Alumno: Olivera Ulises

2do POP – Turno Mañana

RENACIMIENTO
1) Ubicar este período de la historia del arte en el tiempo, siglos o años que abarca,
relaciones con hechos históricos, políticos, religiosos, etc.
2) Diferenciar las características del arte en los períodos del Quattrocento y del
Cinquecento según Gombrich.
3) Analizar una de estas tres pinturas y señalar los aspectos que la identifican como una
obra del arte renacentista.

1,2) El Renacimiento fue un periodo del arte que se dio en torno al siglo XV e inicios
del siglo XVI, que tuvo distintas etapas históricas, a las cuales los italianos la
denominan, Quattrocento y Cinquecento, respectivamente.
El termino renacimiento significa “volver a nacer” o “instaurar de nuevo”. La idea de un
renacer se relacionaba con el espíritu de los italianos que buscaban recuperar la
“Grandeza de Roma”.
Los italianos del siglo XIV creían que la cultura, el arte y la ciencia habían alcanzado su
esplendor en la época clásica, sin embargo, todos esos conocimientos fueron destruidos
por los barbaros del norte y por ello, era su deber devolver el glorioso pasado a su
presente.
En las primeras décadas del siglo XV, en la ciudad de Florencia, surge un grupo de
artistas que lograron crear un nuevo arte rompiendo con las ideas del pasado. Entre ellos
podemos encontrar a Brunelleschi (1377-1446), Donatello (1380-1405), Masaccio
(1401-1428), Jan van Eyck (1390-1441), entre otros que también aportaron al desarrollo
de este arte.
Podríamos decir que en el Quattrocento se establecen las bases del Renacimiento.
Es posible identificar la presencia de la simetría axial, la arquitectura civil, las cúpulas y
un orden armonioso, dado que en el ámbito arquitectónico se llevaron a cabo estudios
sobre las formas romanas. Es por esto que se hacen presentes en, por ejemplo, el interior
de la capilla Pazzi los capiteles corintios o jónico, divisiones y subdivisiones en grises
pilastras que comunican la idea de un orden clásico.
Con esto, buscaban conseguir un nuevo modo de construcción, en el cual las formas de
la arquitectura clásica puedan ser utilizadas libremente con la finalidad de crear nuevas
combinaciones de belleza y armonía.
En cuanto a la pintura, se cree que Brunelleschi realizó un gran descubrimiento que
estará presente en los consiguientes siglos: la perspectiva.
Además, artistas como Masaccio y Mantegna, destacaban por la utilización del escorzo,
la crudeza, el realismo. El arte comenzó a tornarse en algo más sincero, emotivo y
simbólico. Se desarrolla la técnica del claroscuro que buscaba infundir vida y
verosimilitud con la realidad.
Mientras tanto, en el Norte, también se desarrollaba este arte, sin embargo, para poder
diferenciar el italiano del nórdico, en resumen, el arte renacentista italiano se destacó
por su idealización y armonía, mientras que el arte renacentista nórdico se caracterizó
por su atención al detalle, expresividad emocional y una conexión más estrecha con la
vida cotidiana.
En la escultura, hace aparición el mas grande escultor que rompió completamente con el
pasado: Donatello. Al igual que la pintura de Masaccio, buscaba sustituir las delicadezas
y refinamientos de sus predecesores por una nueva y vigorosa observación del natural.
Además, las figuras son rígidas y angulosas en sus movimientos. Sus ademanes son
violentos y en ellas no se hace nada por mitigar el horror del asunto.
También se realizaban relieves con uso de la perspectiva para contar historias, bíblicas
en su mayoría.
“En todas partes, los artistas europeos de aquella generación desafiaron las viejas
ideas acerca de la belleza y turbaron a muchas personas de edad más avanzada” (pág.
244- cap. 12), la frase resalta la ruptura con los antiguos estándares de belleza y el
impacto provocativo que tuvieron las obras de los artistas europeos en las personas más
conservadoras de la época.
El inicio del siglo XVI, el Cinquecento, es considerado la era dorada del arte italiano y
uno de los mas grandes de todos los tiempos. Se lo conoce por el nombre de Alto
Renacimiento: fue la época de muchos celebres maestros.
En este momento, el artista era libre, ya que, en un inicio, era la realeza quien otorgaba
favores al artista, sin embargo, ahora lo papeles se habían invertido y eran los artistas
quienes se encargaban de poner condiciones.
El Renacimiento también fue testigo de la Reforma protestante, un movimiento
religioso liderado por figuras como Martín Lutero y Juan Calvino. La Reforma
cuestionó la autoridad de la Iglesia católica y condujo a la formación de nuevas
denominaciones cristianas, lo que tuvo un profundo impacto en la sociedad y la política
europeas.
Continuaba el interés por los textos clásicos y del estudio de la literatura, la filosofía y
la ciencia de la antigua Grecia y Roma. Es por esto que, en su arquitectura, el arquitecto
debía poseer algo de los conocimientos de un docto en estudios clásicos. En ningún otro
dominio, se puso tan de manifiesto este conflicto, entre las exigencias de los clientes y
los ideales del artista como en este ámbito.
Aspiraban a una regularidad y una simetría perfecta, que desafiase las antiguas
tradiciones, así como la búsqueda de un perfecto equilibrio y armonía. Uno de los
artistas destacados en este dominio fue Donato Bramante, cuyo espíritu de osadía es un
ejemplo de una de las características del Alto Renacimiento.
A diferencia del Quattrocento, esta etapa se enfocó en lograr una mayor sensación de
vitalidad y vida en sus obras, en contraste con el período anterior, donde las figuras
parecían estáticas y rígidas como estatuas. Durante el Alto Renacimiento, los artistas
buscaban representar la naturalidad y la fluidez de las formas humanas, creando
composiciones dinámicas y realistas que transmitían una sensación de movimiento y
energía.
En Florencia surgen algunas de las mentes maestras de la época, como Leonardo Da
Vinci, cuyas investigaciones hicieron grandes aportes, tanto al campo de la ciencia,
como la ingeniería y el arte. En este último, se destacan dos de sus grandes obras como
La ultima cena y La Mona Lisa. Podríamos decir que revolucionó la pintura al aplicar
técnicas como la perspectiva, el sfumato (suavizado de los contornos) y el uso de luces
y sombras para lograr mayor realismo.
El segundo florentino cuya obra hizo tan famosa el arte italiano del siglo XVI, fue
Miguel Ángel Bounarroti. Fue reconocido por su habilidad excepcional en la escultura.
Sus obras maestras incluyen el "David" y la "Piedad". Uno de los secretos de su arte que
mas han maravillado siempre, es que cuanto más contorsiona a sus figuras en violentos
movimientos, más firmes y solidos resultan sus contornos.
A pesar de ser más conocido por su escultura, también fue un pintor talentoso. Su obra
más famosa en este campo es el techo de la Capilla Sixtina, en la Ciudad del Vaticano.
Esta monumental obra maestra muestra una serie de escenas bíblicas, entre las que
destaca la "Creación de Adán". Se destaca por ser una soberbia obra decorativa y su
disposición del conjunto. En estos desnudos se despliega toda la maestría de Miguel
Ángel al dibujar al cuerpo humano en cualquier posición y desde cualquier ángulo.
Por último, podemos destacar a Rafael, quien dejó un legado duradero en el arte del
Alto Renacimiento. Su estilo elegante, su maestría técnica y su habilidad para capturar
la belleza y la humanidad en sus obras continúan siendo admirados y estudiados hasta el
día de hoy.

3)
E n esta obra podemos destacar las siguientes
características del Renacimiento:
- Equilibrio y armonía en la composición.
- Naturalismo, ya que captura la anatomía
humana con precisión y plasma los detalles de
la naturaleza y los objetos con fidelidad.
- Uso de la luz y el color, para crear efectos de
volumen, profundidad y atmósfera en la obra.
- Luz natural, es decir, no existe un punto focal y
todas las figuras están iluminadas de la misma
forma e intensidad.
- Uso de la perspectiva, para crear la ilusión de
profundidad y espacio tridimensional en la
pintura al superponer y variar el tamaño de los
distintos elementos.

MANIERISMO
1) Ubicar temporalmente y vincular con características y hechos históricos, políticos,
religiosos, etc. de la época.
2) Mencionar las características del estilo artístico según Gombrich.
3) ¿Qué lo distancia del arte del Renacimiento?
4) Analizar una de estas tres pinturas y señale en qué identifica una característica
manierista.

1,2) El manierismo es un movimiento artístico que se desarrolló a finales del siglo XVI.
La Reforma Protestante, que tuvo lugar en este siglo, tuvo un impacto significativo en el
arte manierista ya que, por un lado, la Reforma rechazó y condenó la ostentación, la
idolatría y el culto a las imágenes que se asociaban con la Iglesia Católica. En
consecuencia, las obras de arte religioso elaboradas y decorativas, tan características del
Renacimiento, fueron consideradas innecesarias y se vieron limitadas en su producción.
Este cambio en la mentalidad religiosa ocasiono que los artistas manieristas, que
trabajaban en gran medida para instituciones religiosas, se vieron afectados por la
disminución de la demanda de arte religioso y tuvieron que adaptarse a los nuevos
valores y gustos de la sociedad.
Surge en un momento donde los ciudadanos europeos creían que la pintura había
alcanzado la cima de la perfección, por lo que muchos de los artistas de la época
comenzaron a preguntarse si efectivamente aun quedaba algo por hacer. Algunos
artistas manieristas buscaron nuevos enfoques y lenguajes visuales más complejos,
extravagantes y simbólicos.
El Manierismo se caracterizaba por presentar figuras antinaturales y alargadas
(anamorfosis). El pintor deseaba ser heterodoxo y demostrar que la solución clásica de
la armonía no era la única posible.
Artistas como Tintoretto o El Greco, exploraron otros modos de representar los mitos y
las leyendas del pasado, focalizando en que el espectador sintiese el drama intenso y
conmovedor de los acontecimientos, a través de intensos contrastes de luz y sombra, de
proximidad y lejanía y de falta de equilibrio en simetría y ademanes. Las extremidades
van en una dirección y el torso en otra (línea serpentina).
En la arquitectura, los artistas jóvenes asombraban con invenciones propias y originales.
La búsqueda de la novedad y la preferencia por efectos visuales llamativos habían
eclipsado el propósito original de la arquitectura.

3) El manierismo se distancia del Renacimiento al adoptar un estilo más complejizado y

4)
En esta obra podemos destacar las
siguientes características que
pertenecen al Manierismo:
-Utilización del claroscuro para
generar contrastes de luz y sombra
-Podemos observar una iluminación
que le otorga dramatismo y
teatralidad a la obra, algo que se
ejecutaría con mayor intensidad en el
Barroco
-Se trata de una composición compleja, con una gran cantidad de detalles a lo largo de
la obra.
-Hay un dinamismo presente, todos los personajes se encuentran realizando una acción
y podemos apreciar cierta exageración en ellas.
-Proporciones distorsionadas que otorgan una sensación de tensión y movimiento.

BARROCO
5) Ubicar temporalmente y vincular con características y hechos históricos, políticos,
religiosos, etc. de la época.
6) Mencionar las características del estilo artístico según Gombrich.
7) ¿Por qué Severo Sarduy habla de cosmología en relación con el barroco?
8) Elija una de estas tres pinturas y señale en qué identifica una característica barroca.
Elaborar un escrito individual respondiendo estas tres consignas.

5,6) El período histórico del Barroco se sitúa aproximadamente entre los siglos XVII y
mediados del XVIII.
El Barroco surge en Italia y se extiende en toda Europa, por lo que se desarrolla en
diferentes momentos y con características particulares en diversas regiones de Europa.
“Barroco” fue un termino empleado por comentaristas contemporáneos de la época, que
buscaban ridiculizar este movimiento, por lo que significa realmente absurdo o
grotesco, debido a que no estaban de acuerdo en oponerse a los cánones clásicos,
establecidos en el renacimiento.
Fue una herramienta propagandística de la Contrarreforma. Esta fue la respuesta de la
Iglesia Católica a los protestantes. Durante este período, la Iglesia buscó recuperar y
fortalecer su influencia, llevando a cabo renovaciones internas y promoviendo una
expresión artística y arquitectónica más impactante y emotiva para reafirmar la fe
católica (concilio de Trento).
El siglo XVII estuvo marcado por numerosos conflictos y guerras en Europa, como la
Guerra de los Treinta Años y las guerras de religión.
Algunos de los artistas más destacados de este período incluyen a Caravaggio, Bernini,
Rubens, Velázquez, Rembrandt, entre otros.
En su arquitectura se logro combinar los rasgos principales de las iglesias medievales
(su forma rectangular resaltando el alta mayor) con las aportaciones arquitectónicas
renacentistas, es decir, los interiores grandes y espaciosos, bañados por la luz a través de
una cúpula.
Este periodo se caracterizaba por el realismo, aunque cuenta con exageraciones y
movimientos que demuestren tensión y pasión a la vez. Buscaban copiar fielmente la
naturaleza, aunque esta nos parezca bella o fea. No sentían ninguna preferencia por los
modelos clásicos ni ningún respeto por la belleza ideal. Se buscaba romper con los
convencionalismos y pensar por si mismos con respecto al arte.
A través de recursos como el tenebrismo, la iluminación focal, el esfumado, el pasaje y
un contraste muy marcado, en su gran mayoría, representa sentimientos de impacto
profundo y su composición tiende a parecer una obra teatral.
Revivían temas religiosos, mitos clásicos, políticos y la vida cotidiana, aunque en menor
medida. El arte barroco también se centró en la representación de retratos, autorretratos
y naturaleza muerta.
Se desarrolló de diversas maneras en las regiones de Europa, adoptando características y
enfoques distintos según las influencias culturales y las condiciones históricas de cada
lugar.
En Italia, el barroco se caracterizó por la grandiosidad, la emotividad y la exuberancia.
Los artistas italianos como Bernini y Caravaggio tuvieron un impacto significativo en el
desarrollo del estilo barroco, especialmente en la escultura y la pintura.
En España enfocaron en temas religiosos y expresaron una fuerte devoción católica.
Velázquez y Francisco de Zurbarán son dos destacados pintores barrocos españoles.
En Francia, el barroco adquirió un estilo más elegante y formal. El arte barroco francés
se caracterizó por su simetría, equilibrio y orden, influenciado por la estética clásica. El
Palacio de Versalles es un ejemplo icónico de la arquitectura barroca francés.
En los Países Bajos, artistas como Rembrandt y Vermeer, destacaron por su enfoque
detallado y realista, así como por su habilidad para representar la luz y las texturas.
7) Utiliza el término "cosmología" de manera metafórica, se refiere a la visión del
mundo y la concepción del universo que se reflejan en el arte barroco. Sarduy busca
transmitir la idea de que el arte barroco no solo era una manifestación estética, sino
también una forma de concebir y representar el universo en su complejidad y
diversidad.

8)
En esta obra podemos señalar las siguientes
características barrocas:
-Tema religioso, ya que el arte barroco se caracterizó por
su enfoque en la representación de escenas bíblicas.
-Sfumato
-Tenebrismo, ya que se perciben fuertes contrastes de
luminosidad
-Estilo emotivo y teatral, uso de una luz focal y la
sombra, el movimiento exagerado y las composiciones
dinámicas que busca crear un impacto visual.