Hacia Una Nueva Cultura Visual

HACIA UNA NUEVA CULTURA VISUAL
En las últimas décadas del siglo XIX y principios del siglo XX aparecen una serie de nuevos
fenómenos artísticos a la vez que se transforma radicalmente la teoría del arte y de la
arquitectura. Los más trascendentales de estos fenómenos artísticos son el Art Nouveau, el
impresionismo y el expresionismo.
EL ART NOUVEAU
El Art nouveau es un fenómeno nuevo y complejo, consecuencia de la industrialización, del

cosmopolitismo urbano y de una nueva cultura visual que se convierte en una moda; pretende
satisfacer la “necesidad de arte” de toda la sociedad y penetrar en todos los ámbitos de la
producción desde el equipamiento doméstico y mobiliario, el vestuario, el arte figurativo y
decorativo, el espectáculo, la construcción de todas sus tipologías hasta el urbanismo.
CARACTERISTICAS:
 Temática Naturalista
 Motivos Icónicos
 Tipologías Del Arte Japonés
 Morfología Basada En Arabescos Lineales Y Cromáticos
 Tiene una predilección por los ritmos determinados por la curva y el color de tintas
frías, suavizadas, transparentes, planas o bien irisadas y difuminadas.
ANTONI GAUDI (1852-1926)
Máximo exponente del modernismo en España, Gaudí rechaza la utopía racionalista y

abstracta de contenido social porque cree en un arte concreto para el pueblo. Se abandona
totalmente al impulso lirico mostrando una audacia al construir un léxico formal con las
inagotables innovaciones de sus invenciones constructivas y decorativas logrando demostrar
las inmensas posibilidades del lenguaje arquitectónico moderno. Llega hacer una arquitectura
totalmente visual, cuya autentica estructura es la estructura de la imagen y puesto que la
materia de la imagen es el color, la materia de su construcción es únicamente el color; el resto,
es decir, el hormigón, los ladrillos, o el hierro no es más que la materia del soporte.
LA SAGRADA FAMILIA CASA MILA
IMPRESIONISMO
Impresionismo es la denominación de un movimiento artístico definido inicialmente para

la pintura impresionista, a partir del comentario despectivo de un crítico de arte (Louis Leroy)
ante el cuadro Impresión, sol naciente de Claude Monet, generalizable a otros expuestos en
el salón de artistas independientes de París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874 (un
grupo en el que estaban Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul
Cézanne, Alfred Sisley y Berthe Morisot).
Aunque el adjetivo «impresionista» se ha aplicado para etiquetar productos de otras artes,

como la música (impresionismo musical —Debussy—) y la literatura (literatura del
Impresionismo —hermanos Goncourt—), sus particulares rasgos definitorios
(luz, color, pincelada, plenairismo) lo hacen de muy difícil extensión, incluso para otras artes
plásticas como la escultura (Rodin) y la arquitectura; de tal modo que suele decirse que el
Impresionismo en sentido estricto sólo puede darse en pintura y quizá
en fotografía (pictorialismo) y cine
El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo

XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de
plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la
proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas
pintaban el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este. Fue clave para el
desarrollo del arte posterior, a través del posimpresionismo y las vanguardias.
Impresión: sol naciente- Claude monet

EXPRESIONISMO
El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que

se plasmó en un gran número de campos: artes
plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. primera manifestación fue en
el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho
que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas
“vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un
movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos
artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual.
El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de

forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de
los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el
expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico.
Franzi ante una silla tallada-Ernst ludwing

En arquitectura, el expresionismo alemán está
presente por el grupo de noviembre formado
por B. Taut, Poelzig, Behrens, Mendelsohn y
Sharoun. Estos arquitectos apelaban a la
invención y la creación arquitectónica como
antídotos frente a la depresión generalizada;
reivindicaban que se creara un campo para la
más abierta experimentación formal y que se
utilizada todas las nuevas ideas que se habían
manifestado en el ámbito del modernismo
arquitectónico incluyendo a Gaudí.
La Torre Einstein (1919-23)
No se concibe como una combinación de planos, sino como un bloque unitario plasmado y
escavado. Las soluciones formales que da Mendelsohn a sus edificios no solo se corresponden
a su función sino que la expresan como un movimiento vital integrado en el dinamismo de la
realidad social.
La Torre Einstein- Erich Mendelsohn
LAS NUEVAS TEORIAS DE LA FORMA
Paralelamente a los nuevos fenómenos artísticos que aparecen en las últimas décadas de siglo
XIX, en un breve arco temporal de apenas veinte años se transforma radicalmente la
metodología de análisis y teoría del arte y de la arquitectura. Los sistemas filosóficos de
Immanuel Kant, Johan Friedrich Herbert y la psicología, hacia los magistrales inicios de August
Schmarsow, Alois Riegi, Heinrich Wolfflin, Paul Frankl y otros. Posiblemente nunca se vuelva a
dar un cambio tan trascendental en la teoría, la crítica y la historia como aquel final de siglo
XIX. La base de estas nuevas teorías y de las diferentes escuelas es el puro análisis formal y la
noción del espacio. Derivando del pensamiento de Kant, del reconocimiento de la autonomía
de la forma y del lenguaje artístico, emerge una nueva teoría de la percepción. Inicia esta
nueva interpretación de la obra, la doctrina de la “pura visualidad” creada por el filósofo
Konrad Fiedler(1841-1895) y por el escultor Adolf von Hildebrand (1847-1921) quien realiza
una transformación radical en la interpretación de la obra de arte delimitando sus valores
espirituales y figurativos sin recurrir a referencias externas y dependiendo del punto de vista
del receptor.
LA ESTETICA DE BAUMGARTEN (siglo XVIII)
El filósofo alemán Alexander Baumgarten escribió dos volúmenes de su obra Aestetika en la

que trataba de plantear la estética como una disciplina científica. Este fue el primer intento
sistemático de utilizar el tratamiento de la belleza los principios racionales y las leyes
científicas, así como le elevar al status de ciencia, dotando de un cuerpo doctrinal
independiente los temas referentes a los sentimientos y al sentido de la belleza tras reconocer
que los sentimientos responden a un conocimiento sensible comparable al conocimiento
racional, Baumgarten afirmaba que el sentido de belleza era una conocimiento real. Sin
embargo mantenía la dicotomía entre conocimiento no racional nacido de los sentidos y
conocimiento puro derivado racionalmente de la lógica y, además se afirmaba que aun cuando
el conocimiento sensible fuera real, se trataba de una categoría inferior a la del conocimiento
humano. Por tanto la ciencia de la estética fue calificada por su propio fundador como ciencia
del conocimiento inferior; de aquí se deducía que el arte era inferior a la ciencia.
LOS SENTIDOS Y LA RAZON EN LA COCEPCION DE LA BELLEZA
 Edmund Burke, admitía que la belleza produce ciertos efectos corporales que
particularizaba en la contemplación de superficies lisas y suaves, pues producen una
relajación muscular en tanto que los rugosos o angulosos conmocionan y excitan los
sentidos. Aparece, por tanto, en este planteamiento, el sentido de la belleza ligado con
los sentidos corporales.
 Robet Vischer, introdujo en 1872 la “empatía” como la unión emocional –
comunicación- entre el ser humano y el mundo exterior. De esta manera los
sentimientos del artista se insertan en la obra de arte y se convierten en el contenido
de esa obra.
 Geoffrey Scott, al hacer una “distinción” entre las medidas mecánica, visual y la
sensación que este produce sobre el observador, nos revela el profundo dilema que el
siglo XX heredo de la ilustración: la sobrevaloración del sentido de la vista a lo largo de
muchos siglos, de modo que cualquier otro medio sensible se consideraba inferior o
menos importante. Pues, el mismo término de “iluminismo” aludía a la metáfora
platónica de la vista que relaciona la visión y la luz con la verdad.
EL FORMALISMO DE KONRAD FIERDLER Y ADOLF VON HILDEBRAND
 El escultor Adolf Hildrebrand, a finales del siglo XIX y comienzos del XX analizaba la
escultura como arte visual derivada del dibujo y distinguía aquella hecha para ser vista
de lejos y de aquella otra vista de proximidad.
 Hildrebrand relaciona la forma con la apariencia, visión lejana, mientras introduce la
noción de espacio vinculada con una visión dinámica, cercana, analítica, científica y
tridimensional, que recorre la obra con el constante movimiento ocular del estudioso
alcanzado una visión tectónica y táctil. Así la percepción visual se basa en la visión
lejana y bidimensional, sistemática y propia del artista. Pero ambas percepciones,
tanto la visual como la espacial, señalan hacia una transformación radical en la
interpretación de la obra exclusivamente desde el punto de vista de su recepción a
través del sentido de la visión.
 Hildebrand encabeza la corriente del “formalismo” teoría de la que fue divulgador.
 La reducción de la forma a sus componentes más esenciales que llevaron a cabo los
grandes maestros de la arquitectura moderna salidos del expresionismo alemán, fue
en gran parte, fruto de una potente voluntad de experimentación formal y expresiva.
 Conceptos en el arte y la arquitectura moderna como la simultaneidad futurista, la
cuarta dimensión cubista, el espacio-tiempo neoplástico, la rotura de la caja wrigtiana,
el paseo lecorbusiano, la fluidez espacial miesiana, etc. están relacionados con los
conceptos de hildrebrand.
ALOIS RIEGL: KUNSTVOLEN Y LA NUEVA CATEGORIA DE “ESPACIO”
 Es el máximo representante de la instauración de una teoría formalista

 Riegl sostiene que la evolución histórica de arte viene determinada por el incremento
de la capacidad humana de aprender el mundo visual
 A dirección de esa evolución progresiva desde la negación absoluta del espacio en los
inicios del arte hasta su plena aceptación en el arte moderno.
 Riegl contribuye con hildebrand y schmarsow a la creación de una nueva categoría
teórica “el espacio” como esencial en el análisis de la obra de arte y la obra
arquitectónica en particular.
LA TEORIA DE LA GESTALT
 Ahora era posible elaborar teorías partiendo de la experimentación, al constatarse la

tendencia o “voluntad” del hombre a simplificar y ordenar los estímulos externos, la
nueva arquitectura se afirmaba en formas geométricas y rectilíneas más fácilmente
reconocibles que constituían, a su vez, la forma más elevada de la expresión
arquitectónica.
 Esa simplicidad geométrica no dejaba de ser sintomática de los prejuicios
intelectuales, derivados del pensamiento platónico, que existía dentro de las
academias europeas y la exaltación platónica del sentido de la visión que buscaba
mayor ahínco la manera más pura de conocer las formas perfectas.
PURA VISUALIDAD Y VANGUARDIAS DEL SIGLO XX

Tras la caída de los ideales unitarios clásicos, se caracterizaban por una interpretación
dualista basada en invariantes contrapuestos, que se correspondían en el fondo con el
pensamiento racionalista. Dichas dualidades difícilmente superables, aunque cada vez más
ajenas a la compleja realidad del arte contemporáneo, eran tales como científico y artístico,
abstracción y figuración, tectónico y visual, unidad y multiplicidad.
El arte no puede regirse por cánones de belleza sino por criterios dialecticos y relativistas en la
percepción visual.
MOHOLY-NAGY: LA NUEVA VISION
 Dicho libro constituye una autentica gramática del diseño moderno, basada en
las ideas de la pura visualidad, en la centralidad de la experiencia del espacio y
en el creacionismo. Para ello tenía que partir de un idealizado hombre natural,
primitivo e incontaminado que con su energía creativa configuraría un mundo
abstracto y neoplasticista, obviamente mescla del racionalismo cartesiano, del
positivismo y del cientifismo de August comte y Gottfriend Semper.
BAUHAUS Y EL PROBLEMA DE LA COMUNICACIÓN VISUAL
 En el método de la bauhaus está presente la concepción de la ciudad como

sistema de comunicación. El trazado de la ciudad, las formas de los edificios,
de los vehículos, los muebles, la ropa, los objetos, la publicidad, todo ello es
comunicación. Y todo lo que entra en el inmenso ámbito de la comunicación
visual es en la Bauhaus objeto de análisis y de proyecto.

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El Art nouveau es un fenómeno nuevo y complejo, consecuencia de la industrialización, del

ANTONI GAUDI (1852-1926)

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