.
En todo momento, y como es lógico ya que se trata de los textos que

acompañan al catálogo, se hace una defensa a ultranza de la fotografía de
García-Alix a lo largo del tiempo, cuando posiblemente sea de esos
artistas que sigan teniendo importancia hoy día por una etapa en la que
destacaron, en este caso el de la Movida Madrileña. Si García-Alix no
hubiese sido parte importante dentro del reflejo o documentación de
aquellos años y aquellos personajes, más allá del tipo de su fotografía, su
trabajo actual no tendría el mismo interés.
Listado de Medios: La Razón; MAN; WOMAN; Mujer Hoy; Babelia; El

Dominical; Magazine de El Mundo; El País On Madrid; El Punto de las
Artes; ABCD Las Artes y Las Letras; AR; Yo Dona; Vogue; Gentedigital.es;
Soitu.es; Leonoticias.com; La Vanguardia; La Opinión de Tenerife; La
Gaceta; Diario de León; El Mundo; Público; Diario de Pontevedra, Diario
de Sevilla, El correo de Andalucía; El Correo; El Periódico de Catalunya; La
Opinión A Coruña, 20 Minutos; La Tribuna de Albacete; Heraldo de
Aragón; Granada Hoy; Diario Palentino; Lavozdeaviles.es; ecodiario.es;
Diario de Valladolid, El adelantado de Segovia; Metro; Málaga Hoy,
Tiempo; El Duende; ADN; El Cultural; El Mercurio Digital; ABC MADRID
360; La voz de Galicia; Diario de Ibiza; Osaca; El País; Revista ARTE;
30
revistadearte.com; La Opinión de Zamora; Lápiz, Revista Internacional de
Arte; Álbum Letras-Artes; El Faro de las Letras.
Alcance y Conclusión de las notas de prensa: Al ser uno de los fotógrafos

clave españoles más representativos del siglo XX, el alcance ha sido
inmenso tanto en prensa escrita como en televisión o radio, con difusión
en informativos o magazine. Pero destaco los artículos más importantes
en prensa que se han dedicado a este fotógrafo, dentro de la enorme
variedad de medios que lo han tratado. A pesar de que dentro de la
exposición hay una mínima representación de su época de los ochenta, a
Alberto García-Alix se le sigue presentando como aquel fotógrafo de ‘La
Movida’. Hay muchos artículos firmados, a comparación con otras
exposiciones, no es simplemente una noticia repetida una y otra vez, pero
pocos de estos artículos aportan una mirada nueva o novedosa sobre este
fotógrafo, son es su mayoría una repetición de las palabras del comisario
o del propio García-Alix. También en muchos de ellos es el propio
fotógrafo quien concede entrevistas, y él mismo quien habla de la época
de los 80 o 90 sin incidir más allá de su obra fotográfica.
Es quizás Fernando Castro Flórez, crítico de arte y profesor de la

universidad autónoma de Madrid, quien le da más importancia y es más
majestuoso en sus halagos sobre el fotógrafo, a mí parecer demasiados.
En El Cultural, al contrario que en el resto, se le alaba más por sus
últimas fotografías por encontrarlas más artísticas y menos “documento
sociológico”. Hablando de la relación con la muerte, destaco el artículo de
Antonio Muñoz Molina de El País.
El Diario de León, por ser el artista de nacimiento leonés, no deja

mencionar esta muestra durante el tiempo que dura la exposición, ya sea
con reseñas o con artículos.
Encuentro con García-Alix y Nicolás Combarro. Donde abordarán temas

relacionados con la exposición y su trayectoria fotográfica. 7 de
noviembre de 2008 en el Auditorio 200.
31
TÍTULO: ZOE LEONARD. Fotografías.
AUTOR: Zoe Leonard.
FECHAS: 2 de diciembre de 2008 – 16 de febrero de 2009
LUGAR DE EXPOSICIÓN: Edificio Sabatini, Planta 3.
COMISARIADO: Organización: Fotomuseum Winterthur (Suiza) –

Concepto Original: Urs Stahel. Comisariado: Lynne Cooke. Exposición
organizada por el Fotomuseum Winterthur, Winterthur, Suiza.
Coordinación: Therese Seeholzer (Fotomuseum Winterthur) y Amelie
Aranguren (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía)
ITINERANCIA: Fotomuseum Winterthur, Zúrich, Suiza (1 de diciembre

de 2007 – 17 de febrero de 2008). Museum Moderner Kunst Stiftung
Ludwig Viena, Austria (4 de diciembre de 2009 - 7 de marzo de 2010).
BIOGRAFÍA / TRABAJO DEL ARTISTA: Zoe Leonard (1961, Nueva

York). Empezó a tomar fotografías ya con quince años. Su fotografía es un
“testimonio” de la sociedad y de su entorno. Comenzó con fotografías en
su mayoría de paisajes, hasta que en los años ’90 se implicó en
movimientos activistas contra la crisis del SIDA, lo que la llevó a tomar
una visión de la fotografía más comprometida. Su primera exposición en
solitario fue en 1991 en California, exponiendo ya al año siguiente en su
ciudad natal, Nueva York. Su carrera no ha parado desde entonces y en el
2012 sigue con exposiciones en solitario, ya en Europa con Milán y
Londres. La muestra del Reina Sofía fue la primera retrospectiva mundial
de la artista.
Fue en 1992 cuando se dio a conocer mundialmente gracias a exhibición

de arte contemporáneo Documenta IX, para la cual fotografió y mostró los
genitales de sus amigas como forma reivindicativa del papel de la mujer
en el arte y los museos, afrontando su perdida individualidad a lo largo de
la historia del arte.
Destacable es también en su obra la creación de Analogue que presentó

en el Documenta XII de Kassel y adquirida por el Reina Sofía tras la
exposición de 2008, una muestra de 400 fotografías de su barrio natal en
32
Nueva York, en las que documenta la pérdida de lo particular a favor de
una globalización mundial, creando una crítica hacia la sociedad capitalista
que parte desde Estados Unidos. En estas fotografías se ha relacionado su
vertiente fotográfica con Eugène Atget y a la fotografía como documental.
Destaca también, Zoe Leonard, por la técnica que usa en su fotografía,

que se caracteriza porque no las retoca nunca, pero las trabaja durante
mucho tiempo para conseguir el resultado final que desea, copiándolas en
distintos tamaños y papeles, recurriendo en ocasiones a procesos de
impresión casi obsoleta, con diferentes productos químicos y exposiciones.
Asunto: Primera retrospectiva mundial. Llega al MNCARS tras estar en

otros museos europeos.
Contenido: muestra una representativa selección del trabajo fotográfico

de la artista en 160 obras, desde los años 70 hasta el 2008 (fecha de la
exposición), incluyendo su última y nueva obra Analogue que la autora
exhibió en la Documenta 12 de Kassel 2007, en la que prevé tres
formatos: el libro, la instalación y una carpeta de dye transfers, cuya
estructura crea un diálogo.
Obras que se exponen: Varias series, entre ellas: Analogue; Untitled

(Trees + Bags); Tree + Frence: Strange Fruit; Bear Head On Ground; o
Nest.
Lectura de las obras: A través de sus fotografías, Zoe Leonard nos

muestra su visión del mundo y hace una reflexión y crítica en torno a la
globalización, el trato de lo urbano frente a la naturaleza, la cotidianidad y
la decadencia de la civilización. Para Zoe Leonard las fotografías muestran
nuestra esta historia, y esa historia somos nosotros mismos, es un reflejo
de lo que somos, de lo que hacemos, pero también es una reflexión sobre
cómo encontrar una forma de vivir en el mundo de hoy día, sobre todo
con su última serie Analogue.
33
CATÁLOGO:
Autores: El catálogo tiene diversos textos, cada uno de ellos escrito por
una persona diferente, entre los que se encuentran: César Antonio Molina
(Ministro de Cultura), Manuel Borja-Villel, Urs Stahel, Elisabeth Lebovici,
Svetlana Alpers, Lynne Cooke, y Zoe Leonard.
Análisis de los textos: En el catálogo se intercalan imágenes y textos.

Tanto César Antonio Molina como Manuel Borja-Villel hacen una
introducción a su obra en sus textos, hablando de la evolución de sus
fotografías y dejando ver la admiración por esta fotógrafa.
El texto de Urs Stahel es más ilustrativo. Desglosa cada una de las series
representadas en esta exposición, analiza y compara con diferentes
corrientes artísticas, incidiendo además en la técnica y el tipo físico de la
fotografía. Se nota conocer a fondo de la obra. En cambio se expresa de
diferente forma Elisabeth Lebovici, cuyo texto es una nueva versión de su
prefacio para el catálogo de Zoe Leonard, Epaces d’Espèces, del Centro
Nacional de la Fotografía de París de 1998. Da una visión más subjetiva,
personal a la obra. Svetlana Alpers habla directamente de Analogue,
incidiendo en una comparación con Eugène Atget que recogen más
entendidos.
Por último la transcripción de una conversación entre Zoe Leonard y

Lynne Cooke, viejas conocidas del mundo del arte contemporáneo, sobre
la serie Analogue mientras la estaba realizando. Interesante desde el
punto de vista de que son palabras de la propia Zoe Leonard hablando de
sus propias fotografías y de las influencias de los distintos fotógrafos tanto
en su etapa en blanco y negro como en su etapa en color, sobre el porqué
elige unas cosas y no otras, e incluso qué espera de todo ello. Casi
complementando este texto continúa el siguiente, Fuera del tiempo, un
extracto de October Magazine escrito por Leonard en 2002 y se ha
incluido en el catálogo. Sirve como final para todos estos textos, que en
general se centran más en su última serie, comentando casi de pasada
todo su trabajo anterior a pesar de ser una exposición retrospectiva de
toda su obra.
34
Listado de Medios: Revista de Arte: Arte y Parte; Guía del Ocio; Man; Elle;
ElleDeco; AutoPasión; Revistadearte.com; LaOpiniondeZamora.es;
Adn.es; Alerta: El Periódico de Cantabria; EcoDiario.es; DiarioSur.es; La
Razón; La Gaceta; Galicia Hoxe; LaOpinion.es; ArteSpain.com; Diario de
Noticias; 20Minutos; Fotografías.net; QUÉ; El País; ABC; El Cultural;
Público; ABCD; MCU; Guía del Ocio de Madrid, extra; Salonkritik.net; El
País; Citizen K España; Revista de Arte; Hoyesarte.com; GARA, La
Vanguardia; Mía; ABC Madrid360; Noticias Médicas; MASARTE; kultur-
online.net.
Alcance de la exposición: Desde octubre de 2008 hasta marzo de 2009.

Esta exposición tiene un amplio alcance informativo, desde el Ministerio
de Cultura hasta breves reseñas en revistas que nada o poco tienen que
ver con el arte o la fotografía.
Conclusión Notas de Prensa: Entre toda estas noticias de prensa se

pueden dividir entre las que son simples reseñas (AutoPasión, MAN, QUE,
La Opinión, ABCD, Público, Guía del Ocio, MÍA), los que dedican un poco
más de espacio a la noticia sin llegar a ser un reportaje, y usan además la
misma información recibida de la agencia EFE escrito por Mila Trenas,
como en ADN, La Opinión de Zamora, La Razón, Galicia Hoxe o La
Opinión, donde cogiendo o quitando extractos, la información es la
misma.
Después están también los artículos escritos especialmente para esta

exposición, en los cuales ya no se basan en información de otros, sino que
son los mismos periodistas los que hablan de la obra de Zoe Leonard.
La prensa que lanza estos reportajes son El País, El Cultural (de Elena
Vozmediano, que escribirá sobre otras exposiciones y además de
información añade comentarios sobre la museografía de la exhibición),
también en la web de Hoy es arte con Manuel Antón haciendo una lectura
de sus obras, e incluso en Gara en el Suplemento, incidiendo sobre la
técnica fotográfica.
35
Encuentro con Zoe Leonard - miércoles 3 de diciembre a las 19:30. Salón

de actos de Sabatini con Lynne Cooke.
36
TÍTULO: The Atlas Group (1989-2004). Un proyecto de Walid Raad.
AUTOR: Walid Raad
FECHAS: 3 de junio de 2009 – 31 de agosto de 2009.
LUGAR DE EXPOSICIÓN: Edificio Sabatini, 4ª Planta (Zona B)
COMISARIADO: Sergio Mah. Coordinación: Carolina Bustamante

Gutiérrez.
BIOGRAFÍA / TRABAJO DEL ARTISTA: Walid Radd (Líbano, 1967). Es

un artista contemporáneo y profesor asociado de arte en la Cooper Unio
(Nueva York), y es considerado uno de los artistas más influyentes del
Medio Oriente. En sus trabajos incluye vídeo y fotografía, así como
instalaciones de técnica mixta, performance y ensayos literarios. Su
trabajo se centra en los acontecimientos recientes del Líbano, jugando con
la realidad y la ficción. Comienza en 1987 el archivo Sweet Talk, un
archivo fotográfico de Beirut sobre diferentes aspectos arquitectónicos de
la ciudad. Su trabajo gira en torno a The Atlas Group, que realmente se
trata de un colectivo ficticio, pues el único representante del mismo es
Walid Raad. Éste es uno de sus últimos trabajos, y lo llevó a cabo entre
1999 y 2004. Su último proyecto lleva por nombre Scratching on Things I
Could Disavow, y se trata de una historia del arte en el mundo árabe de
2008 al presente.
Sus trabajos han sido expuestos en Documenta XI (Kassel), la Bienal de

Venecia (Venecia), la Bienal de Whitney (Nueva York), el Festival Ayloul
(Beirut, Líbano), entre otros.
Asunto: The Atlas Group documenta y reflexiona sobre la estructura y el

valor de la historia contemporánea, teniendo como objetivo documentar
esta historia en el marco de la guerra civil del Líbano, desde un punto de
vista de la censura y sus conflictos por la guerra civil (1975-1991). En
este trabajo se reúne documentos cuya autenticidad y autoría es siempre
puesta en duda. Mezcla la ficción con lo documental con el objetivo de
buscar una representación de la guerra de un modo distinto a lo habitual.
37
Se desarrolla dentro de la sección de PhotoEspaña ’09 en el que el tema
central de este año es “Lo Cotidiano”, centrándose en producciones
recientes y también mostrando momentos históricos en que la conexión
entre lo fotográfico y lo cotidiano adquieren una particular importancia.
Contenido: Es una instalación compuesta por ocho series fotográficas,

cada una de ellas con más de 150 imágenes, algunas de gran formato. El
archivo está dividido en tres secciones: Tipo A: los archivos con autor,
tipo FD: los archivos encontrados y tipo AGP: las producciones del grupo
Atlas.
Lectura de las obras: Todas estas obras muestran la vida cotidiana del
Líbano, pero puesto que no todas son veraces, incita a la reflexión acerca
de cómo una historia puede ser contada, a la vez que construida,
demostrando que cuando la historia se levanta sobre un contexto real es
fácil dar veracidad a cualquier conclusión. Usa la fotografía de un modo
aparentemente documental, jugando con la veracidad que aún desprende
la imagen fotográfica.
Proyecto al que pertenece: Se incluye dentro del Festival Internacional de

Fotografía y Artes Visuales PhotoEspaña 2009.
CATÁLOGO:
Catálogo: Lo Cotidiano. PhotoEspaña 2009. Catálogo oficial de

PhotoEspaña 2009. El catálogo también presente en el Reina Sofía es de
una exposición anterior de 2007 (está en alemán e inglés).
Autores: Sergio Mah con Sentidos de lo cotidiano, José Manuel Cuesta

Abad con La mirada del día a día, Christoph Ribbat con Manténgase
alejado de las hélices en todo momento: fotografía, vida diaria y la
‘William Eggleston’s Guide’, y David Campany con El día a día de ayer y
retrato del trabajo. El texto dedicado a presentar The Atlas Group está
escrito por Nuno Crespo.
Análisis de los textos: Sergio Mah nos habla de la importancia de ‘Lo

cotidiano’ en la vida contemporánea, como reflexión sobre tendencias
actuales en la cultura y artes visuales. Es una defensa al tema genérico
38
elegido para PhotoEspaña 09, que no está relacionado realmente con la
obra de Walid Raad. En general, ninguno de los textos principales se
centra en la obra de Raad, sino que hablan de la historia del
fotoperiodismo. Son textos que bien valdrían ser utilizados en cualquier
otro contexto, pues ‘Lo cotidiano’ se refiere a cualquier cosa y los textos
servirían como introducción a exposiciones fotográficas de aspecto
documental, ya traten o no de ‘Lo cotidiano’.
El único texto dedicado a Walid Raad, como presentación a la exposición,

aporta algo más en cuanto a la dimensión social de la obra de The Atlas
Group. Es casi la visión más interesante que se da de esta exposición, ya
sea comparada con la introducción del Museo Reina Sofía o los artículos
de prensa.
Listado de Medios: ABCD; Europa press; nuevaalcarria.com; terra.es;

Metro; Exit Express; La Voz de Cádiz; Ideal Granada; abc; Logropress; El
economista; El País; Guía del Ocio; Ecodiario; El Mundo; Artdaily.org; El
cultural; El periódico de Málaga; Adn; El Mundo M2; Arte Y Parte;
Alcance y Conclusión de la prensa: ABCD escrito por Miguel Cereceda es

una reflexión sobre la veracidad fotográfica y el “amargo efecto de la
realidad” que tiene en nosotros dependiendo de lo que plasme. Es de los
pocos que habla directamente de Walid Raad y de The Atlas Group, junto
con Batriz Pulido en El Mundo M2, la Revista de arte, Arte y Parte, en los
que profundizan más, y como noticia destacada en La Voz de Cádiz, Ideal
Granada y El Economista. El resto habla o en general de PhotoEspaña 09
o centran su atención en Dorothea Lange.
Como en cada exposición que participa en el festival de PhotoEspaña, el

listado de prensa no sólo refleja los medios que han tratado esta
exposición en solitario, sino todos aquellos que nombran a PhotoEspaña
09.
39
La Noche de la Fotografía: 12 de junio.
Seminarios de Campus PHE.
Campus PHE Edición de libros: Centor de Arte Dos de Mayo (CA2M)
Ciclo de cine: Filmoteca Española.
40
TÍTULO: Manhattan, uso mixto. Fotografía y otras prácticas artísticas
desde 1970 al presente.
AUTORES: Alvin Baltrop; Bernd y Hilla Becher; Dara Birnbaum; Jennifer

Bolande; Stefan Brecht; Matthew Buckingham; Tom Burr; Roy Colmer;
Moyra Davey; Terry Fox; William Gedney; Bernard Guillot; David
Hammons; Sharon Hayes; Peter Hujar; Joan Jonas; Louise Lawler; Zoe
Leonard; Sol LeWitt; Glenn Ligon; Robert Longo; Vera Lutter; Danny
Lyon; Babette Mangolte; Gordon Matta-Clark; Steve McQueen; John
Miller; Donald Moffett; James Nares; Max Neuhaus; Catherine Opie;
Gabriel Orozco; Barbara Probst; Emily Roysdon; Cindy Sherman; Harry
Shunk & Janos Kender; Charles Simonds; Thomas Struth; James Welling;
David Wojnarowicz; Christopher Wool.
FECHAS: 9 de junio de 2010 – 27 de septiembre de 2010
LUGAR DE EXPOSICIÓN: Edificio Sabatini, 4ª Planta (zonas, B, C, D, E y

F)
COMISARIADO: Lynne Cooke y Douglas Crimp. Coordinación: Rafael

García.
BIOGRAFÍAS / TRABAJOS DE LOS ARTISTAS: Alvin Baltrop: Nueva

York 1948 – 2004. Fotógrafo estadounidense famoso por retratar el
mundo marginal del West Side (prostitución masculina, drogas, violencia)
en la década de los setenta. El valor documental de sus fotografías se ha
comparado con las de André Kertész o Merry Alpern.
Bernd y Hilla Becher: Bernd (1931-2007); Hilla (1934). Son dos

fotógrafos alemanes conocidos por sus series de imágnes de edificios
industriales en los que examinan sus similitudes y diferencias entre la
estructura y la apariencia.
Dara Birnbaum: (Nueva York 1946). Su carrera comenzó en la década de

los setenta. Estudió arquitectura y urbanismo, pero su trabajo lo centró en
el videoarte, con la repetición de imágenes interrumpidas por texto y
música. También es conocida por formar parte del movimiento de
feminista.
41
Jennifer Bolande: (Cleveland, 1957). Su trabajo destaca desde la década
de los ochenta con la búsqueda de la materialidad en la fotografías:
esculturas fotográficas y fotografías escultóricas que hacen uso de
aspectos olvidados de la vida cotidiana.
Stefan Brecht: (1924 – 2009). Poeta y crítico. Su familia huyó de los nazis
en Alemania hacia Estados Unidos. Dentro de sus escritos están una
colección de poemas sobre Nueva York, llegando a acompañarlos con
fotografías realizadas por él de la Octava Avenida.
Matthew Buckingham: (Iowa 1963). Multidisciplinar. Actualmente vive y

trabaja en Nueva York. Su trabajo trata de explicar cómo nos
relacionamos con nuestro pasado y la relación que experimentamos con él
en el presente. Buckingham tuvo una exposición individual en el Reina
Sofía en el 2009 con “Representantes del tiempo”14
Tom Burr: (1963). Es un artista conceptual cuya obra se basa en Nueva

York. Su arte abarca la instalación, la fotografía, la escultura y el dibujo.
Data sobre la arquitectura de referencia y el espacio público, así como los
problemas sociales que lo rodean.
Roy Colmer: (Londres, 1935). Se mudó a Estados Unidos en 1966. De los

sesenta a los setenta se dedicó a la pintura, hasta que a mediados de los
setenta empezó a experimentar con el cine y la fotografía, sobre todo con
la fotografía callejera.
Moyra Davey: (Toronto, 1958). Vive y trabaja en Nueva York. Fotografía

objetos familiares y cotidianos: monedas, estantes de cocina, agujas,
pilas de libros… Las huellas de la vida del día a día, intentando evocar así
nuestros pensamientos y experiencias recientes.
Terry Fox: (1943 - 2008). Estadounidense, fue un artista del arte

conceptual, de vídeo y perfomance. Le fue diagnosticado a los diecisiete
años la enfermedad de Hodgkin, lo que dio lugar a ciclos artísticos
referidos a esta enfermedad.

14 En este mismo trabajo, página 70.
42
William Gedney: (1932 – 1989). Sus fotografías documentan desde la
década de 1950 hasta la década de 1980. Fotografió a lo largo de Estados
Unidos, India y Europa. Sus temas americanos incluyen viajes en
carretera, Nueva York, Manhattan, Brooklyn; Hippies en San Francisco,
compositores o manifestaciones homosexuales.
Bernard Guillot: (1950). Aunque nació en Suiza y estudió Bellas Artes en

París, viajó por toda Europa y Estados unidos. Desde los setenta mantiene
su estudio en el Cairo, ayudando a construir vínculos culturales entre
Egipto y Francia.
David Hammons: (1943). Artista afro-americano conocido sobre todo por

sus trabajos sobre la ciudad de Nueva York durante la década de los
setenta y los ochenta. La mayoría de su trabajo refleja su compromiso
con los derechos civiles, en el que el fin es hacer una reflexión sobre la
cuestión de la esclavitud y la resistencia.
Sharon Hayes: (Baltimore, 1970). Hayes trabaja la performance, el vídeo

y la instalación, en la creación de situaciones dramáticas que expone
fricciones entre las actividades y las acciones colectivas de carácter
personal. Esta artista ha sido objeto de una exposición individual en el
Reina Sofía como parte del programa de PhotoEspaña 201215.
Peter Hujar: (1934 – 1987). Fotógrafo americano conocido por sus

retratos de personas, animales y paisajes en blanco y negro. Fue una
figura dentro del grupo de artistas de la vanguardia cultural de la ciudad
de Nueva York de la década de los setenta y ochenta.
Joan Jonas: (Nueva York, 1936). Pionera del videoarte y la perfomance,

así como una de las artistas femeninas más importantes que surgieron a
finales de los sesenta y principio de los setenta.
Louise Lawler: (Nueva York, 1947). Fotógrafa estadounidense. Desde

finales de 1970 en adelante su trabajo se ha centrado en fotografiar obras
de arte de otros lugares y el contexto en el que se sitúan, como imágenes

15 En este mismo trabajo, página 72.
43
de cuadros colgados en las paredes de un museo. Se le puede vincular
con artistas como Cindy Sherman y Barbara Kruger.
Zoe Leonard: (Nueva York, 1961). Fotógrafa americana que basa su

trabajo en la ciudad de Nueva York. El Museo Reina Sofía dedicó en 2008
una exposición individual sobre su trabajo16.
Sol LeWitt: (1928 – 2007). Artista neoyorquina, ligada a varios

movimientos, incluyendo el arte conceptual y minimalista. Sus obras
comprenden trabajos en dos y tres dimensiones, desde pinturas murales a
fotografías, así como dibujos y estructuras.
Glenn Ligon: (Nueva York, 1960). Artista conceptual cuyos trabajos

exploran las razas, el lenguaje, el deseo, la sexualidad y la identidad, a
través de la pintura, el vídeo y la fotografía. Vive y trabaja en Nueva York.
Robert Longo: (Nueva York, 1953). Se formó para ser escultor, por ello
sus retratos tienen una línea distintiva que crea la ilusión de que están en
3D. Saltó a la fama por su serie fotográfica de los ochenta “Men in the
Cities”, en las cuales hombres y mujeres vestidos de forma elegante
saltan y se retuercen, captando el movimiento.
Vera Lutter: (Alemania, 1960). Se trasladó a Nueva York en 1991 y

estudió en la Escuela de Fotografía de Artes Visuales. Su fotografía se
inspira en la presencia de la ciudad, la luz y la arquitectura. A través de
una gran cámara oscura, la artista logra imágenes en blanco y negro a
gran escala.
Danny Lyon: (Nueva York, 1942). Escritor, cinematógrafo y fotógrafo

documentalista americano. Considerado como el fotógrafo más influyente
del llamado “Nuevo Periodismo”17

16 La ficha sobre la exposición “Zoe Leonard. Fotografías” que se encuentra en la página
28 de este trabajo.

17 El “Nuevo Periodismo” es una corriente periodística que se inició en los albores de
1969 a raíz de la publicación del libro A sangre fría de Truman Capote. Consiste en
emplear recursos literarios para la producción de informaciones más personales, lo que
44
Babette Mangolte: (Francia, 1941). Fue una de las primeras mujeres
reconocidas en el programa cinematográfico de la Escuela Superior
fundada por los hermanos Lumière. Se trasladó a Nueva York tras filmar
sus primeros trabajos como directora de fotografía en los setenta, donde
empezará a documentar la escena artística neoyorquina del momento. Su
obra ha abarcado el cine documental, la performance, fotografía y el
ensayo.
Gordon Matta-Clark: (Nueva York, 1943 - 1978). Artist, de padre

surrealista chileno Roberto Matta, exploró diferentes modos de
intervención arquitectónica en su obra. Trabajó de 1970 a 1978 sobre los
cambios económicos, sociales, culturales y políticos que dejó la crisis de
los sesenta, con herencia del pop, el minimalismo y conceptualismo.
Buscó en la arquitectura espacios internos más allá de la geometría
construida.
Steve McQueen: (Londres, 1969). Cineasta, fotógrafo y escultor británico.

El primer film de McQueen con sonido fue Drumroll, rodado sobre las
calles de Manhattan.
John Miller: (1931 – 2002). Artista inglés, famoso por su representación

de escenas de playa en su casa del condado de Cronwall. Durante la
década de 1970 emergió como figura cultural en Cronwall.
Donald Moffett: (Texas, 1955). Profesor adjunto de la Escuela Superior de

Arte de la Universidad de Yale. Desde 1980 ha sido un exponente de arte
político. Activista contra el SIDA, sus preocupaciones versan entre las
complejidades de las políticas de identidad y la sexualidad humana.
James Nares: (Londres, 1953). Vive y trabaja en Nueva York desde 1974.
Sus obras más relacionadas con la pintura, parodian el gesto
expresionista abstracto de la década de los sesenta.
Max Neuhaus: (Texas, 1969). Pionero de las instalaciones sonoras, en los

que juega con el espectador en una suerte de participación involuntaria.

supone una renovación en las formas de narración de reportajes, crónicas y entrevistas.
Se sitúa dentro del contexto de los cambios sociales y culturales de la época.
45
Realizó una famosa pieza en Nueva York con sonido, Times Square, en el
que el zumbido constante se mezcla con el ritmo de la ciudad.18
Catherine Opie: (Ohio, 1961). Fotógrafa estadounidense especializada en

temas de fotografía documental, con los que investiga aspectos de
comunidad a través de retratos individuales y en grupo. Cómo las
identidades son formadas por la arquitectura circundante.
Gabriel Orozco: (Xalapa, 1962). Artista plástico mexicano. Multidisciplinar.

Es considerado uno de los diez creadores más importantes e influyentes
del mundo. Vive entre Nueva York y París. Desde los años noventa, su
trabajo respondió a los distintos contextos y situaciones que se
encontraba en los espacios públicos de cualquier sitio. Lo cotidiano, lo
insólito.
Barbara Probst: (Munich, 1964). Fotógrafa. Vive y trabaja entre Nueva

York y Munich. Usa diferentes puntos de vista en sus imágenes, así que
en vez de dirigir al espectador a una sola imagen, lo hace a una secuencia
que provoca una perspectiva múltiple. Hace dudar de la verdad asociada a
la fotografía clásica y evita la narración continua de la obra.
Emily Roysdon: (1977). Artista multidisciplinar y escritora. Completó sus

estudios en el Whitney Museum en 2001 y UCLA en 2006. Sus vídeos han
sido galardonados y ha desarrollado el concepto de “resistencia estática”
para hablar de lo imposible y lo imaginario en la política.
Cindy Sherman: (Nueva Jersey, 1954). Fotógrafa, artista y directora de

cine. Es conocida sobre todo por sus autorretratos conceptuales en los
que cambia su aspecto para dar a las fotografías apariencia
cinematográfica y estética propios del cine negro.
Harry Shunk & Janos Kender: Harry (1924 – 2006), Janos (1937 – 1983).
Shunk realizó en los sesenta, una serie de imágenes recreando un salto

18 Un vídeo sobre esta obra se puede ver en su página web: http://www.max-‐
neuhaus.info/audio-‐video/audio-‐video.htm. Una de las entrevistas del vídeo es a Lynne
Cooke cuando trabajaba para el Dia Center for the Arts.
46
desde una ventana que aseguró haber ejecutado con anterioridad. Quiso
crear su propio “documental”, en un gesto dirigido al público.
Charles Simonds: (Nueva York, 1945). Creador de una civilización

imaginaria en miniatura que llama Little People, que comenzó a principios
de los setenta en los barrios de Manhattan del Lower East Side y Soho.
Describe sus viviendas como “metáforas mixtas de paisaje, el cuerpo, la
casa y el crecimiento”.
Thomas Struth: (Geldern, 1954). Fotógrafo alemán. Conocido por sus

paisajes urbanos vacíos (en los setenta), retratos familiares (a mediados
de los ochenta), naturaleza salvaje (en el 2000) y personas en museos
(también en los últimos años). Recibió clases de Bernd y Hilla Becher,
también presentes en la exposición.
James Welling: (Connencticut, 1951). Se especializa principalmente en la

realización de vídeos, aunque ha experimentado con una variedad de
técnicas fotográficas. En 1978 se trasladó a Nueva York y durante la
década de los ochenta trabajó en series de fotografías abstractas.
David Wojnarowicz: (1954 - 1992). En Nueva York estudió y vivió en los

setenta prostituyéndose en las calles. Durante los 70 y 80 hizo películas
relacionadas con la heroína, una serie de fotografías de Arthur Rimbaud y
expuso su obra en reconocidas galerías de East Village. Este artista tiene
conexión con otros artistas de la época, como Peter Hujar.
Christopher Wool: (Chicago, 1955). Reside en Nueva York. Desde la

década de los ochenta, su práctica artística se ha relacionado con ideas
post-conceptuales.
Asunto: Es una exposición sobre los usos e imágenes tomadas en Nueva

York, desde principios del periodo de desindustrialización y abandono de
finales de la década de los sesenta19, cuando el espacio urbano se

19 Fue un momento en el que se emprendió en Nueva york un programa de demoliciones
apoyado por el gobierno. Abarcó más de veinticuatro mil hectáreas del llamado
downtown.
47
transformó sustituyendo barrios enteros, hasta trabajos muy recientes
pero conscientes del trabajo de sus predecesores en cuanto al potencial
estético del mismo. Desde fotografía de Peter Hujar, hasta los más
recientes proyectos fotográficos de Zoe Leonard de finales de los noventa
en adelante20.
Contenido: Más de 400 obras, entre las que hay: series fotográficas,
videoinstalaciones y películas, como las de Andy Warhol y Peter Hutton.
Lectura de las obras: “Manhattan, corazón de nueva York, es capaz de

reinventarse para no dejar de ser nunca un icono del ser humano: de su
facultad para transformar el mundo, pero también de su soledad. Siempre
a la vanguardia, pero con una extraña capacidad para mantener las
esencias”21.
Si pertenece a algún proyecto especial: Pertenece al ciclo de exposiciones

dentro del festival de PhotoEspaña 2010. Siendo la edición XIII de PHE
representa también con él, el fin de ciclo de Sergio Mah22. Tema: “El
Tiempo”: la naturaleza, lo efímero, la inestabilidad de las obras y su
temporalidad, la especulación histórica, el archivo, la experiencia
individual y colectiva y la articulación entre lo fotográfico y otras prácticas
de la imagen.
Relación de la exposición con los trabajos de los artistas: Todos los

artistas viven, han vivido o tienen relación directa con la ciudad de Nueva
York, así como sus obras, casi todas de formato fotográfico y enmarcadas
en la década de los setenta y ochenta.

20 Dichos proyectos fueron expuestos en la Exposición Retrospectiva que presento en
Museo Nacional Reina Sofía entre las fechas de 2 de diciembre de 2008 y 16 de febrero
de 2009. En esa exposición plasma la sustitución de las pequeñas tiendas familiares por
las grandes cadenas comerciales.
21 Palabras de Eduardo Lago en El País Semanal que condensa muy bien el sentido de
esta exposición.
22 Comisario general de PhotoEspaña durante los años 2008, 2009 y 2010. Le sustituye
como comisario general para los próximos tres certámenes el comisario e historiador de
arte Gerardo Mosquera.
48
CATÁLOGO:
Autores: Lynne Cooke con Del lugar al no-lugar: Introducción a

Manhattan, uso mixto; Douglas Crimp con Acción más allá de los
márgenes; Juan A. Suárez con Estilos de ocupación: Manhattan en el cine
y vídeo experimental, de los años setenta al presente; David Wojnarowicz
con Cuando las formas se pierden en la oscuridad ; Johanna Burton con
Nueva York, junto a sí misma; Lytle Shaw con Amenazas de derribo:
intervenciones en nombre de la ciudad; Glenn Ligon con Breve historia de
la vivienda en Nueva York.
Análisis de los textos: Douglas Crimp, Glenn Ligon, aprovechan sus

propias historias personales en el Nueva York de la época de los setenta
para contextualizar las obras de esta exposición. Johanna Burton también
lo hace, pero en una época más actual y a través de las sensaciones del
11 de septiembre.
Me ha parecido interesante el texto de Wojnarowicz, por su escritura

surrealista, que a la vez enmarca literariamente su fotografía.
Lytle Shaw junto a Lynne Cooke son los que aportan el contexto más
historiográfico a las muestra de esta exposición. Los que más se acercan
de una forma más objetiva a la finalidad formativa de la muestra.
Listado de Medios: Exist Express; El Mundo; ABC; La Gaceta; Revista de

Arte Logopress; ABC de Sevilla; Lne.es; Canarias al día; Público; El
confidencial; La Razón; El Faro de Vigo; ADN; Europa Press; Tribuna de
Salamanca; Hoyesarte.com; Vanity Fair; ArsMagazine.com; El País
Semanal; Arqa.com; Guiarte; El Cultural; On Madrid; Todo-arte.es; Guía
del Ocio; El Diario Montañés Sotileza; A Babol; Trazos; La Verdad de
Murcia; Las provincias de Valencia; El Mundo; Agencia EFE; El País
Madrid; La Vanguardia; Diario Vasco; Correo Gallego; Diario de Ibiza;
Diario de Noticias; El día de Córdoba; Huelva Información; QUE;
Supertele; ABC Madrid360; artecontexto.com; La Voz de Cádiz; Ideal
Granada; Sur Málaga; El Correo Vizcaya; La Verdad Alicante; La Verdad
La Rioja; ABC Cultural; Culturamas.
49
Alcance y Conclusión de la prensa: Todos destacan que las series que
vertebran la exposición son: las fotografías nocturnas de Peter Hujar de
1976 en el West Side de Manhattan, los muelles del río Hudson de Alvin
Baltrop (entre 1975 y 1985) y los trabajos de David Wojnarowicz:
Rimbaud in New York de 1978-1979.
Las noticias de varias publicaciones como Lne.es, Canarias al día, Revista

de arte Logopress, Diario Vasco, Correo Gallego, etc, están escritas por la
Agencia EFE, ya sea de Mila Trenas o Manuel Carretero. También hay otro
artículo sobre PhotoEspaña que se repite, en este caso escrito por Gerardo
Elorriaga que se publica en diferentes diarios de Valencia, Murcia, A Babol
o Trazos.
Pedró Vallín para La Vanguardia destaca que esta exposición no sólo se

inscribe en el discurso de PhotoEspaña, sino de hecho, y como bien es
verdad, en el discurso del Reina Sofía. En ese mismo sentido escribe otro
artículo Xavier Antich, relacionando esta exposición con las reflexiones de
Borja-Villel sobre su replanteamiento de la política de exposiciones
temporales.
De nuevo es Elena Vozmediano la que destaca en su crítica, en este caso

en su valoración museográfica, en el que Hujar, en su opinión, tienen una
presencia desmedida, al igual que Zoe Leonard.
Seminario y ciclo de Cine “Acción tras los márgenes”: 9 al 24 de junio de

2010. Auditorio del Edificio Sabatini.
50
TÍTULO: Jean-Luc Mylayne: Trazos del cielo en manos del tiempo.
AUTOR: Jean-Luc Mylayne
FECHAS: 18 de noviembre de 2010 – 4 de abril de 2011
LUGAR DE EXPOSICIÓN: Palacio de Velázquez (Parque del Retiro)
COMISARIADO: Lynne Cooke. Coordinación: Verónica Castillo.
BIOGRAFÍA / TRABAJO DEL ARTISTA: Jean-Luc Mylayne nació en

1946 en Marquise, Francia. Licenciado en filosofía, se dedica al mundo de
la fotografía desde 1976, momento en el que decidió recorrer Francia para
tomar fotografías junto a su pareja Mylène Mylayne, aunque en la última
década se ha trasladado a Estados Unidos con el objetivo de realizar un
proyecto sobre los azulejos norteamericanos. Para él la fotografía es un
medio para poder contar la verdad.
Es habitual en Mylayne el interés por los lugares mundanos, familiares,

por ambientes rurales (particularmente ranchos y tierras de cultivo),
jardines, parques y bosques. Las especies que retrata no son exóticas,
sino cercanas. Una de las características que define a este fotógrafo es el
tiempo. La paciencia y la dedicación que destina a cada imagen. Como
bien se dice de él, es un “narrador de historias”.
Aunque hay pocos textos dedicados a Mayleyne y la mayoría de sus

exposiciones han sido en Francia, también ha logrado exponer en el
Museo de Arte Americano de Houston, en la Henry Art Gallery de la
Universidad de Washington, o el Museo de Arte Contemporáneo de
Cleveland, entre otros. Así como en Berlín, Londres y Bruselas.
Asunto: Se trata de la primera exposición que se realiza en España de

este artista, en este caso se ha realizado a través de una retrospectiva de
su trabajo durante treinta y cinco años que lleva realizando su práctica
artística. Aunque claramente hace una descripción del mundo a través de
51
sus fotografías de pájaros, no es una fotografía documental23. La mayor
parte de sus fotografías muestras a un solo pájaro como protagonista de
la composición, y en un entorno que es siempre un lugar en los que el
impacto de ser humano sobre el paisaje es evidente.
El lugar elegido para esta exposición no podía haber sido más idóneo, el
Palacio de Velázquez en el parque del Retiro, un lugar rodeado de
naturaleza en plena ciudad de Madrid, un encuentro entre el hábitat
animal y humano, un lugar de reflexión al igual que sus fotografías.
Contenido: Con dos muros paralelos divide en dos el edificio. En la galería

central once fotografías de un total de ochenta, de las cuales todas las
obras son copias únicas.
Lectura de las obras: Hay muchas lecturas diferentes de sus obras, pues
no se quedan en la mera fotografía de la naturaleza y las cuestiones
formales, sino que tienen una trascendencia metafísica, como bien apunta
Lynne Cooke. Es una visión sobre el ciclo de la vida y de la muerte, una
reflexión sobre el aspecto terrenal al que estamos conectados como parte
de la naturaleza.
CATÁLOGO:
Autores: Lynne Cooke con Jean-Luc Mylayne: entre el cálculo y la

eventualidad, Matthew S. Witkovsky con Baile lento y Javier Montes24 con
Nombres de pájaros: el pájaro y Jean-Luc Mylayne: Lo escrito hacia lo
eterno, 1977.
Análisis de los textos: Como es habitual en Lynne Cooke, el texto muestra

una cercanía respecto a la figura del artista, que hace conectar
personalmente con la obra. Compara el trabajo de Mylayne con el de Jeff

23 Para considerar una fotografía como documental no solamente tiene que hacer una
descripción del mundo, sino comunicar un mensaje de un hecho concreto. Según Walker
Evans, el estilo documental “contrariamente al arte, debe servir a un fin”. El
fotoperiodismo. Pierre-‐Jean Amar.
24 Javier Montes es escritor y crítico de arte. Matthew S. Witkovsky es director del
Departamento de Fotografía del Art Institute de Chicago.
52
Wall25: “Mi trabajo ha consistido en rechazar el papel de testigo, de
fotógrafo, pues cosifica el modelo de la fotografía al enmascarar los
impulsos y sentimientos del creador de la imagen” o “la poética o la
productividad de mis trabajos se halla en la escenografía y composición
pictórica”. Con esta última frase se puede enlazar con los textos del
propio Jen-Luc Mylayne, ya que sus escritos están en forma poética,
relacionando la lírica de su fotografía con su escritura.
En cuanto al texto de Witkovsky, es casi una continuación del de Lynne

Cooke, pero sin las anécdotas propias de Cooke. Habla sobre la filosofía
de sus composiciones, relacionándolo con Proust y comparándolo con la
fotografía de Henri Cartier-Bresson. Javier Montes por el contrario escribe
casi una historia dirigida a un amigo, al mismo tiempo que echa un
vistazo a los treinta años de fotografía de Mylayne.
Listado de Medios: Hoyesarte.com; madridfree.org; europapress.org;

thecult.es; Más de arte; El País; Revista de Arte Logopress; Revista de
Arte; El Cultural; Público; Hola; ABC.
Alcance y Conclusión de la prensa: El alcance en prensa es aceptable,

sobre todo para una exposición que aunque pertenezca al Reina Sofía no
se expone en el museo propiamente dicho. La mayoría son noticias de
prensa, sobre todo en periódicos relacionados con la ciudad de Madrid,
algunos de ellos como en Hola o Retirohoy.com lo señalan como
actividades que se pueden hacer dentro del Parque del Retiro. De los más
interesantes aunque tampoco aporten una visión nueva sobre el artista,
es el artículo de Elena Vozmediano para El Cultural.

25 Fotógrafo canadiense, representante del llamado fotoconceptualismo, cuyas
composiciones fotográficas son extremadamente cuidadas y premeditadas.
53
TÍTULO: Dorit Margreiter. Descripción.
AUTOR: Dorit Margreiter.
FECHAS: 12 de enero de 2011 – 25 de abril de 2011
LUGAR DE EXPOSICIÓN: Edificio Sabatini, 3ª planta.
COMISARIADO: Lynne Cooke.
BIOGRAFÍA / TRABAJO DEL ARTISTA: Nace en Viena en 1967,

estudiando Artes Aplicadas en la misma ciudad. Además de artista
también es profesora de vídeo e instalación en la Akademie der Bildenden
Künste, curadora, escritora y diseñadora gráfica. Su primera exposición
fue en 1993 “Mein Schlafzimmer in Prag”, aunque sus exposiciones
individuales más destacables son las realizadas en el MAK – Center for Art
and Architecture de Los Ángeles, en la Galerie für Zeitgenössische Kunkst
de Leipzig y en el Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig de Viena.
Su actividad se relaciona con el movimiento de una generación de artistas

austríacos, que a partir de la condición específica del medio artístico,
meditan sobre los sistemas prevalecientes de representación y
comunicación en el arte desde principios de la década de los 90, así como
hacen una reflexión sobre la historia reciente y el peso político de la
modernidad.
Asunto: Con esta exposición el Museo Reina Sofía inicia su temporada

2011. Es la primera exposición individual de esta artista en España, y no
sólo trae piezas realizadas durante diez años, sino además algunas piezas
que han sido creadas especialmente para la exposición.
Contenido: La muestra reúne cuatro instalaciones fílmicas: Zentrum

(2004-2010); Angeo View Drive (2004); Poverty Housing mericus Georgis
(2008) y Pavilion (2009), además de series de fotografías y cuatro piezas
54
móviles de metal que recuerdan irremediablemente a las obras de
Calder26.
Lectura de las obras: Es una reflexión en torno a los límites y la relación

de la arquitectura con el imaginario cultural colectivo, sobre la
preservación histórica y la deconstrucción del edificio en la actualidad,
sobre los vínculos económicos y sociales en los que se ve envuelta la
arquitectura. De qué manera nos relacionamos con el mundo construido y
el entorno. Margreiter quiere subrayar cómo la fotografía fue el medio por
el que muchas de estas casas lograron subsistir.
CATÁLOGO:
Como motivo de esta exposición se ha editado el catálogo: Dorit

Margretier. Descripción.
Autores: Los autores27 son Penelope Curtis con Nombrar las partes, André
Rottman con El artista como topólogo. Apuntes sobre la obra de Dorit
Margreiter y Lynne Cooke con Descripción.
Análisis de los textos: Lynne Cooke habla en su texto de la obra de

Margreiter a lo largo de su carrera y particularmente de sus obras. Su
razonamiento en torno a la figura de Margreiter no dista mucho de la
versión oficial de la artista. Lo enlaza más con un debate sobre la
conservación de la arquitectura moderna, que al contrario que Penelope
Curtis, es la única que relaciona la obra de vídeo de Margreiter con las
fotografías de Walker Evans sobre la Gran Depresión americana,
relacionando la fotografía de Margreiter con la fotografía más documental

26 Una de las obras principales obras que el Reina Sofía adquirió de Alexander Calder,
Carmen, se exhibe en el jardín del museo desde 1992. Durante el tiempo que duró esta
exposición, fue visible desde las ventanas de la misma sala expositiva dejando clara la
analogía entre ambas obras.
27 Penelope Curtis es conservadora de arte y escritora, especializada en el arte y
arquitectura en la Europa del periodo de entreguerras. Conoció personalmente a Dorit
Margreiter en el año 2000, siendo conservadora en el Henry Moore Institute de Leeds.
André Rottmann es historiador y crítico de arte, con distintas publicaciones
especializadas en el campo del arte moderno y contemporáneo.
55
de los años ‘30 americana, quizás excediéndose al tratar de proporcionar
una función social y pública a la que Margreiter no acaba de llegar. El
texto de André Rottmann es bastante parecido al de Lynne Cooke, aunque
desde un punto de vista más relacionado con la práctica artística que con
el análisis de significado.
Listado de Medios: El Cultural; A*Magazine; Terra.es; Más de arte;

turismomadrid.com; madridout.es; Lavozdigital.es; QUE; artdaily.org;
Revista de Arte Logopress; Hechosdehoy.com; lainformación.com; Fiat
LifeStyle; El País; El Mundo; arteinformado.com; EuropaPress;
Alcance y Conclusión de la prensa: En múltiples medios como reseña en

cuanto qué hacer y visitar en Madrid, sobre todo por ser la exposición que
abre la temporada de 2011 en el Reina Sofía. Los medios que lo recogen
como noticia (La Voz Digital, La Información; Hechos de Hoy, entre otros,
son noticias sacadas de la agencia de noticias Europa Press). De los
artículos más completos son los de El País, por Ángeles García así como la
revista A*Magazine, con un artículo escrito por Javier Hontoria. Aunque
ambos van en la misma dirección de lo ya dicho sobre la artista, son los
que más ahondan en su trabajo y en cómo lo presenta para la exposición
del MNCARS.
Encuentro con Dorit Margreiter: La artista conversará con Sabeth

Buchmann, historiadora del arte y profesora en el Instituto de Teoría del
Arte y Estudios Culturales de la Academia de Bellas Artes de Viena y
Lynne Cooke. Fecha: 12 de enero a las 19:30h. Edificio Nouvel, Auditorio
200. Entrada gratuita.
56
TÍTULO: Una luz dura, sin compasión. El movimiento de la fotografía
obrera, 1926-1939.
AUTOR: Son múltiples los autores de esta exposición, así como también
hay obra de fotógrafos anónimos. Destacan de entre todos: Max Alpert,
Robert Capa, Eva Besnyö, Henri Cartier-Bresson, Gabriel Casas, Nora
Dumas, John Heartfield, Eugen Heiling, Kata Kálmán, Tina Modotti, André
Papillon, Walter Reuter, José Suárez, Gerda Taro, Ernst Thormann, Edith
Tudor-Hart, Aaron Siskind, Paul Strand.
FECHAS: 6 de abril de 20011 – 22 de agosto de 2011
LUGAR DE EXPOSICIÓN: Edificio Sabatini. 3ª Planta (Zonas D2, E y F)
COMISARIADO: Jorge Ribalta. Coordinación: Patricia Molins, Cristina

Guerras.
BIOGRAFÍA / TRABAJO DEL ARTISTA28:
Tina Modotti: (1896-1942). Fotógrafa italiana. A los 16 años emigró a

Estados Unidos. Fue modelo y actriz hasta que conoció a Edward Weston,
también fotógrafo, con quien se mudó a México, donde realizó gran parte
de su obra fotográfica, sirviendo a la vez de modelo para Diego Rivera. En
todo momento tuvo un compromiso con los más desfavorecidos y con la
izquierda, llegando a ser parte del Socorro Rojo Internacional. En los años
’30 se fue a Alemania y de ahí a la Unión Soviética y a España, entre los
años de la Guerra Civil.
Robert Capa: (1913 – 1954). Nació en Budapest. Su nombre real es André

Friedmann. Está considerado el corresponsal gráfico más famoso de
guerra del siglo XX. Fue exiliado de Hungría por su relación con grupos de
izquierda. En 1936 se traslada a España con su novia, Gerda Taro, para
cubrir la contienda española, donde tomó la fotografía Muerte de un
miliciano, una imagen considerada icono del siglo XX y por ello no exenta

28 Al ser esta una exposición que no se centra en la biografía de los autores, sino en las
personas anónimas fotografiadas y en el contexto histórico en el que se sitúan, redacto
una breve introducción biográfica a los que considero los artífices más destacados por
su importancia dentro de este contexto.
57
de polémica29. En 1947, junto con Henri Cartier-Bresson, Rodger,
Vandiver y David Seymour, fundó Magnum Photos, la primera agencia
cooperativa de fotógrafos independientes.
Henri Cartier-Bresson: (1908 – 2004). Fotógrafo francés, considerado el

padre del fotorreportaje. Descubrió pronto la fotografía, atraído en un
principio por las imágenes de tipo deportivo, trabajando para revistas y
periódicos como reportero gráfico. Fue llamado a filas en 1940 para al
Unidad de cine y fotografía del ejército francés durante la II Guerra
Mundial. Fue el primer fotógrafo en exhibir en el museo del Louvre.
Cofundador de la agencia Magnum Photos. Es conocido también por la
publicación de numerosos libros sobre fotografía.
Edith Tudor-Hart: (1908 – 1973). Nació en Viena y estudió fotografía en la

Bauhaus de Dessau. Activista y comunista, vio en la fotografía la
herramienta para la difusión de sus ideas políticas. Se exilió junto a su
marido a Londres en 1933. Empezó a tomar fotografía de la escena social,
con temas como los refugiados de la Guerra Civil española. A finales de
los 30 se centró más con su fotografía en las necesidades sociales.
Gerda Taro: (1910 – 1937). Alemana de nacimiento pero hija de judíos, lo

que la obligó a exiliarse a París. Su nombre real es Gerta Pohorylle.
Periodista gráfica de guerra, compañera de Robert Capa, murió en la
Guerra Civil Española. Desde 1935 comenzó a trabajar para la agencia
Alliance Photo. Su carrera, aunque corta, define la evolución del conflicto
español.
Asunto: Todo comienzó el 25 de marzo de 1926, cuando la revista

alemana Arbeiter Illustrierte Zeitung, AIZ, publicó una convocatoria
dirigida a fotógrafos amateurs para que retratasen imágenes de la vida
cotidiana proletaria y de las condiciones objetivas del trabajo industrial.

29 Según ciertas opiniones, la fotografía no fue tomada por él, sino por Gerda Taro.
Puesto que ambos nombres son pseudónimos, al principio usaban “Capa” para ambos
reportajes. La diferencia de la cámara, es lo que hace que también se diferencie el autor
de las mismas.
58
Esta convocatoria establecía los parámetros de las futuras aportaciones de
imágenes en cinco puntos: las imágenes debían dar cuenta de los
movimientos revolucionarios entre los trabajadores, de sus condiciones
sociales, de su vida cotidiana, de sus lugares de trabajo y de los nuevos
entornos del trabajo industrial tecnificado30.
Así comienza todo el trabajo fotográfico y documental que se muestra en

esta exposición, que aborda, en tres partes el diálogo de este movimiento.
En una primera zona exponen la dialéctica entre Alemania y la URSS entre
1926 y 1932. La segunda zona muestra la expansión del movimiento por
Europa y Norteamérica entre 1930 y 1935. En la tercera zona se exponen
las experiencias del Frente Popular en Francia y en España en la guerra
civil, incluyendo documentación de esta última y resaltando su dimensión
internacional.
De qué se compone: Más de 1000 fotografías, así como de publicaciones y

diferente documentación.
Proyecto: Esta exposición nace tras el éxito del seminario: El movimiento

de la fotografía borera. Hacia una historia política del origen de la
modernidad fotográfica, impartido en enero del 2010 en el Reina Sofía.
Es la muestra además con la que participa el Museo Reina Sofía en el

festival de PhotoEspaña 2011.
CATÁLOGO:
Autores: Los ensayos corresponden a: Bela Albertini, Szociofotó. La

fotografía obrera de los años treinta en Hungría; Filip Bool, La fotografía
obrera en los Países Bajos; Cristina Cuevas-Wolf, Münzenberg y el
surgimiento de la propaganda comunista en España; Simon Dell, Sobre la
difícil conjunción de los términos “fotógrafo” y “obrero” en Francia;
Duncan Forbes, El movimiento de la fotografía obrera en Gran Bretaña,
1934-1939; Jorge Ribalta, Introducción; Josef Seiter, ‘Der Kuckuck’: la
revista ilustrada moderna de la Viena Roja; Rudolf Stumberger, AIZ y los

30 Introducción de Jorge Ribalta al catálogo, El movimiento de la fotografía obrera
(1926-‐1939). Página 12.
59
fotógrafos obreros alemanes; Anne W. Tucker, Modernidad e izquierda:
Paul Strand y el movimiento obrero de la fotografía y el cine; Mattew S.
Witkowsky, El arte por el trabajo. Lubomír Linhart y la fotografía social
checoslovaca y Erika Wolf, La unión soviética: de la fotografía obrera a la
fotografía proletaria y “Como los Filipov”: Los orígenes extranjeros del
foto-ensayo narrativo soviético.
Análisis de los textos:
El catálogo ha ganado el premio Annual Infinity Award del International

Center of Photography. Y es que más que un catálogo de una exposición,
es una recopilación de Ensayos y Documentos relacionados con la
fotografía obrera. Parte de estos documentos además, son documentos
históricos traducidos por primera vez al castellano.
La publicación sirve de referencia para el estudio del movimiento de la

fotografía obrera y la modernidad fotográfica en general, por lo que no se
trata sólo de un catálogo, sino de un manual fundamental de esta parte
de la fotografía de entreguerras que se había pasado por alto hasta ahora.
Cada ensayo ahonda en la historiografía del país o zona a la que hacen
mención, y con los textos de conferencias o documentos escritos
contemporáneos a las fotografías se complementa el catálogo en sí.
Si hubiese algo que objetar, sería las pocas imágenes del manual, puesto
que al fin y al cabo sigue siendo el catálogo de una exposición donde la
protagonista es la imagen, y sería interesante poder contrastar los textos
con las imágenes de la exposición.
Listado de medios: El Cultural; El País; Público; Masdearte.com; ABC;

Revistaenred.com; Madriddiario.es; Noticias de Álava; QUE; Europa Press;
Larepublicacultural.es; Diariodejerez.com; La Razón; cultura.rtvcyl.es;
azayartmagazine.com; Revista de Arte – Logopress; Noticias de Navarra;
La Vanguardia; El Mundo; Arslatino.com.
60
Alcance y Conclusión de la prensa:
En este caso, y tratándose de fotografía del Movimiento Obrero, muchas

publicaciones de prensa no tratan solamente la exposición, sino que la
usan como un pretexto, no sólo para hablar de política actual (según el
país “La iconografía obrera es una discreta cola del INEM”), sino para
dejar leer entrelíneas el signo político de cada publicación. Es la primera
vez que leo más de un artículo, de una exposición tan imponente, tan
distintos unos de otros, en vez de ser una vez más una repetición de lo
dicho por comisarios o por el director del Reina Sofía. La tristeza
posiblemente venga de que la crítica viene de mano de la ideología
política de la prensa, y no como crítica real a la exposición o al modo de
tratar el periodo histórico que representa. Eso se ve reflejado en que
quien escribe los artículos en esta ocasión, no son los típicos columnistas
de arte de siempre.
Es de nuevo Elena Vozmediano quien critica la exposición en su parte

museográfica (falta de cartelas, o una falta de rigurosidad en la elección
de imágenes que hace que resulten excesivas).
Ciclo de cine: Poéticas de desposesión. Documental proletario. Fecha: 11-

19 de mayo. Hora: 19h. Lugar: Edificio Sabatini, auditorio. Comisariado:
Jorge Ribalta.
Seminario: El movimiento de la fotografía obrera. Hacia una historia

política del origen de la modernidad fotográfica. Fecha: 21, 22 y 23 de
enero de 2010.
Recorrido por la exposición: De mano de Jorge Ribalta. Fecha: 6 de abril.

Hora: 19h. Dentro del programa Relatos de la Colección31.
Proyección y Coloquio: The Forgotten Space. Un ensayo fílmico de Allan

Sekula y Noel Bürch. Fecha: 4 y 5 de mayo. Lugar: Edificio Sabatini.
Hora: 19:30h.

31 Programa de mediación y acercamiento al público respecto a salas de la Colección.
61
TÍTULO: Antoni Muntadas. Entre/Between.
AUTOR: Antoni Muntadas
FECHAS: 23 de noviembre de 2011 – 26 de marzo de 2012
LUGAR DE EXPOSICIÓN: Edificio Sabatini, Planta 4, Sala de Protocolo y

Edificio Nouvel, entreplantas.
COMISARIADO: Daina Augaitis. Coordinación: Soledad Liaño, Cristina

Guerras, Andrea Nacach.
ITINERANCIA: Fundaçâo Calouste Gulbenkian, Lisboa; Jeu de Paume,

París; Vancouver Art Gallery, Vancouver.
BIOGRAFÍA / TRABAJO DEL ARTISTA: Nace en Barcelona en 1942,

pero vive en Nueva York desde 1971. Cursó estudios en la Escuela Técnica
Superior de Ingenieros Industriales de Barcelona.
Es uno de los artistas españoles internacionalmente reconocidos y uno de

los pioneros en el uso del arte conceptual, net art y el media art, debido
en gran parte a su obsesión por explorar las posibilidades de la
tecnología, basando su trabajo en el uso del video, internet u
ordenadores. Trabaja en sus obras temas sociales, políticos y de
comunicación, la relación entre el espacio público y privado, así como la
investigación de los canales de información y su utilización para censurar
información o promulgar ideas.
Fue premio Velázquez de las Artes Plásticas en 2009, Premio Nacional de

Artes Plásticas en 2005 y responsable del Pabellón Español en la Bienal de
Venecia en 2005. Presente en la Documenta VI y X de Kassel. Realizó ya
una intervención en el Reina Sofía en 1988 y también una gran exposición
en el Museo en 1998.
Asunto: Es una exposición que recoge una visión retrospectiva del trabajo
de Antoni Muntadas. Con una estructura en nueve bloques, nos ofrece una
lectura de su trayectoria aunque de una forma no lineal. Se incluyen
desde sus primeras muestras, centras en la experiencia corporal y
62
sensorial, a diferentes piezas autobiográficas, así como sus proyectos más
emblemáticos como son: Exposición-Exhibition (1985-1987), The Board
Room (1987), The File Room (1994) y una selección de su serie On
Translation (1995-2011).
Aunque realmente en esta exposición se centra sobre todo en su trabajo

Situación 2011, un nuevo proyecto realizado específicamente para esta
exposición, en el que habla de la yuxtaposición de espacios entre el
edificio Sabatini y el edificio Nouvel, examinando críticamente esta
ampliación y tomando como partida una intervención que hizo en el
Museo en 1988.
De qué se compone: Se compone de nueve instalaciones que abarcan

nueve áreas temáticas: Microespacios; Paisaje de los media; Esferas de
poder; Territorios de lo público; Espacios de espectáculo; La construcción
del miedo; El archivo y Sistemas del arte.
Lectura de las obras: El trabajo de esta exposición, según el propio

Muntadas se visualiza en cuatro partes, hablando de la idea de
Ampliación, Institución, Arquitectura y Ciudad.
CATÁLOGO:
El catálogo es un compendio bastante amplio de textos, que están

separados por las nueve áreas temáticas de la exposición:
Autores y textos: MICROESPACIOS: Eugeni Bonet, Sensibilidad y

(sub)sentidos Muntadas, de la pintura al alta de actividades; Jo-Anne
Birnie Danzker, De lo privado y lo público en los años de plomo; PAISAJE
DE LOS MEDIA / MEDIA LANDSCAPE: Ina Blom, Los paisajes mediáticos
de Muntadas; Marcelo Expósito y Gerald Raunig, ESFERAS DE PODER: El
método-Muntadas. La corporalidad existencial en un nuevo paradigma
estético; Judith Revel, Muntadas: una ética de lo común; Marc Augé, El
arte de la distancia; ESPACIOS DE ESPECTÁCULO: Simón Marchán Fiz,
Espacios de espectáculos; Iris Dressler, ¿Qué es un estadio? ¿Y dónde
tiene lugar?; ÁMBITOS DE LA TRADUCCIÓN: Emily Apter, El arte de la
traducción de Muntadas: soportes, medios y política; Raymond Bellour, La
mirada, la escucha; LA CONSTRUCCIÓN DEL MIEDO: Octavi Rofes, La
63
traducción ante el muro; Lise Ott, Muntadas / On Traslation. Ética y
estética de una paradoja; EL ARCHIVO: Sven Spieker, Los archivos
entrópicos de Muntadas; Anne-Marie Duguet, Entre el archivo y la
censura. The file Room; SISTEMAS DEL ARTE: Mary Anne Staniszewki,
Enmarcado.
Análisis de los textos: Aunque son bastantes textos, todos se relacionan

entre sí y tienen temas comunes. Unos autores se basan en la carrera
artística de Muntadas: entre este tipo de textos el más completo es el
texto de Mary Anne Staniszewski (Doctora y profesora asociada en el
Rensselaer Polythecnic Institute); otros se dedican a escribir sobre el del
área temática concreta que le han pedido, como Judith Revel o Simón
Marchán Fiz, otros autores sobre las obras enmarcadas dentro del área
temática que tratan, en concreto la obra On Translation, obra con la que
participa en el Documenta X de Kassel, es tratada por varios autores. En
otras ocasiones, son incluso fragmentos tomados de otros catálogos de
otras exposiciones de Muntadas que sirven para aumentar el contenido.
Es un catálogo muy completo, que abarca tanto el contexto de la época a

tratar en cada momento, como los temas de la muestra. También muestra
un análisis de las obras de la exposición.
Listado de medios: ABC; Terra; Guía de Madrid; Europa Press; La Razón;

Revisa de Arte – Logopress; 20 Minutos; Diario de Sevilla; EFE;
Arteenlared.com; Arteshoy.com; A*Magazine; La Vanguardia; El periódico
de Aragón; Vanity Fair; Culturamas.es; El País; Hoyesarte.com;
Lahuelladigital.com; Noticias de Álava; Noticias de Navarra; Público;
arsmagazine.com; Hoymujer.com; Arteinformado.com; El Mundo;
Diariosur.es; Fiat.es.
Alcance y Conclusión de la prensa:
La exposición ha tenido bastante alcance en la prensa, además de que

varios de los medios han hecho su traducción al inglés para llegar a más
gente. De los artículos más completos es el de Arte en la Red,
acompañado de imágenes y desglosando obras concretas del artista.
64
Como complemento, el artículo de Bea Espejo para El cultural, que lo
engloba dentro de una entrevista al propio artista.
Encuentro con Antoni Muntadas: Entre/Between. Fecha: 23 de noviembre

de 2001. Hora: 11:30h. Lugar: Edificio Nouvel, Auditorio 200. Con la
participación además del propio artista, de Daina Augaitis (comisaria),
Enric Franch (diseñador de la exposición), Valentín Roma (comisario
independiente) y Joaquín Vázquez (miembro de BNV Producciones).
Moderado por Jesús Carrillo.
65
TÍTULO: James Coleman
AUTOR: James Coleman
FECHAS: 24 de abril 2012 – 27 de agosto 2012
LUGAR DE EXPOSICIÓN: Edificio Sabatini, Sala A1, Sala de Protocolo y

Sala de Bóvedas.
COMISARIADO: Manuel Borja-Villel. Coordinación: Rafael García.
BIOGRAFÍA / TRABAJO DEL ARTISTA: James Coleman nació en

Irlanda en 1941. Es un artista audiovisual, que se ha dedicado desde
finales de los sesenta sobre todo al cine, video y fotografía. Estudió en la
Escuela de Bellas Artes de París. Actualmente vive y trabaja en Irlanda.
Durante treinta años ha cultivado un género propio que mezcla la
instalación y la representación teatral, el vídeo y el trabajo de actores con
constantes referencias críticas al lenguaje de la cultura de masas.
Ha participado en diferentes Documenta: IX (1992), X (1997), XI (2002)

y XII (2007) y su obra está en centros como el Centro Pompidou de París,
el Museum Ludwig de Colonia, el Irish Museum of Moderm Art de Dublín y
la Fondation Cartier pour l’art contemporain de París, entre otras.
Asunto: Es la primera gran retrospectiva que se realiza de este artista,

comenzado por sus obras de los años sesenta. Esta exposición recorre
desde sus trabajos más tempranos realizados en Milán en los sesenta,
obras de los noventa como Lapsus Exposure e I N I T I A L S o
Photograph, hasta obras más recientes como Retake with Evidence,
presentada en el Documenta XII de Kassel. También estarán piezas que
ya poseía el Reina Sofía, como Clara and Darío, en un formato de
proyección de diapositivas con voz en off grabada. El punto de vista es
esencial en esta exposición para tener una apreciación de la obra, que
finaliza además el recorrido con su última obra de 2007 Retake with
Evidence.
66
De qué se compone: Está formada por 17 obras32 (piezas audiovisuales,
fotografías) que complementan con una selección de documentos y
archivos personales del artista.
Lectura de las obras: Su obra ha sido analizada en su mayoría como

narración de una historia cíclica, de eterno retorno. Cuestiona con su obra
la percepción de la realidad, la representación, la construcción de la
imagen y la identidad. Mezcla realidad y ficción con la idea de que no hay
una verdad única.
CATÁLOGO:
Autores: Cuatro textos principales escritos por Rachel Haidu: Tres obras
tempranas de James Coleman, Rebecca Comay y Michael Newman: El
medio fantasmagórico: Charon (MIT Project) de James Comenan, Georges
Didi-Huberman: Intentar decir o la experiencia para ver y Benjamin
Buchloh con James Coleman: Retake with Evidence.33 Además cada una
de las 49 obras que aparecen en este catálogo se acompaña de un texto,
escritos por: Manuela Ammer, George Baker, Mieke Bal, Lynne Cooke,
Jean Fisher, Luke Gibbons, Frank Gibbons, Kaja Silverman, Michael
Tarantino y Dorothea von Hantelmann.
Análisis de los textos: El catálogo hace un recorrido por toda la trayectoria

artística de Coleman, pues los textos, que son en realidad ensayos, se
centran en la obra de Coleman, pero no desde un punto de vista genérico,
sino cada uno de los autores desgranando las obras más representativas
de Coleman.
En ningún caso se tratan de textos divulgativos dirigidos a la comprensión

de la obra de Coleman por un público amplio, sino textos facultativos
dirigidos a sustentar con base teórica contemporánea sus obras artísticas.

32 Debido a que un gran porcentaje son películas de larga duración, la exposición
requiere dedicar un tiempo largo a su visita.
33 Precedidos como la mayoría de los catálogos, de una introducción del Ministerio de
Educación, Cultura y Deporte, así como de Manuel J. Borja-‐Villel.
67
Listado de Medios: Europa Press; Periodistadigital.com; esmadrid.com;

Hoyesarte.com; El País; Revista de Arte Logopress; madriddiario.es; Guía
del Ocio; El Cultural; El correo; laguiadetuzona.com; ecodiario.es; ABC;
MasdeArte.com; El Diario Montañés; Arsmagazine.com.
Alcance y Conclusión de la prensa: Europa Press recoge las palabras de la

nota de prensa proporcionada por el Reina Sofía, y otra prensa hace lo
mismo. No ha tenido un excesivo alcance informativo, fuera de lo que es
las tradicionales revistas de arte o apartados culturales.
El artículo que destaco entre los demás es el de Javier Montes del ABC,
que junto con el de Bea Espejo de El Cultural son los dos que más
profundizan en la obra de Coleman.
Conferencia: 25 de abril a las 19:30 en el Auditorio 200.
Visita guiada de la exposición por Rachel Haidu: 26 de abril a las 19:30.
68
Otras exposiciones fotográficas
Puesto que como ya comenté en la introducción, las exposiciones que se

limitan solamente a la fotografía son escasas, y por ello hoy día entran
dentro de un abanico mucho más amplio compuesto no sólo de fotógrafos
sino también de vídeoartistas o de artistas que dentro de una gama
amplia de disciplinas incluyen la imagen para representar su obra. Por
ello, hay exposiciones que creo de debida obligación que tienen que ser
nombradas, tanto porque usan material relacionado con la imagen en su
obra (aunque éste no sea el que predomine), así porque tienen relación
con las exposiciones que sí he tratado con anterioridad. Aunque no sean
destinatarias de un profundo análisis con su correspondiente ficha por
exposición, se merecen que las nombre en este trabajo sobre
exposiciones fotográficas.
Estas exposiciones son:
Archivo FX. Un proyecto de Pedro G. Romero. (13 de mayo de 2009 – 6

de septiembre de 2009). Una exposición realizada en la Abadía del
Monasterio de Santo Domingo de Silos y comisariada por Carmen Román.
La exposición de Archivo FX (FX por los efectos sonoros o visuales, y X

como referencia a lo oculto e inexplicable), expone la investigación de un
archivo que arranca a finales del siglo XIX (1845) en Murcia y abarca
todas las revoluciones españolas hasta mediados del siglo XX (1945). Es
un fondo documental en construcción, que se inició en 1999 y lo
conforman distintos tipos de archivos, entre ellos una recopilación de
imágenes de la iconoclastia política antisacramental española, que se
presenta como un reflejo de los proyectos más radicales de la vanguardia
moderna.
Aunque en un primer momento iba a elegirlo como exposición

representativa de fotografía, tras consultar el catálogo, lleno de objetos
de diferente índole, decidí dejar esta exposición para este apartado, ya
que sí tiene relación con las demás exposiciones: aunque no sea
69
fotográfica en sí, tiene ese afán de archivo y documentación característico
de la primera fotografía documental34.
Mathew Buckingham. Representantes del tiempo. (30 de junio – 27 de

septiembre de 2009). Comisariada como muchas de las exposiciones
elegidas por Lynne Cooke. Además de tener en común a la comisaria con
otras exposiciones, tiene en común también que es un artista
norteamericano y es su primera gran muestra individual en España, lo que
relaciono con las exposiciones de Edward Steichen, Zoe Leonard o Dorit
Margretier. Además es uno de los participantes de la exposición
Manhattan, uso mixto35.
Mathew Buckingham, nació en Iowa en 1963, en cuya universidad se

graduó en 1988, realizando ya un máster en Bellas Artes en el Bard
College, de Nueva York, ciudad donde ahora vive y trabaja. Dentro de las
muestras tanto individuales como colectivas que ha realizado por diversos
museos y galerías, destacan las del Musèe d’art moderne de la Ville de
Paris, París (1998); Museum Moderner Kunst, Viena (2003), The Whitney
Museum of American Art, Nueva York (2003) o el Museum of
Contemporary Art, Chicago (2008).
En esta exposición la parte fotográfica está mezclada con escultura, el

cine, el vídeo, el audio, los escritos o los dibujos. Es una disciplina más en
un artista que lo que hace con sus obras es cuestionar papel que juega la
memoria social en la vida contemporánea. Cómo nos relacionamos con
nuestro pasado y la relación que con él experimentamos en el presente.
Estaría también relacionado en este punto con la intención museológica de
reflexión entre pasado y presente de Borja-Villel.

34 El proceso del archivo se puede consultar en su página web oficial:
http://fxysudoble.com/es/archivo-‐f-‐x/
35 Entre otros muchos artistas, Buckinham participó en esta exposición con obra gráfica.
La ficha de la exposición se encuentra en la página 38 de este trabajo.
70
Mario García Torres. ¿Has visto alguna vez la nieve caer?. (10 de febrero
de 2010 – 24 de mayo de 2010).
Mario García Torres nació en 1975 en México, aunque trabaja en Los

Ángeles, California. Ha expuesto en grupo y de forma individual en
distintos centros, entre los que destacan: el Thyssen-Bornemisza Art,
Viena (2008), Kadist Art Foundation, París (2007); Stedelijk Museum,
Amsterdam (2007), Tate Modern, Londres; Bienal de Venecia (2007);
Musée d’Art Moderne de la Ville de París (2004, 2005 y 2007).
Es conocido por asumir la historia del arte conceptual, usando narraciones

ya olvidadas para intentar dar nuevas ideas y significados. Sus
intervenciones suelen formarse de proyecciones de diapositivas, películas
e instalaciones, en las que replantea la historia del arte contemporáneo de
una manera personal, lo que llama una “estética de la información”.
En cuanto a la exposición del Reina Sofía, coincidiendo con que ARCO

2010 se centra en Los Ángeles, se recoger por primera vez la obra de este
artista en una institución español, con cuyas obras se sirve siempre del
formato de la diapositiva, al igual que en esta obra, creada
específicamente para la muestra con un capítulo del también artista
Alighiero Boetti36: el One Hotel que Boetti inauguró en Afganistán,
utilizando el arte como motivo del arte.
En cuanto al tipo de formato de la muestra está más relacionado con el

artista Chen Chieh-Jen o Alia Syed.
Alia Syed. Imagina tu propia historia. (11 de febrero – 13 de abril de

2009). Una exposición que se compone de dos películas en formato cine
de 16mm: Swan (1987) – un trabajo que remite a la vanguardia y al
interés de usar la naturaleza como metáfora visual de la subjetividad
humana- y Eating Grass (2003) – cuyo título es una referencia explícita a

36 El MNCARS realizó en 2011 una retrospectiva sobre este artista (Turín 1940-‐Roma
1994), coproducida junto a la Tate Modern de Londres y el MoMA de Nueva York. Una
muestra de 150 obras que abarcan toda su trayectoria artística.
71
una promesa realizada por el presidente de Pakistán en 1974, quien
afirmó que su país dispondría de armas nucleares aunque los paquistaníes
tuviesen que comer hierba para financiarlas. El formato solamente de
vídeo como Mario García Torres y Chen Chieh-Jen.
Alia Syed es una artista inglesa de ascendencia india, cineasta

experimental, cuyo trabajo ha sido expuestos ampliamente en galerías
nacionales e internacionales: en el Institute of Contemporary Art de
Londres, en la Tate Gallery, Tate Britain y Haward Gallery de Londres, o
en la Sydney Biennal de Australia, entre otros. Su práctica cineasta
constituye una investigación en curso, la exploración de la naturaleza y el
papel del lenguaje en la comunicación intercultural.
Su trabajo se idea bajo el objetivo de explorar temas de identidad y

representación.
Sharon Hayes. Habla. (30 de mayo – 24 de septiembre de 2012). Es la

propuesta de este año del Reina Sofía para el festival de PhotoEspaña
2012. Se presenta como la exposición más importante en Europa de esta
artista americana, y está comisariada por Lynne Cooke.
Sharon Hayes nace en Baltimore en 1970, aunque se formó, vive y

trabaja en Nueva York. Su trabajo se compone de performances, vídeos e
instalaciones, con las cuales examina las relaciones entre la historia, la
política y el lenguaje a través del análisis del discurso de los grupos de
protesta del siglo XX. Esta revisión histórica le sirve para hacer una
reflexión política del presente, de hecho para ella “Todo el arte es político.
La cuestión es definir de qué manera lo es”.
En esta exposición del Reina Sofía presenta una decena de obras

anteriores y un nuevo proyecto, realizado específicamente para la
muestra, una performance desarrollada en colaboración con el artista y
escritor mexicano Pablo Sigg.
Esta artista también estuvo, al igual que Mathew Buckingham, presente

en la exposición del Reina Sofía: Manhattan, uso mixto.
72
Puesta en común de las exposiciones
En cuanto a los comisarios representativos de las exposiciones, una de las

personas a destacar por su trascendencia dentro del museo en las fechas
que nos ocupan (2008 – 2012) es Lynne Cooke, subdirectora de
Conservación, Investigación y Difusión del MNCARS, que llegó como
nueva incorporación al equipo del director Don Manuel Borja-Villel, y ha
estado presente en muchas de estas exposiciones como coordinadora o
comisaria37. Como curiosidad, y con la sensación de cerrar un capítulo con
respecto a este trabajo, Lynne Cooke dejará su cargo como subdirectora
del Reina Sofía a finales de este verano, a manos de João Fernandez,
actual director del Museo Serralves de Oporto, y especialista en arte
latinoamericano, ya que según el propio director es hacia los artistas
hispanoamericanos, donde quiere que se dirija el objetivo del museo a
partir del próximo año.
Lynne Cooke se estrena como comisaria en el MNCARS con la exposición

de Zoe Leonard, de quien ha escrito y conoce desde antes de esta
exposición retrospectiva del Reina Sofía, al igual que muchos otros
artistas, no sólo relativos a la fotografía, que trae al museo tras haber
trabajado con ellos con anterioridad.
También destaca el nombre de Amelie López Aranguren, en este caso

como coordinadora de exposiciones en el Reina Sofía, donde ya trabajaba
antes incluso de que llegase el actual director al museo. Aunque ha
coordinado la mayoría de estas exposiciones, destaca como coordinadora
sin comisariado en la exposición de Javier Riera o Chen Chieh-Jen, dentro
del ciclo ‘Producciones’.

37 En total, han sido 17 las exposiciones que ha comisariado en estos cuatro años: Zoe
Leonard, Josiah McElheny, Juan Muñoz, Mathew Buckingham, Joëlle Tuerlinckx, Francis
Alÿs, Thomas Schütte, Pierre Huyghe, Tacita Dean, Manhattan uso mixto, Lili Dujourie,
Jessica Stockholder, Jean-‐Luc Mylayne, Mirosław Balka, Dorit Margreiter, James Castle y
Alighiero Boetti.
73
Así como destaca también el nombre de Rafael García Horrillo, también
coordinador en exposiciones como la retrospectiva a Alberto García-Alix.
Y es que estos comisarios y coordinadores trabajan muchas veces sobre

programas específicos del Reina Sofía para los artistas, como por ejemplo:
Programa ‘Producciones’
El Programa ‘Producciones’ se forma en el año 2006, bajo la directora Ana

Martínez de Aguilar, pero continúa aplicándose a fecha de hoy. La
exposición con la que se inaugura, es una exposición de fotografía de la
artista bilbaína Ixone Sádaba.
El espacio que se recoge estas exposiciones es en el llamado Espacio Uno,

en la planta baja del edificio Sabatini, abierto ya en 1997 bajo la tutela de
Rafael Doctor y encargado desde un principio de seleccionar a los artistas
emergentes. El programa nace con el objetivo de presentar a artistas
jóvenes que estén exponiendo de forma internacional pero nunca hayan
tenido una exposición en solitario.
Este programa es similar al Programa de Estudios Independientes del

MACBA, y es que según la opinión de Borja-Villel ya no quedan escuelas
de arte en España, así que tiene que ser a raíz de estos programas los
que permitan la producción de obras de arte.
De estas exposiciones presentadas en el trabajo, forman parte de este

proyecto la Exposición de Chen Chieh-Jen, Tribunal Militar y Prisión y la
exposición de Javier Riera, Noche Áurea.
Programa ‘Fisuras’
El Programa ‘Fisuras’ se crea en el 2009 con el objetivo de dar cabida al

arte más joven. Por ello, a través de este programa se invita a los artistas
que son seleccionados a desarrollar un proyecto específico para el Museo.
La idea es que obra de nueva creación que se forme se conciba en una
muestra que no tienen una duración concreta ni un espacio determinado
por la dirección del Museo para su exhibición, sino que son los propios
74
artistas los que eligen los espacios para ubicar su obra, rompiendo así con
la idea tradicional de museo.
Patricia Esquivias y Valcárcel Medina o los de Paul Sietsema y David

Maljkovic.
Programa ‘Encuentros’
En varias de las exposiciones de este trabajo, las actividades en relación

con las mismas han estado ligadas a este programa. El objetivo de
‘Encuentros’ es generar debates en torno a las exposiciones y a lo que
quieren representar. En estos encuentros suelen participar tanto los
comisarios de las muestras como los artistas o diferentes historiadores
invitados a tal fin.
Al crear debates con el público, se fomenta ese interés particular de

didáctica que para el director corresponde como una de las funciones
fundamentales del museo, ya que con el Reina Sofía su intención es hacer
un vuelta crítica a los principios ilustrados sobre el museo, y reivindicar la
figura del visitante como instrumento político.
Festival PhotoEspaña
Festival internacional de fotografía nacido en el año 1998 y de carácter

anual que se celebra en Madrid en los meses de junio y julio.
Recientemente se ha llevado a cabo el XV PhotoEspaña, PHE12. Se ha
convertido en uno de los grandes acontecimientos fotográficos del año
respecto a la fotografía, que cada día abarca muestras que incorporan
más medios tecnológicos como forma de representación.
Cada año una exposición del Reina Sofía ha formado parte del festival. En
el año 2008 fue Robert Smithson y Leonardo Cantero, en el año 2009 fue
la exposición de The Atlas Group. Un proyecto de Walid Raad. En 2010 la
exposición de Manhattan, uso mixto. Fotografía y otras prácticas artísticas
desde 1970 al presente. En 2011 la exposición de Una luz dura, sin
compasión. El movimiento de la fotografía obrera, 1926-1939, y en 2012
la exposición de Sharon Hayes. Habla.
75
En el año 2008 expone Javier Riera, que aunque no está incluido dentro
de la selección del festival, no deja lugar a dudas que su último trabajo
que realiza para el Reina Sofía está ligado con el leitmotiv del
PhotoEspaña de este mismo año, que tiene el “Lugar” como temática y
Riera se acerca con sus fotografías a ese Land Art que nace casi en la
figura de Robert Smithson, figura central del festival de PhotoEspaña 08.
También hay detalles en común dentro de estas exposiciones, respecto a

la información que se le ha dado en prensa.
En el seguimiento informativo de prensa escrita de todas estas

exposiciones, se distinguen grosso modo dos partes:
- Las noticias: ya sean en pequeñas reseñas que nombran el

acontecimiento cultural, o noticias más extensas recogidas por las
dos principales agencias de noticias: EFE y Europa Press. Para la
agencia EFE la encargada generalmente de transmitir estas noticias
museísticas y culturales es Mila Trenas. También están los que
dedican artículos a esas exposiciones.
- Los artículos: En este último caso también podríamos dividirlo en
dos, los periodistas o críticos que escriben un artículo, el cual
recogen distinto tipo de publicaciones que no tienen a un experto
para dedicarse solamente a la sección de cultura, y en el segundo
caso en el que se encuentran en la mayoría de las ocasiones, los
suplementos culturales de periódicos nacionales como: El Mundo (El
Cultural) o El País (El País Semanal, Babelia) en los cuales también
son los mismos críticos o periodistas38 contratados por estos
medios, los que escriben sobre todas estas exposiciones en la
sección cultural. Son al mismo tiempo estos artículos los más
destacables en cuanto a la información que aportan.

38 De entre todos estos nombres de críticos que se repiten a lo largo de estos cuatro años
en cuanto a la crítica expositiva, sobresale de entre todo Elena Vozmediano, quien

incluye además todas sus críticas en su propio blog personal:
http://www.elena.vozmediano.info/
76
En ningún caso he encontrado en las grandes publicaciones dedicadas al
arte, un artículo en el que critiquen de forma manifiesta a un artista
elegido o pongan en duda el montaje de la exposición abiertamente. En
general, suele ser una repetición de la biografía del artista, intercalado
con los comentarios de los comisarios o responsables de la exposición así
como con los textos del catálogo. Si el artículo en más elaborado, se
completa también con datos historiográficos o anotaciones a escritores
y/o referentes en el mundo de la fotografía.39
Tras leer todos esos artículos la sensación que queda al final es el de que
la crítica de arte como tal, como valoración personal y subjetiva, ha
desaparecido en los medios de referencia, pues el significado a las
preguntas del motivo, tema, o emociones expresadas en la obra de arte
son siempre el mismo, dentro de un discurso establecido del que parece
nadie tuviese el coraje de salir. Solamente en blogs personales se puede
encontrar opiniones discordantes de este discurso, aunque en un limitado
número. Es posible que los intereses políticos y mediáticos de hoy día
hayan reducido la crítica de arte a una simple orientación teórica de su
historiografía.
Y es que entre todas estas muestras ha habido cosas en común, que por
una parte ya he ido conectando a lo largo de las fichas de las
exposiciones.
Como complemento, incorporo sobre la exposición de Chen Chieh-Jen la

similitud con otra exposición, la de David Maljkovic (9 de septiembre de
2009 al 18 de enero de 2010) y perteneciente al proyecto ‘Fisuras’.
También está compuesta por dos vídeos, tratando esta transición del
comunismo al capitalismo en la historia reciente de su país, Croacia. En el
formato de presentación hay relación también con Mario García Torres y
Alia Syed.

39 En general, no suele faltar la mención a Charles Baudelaire, Walter Benjamin, Barthes,
Foucault o Jaques Lacan, relacionados con el pensamiento del último siglo, sobre todo
con la segunda mitad del siglo XX.
77
Otras dos exposiciones que se me asemejan por su carácter de
recopilación documental son The Atlas Group y Archivo FX.
Otro elemento que estos artistas contemporáneos tienen en común, es

haber expuesto en el festival Documenta de Kassel, un certamen que se
celebra cada cinco años. Han exhibido su muestra allí Zoe Leonard, James
Coleman, Walid Raad y Antoni Muntadas.
La exposición de Manhattan, uso mixto, intercala a distintos fotógrafos

que con anterioridad o posterioridad han tenido exposición en solitario en
el Museo, o incluso algunos que podrían llegar a tenerla. Así pues une a
Matthew Buckingham, Zoe Leonard o Sharon Hayes.
En cuanto a las exposiciones en solitario se podrían dividir en dos tipos,

las grandes retrospectivas, como la de Edward Steichen, Alberto García-
Alix, Zoe Leonard, Jean-Luc Mylayne, Mathew Buckingham, Antoni
Muntadas o James Coleman, y las exposiciones con obra más reciente que
pertenecen generalmente a algún proyecto específico: Chen Chieh-Jen,
Javier Riera, Robert Smithson, Archivo FX, The Artlas Group, Sharon
Hayes, Alia Syed, Mario García Torres o Dorit Margreiter.
En 2008 es, en comparación con otros años (hasta el presente) el

momento en el que más abiertamente se han dirigido hacia la fotografía
tradicional como medio de expresión artístico, ya sea con la exposiciones
temporales como con la restructuración de la colección permanente, pero
puesto que sus exposiciones ya estaban proyectadas por la antigua
directora del MNCARS, nos sirve más para diferenciar con las exhibiciones
pensadas por el nuevo director y la nueva subdirectora.
78
En 2009, 2010, 2011 y 2012 las exposiciones en las que la imagen toma
protagonismo, son más multidisciplinares o relacionadas con el vídeo, que
es la principal diferencia con los otros años (incluso para los festivales de
PhotoEspaña son también obras relacionadas con el vídeo o la instalación)
como la exposición de Alia Syed (dentro del Cine experimental) o Paul
Thek que aunque usa la fotografía, entra más en el mundo de la
instalación, aunque se relaciona con la vanguardia estadounidense de los
’60 el marco filosófico bajo el cual se sitúan muchas de estas apuestas
expositivas.
El baremo entre la elección de unas u otras exposiciones como

representativas de muestras fotográficas ha sido, dentro de la
multidisciplinaridad, el peso fotográfico o visual dentro de la muestra
expositiva.
79
Relación de las exposiciones temporales fotográficas temporales
con la exposición fotográfica permanente.
Ya en el 2008, aprovechando la inminente llegada en la dirección de un

nuevo director, la Colección permanente del Museo se refuerza y renueva.
Por un lado para rellenar lagunas, ya sea con el arte latinoamericano (que
a partir del 2012 se le va a intentar hacer más hincapié), o con
determinados artes considerados “periféricos”, como la fotografía, que
siempre fue un tema pendiente: según una entrevista a Juan Manuel
Bonet, recogida a su llegada como director del Museo en el año 2000, ya
veía un claro vacío respecto a esta disciplina artística, sobre todo en el
movimiento del constructivismo, para poder exponer un discurso que
recogiese la historia de la fotografía. Y eso a pesar de la donación de 300
fotografías que había sido realizada por la colección Banesto
recientemente.
Pero en este punto entrados ya largamente en el siglo XXI, no se puede

tener solamente en cuenta la fotografía en papel baritado para valorar si
esta disciplina está reflejada o no en la Colección permanente, en realidad
al igual que con las exposiciones temporales ya no se puede hablar
solamente de fotografía, sino de disciplinas visuales, en la que el papel
fotográfico como soporte se engrana con las diapositivas, el vídeo o
cualquier modo de proyección de la imagen.
Para establecer el tipo de correspondencia que une las exposiciones

fotográficas estudiadas con la fotografía de la exposición permanente, hay
que tener en cuenta los cambios llevados a cabo por Borja-Villel en el año
2009 con la remodelación de la Colección 1, 2 y 3.
En la Colección 1, La irrupción del siglo XX: utopías y conflictos (1900-

1945), se nos muestra el ejemplo de vanguardia histórica: cubismo,
surrealismo, dadaísmo, así como la vuelta a los géneros tradicionales en
los años veinte y treinta. En esta colección se encuentra la fotografía de
80
Eugène Atget, que aunque perdida entre las fotografías de Man Ray40,
tiene mucha más relevancia con la historia fotográfica reflejada en las
exposiciones temporales, y relacionada directamente con la obra de Zoe
Leonard41 o algunas de las obras de Manhattan, grupo mixto.
En la Colección 2, ¿La guerra ha terminado? Arte en un mundo dividido

(1945-1968), se continúa con la representación de las dos décadas que
siguen al final de la segunda guerra mundial, aisladas en la planta cuarta
del Reina Sofía. Se conforma la visión histórica de este momento, y la
contraposición de dos mundos antagónicos, como lo fueron Estados
Unidos y la Unión Soviética. En este contexto el objeto de arte pierde su
importancia representativa frente a otra clase de objetos que fueron
reflejo de esta época, como fueron el documento, la revista, el panfleto o
el cartel y que inundan el espacio expositivo.
En esta colección se añaden una serie de fotografías que Brassaï y Eugene

Smith hicieron de esa visión romántica de la España popular hacia 1950,
que se contrapone al ejemplo de fotografía neorrealista española de los
años cincuenta con obras de Català-Roca, Joan Colom, Rafael Sanz
Lobato, Gabriel Cualladó o Francisco Ontañón. Estas fotografías tienen un
compromiso con lo cotidiano, adaptándose al discurso de la fotografía
como documento, tratado en las diferentes exposiciones temporales de
estos años (2008-2012).
Digamos que así como en los años 2009 y 2010 se da un nuevo discurso
para los primeros tramos de la Colección con obras hasta los años 60, en
el 2011 se inaugura el tercer tramo: La Colección 3 bajo el título De la

40 Aunque temáticamente Zoe Leonard no está relacionada con Man Ray, hubo una
declaraciones que me hizo conectar ambos nombres. Mientras Zoe Leonard comenta:
“Aquí, yo les muestro lo que he visto y lo que he fotografiado y no lo que me he inventado”,
Man Ray decía: “Fotografío cosas que no quiero pintar, cosas que de por sí existen”.
41 Los temas de sus imágenes documentales, son los mismos que los de Atget. En los
escritos sobre Zoe Leonard hacen siempre una comparación específica con sus temas y
fotografías. Ver la obra de Atget ayuda a comprender la de Leonard, aunque se
encuentren en una época y un entorno diferentes.
81
revuelta a la posmodernidad, con obras comprendidas entre los años 1962
y 1982, donde se incluyen obras de naturaleza diversa, entre las que
destaco vídeos e instalaciones, que rompen con el formato expositivo
tradicional de museo. En esta colección se ubica, por ejemplo, la obra The
Last Ten Minutes II, de Antoni Muntadas, así como la recuperación y
difusión de obras también de Francesc Torres, Benet Rossell, Deimantas
Narkevicius, Bruce Nauman, Robert Smithson, Hans Richter, Viking
Eggeling o Chris Marker.
Este tipo de obras sería imposible de encontrar en otro tipo de museos

con un tipo de arte anterior al siglo XX, y basados en una teoría
museográfica historicista. Borja-Villel por el contrario aplica a su llegada al
Reina Sofía lo que ya había estado haciendo en el MACBA de Barcelona,
tratar al museo como un ente vivo, con el que las obras pueden mantener
un diálogo con el continente, evitar que el museo acabe siendo un
cementerio para las obras de arte. Según sus propias palabras: “El
programa del Museo Reina Sofía gira en torno a dos reflexiones. La
primera volver a pensar la función y constitución del museo en la
contemporaneidad. La segunda, preguntarnos si existe alternativa a los
modelos históricos de esta institución. Concebimos el museo como un
lugar capaz de generar nuevos espacios intersticiales de socialidad y
discusión en la esfera pública”42.
La ideología sobre la que se basa el entramado museístico de Borja-Villel,

es el postestructuralismo francés, corriente de pensamiento que surgió en
Francia a mediados de los sesenta y que afectó a algunos campos,
principalmente a la cultura, la filosofía y al arte. En el nº1 de la revista
Carta, editada por el Reina Sofía, Borja-Villel escribe el Editorial, titulado:
¿Pueden ser los museos críticos?, donde deja patente esta forma de
pensamiento, haciendo una reflexión sobre el papel de los museos hoy
día.

42 Introducción sobre el Reina Sofía, en la Guía de PhotoEspaña 2010.
82
Respecto a esta forma de pensamiento, es significativo uno de sus
representantes, Walter Benjamin, donde postula que a causa de la
aparición de los medios de reproducción técnica la obra de arte deja de
ser única.
Esto se relacionará con autores como Nicolás Bourriaud y el concepto de

Post-Producción, que plantea que muchos artistas usan obras ya
realizadas por otros para re-interpretarlos, lo que contribuye a abolir la
distinción entre original y copia (Artistas como Antoni Muntadas reutilizan
imágenes de la vida diaria). También sería ahora cuando la escultura
empieza a relacionarse con el espacio en el que se ubica, apareciendo en
concepto de campo, donde la escultura se convierte en objeto y deriva en
instalación, acabando en Land Art, de cuya producción hemos tenido
muestras en las exposiciones de estos años (Javier Riera, Robert
Smithson)
83
CONCLUSIÓN
“La gran aportación del arte moderno es no pretender ser más que arte”.
Esta afirmación, que cito literalmente de una de las clases de la carrera,
expresada por la profesora Laura Arias Serrano, se pelea decididamente
con el planteamiento de Borja-Villel y la deliberación con la que lleva a
cabo la elección de las exposiciones del museo. Esto nos puede llevar al
constante (aunque relativamente reciente dentro de la historia del arte)
debate, sobre si el arte debe estar cargado de significado o puede ser
simplemente una representación artística sin más carga que su propia
materialidad. Sería una de las reflexiones a las que se llega tras estudiar e
investigar todo el panorama expositivo en relación con la imagen de los
últimos cuatro años en el MNCARS. A la pregunta de, ¿debería hoy día el
arte superar la carga didáctica que lleva arrastrando durante tantos
años?, está claro que la respuesta de Borja-Villel sobre este tema sería
que no43.
Para respaldar esta aserción, me baso por un lado en el cambio de la

exposición permanente en torno al Guernica y su contexto histórico, que
hace en el 2009 tras su llegada como director, con una intención
claramente reflexiva sobre la vanguardia y política. Por otro lado, el de
todas estas exposiciones de carácter temporal estudiadas, donde las
palabras “documentación” “archivo” “cotidiano” “social” o “político” no
dejan de resonar por todas las trasnochadas paredes del viejo hospital,
así como en las nuevas instalaciones y espacios, imponiendo desde el
principio continuas reflexiones sobre nuestro entorno y nuestra sociedad
en una continua crítica del mismo, y usando a la vez una revisión histórica
del pasado con el objetivo de comprender el presente.

43 “La misión pedagógica del museo es la de estimular actitudes refractarias frente a la
cristalización de imágenes paralizantes de la realidad que permitan atisbar horizontes

alternativos de sentido”. Revista Carta nº1. Editorial escrita por Borja-‐Villel.
84
Aunque esto no significa que el modelo museístico que intenta aportar
Borja-Villel sea historicista, por el contrario, hay una gran introducción de
instalaciones y performances que hace que el museo sea un agente
activo, sólo que todas estas acciones deben de algún modo, estar
relacionadas con un trasfondo de tipo reflexivo.
Sería aún así más fácil seguir o llegar a comprender la línea ideológica de
Borja-Villel, si tuviese alguna publicación dedicada a ello, pero sus
manifestaciones se limitan a editoriales o introducciones en las distintas
publicaciones del museo.
Otro aspecto a destacar y que enlaza además con una gran parte de los
detractores del director, es el relativo poco peso de obra española dentro
del Reina Sofía. En una de las entrevistas a Borja-Villel leídas
recientemente para este trabajo, un internauta le preguntaba el porqué
de las pocas exposiciones de artistas españoles en un museo dedicado,
supuestamente, al arte contemporáneo español. Borja-Villel se defendía
diciendo que no era verdad que no se reflejase el arte español, y que una
de las próximas exposiciones está dedicada a una gran artista española,
María Blanchard44.
Técnicamente es cierto que no se ha dejado de lado el arte español,

muestras como la de García-Alix o Antoni Muntadas lo demuestran, pero
también es cierto que se ha dado prioridad a artistas extranjeros, ya sea
directamente relacionados con el mainstream o las periferias artísticas, a
las cual también quiere dar importancia,45 tanto en las exposiciones
temporales como en el discurso de la colección permanente.
La sensación general con la que se acaba, es que la prioridad es para los

artistas foráneos, y las exposiciones de artistas nacionales son ya de

44 La exposición dedicada a María Blanchard (1881 – 1932), estará presente en el
Museo del 17 de octubre de 2012 al 25 de febrero de 2013. Dentro de que será una
retrospectiva de toda su obra, la muestra se centrará sobre todo en su trabajo dentro de
su etapa cubista.
45 The Atlas Group, James Coleman o Jean-‐Luc Mylayne, entrarían dentro de este grupo
en las periferias del centro cultural.
85
artistas ampliamente consagrados, con la excepción de los que participan
en programas específicos del Reina Sofía con el objetivo de darse a
conocer.
Si me centro en los artistas que tratan la imagen como forma de

expresión artística, versan sobre todo aquellos artífices que participaron
del cambio de lenguaje cultural postestructuralista de los años sesenta y
setenta, así como los que beben directamente de los fotógrafos
documentalistas de los años treinta, un periodo que ha sido también
acogido por el Reina Sofía gracias a la exposición Una luz dura, sin
compasión. El Movimiento de la Fotografía Obrera (1926-1939).
A esto se suma la elección de sus subdirectores extranjeros, Lynne Cooke

primero y Joâo Fernandez desde ahora, que se fijan en artistas con los
que ya han trabajado o sobre los que han dedicado ensayos de su obra.
Para terminar, he de reconocer que en un primer momento, me planteé

hacer un último punto sobre la propuesta de los artistas gráficos que no
han estado reflejados en el Reina Sofía en las exposiciones temporales y
podrían o deberían estarlo. Aunque después de esta investigación tengo
varios nombres en el tintero46, los dejo ahí por el debate que se me
plantea a raíz de esta extensa búsqueda: sabiendo que a día de hoy
Lynne Cooke ha dejado su cargo como subdirectora de Conservación,
Investigación y Difusión del MNCARS y que la intención del museo es
seguir otra línea de actuación que se dirige más hacia el arte
latinoamericano, sería un desatino probablemente, proponer artistas que
se pelean con esta nueva dirección.

46 El artista Francesc Torres (Barcelona, 1948), es uno de esos nombres con los que he
relacionado una posible exposición en el MNCARS, tanto por su trabajo respecto a lo

cotidiano, como por la relación de sus fotografías con la ciudad de Nueva York en
diferentes trabajos. Pero me encontré con que el Reina Sofía ya le había dedicado una
exposición retrospectiva del artista, razón por la cual supongo no ha vuelto a tener en
este tiempo otra exposición, ya que por el contrario estaría muy acorde en esta línea
expositiva, habiendo trabajado además con su obra en el MACBA, lo que supone una
relación directa con Borja-‐Villel.
86
Así que la reflexión a la que llego, me lleva hacia una pregunta en el caso
de plantearme sugerir a algún artista: ¿Propongo los artistas que yo creo
que se deberían mostrar, independientemente de las líneas actuales de
política expositiva del museo? ¿Propongo por el contrario a artistas que
entran dentro de las líneas políticas que hasta ahora ha llevado a cabo el
Reina Sofía, o al finalizar ya una etapa debería proponer a artistas que
posiblemente pudiesen encajar dentro de las próximas actuaciones
anunciadas?
Puesto que la respuesta a todas estas preguntas me llevaría por un

camino aún más largo, que posiblemente diese como resultado otro
trabajo o investigación más extensa, dejo las preguntas abiertas para que
puedan ser quizás respondidas en otro momento, o esclarecidas con el
paso del tiempo.
87
ANEXO
LISTADO DE EXPOSICIONES EN EL MNCARS (2008 – 2012)
2007-2008
• Andy Goldsworthy. En las entrañas del árbol (3 de octubre de 2007 -‐ 21
de enero de 2008)
• Ester Partegàs. Invasores (19 de diciembre de 2007 -‐ 18 de febrero de
2008)
• La Noche Española. Flamenco, vanguardia y cultura popular (1865-‐
1936) (21 de diciembre de 2007 -‐ 24 de marzo de 2008)

2008
• La Colección del Museo Nacional Picasso París (6 de febrero -‐ 5 de

mayo de 2008)
• José Damasceno. Coordenadas y apariciones (8 de febrero -‐ 23 de junio
de 2008)
• Mascaró en Silos (27 de febrero -‐ 4 de mayo de 2008)
• Chen Chieh-Jen: Tribunal militar y prisión (2007-‐2008) (4 de marzo -‐ 12
de mayo de 2008)
• Magdalena Abakanowicz. La corte del rey Arturo (13 de marzo -‐ 16 de
junio de 2008)
• Robert Smithson. Hotel Palenque (3 de junio -‐ 27 de julio de 2008)
• Javier Riera. Noche Áurea (12 de junio -‐ 8 de septiembre de 2008)
• Francesc Ruiz. La visita guiada (19 de junio -‐ 31 de agosto de 2008)
• Edward Steichen. Una Epopeya Fotográfica (24 de junio -‐ 22 de
septiembre de 2008)
• Máquinas y almas. Arte digital y nuevos medios (26 de junio -‐ 12 de
octubre de 2008)
• Evaristo Bellotti. Escultura (19 de septiembre -‐ 8 de diciembre de 2008)
88

2009
• Josiah McElheny. Espacio para un Universo Isla (28 de enero -‐ 30 de

marzo de 2009)
• Alia Syed (12 de febrero -‐ 13 de abril de 2009)
• Eulalia Valldosera. Dependencias (4 de febrero -‐ 20 de abril de 2009)
• Paul Thek (6 de febrero -‐ 20 de abril de 2009)
• Susan Philipsz. Hazte ver / Appear to Me (10 de marzo -‐ 3 de mayo de
2009)
• Julio González (11 de marzo -‐ 1 de junio de 2009)
• Juan Muñoz. Retrospectiva (22 de abril -‐ 31 de agosto de 2009)
• Peter Fischli / David Weiss. ¿Son los animales personas? (30 de abril -‐
31 de agosto de 2009)
• The Atlas Group (1989-‐2004) Un proyecto de Walid Raad (3 de junio -‐
• Silo. Archivo F.X. Un proyecto de Pedro G. Romero (13 de mayo -‐ 6 de
septiembre de 2009)
• Los Esquizos de Madrid. Figuración Madrileña de los 70 (3 de junio -‐ 14
de septiembre de 2009)
• Figure 3. Paul Sietsema (20 de mayo -‐ 21 de septiembre de 2009)
• Matthew Buckingham (1 de julio – 27 de septiembre de 2009)

2009-2010
• Rodchenko y Popova. Definiendo el constructivismo (21 de octubre de

2009 – 11 de enero de 2010)
• David Maljkovic: Out of Projection (9 de septiembre de 2009 -‐ 18 de
enero de 2010)
• Joëlle Tuerlinckx. Crystal Times. Reflexión sin sol / Proyecciones sin
objeto (9 de octubre de 2009 -‐ 22 de febrero de 2010)
• Francesco Lo Savio (14 de octubre de 2009 – 22 de febrero de 2010)
89
• Encuentros de Pamplona 1972: Fin de fiesta del arte experimental (28
de octubre de 2009 -‐ 22 de febrero de 2010)
• Georges Vantongerloo. Un anhelo de infinito (4 de noviembre de 2009 -‐
22 de febrero de 2010)
• León Ferrari y Mira Schendel: El alfabeto enfurecido (25 de noviembre
de 2009 -‐ 1 de marzo de 2010)
• Francis Alÿs: Fabiola (28 de octubre de 2009 -‐ 7 de marzo de 2010)

2010
• Thomas Schütte. Retrospección (17 de febrero – 17 de mayo de 2010)
• Pierre Huyghe. La estación de las fiestas / La saison des fêtes (17 de
marzo -‐ 13 de junio de 2010)
• Tacita Dean: El garabato del fraile (23 de marzo -‐ 27 de junio de 2010)
• Martín Ramírez.Marcos de reclusión (31 de marzo -‐ 12 de julio de 2010)
• Desvíos de la deriva. Experiencias, travesías y morfologías (5 de mayo -‐
• Una conferencia comisariada. Sobre el futuro de la fuerza colectiva
dentro del archivo (20 de mayo -‐ 30 de agosto de 2010)
• Principio Potosí. ¿Cómo podemos cantar el canto del Señor en tierra
ajena? (12 de mayo – 6 de septiembre de 2010)
• El retorno de lo imaginario. Realismos entre XIX y XXI (20 de mayo -‐ 27
de septiembre de 2010)
• Manhattan, uso mixto. Fotografía y otras prácticas artísticas desde 1970
al presente (10 de junio -‐ 27 de septiembre de 2010)
• Nuevos Realismos: 1957-‐1962. Estrategias del objeto, entre readymade
y espectáculo (16 de junio -‐ 4 de octubre de 2010)
• Miralda. De gustibus non disputandum (24 de junio -‐ 17 de octubre de
2010)
• Ibon Aranberri. Gramática de meseta (14 de julio -‐ 14 de noviembre de
2010)

90
2010-2011
• Hans-Peter Feldmann. “Una exposición de Arte” (22 de septiembre de

2010 -‐ 28 de febrero de 2011)
• Desbordamiento de Val del Omar (5 de octubre de 2010 -‐ 28 de febrero
de 2011)
• Jean-Luc Mylayne. Trazos del cielo en manos del tiempo (19 de
noviembre -‐ 27 de marzo de 2011)
• ATLAS ¿Cómo llevar el mundo a cuestas? (26 de noviembre -‐ 28 de marzo
de 2011)
• Jessica Stockholder. Peer Out to See (Atisbar para ver) (14 de julio de
2010 -‐ 25 de abril de 2011)
• Miroslaw Balka. ctrl (26 de noviembre -‐ 25 de abril de 2011)

2011
• Dorit Margreiter: Descripción (12 de enero -‐ 25 de abril de 2011)
• Asier Mendizabal (8 de febrero -‐ 2 de mayo de 2011)
• Roberto Jacoby, el deseo nace del derrumbe (25 de febrero -‐ 26 de Junio
de 2011)
• Una luz dura, sin compasión. El movimiento de la fotografía obrera,
1926-‐1939 (6 de abril -‐ 22 de agosto de 2011)
• Leonor Antunes. Camina por ahí. mira por aquí / walk around there. look
through here (10 de junio -‐ 5 de septiembre de 2011)
• James Castle. Mostrar y almacenar (18 de mayo -‐ 5 de septiembre de
2011)
• Yayoi Kusama (11 de mayo -‐ 12 de septiembre de 2011)
• Leon Golub (6 de mayo -‐ 12 de septiembre de 2011)
• Lili Dujourie. La naturaleza es sabia (10 de junio -‐ 25 de septiembre de
2011)
• Lygia Pape. Espacio imantado (25 de mayo -‐ 3 de octubre de 2011)
• Maja Bajevic Continuará (27 de mayo -‐ 3 de octubre de 2011)
• Elena Asins. Fragmentos de la memoria (15 de junio -‐ 31 de octubre de
2011)
91
2012
• Emilio Ambasz. Invenciones: arquitectura y diseño (2 de diciembre de

2011 -‐ 16 de enero de 2012)
• Alighiero Boetti. Estrategia de juego (5 de octubre de 2011 -‐ 5 de febrero
de 2012)
• Locus Solus. Impresiones de Raymond Roussel (26 de octubre de 2011 -‐
27 de febrero de 2012)
• René Daniëls. Una exposición es siempre parte de un todo mayor (20 de
octubre de 2011 -‐ 26 de marzo de 2012)
• Antoni Muntadas. Entre/Between (23 de noviembre de 2011 -‐ 26 de
marzo de 2012)
• Soledad Sevilla. Escrito en los cuerpos celestes (10 de noviembre de
2011 -‐ 8 de abril de 2012)
• Mateo Maté. Universo personal (13 de marzo -‐ 27 de junio de 2012)
• Sharon Hayes. Habla. (30 de mayo – 24 de septiembre de 2012)
• Rosemarie Trockel. Un cosmos. (23 de mayo – 24 de septiembre de
2012)
• Nacho Criado. Agentes Colaboradores. (5 de mayo – 1 de octubre de
2012)
• James Coleman. (25 de abril – 27 de agosto 2012)
• Espectos de Artaud. Lenguaje y arte en los años cincuenta. (19 de
septiembre – 17 de diciembre 2012)

2012-2013
• Encuentros con los años treinta. (3 de octubre de 2012 – 7 de enero de

2013)
• María Blanchard. (17 de octubre de 2012 – 25 de febrero de 2013)
• Perder la forma humana: una imagen sísmica de los años ochenta en
América Latina. (25 de octubre de 2012 – 11 de marzo de 2013)
• Heimo Zobernig. dConstrucciones. (9 de noviembre de 2012-‐ 15 de abril
de 2013)
92
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96

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TRABAJO ACADÉMICAMENTE DIRIGIDO:

Las exposiciones fotográficas del

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

bajo la dirección de Manuel J. Borja-Villel

Beatriz Concepción Bravo García

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y sus directores .................... 6

Ficha de Exposiciones Fotográficas temporales (2008 – 2012)

-­‐ Chen Chieh-Jen ............................................................................ 10

Otras exposiciones fotográficas .............................................................. 69

Puesta en común de las exposiciones ..................................................... 73

Relación de las exposiciones fotográficas temporales con la exposición

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

bajo la dirección de Manuel J. Borja-Villel.

Beatriz Concepción Bravo García

Tutor del TAD: Javier Pérez Segura

Departamento de Historia del Arte III (Contemporáneo)

Facultad de Geografía e Historia

Universidad complutense de Madrid

Al elegir el tema de mi trabajo me guié, más que por un tema que

En cuanto a la fotografía como tal, me he centrado en el Museo Nacional

Al seleccionar las exposiciones temporales quería escribir sobre el Reina

Este cambio de filosofía incluye cambios en la dirección con nuevas

La elección de las exposiciones a investigar para este trabajo no ha sido

A pesar de esos ‘amplios criterios’, he elegido trece muestras expositivas

sobre la importancia de la fotografía como disciplina artística dentro de un museo.

Desde su apertura el MNCARS ha tenido seis directores diferentes, y cada

Listado de directores del Centro de Arte y Museo Nacional Centro de Arte

Carmen Giménez: Directora del Centro de Arte Reina Sofía en el periodo

Nació en Casablanca en 1943 y se tituló en Historia del Arte por la École

Fue decisivo su impulso para el proyecto museológico del Centro de Arte

Nacido en Castellón en 1936. Licenciado en Derecho y en Filosofía y

Nacida en Madrid, es crítico de arte y comisaria independiente. Dentro de

Ha formado parte de distintos consejos y patronatos tanto españoles

Nacido en Almería en 1959, es licenciado en filología hispánica. Dirigió el

Nació en París en 1953. Es crítico de arte y literatura, así como comisario

Ana Martínez de Aguilar: Directora del Museo Nacional Centro de Arte

Nacida en 1965 en San Sebastián. Es historiadora del arte con un máster

Durante su mandato al frente del Reina Sofía culminó la ampliación del

Manuel Borja-Villel: Director del Museo Nacional Centro de Arte Reina

Nacido en Castellón en 1957. Historiador del arte por la Universidad de

Ha sido director del museo de la Función Antoni Tàpies de Barcelona de

TÍTULO: Chen Chieh-Jen. Tribunal militar y prisión (2007 – 2008)

AUTOR: Chen Chieh-Jen

FECHAS: 4 de marzo de 2008 – 12 de mayo 2008

LUGAR DE EXPOSICIÓN: Edificio Sabatini

COORDINACIÓN: Amelie López Aranguren.

BIOGRAFÍA / TRABAJO DEL ARTISTA: Chen Chieh-Jen (1960). Nacido

Es un video-artista que explora la trayectoria de la historia moderna de

Chen Chieh-Jen ha realizado exposiciones individuales en el Museo de

Asunto: Tribunal Militar y Prisión, habla de los derechos humanos de

Contenido: Es un vídeo-instalación. Compuesto por dos vídeos, Tribunal

Programa: Pertenece al ciclo de proyectos: “Producciones” del Museo

Relación de la exposición con el trabajo del artista: Tribunal militar y

RECORRIDO DEL ARTISTA A PARTIR DE ESA EXPOSICIÓN:

Este artista sigue exponiendo internacionalmente. En nuestro país y tras

También está presente en otros proyectos como PhotoEspaña 2012, en

Análisis de los textos: En este caso el catálogo es de corta extensión, y

La presentación de este texto para el catálogo de la exposición, difiere del

Listado de Medios: ArteInformado; Iberarte; El País; El Mundo;

-‐ Chen Chieh-Jen ............................................................................ 10