Diseño en Italia - El diseño gráfico de los orígenes hasta nuestros días (Satué)

Nate
Dani
Dan

1. Introducción
Contexto histórico:
● Régimen fascista (1943) (el diseño no avanzó hasta 1939)
● Auge de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945)
● Llegada de diseñadores suizos a Italia
● Nacimiento del estudio de Boggeri (1933-1973)

2. Desarrollo
● Antonio Boggeri (estudio) (obras)
● Marcello Nizzoli (diseño industrial)
● Bob Noorda (metro)
● Lora Lamm (ilustración)
● Bruno Munari (portadas de libros)

3. Conclusión

1) Introducción:
Iniciamos en 1933 con la llegada de diversos diseñadores de Europa, entre ellos
alemanes y suizos luego de la subida de Hitler al poder. Estos diseñadores prefieren
una Italia fascista que las tensiones políticas de la época en sus propios países.
Esta Italia facista restringe la libre expresión pero permite la impresión de carteles y
publicidad únicamente si son producidos en el país y con el fin de apoyar
económicamente a las grandes empresas o políticamente al estado (incluso ofrecía
protección y resguardo a extranjeros que llegaran por las fronteras debido al
conflicto), (Marcha sobre Roma). Una vez finalizada la segunda guerra mundial y el
gobierno de Mussolini, Italia expande sus horizontes de trabajo y se permite
continuar produciendo diseño para empresas extranjeras.
El diseño tuvo entonces un progreso constante a partir de 1933 con la creación de
uno de los estudios de diseño más importantes de Italia: Studio Boggeri, fundado
por Antonio Boggeri. Aún en medio del estado militar fascista y eventualmente la
segunda guerra mundial, el diseño en Italia continuó desarrollándose sin problemas
y con la llegada de más diseñadores extranjeros que querían trabajar dentro del
país ocurrió una nutrición al estilo Italiano; el estilo Italiano combinó las diferentes
técnicas y conocimientos con su cultura y la sensibilidad Italiana, el uso de retículas,
fotografía y tipografía destacó en el uso y abuso de todas para crear piezas
modernas y cautivadoras.
2) Diseñadores
● Antonio Boggeri: Fundador del Studio Boggeri y a quien se le atribuye el
nacimiento de la gráfica moderna en Italia. Fue fotógrafo, publicista,
diseñador gráfico e incluso músico. Boggeri fue de los primeros en usar la
fotografía en diseños publicitarios (inspirados en la fotografía negativa de
Man Ray). Un experto en fotomontaje y foto collage en su época y de los
primeros en ofrecer servicios de comunicación visual a grandes empresas
(publicidad, imagen, etc). Mucho de su aprendizaje y trabajo fue inspirado en
la Bauhaus y en Suiza (con una escuela de tipografía).
Boggeri insistió en el trabajo coordinado en equipo, donde los participantes
colaboren en pro del proyecto y apliquen sus diversos conocimientos. Otro
detalle a nombrar es que este hombre invitaba a diseñadores jóvenes y poco
conocidos a trabajar con él con el fin de impulsar sus carreras.

Obras: 1942 Anuncios de Antonio Boggeri y Max Hubrero anunciante de

pinturas opacas CIM contra ataques aéreos - 1954 Antonio Boggeri y Max
Schneider publicidad de relojes suizos Lanco - 1959 Anuncio de Antonio
Boggeri para Afolinin Società del Linoleum SpA -
http://www.sitographics.it/imagini_boggeri.html

● Marcello Nizzoli: Fue un diseñador, arquitecto, pintor y publicista italiano.

Colaboró con Antonio Boggeri en el estudio Boggeri
Diseñó Olivetti

● Giovanni Pintori:
➔ Trabajó para Olivetti (marca de máquinas de escribir) por más de 30 años.
➔ En 1950 se convirtió en director de arte de Olivetti, encargado de la
coordinación de diseño: Tipografías, imagen publicitaria, diseño de
puntos de venta, mobiliario.
➔ Colaboró con Marcello Nizzoli (diseñador industrial italiano y jefe de diseño
en Olivetti), cuidando cada detalle de los diseños de producto (desde la forma
de una barra espaciadora hasta el color de sus cubiertas exteriores).
➔ Fue conocido por su uso de formas geométricas y estilo minimalista en
sus carteles publicitarios (carteles para la Lettera 22 y el logo de Olivetti).
➔ Su trabajo fue una gran influencia: Hizo que Olivetti se reconociera a nivel
mundial.
➔ Fue inspiración para las personas que en la década de los 50 querían
empezar a poner en práctica el diseño corporativo.
➔ El trabajo de Giovanni fue publicado en libros, periódicos y revistas, fue tan
admirado alrededor del mundo, que Japón le dedicó una exposición en Tokio
en 1967.
 Trabajó para el fabricante de productos comerciales Olivetti durante más de
31 años, su trabajo apareció públicamente por primera vez en 1952 en el
Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York y en 1950 se convirtió en el
director de arte, en donde se encargaba de aspectos como la coordinación de
diseño, gráficos, tipografía, imagen publicitaria, diseño de puntos de venta y
mobiliario. “Pintori es considerado la fuente de todas las iniciativas que
contribuyen a la imagen de Olivetti: coordinación de diseño, gráficos,
tipografía, imagen publicitaria, diseño de puntos de venta y mobiliario”
(H. Waibl). Llegó a colaborar con el diseñador industrial Marcello Nizzoli, se
consideró cuidadosamente cada detalle de sus diseños, desde la forma de
una barra espaciadora hasta el color de sus cubiertas exteriores.
https://www.smashingmagazine.com/2020/06/inspired-design-decisions-giova
nni-pintori/
https://www.moma.org/artists/4629
Giovani fue conocido por su uso de formas geométricas y estilo minimalista
en sus carteles publicitarios, específicamente sus carteles para la Lettera 22
y el logo de Olivetti.
Bajo la dirección de Pintori, el diseño publicitario de la marca corporativa se
volvió muy conocido y Olivetti se convirtió en una empresa reconocida a nivel
mundial. Su trabajo fue una fuerte inspiración para quienes, durante la
década de los 50, en Estados Unidos, comenzaron a pensar en la idea del
diseño corporativo.
https://www.ecosia.org/images?q=letrera%2022%20giovanni
https://go.distance.ncsu.edu/gd203/?p=24286
Pintori recibió la Palma d'Oro de la Federación Italiana de Publicidad en
1950 y también recibió una Certificación en Excelencia en Artes Gráficas de
la Asociación de Diseño Gráfico Estadounidense.Además, Pintori recibió una
medalla de oro en la Fiera di Milano en 1956, el Gran Premio en la Trienal de
Milán en 1957 y el Certificado al Mérito del Art Directors Club de Nueva York
en 1964.
El trabajo de Giovanni fue publicado en libros, periódicos y revistas, fue tan
admirado alrededor del mundo, que Japón le dedicó una exposición en Tokio
en 1967.

● Bob Noorda:
➔ Se trasladó a Milán en 1950, donde comenzó a trabajar en Pirelli (compañía
industrial italiana dedicada a la fabricación de neumáticos).
➔ Se convirtió en director de arte de ella en 1961 (11 años después).
➔ Bob realizó entre 1950 y 1960 campañas publicitarias en las que
intentó comunicar de manera clara lo que quería ofrecer al público ((imágen
de póster: usó solamente un dibujo de un neumático, el logotipo de la
empresa y el nombre del producto).
➔ Entre 1963 y 1964 fue consultor de arte para los envases de La Rinascente
(colección de tiendas de alta gama con marcas italianas e internacionales en
moda, accesorios, belleza, artículos para el hogar, diseño y comida).
➔ En 1964 realizó la señalización para la estación del metro de Milán, Nueva
York y São Paulo, obra/proyecto que fue premiado y admirado por muchos,
dado que Pirelli también proporcionó accesorios técnicos para los trenes,
escaleras mecánicas, sistemas de tuberías y piso de las estaciones, por lo
que se consideró un ejemplo pionero de un sistema unificado que incorpora
elementos arquitectónicos, gráficos y de mobiliario.
➔ En 1965 fue cofundador de Unimark International (empresa especializada
en el diseño gráfico para grandes empresas).La empresa se destacó por la
innovación con la tecnología y también por el uso de la tipografía
Helvética para la identidad corporativa de las empresas.
➔ Diseñó series de libros y portadas para las editoriales Feltrinelli, Sansoni y
Vallecchi.

El éxito de Pirelli se debe, en gran medida, a las campañas publicitarias que

lanzaban. Bob realizó entre 1950 y 1960, en donde intentaba comunicar de
manera muy clara lo que quería ofrecer al público (imágen de póster: usó
solamente un dibujo de un neumático, el logotipo de la empresa y el nombre
del producto).
https://www.pirelli.com/global/es-es/road/pirelli-cinturato-un-icono-de-la-italia-
en-movimiento
http://www.archiviograficaitaliana.com/designers/5/bobnoorda

Entre 1963 y 1964 fue consultor de arte para los envases de La Rinascente
(colección de tiendas de alta gama con marcas italianas e internacionales en
moda, accesorios, belleza, artículos para el hogar, diseño y comida).

En 1965 fue cofundador de Unimark International (empresa especializada

en el diseño gráfico para grandes empresas), inicialmente tenían tres sedes
en Chicago, Milán y Nueva York, en donde se creaban las identidades
corporativas de las empresas más famosas (Gillette, Jaguar, Ferrero, Knoll
International, Olivetti, Pirelli, Ranx Xerox, Unilever, IBM, además de American
Airlines y Ford) de ese entonces, procurando que estos fueran atractivos y
funcionales. La empresa se destacó por la innovación con la tecnología y
también por el uso de la tipografía Helvética para la identidad corporativa de
las empresas.
https://www.vignelli.com/
https://www.lars-mueller-publishers.com/unimark-international

En 1975 fue director artístico de Touring Club of Italy

 En 1964 realizó la señalización para la estación del metro de Milán, Nueva
York y São Paulo, obra/proyecto que fue premiado y admirado por muchos,
dado que Pirelli también proporcionó accesorios técnicos para los trenes,
escaleras mecánicas, sistemas de tuberías y piso de las estaciones, por lo
que se consideró un ejemplo pionero de un sistema unificado que
incorpora elementos arquitectónicos, gráficos y de mobiliario.
https://www.fondazionepirelli.org/en/activities/exhibitions/bob-noorda-and-mod
ern-graphics-for-pirelli-and-for-the-milan-metro/

Diseñó series de libros y portadas para las editoriales Feltrinelli, Sansoni y

Vallecchi.

Recibió numerosos reconocimientos, incluidos tres Compasso d'Oro (es el

más antiguo y prestigioso premio al diseño industrial italiano, tiene el objetivo
de evidenciar la calidad de los productos hechos en Italia, pero sobre todo de
reconocer el valioso proceso que el diseño le imprime al mundo de la
producción y a la sociedad en modo transversal), además de dos Premios
Bodoni, la Medalla de Oro de la Bienal de Ljubljana y un título honorífico del
Politécnico de Milán. Enseñó en la Escuela Umanitaria de Milán y en la
Escuela de Diseño Industrial de Venecia. Murió en Milán, Lombardía, 2010.
https://90mas10.com/2021/06/24/compasso-doro-premio-coleccion-y-museo/

Fue profesor con contrato de Comunicación Visual en la facultad de Diseño

del Politécnico de Milán.
https://www.navadesign.com/es/bob-noorda-disenador-de-navadesign-143_d
esd

● Lora Lamm: Estudió diseño gráfico en la escuela de Arts and Crafts y

eventualmente se mudó a Milán una vez esta comenzó a resurgir y crecer
luego de la guerra. Se unió al Studio Boggeri durante algunos años junto a
varios diseñadores suizos. Eventualmente abandonó el estudio y trabajó
como diseñadora de empaques por un tiempo antes de que Max Huber la
recomendará en el departamento de publicidad en la tienda La Rinascente,
donde llegaría a ser directora de diseño encargada de la producción de la
revista Cronache. Su trabajo como ilustradora, fotógrafa y tipografía pronto
llamó la atención y cautivó a un nuevo y amplio campo de clientes femeninas.
(Con un acercamiento fresco, definido y una personalidad alegre. Combinaba
la tipografía, ilustración, fondos y formas para conseguir piezas finales
cautivadoras)
Lamm continúa viviendo hasta este momento y su trabajo marcó para
siempre el campo de la moda.
Obras: Poster publicitario para Pirelli 1960 - De regreso a la escuela, La
Rinascente 1956 - Verano y mar, La Rinascente 1958.
 https://www.re-thinkingthefuture.com/architectural-community/a5153-lora-lam
m-ideology-and-philosophy/

● Bruno Munari : Fue diseñador, poeta, escultor, pedagogo y autor de libros. Es

considerado una de las figuras más significativas del diseño y de la
comunicación visual del siglo XX. Aportó contribuciones fundamentales en
diversos campos de la expresión visual y no visual sobre el tema de la luz, el
movimiento y el desarrollo de la actividad creativa y la fantasía en la infancia
mediante juegos.

- Sus investigaciones visuales lo llevan a crear los Negativos-Positivos,

los cuales son cuadros abstractos con los que el autor deja a escoger
a voluntad del espectador la forma del primer plano y la de fondo, una
serie de bocetos compuestos libremente sobre la hoja donde
diferentes elementos geométricos se interponen entre sí dentro de
estructuras regulares dando vida a secuencias alternas, el ojo sigue la
línea que dibuja campos en el vacío y se pone a prueba su percepción,
puedes decidir si centrar la mirada en las zonas blancas o en el color
según tu punto de vista

- En 1951, introdujo las Máquinas arrítmicas, en las que el movimiento

repetitivo de la máquina se interrumpía por casualidad a través de
intervenciones humorísticas. Con la creación de estas, Bruno Munari
juega con la forma y el color en su estado puro. Sus máquinas son en
realidad geniales y juegan con tres variables: el espacio, el movimiento
y el tiempo. Con su creación, el nos quiere decir que conectar con su
niño interior es una fuente inagotable de creatividad. Para crearlas, se
inspiró en unos recuerdos de su infancia. Recordó ese columpio que
colgaba del techo de su casa en Badia Polesine y esas tardes que
pasaba a su ventana a soltar varios papeles de diferentes tamaños y a
observar cómo giraban sobre sí mismo al caerse.

- Durante toda su vida, Bruno Munari tuvo una meta: la búsqueda de

formas de simplificar y calificar el proceso del diseño, llegando a
apostar por una educación en el diseño que comenzará en las
guarderías. El comienza a leer cuentos para su hijo Alberto, pero
encontró un problema: los libros infantiles eran aburridos, apagados y
sin sorpresas para el lector. De allí que decidiera empezar a crear sus
propios libros empleando su metodología proyectual que consiste en
tener un máximo resultado con un mínimo de esfuerzo, de ese modo
definió el problema, analizo los elementos, aplicó creatividad
centrándose en la percepción, la página y el movimiento de esta, lo
convirtió en elementos protagónicos de la narración.
 Decidió aplicar su creatividad y así surgieron una serie de libros en las
que se despliega el espacio interno, rompiendo con su estructura
clásica y dando lugar a libros troquelados, atravesados por hilos, otros
donde una página contiene muchas páginas o con capas, paginas de
metal, transparencias sin palabras y todo tipo de novedades que por
entonces era absolutamente originales y fabulosas. Los probó con su
hijo, y al notar la buena recepción que tenían, al poco tiempo fueron
publicadas las primeras ediciones en la editorial Mondadori.

Un par de menciones son ABC publicado en 1960 y Cappuccetto

Verde Publicado en 1972

Metodologia de Bruno Munari:

- Bruno Munari nuevamente se apoya con ayuda de una frase: «Todo
problema tiene solución». Hay que detallar muy bien el problema para
evaluar las posibilidades de cumplir con una serie de indicaciones.
Dichas pautas son las que conducen a una futura solución, hasta
obtener el diseño idóneo que complazca a las masas industriales.

Desde luego, ningún problema es autómata en resolverse por sí

mismo, pero si ofrece las pautas para hallar su resolución.

3) Conclusión:
● Los diseñadores italianos fueron capaces de asimilar los diversos estilos de
diseño que ocurrían en Europa durante la época, unificarlos y adaptarlos a su
cultura. Implementaron la metodología científica (todo el proceso para crear
algo: Formulación de la tarea, plan de trabajo, fase de información,
investigación detallada, desarrollo del producto, fase de decisión y realización
y documentación) e innovaron en aspectos tipográficos, tecnológicos y de
fotografía. Todo lo anterior con el fin de promover la importancia del diseño
gráfico en la creación de empresas y sus identidades, experimentando
distintos estilos y construyendo uno propio.

Finito.

“Italia buscaba entonces, con el crecimiento del diseño y el patrocinio de

diversas empresas, crear su propia identidad distintiva y única basándose en
métodos, estilos y formas de otros países. Italia supo aprovechar el
conocimiento de los diseñadores allegados y usarlos a su favor, experimentar
con las personalidades de cada estilo y su sensibilidad, de esta forma el
 diseño se bañó en la sociedad y cultura Italiana”. Ramas relevantes:
tipografía, fotografía, tecnología y metodología.

Links:
http://www.archiviograficaitaliana.com/firms/6/studioboggeri

https://issuu.com/lauradeldic/docs/delgadolaura_apuntes2#:~:text=El%20estudio%2
0Boggeri%20va%20a,as%C3%AD%20las%20dimensiones%20del%20dise%C3%B
1ador

https://hmong.es/wiki/Marcello_Nizzoli

https://moovemag.com/2016/02/vico-magistretti-pionero-del-diseno-industrial-italiano
/

http://www.sitographics.it/imagini_boggeri.html

https://www.schweizerkulturpreise.ch/awards/en/home/design/design-archiv/design-2
015/design-gpd-2015/lora-lamm.html

https://www.re-thinkingthefuture.com/architectural-community/a5153-lora-lamm-ideol
ogy-and-philosophy/