HISTORIA DEL ARTE DEL SIGLO XX.

01 FEBRERO 2021.

TEMA 1. LA IRRUPCIÓN DE LAS VANGUARDIAS.

1.1 Introducción al arte del siglo XX.
a).El arte, un concepto cultural.
¿Es nuestra idea de arte adeucada para entender el arte del siglo XX? Suele haber una serie de
desajustes entre el concepto de arte que hemos heredado y el arte conteporaneo, y ese desajuste
produce desconcierto y perplejidad. Muchas personas dan por hecho que el arte es un concepto
universal, eterno. Nuestra idea de arte es una creación mucho más reciente de lo que parece, nació
en la europa del siglo XVIII y en los siguientes siglos experimentó unos cambios muy profundos
que transformaron radicalmente su naturaleza. Por eso es logico empezar esta asginatura
haciendonos esta pregunta.
Los diccionarios de la lengua no ofrecen una definición estandar de lo que es el arte. Son
definiciones que tratan de abarcar el amplio dominio de los artístico, válido para cualquier tipo de
manifestación, época, etc. Las historias del arte también inducen a pensar que el arte ha existido
siempre, desde la Prehistoria hasta nuestros días, y que sólo ha cambiado su estilo, aspectos
secundarios.
¿Es posible definir el arte de un modo satisfactorio para que englobe todas las manifestaciones
artísticas, pasadas y presentes? Todas las obras que hemos visto, todas las imágenes tienen en
común que las consideramos obras artísticas, pero, ¿por qué incluimos todas esas cosas en la misma
categoría, si en realidad son tan variadas en sus cualidades? Es una respuesta muy dificil, y los
intentos de definir el arte a partir de sus cualidades han dado respuestas poco satisfactorias. La
mayoría de objetos que consideramos hoy como obras de arte, en su origen no se consideraban ni
nacieron como tal. La pregunta clave es, ¿la cualidad de obra artistica está en los objetos mismos, o
en nuestra forma de ver? El arte es una convención cultural moderna, pq data como mucho del siglo
XVIII, que no se fundamenta en las características de las obras consideradas artísticas, ni en las
intenciones de sus autores, ni en los efectos que producen en el espectador, sino en su aceptación
social como tales obras de arte. El arte por tanto es un concepto histórico, no es una idea normativa.
Efwcitvamente fue en el siglo XVIII cuando se impone la idea de que la finalidad de las obras
artisticas es agradar a los sentidos a través de la imitacion o la creación de formas bellas. Nacio así
la primera formulación de ‘’bellas artes’’, que pervive en muchos idiomas y en diversas
instituciones. En el siglo XVIII surge nuestro concepto de arte, al mismo tiempo que los elementos
que componen el mundo del arte (coleccionistas particulares, marchantes, exposiciones, críticos y
museos) y las disciplinas que lo estudian (Historia del arte y Estética).
¿Esta concepción de arte, basada en la imitación y la belleza, es válida para definir el arte
contemporáneo? Realmente no, se hicieron esta pregunta y se contestó que esta concepción había
quedado obsoleta. En el siglo XIX empezó a abrirse camnino a una nueva concepcioón artística que
ya no consideraba que la imitación y la belleza fueran ingredientes indispensables ni distintivos al
arte. Desde el romanticismo la belleza resulta problemática para caracterizar otros periodos, como
el arte romántico y el contemporáneo. La belleza era tradicionalmente incompatible con cualquier
interés y cualquier utilidad práctica. Sin embargo, en el siglo xix hay actividades funcionales que
empezaban a ser contempladas estéticamente. Esto evidenció las limitaciones de la teoróa de las
Bellas Artes surgida en el siglo anterior.
Esta insatisfacción impulsó nuevos intentos de definir el arte a lo largo del siglo XX (el arte como
expresión, el arte como comunicación, el arte como forma, el arte como choque, etc). El arte como
expresión entiende el arte como expresión de las emociones del artista. Todas estas concepciones
tienen puntos fuertes, pero también admite la crítica. Todos esperamos que el artista se exprese pero
no sirve para caracterizar todas las obras. Otras de las propuestas es el arte como comunicación, hay
artistas que comunican,se basaría en la idea de que el arte es un lenguaje, concepcion muy
caracteristica de los años 60. Una concepción muy moderna es la idea del arte como forma, srugio
la teoria en que el arte consistia en dar forma a la materia. El artista siempre crea algun tipo de
forma. Esta teoría es una de las más intrínsecamente moderna y desde entonces ha dominado sobre
el pensamiento del arte moderno. No solo los artistas dotan a la materia de forma, por lo que es
necesario especificar que tipo de forma artística. El arte sería la forma pura, el arte sin una función
práctica. El arte como experiencia estética, producir una experiencia estética en el espectador, la
experiencia estética sugiere una emoción agradable?? El arte como choque, como aquella
manifestacion que produce en el espectador un tipo de conmoción, de choque… muchos artistas
modernos persiguen provocar experiencias que más que agradables son desconcertantes,
abrumadoras, escandalosa, etc. El arte como originalidad, también intrinsecamente moderna que se
basa en crear algo que no existía antes. El arte como juego, como actividad no practica, pero que
responde a la necesidad humana de lo lúdico. No cabe duda de que el arte está relacionado con la
necesidad humana de evasión, de placer… El arte como ritual surge para intentar abarcar esas
manifestaciones como las performances, el arte publico que requiere la presencia del espectador,
especie de ritual comunitario… Lo que podemos concluir de esta enumeración es que tenemos
varios definiciones para un mismo fenómeno, cada una tiene su parte de verdad, pero que ninguna
abarca todas las obras artísticas, porque cada una tiene en cuenta unos aspectos e ignora otros. Hasta
el siglo XX se sabía lo que era el arte porque los objetos artisticas tenían unas cualidades que los
distinguían de los otros objetos. Pero a partir del siglo XX esta definición se va difuminando por
culpa de los artistas de vanguardia que rompen con ese paradigma estetico tradicional.
- El arte como institución social: fruto de esta busqueda de concepcion que lo abarque todo, en los
años 60 delo siglo XX srugio una teoria artisistica que, en lugar de buscar la esencia del arte en los
propios objetos artísticos, en las intentciones de sus autores o en el efecto que producen en el
público, la buscó en las circunstancias sociales que rodean la actividad artística. Plantearon que esta
esencia es la de ser una institución social. A esta teoría se la como como teoría institucional porque
se fundamenta en la idea de que las obras de arte son arte como resultado de su inclusión dentro de
un marco o contexto institucional. Es decir: que el único rasgo común entre ellas es el hecho de que
han sido reconocidas como arte por el ‘’mundo del arte’’ (George Dickie) y existe una teroía que les
da significado (Arthur Danto). En otras palabras: el arte es una convención social. ‘’Arte es todo
aquello a que los hombres llaman arte’’ (Dino Formaggio). En consecuencia, la dificultad principal
hoy no es estudiar las características de las obras artísticas una vez reconocidas como tales, sino el
de establecer los criterios para reconocerlas como tales obras de arte (Richard Wolheim). Lo que
convierte algo en arte es que previamente haya sido aceptado como arte, y esto se logra
introduciendose en los canales institucionales. Esta teoria toma en consideracion el contexto cultura
y filosofocio que rodea el mundo del arte. Según Danto, lo que diferencia una caja de detergente
Brillo de las Cajas Brillo cmprada en un supermercado de la obra de Warhol como Brillo Box, lo
que las diferencia es una teoría artística. Es la teoría artística que dio sentido al pop art, lo que
legitima como obra de arte esa reproduccion de Warhol. La teoriía institucional nos proporciona una
definición tautológico. Pero hace una aportación útil para entender el arte del siglo XX: ha vaciado
el concepto de ‘’arte’’ de juicios de valor. En la actualidad, decir que algo es una obra de arte ya no
implica reconocerle un valor elevado o superior, sino simplemente incluirlo en una categoría de
cosas. Su valor dependerá de la aplicación de nuestro juicio crítico. Por eso es tan importante
formarnos un criterio propio. Esta teoría nos plantea esa definicion de lo artistico basada en el
contexto en que esas manifestaciones se producen.

03 FEBRERO 2021
(Continuación de la introducción al arte del siglo XX).
¿Qué nombre dar al arte del siglo XX? –> ¿arte cotempornaeo, de vanguardia…? En la
historiografía española cuando decimos arte conteporaneo, solemos referirnos al arte de la Edad
Contemporánea (desde el Neoclasicismo de fianles del siglos XVIII hasta el presente). El arte
moderno es el perteneciente a la Edad Moderna. Sin embargo, en la historiografía anglosajona ( e
internacional ), el arte contemporáneo es el perteneciente al arte del presente (desde los 70 del siglo
XX). El arte moderno es el perteneciente a la modernidad artística (desde el postimpresionismo de
finales del siglo XIX hasta los años 60 del siglo XX).
Es interesante saber que el adjetivo conteporaneo tiene un significado exclusivamente cronologico,
mientras que el adjetivo moderno, tiene un significado predominantemente estético, relacionado con
la modernidad. Esto posibilita la distinción entre el arte contemporáneo que es moderno, del que no
lo es. Estas discrepancias son importantes porque denota una diferencia importante de concepción
derivada de la significación de los adjetivos ‘’contemporáneo’’ y ‘’moderno’’.
Calificar una obra de moderna, además de relacionarla con el presente, supone además calificarla
esteticamente, ya que supone oponerla al arte del pasado y atribuirle unas caracteristicas propias de
la modernidad. Esta distinicion sirve para que nos demos cuenta de que el arte moderno es el arte de
la modernidad estética, atribuyendo unas cualidades distitntivas, que lo diferencian del resto de la
producción artística de su tiempo.
Arte del siglo XX es igual a arte moderno y es igual a vanguardia. La historiografía sobre el arte del
siglo XX lo indetifica con el arte moderno, y este con la vanguardia. Porque se fundamenta en los
ideales vanguardistas como criterios de selección y valoración artística. De ahí que la historiografía
no se ocupe de todo el arte producido en el siglo XX, sino sólo del cosiderado moderno y
vanguardista. Dos obras pueden ser contemporaneas pero la de Tapies es moderna y por lo tanto es
propia de un museo, objeto de estudio del arte, mientras que la obra de Ferrandiz no es moderna, ni
siquiera está considerado arte, no es estéticamente moderno.
Inicialmente la palabra vanguardia tiene un origen militar. No obstante en la segunta mitad del siglo
xix empezo a emplearse en el arte y literatura para desginar estilos nuevos que designaban el futuro.
Pero será en la primera mitad del siglo XX cuando habrá un auge y un esplendor de los grupos y
movimientos de vanguardistas, conocidos como ‘’vanguardia histórica’’. Se ha considerado como la
élite del arte, lo más vivo de esa época y hay que tener en centa que ese concepto de vanguardia,
también pretendía transformar la sociedad a través del arte, tenía connotaciones políticas. Hay una
cierta ideología que pretende cambiar la sociedad. La sociedad se siente atacada y reacciona,
provocando un rechazo a los movimientos y tratando a sus mienbros como bohemios y rebeldes. En
la segunda mitad del siglo XX esta situación empieza a cambia, hay una asimilación y crisis de la
vanguardia y acaban siendo aceptados socialmente. Esto ocurre pq los propios movimientos pierden
fuerza porque no son capaces de cambiar la sociedad mediante el arte, hay una cierta desazón y
decepción y muchos artistas se repliegan en la experimentación formal. La sociedad, cuyos gustos
se han modernizado (influencia del vanguardismo), acaba asimilando el arte de vanguardia,
provocando su crisis. La aceptación de la vanguardia provoca la crisis de la vanguardia.
08 FEBRERO 2021
1.2 Los orígenes de la arquitectura moderna.
La busqueda de lo nuevo será un rasgo fundamental del espíritu de ese inicio del siglo XX. En el
ámbito de la arquitectura, lo ‘’nuevo’’ significaba un estilo liberado de todos esos estilos del pasado
y del eclecticismo. El inicio de la arquitectura moderna lo podemos encontrar en tres fenómenos de
finales del siglo XIX. Uno de ellos es la arquitectura industrial, otro será la arquitectura el estilo del
art nouveau, y el tercero el llamado protorracionalismo.
ARQUITECTURA INDUSTRIAL.
PAXTON, Crystal Palace, Londres, 1850.

Arquitectura que incorpora los nuevos materiales y tecnicas, dadas de esa revolución industrial.
Este edificio fue levantado en londres para albergar la gran exposicion universal de 1851. Paxton
era un paisajista que había construido unos cuantos invernadero. No estaba constreñido por la
educación. El resultado será un edificio majestuoso, de grandes dimensiones, causó sensación. Era
imponente por su aspecto, grandioso a la vez que ligero, pues estaba construido con hierro y placas
de vidrio, lo que hacía que el interior fuese muy diáfano y luminoso. Edificio perfecto para la
funcion con la que se construyó. Su finalidad fue mostrar el progreso mundial en todos los ámbitos.
Es todo un simbolo de esa epoca, epoca de progreso basada en la ciencia. Era tambien un edificio
que podía desmontarse y montarse con mucha rapidez. El palacio se desmontó y se volvió a montar
en otro lugar de Londres. Su importnacia historica se debe a que fue el primer edificio construido
con elementos prefabricados. Fue tambien importante porque ejercio una notable influencia en la
historia de la arquitectura, como por ejemplo el Palacio de Cristal del Retiro. Este tiene una fachada
más artística, columnas de tipo dórico, aire más clasicista que el de Londres.
Uno de los grandes símbolos de la arquitectura industrial es la famosa Torre Eiffel, París, 1889. A
diferencia de los edificios anteriores, no tenía otra función que convertirse en simbolo de una
exposición. Era como una especia de entrada monumental, puerta al recinto. También se usó como
antena de comunicaciones. Lleva el nombre del ingeniero que llevaba la compañía, Gustave Eiffel.
Esto revela que la ingeniería tenía un estatus respecto a la autoría diferente a la arquitectura. Tiene
una altura considerable, y una planta de 125 metros de lado. Fue la contruccion más alta del mundo
hasta 1930. Fue una proeza de la ingeniera, incluyendo la rápida construcción. Es una especie de
torre que no se parece nada a los edificios del pasado. Este desarrollo posibilito una gran aportación
que señaló el origen de la arquitectura moderna.
Los primero ejemplos más señeros son los rascacielos americanos. Estos grandes edficios en altura
fueron posibles debido a esos avances, sobre todo en las estructuras metálicas, pero también en la
invencioón del hormigón armado. Fue perfeccionado por un francés y era un material muy
adecuado para el soporte, los cimientos del edificio. Una tercera innovación, el perfeccionamiento
de los ascensores eléctricos. Desde un punto de vista estético estos eficios eran edificios bellos,
despojada de ornamentación historicista. Los primeros grandes rascacielos se construyeron en
Chicago. El incendio de chicago supuso la reconstrucción de la ciudad. La historiografía denomina
Escuela de Chicago a estos edificos `pioneros, de nuevos materiales tecnicos, destinados a
comercios y oficinas. Por ejemplo tenemos los Almacenes Marshall, no tiene un altura muy elevada,
ni tampoco una estética muy moderna. Las ventanas no son demasiado amplias, aunque tiene una
composición muy ingeniosa, no está exenta de representaciones del pasado, recuerda un poco al
románico. El interior era muy moderno, diafano…

Otro de los edificios es el edicio Reliance en chicago, era una edicios en el que las referencia
estilisticas eran menos connotadas. Tienes 15 plantas, y las técnicas constructivas eran más
innovadoras. Usará el muro-cortina. Ya no son muros de carga, sino que los forjados, estan
sostenidos en pilares, en pilares retranqueados. Apariencia mucho más ligera, a la vez que
desornamentada. Hay que tener en cuenta que todos estos elementos se expandieron hacia otros
lugares.

El arquitecto Sullivan concibió una arquitectura muy elegante para la fachada de los rascacielos
( Edificio Guaranty, Búfalo). Fue además un pionera en la diferenciación????? Aunque el edificio es
moderno, aun ahí elementos decorativos de terracota, decoración vegetal… otra obra interesante es
el edificio Woolworth por Gilbert. Obra bastante eclectica. Remates neogóticos, pináculas y
también en el vestíbulo hay mosaicos de estilo bizantino.
Estas novedades las podemos ver en la Bolsa de Amsterdam por Berlage. Arquitecto que contribuyó
a esa transicion hacia una nueva arquitectura. Se conjugan las nuevas técnicas con esa inspiración
de carácter medieval. Combinación de modernidad con historicismo. Arquitectura muy
desornamentada.

ART NOUVEAU
También llamado modernismo. La manifestación mas caracteristica es el modernismo y tiene
multiples nombres y peculiaridades formales. Puede considerarse como el comienzo de una nueva
era o el final de un periodo histórico. Fusión de las artes, de la arquitectura con las artes aplicadas.
Casa Tassel, Bruselas, HORTA. Colocó la entrada de forma central para dar mayor simetría,
evitando ese largo pasillo, dando más luminosidad. La ornamentación enmascara algo de la
estructura. En la escalera, el armazón d hierro adopta formas ornamentales. Decoración vegetal.
Esta casa ejercio mucha influencia, fue reproducida e imitada.
Otro de los pioneros fue el francés Guimard, a quien se le reconoce como el introductor de este
movimiento en francia. A él se le atribuye las bocas de metro de París. Esto sucede a raíz de la
exposición universal. El art nouveau aspiró a ser un arte total, abarcando todas las artes. Recuerda
también al gótico.

(FALTA GAUDÍ).
Otros arquitectos se decantaron por formas mas rectilineas abstractas y geometricas. Uno
excepcional fue Mackinstosh, con su Escuela de Arte de Glasgow. La fachada es muy sobria,
destancan esas formas prismaticas y octogonales de esos ventanales.

En viena el modernismo recibe un nombre llamado secession. El termino remite a un grupo de

artistas y arquitectos vieneses que se separaron de la asociacion de artistas visuales de austria. Es un
grupo de jóvenes para impulsar un arte moderno, más libre. Eso no significaba repudiar del todo el
pasado.
Edificio de la Sezession Viena, 1898. volúmenes muy rotundos, cerrandos, decoración muy escasa,
bastante mas sobrio y menos organico que el modernismo mediterraneo. Sobresale esa esfera de
formas vegetales.

Otra obra de este grupo es de Hoffmann, el Palacio Stoclet 1905, se contruyó como residencia pero
también como museos.

LOOS, Casa Steiner, Viena, 1910. Loos publico un libro con un titulo bastante clarificador
‘’Ornamento y delito’’. Arquitectura muy fria, desangelada. Esa funcionalidad la plasma rambien en
la planta, la disposicion, la altura de los techos.
PROTORRACIONALISMO.
Se centra en arquitectos como Loos, y es una base muy firme de la arquitectura moderna.
Un ejemplo d arquitecto protorracionalista es Perret. Utiliza ya un material muy extendido, que es el
hormigon armado. Empezaron a añadirse barras de acero, pilares, vigas, losas..

Dos grandes iconos de estas arquitectura:

-BEHRENS, Nave de turbinas Berlín 1909. es una obra de otro de los grandes arquitectos. Empezó
influido por el art nouveau, pero su orientación estética cambió. Eficio concebido como un
envolorio de las maquinas.

-GROPUS, Fábrica Fagus Alfeld 1911. Es una obra de las mas trascendentales. Relación formal
muy clara, estructura metálica, pero esta retirada de la fachada.
En ese mismo periodo de la primera segunda decada del siglo XX, hay algunos arquitectos como
los vinculados al movimiento expresionista que tambien tienen influencia en el ambito de la
arquitectura. Por ejemplo el Teatro de Van de Velde de Colonia, vemos materiales nuevas y
experimentación formal. Su obra en ese momento se centro más en el mobiliario.

Otra obra es de Taut, de arquitectura expresionista, es el Pabellon de la industria del vidrio en

Colonia, 1914. es muy racionalista. Era para una exposición que se celebró en colonia y este era el
pabellon del gremio de vidrieros.
La ultima obra es la obra de Mendelsohn, un observatorio astronómico, es la Torre de Einstein en
Postdam. Es uno de los edificios mas caracteristicos de esa arquitectura expresionista.

10 FEBRERO 2021
Los cambios de siglo no llevan aparejado un cambio radical e inmediato, pero lo que si que ocurre
con el cambio de siglo, el inicio del siglo XX fue una intesificación de las ansias de modernidad,
impulsada por los nuevos artistas, los artistas más jovenes. Deseos de novedad que afloraron en los
movimientos de vanguardia. Los artistas post impresionistas se dieron cuenta del carácter
convencional que tiene toda representación artística. Rechazan la tradición occidental para
‘’empezar de nuevo’’ intentando olvidar el aprendizaje de siglos. Esta pretension de empezar de
nuevo gracias al descubrimiento del arte primitivo (fetiches, máscaras, objetos rituales, etc). Este es
un fenomeno que compartirán muchos de estos movimientos. Culturas primitivas que habían
subsistido hasta el presente. Esto tenía una ideología politica, pensada para justificar la dominación
colonial. La denominación de arte primitivo se considera desfasada e inadecuada, y calificar de
primitivo a un pueblo o cultura se considera ofensivo. Preferencia estetica por los estilos primitivos,
origino una corriente que atraviesa el siglo XX, llamada primitivismo, retorno al arte anterior a la
tradición artística occidental.
1.4 El descubrimiento del arte primitivo.
¿Cuál era el atractivo que tenía el arte primitivo? En general las culturas primitivas se veían bajo un
prisma positivo, el mito del buen salvaje. Ese mito consiste en la creencia de que los pueblos
primitivos conservaron formas de vida no contaminadas por la degeneración de la vida moderna.
Bondad innata del hombre que no ha sido corrompido por la civilización. Es un recurso individual,
y el primitivismo de las vanguardistas va algo más allá de la evasión. El primitivismo se expande
por europa hacia 1890 y altera el pensamiento intelectual y estético. Unido a este interés cultural, se
produce un cambio en la apreciación estética de la obra de estos grupos. Estos ídolos que llegaban
de las colonias no eran simples curiosidades etnológicas. Poco a poco los artistas se interesaron por
estas obras a partir de 1905 y concibieron estos objetos como obras artísticas. En este tipo de obras
encontraban lo que el arte europeo había perdido. Claridad estructural muy geométrica, expresión…
el estilo de estos objetos rituales, impulsó decididamente la busqueda de expresividad, de estructura
y de simplicidad formal, unos rasgos que estaban muy interrelacionados y ello impulsó también a
abandonar la mímesis. El primitivismo tenía ya algunos precedentes, pues habían artistas que ya
quedaron seducidos por la pintura árabe, como el caso de Delacroix o Ingres, aquello ya era
primitivismo, primitivismo ‘’sui generis’’.
La vision despues del sermon esta inspirada en el arte popular de los bretones. Es un cuadro que
señala, y rompe con el impresionismo y con el naturalismo en general. Gauguin abandona la
perspectiva pq pensaba que lo que se perdía en naturalismo se ganaba en simbolismo. Una virgen
gótica por ejemplo, da una sensación de presencia divina, un poder de sugestión mayor que una
virgen o una madona renacentista. En 1891 marchó a la isla de Tahití porque este antinaturalismo le
parecía insuficiente. Su obra ¿Por que estás enfadada? 1896, es un buen ejemplo de ese exotismo
del arte indigena, emplea grandes manchas de fuertes colores, y olvida la perspectiva, por eso el
resultado es una imagen casi plana. Son obras muy dificiles de descifrar.

15 FEBRERO 2021
La visión después del sermón es un desencadenante del simbolismo. Gauguin también realiza
relieves y esculturas. Como por ejemplo Sed misteriosos, 1890 y Ídolo con concha 1892-1893.

El Idolo con concha si que esta inspirada en la escultura maorí, aunque interpretada por un artista
occidental. Estas pinturas y escylturas fueron expuestas en París, y su contemplación impulsó el
desarrollo del fauvismo y del cubismo. Hay que tener en cuenta que los pintores vanguardistas de
principio del siglo, no solo admiraron y se inspirarn en el arte primitivo de ultramar, sino que
tambien sintieron un profundo interes por otro primitivismo mas cercano, como el arte realizado por
pintores sin formacion artististica. El caso mas conocido es el de Henri Rousseau. Era un pintor
aficionado, que había aprendido a pintar autodidactamente, copiando cuadros en el Louvre. Por
ejemplo pintó Retrato de una mujer 1895 y fue comprado por Picasso, y quien lo decubrio a sus
amigos.

Había un interés por este tipo de pintura, que resultaba muy atractiva, visualmente interesante, y que
no respeta los procedimientos, perspectiva, volumen… En los años siguiente evoluciono hacia
motivos más imaginativos, hasta hacerse famoso con escenas fantásticas, inspiradas en libros de
aventuras, lugares exóticos, etc. Como ejemplo de esta pintura tenemos El sueño, 1910. Los
colores son muy sugerentes, y es una imaginación que ya podríamos calificar de surrealista. Su falta
de formaciíon pictorica, lo libero de las convenciones academicos y pudo expresarse más
libremente.

Arte naif??
Esta influencia determinante de estos primitivsmos en la escultura, se aprecia en la obra del que
podriamos presentar como el primer escultor del siglo XX, Constantin Brancusi. Nace en Rumanía,
y fue aprendiz de carpintero. Después recibio formacion en la academia de bucarest, hasta que se
traslada a París, en 1904, donde pronto domino la tecnica naturalista de Rodin. Rodin le ofrecio ser
discípulo suyo, pero él no lo aceptó, para no quedar bajo la influencia aplastante del maestro. El arte
cicládico es el arte de las islas griegas. Son obras muy esquemáticas, las facciones están sintetizadas
al máximo. Eso fue un estímulo para hacer obras como Musa Durmiente.

Capta la esencia de las cosas, de forma primordial de la vida. El creía que para captar esa esencia,
había que prescindir de todos los detalles, de la aparencia individual, para concentrarse en lo
genérico. Si él buscaba cenrarse en lo genérico, en lo esencial, que mejor que a través de formas
ovoides, las formas más simples de la vida. Entre este obra y la anterior hay una diferencia de solo 1
o 2 años, pero se ha dado un paso enorme. Otra obra es El beso, vemos que elimina las diferencias
anatomicas, y solo ha mantenido las formas más esenciales de la especie humana, esa depuracion
casi abstracta, adopta una forma y una estetica y tambien una tecnica primitiva.

El trbajaba la talla directa, el escultor talla directamente el material. La temática de su obra es

bastante reducida. No va mas alla de cabezas, bustos, o un curioso pajaro. Concretamente el
maiastra, que es el nombre que recibe en algunos cuentos populares esta ave con poderes mágicos.
Otro de los artistas primitivos modernos, en el ambito de la escultura pero también de la pintura es
Amadeo Modigliani. También llega a París y en 1909 se instala en un taller vecino al de brancusi.
Modigliani realizo entre 1909 y 1915 un grupo de esculturas muy interesante, casi todas de cabeza
de mujer, es piedras de formato alargado. Están talladas en los sillares que él robaba y el resultado
es muy original, por el contraste entre esa apariencia dura y robusta y la talla. Y al mismo tiempo
esas facciones finas, alargadas y elegantes. A partir de 1916 retoma la pintura y toda su trayectoria
la dedicará ya a la pintura.
Otro de los grandes escultores del primitivismo es Alberto Giacometti. Giacometti llega a parís y
hacía un tipo de escultura naturalista. Comenzo un periodo de intensa experimentación influido por
el arte primitivo. Él empieza copiando esculturas caldeas, egipcias y retratos del faiyum. Motivos
personales, formas subjetivas, asimila los aspectos pero a un nivel mucho más profundo y adopta el
aire toténico que el captó de estas obras. El primitivismo es el punto de partida, pero existe ya en
giacometti ese simbolismo. Por ejempo Cabeza que mira 1928-1929. Lo ha interiorizado y dado la
vuelta. No es obra cicládica. Giacometti será el escultor mas importante del movimiento surrealista,
aunque no por mucho tiempo.

Tambien es muy importante el británico Henri Moore. Sus obras fueron consideradas la quinta
esencia simbolica. Moore tallando una de sus clasicas figuras reclinadas. En la pared vemos colgada
una escultura pre colombina. Este arte lo viven como una especie de liberación. Estas obras estan
inspiradas en esculturas de chac mool. Formas muy simplificadas, con un aspecto diomórfico muy
caracteristico, ya visto en Brancusi.
1.5. Fauvismo.
El fauvismo está considerado como el primer movimiento de vanguardia del siglo XX.
Cronologicamente lo fue, se dio a conocer en el salon de otoño de 1905, cuando un crítico francés,
en su crónica de ese salón, se refirió a una sala concreta, de colorido muy expresivo. Este cuadro
fue Barcas en el puerto de Collioure de Derain. Colores expresivos y arbitrarios. Otro de los cuadros
que también se mostró fue el Resturante la Machine en Bougival, Vlaminck, 1905. colores también
totalmente cegadores, muy vivos y expresivos. En los origenes del fauvismo opero ese
conocimiento del arte primitivo. Matisse por ejemplo fue muy aficionado al arte islámico. Colores
muy vivos, tema de alegría, dibujo aparentemente descuidado de los cuerpos, manchas de colores
planos y arbitrarios. La alegría de vivir de Matisse seria el orgen de las señoritas de Avignon de
Picasso.
En Armonía en rojo, no hay apenas espacio, es el interior de una habitación, el estampado del
mantel es el mismo que el de la pared, no hay volumen, todo queda totalmente plano. Se ha llegado
al punto de que el motivo del cuadro no es la representacion de una escena tridimensional. El
mpotivo figurativo no es mas que una excusa para recrear efectos plásticos.
El fauvismo debe considerarse como una vertiente del expresionismo.
Matisse, La danza 1910
La primera vanguardia del siglo XX fue el expresionismo, que fue muy activo en las dos primeras
decadas del siglo.

17 FEBRERO 2021
El fauvismo francés se puede considerar como una vertiente del expresionismo, que fue el primer
movimiento de vanguardia del siglo XX. En la obra de Matisse vemos el color que juega un papel
muy importante, sirve para expresar, inquietudes puramente artististcas, una nueva armonía, nuevo
sentido decorativo de la obra. No suele ser un desahogo emocional, no hay mucho salvajismo en los
pintores fauvistas. La pinturas de Matisse son encantadoras, decorativas, etc. Algunos artistas
consideraban que era una pintura superficial, que ignoraba esa tercera dimensión.
En el expresionismo alemán encontramos ya que constituye un grupo más coherente, más
homogeneo. Es coetaneo porque se funda en 1905. La primera tendencia rupturista del siglo XX
será el expresionismo. Es una tendencia activa durante las dos primeras decadas de siglos y en
alemania fue muy potente. Tiene precedentes en las décadas anteriores, varios pintores ya en el
siglo XIX se habían alejado de esa realidad. Como Van Gogh , los artistas expresionistas usan el
arte como vehiculos para esas emociones, tensiones morales de la sociedad, etc. Desde un punto de
vista historico, el expresionismo se ha interpretado como si el arte hubierta desempaño un papel de
sublimación de la crisis de la época. Las dos referencias más impotantes fueron el artistas belga
Ensor, cuya pintura se ha presentado como una especie de terapia, en la que el plasma una vision
pesimista de la vida, la sociedad, de la humanidad, etc.
El Grito de Munch no gustó. Eso de la fealdad fue entendido por el publico de la epoca como una
ofensa. Alterar las cosas para afearlas estaba mal visto, ya que la concepción del arte se identificaba
con la belleza.
Obra de Kollwitz, litografía que se titula Pobreza. Es parte de una serie de litografias, titulada la
rebelion de los tejedores. Es un artista que en gran medida renuncia a embellecer la vida, para
satisfacer los gustos burgueses. Entorno triste, desolado, obra muy significativa. Kollwitz no estuvo
dentro de este grupo expresionista, pero si usaba ese lenguaje.

El grupo expresionista como tal nace en 1905 cuando se constituye en dresde el grupo Die Bruke.
Ernst Ludwig Kirchner (Aschaffenburg, 1880-Frauenkirch, 1938). Fundador y principal impulsor
del grupo expresionista alemán Die Brücke (El Puente), Ernst Ludwig Kirchner comenzó a pintar
de forma autodidacta. En 1904 se trasladó temporalmente a Múnich, donde trabajó en el estudio de
Wilhelm Debschitz y Hermann Obrist y conoció el grabado en madera a través de la obra de
Durero. En junio de 1905, de nuevo en Dresde, participó en la creación del grupo Die Brücke, de
ideas revolucionarias y una intensa actividad en común. Su interés por el arte primitivo, que
contemplaba en el Museo Etnográfico de Dresde, se vio reflejado tanto en su obra como en los
muebles y murales que fabricó para el estudio que compartía con Heckel en una antigua carnicería
del barrio obrero de Friedrichstadt. En octubre de 1911 se trasladó a Berlín, donde pintó sus obras
más significativas. a evolución de Ernst Ludwig Kirchner lo llevó lejos de lo que hoy entendemos
como expresionismo alemán: su arte está plagado de tensiones, audacias y contradicciones y escapa
de etiquetas estilísticas. Pese a su temporal identificación con El Puente, él fue un solitario, en parte
debido a las crisis nerviosas que en su caso incentivaron la I Guerra Mundial, los años de la
posguerra y el terror del nazismo. Finalmente, la enfermedad y la desesperación le condujeron al
suicidio en 1938, en Suiza. Sus pensamientos convulsos se reflejan en la abundancia de visiones
que encontramos en sus pinturas, en su tendencia a lo apocalíptico, en la potencia brusca de su
paleta cromática y en el recurso a la distorsión de las formas para acentuar las emociones. Su
primitivismo consciente y buscado se conjuga con la sofisticación técnica y un simbolismo
enigmático, y los perfiles angulosos, ondulantes o abruptos parecen cargados de nervio, de pugnas
entre lo intelectual y lo sensorial, un rasgo que distingue claramente su producción de la de quienes
fueron sus compañeros en Die Brücke. Su creación no es ilustrativa o literaria, sino que traduce la
realidad, a veces de forma abierta y otras encubierta, en la superficie pictórica. En sus inicios,
inspirado por una fe quizá algo ingenua en la eficacia social del arte, quiso destruir la ilusión y
penetrar en el núcleo de las apariencias: la belleza superficial, para él, era un anatema.

Los comienzos de Kirchner aún quedan bajo la influencia de las agitadas pinceladas de Van Gogh y
su técnica con la espátula; como sucedía con sus compañeros de Die Brücke, los arabescos propios
del art nouveau, el neoimpresionismo, los nabis Vuillard y Vallotton y Toulouse-Lautrec, así como
la escultura polinesia, dejaron huella en su estilo. Munch también, pero no tanto en la vertiente
formal de su obra como en la captación de sus atmósferas amenazantes. Ese manojo de referencias
formó pronto parte de los enfoques personales creativos del artista.

El otro de los miembros el puente es Nolde, que tambien vemos esa inclinación primitivista.
Kokoschka, Niños jugando. Estan representados de una forma un tanto singular, auqnue la infancia
parece feliz, alegre, aquí vemos que los represetna fuera de esos convencionalismos. Hay una
simpatia profunda, pero muestran un poco esa ansiedad de los ensueños.

22 FEBRERO 2021
1.6 La Revolución Cubista.
El cubismo desencadenó una revolucion en la tradicion pictorica occidental. Habían convenciones
que ya habían entrado en crisis. Artistas que habían ido experimentando con la pintura,
simplificandola, llevnadola a un cierto decorativismo. El cubismo represento un replantamiento
radical de ciertas convenciones de la pintura. Los pintores cubistas partieron de la idea de que la
vision humana es movil y se prolonga en el tiempo. El pintor cubista tiende a no representar la
imagen parcial del motivo, sino que intenta representar el objeto de un modo simultáneo, como
visto desde distintos puntos de vista. No representa el motivo como lo ve desde sus ojos, sino como
sabe que es en su mente, fruto de la experiencia.
El nombre de cubismo alude a un movimiento pictorico, iniciado hacia 1907, por dos artistas que
empiezan a trabajar conjuntamente, Picasso y Braque. Para señalar este inicio viene bien señalar la
pintura Casas en L’Estanque de Braque, que dio nombre al cubismo. Da esa sensación de forma
geométrica, cubos, etc. Para mostrar la imagen procede a esa especie de simplificacion de las
formas y del espacio circundante. Esta preocupación por captar la tridimensionalidad de un modo
tan peculiar, procede de Paul Cezanne. La génesis de este replanteamiento radical de la perspectiva
intervino una doble influencia, una fue las investigaciones de Cezanne. La influencia de cezanne es
incuestionable. Braque dijo de Cezanne que ‘’era más que una influencia, era una iniciación’’.
Cézanne perteneció a la generación de los impresionistas, aunque su obra no tuvo muy buena
acogida. No le satisfacía la pintura impresionista basada en la visión optica, echaba de menos la
composición armónica… El reto que se plantea era como mantener esas conquistas naturalistas sin
que condujeran a una pérdida de claridad y de orden. La otra influencia que intervino, fue el
descubrimiento del arte primitivo.
Picasso pintaba cuadros de carácter simbolista, pero con toques naturalistas. Son las llamadas obras
del periodo azul. Picasso a la vuelta a Barcelona, en 1903, pintó el cuadro La vida. Como todos los
de esta epoca es una escena triste, cargada de oscuros presagios. La significación no está muy clara,
pero la pareja podría personificar a Adán y Eva, pero con el detalle de adán es que su cara es la de
su amigo (de picasso). La figura de la madre parece una personificacion de la virgen maría. Picasso
se intereó por la escultura ibérica. Retrato de Getrude Stein, el cuál lo pinto influenciado por esa
escultura. Obras que tienen un aire arcaico, de gran simplificación y vigor. Posteriormente, picasso
pasa un período negro. Él comenzó inspirandose en la escultrua de Gaguin, ya que el había visto
una retrospectiva de esas obras. Busto de mujer 1907, carácter nitidamente africano o primitivo,
sobre todo en los ojos, más que un elemento físico, intenta captar la fuerza de la mirada. Mas que el
naturalismo, hay un intento de plasmar la potencia. A partir de esas imagenes, picasso supo extraer
un estilo personal que revoluciono la Historia del arte, como Las señoritas de Aviñón. El tema del
cuadro es el sexo, e incluso más en concreto las terribles consecuencias de andar con prostitutas.
Los primeros bocetos que se conservan, está mas claro que se trata de una escena de burdel, con
cierta carga moral. 5 figuras, cuyos cuerpos han sido salvajemente descoyuntado, y sus rostros
reucerdan a las máscaras primitivsta. La figura de la izquiera, sigue ciertos convencionalismos del
arte egipcio. Las dos figuras centrales, parecen distorsiones de figuras clásicas. Las dos figuras de la
derecha muestran rasgos tipicamente del arte negro.
¿Qué fue lo que atrajo del arte primitivo a Picasso? Seguramente, lo que le interesó fue esa
posibilidad de construir la imagen de un objeto, mediante un conjunto de formas muy simples, sin
necesidad de imitar las formas. Hay un intento de crear, formas concavas, convexas, crear algo de
volumen. Este intento de Picasso, le viene de Cezanne. No hay una profundidad espacial.
Representación del espacio un tanto extraña. Un critico dijo que el cuadro parecia un campo de
vidrios rotos. La perspectiva ha sido violentamente alterada.
Este cuadro ha sido el punto de partida para otras obras como Violín y uvas de 1912. ha culminado
esa ruptura con ese sistema artistico, que se basaba en la imitación de la realidad. Sustituyo el modo
de representar los objetos, por un sistema en el que los objetos son presentados tal y como
pensamos que son, como vistos desde pintos de vista simultaneos, al mismo tiempo, etc. Este
bodegón nos muestra como representa un violín al modo cubista. En el fondo, esta es una visión
más realistas. Picasso no pretendía reproducir un violin sobre la superficie plana de la tela, no
pretendóa hacer lo que hubiese hecho un pintor barroco o flamenco, picasso da por hecho que ya
sabemos que en la pintura ya se pueden rerproducir los violines muy bien, hace una representacion
menos optica y mas intelectual.
Braque, El clarinete 1912. Muestra los motivos, con rasgos mas reconocibles, y entran en una
segunda fase que se conoce con el nombre de cubismo sintético.
Guitarra 1913 Picasso. Las partes están mas claramente señaladas, y se pueden identificar sin
necesidad de darles volumen. Estas obras están formadas por yuxtaposiciones de las partes mas
representativas de los objetos. Picasso introduce la tecnica del collage, tecnicas muy revolucionaria.
Consiste en pegar imagenes y objetos sobre el plano de la pintura. Va mucho mas alla de esa
intención inicial de que las obras fueran mas legibles, sino que spone otra ruptura de las
convenciones de la pintura. Tambien consiste en representar ser ellos mismos.
El cubismo sintetico es mas intelectual, se centra mas en la reflexión. Cuando picasso traslade esa
tecnica del collage a sus investgaciones escultoricas, desencadenará una revolución, como
desencadenó esta escultira Guitarra 1914 de picasso, realizada en hojalata. Esta escultira la habia
hecho antes en recortes de cartón. Picasso cuando traslade esa idea del collage a lo tridimensional,
desencadenará una revolucion.
El cubismo tiene significación histórica??
24 FEBRERO 2021
1.7. La proclama futurista.
Aunque se puede establecer algun tipo de comparacion entre el futurismo y el cubismo, las
aportaciones del futurismo no son comparables a las del cubismo. Los futuristas son los primeros
artistas del nuevo siglo que más invocaron las modernidad. Se conoce como futurismo al
movimiento de vnaguardia, desarrollado principalmente en Italia entre 1909 (año de la difusion del
primer manifiesto futurista) hasta los primeros años de la I Guerra Mundial. Fue en principio un
movimiento literario, por Filippo Marinetti, manifiesto que aparecio en la primera pagina de un
importante dirario francés.
Captar el movimiento.
Russolo pensaba que la musica de su tiempo era aburrida.
El estilo futurista en pintura se formo a traves de dos figuras. Una influencia vino del puntillismo y
otra del cubismo. Llegaron a esa sintesis entre el analisis del color y el analisis de la forma de los
cubistas, mezcla de colorido divisionista, voluntad de dinamismo… todo ello explicaría obras como
la ciudad se levanta de Boccioni, 1910-1911. esta obra se situa aun en un momento de transición.
Otra obra mas claramente futurista es Dinamismo de un ciclista, 1913 tambinén de Boccioni.
También la obra de Russolo, Revulta. En esta obra vemos la conflictidad obrera de la industria.
Los futuristas italianos sentian una extraña fascinacion por la estetica de la violencia, alentando
sentimientos patrioticos, sentimientos nacionalistas, etc.
Severini, Tren blindado en acción, 1915. violencia belica, movimiento, etc.
Boccioni murio poco despues de hacer esculturas como Desarrollo de una botella en el espacio.
El futurismo sintonizo con algunos principios del activismo politico. Hubo colaboracion entre los
futuristas y el nuevo regimen de Mussolini.

01 MARZO 2021
1.8. El nacimiento del arte abstracto.
Sería el que no representa motivos del mundo real, el arte abstract sería el arte que ignora lo que
sería la función tradicional, la mímesis. Un arte en sí mismo, emancipandose de la realidad. Hacia
1910 empiezan a aparecer las primeras pinturas abstractas. ¿Este paso que da el arte tiene unos
origenes? Evidentemente los tiene, hay que buscar los origenes en concreto en esos pasos que se
habían dado hacia la simplificación de las formas, la saturación del colorido. La pimtura ya ha
finales del 19 había desarrollado mas las capacidades expresivas de la propia pintura. Había que
remontarse a ese momento. Ese proceso, también estuvo en parte acompañado del desarrollo de la
fotografia. La fotografia no fue un fenomeno ajeno. Esta nueva tecnica libero a la pintura de la
imitacion fiel de la naturaleza. Todos los expertos coinciden en que los movimientos de finales del
siglo, prepararon el terreno a la abstracción, pero los precedentes más inmediatos, ya en el siglo XX
van a ser dos movimientos. Uno el expresionimo y otro el cubismo. De esa doble matriz, surgirán
las dos modalidades principales del arte abstracto. Vamos a encontrar otros importantes
movimientos que se caractericen por la abstracción geométrica. En resumen, dos grandes vertientes,
una, deudora del expresionismo (ABSTRACCIÓN EXPRESIVA) y por otro lado, la geométrica
(ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA). Hay que tener en cuenta, en estos primeros momentos, los
artistas, tanto los de las abstracción expresiva como la geomtetrica, van a invocar determinados
valores espirituales. De esas corrientes de tipo espiritual, la mas influyente fue la teosofía,
movimiento filosofico religioso que sintentizo las principales creencias del cristianismo,
budismo…. Busca una forma de sabiduria común, habla tambien de un sincretismo común.
El paso del expresionismo a la abstraccion se produce en el contexto de un grupo aleman llamado
El jinete azul. Fue un grupo de pintores expresionistas,que se fundo en Munich en 1911, nace de la
necesidad de mostrar sus obras. Su primera actividad fue una importante exposicion a finales de
1911. Estos grupos digamos que impactaron e influyeron en su misma época.
MARC, El sueño 1912.

Marc en si mismo, antes de ser artistas, habia estudiado filosofia. Empezo pintando paisajes, con
figuras de animales. Tradición un poco romántica, pero coloreando con unos colores arbitrarios,
para resaltar ese significado simoblico, espiritual. En estas visiones hay mucho de panteista. El arte
de Marc se va liberando de este naturalismo, un tanto fantastico. Sus ultimas imagenes estan
dotadas de un dinamismo, que podemos calificarlo de tragico, como por ejemplo Formas luchando
1914. obra ya plenamente abstracta. Composicion dinamca, han desaparecido ya las formas de
animales, la abstraccion la mejor forma de representar la esencia de la naturaleza.
Con la guerra, la muerte de Marc, el grupo El jinete azul, llega a su fin. Este grupo es recordado por
su importancia en el arranque de la primera abstraccion, pero tambien es muy imporntante porque
en él encontramos a Kandinsky. A Kandinsky se le ha recordado como el primero que pintó un
cuadro abstracto. Hoy en dia esa primacia es objeto de algunas polémica. De lo que no cabe duda es
que fue el primero que formuló una teoría del arte abstracto que ha tenido una gran influencia
posterior. Era también un gran aficionado a la música y las matemática. Había abandonado moscu
para convertirse en un pintor. Se trataba de una persona culta, ese liderazgo en el grupo se podia
entender porque tenia una preparacion filosofica, tambien de Teoría del arte, etc. Formuló una
primera teoría del arte abstracto. El libro esta iniciado en el 1910 y es un libro que se convirtio
durante decadas en una especie de catecismo, de iniciacion al arte abstracto. A partir de unos
paisajes muy coloristas, influidos incluso por la tradicion bizantina, Kandisnky no tardo en ir hacia
una pintura abstracta. Los primeros cuadrados estaban todavía de formas que podemos llamar
orgánicas. El grafismo se fue haciendo menos identificlable. Obras como Cosacos 1910-11 estaría
en ese transito entre el paisaje expresionista y la pintura abstracta. Paisaje muy estilizado y con gran
profusión de colores y de líneas.

Kandinsky Primera acuarela abstracta, 1913. es un boceto para un cuadro llamado composicion 7. el
resto de composicion es una referencia a la musica. Manchas de color que flotan, torbellino, pero
todo armoniza entre si. De este modo la pintura se situa en un plano similar al de la musica.
Pretendía transmitir emociones, sensaciones sin necesidad de aludir ni a los sonidos ni a las formas
naturales. Califica la pintura como una musica cromática para los ojos.

Klee, Hammamet y mezquita. Es un tipp de abstraccion muy lirica. Como kansinsky, el tambien
pensaba que el color podia conectar al ser humano con su propia espiritualidad. Vemos el horizonte
del pueblo, con algunas casas, todo muy simplificado. La parte inferior esta mas cercana a la
abstraccion.

Con el águila, 1918 KLEE.

Vemos una especie de paisaje, que parece de cuento infantil, manchas, tonos rojos y verdes. Encima
del arco un pajaro con las alas extenidad. El pajaro alude al titulo. El resultado es una acuerala, muy
sutil y lirica, pero un tanto enigmatica. Es dificil explicarlo. Un especialista en el autor dice que
tiene un significado biografico porque Paul Klee paso una parte de la I guerra mundial en un puesto
de vigilancia aereo, y explica que ese ojo puede aludir a una especie de alegoria del propia Klee.
En el mismo momento en el que estan dando sus pasos el Jinete azul, hay otro grupo en Paris en el
que experimentan con la abstraccion y ese punto de inspiración en la musica. Es bastante
significativo que fenomenos comparables se produzcan en el mismo momento. Compartian
inquietudes similares.
En París encontramos Robert y su esposa Sonia Delanuy. Llegaron a la abstraccion por el
movimiento divisionsita (puntillismo) y tambien por el estudio de los cubistas.
En 1913, un poeta se fija en estas obras de la pareja Delaunay y las relaciona con la música, se da
cuenta de la deuda que tiene y bautiza este arte con el nombre de Orfismo, (de Ofeo, dios de la
música) o tambien cubismo orfico. Además de orfeo habla del cbuismo para referirse a esa estrcutra
de las obras. Delaunay usaron otro termino, ellos hablaban de simultaneismo. La idea de una
simultaneidad para este tipo de pinturas. Esta palabara la toman de otra referencia clásica, del
tratado de los colores de Chevreil.
Robert DELAUNAY, Las ventanas simultáneas 1912. Aunque no se distnga en la vision externa de
una iglesia gotica de paris. Se interso por las modulaciones de la luz qu entraban por la vidriera.
Robert DELAUNAY. Constrastes simultáneo, Sol y luna, 1912.
Hay un tercer centro de la abstracción europea (de momento hemos visto Munich y París), el nucleo
ruso donde se producirán dos movimientos, el rayonismo (muy efímero) y el suprematismo. La
abstraccion surge en esos primeros años de las primeras decadas de siglo, de modo bastante
simultaneo.
Rusia en los años anteriores a la I Guerra Mundial y por suspuesto en los años de la R Rusa., fue un
centro artistico de una tremenda creatividad, centro miy activo con artistas en todos los ambitos. En
las ultimas decadas del siglo XIX habia surgido una burguesia muy culta, y gracias a esto una
intensa vida cultural. Una parte de pinturas vanguardistas de rusia reciben el nombre de cubo-
futurismo. De esta sintesis surge la otra modalidad de abstracción. Esto ultimo es un ejemplo
clarisimo de abstracción geométrica.
El rayonismo es un movimiento que fundamentalmente destacan dos artistas. Goncharova y su
marido Larionov.
El suprematismo, dentro de la abstraccion geometrica, fue fundando por Kasimir Malevich, que
llega a la abstraccion como resultado de la asimilacion del cubismo y futurismo. Un ejemplo de
pintura cubofuturista seria El afilador de chuchillos, 1912-1913. Fue importante ese interes por la
teoria de la relatividad, el teosofismo, el esoterismo… en el año 1913 abandonando este tipo de obra
cubo futurista, crea un conjunto de obras, que tienen una radicalidad absoluta, que la presenta en
una exposicion, en la Sala Malevich. A esas obras la denomino suprematistas. Él mismo explico
esas obras en un ensayo, y tuvo una serie de seguidores. El suprematismo era la pura expresión del
sentimiento artístico. Provocar sensaciones puras, aquellas que no son provocadas por la vision ni
por la evocacion de nada natural.
Cuadrado rojo y Ocho rectangulos, reduce los elementos compostivios al minimo.