Retrato Resumen

GÉNERO RETRATO.
Es un género explícitamente profano, aunque a veces aparezca en contextos religiosos

incluyendo la figura del que costea la obra o la dona, apareciendo en ella arrodillado o en
actitud devota.
El retrato fisonómico[2] consiste en una individualización del personaje a partir de la

imitación/reproducción de sus rasgos físicos particulares, sin otro artificio. A su vez, debe
representar los rasgos somáticos (los físicos) y la búsqueda de la expresión psicológica del
individuo. Un último paso es añadir un juicio moral sobre la persona retratada, eligiendo una
actitud particular que fijar, un gesto, una expresión.
Su origen moderno se remonta a fines de la Edad Media, en un contexto dominado por un
mayor naturalismo en la representación de las cosas y por ello también de imágenes de
personas singulares con la intención de perpetuar su imagen. Así pues, comenzó siendo
privilegio de los grandes hombres (reyes, papas, príncipes e intelectuales), para
democratizarse a partir del siglo XVI y ponerse al alcance de toda aquella persona que
pudiera pagarlo.
En cuanto al tipo o formato los más comunes son el de perfil y el de “tres cuartos”.
El de perfil era propio de los retratos renacentistas italianos del siglo XV (Quattrocento) en su
afán por imitar los modelos de la antigüedad romana presentes en las monedas y medallas de
los emperadores. Facilitaron la representación ideal del personaje (evita media cara y atenúa
los defectos físicos) que, por lo general, destaca sobre un fondo monocromo. En un principio
eran de mediano tamaño (menos de 50 cm de alto), consecuencia de su incorporación al
mobiliario doméstico, pues los primeros ejemplares estaban concebidos para contemplarse y
después guardarse en cajas, y no para colgar en paredes, que se hará más tarde (XVI).
Los pintores flamencos, encabezados por Jean van Eyck, popularizaron el llamado retrato
fisionómico. El pintor colocaba al modelo de medio perfil o tres cuartos, representaba una
mayor parte de su busto –incluso las manos unidas en rezo o sujetando un objeto– y siempre
reproducía los defectos de la cara: arrugas, cicatrices, verrugas, bolsas bajo los ojos, orejas
grandes… El efecto de realidad resulta sorprendente, máxime cuando los personajes, en vez
de evitar la mirada del espectador, la buscan.
Durante el siglo XV el retrato flamenco superó en prestigio al italiano, lo que explica su

temprana presencia en colecciones italianas o que gobernantes italianos y españoles enviaran
a sus pintores a Flandes para formarse.
Según la condición del sujeto y la finalidad del retrato, se puede distinguir entre un retrato
cortesano, de aparato y destinado, por lo general, a ser mostrado en público, y un retrato
burgués, más de carácter familiar e íntimo.
El retrato de corte o cortesano es siempre halagador para el modelo, que, para justificar la
vanidad del retratado, aparece, con frecuencia, en el escenario de sus éxitos políticos o
militares y rodeado de los símbolos de su poder y riqueza. Por lo general, el pintor prestará
más atención a describir estos aspectos que al rostro. Usados como un medio de expresión y
propaganda política.
El retrato burgués es la presentación, por lo general, de un individuo (retrato individual) o de
un grupo de personas de similar profesión (retrato de grupo o colectivo), con los atributos de
su oficio (el escritor con libros, el pintor con lápices o pinceles, etc.) para visualizar la
posición del individuo en la sociedad en un momento, a partir sobre todo del siglo XVI, en
que empieza a aceptar la respetabilidad del trabajo, sobre todo el de carácter liberal
(literatura, medicina, jurisprudencia, etc.). Variantes de este tipo son el autorretrato: el pintor
se representa a sí mismo para dejar constancia del carácter liberal y no mecánico de su tarea;
el retrato familiar, y el retrato femenino empleado, en ocasiones, como reclamo erótico o
matrimonial.
Muestra las cualidades físicas y psíquicas de una persona (no debe ser el autor). Predomina
la cara y su expresión. Se pretende mostrar las semejanzas formales, de personalidad e
incluso el estado de ánimo de ese individuo.
MARILYN
La serigrafía permitía imprimir fotografías de gran tamaño sobre el lienzo que luego se
retocaba con colores muy expresivos de tinta vinílica o pintura acrílica.
Esta obra es una de las primeras que hizo tras enterarse del suicidio de Marilyn en 1962 y
el punto de partida es una fotografía de la película Nyágara ( 1953) una de las que consagró a
la actriz como sex-simbol. Posteriormente realizaría varias series en las que conserva las
líneas y solo cambia los colores.
Warholl produce
su obra como si fuera una máquina con una analogía con las máquinas de producción en
serie de hecho a su estudió lo llamaba The Factory.
II. ANÁLISIS
Desde el punto de vista formal es una representación figurativa y aunque con cierto
parecido a la fotografía de Marilyn nadie podría decir que es ella sino una representación .
En cuanto a la línea si bien no está muy definida si que parecen existir en los labios,
ojos, cejas , pestañas, rizos del cabello, en el óvalo de la cara.
Apenas se aprecia volumen aunque si se percibe el sombreado en el cuello y sobretodo
en los cabellos con efecto de clarooscuro en una representación esencialmente plana.
No existe efecto de profundidad o perspectiva.
Destacan desde el punto de vista formal los colores que son intensos, vibrantes y
llamativos sin apenas gradación ya que no existe efecto de luz y se distribuyen por zonas el
amarillo en el pelo, rosa en el óvalo de la cara , rojo en los labios, turquesa en los párpados de
los ojos.
La expresión si nos fijamos durante unos minutos no transmite nada como si lo hacía en
cambio la Mona Lisa. .
Tampoco existe ni ritmo ni movimiento.
La repetición en serie de estas imágenes vendrían a significar su conversión en cosas en

objetos de consumo.
III. CONTEXTO, ESTILO , AUTOR
El pop art tiene su origen en 1947 en Escocia pero su auge se sitúa a finales del los
años 50 y en la década de los los 60 coincidiendo con el triunfo en Estados Unidos de la
sociedad del consumo y una cultura destinada a las masas Son los años de progresismo,
del presidente Kennedy, del nacimieno de los Beatles..
EL POP ART fue un movimiento artístico y cultural que se debe situar dentro de una
tendencia general caracterizada por la VUELTA A LA FIGURACIÓN , como reacción al
arte elitista del expresionismo abstracto , en la que se encuentra el neodadaismo, el pop art
y el hiperrealismo.
En el POP-ART los artistas se inspiran en objetos y mitos de la sociedad de consumo

y de masas extraídos de los medios de comunicación como anuncios, publicitarios, comic,
fotografias de estrellas de cine , de música o políticas...
Mantienen diferentes actitudes ante estas imágenes en algunos casos sienten como
una proximidad y empatia en tanto suponen un rejuvenecimiento del arte y una
simplificación de los contenidos que llevan a lo divertido ( se produce una comunión
artista espectador ,arte muy popular); pero en otros casos el pop art es una vía para la
crítica hacia el consumismo que que nos atrapa y aliena
La repetición de esas imágenes populares hasta la saciedad en los medios de comunicación

conduce a su banalización o cosificación , algo que de tanto consumir queda gastado y sin
contenido . Ejemplo el mito de Che Guevara o Mao como revolucionario se cosifica , pierde
su significado o contenido revolucionario, cuando se convierte en la imagen en una
camiseta.
EL AUTOR. Andy Warhol ( 1928-1987) fue un artista polifácético : pinrtor, escultor
fotógrafo, publicista; ....se convirtió él mismo en un icono de los años sesenta no solo por
su pintura sino también por sus relaciones con el cine , la literatura y sobre todo sus
relaciones con los medios de comunicación y su papel de abanderado de la modernidad
haciendo de enlace entre artistas e intelectuales, modelos, aristócratas, .....dentro de la
sociedad neoyorkina. Logró una gran popularidad durante la década de los 60 por sus series
de obras sobre personajes y objetos muy populares.
La primera gran exposición la realizó en 1962 y su tema fue el de las latas de
conserva Campbell. Ese mismo año tras la noticia de la muerte de Marilyn comienza su serie
de serigrafía que convierten más aún a la actriz en un símbolo de los años 60
Los temas más utilizados por el autor son objetos de consumo como las latas antes
citadas , la Coca-Cola , latas de conserva Campbel , las estrellas e iconos del cine y la
música. Marilyn, Elvis Presley, Liz Taylor o líderes póliticos como el Che Guevara o
Mao. Con estas representaciones tan populares y conocidas acercaba el arte al gran público
que era convertido de esta manera en consumidor.

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