ARTE ACTUAL.

Actividad complementaria: exposicion en el centro del carmen. Exposicion de obras de artistas

urbanos.
Para obtener el 20 por ciento hay que elegir como mínimo dos actividades.
Entregarlo por escrito pero también por el aula virtual.
La nada como arte.
TEMA 1. INTRODUCCIÓN. EL CAMINO HACIA LA POSMODERNIDAD. (ESTE TEMA
LO DA VICENTE PLÁ Y LO RETOMAREMOS EN UNAS SEMANAS)
MIÉRCOLES 15 SEPTIEMBRE 2021.
Nuestros imaginarios sobre el arte se han construido sobre unos esquemas, pero el arte actual suele
funcionar sobre otros esquemas diferentes.
El final del arte. ¿vivimos en la epoca del final del arte?

JUEVES 16 SEPTIEMBRE 2021

El final del arte. Por Arthur Danto. Este texto vino a suponer la afirmacion que desde el punto de
visto critico del arte contemporaneo se habia detectado un punto de inflexion importante que habia
sucedido en las ultimas decadas del siglo XX, en especial la de los años 60-70 del siglo XX. Punto
de inflexion que Danto bautizó con el final del arte. En especial lo que pasó en el arte occidental en
esos años. Esto que él llama el final del arte, no quiere decir que no se hayan producido más obras
de arte, y hoy en día todavía sigue produciendose, pero a partir de ese punto de inflexión, algo
esencial en la concepción del arte está cambiando. Ese aspecto esencial consiste en que el modelo
lineal y progresivo sobre el cual se habia sustentado la evolución del arte occidental desde el
renacimiento, entra en crisis, y parece que deja de ser operativo. Eso es precisamente lo que define
la post modernidad, lo que llamamos arte actual. El modelo que explica que se asentó desde el
renacimiento sería el modelo ideal de las equivalencias perceptivas. Consistía basicamente en
que la representación artistica se consideraba mejor en la medida en que las representaciones se
aproximaban más a nuestra percepción directa del mundo. Se pensaba que la tecnica, llevaría a las
artes a un progreso continuo (estamos hablando de las artes plásticas y de alguna manera también
del teatro). Este ideal entra en crisis, sobre todo por la irrupción de las nuevas tecnologías de
reproducción, como la fotografía y el cine. La línea de progreso de las artes tendría ahora que
buscar otros paradigmas, por ejemplo el ideal de la libertad expresiva, el ideal de la expresión, se
valoraba esa expresión particular y personal, idiosincrática, poética y auténtica del artista. Encontrar
una manera propia de expresar el mundo, que sea original, novedosa y sobre todo propia de la
persona que promueve el arte. Especialmente en las vanguardias del siglo XX, este ideal de la
expresión fue complementado con el ideal de cambio e innovación. Generar movimientos que
irrumpen de una manera sorpresiva, se presentan como visiones novedosas, imprevisibles. ¿Que
pasaría con el arte pop? Que este ideal del arte que mueve las energias hacia la innovación y en vez
de plantear mundo impensados, busca un arte que busque asimilarse radicalmente dentro de la
sociedad de consumo, y eso para Danto es un síntoma muy significativo. El arte se redirige en el
sentido de la asimiliación. Los dos movimientos que persisitieron a ese ideal de la innovación
continúa y que a su vez fueron una reacción al arte pop fueron el arte conceptual y el arte de acción.
Se caracterizaron por su lucha contra la mercantilización del objeto artístico.
El arte entraria en una linea que por una parte supone la culminacion del proceso lineal y progresivo
del arte. La conexión continúa del arte con las realidades de la vida.
El arte conceptual y el arte de acción llevan al arte a un terreno nuevo, a un espacio limite en el cual
el arte se confunde con la vida.
Estos movimientos son los últimos que tienen la fe en que el arte tiene el motor que tiene que
canalizar las energias del mundo, pero por otro lado, fusionan el arte y la vida, por tanto en parte
están vaciando al arte de ese contenido especifico sobre el cual se habia basado el relato del arte
occidental del cuál nos habla Danto.
Después de este final del arte, se sigue produciendo arte, pero ya no podemos englobarlos en
ninguna de las dinámicas o modelos anteriores.

MIÉRCOLES 10 NOVIEMBRE 2021

TEMA 3. LOS NUEVOS MEDIOS ARTÍSTICOS COMO CONTENEDORES DE
DISCURSOS.

Shu Lea Chung - UKI Viral Love · está hablando de performance, instalación, películas, formatos
diferentes por los que se despliega esta obra. Discurso intermedial, tenemos elementos en los que se
hace referencia al fantasma (conexión entre elemento material y la sublimación de la materialidad
en una entidad fantasmagórica). Referencias de los dos grandes del cine Metrópolis de Fritz Lang y
Blade Runner de Ridley Scott. Relación cuerpo – máquina. Parece también inspirado en la formas
únicas de continuidad, como podía ser de Boccioni.
Analizar obras que se realizan utilizando nuevos medios artísticos o intermediaridad.
Medio muy moderno, ultratecnológico, que etsá creando dicsursos artísticos muy familiares.

NUEVO DISPOSITIVOS ARTE. TRANSFORMACIÓN DE LAS PRÁCTICAS ARTÍSTICAS EN

LA ERA DEL CAPITALISMO CULTURAL ELECTRÓNICO. (texto av). JOSE LUIS BREA – EL
TERCER UMBRAL.
El texto está dividido en tres secciones importantes. De la página 34 a la 38, empieza a desarrollar
lo que serían los cambios en el sistema general de la representación que se desencadenó a partir de
los modelos como significante visual que propone la aparición del cine. Nuevo medio que aporta
cambios importantes en nuestra concepción de una obra artsítica, o significante visual, que
reconfigura nuestro concepto de lo que es una obra artística y en general de lo que es una
representación. A final de la página 38, pasa a otra sección, pasa de hablar de los cambios del
sistema general de la representación, a un contexto mucho más amplio. El contexto de la era del
capitalismo cultural electrónico, reflexiones de contextualización muy fuertes. En la página 43,
empieza a plantear, hasta el final del texto, la tercera parte. Exposición de los retos y desafíos para
la produccion artistica que estas situaciones se están planteando. Los 5 grandes retos que se
plantean para la actividad artística, y finalmente acaba proponiendo dos vías por las cuales afrontar
estos retos que se plantean.
Empezamos a comentar el texto:
Los medios técnicos no unicamente estan proponiendo unas vias, sino que va a afectar a una de las
formas con las que nos relacionamos con el mundo. Reflexión de tipo ontológico, el ser de las
cosas, como podemos establecer diferencias y similitudes entre unas cosas u otras. Esos nuevos
medios te dan un alcance ontológico, replanteando así nuestras fases ontológicas. Dentro de la
epistemología del arte, una epistemología básica es que las obras que estudiamos osn obras unicas,
irremplazables, aquello que Benjamin denominaba el ‘’aura’’. Esta concepción de la obra de arte
singular, aurática, nos viene de Bnjamin, pero es uno de los conceptos estructurantes de la
epistemología de la Historia del arte. Todo esto se viene a bajo con la invención de los medios
modernos, ya que permiten la reproductibilidad. Las copias se vuelven identicas a lo original. El
cine es un medio que tiene capacidad de que se reciba colectivamente y también simultaneamente.
El cine como medio permite que se contemple en distintos lugares a la vez y que en cada uno de
estos lugares exista una multiplicidad de personas que al mismo tiempo están viendo esa obra.
Internet no ha hecho más que acentuar estas características. La recepción de internet permite la
separación de los cuerpos. Nuestra experiencia cuendo recibimos creaciones a través de internet, lo
estamos viendo solos, o con pocas personas. Otra característica del cine es su cualidad inaugural.
Cualquier relato audivisual se desarrolla en el tiempo, lo que quiere decir que la forma inicial que
tiene, se va descomponiendo y transformando en otras formas, por eso el cine y el relato audiovisual
tiene unas características diferentes de la obra de arte tradicional. El concepto definitivo de la obra
de arte, estos nuevos medios lo destruyen. Obra de arte en sí, continuo proceso de cambio.
Lo igual así mismo se manifiesta en un aquí y ahora, y esta lógica la rompe. Proceso de recepción
diferente, percepción colectiva, ya no se plantean las obras de arte para sujetos singulares. Se
destruye la fantasía que se creó en el romanticismo (obra con mensaje destinado a mi), ya no se
puede sustenta en que hay una comunicación directa entre dos almas, en estos nuevos medios la
colectividad y simultaneidad hace imposible que esta idea pueda sustentarse. Ela arte se va
vaciando de esa significación cultural, arte como objeto de culto, que pasa a colocarse en una esfera
política. Se entiende como un proceso de comunicación, pero no de almas, sino de masas.
Necesidad re epensar al artista como productor. A que rol debe jugar el artista, insertarse en las
dinámicas productivas. Derechos de propiedad sobre las obras. Pérdida de criticidad del arte. El
artista debe ser un generador de contenidos, todo el arte es de arte político, difusión social. La
funcion de la cultural tiende a desplazarse, que se convierta en un mecanismo que contribuya a
iterar procesos. Cinco grandes retos.
Vías posibles para afrontar estos retos? La primera vía, en la página 45, mediante la interposicion
de dispositivos reflexivos, es decir la produccion artística que reflexiona sobre lo que es producir
arte y representar. Puede parecer contradictorio con lo del arte encarado a la difusión social.
Reflexividad, que tiene doble sentido (piensa pero tambien se refleja). Otra de las vías, un arte que
plantee modelos alternativos.

MIÉRCOLES 17 NOVIEMBRE 2021

3.1.La ruptura de las barreras mediales.
Isidoro Valcárcel Medina. Se le considera uno de los más influyentes del arte actual, premio
nacional de la artes plásticas. Ha recibido la máximas condecoraciones. Hay un consesnso entre las
instrituciones, el mundo del arte, en que esta persona había que reconocerle su actividad como
pionero. Lo fue de joven del arte conceptual, también del arte de acción, desarrolló también su
carrera como arquitecto.
Proyecto de torre para suicidas (1984). lo presentó en forma de proyecto arquitectónico viable.
Dentro de las arquitecturas prematuras. Propuesta totalmente artistica, creia que la sociedad no
queria reconocer que necesitaba determinadas tipologias arquitectonicas para cuestiones que
estaban realmente en la sociedad. Puso en primer termino estos tipos de problemáticas sociales.
Crea este concepto de arquitectura prematura para poner en evidencia que los conceptos ideologicos
aplicados a las arquitecturas tradicionales no quieren ver cuestiones y problemas de las sociedades
actuales. Puede llegar a rozar el absurdo. Abandona esa vía e intenta crear una nueva narrativa para
determinados temas sociales.
I.V.M Oficina de gestión (1994). estuvo durante 1 mes y acudiendo en horario de oficina. Le
cedieron un espacio para publicitar la oficina de gestion, una oficina de ideas, él se proponía como
gestos de las ideas que la gente iba a visitarlo le proponía. Establecía una condción, podía gestionar
la idea siempre que existiese la manipulación de ideas. Emitía un informe y lo retornaba a la
persona de la idea.
‘’Me interesa mas el posicionamiento que el producto de ese posicionamiento’’
Acción del año 63, medio telefónico para hacer arte. Le ponen un telefóno y él se dedicó a llamar a
gente al azar. Lo que él pretende es dar su número de teléfono. Da el primer paso de la
comunicación. Hace una propuesta no ajustada a la manera estandarizada. Transporta todo eso a la
experiencia artística.
Tiene más interés en el proceso que en el resultado, idea de iteración. El artista es un poductor más.
Arte como mecanismo de creación de identidad, concepto personal e íntimo, forma parte del ser. No
renuncia a un planteamiento muy serio, pero no busca esa grandilocuencia del artista iluminado y
magnificado. Hay gente con unos planteamiento creativos y se dedica a crear y otra gente no, hay
algo entonces que diferencia al artista, esa capacidad de creación y creativa. Hay un espacio propio
para el arte, y un espacio propio para las personas que producen arte, pero no quiere decir que se
tengan que posicionar a un nivel superior que el resto de la sociedad. La socidad crea estas
categorias, pero no hay porque resptar esas ideas preconcebidas que hay, de hecho a Isidoro le
interesa ese componente crítico del artista. Centros de arte contemporáneo, se mantiene una relación
de distancia.
En que medio artístico trabajo Varcárel Molina? Es totalmente intermedial, creaciones plásticas,
presentaciones, una auténtica imagen tiempo, la obra se desarrolla a lo largo de un periodo amplio
(en el caso de Oficina de gestión).
JUEVES 18 DE NOVIEMBRE 2021
Antoni Muntadas. Las obras o instalaciones que Muntadas viene realizando desde los primeros
años 70 han hecho hincapié en los mecanismos persuasivos de los medios, acentuando,
habitualmente mediante dicotomías o binomios de conceptos-ideas, las nuevas situaciones de poder
ejercidas por estos. Sus piezas parten de un laborioso trabajo de documentación y estudio del
proyecto, que posteriormente suelen estar compuestas principalmente por elementos de los propios
medios de comunicación (prensa, TV., vídeo, etc.), con los que el lenguaje y el entorno
arquitectónico reciben una especial atención dejando en cada obra el lugar para la participación del
público.'En mis intervenciones existe la parte perceptiva, que es el primer contacto sensorial y la
parte informativa, el contenido del trabajo, partes inseparables que son la ambivalencia del arte. Un
dispositivo que permite jugar igualmente sobre el concepto de tiempo, tiempo de lectura. Esta
reflexividad está a disposición del público.'(SANS JEROME, 'Principies d'intervencion'. Kanal
Europe 2, París, abril 1992.)
Andrés Serrano (1950). Ha tratado un vasto conjunto de temáticas incluyendo retratos de
miembros del Ku Klux Klan, fotos de cadáveres, e imágenes de víctimas quemadas. Muchas de las
fotografías de Serrano contienen fluidos corporales, tales como sangre (a veces del ciclo menstrual),
semen (por ejemplo, "Blood and Semen II" (1990)) o leche materna. Dentro de esta serie hay
numerosos trabajos de objetos sumergidos en estos fluidos. El más famoso de ellos es Piss Christ"
(1987), un crucifijo de plástico inmerso de un vaso de orina. Esta fotografía causó una gran
polémica la primera vez que fue expuesta, además fue denunciada por dos senadores
estadounidenses. La obra "Blood and Semen III" se usó como portada del disco Load de la banda de
heavy metal Metallica, mientras que la obra "Piss and Blood" se usó en ReLoad.
Immersión - también conocida como Piss Christ - es una de las obras más conocidas del fotógrafo
Andrés Serrano (Nueva York, 1950). Y de las más polémicas: es una fotografía de un crucifijo
sumergido en un bote de orina del artista. Cuando fue exhibida por primera vez en 1987 ya causó
una gran controversia. Durante los últimos 34 años han sido constantes las quejas por esta obra
desde la Iglesia y desde las ramas más conservadoras de la cultura norteamericana y europea. La
última reacción contra el artistas y esta obra tuvo lugar el pasado domingo, cuando dos personas
entraron en el Museo de Arte Contemporáneo de Aviñón (Francia) y destruyeron con un martillo
una copia de la imagen allí expuesta tras la celebración de una marcha católica de un millar de
personas. El fotógrafo se defendió ayer de las críticas y del ataque en el diario Liberátion: "Soy
cristiano. Es más, soy un artista cristiano". El País. 20 abril 2011
MIÉRCOLES 24 DE NOVIEMBRE 2021

Jenny Holzer trabajaba con teztos y colocaba el mensaje en distintos medios Pura formulación
linguistica. Se decidio trasponer esas frases a otro medio, las propuso al medio aéreo. Su punto más
caracterstico consiste en crear unas frases, y todo un sistema para que vayan leyendose
consecutivamente, y crea un ambiente alrededor de ello.. el medio tiene una influencia determinante
en el mensaje, y ella experimenta con estos mensajes expuestos en medios distintos. Esucltura como
problema de llenar los espacios. Envuelve al espectador más allá de los límites de los textos.
‘’Aunque no estoy totalmente de acuerdo con la idea de que el medio es el mensaje, estoy
convencida de que el medio influye en el mensaje. Por eso trabajo con diferentes soportes. La
misma frase puede ser distinta cuando está tallada en piedra y cuando ha sido pintada
rápidamente a la acuarela. El tiempo disponible y el dedicado a la lectura también son
básicos. La piedra permanece inmóvil, y las letras en ella talladas se pueden tocar, mientras
que los letreros electrónicos hacen que la escritura vuele, se esfume.’’ Entrevista con Javier
Díaz Guardiola. ABC. 24 marzo 2019.
 Gillian Wearing (1963). Crea obras bastantes complejas y bastante
densas en cuanto a la intermeriaridad. Autora conocida, perteneciente
al grupo de los YBA (Young British Artists). Surge en el primer plano
del panorama artsitico, a partir de la propuesta Signs that say you want
them to say and not signs that say what sinenibe else wabts you to say’’
(1993). En Secretis and Lies, contacta con mucha gente en gran
bretaña, les ofrecia máscaras, caretas, y les proponía como si fuese una
especie de telerealidad, para que contaran cuestiones. Ella registró todo
eso en videos, y algunas cuestiones que se cuestan son duras. Realiza
un arte interrelacional. En Album y Rock and Roll rasca mucho en la
construcción de las identidades. En Album (2003) empieza a platerase
en aparecer fotografiada, contruia mascaras de silicona, para
caracterizarse y cambiar su rostro, y imitar fotografías de su familia.
Todo tiene una fuerte carga psicológica, porque de lo que hablan es de
lo que está debajo de la superficie de las cosas, de cómo lidiamos con
determinadas decisiones. De algún modo, tratan sobre cómo el
comportamiento humano es extraño y familiar al mismo tiempo. Se
transmuta fisicamente. En Rock and Roll hace una propeccion en la
identidad proyectada. Meterse en la pie de su familia. Ella representada en dos imágenes,
caracterizada como si tuviese 20 años más. Espacio en blanco de un futuro, como si pasaran 20 años
mas. Juego conceptual entre lo representable y lo no representable. Le gusta mucho posar
colocandose sobre este espacio. Identidades, deseo interior, crear dispositivos que ayuden a relevar
estos conflictos interiores… Papel de la mascara y papel de la verdad. ‘’Sobre Secrets and Lies
(2009): siempre me han interesado muchísimo programas como Seven Up en los 60 y The Family
en los 70, donde la gente corriente, por primera vez en televisión, daba rienda suelta a sus
emociones. Lo que hoy es Gran Hermano. Es increíble cómo esas personas exponen su vida a los
demás, el juego continuo entre artificialidad y naturalidad. Lo mismo pasa con Twitter o Facebook.
Estoy atenta a lo que da de sí el artificio mediático, incorporando la noción de verdad como
constructo, una idea que se extiende a la más íntima y subjetiva de las verdades individuales. La
máscara parece convertirse en la protección perfecta para dejar relucir la verdad, se convierte en un
conducto de veracidad. Lo que la gente proyecta como máscara humana es distinto de lo que ocurre
en su interior. Siempre existe una disparidad, un desfase, y eso es justo lo que me interesa.’’
En esa línea de discursos que amenzaan contra cualquier tipo de certeza, una artista que profundiza
en esto es Dora García. Se define como artista de situación, al fin y al cabo es un arte relacional.
Coloca al espectador en un espacio de indeterminación, donde no puede permanecer pasivo.
Explora las situaciones de conflicto, más profundamente contradictorias. El gran tema de Dora
GARCÍA es la comunicación y sus problemáticas. Idea de construir un relato infinito, mapa de
relato que vaya continuamente desarrollandose a sí mismo. Límites entre realidad y su
representación. Diferencia de los medios, medios documentales, cartas, dibujos… Pluralidad
medial. Propuesta para la Bienal de Venecia del pabellón español ‘’Lo inadecuado’’. Relfeja el
sentimiendo de dificultad, de no sentirse comoda con el hecho de tener que representar un país,
utiliza es como materia de trabajo. Performance extendida, sigue mas alla de la bienal, es una
especie de reto de todos los parámetros. Mete al espectador en una serie de ideas, lo anima a pensar.
Imagen – tiempo, diseña una performance que no se repite, cada vez pasan cosas distintas. No se
puede percibir la obra en su totalidad. De desarrolla en el tiempo, pero es inhaprensible. Dora
trabaja de una manera conceptual, crea nociones y dentro de esas nociones ciertas cosas ocurres.
Trabaja siempre a través de narraciones, a través de un parámetro hay multiples posibilidades.
Abismos de comunicación entre la gente.
Patricia Esquivias, ha construido prpuestas artísticas abiertas a los demás, pero no como
receptores, sino incluso como generadores. Incorpora elementos que no ha hecho ella. La cuestion
de autoria la plantea de manera muy honesta, siempre plantea con materiales anónimos, partiendo
del principio de que esos materiales no los ha producido ella. El interés de sus propuestas es poner
en evidencia la asuencia de las personas relacionadas con esa obra, pero que ya no están ahí.
Desarrolla el tema del otro, la persona que está fuera de la obra. Emisor ausente. Cuestionamiento
radical de la autoría.
‘’La mayor parte de mi trabajo pasa por un momento en el que estoy buscando a una persona
particular que sabe cosas específicas; a menudo, esta persona nunca aparece, nunca la
encuentro o nunca ha existido. Creo que mi trabajo podría realizarse de una forma mucho
más social; quiero decir, con una implicación más activa por parte de la gente implicada, y
siempre me hago ilusiones con esto”. Patricia Esquivias, 2015.

BLU (Bologna, activo desde 1999). Una de las más influeynetes dentro del mmundo del street art.
Se presenta como persona, pero no dice cual es su nombre. Mezcla el medio del graffiti con el
video. BIG BANG BIG BOOM de Blu. Mezcla de graffti, escultura, fotografia, arte sonoro. Aqui
no hay arte digital. Soporte del cual parte es el espacio público. Está presente la imagen – tiempo,
imaen que va cambiando respecto así misma. El discurso comienza cuando destruye su obra, cada
modificación pasa por la destrucción del motivo anterior.
El italiano Blu, con ayuda de activistas de dos centros ocupados locales, comenzó anoche a pintar
de gris todos sus murales de Bolonia, la ciudad en que arrancó su carrera, y en la que ha acumulado
trabajo durante veinte años. El borrado es una reacción a la exposición Street Art: Banksy & Co,
L’Arte allo Stato Urbano, que se inaugurará en la ciudad el próximo día 18. Detrás de la exposición
está el magnate local Fabio Roversi Monaco, director bancario, presidente de la Academia de Bellas
Artes, y ex-rector universitario con un largo currículo como privatizador y represor. La muestra
incluirá obras producidas sin permiso en la calle que han sido arrancadas de su ubicación original
con la supuesta intención de “salvarlas de la demolición y protegerlas de la degradación del
tiempo”. Blu va a tener que ver cómo, contra su voluntad, obras que produjo como bien público son
privatizadas y exhibidas en un palacio. Declaración de Blu: “No importa si las piezas retiradas de
las paredes son dos, o son cincuenta. No importa si las piezas estaban sobre edificios a punto de ser
demolidos, o si eran parte del paisaje de las afueras del norte de la ciudad. Ni siquiera importa que
ver arte urbano en un museo sea paradójico y grotesco. Esta exposición de “arte urbano” representa
un modelo de espacio urbano que debemos combatir, un modelo basado en la acumulación privada,
que convierte la vida y la creatividad en productos, para beneficio de los de siempre. Después de
haber acusado al graffiti de vandalismo y de haberlo criminalizado, después de haber oprimido a la
cultura juvenil que lo creó, después de haber desalojado los espacios que servían de laboratorios
para esos artistas, ahora los poderosos de Bolonia quieren aparecer como los salvadores del arte
urbano.”

JUEVES 25 NOVIEMBRE 2021

3.2. Cuerpos implicados y cuerpos ausentes: de la acción al arte digital.
Itziar Okariz (1965). Ha tenido cierto resalte a partir de un proyecto del año 2000, que ella tituló
‘’Mear en espacios públicos o privados’’ , entraria dentro del arte de accion pero orientado a lo
biopolitico. Implicación del cuerpo dentro de la biopolítcia. Proyecto personal, sostenido a lo largo
del tiempo, reflexión crítica sobre determinados comportamientos que pueden tener una mirada
subversiva. Modificaciones de gestos corporales, que ponen de manifiesto la naturaleza de tales
gestos. Asepcto biopolitico de como se elaboran construcciones culturales que determinan e
influencian lo que hacemos con nuestros cuerpos.
Todo esto está, digamos, dentro de un conjunto de acciones ligeramente subversivas, ilegales. Hay
muchas cosas que son ilegales de forma absurda, como beber alcohol o mear en la calle. Estas
acciones son pequeñas modificaciones de gestos corporales, que de alguna manera ponen de
manifiesto la naturaleza de tales gestos como ficciones sociales, su construcción y el carácter no
natural de la ficción social. ¿Qué significan? Mear de pie es una ficción de hombre, no porque haya
alguna imposibilidad para que las mujeres meen de pie, simplemente se nos olvida que existen una
serie de procesos que se construyen culturalmente y que existen cosas como las cremalleras de los
pantalones o los urinarios públicos que también son construcciones culturales con un significado.
Tanto lo que hacemos como lo que concebimos. Dispositivos reflexivos. El genero es aquello que
convence para actuar de formas determiadas, no es una ideologia abstracta que se queda en el
campo teórico, implica e incibe en lo que haces o no haces. Critica a las semántica preestablecidas,
a los sentidos que damos por hecho que funcionan.
Creadora tambien de audiovisuales, se hizo famosa por un Videoclip para Begoña: Thanks, donde
ponia en cuestión el lenguaje del videoclip, lo que se esperaba encontrar… idea de narratividad.
Encuadres inestables, crística al lenguaje establecido de los videoclips. Lo que quería con dicho
videoclip era crear una discontinuidad en el flujo de información del mundo convencional de los
videoclips. Por convencional me refiero a unas convenciones definidas de lo que “tiene que ser” un
videoclip, encaminadas a lo que es o “puede ser “ no sólo publicidad, sino también la representación
Un entramado que finalmente delimita y re-construye, una y otra vez, en un proceso continuo,
nuestra identidad dentro del género, la clase, la raza, lo que es o tiene que ser una cantante, la
imagen TV, etc.Un entramado que finalmente delimita y reconstruye, una y otra vez, en un proceso
continuo, nuestra identidad dentro de los parámetros de las convenciones como la norma
heterosexual o la raza. El hecho de que sea un proceso continuo de construcción es lo que hace
pertinente insertar discontinuidades que perturben y transformen la construcción de las identidades

Tania Bruguera. En un campo similar al de Itziar, actúa Tania Bruguera. Habla sobre cuestiones de
biopolítica, mas que orientadas a las identidades individuales, orientadas al sentido de colectividad.
Una obra que tuvo mucha resonancia fue la accion que preparó para la Tate Modern Tatlin’s
Whispers. El juego que propuso para esta exposición, dos policias montados a caballo que
contralaban a los visitantes y la audiencia que entraba, tal y como se controla a las multitudes en
caso de conflicto en espacios colectivos. El museo, que es un espacio publico, fue en este caso
homologado como un espacio publico conflictivo, de protesta. Muchas de sus obras son citas reales
de situaciones reales. Formas de control por parte del poder, de los fliujos, de las protestas.
Acciones de interpenetrar el ambito del arte con el ambito de la vida real, es el caso de la pieza
10,143.646. Invita al publico a tumbarse en el suelo, y cuando se levantan encuentran unas huellas,
material termosensible en el suelo (energía de la gente y calor de sus cuerpos juntos). Material que
irrita los ojos, respuesta emocional por parte del espectador, para que acabe llorando. Se inducía de
manera artificial el llanto mediante un agente químico. Implicaciones de los cuerpos propios como
representacion, critica profunda a las semánticas preestablecidas. Implicación de los cuerpos
colectivos en el control de las masas.

Abraham Poincheval. Caso extremo del arte de acción. Se centra en acciones individuales,
aunando en la poética del aislamiento. Aislamiento literal. 13 días dentro de un oso. Se oculta, está
en el interior. En una de sus perfomances construye una escultura de su propia figura, de manera
que la escultura de su propia figura pudiera acogerle a él, a su cuerpo real en el interior, sin apenas
poder moverse. Meterse en el interior y permancer durante siente días. Además esa especie
depiramide truncada tiene una funcion importante. Esa visión consistia unicamente en un cuadro, un
cuadro que él no conocía. Experimento muy interesante sobre la percepción del arte.
Aislamiento absoluto, experiencia intranstitiva, unica, pero tiene resonancia mediática.
Reivindicación de la experiencia autétnica. Únicas.

JUEVES 01 DICIEMBRE 2021

Dos tipos de discuross, de gente que trabajo en el videoarte. Uno de los creadores más ligados a los
medios del video arte es Fabrizio Plessi. Vamos a analizar su discurso y propuestas. Para el la
tecología es meramente un intrumento, y la usa como usaría cualquier otro instrumento. No quiere
decir que tenga una implicacion, simplemente la utiliza porque le interesa. La tecnologia puede ir
asocaida a una pobreza de ideas, pero que no por ello hay una asociacion entre experimentacion y
nueva tecnología, ni en positivo, ni en negativo.
MARI VERTICALI (2011) Son obras que se pueden comerccializar más facilmente.
L’ETÀ DELL’ORO (2020) Él busca espectacularidad. Su discurso es contradictorio, habla de la
mediocridad poniendo como referencia a Christian Dior (referente cultural pero para la cultura de
masas). El volcado de su obra es siempre hacia el mundo de la exterioridad, de la apariencia, de la
espectacularidad. Es un discurso plagado de reminiscencias reobarrocas, de una idea de lo sublime
romántico. Artista que utiliza nuevos medios, con efectos realmente apabullantes. En esta
instalación, crea un proyecto o dimensión más allá del espacio expositiva, qe alcanza una dimensión
urbanística. Esa obra debe proyectarse hacia la dimensión urbana de esa ciudad y ese espacio. Es lo
que llamaríamos un site specific, una instalación pensada para un lugar específico. Sensación de que
estamos ante una teconología de vanguardia. Bajo esta cada de nueva tecnologia, si intentamos
verificar los retos clave del arte actual, Plessi, mas alla de hacer una critica a la cultura que queda
bastante difusa, ejerce su papel de artista privilegiado, y de artista para los privilegiados. No
podemos pensar en que todo medio tecnologico avanzado esta comprometido a una propuesta de
algún reto del arte actual.

Bill Viola (1951) el más conocido dentro del video arte.

The reflecting pool (1977-79). es la obra que le asentó como video artista y los inicios de su carrera.
Cuando se hizo publica fue absolutamente impactante, y marco u antes y un después en el video
arte. Apunte clarísim hacia la metafísica. Linea de sucesos que nosotros asociamos al eje clásico de
coordenadas espacio – tiempo, pero Bill Viola no recurre a ello. A partir de un momento dado, es
como si la realidad se fundiera en dos, una queda congelada en el tiempo, dentro del mismo marco
espacial, y otra que va evoluconando, hasta que al final del video, de la realidad que va
evolucionando, surge una nueva escisión de la realidad primera, que se incorpora. Asociamos que
la superficie refleja las realidades que está fuera, sin embargo es esta superficie es la que asimila la
realidad exterior, se convierte en un agente de configuración de realidad. Reflexión sobre la llegada
del individuo a la naturaleza, un bautismo en un mundo de imágenes visuales y percepciones
indirectas. Busca imágenes con un contenido fuerte, con un corazón. Idea del corazón de las
imágnes.
Tristan’s ascension.(2005). Nociones muy abstractas, totalmente metafísicas.
Cameras are Keepers of the Souls….Manera de manipular el tiempo, ralentizando la imagen
aumenta la consciencia del tiempo. Ideas muy unidas a lo sublime. El agua tiene para él un
significado especial. Reivindicación del vacío, las corrientes pueden existir gracias a que existen los
vacíos… influencia zen en el arte contemporáneo, fue el equipo fluxus, el musico john cage, fueron
grandes reivindicadores de la filosofía zen. Una de sus obras, es conocida, imagenes del nacimiento
de su hija con otras imagenes de la agonía previa a la muerte de su madre (tríptico de nantes).
Pretende removernos profundamente, experiencias, recuerdos. Sobre esto: “Nos llegan ideas cada
día a través de los medios, porque vivimos en este mundo de imágenes que son a nuestro alrededor
constantemente. No creo que eso implique que las imágenes se hayan gastado. Creo que la gente
está cansada de ver imágenes, que se vuelven borrosas a la mente. El problema no es de las
imágenes en sí mismas, de su potencial. La razón por la cual la gente está cansada de ver imágenes
es que las que le llegan están vacías, no tienen corazón ni centro. Son imágenes agresivas, que te
quieren tomar el dinero, quieren tus ideas, quieren decirte qué tienes que creer, te quieren hacer
comprar cosas… Es muy agotador. Cuándo las imágenes que nos llegan tienen alma detrás, un
espíritu, algo útil, un conocimiento real y no sólo información, y contienen una especie de misterio
interior …Entonces sí que interesan a la gente.” Entrevista con Beatriz García Moreno Revista de
arte

AGNES HEGEDUS (1964). Utiliza como medio artístico esta nueva tecnología. Artista de origen
hungaro. Ambito opuesto a Viola.
‘’La tecnología de la realidad virtual no sólo permite acceder a un universo artificial generado por
ordenador, sino que además ofrece al usuario la posibilidad de entrar físicamente en contacto con
dicho universo y con otros usuarios del sistema por medio de la interactividad. Uno de los
principales desafíos que la televirtualidad plantea a los artistas radica en la experimentación y
elaboración de lengiajes corporales de sustitución. Con Between the Words la artista húngara Agnes
Hegedüs idea una máquina que permite la comunicación virtual entre dos personas. Los
participantes pueden verse vagamente a través de una abertura semitransparente practicada en la
pared, pero no pueden hablar entre sí. En la mano sostienen una palanca de mando con la que
dirigen las manos de sustitución virtuales generadas por ordenador en el espacio que les separa.
Cada movimiento provoca una metamorfosis logarítmica de la línea de las manos que se transforma
en un gesto determinado. Christiane Fricke: “Nuevos medios” en Arte del siglo XX. Taschen, 2001.
p. 617.’’
Between the words (1994). invitaba a la interaccion entre dos personas, pero mediatizada
informaticamente, ella colocaba un muro hueco por dentro, y unos espejos, generando la imagen
reflejada en la pantalla, y esta resultaba la superposicion la imagen de una camara que captaba a la
persona de enfrente, a la cual se superponia la imagen que el ordenador interpretaba y procesaba a
aprtir de la manera en la que la otra persona manipulaba unos mandos de ordenador. Se creaba una
interfaz. Experiencia nieva, porque podias intentar comunicar mediante los gestos de tus manos, que
el ordenador interpretaba y traducía...Instalación que abrió muchos horizontes. Se centraba en la
problemática de la comunicación y en establecer nuevos parámetros, siempre mediatizada.
También ha experimentado con videos virutales.

Memory Theatre VR (1997). nstalación interactiva, nuestra acción modifica lo que está mostrando.

TACITA DEAN (1965). Una de las maestras de la imagen – tiempo. Artista de la generación YBA
(Young British Artist). Trabaja con la imagen – tiempo reivindicando el medio obsoleto del cine. No
trabaja con cine digital, sino siempre con películas de celuloide.
El garabato del fraile (2010). pelicula grabada sobre un garabato de un fraile que conoció y se
combinaba con imagenes que ella grabo de las incisiones que habia encontrado en el monasterio de
silos… religión como un mundo cerrado.
Tate Modern (2011). Instalación en la que reproduce imagen fílmica proyectada… manifestar las
interioridades del medio. Especificidad del medio, que le permite adentrarse en lo desconocido.
Short frame, una toma de un unico fotograma o poquitos fotogramas.

FENG MENGBO (1966). Utiliza el arte digital. Es programador, controla y conoce el lenguaje de
la programación. Es un personaje que ha utilizado el medio digital, sobre todo los programas
informáticos, para crear arte interactivo a través de videojuegos, contaxto tecnologico avanzado, o
aplica la tecnologia digital para recrear arte tradicional, para captar a gran escala paisajes de la
tradición del arte chino. ‘’Game over Long March’’ Iconografia del comunismo y elemento
simbolico de la cultura capitalista. Manera flexible y extrema de usar el medio digital.

JUEVES 09 DICIEMBRE 2021

(apuntes de Indra)
TEMA5: ESCULTURA, ENTORNO Y ECOLOGÍA.
La escultura en la tradición occidental adquiere un carácter de monumentalidad. Esto ha marcado la
evolución de la tradición de la escultura porque se ha insertado dentro de un sistema artístico y un
aparato academicista que ha ido subrayando durante siglos el carácter monumental de la escultura,
porque se considera que una obra escultórica debe tener una razón de ser basada fundamentalmente
en el ámbito referencial, es decir, una escultura está determinada por la necesidad de conmemorar
un hecho o un personaje determinado.

Texto “La escultura en el campo expandido” de Rosalind Krauss.

- Publicado a finales de los 70, viene a marcar un punto de inflexión en la conceptualización
del parámetro diferencial de la escultura actual respecto a la escultura anterior.
- Carácter monumental asociado al carácter conmemorativo
- Inicio: constata el carácter definitorio de la escultura occidental tradicionalmente
- Deja de lado bastantes cosas, como la escultura destinada al uso doméstico (decorativo, de
culto, etc.)
- Con el arte de la modernidad (ella lo llama “escultura modernista”) se reacciona contra el
concepto tradicional. “La escultura moderna pierde su lugar”, se separa de la tradición y comienza a
presentarse como una creación autorreferencial.
- Base de pensamiento estructuralista/postestructuralista, debemos de entenderla en base de
conceptos en oposición y contrastes
- Si la escultura tenía ese poder tradicional de conmemorar significa que era referente (aquello
a lo que el signo artístico remite). Si esa tradición se rompe pasamos a una escultura
autorreferencial (lo importante es ella misma como propuesta plástica)
- Ej. En Rodin “Puertas del infierno” Le interesa más el desarrollo formal de sus obras que
aquello que tienen que conmemorar, marca el inicio de esa separación entre la tradición y el
concepto contemporáneo o “modernista”
- Las esculturas tradicionales debían situarse en un lugar concreto para conmemorar un hecho
concreto, en el arte contemporáneo ya no se basa en un monumento que conmemore. La escultura,
literalmente, pierde la base, pierde el pedestal
- Esta escultura muchas veces convierte la base del pedestal en un juego plástico
- Ella constata que ese concepto moderno de la escultura queda definido en base a dos
relaciones de negatividad:
o No-paisaje
o No-arquitectura
- A partir de los 70 hay muchas propuestas artísticas que no encajan en el paradigma
tradicional pero tampoco en el moderno y propone crear una nueva estructura conceptual para
intentar entender estas propuestas: obras de arte posmodernas que en muchos casos ni se definen
como no-arquitectura o no-paisaje, se supera ese límite. No propone un tratado de estética, lo que
quiere es analizar y describir las manifestaciones estéticas para ayudar a establecer nuevas formas
de relación y entendimiento.

o Estructura conceptual: este tipo de escultura busca expandirse por una vía que el
pensamiento moderno le tenía limitado (idea de campo expandido). De este modo ha inundado
todas las manifestaciones artísticas actuales, Es una escultura que tiene que incorporar el concepto
de lo que no es, se expande por los concetos de paisaje y arquitectura, asume los conceptos en
positivo por los cuales se define en negativo; dentro de esta doble relación no-paisaje no-
arquitectura, en esa dualidad de conceptos lo que no es arquitectura es paisaje y lo que no es paisaje
no es arquitectura, por tanto se crea una relación positiva que supera esa mera oposición negativa.
De este modo se crea un campo de contradicciones sobre el cual se expande e incorpora la
contradicción principal entre paisaje y no-paisaje, arquitectura y no-arquitectura. Así la escultura se
puede expandirá por el campo en el cual una propuesta escultórica sea un híbrido entre paisaje o
arquitectura
 o Estructuras axiomáticas (sobre la contradicción entre arquitectura y no arquitectura),
emplazamientos señalizados (contradicción de paisaje, no paisaje), (híbrido entre paisaje y
arquitectura).

MARTES 14 DICIEMBRE 2021

5.1 Los espacios expositivos: Parques, instalaciones y site-specific art.
Dos parques escultóricos bastantes característicos. Parques escultóricos. Un caso, que ha tenido
bastante desarrollo es el del Museo Guggenheim. Ha creado una serie de obras a parte de las que se
pueden exponer. Crear esculturas para colocarlas en la perfieria del museo. Esto implica, que el
museo adquiere cierta dimensión humanística. Pues expone obras más allá del museo, y además
proyectandose así mismo hacia el espacio urbanístico. Algunas utilizan elementos de
infraestructura. Jeff Koons Puppy 1992. Realizado con plantas y flores,material vivo. La escultura
necesita un mantenimiento continúo. Jugando con estas connotaciones entre lo vivo y lo muerto, se
establece una de las esculturas más características, que es la famosa escultura ‘’Mamá’’ de Louise
Bourgeols (en el Guggenheim). Esta escultura hace referencia a una enorme araña, traspuesta a una
escala gigantesca. Dualidad un tanto siniestra, entre la protección material y el carácter depredador.
Otras esculturas, como ‘’Tulipanes’’ de Jeff Koons. Junto cone stas esculturas más matéricas,
tenemos la intervención de Daniel Buren, que ha desarrollado una forma escultórica y que se funde
con uno de los puentes de Bilbao. Frente a esta escultura monumentos y solida, existe tambien, la
escultura de Yves Klein ‘’Fuente de fuego’’. Elementos, myy distintos entre si, pero que gravitan en
torno a la influencia del propio museo. Nueva concepción de los espacios expositivos. Híbrido entre
el interior del museo y el espacio público. El museo surge como centro energético del cual irradian
estas obras en torno suyo.
Lynn Chadwick – Beast Sculptures (Sainsbury Center for Visual Arts of Norwich). Alrededor de
este museo, se ha creado un parque escultórico, donde hay esculturas bastantes diversas. Este
parque, es realmente un parque, pensada para el paseo, que tiene ese sentido casi de bosque. Efectos
de las esculturas de Lynn Chadwick, sobre este entorno. Había creado estas formas a una escala
menor, pero el Sainsbury le encargó unas versiones a gran escala y él aprovechó para cambiar el
material, en base a planchas de acero. Las esculturas ganaron mucha fuerza. Es uno de los casos en
los que la ubicación de la escultura, no es una ubicación tradicional, pero si ha dado un nuevo
sentido a las obras. Ese espacio es el hábito de estas bestias, las obras ganan en fuerza, en sentido,
respecto a como sería en pequeña escala y en el interior de cualquier museo.
Ilya (1993) y Emlia Kabakov (1945). Pareja que llevan muchos años trabajando juntos. Fueron
considerados como los padres del nuevo arte conceptal de la unión soviética. Han sido también unos
de los grandes exploradores a la hora de buscar nuevos espacios expositivos, como a la hora de
crear una nueva escultura que necesariamente entre en relación con el espacio expositivo.
Where is Our pLace? (2002). intalacion concebida para un edificio de diversas plantas. Se isntalo en
el primer piso, donde encontramos una especie de aumento de ecala, que parecen dos personajes
vestidos a la moda d e1900 que están flanqueados por unos cuadros. Entraría en relación con los
otros elementos de los otros niveles. Aparece en dialogo el mundo del arte y sus reproducciones, la
evolución del arte. Las propias creaciones entran en su plenitud de sentido en ese exacto espacio
expositivo, y lo dotan, al mismo tiempo, de un carácter absolutamente inédito. Sobre esto:
‘’Ubicada en el primer piso, la instalación resulta fascinante para el historiador del arte porque
monumentaliza el pasado afirmando de alguna manera que los años de memoria y periodizaciones
que uno atravesó en la universidad tendrán algún tipo de autoridad y sentido en este transcurrir tan
inmediato. Según el crítico Boris Groys “el campo del arte Moderno se estructuró estrictamente de
acuerdo con la lógica de la contradicción”, es decir que una obra superadora invalidaba a la última
obra maestra hasta alcanzar un grado cero. La pregunta que se impone es ¿Porqué?. Y uno se siente
tentado a vagabundear por los corredores de Nietzche, y pensar en la muerte de Dios y de sentido,
Duchamp y la obra- no obra, y todos estos temas que han dejado sin dormir a una enormidad de
intelectuales occidentales. Pero tal vez no se encuentre allí la respuesta sino en la obsesión
posmoderna, que también señala Groys, por “lo nuevo”. El Arte moderno y actual, en el armado de
colecciones que se pretenden canónicas, nunca dejó de estar sujeto a la moda. Sin embargo, esta y
otras obras de los Kabakov proponen alternativas porque no inventan (realmente) nada. Hay tres
tiempos planteados en el mismo espacio de la obra: - El mundo del arte de salón del siglo XIX
habitado por gigantescos personajes de utilería que contemplan pinturas que podrían ser italianas
con sus grandes marcos dorados: un mundo habitado por personas que desaparecen a la altura de la
cintura (llegan al techo). - El mucho más liviano arte del presente donde fotos en blanco y negro de
revistas de los ’60 dialogan con poemas de la autoría de Ilya. Aquí fotografía y texto parecen
inconexos. Somos los protagonistas de esta escena en donde el problema radica en la dificultad de
establecer la relación texto- imagen. -El deshabitado mundo del Arte del futuro que se representa
con maquetas de paisajes costeros ubicadas por debajo del piso y que se vislumbran a través de
paneles de plexiglás con bordes curvos. El arte del futuro está en la naturaleza y en el paisaje.-
Matilde Llambi Campbell, entrevista.
También desarrollaron una gran cupula para San Francisco de Asís de Olivier Messaien. Los
Kabakov han insisitido en que no trabajan en escenografia, han hecho una creación, que se
encuentra en el interior de una nave industrial, es su propia creacion la que entra en dialogo, en
regimen de igualdad, respecto a la ópera.

Otro caso llamativo es el de Christo Javacheff y Jeanne Claude Denat de Guillebon. Concepto
revolucionario que aportaron a los espacios. Crearon obras en grandes espacios.
Surrounded Islands (Miami 1980-1983), Umbrellas (1300 paraguas en un valle y 1700 en otro),
Wrapper Reichstag – Berlin (1971-1995). Híbrido entre arquitectura y paisaje, pero ocultan el
edificio, cuando esta envuelto con estos amteriale, su esencia de arquitectura permanece oculta,
pero al mismo tiempo adquiere un resalte como obra de arte. Transfieren un elemento solido a algo
que es diferente de la arquitectura. Hacen un transporte ontológico de los edficios, mediante este
tipo de intervenciones. Tiene connotaciones políticas muy interesantes, es el edficio que contiene el
poder legislativo. El hecho de envolverlo, tiene lecturas muy interesantes. Suspensión simbólico de
lo que serían las funciones de ese edificio. Esta concepción del espacio expositivo, suspende la obra
como elemento de especulación. No es un objeto artístico que pueda ser vendido. Percepción
absolutamente libre y universal. Han abierto muchas ppsibilidades de exposición, haciendo
hibridaciones o ambiguedades.

James Turrell (1943). Artista norteamericano que concibe que el espacio escultorico es
basicamente el espacio creado y definido por la luz. La luz como elemento básico de configuración
de esculturas. Rompe nuestros esquemas de relación con el espacio.
MIÉRCOLES 15 DICIEMBRE 2021
Christian Boltanski (1944-2021)
Artista que ha dejado huella. Trata el concepto de instlación como obras que se perciben en el
conjunto extendido del espacio extendido. No es una obra restringida a un lugar concreto, sino que
se expande por el lugar expositivo. Fiel a esta concepción de instalación son algunas de las obras de
Boltanski. Una de sus obras más impactante es Chance (2014) más que oportunidad, significaría
azar. En la Reserve des suisse morts (1991) (La reserva de los suzos muertos) trabaja a través de
unas cajitas de hojalata que sirven como elemento de archivo, y a cada una añade la fotografía de
una persona. Fotografías de personas que no muriendo durante un episodio catastrófico, sino por
causas normales. Montó un gran espacio, un laberinto que acaba en una especie de callejón sin
salida. Nació hacia final de la II Guerra Mundial, y quedó traumatizado ante el genocidio del
holocausto. Lo que hace en esta instalacion es trasponer la idea de la muerte masiva a un conjunto
sumado de muertes individuales habituales. Idea de auténtico mausoleo de personas normales y
corrientes. Idea de la muerte como elemento habitual en nuestra experiencia. Idea de la ausencia es
uno te sus temas recurrentes. Trabaja mucho con la idea del espanto, y crea situaciones de angustia,
de auténtica tensión.

“Gran parte del arte actual no habla de la vida, sino del arte. Una buena parte de la creación,
especialmente en los últimos años, no es sino citas sobre el arte o reflexiones sobre el arte, y
eso no me interesa. Me siento más cerca de un arte de la emoción, y ahí no veo ninguna
emoción.” Boltanski y Grenier, Catherine: La vie possible de Christian Boltanski 2007

Rebecca Horn (1944). Se hizo famosa dentro del ámbito del arte de acción, de interaccion con los
especradores. Utilizaba su cuerpo, para cubrirlo de diferentes maneras. Obras concebidas a través
del movimiento mecánico. Juega para crear sesnaciones de desasosiego, imprevisibilidad, caos.
Cada obra en si se concibe como el resultado de un proceso mecánico, que e sprevisible, pero el
conjunto de eso generera esa sensación de imprevisibilidad. Algunos de esos movimientos son
imitaciones mecánicas de lo que consideramos como movimientos normales.
Jaume Plensa (1955).
Entorno expositivo expandido, en este caso a los ámbitos urbanos. Dos exposiciones, una de ellas,
tuvo una unfluencia mediática a nivel mundial. Se trata del encargo que hizo el Ayto de Chicago.
Dos grandes plintos que proyctan caras de gente de chicago. Esas caras se convierten en el rostro de
esa ciudad. Relacionado con los volúmenes del contexto. Las pantallas son fuentes. Crea ese
desarrollo del espacio público y además interactúa con el público, para que este actúe de una
manera especial Otra instalación de dimensiones importntes es Invisibles. Invisibilidad de muchas
partes de nosotros, y gran partes de la sociedad, que se vuelven invisible. Ejercicio de percepción
visual. Todo es muy fugaz y rapido, esto pide cierto reposo y calma. Está realizada especificamente
para el palacio de cristal. Rostros de mujeres jovenes con los ojos cerrados. Reivindica la
feminidad, acercamiento a la realidad. Sofisticada concepción del espacio expositivo. Site specific
entre la obra y esa transparencia de la obra donde está insertado. Cuenta también, con el espacio
público extendido. Es uno de los maestros del espacio expostivo.
Entrevista con Jaume Plensa: ‘’El arte no es nada más que una forma de respirar, de sentir. Muchas
veces la gente no se da cuenta de que está haciendo arte: un gesto, una sonrisa, un movimiento con
la mano que parece que se esté inventando en ese momento, pero que se pierde en esa fugacidad
maravillosa de la vida. El arte en sí es mensaje, porque es una forma de hablar de nosotros mismos,
de la naturaleza, de todo las cosas tan importantes que son invisibles. Por eso, a veces nos
obsesionamos los artistas en intentar darles una visibilidad, una corporalidad, algo que nos las haga
más presente. El arte es belleza también. Pero no como una afección o un lastre; el arte genera
belleza en el mismo momento de ser concebido, y eso tiene ese valor añadido de mejorar el día a día
de las personas. A veces tengo envidia de mis obras, porque están en lugares maravillosos y muchas
veces solas. Tengo una escultura, una de estas cabezas de 14 metros, en un lugar a dos horas al norte
de Goteborg, en Suecia, en una isla en la que no vive nadie, un parque natural. Pienso mucho en
ella, porque pasa horas y horas allí sola, con el paisaje, con los pájaros…, qué belleza. Yo no tengo
la sensación de que una escultura en el espacio público esté solo. Sí lo he sentido muchas veces en
los museos: veo obras que están como arrinconadas y tristes, y parece que necesiten que las
abrazaran. A veces he tenido la tentación de hacerlo.’’

Anish Kapoor (1955).

Carrera riquísima y abundante. The Cloud Gate. Estructura metálica, en acero. Está tan pulida que
funciona como un espejo. Los elementos de soldadura y juntas no se perciben facilmente. Obra en
sí como superficie muestra su entorno urbanística. Sofisticada relacion de la obra con el espacio. La
obra en si se presentaria en su entorno, y ocupa un espacio real, pero se configura por la relación
con el exterior. Lo que sucede, cuando entramos en el espacio interno de la obra, lo que vemos es
como la obra no solo se configura gracias a los reflejos del entorno, sino que además lo multiplica,
cada reflejo del interior puede multiplicarse en multiples imágenes. La obra queda configurada
gracias al espacio exterior pero reconfigura opticamente tambien este espacio (realidad
caleidoscópica).

Cristina Iglesias (1956)

En un nivel complejo y sugerente funcionan las obras de Cristina Iglesias. Diversas intervenciones.
La escultura la concibe como un perfecto híbrido a medio camino entre construcción y
emplazamiento. Concepto de hiperespacio. Cada escultura es un lugar propio. La escultura
configura su propio espacio expositivo. Lugar que te influencia. Estructuras que caminan entre
emplazamiento y construcción pero intenta reposar la experiencia intensa del lugar. Estructura que
hizo para Londres, muy curiosa…

Doris Salcedo (1958).

Artista interesada en convertir los espacios expostivos, en la expresión de conflictos, y crea espacios
simbólicos de conflicto. Extended Play.1500 sillas entre dos edificios. Simbolo universalizante de la
guerra, pero también, imagen de la perturbación de la vida cotidiana, tambien como denuncia de un
proceso de demolición de las casas de un barrio, para comenzar un proceso de gentrificación. No es
una lectura forzada.
Exposición para la sala de turbina de la TATE Modern que llamó Shibbolet. Abismo artificial.
Otra de las obras es Palimpesto. Se expuso hace unos años en el Palacio de Cristal. Obra
monumental, a querido nombrar a todos aquellos que no tienen nombre, todo aquello que
desconocemos. Ha buscado trabajar en lo opuesto de la verticalidad del edifcio. Memorial que tiene
bastante de lápica conmemorativa, pero también de féretro. La obra se va configurando de manera
dinámica. Va saliendo agua por determinados puntos que forman los nombres de personas que
habían muerto en el mar mediterráneo intentando llegar a Europa. Obra que intetna hacer el duelo.
El palacio de cristal queda marcado como un lugar de memoria. Está intentando hacer
emplazamientos señalizados.

Olafur Eliasson (1967).

Obsesión por construir naturaleza y paisaje, obviamente de forma artificial, como las cascadas de
Nueva York.
La naturaleza penetra en el espacio expositivo.
Una de sus obras famosas es The Weather Project para la TATE Modern.

JUEVES 16 DICIEMBRE 2021 (esto me lo ha pasado indra)

5.2. Escultura y ambiente: las esculturas en los entornos naturales.
Los análisis actuales hablan de que nuestra era se caracteriza por el Antropoceno, nuestra influencia
sobre los entornos es tan fuerte que hemos configurado y reconfigurado la naturaleza. Desde ese
punto de vista en realidad la naturaleza abarcaría todos aquellos espacios sobre los cuales se actúa
bajo el presupuesto de que pueden ser intervenidos y modificados. Sólo podemos definir en
negativo, es el estado de cosas previo a la intervención. También es relativo ya que cuando
hablamos de intervención no podemos descartar intervenciones previas. El sentido de naturaleza
como espacio al margen de la intervención humana no se puede aplicar apenas sobre los espacios
donde se ha aplicado escultura. Los espacios naturales son más bien no urbanos o no objetos de
construcción de infraestructuras, pero desde luego la idea de espacios vírgenes es completamente
falsa.
- Ben Tufnell sobre el land art
o Ideas de tiempo, lugar, relatividad
o Relación con el arte conceptual
o Planteamiento revolucionario: se resiste a la conversión del objeto artístico en objeto de
mercantilización
o Procesos abiertos, una vez la intervención acaba la obra sigue transformándose
o Gestos efímeros, no hay una marca pesada y evidente
o Interpretación ecológica, relación simbólica sobre cómo afectamos a la naturaleza
- Nils-Udo (1937)
o Habla de que en su experiencia provenía de la practica artística mas convencional, y cuando
lo abandonó para realizar intervenciones
o La Couvée: Describe su obra como mármol, tierra y bosque (elemento del entorno como
parte fundamental de la obra),
o No se trata de hacer un afecto y ponerlo en un entorno sino de hacer uso del entorno natural
y ponerlo en relación constituyente con la obra
- Richard Long (1945)
o Realizaba caminatas donde dejaba una marca en su recorrido
o River Avon Driftwood
o Materiales recogidos los dispone en un espacio expositivo

MIÉRCOLES 23 DICIEMBRE 2021

Nils Udo: estrategia de integración. Elementos naturales que se integran en su obra y su obra se
integra en elementos naturales. Una especie de integración de doble sentido.
Richard Long (1945). Transporte de materiales de un lugar a otro. Trabaja mucho también con el
concepto de origen. Materiales originados a partir por ejemplo de canteras,,,, Idea de origen y
transporte. El entorno sirve en este caso para constituir la obra. Nils Udo no se ven en Long, ya que
este último ha derivado hacia un concepto más tradicional de la escultura. Dinámica de trasladar
materiales, pero no se ve la dialéctica ni la relación del entorno.
‘’No hago las obras basadas en el espacio, cada obra tiene vida por sí sola. Además de que el
nombre de las obras no es tan importante como el trabajo, pero todo debe tener un nombre.
No hay ningún simbolismo en mi obra, yo no quiero proyectar nada, sólo quiero mostrarte lo
poderoso de la simple roca’’.
Andy Goldsworthy (1956). ‘’Silver Brich’’ y ‘’Touching North Pole’’. Idea de precariedad, se aleja
bastante del concepto tradicional de escultura como elemento solido y duradero. Como prueba solo
quedan las fotografías y videos. Deja que la naturaleza las complete o destruya. Esculturas
expuestas a su rápido deterioro y desaparción. Proceso natural es el núcleo que da sentido a sus
obras. Elemento de muerte implicita que tienen sus obras. Se acerca también a la posibilidad del
fracaso, que se traduce en la no perdurabilidad. El entorno suministra materiales delicados y
funciona dialecticamente. Dotan de sentido a la obra. También econtramos cierto componente
romántico. No intenta cambiar la naturaleza, juega con ella, sabiendo como es. Se ajusta a los
elementos. Tampoco intenta esconder su intervención como persona. Son obras no concebidas
desde un punto de vista fotográfico, pero al final esto es el único registro que nos queda. Integra
también el arte de acción.

‘’Cada obra tiene una vida. Pienso que hay un momento en el que alcanza su cima y, si
fracasa antes de alcanzar ese momento, es una vida terrible. Es la peor pérdida. Cuando se
hunde después de estar acabada, la pérdida es también muy dolorosa, pero aceptable. Y el
reto consiste en ver la belleza en esa pérdida. De hecho, el viento que la convierte en líneas se
vuelve hermoso a medida que la obra se desintegra lentamente. Tanto, que es difícil calificarlo
de mera decadencia. Todos tenemos que afrontar la pérdida. Cuanto más envejecemos, más
pérdida tenemos que soportar. De modo que hallarle sentido es una cuestión fundamental
para los humanos. Es interesante que los grandes proyectos que llevamos a cabo a menudo –lo
que podríamos denominar las obras permanentes– cuando están acabados, es el momento en
el que empiezan a decaer y cambiar. Cuando yo acabo los proyectos es cuando ellos empiezan
su vida. Y son igualmente vulnerables al futuro. Nunca sabes qué tipo de vida va a tener la
obra. Realmente disfruto esa prolongada proyección en el futuro como imprevisibilidad de lo
que pueda ocurrir, es como tener un hijo, adquiere un significado distinto. Hago un
seguimiento de estas esculturas y veo cómo cambian. En algunos lugares, las esculturas tienen
una fuerte naturaleza social.’’

Helena Aikin. Empalzamientos dedicados a hacer grandes parques. Intervención en el Cerro

Gallinero (2012). Parte de la idea de laberinto, totalmente depejado, transportado a elementos
naturales. Estrategia del simbolismo místico, no tanto metafísico. Mistificación de los elementos
naturales. Metáfora de la gran madre. Energía y ritual de llegar al centro. Lógica muy tradicional.
La idea del laberinto tiene que ver con la hiperespacialización. Forzar nuestra experiencia del
espacio.

Donna Conlon (1966). Moviliza sentidos políticos muy fuertes. Muy implicada con su ciudad,
muchos vínculos y compromisos. Planta árboles de especies muy autoctónas. Ha hecho una
propuesta y las personas la han aceptado. Integración de elementos naturales, pero de sentido
abierto. Quien carga la obra de sentido son las personas que vean ese espacio. Situa en paralelo
elementos naturales y lógicas políticas, unión de 2 cosas que funcionan en el mismo sentido.
Volvemos a ver la estrategia de integración.

Martin Roth (1977-2019). Integra también elementos naturales. Muy espaciales y con un sentido
muy poderoso. Alfombras sobre las cuales crece hierba. Elemnto técnico de lógicas naturales.
Invirtiendo el zeitgeist, que consiste en una naturaleza absolutamente tecnificada. Utiliza la técnica
y la política, no para amenazar la naturaleza, sino para alimentarla. Sentido de la inversión de la
lógico. La naturaleza invide los espacios artificales o convierte un hecho social de pura negatividad
en un elemento positivo, de la naturaleza. Visitó la casa de un asesino en serie en 2017, y sacó de su
casa una planta que crecía en el patio. Algo asociado a un monstruo se convierte en un elemento
positivo de la lógica natural. Trabaja con algo cambiante, ENERGÍA REAL en la obra pq hay un
elemento vivo. El contenido de negatividad, odio para alimentar positivamente una lógica natural.

Thomas Dambo (1979). Crea esculturas a partir de madera reciclada. Trabaja con técnicas y
maquinaria moderna (actividad industrial, no es artesano). Más acercado a parques temáticos.
Ninguna concepción novedosa, espacio público de ocio.

JUEVES 23 DICIEMBRE 2021.

TEMA 7 ESPACIOS EXPOSITIVOS, ACONTECIMIENTOS ARTÍSTICOS Y CRÍTICA DE
ARTE.
Texto EL PAPEL DE LO MUSEOS. De Diego.
Cada vez son más importantes la exposiciones temporales.
Otros tipos de eventos artísticos:
• Ferias de arte. Son encuentros del mercado del arte, venta de arte. Hay apoyo insitucional,
suelen participar galerias de arte privadas…
• Bienales de arte. Las obras que se exhiben no están a la venta. 2 modelos diferentes, la
Bienal de Venecia (un tanto obsoleta) y la bienal de Sao Paulo.

Texto LA IMPORTANCIA DE LOS DISCURSOS, Heinich.

Nos habla de la importancia de la crítica y el discurso. Es una característica muy importante del arte
actual. Rara es la obra de arte más reciente que es capaz de exprearse por si misma. La obra no es
autónoma desde el punto de vista expresivo. El arte actual necesita discursos que se presenten como
información paralela a la propia obra en si. El arte nació reivindicando la autonomía artística. Se ha
independizado de los grandes discursos culturales, pero se ha hecho más independiente de los
discursos artísticos. Hoy en día el discurso crítico (enunciado por los artistas, las instituciones, etc)
es cada vez más un elemento esencial y la gran mayoría de obras de arte actual no funcionan sin un
elemento crítico. La captación de sus sentido requiere un mínimo de discurso explicativo. El
discurso es el que saca a la luz el significado oculto.