¿Qué es Dibujo?

El dibujo es el arte y técnica de dibujar. Mediante el acto de dibujar, queda plasmada

una imagen, sobre un papel, lienzo o cualquier otro material, haciendo uso de diferentes
técnicas.

El dibujo es una forma de expresión gráfica en un plano horizontal, o sea en dos

dimensiones. Es también una de las artes visuales. A lo largo de los años la humanidad lo
ha utilizado como una forma de expresión universal y también de transmisión de la
cultura, el lenguaje y demás.

El dibujo sirve de herramienta expresión de los pensamientos o de los objetos reales,

cuando hay cosas que las palabras no pueden explicar se dice que es mejor dibujar.
Siempre el artista realiza un trabajo mental previo a plasmar sus ideas, en donde mezcla
ideas, sentimientos, recuerdos u otros para obtener el acabado final.

Tipos de dibujos

Existen muchas modalidades de dibujo, según el objetivo con el que se realice el dibujo
y las técnicas que se apliquen para hacerlo:

a. El dibujo artístico implica dibujar con el fin de representar artísticamente figuras

humanas, animales, de fantasía o abstractas. Es el tipo más libre de dibujo, ya que puede
incorporar todas las técnicas y los materiales según las intenciones del artista.

b. El dibujo animado es una práctica por la cual se realizan múltiples dibujos que en su
conjunto representan una escena en movimiento, y luego son proyectados de manera
sucesiva, rápida y continua, creando la ilusión de que se está en presencia de una imagen
continua. Es muy utilizado en el cine y la televisión.
c. El dibujo técnico sirve para representar la composición de herramientas o máquinas,
o bien los procedimientos de construcción, ensamblaje y utilización de los artefactos. Es
muy utilizado en la industria y en la ingeniería.

d. El dibujo arquitectónico se utiliza para diseñar espacios habitables mediante planos

arquitectónicos que estipular la forma y distribución espacial de las construcciones. Este
tipo de dibujo recurre a técnicas muy precisas y tiene reglamentos que los arquitectos
deben respetar para diseñar casa, edificios o monumentos.

e. El dibujo geodésico se utiliza para dibujar objetos de forma esférica, y el vectorial,

que se realiza enteramente mediante tecnología digital.
Qué es un dibujante

Es aquella persona que se dedica a

elaborar dibujos a nivel profesional, por
afición o pasatiempo, aplicando técnicas y
herramientas variadas de acuerdo al tipo
de representaciones gráficas a la que se
dedique.

El concepto de dibujante se extiende

también al autor de tinta o color en general,
incluso a quienes ejercen la acción con
fines humorísticos o gráficos. Los
comediantes gráficos suelen ser autores
completos de su trabajo,
independientemente de si es a lápiz, tinta,
color o retoque digital.

Técnicas para ser mejor dibujante

Para mejorar las técnicas del dibujo, es recomendable tomar en cuenta lo siguiente:

• Utilizar los implementos adecuados, desde los lápices especiales, las gomas de
borrar indicadas y el papel de calidad.
• La práctica diaria es clave para lograr la mejoría y la perfección.
• Tomar referencias de los rasgos más importantes sobre lo que se desea plasmar.
• Intentar dibujar objetos y personas en movimiento.
• Practicar la perspectiva y los juegos de sombras tomando en cuenta la fuente de
luz en lo plasmado.
• Inspirarse en otros artistas, libros de arte, ilustraciones y técnicas.

Materiales para el dibujo

Los materiales que se pueden utilizar para dibujar son muy diversos, por ejemplo: lápices,
colores, marcadores, tinta, bolígrafos, carboncillo, gises al pastel, entre otros. Te
recomendamos que primero aprendas a utilizar el lápiz y después utilices otros materiales.
En este guía solo utilizaremos el lápiz, aunque tu puedes experimentar con otros
materiales. Puedes dibujar con cualquier lápiz, sin embargo es recomendable que te
consigas algunos 3 lápices de dibujo de distinta graduación, (2H, HB, 2B, es solo una
recomendación). Los lápices de dibujo tienen una letra y un número, esto indica las
características del lápiz. Por ejemplo los que tienen una letra “H”, se utilizan normalmente
para trazar líneas, son de grafito mas duro y de trazo mas claro. Los que tienen una letra
“B”, son de grafito mas blando, de trazo mas obscuro, y normalmente se utilizan para
realizar sombras
Elementos básicos del dibujo

Los elementos básicos aplicados correctamente en cada pieza dibujada le otorgan tono,
volumen y contraste a la obra. Con ello la transmisión adecuada de la emoción o idea
que el dibujante quiere proyectar en su trabajo, solo con la ejecución cada elemento
acertadamente.

Todo lenguaje expresivo del hombre tiene sus elementos básicos, los cuales permiten la
comprensión de objetos más complejos. En el caso de la comunicación visual a través del
dibujo son tres los esenciales, el punto, la línea y el plano.

El punto

Para muchos es el elemento más sencillo pero a la vez esencial, con el se inicia todo el
proceso creativo, es la mínima huella dejada sobre una superficie. La que puede indicar
ubicación en el espacio o inicio de un recorrido, sin el no existirían los otros elementos.

Conceptualmente se define al punto como la unidad mínima de la expresión visual, el

cual no posee dimensión, alto o ancho. Sin embargo puede ubicar fácilmente los otros
elementos sobre una superficie o plano, según la apreciación geométrica.

Geométricamente se define como el indicativo de la posición en el espacio de un objeto,

creándose este partiendo del cruce de dos trazos o líneas. La característica más

Cuando se aprecian varios puntos dentro de una determinada obra, aplicado el principio
de agrupación, utilizando diversas técnicas, se puede construir formas, contornos,
cambios de tono o color.
La línea

Es básico y fundamental, puesto que es el que se encarga de definir las formas. Este
elemento tiene solo una dimensión, la que indica su longitud. Se puede considerar que la
línea como tal no existe, puesto que ella se crea a partir elemento que la hacen realidad.

Es lo que separa un área del plano de dibujo del otro. Una sola línea dividirá su trozo de
papel en “esa área” y “esta área”

En el caso del dibujo, la línea existe cuando algún instrumento o herramienta deja su
huella sobre una superficie o soporte. Desde el punto de vista conceptual ella se presenta
a través de la trayectoria que realiza un punto en movimiento. Por tanto tiene longitud,
pero no posee ancho.

Líneas conformadas por puntos

En términos geométricos la línea puede ser definida como el espacio existente entre dos
puntos, posee dirección, posición y longitud. En el dibujo se hace uso de la línea de
manera recurrente, dependiendo de lo que el dibujante desee expresar.
El plano

Conceptualmente se puede indicar que es la línea en movimiento. La cual al cambiar

repetidamente de dirección es posible que se encuentre el inicio con el final creando un
espacio cerrado. Geométricamente, el plano es la delimitación de un área por su
contorno que se cierra de una manera real o virtual.

La principal característica del plano es la bidimensionalidad, es decir posee ancho y

largo. En elemento a destacar es que sobre él se pueden ubicar un sin número de puntos
y líneas, dependiendo de lo que el dibujante quiere transmitir. Bien sea expresivamente o
constructivamente el plano es el que determina el espacio en donde se visualizan el punto
y la línea.

Otros elementos presentes en el dibujo

Estos otros elementos pueden estar presentes en un dibujo, pero no son básicos o
fundamentales, debido a que ellos surgen de la combinación de los anteriores, así
podemos encontrar la proporción, la perspectiva, el volumen y la textura.

Ejercicios para trazo.

A continuación, incluimos algunos ejercicios para que ejercites tu trazo, te recomendamos

realizarlos por el reverso de hojas que ya no te sirvan. Aquí solo incluimos 4 ejercicios
diferentes, pero puedes realizar muchos otros ejercicios como círculos, óvalos, etc.
Practícalos de cuando en cuando. Intenta realizar los trazos sin despegar el lápiz del papel.
Formas y figuras básicas.

A continuación, se
incluyen algunas formas
y figuras geométricas
básicas, que nos ayudarán
posteriormente, para
dibujar todo tipo de
objetos. Practícalas un
poco.

Formas artificiales Las formas artificiales las entendemos aquí, como todos aquellos
objetos fabricados por el ser humano, como muebles, ropa, etc. A continuación, se
muestran algunos ejemplos de cómo dibujarlas, utilizando para ello las formas y figuras
básicas que vimos anteriormente. Practica con los objetos que aquí se muestran, después
busca objetos en revistas, fotos, u objetos reales en el lugar donde te encuentres

Formas naturales. Las formas naturales las

entendemos aquí, como todas aquellas cosas
que son parte de la naturaleza, en las cuales no
interviene el ser humano para su creación,
como plantas, animales, etc. Las dividimos de
esta manera (artificiales, naturales)
simplemente para tener un poco de
organización. A continuación se muestran
algunos ejemplos de dibujos de plantas y
animales. Te recomendamos mucha
observación de la naturaleza, paisajes,
animales, plantas, etc. y también que
practiques mucho.
Cánones de la figura humana
Dibujar un figurín en diseño de moda, implica conocer perfectamente las proporciones
de la figura humana. La figura humana está influenciada por las leyes de la perspectiva,
con el fin de plasmar en papel las proporciones adecuadas. Para poder representar y
determinar las proporciones de la figura humana, utilizaremos los cánones del cuerpo
humano.

Canon, significa regla y es de origen griego. Mediante fórmulas matemáticas se

establece las proporciones ideales del cuerpo humano; el cual se divide en partes llamadas
módulos. Ya lo usaban los egipcios para establecer las medidas perfectas de la figura.

El griego Policleto fue el precursor del término y estableció las proporciones ideales
usando la medida básica llamada módulo, y así creó el canon de 7 cabezas basado en
que la altura de una persona son 7 veces la altura de la cabeza.

Los cánones del cuerpo humano nos sirven para poder dibujar una figura humana
adecuadamente. Así para comenzar un figurín, empezaremos por la cabeza; tomándola
como referencia para el tamaño del resto del cuerpo.

Los cánones nos ayudan a colocar

adecuadamente zonas del cuerpo en
nuestro boceto; por ejemplo el pubis se
sitúa en el centro de la figura sin
importar su altura. Así la anchura de las
sienes establece lo ancho de los
hombros, el muslo tiene la misma
longitud que las piernas, los brazos
llegan hasta la cintura, el antebrazo tiene
el mismo tamaño que el brazo o la
muñeca llega hasta el pubis. Por tanto,
los cánones son guías que nos ayudan
a la hora de hacer un boceto de un
figurín.

Por último, vamos a nombrar los 3

cánones que existen actualmente:

• Canon de 7 cabezas y media que

corresponde a la figura común.
• Canon de 8 cabezas, corresponde
con la figura ideal. Usado por
escultores y pintores.
• Canon de 8 cabezas y media,
usado en cómics y figurines.
https://www.youtube.com/watch?v=LIpwf6-5LRk

CANON DEL ROSTRO HUMANO.

El canon del rostro humano Es un conjunto de proporciones que nos ayudan a dibujar una
cara más o menos estándar, de medidas más o menos frecuentes. Esto no significa que
todos los rostros tengan esas proporciones o que una persona sea más guapa si sus rasgos
encajan en ese esquema. Simplemente marca unas proporciones medias basadas en la
observación. Los cánones son simplemente herramientas que nos ayudan a dibujar la
típica cara que podría parecerse a cualquiera y a nadie en concreto. Sirve para crear
retratos imaginarios, y también para, ir comparando las proporciones de una persona con
el esquema, ayudarnos a dibujar retratos reales con facilidad.
https://www.youtube.com/watch?v=GLA6LdWEALU
 Arte Cinético

El término apareció por primera vez en 1920. Gabo habla en su Manifiesto

Realista de «el error heredado ya del arte egipcio, que veía en los ritmos
estáticos el único medio de creación plástica», por lo tanto, quiere hacer «formas
esenciales de nuestra percepción del tiempo real».

El arte cinético es pues una corriente de arte en que las obras tienen
movimiento o parecen tenerlo, por lo que suelen interactuar con elementos
«exteriores» como pueden ser el viento o el agua; algunos tipos de motores; e
incluso la luz o el electromagnetismo.

Destacamos tres tipos

• Los estables: Son obras fijas, y es el espectador quien tiene que

rodearlas para percibir el movimiento.

• Los móviles: Las obras producen un movimiento real, y por tanto van
cambiando su estructura constantemente. Siendo «heraclitianos», a cada
instante nace una obra distinta.

• Los penetrables: Las obras son ensamblajes en espacios reales y el

espectador debe recorrerlas, penetrar en ellas, siendo el espectador el
productor de movimiento.

ORIGEN DEL ARTE CINÉTICO

La palabra cinético data su origen de los trabajos de la mecánica ya que ésta

investigaba la combinación de los movimientos y la fuerza que actuaban entre
sí. Igualmente el término cinético aparece por la creación de ritmos cinéticos, es
decir, lo que podíamos percibir al momento, teniendo coincidencia con una de
las primeras obras que se basó donde un motor le da movimiento a una vara de
acero.

Con el paso del tiempo el arte cinético ha tomado de esas remotas

combinaciones y experimentos que se hicieron desde sus inicios, el movimiento
y desequilibrio que puede ocasionar en el público presente. Esto se le llama
ilusión óptica que puede variar según el ángulo de donde es vista la obra.
También influye la luz con la cual esté enfocada la obra.

El movimiento con el que es conocido este arte también incluye trabajos

tridimensionales que tienen movimiento mecánico y los móviles sin motor.

Entre sus representantes más notables se encuentran Alexander Calder, Víctor

Vasarely, Jesús Soto, Julio Le Parc, Naum Gabo, Gyula Kosice, Panagiotios
Vassilakis, Bridget Riley, Yacov Agam y Carlos Cruz Díez, entre otros.
 QUIÉN CREÓ EL CINETISMO?

Los historiadores del arte han considerado al húngaro Víctor Vasarely como
fundador del cinetismo óptico, quien inaugurara la corriente artística con su obra
Zebra.

A esta obra pionera sucedió la producción de un arte abstracto con evidente inspiración
en la geometría. Imágenes de fragilidad, parsimonia en la paleta de colores y efectos
visuales cinéticos dieron el éxito a Vasarely después de que decidiera dedicarse a la
pintura en Budapest en 1943.

No obstante, algunos autores consideran que las primeras manifestaciones de

arte cinético aparecieron ya en la década de los ’10 con las “Rotoreliefs” de
Marcel Duchamp.

El término “cinético” aplicado al arte habría circulado una década después en

el manifiesto de Gabo, mucho antes de que Vasarely entrara a los circuitos de
las artes plásticas.

MODALIDADES DEL CINETISMO

Estas obras de arte pueden ser representadas por dos modalidades:

• Movimiento Lumínico. Esta consiste en los cambios constantes de la luz, color

y trama.

• Movimiento Espacial. Esto es el llamado cinetismo, ya que sus movimientos

son perfectamente captados por el público que contempla la obra.

CARACTERÍSTICAS DEL CINETISMO QUE NO DEBES OLVIDAR

Las características generales del arte cinético son:

• La composición de la obra a partir de una gama amplia de figuras

geométricas.
• Empleo de líneas rectas o paralelas.
• Persigue que el espectador tenga sensación de movimiento.
• Composición bajo espacios positivos y negativos necesario para crear
efectos visuales.
• Saturación de los colores y aprovechamiento de los contrastes
cromáticos.
• Reproducción de formas y figuras y libertad para modificar sus
dimensiones dentro de la misma obra.
• Manejo de la luz, el color y las sombras para crear una apariencia de
profundidad.
LO QUE PUEDES APRECIAR EN EL ARTE CINÉTICO

El Arte cinético un estilo artístico que no busca conmover o despertar

sentimiento alguno, como no sea el asombro suscitado en el espectador
cuando entrega su vista al juego propuesto por la obra.

En el cinetismo, el espectador no se limita a recibir la imagen puesta frente a

su retina, sino que por medio de sus ojos y su mente se hace constructor activo
de la obra: ésta sólo logra completarse a sí misma cuando alguien interviene
sobre ella con la mirada.

https://geometricarte.com/cinetismo-como-movimiento-artistico/

OP ART (ARTE ÓPTICO)

El Op Art también conocido como Arte Óptico, se distingue por ser un estilo
netamente visual por medio de la ilusión óptica. Las personas que tienen
contacto con este tipo de obras deben estar muy activas y en movimiento para
poder visualizar el efecto que brinda el arte óptico.

Este tipo de arte se basa solo en la ciencia a nivel óptico, por medio de ella se
pueden detectar los efectos que brinda por medio de contrastes y líneas
paralelas.

EN QUE CONSISTE EL OP ART?

Es un arte abstracto y geométrico, no inspira sentimiento alguno y su finalidad

no es mover fibras sentimentales, sino más bien activar la percepción del
espectador a que se enfoque y logre detectar el significado de la obra.

El Op Art no es más que el arte visual que se puede identificar por medio de las
ilusiones ópticas. Es un movimiento con una corriente artística abstracta y
constructivista.

La mayoría de arte óptico se caracteriza por ser de color blanco y negro. La

finalidad de este arte es provocar en el espectador un impacto donde pueda
identificar imágenes ocultas, imágenes que sean de estilo intermitentes así como
con vibración. El Op Art puede proyectarse por medio de los efectos de color e
imágenes hasta llegar al constructivismo, futurismo entre otros.
EL OP ART COMO CORRIENTE PICTÓRICA

El Op Art se basa necesariamente en una serie de importantes técnicas tales

como:

✓ -Se pueden repetir y mezclar las formas y figuras, así como puede haber
cambios en el tamaño.
✓ -Se pueden utilizar diversas formas o figuras geométricas como
cuadrados, círculos, triángulos, rectángulos, circunferencias entre otros.
✓ -Se hace uso de líneas paralelas o rectas.
✓ -Para que el arte óptico pueda tener sentido debe ser creado bajo los
espacios negativos y positivos ambos son necesarios.
✓ -Debe destacarse con mucha precisión los contrastes cromáticos.
✓ -Se debe identificar muy bien los matices cromáticos como también hacer
uso de los acromáticos como los colores grises, blancos o negros.

CARACTERÍSTICAS DEL ARTE ÓPTICO

La corriente artística del Op Art se rige por las siguientes características:

✓ -Este arte busca que el espectador tenga la sensación de movimiento

como consecuencia de los efectos y dinamismo que se contempla en los
espacios planos, que al observarlo toma forma tridimensional con
movimientos.
✓ -El artista aprovecha la oportunidad para crear sus obras por medio del
color, sombras, luz, dándole también un gran efecto de profundidad.
✓ -Este tipo de obras son inmóviles y estáticas por lo que no tienen
movimiento real.
✓ -Tiene como objetivo poder lograr captar efectos visuales que den la
sensación que vibran o tienen algún movimiento por medio del
parpadeo, así como crear efectos visuales únicos.
✓ -Es un arte básicamente unipersonal.
✓ -La abstracción geométrica juega un papel fundamental en este tipo de
arte óptico.
✓ –El espectador debe desplazarse para lograr captar el efecto óptico
que lleva la obra consigo.