Trabajo Teoría Del Espectáculo

Referencias al expresionismo alemán en El gabinete del
doctor Caligari y Metropolis

Rodrigo Morales Maldonado
El siguiente trabajo pretende realizar un análisis sobre las referencias expresionistas

cinematográficas dentro de los siguientes metrajes: “El Gabinete del doctor Caligari” y
“Metrópolis”
Se denomina expresionismo alemán, a un movimiento cultural nacido en Alemania a inicios del

siglo XX. Comenzó en el terreno de la pintura con “el grito” de Edward Münch como principal
antecedente. Los representantes de este estilo se oponían al impresionismo, por entonces
muy popular en Europa, y abrazaban una visión mas subjetiva que les permitiera transmitir la
desesperación, la angustia y locura. Es por ello que muchos de sus trabajos representaban una
visión lúgubre de la condición humana. Estas ideas eran plasmadas mediante colores
específicos, sombras y formas asimétricas que respondían al punto de vista de personajes
torturados. En el expresionismo, la subjetividad manda. Se valoran más los sentimientos sobre
la razón para buscar dar una explicación diferente de la realidad.
El expresionismo surgió en una época dura para Alemania, la primera guerra mundial había
dejado al país en un estado calamitoso. Fue una época de inestabilidad permanente. La
sociedad se encontraba en una constante depresión, debido a los constantes problemas
económicos. Además, el tratado de Versalles fue la gota que derramo el vaso para dejar a
Alemania al borde de la banca rota. Es sobre este contexto que una serie de películas
denominadas expresionistas empezaron a ver la luz, siendo “El gabinete del doctor Caligari”
una de las mas representativas al ser denominada la película expresionista por excelencia y
“Metropolis" al considerarse el punto mas alto de este movimiento y abriendo las puertas al
cine de ciencia ficción.
El gabinete del doctor Caligari es una película muda alemana estrenada en 1920 dirigida por
Robert Wiene y escrita por Hans Janowitz y Carl Mayer. La historia narra los macabros
asesinatos de Cesare, el ayudante sonámbulo del malvado hipnotista Caligari.
Ni bien empieza la obra ya podemos encontrarnos una tipográfica bastante inusual. Las letras
tienen tamaños diferentes y destaca una estética puntiaguda tanto en el fondo como en
algunos de los apellidos de los productores. El director nos pinta muy en claro el genero del
film.
La escena inicial muestra a Francis sentado en la banca de lo que parece un parque

conversando con un viejo a quien al parecer los espíritus lo persiguen. Lo primero que resalta
es el exceso de maquillaje en los personajes, dándoles un toque pálido acompañados de una
ambientación lúgubre, que recuerda a un cementerio. La escena avanza y vemos llegar a Jane,
la novia del protagonista, que con un atuendo que la hace ver como un espectro que camina
sin rumbo. La escena puede aludir al trágico final de la mujer, ya que recordamos que esta se
desarrolla luego de los sucesos de la película. Asimismo, es interesante la forma en que el
director intercala entre los planos. Oscilando entre planos cerrados a la cara de los actores
acompañados de un fondo negro. Asumo que la intención es explotar aún más el misterio, así
como la expresividad del maquillaje y la gestualidad de los protagonistas.
La escena cambia y ahora vemos un plano general de la ciudad. A primera vista resalta la falsa
escenografía teatral, en contraste del inicio que era real. La disposición de las barandillas,
respecto a la orientación de la ciudad no esta alineada, casi parece como si la misma se
estuviese cayendo en pedazos. Es sobre esta que vemos llegar al doctor Caligari con un plano
que cierra en su cara resaltando lo tétrico y misterioso que es este monstro.
Luego, el film nos muestra diferentes planos dentro de la ciudad, como casas, habitaciones y
calles. Resaltando aun mas lo bizarro de la obra. Podemos ver cuadrados imperfectos en las
ventanas, así como algunas formas ovaladas en las mismas. En el trabajo de sombras resaltan
las figuras puntiagudas y formas extrañas en las diferentes estructuras de las calles y casas. Por
último, los fondos de muchas escenas parecen sacados de algún cuadro expresionista, debido
a los tachones y formas extrañas que los acompañan.
La escena de la secretaría me parece una obra maestra. En ella podemos ver al secretario
sentado en lo que parece una silla gigante en contraposición del Doctor Caligari que se sienta
en una pequeña. Creo que esta escena busca dar un mensaje claro y contundente: el estado
esta sobre los monstros.
Otra escena interesante es la presentación de Cesare, el sonámbulo. Wiene realiza un

interesante encuadre directo a la cara del personaje y podemos apreciar como va despertando
poco a poco. Como es costumbre, resalta el exagerado uno del maquillaje con unas peculiares
sombras de ojos que alude a su eterno sonambulismo. Su expresión es grande y terrorífica. El
personaje recuerda al mayordomo de la familia Adams.
La obra goza de un estilo actoral claramente teatral. Casi parece como si alguien hubiese
puesto una cámara y estuviera retransmitiendo la obra en streaming. Las expresiones de los
personajes son grandilocuentes y exageradas. La escena del amigo de Francis enterándose que
vivirá hasta el amanecer es muestra de aquello. En ella, podemos ver todo el proceso de como
el miedo se va apoderando de él. Es una escena que en la actualidad podría parecer hasta
cómica e innecesaria, pero que para la época era tendencia debido a la ausencia del sonido.
Bien se dice que el público entiende mas de lo que ve que de lo que escucha.
La cinta termina con el descubrimiento de que al final todo fue el sueño de Francis. Si bien es
sabido que, tanto la escena inicial como la final fueron añadidas luego a pedido de las
autoridades, la misma no deja de ser interesante. Aludiendo un poco a lo que luego hará
películas como “El mago de Oz” donde el espectador no sabe si realmente sucedió la historia o
fue todo un sueño de Doroty. El gabinete del doctor Caligari fue el gran sueño de un demente.
Este final no deja de ser poético, ya que tanto los personajes, como la ciudad y, quien sabe,
hasta la tipografía de las letras era el punto subjetivo de Francis. No estamos viendo la realidad
como es, sino que la vemos atreves de los ojos de un demente, siendo este el concepto de un
verdadero arte expresionista.
Por otro lado, tenemos a Metropolis, una película muda alemana estrenada en 1927, con
guion de Thea von Harbou y Fritz Lang. Este metraje no es solo considerado como el punto
mas alto de la cinematografía impresionista, sino que abre las puertas al género de la ciencia
ficción.
El argumento se centra en una gran metrópolis, un universo donde existen dos clases sociales:
los obreros y los magnates. Los primeros son explotados por los segundos, quienes viven en la
superficie del mundo considerados la élite social. Ante esto, una joven María intenta apaciguar
los indicios de revuelta con palabras de amor, pronosticando la llegada de un mediador que
pondrá fin a sus miserias. Freder, el hijo del dirigente de Metrópolis, queda enamorado de
María y, luego de descubrir las penurias de los obreros decide ayudarlos. Freder pide ayuda al
científico Rotwang, quien a su vez le muestra un robot de su invención. El robot, tiene la
capacidad de suplantar la apariencia y conducta de una persona, así que deciden suplantar a
María. Lo que el protagonista no sabe, es que el robot esconde el alma de la esposa de
Rotwang, la cual tuvo un amorío con el padre de Freder y falleció. Buscando venganza,
Rotwang secuestra a María y crea una versión maligna de la misma, la cual engaña a los
obreros y los manipula hasta destruir el corazón de la ciudad. Ante tanto caos, la planta es
inundada. Los obreros temen por sus hijos y, ante no conseguir ayuda de la falsa María, la atan
a un poste y le prenden fuego. Por otro lado, Rotwang escapa con la verdadera María a lo alto
de una iglesia. Freder lo enfrenta y finalmente Rotwang muere. Finalmente, se anuncia que el
verdadero mediador entre el cerebro y la mano ha de ser el corazón.
Podemos encontrar amplias referencias al expresionismo en diferentes partes de la película.

En la escena inicial, donde podemos ver a los obreros en el cambio de turno, resalta el
monótono color de los vestuarios en tonos oscuros e iguales. Los trabajadores que cambian de
turno parecen salir de un ascensor en forma de cárcel, mientras que los que ingresan lo hacen
con una coreografía con la cabeza inclinada ligeramente hacia abajo. Es una escena magnifica,
pues en pocos segundos ya ha quedado clara la situación en la que viven esas personas y el
punto de vista del director hacia lo que será el trabajo en el futuro. La música que acompaña la
escena se caracteriza por acordes menores y metales que resaltan este ambiente “metálico”
industrial, mientras que los violines cantan el dolor de los trabajadores con escalas
descendentes.
La escena donde Freder llega a la fabrica esta cargada de simbolismo. En primero lugar,
podemos ver una maquina gigante, la cual es controlada por los obreros en una robótica
coreografía. Cabe resaltar que Fritz era arquitecto, por lo cual esta grandilocuencia tétrica en la
arquitectura y escenografía de la obra no es una casualidad. Asimismo, recordemos que
Europa acababa de salir de la primera guerra mundial, en otras palabras, el mundo ya había
sido testigo de lo terrorífico que pueden ser las maquinas. Es por ello que esta escena resalta
de forma casi poética, creando el simbolismo de los obreros entrando a una especie de
maquina infernal luego de la muerte, en un desfile militar hacia el averno.
Otra escena interesante es la aparición del robot. Una clara referencia a películas futuristas
como Star Wars (C3P0). Asimismo, el baile de María se realiza con una coreografía de
movimientos abruptos e impredecibles. Esto genera un peculiar aire bizarro, debido a lo
impredecible de sus movimientos, sin dejar de lado la exagerada sobre actuación que tanto
caracteriza a esta vanguardia. Además, vemos una clara referencia al baile de la cabaretera de
l a película El quinto elemento, y es que Metropolis abre las puertas a lo que luego será el cine
de ciencia ficción.
Aquel pensamiento futurista con la ciudad, los trenes flotantes, algunos aeroplanos y los
grandes rascacielos (Estos últimos siendo una clara referencia al Nueva York de los años 20).
Será luego tomada por muchas películas y series del mismo corte como Futurama, Back to the
future y Star Wars. De hecho, esta última copia el plano general de la ciudad para construir el
planeta de Corousant en el episodio 2.
La importancia de Metropolis como película clave para la historia del cine es clarísima.
Combinando las características del impresionismo alemán llevadas al extremo dando como
resultado un futuro distópico que, sin querer, abrirá las puertas hacia un nuevo genero
cinematográfico.

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doctor Caligari y Metropolis

El siguiente trabajo pretende realizar un análisis sobre las referencias expresionistas

Se denomina expresionismo alemán, a un movimiento cultural nacido en Alemania a inicios del

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Otra escena interesante es la presentación de Cesare, el sonámbulo. Wiene realiza un

Podemos encontrar amplias referencias al expresionismo en diferentes partes de la película.

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