1º Bachillerato

Historia del arte

Unidad 1

Grecia
La importancia del arte griego
(de toda su cultura) es enorme.
De hecho podemos decir que es
la base de la cultura europea y oc-
cidental en general.

Antes de que el mundo helé-

nico tuviera un papel destacado
en la historia, otras civilizaciones
más poderosas y desarrolladas
(en Egipto, Mesopotamia, India o
China) habían realizado ya magní-
ficas creaciones en arquitectura,
escultura y pintura. Su arte deriva
directamente del Prehelénico que
luego los romanos difundirían por
todo el Mediterráneo, llegando
hasta nosotros como parte de la
civilización occidental.

Por ello cuando hablamos de

arte clásico nos referimos al que
realizaron los griegos y romanos,
sujeto a unas normas estéticas
La Acrópolis de Atenas. Wikimedia, Commons racionales, que buscaban la be-
lleza mediante la armonía, la me-
dida y el equilibrio entre lo real
y lo ideal. Arte clásico es aquel
digno de ser imitado, por ser mo-
délico, superior, en él la belleza
obedece a criterios objetivos y ra-
cionales, pues se consideraba be-
lla toda realización que reuniera
los principios de orden, armonía y
proporción.
Unidad 1 Grecia

Culturas prehelénicas
Cronología Creta (arte minoico) Micenas (arte heládi-
co)
2600-1400 a. C. Florecimiento de mo-
narquías y grandes
palacios
1600-1200 a.C. Conquista micénica Expansión aquea por
(1400 a.C) Grecia continental

Grecia
Cronología Períodos Cronología Periodos
Acontecimientos
Desde el 1200 a.C. Época oscura Invasión de los Dorios.
Fin de Micenas
Siglos XI-VIII a.C. Época geométrica Aparición de la Polis
Siglos VII-VI a.C. Periodo arcaico Gobiernos aristocráti-
cos y tiranías
Colonizaciones griegas

Siglo V a.C. Periodo clásico Guerras médicas (499-

499 a.C,)
Guerras del Peloponeso
(431-404 a.C)

Siglo IV – 323 a.C. Periodo clásico Hegemonía macedónica

Conquista de Alejandro
Magno

323 – siglo I a.C. Periodo helenístico Reinos helenísticos y

fusión de las culturas
griegas y oriental, Con-
quista romana

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Unidad 4 El románico

Índice
1. El arte prehelénico 4

1.1. El arte cretense 4

1.1.1. La arquitectura 4

1.1.2. Las artes plásticas. La escultura 6

1.1.3. Las artes plásticas: la pintura 7

1.1.4. La orfebrería  11

1.1.5. La cerámica 11

1.2. El arte micénico 12

1.2.1. La arquitectura 13

1.2.2. Las artes plásticas. Escultura 16

1.2.3. Artes plásticas. Orfebrería  16

2. El arte griego 17

2.1. El urbanismo 19

2.2. La arquitectura. 22

2.3. La evolución de la escultura 33

2.3.1. Periodo arcaico (siglos VII-VI a.C.) 35

2.3.2. Periodo severo o de transición (primera mitad del siglo V a.C.) 36

2.3.3. El segundo clasicismo (primera mitad siglo IV-323 a.C.) 43

2.3.4. El periodo helenístico (323-30 a.C.) 45

2.4. Pintura y cerámica 49

Unidad 1 Grecia

1. El arte prehelénico
El arte prehelénico es uno de los componentes que influirán
decisivamente en la conformación del arte griego, de ahí el nom-
bre de prehelénico. Los núcleos más importantes se desarrollan
en torno a la isla de Creta y, en el interior de la península griega,
en Micenas.

Desde el tercer milenio, en la Edad de Broce, los pueblos en

torno al mar Egeo se convierten en vanguardia de la civilización
del metal, llegando a su apogeo en el II milenio a. C.

1.1. El arte cretense

Wikimedia Commons. Modificado También denominado minoico por el legendario rey Minos
(M.C.G.CH) se desarrolla en el Mediterráneo oriental, en torno a la isla de
Creta, alcanzando el máximo esplendor en el segundo milenio
antes de Cristo, entre los años 2600 y 1400, año en el que des-
aparecieron por la invasión micénica.

Creta, isla fértil y con buenos puertos, alcanzó un gran nivel

cultural y económico. Tenía relación con todos los países orienta-
les gracias a su gran flota que la convirtió en una gran potencia
comercial, sometiendo, gracias a ella, a vasallaje a las ciudades
aqueas y jonias del resto de Grecia (Talasocracia)

Este desarrollo motivó la aparición de ciudades-estado (Cno-

sos, Faistos, Malia y Hagia Triada) dedicadas a los intercambios
comerciales y gobernadas por reyes de características similares
Palacio de Cnosos wikimedia.org a los orientales, apoyados en una fuerte flota mercantil y de gue-
rra.

Estas ciudades se articulan en torno a palacios situados en

posición dominante y eran el verdadero centro del poder político
y religioso. No poseían murallas ya que sus gobernantes confia-
ban en su superioridad naval y en que sus enemigos serían inca-
paces de desembarcar en Creta

La Cultura y el Arte cretenses se relaciona con todas las civi-

lizaciones próximas de Asia Menor, Mesopotamia y Egipto de las
que recibe influencias sin perder sus características peculiares.

Palacio de Cnosos wikimedia.org

1.1.1. La arquitectura
Se caracteriza por la utilización de los siguientes elementos:

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Unidad 1 Grecia

Materiales: sillarejo (piedras regulares) y mampostería (pie-

dras irregulares) unidas por argamasa

Elementos sustentantes:

Columna. Consta de varias partes:

■■ Basa de piedra, muy simple.

■■ Fuste cilíndrico liso generalmente pintado más ancho

en la parte superior que la inferior.
Capitel con equino (moldura de perfil semicircular convexo)

■■ Ábaco (moldura prismática cuadrangular)

Esto influirá en las columnas dóricas griegas. Las colum-
nas van decoradas con pintura en rojo y negro. La columna
tenía una significación divina, de la diosa de los animales.

Elementos sustentados:

Cubiertas, son adinteladas, formadas por vigas de madera

decoradas de manera que formarán frisos, será imitado por los
griegos.

Edificios:

Los más característicos son los palacios, sin murallas, abier-

tos al exterior mediante pórticos y muros con entrantes y salien-
tes produciendo contrastes de luces y sombras. Estos pórticos
rectangulares, similares al megarón micénico, serán un prece-
dente del templo griego.

Poseían muchas estancias organizándose en torno a un gran

patio central, en torno al cual se disponen gran número de habi-
taciones y dependencias, dispuestas sin orden, de forma laberín-
tica, y otros patios menores. Se adaptan a las irregularidades del
terreno por ellos a veces poseen varios pisos en terrazas.

El palacio más famoso es el de Cnosos, en Creta. Fue cons-

truido entre en torno al 2000 a.C. y destruido en 1700 a. C. por
un terremoto.

Posee planta rectangular con un gran patio central que po-

seía un carácter sagrado y ceremonial, de unos 1.250 metros
cuadrados, al que se accedía por dos entradas y dos corredores,
uno norte y otro sur, decorados con frescos.

El patio era elemento fundamental en torno a él se distribuyen

las distintas dependencias (residencia real, salón del trono, tem-
plos, cuerpo de guardia, almacenes, etc.) El carácter laberintico
de este palacio hace que se le quiera relacionar con la leyenda

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Unidad 1 Grecia

del Minotauro. Excavado y estudiado por el arqueólogo inglés Ar-

thut Evans (1851-1941) actualmente reconstruido parcialmente.

1.1.2. Las artes plásticas. La escultu-

ra
Son muy escasas las muestras de escultura.
Diosas de las Serpientes. wikime-
dia.org Modificado (M.C.G.CH)
■■ Se han encontrado pequeñas estatuas como las Sacer-
dotisas o Diosas de las Serpientes.
Presentan las siguientes características:

Tipo: Son exentas o de bulto redondo

Materiales: Cerámica, piedra o marfil, policromadas.

Técnica: Mantiene los convencionalismos del ate oriental, del

mesopotámico y del egipcio: frontalidad, inexpresividad, geome-
trización, hieratismo, que intentan romper al despegar los brazos
del cuerpo, en actitud orante, creando un espacio y haciendo
que la figura pierda rigidez.

Iconografía: Representan mujeres ataviadas con el traje ca-

racterístico cretense, falda larga de volantes que le otorga un
aspecto campaniforme, sobre ésta una especie de mandil y en la
zona superior un ceñido corsé de media manga con gran escote
que deja sus pechos al aire, un referente a la fertilidad de la dio-
sa. Los brazos están estirados y en cada uno de ellos sostiene
una serpiente que se ondula y cuyas cabezas miran hacia afue-
ra, Su rostro es esquemático con los ojos almendrados y la nariz
recta, la boca está definida por gruesos labios. Sobre la cabeza
lleva una tiara o un gorro con un felino, animal sagrado en las
culturas primitivas, y que aparece como guardián de la diosa.

Iconología (lo que quiere representar o lo que el autor quiere

trasmitirnos). Se trataba de una primitiva deidad de la civiliza-
ción minoica aunque también se ha especulado que podría tra-
wikimedia.org/wikimedia/com-
mons Rhyton con forma de toro tarse de alguna sacerdotisa.

Según varias fuentes documentales, en la cultura minoica

existía una primitiva divinidad femenina, “La Señora”, que hacía
referencia a la fertilidad. Además en el propio palacio de Cnosos
se encontraron algunas tablillas que hacían referencia a la Seño-
ra del Laberinto, diosas madres de rebaños y tierras.

Las serpientes se han interpretado como una alusión a la vida

y la muerte y sobre todo a la capacidad de la Señora como prin-
cipio y fin de todas las cosas o también símbolos que pueden
representar a la Diosa Madre a través de la simbolización de la
fuerza fértil de la tierra.

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Unidad 1 Grecia

Antecedentes: Continúa con la tradición neolítica de peque-

ñas estatuillas con carácter de exvoto que se han encontrado
en santuarios. Está en sintonía con la divinidad femenina primi-
genia, la Diosa Madre, que tendría una gran importancia en el
Mediterráneo.

Las estatuas conocidas como Diosas de las serpientes son un

conjunto de pequeñas estatuillas halladas a principios del siglo
XX en una pequeña estancia del Palacio de Cnosos

Parece ser que la hoy conocida como Diosa de las Serpien-

tes fue denominada por el equipo de Evans como Adoradora sin
wikimedia.org/wikimedia/com-
cabeza ya que carecía de la cabeza y del brazo izquierdo. Evans
mons/ Príncipe de los lirios
optó por reconstruir esta pieza a partir de un modelo mayor, hoy
perdido, que sí identificaron desde el principio como Diosa de las
Serpientes. Esta contaba con tres serpientes que se enroscaban
a través de su torso y sus brazos. Con todo, el estado de conser-
vación de la mayoría de las piezas encontradas es bueno y su
calidad resulta inigualable.

■■ Vasos (Rhyton) con figuras de animales (destacan las

cabezas de toro), se usaban para beber o para verter un líqui-
do en alguna ceremonia.
wikimedia.org/wikimedia/com-
mons/ Fresco del salto del toro, Presentan las siguientes características;
plació de Cnosos

Tipo: Son exentas o de bulto redondo

Material: Piedra dura, esteatita con los ojos de cristal de roca,

los párpados de jaspe y el morro de nácar.

Técnica: Muestran una extraordinaria viveza; las orejas están

hechas en piezas independientes, así como los cuernos, forra-
dos con láminas de oro. Naturalismo en los detalles del pelaje
wikimedia.org/wikimedia/com- están señalados por líneas incisas, sin pulir, que contrastan con
mons/ Fresco de los delfines en el el fondo negro.
megarón de la reina, Palacio de
Cnonos
Iconografía: Cabeza de toro, basado en la leyenda del Mino-
tauro y del laberinto de Creta. El Minotauro era un hombre con
cabeza de toro que se escondía en el laberinto, y que será derro-
tado por Eneas. El toro se convierte así en animal sagrado para
esta cultura. Símbolo religioso minoico que representa el poder
fertilizante masculino.

1.1.3. Las artes plásticas: la pintura

Está ligada a la arquitectura, y es la máxima expresión de la
decoración de los palacios cretenses, sobre todo el de Cnosos
wikimedia.org/wikimedia/com-
mons/ Salón del trono, Palacio de cuyas estancias estaban decoradas con pinturas.
Cnosos
Características

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Unidad 1 Grecia

Técnica:

■■ Pintura al fresco

■■ Predomino del dibujo sobre el color

■■ Hieratismo, frontalidad

■■ Colorido plano y vivo aunque a veces aparece grada-

ción de color para dar una sensación de volumen. Ausencia
de perspectiva, enmarcan las escenas en orlas o cenefas.
Vaso de Vafio, Creta (INTEF)

■■ Figuras estilizadas lo que supone ausencia de canon.

■■ Interés por el movimiento y la línea curva el ritmo y la

proporción que se presenta en esta época será quizá el as-
pecto más destacable e innovador de la pintura.
Iconografía: Variada, abarca desde temática basada en la na-
turaleza que los rodea, escenas y animales marinos a represen-
taciones humanas y festivas.

Antecedentes: se basa en la pintura de los imperios de Asia

Menor y Egipto si bien evoluciona desde aspectos más arcaicos,
ligados a la tendencia egipcia, como el hieratismo, la rigidez, la
frontalidad, hacia una mayor naturalidad; destaca muy especial-
mente el movimiento a galope con el que se han representado
algunos animales y que recibe el nombre de galope minoico.

Manifestaciones:

■■ Humanas: La parisina y el príncipe de los lirios repre-

sentan un joven atlético que camina entre un campo de lirios
junto con una mariposa que revolotea a su alrededor, aunque
no se sabe con seguridad algunos historiadores creen que
podría tratarse de una representación del rey Minos.

■■ Destacan también escenas de taurocatapsia (juegos

acrobáticos con toros) en ellos los gimnastas realizaban de-
mostraciones de agilidad, a pie o a caballo con la mediación
wikimedia.org Vaso Camares Con
de un toro
decoración de pulpo
■■ Escenas de delfines y acuáticas

■■ Salón del trono, la decoración de rosetas en frisos y

vanos surge como el fin de la viga policromada. En el cen-
tro de la habitación se encuentra el trono, de mármol y está
flanqueado por dos grifos, uno a cada lado, como símbolo de
protección.

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Unidad 1 Grecia

Guion para realizar un comentario de pintura o mosaico.

1. Técnica:

a. Fresco, temple, óleo, acuarela, mosaico (opus tessellatum).

b. Soporte: rupestre, muro, tabla, lienzo, papel.

c. Ubicación (si procede): mural (ábside, cúpula...), retablo.

d. Género: descripción de la escena representada (abstracta / figurativa) religiosa, histórica, mitoló-

gica, retrato, paisaje, naturaleza muerta (bodegón).

2. Análisis:

a. Pincelada y textura (factura): pincelada suelta, prieta, corta, larga... Textura pastosa, lisa, brillante,
mate... (No siempre es posible apreciar la factura en una lámina)

b. Dibujo y color: predominio del dibujo (figuras delimitadas por líneas marcadas) o el color; colores
predominantes (fríos/cálidos, tonalidades, planos/contrastes –contribución a creación de volumen- armo-
nías...), naturaleza del color (naturalista/simbólico)

c. Luz: natural/artificial, ambiental/focal, homogénea/contrastada, efectos lumínicos (claroscuro, te-

nebrismo...) contribución a la creación de sensación de volumen (modelado).

d. Composición: distribución de los elementos (lineal –predominio de líneas diagonales, verticales,

horizontales....- o geométrica –triangular, cuadrada, circular...); movimiento; sensación que transmite: sen-
cilla, simétrica, equilibrada, ordenada, sosegada, estática... compleja, dinámica, confusa, inquieta...

e. Tratamiento de los motivos/personajes: naturalismo (realismo –fidelidad al modelo- o idealización

-belleza arquetípica, sin defectos-) o antinaturalismo (estilización, hieratismo, esquematismo, geometriza-
ción, abstracción...), tratamiento de los ropajes (pliegues) y de la anatomía (correcta/incorrecta, proporcio-
nes...)

f. Representación espacial: tipo de perspectiva si la hay (jerárquica, lineal, aérea), profundidad, repre-
sentación o no del espacio/fondo.

3. Comentario:

a. Tema/iconografía/ iconolgía: si se conoce y procede, se puede describir el tema representado:

personajes históricos, escena mitológica, acontecimiento histórico.

b. Función: didáctica, propagandística, decorativa, mágico-religiosa.

c. Clasificación de la obra: clasificación de la obra, razonada y fundamentada en los rasgos previa-

mente analizados. Señalar los antecedentes, si los hubiera.

d. Estilo (escuela o periodo del mismo: Cronología (aproximada) Localización (si procede) Autor (breve
biografía si procede) Título de la obra.

4. Contexto histórico: análisis del entorno histórico-cultural, circunstancias concretas de su realiza-

ción (quién mandó hacerlo, para qué...), relación con otros estilos (posibles antecedentes, trascendencia en
estilos posteriores...), importancia en la producción total del artista

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Unidad 1 Grecia

Comentario de obras de arte:

1. Técnica:

a. Mural, realizada al fresco.

b. Soporte / ubicación: la pintura decora una pared del pala-

cio Cretense de Cnosos.
wikimedia.org/wikimedia/com-
mons/ Fresco del salto el toro,
palacio de Cnosos c. Género: Ritual, narra la escena del salto del toro, tauroca-
tapsia.

2. Análisis:

a. Predominio del dibujo sobre el color.

b. Composición: Escena encuadrada en una cenefa, en tonos negros, amarillo, rojizos, blan-
cos y azules. Los personajes están representados en el momento de máximo esfuerzo, lo que
dota a la imagen de gran movimiento, manifestado en el gusto por las líneas curvas, dinamismo
y tensión, especialmente en el personaje que salta por encima del animal. Escena simétrica en
torno al toro, un toro en actitud de trote y embestida. Convencionalismos en la pintura tomados
del arte egipcio: el atleta, piel morena, es asistido por dos mujeres de piel blanca

3. Comentario:

a. Iconografía: La representación es de carácter ritual, representando actividades de la vida

cotidiana, en este caso relacionadas con la figura sagrada del toro

Esta escena de taurocatapsia ha tenido varias interpretaciones. Por un lado, se ha deducido

que consistía en la representación de un solo personaje, reflejado en tres etapas de la acción de
saltar un toro, pero por otro lado, y teniendo en cuenta la representación de la mujer, parece más
lógico interpretar esta imagen como un hombre saltando sobre el toro mientras que dos mujeres
lo dirigen para que este pueda realizar el salto. Se muestra al toro como un elemento ritual impor-
tante en esta cultura.

b. Obra y periodo: Pintura que decoraba la pared del palacio Cretense de Cnosos, fechada
hacia 1500-1400 a.C. Actualmente se encuentra en el Museo de Heraclión (Creta). Antecedentes:
Influenciada por arte egipcio, con la utilización, por ejemplo, de la diferente pigmentación de la
piel para hombres y mujeres, tiene el sello del arte minoico, al romper con la rigidez de las imáge-
nes egipcias, la utilización de diseños curvos y el gusto por representar detalles de la realidad.

4. Contexto histórico artístico: La pintura recubría los muros del palacio de Cnosos con
una amplia temática centrada en temas rituales y festivales religiosos, conviviendo con motivos
tomados del mundo natural, plantas, animales, etc.

El Palacio de Cnosos fue el más grande de todos los complejos palaciegos de la era minoica.
Sus dimensiones y la decoración mural de sus distintas estancias reflejan la magnificencia y pros-
peridad económica de los reyes cretenses

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Unidad 1 Grecia

1.1.4. La orfebrería
Es el trabajo artístico de los materiales preciosos, y tuvo su
principal representación en los vasos de Vafio. Características

Material: oro

Técnica: repujado, se consigue martilleando el reverso del

metal dando así perspectiva, profundidad a la escena, bajos re-
lieves

Temática: Escenas naturalistas de animales, cacerías o fae-

nas agrícolas.

1.1.5. La cerámica
Tuvo gran desarrollo y se exportó a lo largo del Mediterráneo.
Destaca la de Camares, llamada así por haber aparecido en in-
gentes cantidades dentro de la gruta sagrada con este nombre
en el monte Ida.

Material: utiliza la arcilla cocida policromada, abarca todo

tipo de vasos y tazas, jarras de pico, teteras, recipientes panzu-
dos de dos asas y pico vertedor, etc.

Técnica: presenta paredes muy finas, por lo que también se

la denomina cerámica de cáscara de huevo.

Se caracteriza por el predominio de los fondos oscuros brillan-

tes, azules o negros, sobre los que se disponen colores blanco,
rojo, naranja, amarillo o pardo fluidos, representa el mar.

Las figuras se disponen de forma asimétrica y dinámica, cu-

briendo toda la superficie disponible del recipiente, (horror va-
cuí).

Iconografía: Representa el mar Los motivos son predominan-

temente curvilíneos: flores, cruces y rosetas, formas abstractas
abiertas y sinuosas, representaciones figurativas, sobre todo de
animales (peces, pulpos) y plantas (margaritas o similares, pal-
mas, etc.). Estos motivos suelen ser repetitivos y a veces se dis-
ponen en franjas.

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Unidad 1 Grecia

1.2. El arte micénico

La civilización micénica es la primera cultura destacada de
la Grecia continental. En esta civilización encontramos los pre-
cedentes de la cultura griega, de la que procede en gran parte
nuestra cultura europea actual. Esta civilización, la micénica (la
aquea de Homero),mantiene inicialmente una dependencia con
la minoica a la que, en la segunda mitad del II milenio, acabará
dominando.

Micenas, situada en el Peloponeso (Grecia continental), se

convierte en un centro de riqueza y poder con una civilización
guerrera sin igual en la zona del Egeo. Los artífices de ello fue-
ron los aqueos. Traen un nuevo idioma Indoeuropeo y poseen
Pasilos del interior de la mura- avances técnicos en la metalurgia del bronce (armas, carros)
lla. pinterest.com Modificada
(M.C.G.CH) que hacen de ellos un pueblo poderoso. Desarrollan actividades
agrarias, la artesanía y el comercio. Tienen una sociedad feudal
en la que aristocracia guerrera domina a los campesinos preexis-
tentes.

Como consecuencia de la orografía griega se crean diferentes

estados independientes gobernados por un rey. Hacia el 1.400
a.C. invadieron Creta e imponen su dominio a los minoicos.

El período de esplendor micénico va desde el 1600 al 1150 a.

C. cuando los invasores dorios acabaron con esta cultura, duran-
te este periodo se configuran los palacios descritos en la Ilíada y
sus reinos: Pilos, Tebas, Orcómenos, Glá, Atenas y Micenas.
Wikimedia.org Puerta de los
leones, Micena, Modificado Los micénicos se pueden considerar herederos de los minoi-
(M.C.G.CH) cos en muchos aspectos de su cultura. Artísticamente heredaron
de ellos:

■■ Su urbanismo, siendo el palacio el centro de las ciuda-

des.

■■ Su sistema constructivo, usando el mismo tipo de co-

lumnas.

■■ Su estilo pictórico, manteniendo temas y formas de re-

presentación similares.

■■ La cerámica, conservando las mismas técnicas y simi-

wikimedia.org modificado lar temática.
(M.C.G.CH)

■■ También la escritura micénica, es heredero en muchos

aspectos de la minoica.

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Unidad 1 Grecia

1.2.1. La arquitectura

■■ Ciudades fortificadas
Los micénicos habitan sobre colinas y lugares de fácil defen-
sa localizadas en zonas estratégicas y elevadas, destacando las
ciudades de Micenas, Argos, Tirinto y Pilos. Están defendidas
por gruesas murallas que se confeccionan a partir de muros de
sillares tan grandes que hicieron surgir la leyenda de que habían
Emplazamiento del megaron de sido construidos por cíclopes gigantescos, por ello estos muros
Micenas. (Wikimedia Commons) se conocen como muros ciclópeos. Los sillares se colocan en
hileras, sin argamasa. En estas murallas se abren puertas que
suelen presentar un mismo modelo, una entrada en forma rec-
tangular (o ligeramente trapezoidal) flanqueada por tres grandes sillares
a modo de jambas y dintel, en la parte superior, una zona en
forma de triángulo, tímpano, cuya función es no sobrecargar de
peso el dintel para evitar que se hunda; se denomina “triángulo
de descarga”.

En Micenas, en la puerta principal de la fortaleza, este trián-

gulo de descarga está ocupado por una escultura que representa
Dibujo del tesoro de Atreo. wiki- a dos leones flanqueando una columna minoica, por esa razón,
esta puerta se conoce con el nombre de Puerta de los leones.

Otra de las novedades de la arquitectura defensiva micénica

son los pasillos o vías subterráneas en el interior de las murallas
(casamatas), que parece que tendrían una función defensiva o
de almacenamiento.

La parte más importante de estas ciudades es la Acrópolis,

espacio elevado sobre una colina donde se encontraban los edi-
ficios públicos y religiosos más importantes de la ciudad, y pre-
senta planta irregular.

En su parte central se situaba el Megarón, edificio político y

religioso de la ciudad, que tenía funciones de templo y palacio
(salón del trono) y del que parece que derivar el templo griego.
Delante de él se encontraba un espacio abierto, con un altar des-
Tumba micénica. wikimedia/ tinado a las ceremonias religiosas.
commons
El megarón propiamente dicho consta de una sala cerrada,
rectangular, con un espacio en el centro para el fuego flanquea-
do por cuatro columnas, similares a las cretenses, que soportan
la cubierta. El esquema del megarón reproduce a gran tamaño
la distribución habitual de una casa particular, con el hogar en
el centro. Se cubre a dos aguas, techumbre a doble vertiente.

■■ Enterramientos
Al igual que los egipcios y al contrario que los cretenses, los
micénicos daban una gran importancia a los enterramientos. Su
Murallas ciclópeas de la acrópolis
de Micenas. (Wikimedia Com- forma evolucionó a lo largo de los siglos, diferenciándose dos
mons) tipos de tumbas, las tumbas de pozo y las tumbas de corredor.

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Unidad 1 Grecia

□Tumbas
□ pozo: Se trata de un profundo hoyo vertical en
el que se depositan los restos del difunto con su ajuar y se re-
cubren con tierra. Sobre ellas se suele colocar una estela con
relieves. En Micenas se encontró, dentro de las murallas de la
ciudad, un círculo de tumbas donde parece ser que estaban
enterrados los grandes reyes y héroes micénicos. En una de
estas tumbas se encontró la máscara ritual de oro conocida
como Máscara de Agamenón.

□Tumbas
□ de corredor: Se conocen también por el nombre
griego de tholos es un edificio de planta circular. Suelen cons-
tar de las siguientes partes: Un pasillo de acceso (llamado
dromos) construido con sillares de piedra. Una gran puerta de
entrada adintelada con un triángulo de descarga en la parte
superior. Una cámara abovedada, de planta circular cubierta
con una falsa cúpula, porque no está construida con sillares
curvilíneos sino con sillares rectos que van cerrándose pro-
gresivamente, denominada “cúpula por aproximación de hi-
ladas”

Esta cámara se recubría posteriormente con tierra forman-

do un montículo que parecía más una colina natural que un
edificio construido por el hombre. Esta manera de construir
la encontramos en la arquitectura megalítica de la Península
Ibérica, Cueva del Romeral, lo que atestigua la llegada de po-
bladores y comerciantes provenientes del Mediterráneo orien-
tal a la Península.

Estas tumbas fueron ganando cada vez más en grandio-

sidad y magnificencia. Una de las más destacadas por sus
Máscara de Agamenón. wikime-
dia/commons
grandes dimensiones es la conocida como Tesoro de Atreo,
en referencia a Atreo, rey de Micenas y padre de Agamenón.
Cerca de ella se encuentra otro tholos, también grandioso,
que se denominó Tumba de Clitemnestra al atribuirse a la es-
posa del rey Agamenón.

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Unidad 1 Grecia

ACTIVIDADES

1. Explica las diferencias entre los palacios cretense y micénico.

2. Define la columna cretense.

3. Define brevemente los siguientes términos y conceptos: megarón, horror vacui, aparejo
ciclópeo, repujado.

4. ¿Qué es un tholos?

5. Resume las características de la pintura cretense.

RECUERDA
●● Los precedentes inmediatos del arte griego son las producciones del arte prehelénico,
Creta y Micenas.

●● La arquitectura cretense destacó por sus grandes palacios: Cnosos, Faistos y Hagia Tria-
da.

●● Las artes plásticas cretenses tienen como ejemplos principales la escultura de sacerdo-
tisas o diosas madre y la pintura mural que decoraba los palacios.

●● La arquitectura micénica construyó murallas ciclópeas, para proteger sus ciudades y tum-
bas de corredor con cámaras sepulcrales circulares (tholoi), para sus reyes y clases dirigentes.

●● El megarón micénico, edificio de usos religiosos y palaciegos, fue el origen del templo
griego.

●● Las Máscaras de oro y ajuar funerario del Tesoro de Atreo, son las principales manifesta-
ciones de la orfebrería micénica.

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Unidad 1 Grecia

1.2.2. Las artes plásticas. Escultura

Al igual que ocurre con la minoica es bastante escasa. pode-
mos distinguir:

■■ Grandes obras conmemorativas: Destaca el relieve de

la puerta de los leones:
Material: Piedra.

Técnica: relieve, sin gradación de planos y ausencia de pers-

pectiva. Simetría frente un eje marcado por la columna de tradi-
ción cretense. Falta de canon.

Iconografía: Leones enfrentados.

Iconología: Función protectora de los leones.

Antecedentes: Influencia del mundo oriental donde estos

animales tienen esta función. También recibe estas influencias
en los convencionalismos de la técnica.

Cronología: Se fecha sobre el siglo XIII a.C.

■■ Pequeñas imágenes rituales: realizadas en barro co-

cido y policromado, a veces se usa el marfil, representan fi-
guras antropomorfas de hombres o mujeres. Mantienen la
gracia del movimiento cretense, usan las líneas curvas. Son
difíciles de interpretar

1.2.3. Artes plásticas. Orfebrería

El arte micénico destaca por su maestría en el trabajo del
oro, así como por la gran cantidad de obras de este material
conservadas. Muchas de ellas forman parte de los ajuares de
las tumbas donde se colocaban objetos de uso personal como
vasos, joyas, armas, etc. Algunos de los ejemplos más destaca-
dos que nos han llegado son:

Máscaras funerarias: se aprecia la nfluencia del arte fune-

rario egipcio, aunque algunas de las máscaras conservadas son
las obras más características del arte micénico. Son máscaras
realizadas para cubrir el rostro del difunto, por lo que tienen for-
ma abombada y tienen los ojos y la boca cerrados. Los rostros
están individualizados, aunque no sabemos si son realistas. La
más conocida representa a un hombre barbado, con expresión
serena y solemne que hizo que Schliemann, al encontrarla, la
bautizara como Máscara de Agamenón.

16
Unidad 1 Grecia

2. El arte griego

Etapa Geométrica (del siglo No tenemos muchos datos

X aEtapas
VIII a. C.) de esta etapa. Se denomina
así por la decoración de la
cerámica en la que la figura
humana aparece muy esque-
matizada.
Etapa Arcaica (del siglo VIII Por su actividad comercial se
a VI a. C.) producen cambios, oriente
aporta el naturalismo y el
realismo en las representa-
ciones. Aparecen las primeras
ciudades y templos. Hay cam-
bios también en la escultura y
la cerámica.
Etapa Clásica (del siglo V a Grecia ha alcanzado la ple-
IV a. C.) nitud en todos los campos,
llegan a nosotros los nombres
de los grandes artistas en los
tres campos del arte.
Etapa Helenística (del siglo La cultura griega sale de sus
III a I a. C.) fronteras originales y se ex-
tiende por el Mediterráneo. Es
la etapa más barroca del arte,
todo se lleva a sus últimas
consecuencias. Roma ya es
una potencia mediterránea y
toma las características prin-
cipales de su arte de Grecia.
Grecia acabará siendo parte
del Imperio Romano en el
siglo I a. C.

El desarrollo de la civilización griega supuso el nacimiento

de un nuevo tipo de hombre moderno que fue el germen de la ci-
Mapa de las polis griegas. (IN- vilización occidental y de un nuevo humanismo. Repercutirá en la
TEF) futura civilización romana y será la base para el desarrollo de ar-
tes posteriores, como el renacimiento, el barroco o el neoclásico.

La civilización griega surge tras la invasión de pueblos dorios

17
Unidad 1 Grecia

de origen indoeuropeo como los aqueos. Se extendieron por Gre-

cia continental y la costa del Asia Menor, Creta e islas del Egeo,
desde el 1.200 a. C. Introdujeron la metalurgia del hierro y se
impusieron a los micénicos acabando con esta cultura. Tras algu-
nos siglos de oscuridad surgió una nueva y fecunda civilización
que extendió sus influencias por todo el Mediterráneo, alcanzan-
do su apogeo entre los siglos VIII al VI a.C.

El mundo griego desarrolla un modelo político nuevo, la de-

mocracia, que se impone en un mundo organizado en ciudades-
estado denominadas polis, independientes pero con una cultura
común.

Evolucionan en pocos siglos desde una economía agraria y

gobiernos aristocráticos en la época arcaica, a una economía ar-
tesanal y comercial y gobiernos democráticos de época clásica.
Todo ello fue debido al desarrollo del comercio y de la produc-
Mapa de la colonización griega
(INTEF)
ción, propiciados por la colonización de las costas del Mediterrá-
neo y del mar Negro, que difundieron la cultura griega.

Acontecimientos políticos de importancia ocurridos durante

el siglo V a.C., fueron las guerras médicas (499-449 a.C.), que
enfrentaron a griegos contra persas con la victoria de los prime-
ros, y las guerras del Peloponeso (431-404 a.C.), que enfrentaron
a Atenas contra Esparta y terminaron con la victoria espartana.

Ya en el siglo IV a.C., el reino de Macedonia impuso su hege-

monía en Grecia y aglutinó a los griegos en una empresa imperia-
lista de expansión hacia Persia. Con el Imperio de Alejandro Mag-
no y los reinos helenísticos surgieron monarquías auto-ritarias de
tipo oriental, al tiempo que la economía se desarrolló gracias al
aumento del comercio y la producción. La cultura y el arte grie-
gos se difundieron por Egipto, Próximo Oriente, Mesopotamia y
Persia.

Su sistema político fue la democracia, da libertad al ciuda-

dano griego, no al esclavo, y esto permite también una mayor
libertad artística centrada en el hombre. “El hombre es la medi-
da de todas las cosas”, por primera vez la imagen de los dioses
se identifica plenamente con la imagen humana, mientras que
en oriente, salvo excepciones, se identifica con la figura animal.

Los griegos aportan al arte la noción de belleza, y dan un ca-

rácter no solo religioso, sino también profano, buscando la esté-
tica.

A pesar de recibir el arte griego la influencia de Egipto y de

otros pueblos del Próximo Oriente, mientras Egipto y Mesopo-
tamia gustan de construir edificios de proporciones colosales,
donde la masa lo domina todo, produciendo efecto de eternidad,
los griegos prefieren crear conjuntos proporcionados y deleitarse
con el equilibrio de sus elementos.

18
Unidad 1 Grecia

Para el artista griego la belleza es, ante todo proporción

y medida conforme a unos criterios racionales fundados en la
naturaleza. En estrecha relación con ese principio, es el cuerpo
humano el fundamento de toda belleza, pero se trata de una
belleza idealizada, racionalmente abstracta. Aunque el artista
griego se apoya en la naturaleza, trasciende el mundo sensorial
y busca la expresión de un idealismo que va más allá de los sen-
tidos. Según José María de Azcárate, los pilares del arte griego
son la medida y la proporción, principios abstractos basados en
las matemáticas a ellos se unen la objetividad, el idealismo en
las formas y el contenido expresivo.

2.1. El urbanismo
La civilización griega era urbana. En tiempos históricos los
elementos que influyen en el nacimiento de la polis son el militar,
el económico, el religioso y el estético:

Militar: se elige el lugar más fácil de defender, la acrópolis,

fortaleza sobre una cima elevada, (es una pervivencia cretomi-
cénica).

Económico: se busca un emplazamiento que facilite el acce-

so desde el mar o próximo a un cruce de caminos naturales.

Religioso: Un lugar de reunión para el culto religioso.

Estético: el marco natural ha de satisfacer unos ideales de

belleza que el griego nunca olvida.

Existen varios elementos esenciales en la distribución urba-

nística de las polis:

Acrópolis o ciudad alta: fortaleza o ciudadela fortificada que

se construía aprovechando alguna elevación del terreno como
la cima de una colina y era el lugar donde se resguardaban, en
caso de conflicto bélico, todos los miembros de la comunidad
(ciudadanos, artesanos, campesinos, mercaderes y esclavos) y
donde se construían los edificios políticos, económicos y religio-
sos de la polis. Algunas acrópolis se convirtieron en el centro
religioso de la ciudad como sucedió en Atenas.

Ágora o plaza pública: constituía el centro neurálgico de la

Plano de Mileto.Historia y arqueo-
logia.com
polis en el que se concentraban la actividad comercial (mercado),
cultural y pública. Era el lugar donde se reunían los ciudadanos y
solía ubicarse junto al puerto en las ciudades marítimas. El ágora
ateniense estaba situada frente a la entrada de la acrópolis.

Muralla defensiva: rodeaba los principales barrios de la po-

lis. Cuando el núcleo urbano era pequeño las murallas no eran
necesarias porque los habitantes podían resguardarse en la
acrópolis, pero conforme la ciudad crecía y se extendía surgía

19
Unidad 1 Grecia

la necesidad de construir murallas. Algunas polis como Esparta

nunca tuvieron murallas. En caso de guerra los vencedores so-
lían imponer a los vencidos la demolición de todas las murallas y
la prohibición de reconstruirlas.

Las primeras ciudades griegas se situaban en colinas, esta-

ban amuralladas, presentaban un plano irregular, con calles tor-
tuosas. De hecho, antes del siglo V a. C. no existe la planificación
urbanística de conjunto. Las calles y las viviendas surgían desor-
denadamente siguiendo los antiguos caminos y adaptándose a
la topografía del terreno. La fundación de nuevas ciudades cobró
impulso gracias a las colonizaciones en Asia Menor y el sur de
Italia, desde el siglo VIII a. C., y a la necesidad de reconquistar
ciudades existentes, tras las guerras médicas y del Peloponeso
(silo V a. C.).

La principal aportación de los griegos al urbanismo fue la apli-

cación, a partir del S. V a. C., del plano ortogonal o en cuadricula
en la ampliación de las ciudades existentes o en la planificación
de las nuevas. Se impuso un plano racional, funcional y ordena-
do de la ciudad que se correspondía con los ideales de orden,
medida, simetría y regularidad, propios de los griegos. La regula-
ridad y semejanza de las calles y manzanas de casas era todo un
símbolo de la ciudad ideal.

El plano ortogonal, donde las calles se cortan en ángulo recto,

no era nuevo ya se había usado ya en el valle del Indo, Egipto,
Mesopotamia. Pero fue el urbanista Hipodamos de Mileto quien
sentó las bases del urbanismo en la ciudad de Mileto. Lo primero
que hizo fue buscar un nuevo emplazamiento para la ciudad que
había sido arrasada en las guerras médicas. Abandonó la anti-
gua ubicación a unos kilómetros de la costa y planificó la nueva
sobre una península alargada. Proyectó dos grandes ejes que se
cruzan en el centro de la urbe. Creó tres barrios principales de
viviendas trazando una retícula de calles y manzanas cuadradas
o rectangulares que variaban de tamaño en función del terreno
disponible o del destino que se les asignaba. Estas zonas resi-
denciales estaban separadas por las profundas bahías donde
creó dos puertos y una zona baja que dedicó a los edificios pú-
blicos y al ágora principal (llamada del Sur). El puerto más abier-
to, el comercial, estaba enmarcado por el teatro apoyado en las
pendientes de la colina y por el santuario de Atenea y el estadio
al sur. El otro puerto, el militar, tenía como patrón a Apolo Délfico
al que se le rendía culto en un santuario cercano. La bahía se
completaba con dársenas y almacenes. Justo en la confluencia
de todas las zonas se levantaba el gran ágora del sur que articu-
laba toda la vida ciudadana. Esta plaza, adornada con fuentes y
estatuas, era el núcleo de la vida comercial, de los negocios y de
la administración pública.

Fue, por tanto, Hipodamos de Mileto (498-408 a. C) quien sis-

tematizó y difundió este plano, por ello a la planta ortogonal se
conoce como planta hipodámica.

20
Unidad 1 Grecia

El plano hipodámico se aplicó en otras ciudades griegas y va

a influir en las romanas. Selinonte en Sicilia (siglo V a. C) Priene
en la costa Turca (siglo IV a.C).

Durante el periodo helenista (desde el siglo IV a.C.) cambió

el rumbo del urbanismo en Grecia. Ganan importancia las cons-
trucciones privadas, sepulcros, palacios, villas residenciales,
etc.) Prima la tendencia al monumentalismo, a las grandes pers-
pectivas, acorde con la idea universalista e imperial de crear un
urbanismo grandioso y espectacular que reflejara el poder de los
monarcas. Esta concepción tendrá gran influencia en Roma.

ACTIVIDADES

6. ¿Qué significa que las ciudades griegas tenían una función comunitaria?

7. Explica dónde se localizaban las primeras ciudades griegas.

8. Define qué es un plano ortogonal o en cuadrícula.

9. ¿Quién fue Hipodamos de Mileto? ¿De qué manera influyó la planta hipodámica en las
ciudades romanas?

10. Cita algunos ejemplos de ciudades de planta hipodámica.

21
Unidad 1 Grecia

2.2. La arquitectura.
Las ciudades griegas se dotaron con edificios públicos al ser-
vicio de la comunidad, prevaleciendo sobre los edificios privados.
Esta idea de primar las construcciones públicas frente a las pri-
vadas decayó durante la época de los reinos helenísticos.

Características

La arquitectura se diseñaba en función del marco urbano,

valorando su espacio exterior para que no desentonara del con-
junto. Los edificios eran proporcionados y regulares, hechos a
escala humana. No existió en Grecia el colosalismo de la arqui-
tectura egipcia o mesopotámica, tan solo a partir de los reinos
helenísticos se hicieron construcciones majestuosas, debido a la
influencia oriental y al deseo de los monarcas de que fuesen un
símbolo de su poder y grandeza.

Las características principales de la arquitectura griega son

las siguientes:

■■ Empleo de la piedra (caliza, mármol, etc.) como mate-

rial constructivo. La madera se usaba para vigas y techos y
las tejas de cerámica para proteger los tejados. El ladrillo o el
adobe se usaron mucho menos.

■■ Es una arquitectura adintelada o arquitrabada, sien-

do raro el uso de arcos y bóvedas. Los muros eran de sillería
isódoma (de sillares iguales dispuestos en hiladas horizon-
tales), unidos mediante grapas metálicas. El soporte aislado
más característico fue la columna. Los edificios se pintaban
Orden dórico. (Wikimedia Com- tras cubrir la piedra con una capa de estuco (mezcla de cal
mons)
muerta y polvo de mármol, alabastro o yeso), con el que se
consiguen bellos efectos polícromos.

■■ La arquitectura buscó la belleza y la armonía en la

proporción, el orden y la medida. Los arquitectos siguieron
unos modelos constructivos basados en los órdenes griegos
y en reglas matemáticas. La unidad de medida empleada en
arquitectura era el módulo, o medida del radio del fuste de la
columna en su parte inferior.

Los órdenes arquitectónicos

Son el conjunto de normas sobre la forma, las partes, la pro-

porción y decoración de los edificios, que derivan de las tradi-
ciones constructivas de los griegos. Los templos y demás edifi-
cios se construían según tres órdenes clásicos: dórico, jónico y
corintio. Para lograr una perfecta armonía y equilibrio del edifi-
cio se hacían correcciones ópticas, como levantar ligeramente
el centro del edificio para que pareciese totalmente horizontal o

22
Unidad 1 Grecia

inclinar levemente las columnas para que pareciesen totalmente

verticales.

Orden dórico. Es el más sobrio y robusto de los tres, y el más

antiguo. Apareció en la Grecia continental durante el periodo ar-
caico (siglo VII a.C.), siendo el más utilizado hasta el siglo IV a.C.,
en que fue desplazado por los otros. Se compone de las siguien-
tes partes:

□Un
□ pedestal con tres gradas o escalones decrecientes de
abajo a arriba; los dos inferiores se denominan estereóbato y
el superior estilóbato. Es el basamento sobre el que descansa
el edificio.

□La
□ columna dórica tiene su origen en la columna proto-
dórica egipcia y en la prehelénica. Carece de basa, tiene el
fuste estriado a arista viva (estrías tangentes entre sí), con
Orden jónico. (Wikimedia Com- un ligero ensanchamiento en el centro (éntasis) para corre-
mons) gir errores ópticos, es decreciente de abajo arriba; el capitel
se compone de tres partes: collarino (moldura anular que lo
separa del fuste), equino (moldura saliente de perfil convexo
situada entre el collarino y el ábaco) y ábaco (prisma cuadran-
gular). La altura de la columna varía de ocho a doce módulos
de altura. El eje de la columna aparece ligeramente inclinado
hacia dentro, lo cual es una corrección óptica. En ocasiones,
se puede sustituir el fuste de la columna por figuras humanas
femeninas (cariátides) o masculinas (atlantes o telamones)

□El
□ entablamento o conjunto de elementos horizontales
sostenido por columnas. Se compone de tres partes: un arqui-
trabe (parte inferior que apoya en las columnas) liso, un friso
(faja decorativa intermedia) dividido en triglifos (moldura ver-
tical acanalada que recuerda las vigas de madera de los tem-
plos micénicos) y metopas (espacios entre triglifos que suelen
ir decorados con relieves) y una cornisa o parte superior que
sobresale del friso.
Orden corintio. (Wikimedia Com-
mons) □La
□ techumbre o cubierta es a dos vertientes, con un
frontón triangular y un tímpano o espacio interior que puede
ir decorado con relieves. Los vértices del frontón se decoran
con acróteras (figuras de animales fantásticos de influencia
oriental).

Orden jónico. Apareció hacia el siglo VI a.C., es más alto y es-

belto que el dórico. Procede de la costa del Asia Menor y consta
de las mismas partes que el dórico. Solo varía en lo siguiente:

□La
□ columna tiene una basa compuesta por una sucesión
de molduras cóncavas (escocias) y convexas (toros); el fuste
es estriado a arista muerta (tiene acanaladuras o estrías se-
paradas por listeles) y carece de éntasis; el capitel (que deriva
del persa y del eólico) se compone de un equino decorado con
ovas (huevos) sobre el que apoyan cuatro volutas (rollos en

23
Unidad 1 Grecia

espiral). La columna, más alta y estrecha que la dórica, suele

tener unos dieciocho módulos de altura.

□El
□ entablamento: el arquitrabe se compone de tres ban-
das lisas y el friso es continuo, liso o decorado con relieves.

Orden corintio. Es el más moderno; apareció en el siglo IV

a.C. durante el periodo clásico. Es una variación del orden jóni-
co, del cual solo se diferencia en el capitel de la columna. Este,
con apariencia de cesta, se compone de un equino formado por
hojas de acanto (cardo) y caulículos (vástagos verticales termina-
dos en espiral, que son una estilización de las volutas jónicas).
La columna es más alta y esbelta que la jónica, pues tiene unos
veinte módulos de altura. Por su mayor majestuosidad, se utili-
zó preferentemente en la etapa helenística y posteriormente en
Roma.

El templo
Partes del templo griego. (Wiki-
media Commons)
El templo era el principal edificio de la arquitectura griega,
destinado a ser la casa del
dios al que se consagraba. Es-
taba concebido para ser visto
desde fuera; su espacio inte-
rior era sobrio y oscuro, pues
solo se entraba para orar, sien-
do su espacio exterior el más
cuidado y ornamentado.

Frontón occidental del templo de Egina,El templo griego era un edi-

Gliptoteca de Múnich (MC.G.CH) ficio adintelado, cubierto con
Plantas de templos griegos. (Wiki-
media Commons)
tejado a dos aguas, con muros
de sillería y columnas realizadas en los distintos órdenes arqui-
tectónicos. Se decoraba con esculturas y se policromaba, con lo
que su apariencia exterior era vistosa y llamativa. Los arquitectos
se esmeraban en su construcción, siguiendo todas las normas y
medidas para que fueran edificios bellos y armónicos. Represen-
taban el poder y riqueza de las polis, y todas competían por tener
los mejores templos.

Lectura
La Acrópolis ateniense está situada sobre una colina que domina la ciu-
dad; era un recinto sagrado (témenos) donde se levantaron los principa-
les templos de Atenas, además de una ciudadela amurallada donde refu-
giarse en caso de asedio. Las construcciones datan de la segunda mitad
Cidead.jpg Reconstrucción del
templo de Atenea Afaya en Egina, del siglo V a.C., son de mármol y fueron proyectadas durante el mandato
Grecia. (wikimedia Commons) de Pericles, en la época de esplendor de la ciudad. El arconte ateniense
no escatimó el dinero para reconstruir el espacio sagrado, devastado por
los persas durante las guerras médicas. Su construcción tuvo una clara
intención propagandística y fue un símbolo del poder de Atenas.

24
Unidad 1 Grecia

Los ritos religiosos se hacían al aire libre, delante de un altar

para los sacrificios junto al templo. Estaban dentro del témenos
o recinto sagrado, separado del exterior por un muro, al que se
accedía por unas puertas monumentales o propileos.

La forma del templo deriva del megaron micénico. Su planta

es rectangular, consta de un pronaos o pórtico de columnas y
una naos o cella, que es la estancia donde se guardaba la esta-
tua del dios; puede tener un opistodomos o pórtico trasero y a
veces una segunda cámara junto a la naos (ádyton) para guardar
los tesoros. Existieron templos de planta circular (tholoi), aunque
son más escasos. Todos ellos influyeron en los templos romanos,
de similares características formales.
Propileos, Atenas. (Wikimedia
Commons) La tipología de los templos griegos es variada:

■■ Según su orden: dórico, jónico o corintio.

■■ Según el número de columnas de la fachada: dístilo (2

columnas), tetrástilo (4), hexástilo (6), octástilo (8), decástilo
(10), etc.

■■ Según la disposición de las columnas: in antis (con los

muros del pronaos rematados con pilastras y dos columnas
en su frente), próstilo (con una fila de columnas en el pro-
naos), anfipróstilo (próstilo por delante y detrás), períptero
(rodeado por una fila de columnas), díptero (rodeado por dos
filas de columnas).

Algunos ejemplos importantes de templos griegos son:

■■ Los templos de Hera en Olimpia (siglo VII a.C.), Apolo

en Delfos (siglo IV a.C.), Poseidón en Paestum (siglo V a.C.) y
Atenea Afaya (invisible) en Egina (siglo V a.C.). Todos son de
orden dórico y nos muestran la evo-
lución al clasicismo.
Planta del Partenón. (Wikimedia
Commons)
■■ El Tesoro de los atenien-
ses de Delfos (hacia el 487 a.C.). Es
un pequeño templo conmemorativo
erigido por los atenienses en este
santuario consagrado al dios Apolo;
Partenón, Atenas. (Wikimedia en él se guardaban las ofrendas de
Commons) la ciudad al dios, en agradecimiento
a su ayuda en la victoria de Maratón
frente a los persas. Es un templo muy sobrio, dórico, in antis,
dístilo; consta de naos y pronaos.

■■ Los templos de la Acrópolis de Atenas son los más re-

Teseión, Atenas.(INTEF) presentativos de la perfección arquitectónica alcanzada du-
rante la etapa clásica.

25
Unidad 1 Grecia

La entrada al recinto de la acrópolis se hace a través de los

Propileos (437-431 a.C.) eran las puertas de entrada, monumen-
tal con forma de templo, a la Acrópolis, fueron construidos por
Mnesiclés y se componen de dos pórticos (interior y exterior)
dóricos hexástilos en el centro, flanqueados por sendas naves
laterales.

El Partenón es templo principal de la Acrópolis (447-432 a.C.),

dedicado a la diosa tutelar Atenea Parthenos (virgen), edificado
por los arquitectos Ictinos y Calícrates. Su gran tamaño y perfec-
Erecteión, Atenas. (Wikimedia
Commons) ción estética eran un símbolo del triunfo sobre los persas y del
papel dirigente de la polis en el ámbito griego. Su decoración
escultórica fue encomendada al escultor Fidias (498-432 a.C)
y a sus colaboradores. Es un templo de orden dórico, octástilo
y períptero. El pronaos con pórticos interiores exastilos. La naos
rodeada de una columnata dórica de dos alturas y en forma de
“U” para acoger la diosa, monumental estatua crisoelefantina
(de oro y marfil), obra de Fidias, de doce metros de altura. La sala
posterior opistodomus (ádyton) servía para guardar los tesoros y
tenía en su interior cuatro columnas jónicas.

El Partenón ilustra la búsqueda de la perfección a través de

las matemáticas. Los griegos valoran la proporción como ele-
mento sagrado, sus autores buscaron crear un recinto sagrado a
la vista de los mismos dioses.

Sigue el canon del máximo común denominador de su anchu-

Tholos de Atenea en Delfos. (Wiki- ra, longitud y altura; el módulo resultante (0,858 m.) Se aplicó
media Commons) a las proporciones de todos los elementos que integraban el
templo (altura a la que se colocan los capiteles hasta la anchura
de los triglifos)

En él se aplican las correcciones ópticas: Abombamiento del

éntasis, columnas de los extremos más separadas, más anchas
y ligeramente inclinadas hacia dentro, entablamento y estilóbato
ligeramente curvados, concavidad.

Los tímpanos estaban decorados con esculturas que repre-

sentaban el Nacimiento de Atenea y la Disputa entre Atenea y Po-
seidón por el dominio del Ática. En las metopas aparecen luchas
míticas como la gigantomaquia, centauromaquia, amazonoma-
quia y la guerra de Troya. En el friso de la naos se representaba la
Procesión de las Panateneas, fiesta anual donde los atenienses
ofrecían un peplo (vestido dórico) a la diosa Atenea, en señal de
gratitud.

El Erecteion (412-406 a. C.), es el segundo templo en impor-

tancia. Obra del arquitecto Mnesiclés, dedicado a Atenea, Po-
seidón y Erecteo (rey mítico de Atenas que fue divinizado). Se
edificó sobre el lugar donde según la tradición Atenea y Poseidón
lucharon en su disputa del Ática. Es de orden jónico y más orna-
mentado que el Partenón; su planta es compleja al levantarse
en un terreno irregular, tiene tres naos (una por cada dios) y dos

26
Unidad 1 Grecia

pórticos, además de la famosa Tribuna de las Cariátides, soste-

nida por seis figuras femeninas vestidas con peplo, a modo de
columnas. Fueron esculpidas por Alcámenes, discípulo de Fidias.

■■ Otros templos clásicos del siglo V a.C. son el de Zeus en

Olimpia (470-456 a.C.), donde se guardaba la monumental
estatua crisoelefantina de Zeus, obra de Fidias, y el Teseion o
Hefestión de Atenas (449-415 a.C.), edificado junto al ágora,
dórico, hexástilo y períptero.

■■ Como ejemplo de templo de planta circular, citaremos

el Tholos de Atenea en Delfos (siglo IV a.C.), templo monópte-
ro (rodeado de columnas) funerario de orden dórico, inspirado
en los tholoi micénicos.
Guion para el comentario de obra de arquitectura

1. Análisis formal:

a. Materiales: piedra (mármol, granito, caliza...), madera, barro (ladrillo, adobe), hierro, cris-
tal.

b. Sistema arquitectónico: adintelado / abovedado.

c. Elementos constructivos: soportes y cubiertas.

d. Composición y efectos visuales. Volumen, escala respecto al ser humano, proporción, si-
metría, armonía (correcciones ópticas…), uso de la luz y el color en la creación de un determinado
ambiente, relación con el entorno, entre el interior y el exterior.

2. Comentario:

a. Tipo de edificio y función: religiosa, funeraria, civil (residencial, política, obra de ingeniería,
obra conmemorativa, militar).

b. Clasificación de la obra: clasificación de la obra, razonada y fundamentada en los rasgos

previamente analizados.

c. Estilo (escuela o periodo del mismo)

d. Cronología (aproximada)

e. Localización

f. Autor

g. Título de la obra.

3. Contexto histórico: análisis del entorno histórico-cultural, circunstancias concretas de su

realización (quién mandó hacerlo, para qué...), relación con otros estilos (posibles antecedentes,
trascendencia en estilos posteriores...), importancia en la producción total del artista.

27
Unidad 1 Grecia

Comentario de obras de arte

1. Análisis formal:

a. Materiales: Muros de sillería.

b. Sistema arquitectónico: Es adintelado

c. Elementos: Orden Jónico, anfipróstilo y tetrástilo.

Sus partes son las habituales en un templo: pronaos,
naos y opistodomos. Es un templo muy pequeño, de di-
mensiones humanas, armonioso en sus proporciones.
Todas las medidas están matemáticamente estudiadas
para dar esa sensación de esbeltez, a pesar de su reduci-
do tamaño.

Está relativamente bien conservado, aunque faltan

parte del entablamento y de la techumbre.

2. Comentario:

a. Edificio religioso

b. Clasificación: Periodo clásico de la arquitectura griega, siglo V a. C.

c. Estilo: clásico.

d. Cronología- localización: (421-415 a.C.). Se localiza en la Acrópolis de Atenas, junto a los

Propileos.

e. Autor: fue proyectado por Calícrates, coautor junto con Ictinos del Partenón. En la naos o
cella había una estatua de la diosa personificada como Niké (Victoria), pero áptera (sin alas), sím-
bolo de las victorias navales. Es un edificio del periodo clásico del arte griego. El friso iba decorado
con relieves alusivos a las guerras médicas, donde Atenea, Zeus y Poseidón ayudaban a la victoria
ateniense.

f. Título de la obra: La imagen pertenece al templo de Atenea Niké (421-415 a.C.), que con-
memora la victoria sobre los persas en la batalla de Salamina (480 a. C.)

3. Contexto histórico-artístico: La obra es una de las más representativas de la arquitec-

tura clasicista griega, por su belleza y sencillez. Como todos los templos de la Acrópolis, tenía un
carácter propagandístico del poder de Atenas. Su construcción tras la Paz de Nicias (421 a.C.),
durante las guerras del Peloponeso, y su alusión a la victoria contra los persas en la batalla naval
de Salamina, debían servir para reforzar la moral de la población en su lucha contra Esparta.

28
Unidad 1 Grecia

Otros edificios de la arquitectura griega

Aunque el templo fue el edificio más importante y represen-

tativo de la ciudad, era necesaria una variada tipología de cons-
trucciones de uso público y formas funcionales, al servicio de
los ciudadanos. Solo con los reinos helenísticos se difundieron
los grandes palacios o sepulcros de uso privado, acorde con el
Edificios de la polis griega. (IN- concepto oriental de monarquía divinizada y autoritaria.
TEF)

Existió una gran variedad de edificaciones, desconocida en

la arquitectura egipcia o mesopotámica y su influencia en la ar-
quitectura romana fue fundamental, pues muchas de las
construcciones romanas se basaron en los modelos griegos.

Podemos destacar las siguientes:

■■ Las estoas (en griego stoai, stoa en singular) eran pórti-

cos techados con columnas que tenían uno o varios pisos. Se
situaban a los lados del ágora o plaza pública, y servían como
lugar de paseo y reunión, uso comercial, resguardo del sol y
de la lluvia, para ver espectáculos o mítines políticos celebra-
dos en el ágora, etc. Algunas escuelas filosóficas (los estoicos
en Atenas) las utilizaban para impartir sus clases. Destaca
por su grandiosidad la Estoa de Átalo (Atenas, siglo II a.C.), de
época helenística.
Las ágoras estaban en el centro urbano, eran plazas de
Estoa de Átalo, Atenas. (INTEF) planta cuadrangular, aunque a veces podían ser irregulares.
En sus alrededores estaban los edificios públicos más impor-
tantes y se decoraban con estatuas. Son el antecedente in-
mediato de los foros romanos.

■■ Los propileos eran las puertas de entrada monumenta-

les a las ciudades o acrópolis. Constaban de pórticos colum-
nados de uno o varios pisos. Destacan los de la Acrópolis de
Atenas.

■■ El estadio tenía una finalidad deportiva y se destinaba

a competiciones atléticas. Tenía unos 200 metros de longitud
y se dividía en calles. También había hipódromos para las ca-
rreras de carros. Tenían una planta rectangular alargada, con
graderíos a ambos lados y terminaban en una cabecera semi-
circular. Son los precedentes de los circos romanos.

■■ El gimnasio estaba destinado a la instrucción física y

espiritual. Se articulaba en torno a un patio abierto porticado
y constaba de vestíbulos, vestuarios, estancias, etc., sin faltar

Teatro de Epidauro, Grecia. (Wi-

kimedia Commons)

29
Unidad 1 Grecia

los baños. Tenía pistas para correr y los interiores se decora-

ban con estatuas.

■■ El buleterio era un edificio de uso político, donde se

reunía el Consejo. Tenía planta cuadrangular y un graderío
que confluía en un altar donde intervenían los oradores (ori-
gen de los actuales hemiciclos).

■■ La casa griega tenía como parte central un peristilo o

patio rodeado de un pórtico de columnas. Alrededor estaban
las habitaciones principales, como el androceo o sala pública
donde se acogía a las visitas, y el gineceo o cuarto privado.
Las villas romanas se inspiraron en las casas griegas.

■■ El teatro tuvo su origen en los festivales dionisíacos, en

los que el pueblo cantaba, danzaba y se reunía al aire libre.
Posteriormente se construyeron teatros destinados a repre-
sentaciones dramáticas, corales o de danza. Los romanos se
inspiraron en ellos para construir los suyos, que presentan
algunas variaciones

Odeón de Herodes Ático.Atenas, Lectura

Grecia (INTEF)

Las partes del teatro griego son:

Graderío (théatron), de planta ultra-semicircular, con un corredor

concéntrico (diazoma) a la orquesta que lo dividía en dos partes, y esca-
leras radiales para que el público accediese a sus asientos. Se construía
aprovechando la ladera de una colina para que tuviera buena acústica y
visibilidad.

Orquesta (orchestra) o espacio circular rodeado por el graderío, don-

de se colocaba el coro. En su centro se situaba un altar consagrado al
dios Dioniso (dios del vino y creador del teatro).

Escena (skené), o espacio rectangular elevado delante de la orques-

ta, donde estaban los actores. Se decoraba con paneles pintados a
modo de decorados.

El teatro más famoso de Grecia fue el Teatro de Epidauro,

obra de Policleto el Joven (de la segunda mitad del siglo IV a.C.),
con asientos para doce mil espectadores.

El odeón era una variedad de teatro cubierto, destinado a las

audiciones musicales.

Altar de Zeus en Pérgamo. Museo de PérgaMO, Beerlín (Wikimedia

Commons)

30
Unidad 1 Grecia

■■ El sepulcro tuvo escasa difusión en el mundo griego,

al ser de carácter privado. El más conocido fue el Mausoleo
de Halicarnaso (mediados del siglo IV a.C.), ya desaparecido
(fue destruido por un terremoto en 1404). Lo mandó cons-
truir el sátrapa persa de la provincia de Caria, Mausolo, como
símbolo de su poder. Era una tumba monumental de unos
40 metros de altura, que constaba de un amplio basamento
sobre el que apoyaba un cuerpo de orden jónico, rematado
por un cuerpo piramidal con una escultura mostrando a Mau-
solo en una cuadriga (tiro o carro de cuatro caballos). Este
monumento manifiesta la influencia oriental en el deseo de
grandiosidad, que más tarde caracterizó la arquitectura hele-
nística. Influyó en los sepulcros romanos.

Linterna de Lisícrates, Atenas.

■■ Otros monumentos relevantes
(INTEF)
El Altar de Zeus en Pérgamo (siglo II a.C.) es un altar mo-
numental del periodo helenístico, erigido por el rey Eumenes II.
Tiene planta rectangular y un gran basamento o podio decorado
con relieves que representan el tema de la gigantomaquia (lucha
entre los dioses y gigantes); una imponente escalinata conduce
a una columnata de orden jónico, que rodea el altar. El conjunto
de arquitectura y escultura producía fuertes contrastes de luz y
sombra, aportando dinamismo y grandiosidad a la obra, muy del
gusto helenístico. Esta obra inspiró el Ara Pacis del emperador
romano Augusto

Linterna de Lisícrates (Atenas, siglo IV a.C.), es un monu-

mento conmemorativo. Erigida para celebrar un premio en un
concurso teatral; consta de un cuerpo cilíndrico con columnas
adosadas de orden corintio (es el primer monumento que em-
plea dicho orden), apoyado sobre un pedestal. Sobre el tejado
hubo en su día un trípode de bronce, que era el trofeo obtenido
por Lisícrates.

Esta pequeña construcción privada de finales de la época

clásica, manifiesta el interés por el culto a la personalidad, que
culminó durante el helenismo

La Torre de los Vientos (Atenas, siglo I a.C), de época hele-

nística, sirvió como reloj de sol y de agua; tiene planta octogonal
y se decora con relieves alusivos a los ocho vientos principales.

31
Unidad 1 Grecia

ACTIVIDADES

11. ¿Qué es el módulo?

12. Explica las características principales del orden corintio.

13. Enumera las partes del templo griego.

14. Define brevemente los siguientes términos y conceptos: éntasis, períptero, témenos, pro-
pileos.

15. Analiza brevemente el teatro de Epidauro.

RECUERDA

●● La arquitectura griega fue adintelada, usó el muro de sillería y se basó en conceptos ra-
cionalistas como la búsqueda del orden, proporción, armonía y otras cualidades, que plasmaban
el ideal de belleza.

●● Los griegos utilizaron los órdenes dórico, jónico y corintio para construir sus edificios.
Cada orden constaba de una serie de elementos: pedestal, columna, entablamento y techumbre.

●● El templo fue el edificio principal de la arquitectura griega e influyó en los romanos. Se

inspiró en el megaron micénico y tuvo diversa tipología. Los templos de la Acrópolis de Atenas
son algunos de los más representativos.

●● La tipología de edificios griegos fue muy extensa: teatros, ágoras y estoas, propileos, es-
tadios, hipódromos, etc., que influyeron en la arquitectura romana.

32
Unidad 1 Grecia

2.3. La evolución de la escultura

La escultura griega tuvo una evolución considerable en pocos
siglos, entre los períodos arcaico y helenístico, en función de los
cambios socioeconómicos, políticos y culturales del mundo grie-
go. En esto contrasta con el inmovilismo de la sociedad egipcia,
cuyo arte apenas varió con el paso del tiempo.

Hasta los albores del siglo VII a.C., no encontramos en Gre-

cia restos de escultura, solo restos de cerámica con decoración
geométrica, la cual se corresponde con una sociedad agraria y
cerrada. El desarrollo de las colonizaciones y del comercio en el
Mediterráneo oriental provocó un mayor dinamismo económico,
una afluencia de riquezas y una diversificación artística desco-
nocida hasta entonces. La aristocracia terrateniente empezó a
volcarse en las actividades urbanas al tiempo que surgió una
poderosa burguesía enriquecida con el comercio y la producción
artesanal.

De una sociedad aristocrática con una escultura llena de

convencionalismos tomados del arte egipcio y oriental (periodo
arcaico) pasamos, tras una etapa de regímenes autoritarios (ti-
ranías), a una sociedad más democrática, donde el gusto de la
burguesía urbana impuso una escultura más naturalista aunque
idealizada (periodo clásico), y un aumento del coleccionismo pri-
vado de arte.

Con la expansión territorial del Imperio de Alejandro Magno, la

cultura griega se extendió por Oriente; tras su muerte (323 a.C.)
sus sucesores, los diádocos, crearon los reinos helenísticos. La
escultura se hizo más naturalista, al tiempo que en las cortes he-
lenísticas el arte tendió al recargamiento y la grandiosidad, por
influencia del arte oriental. Este periodo terminó en el 30 a.C.,
cuando Roma, tras ocupar Grecia en el 146 (batalla de Corinto),
conquistó Egipto, último reino helenístico que quedaba.

Podemos señalar algunas características generales de la

escultura griega:

■■ La representación de la figura humana constituye el

tema fundamental. En su mayoría son exvotos o esculturas
de dioses, héroes, personajes mitológicos, atletas, etc. Para
los griegos, los dioses tenían una apariencia similar a los
hombres, incluso sus mismas pasiones, virtudes y defectos.
Solo durante el helenismo se representaron seres humanos
corrientes e incluso retratos individualizados.

■■ La escultura tiende a la idealización de los personajes,

a mostrar una belleza basada en la perfección anatómica y la
virtud moral. Los griegos creían que los personajes sagrados
reflejaban esa belleza ideal, al tiempo que los seres huma-
nos poseían una cierta naturaleza divina y trascendente. Por

33
Unidad 1 Grecia

ello se evitan los rasgos realistas e individualizados de los

personajes, creando unos prototipos de belleza y perfección.
Son generalmente adolescentes o jóvenes, incluso adultos
maduros, con anatomías musculosas y proporcionadas, que
muestran la plenitud física. Los modelos fueron variando des-
de la época arcaica hasta la helenística, logrando su apogeo
durante el clasicismo.

■■ Los materiales más utilizados fueron la piedra (sobre

todo el mármol) y el bronce. La piedra se tallaba con martillo
y cincel. El bronce se obtenía por el procedimiento de la fundi-
ción a la cera perdida. Cuando las esculturas tenían un cierto
tamaño, se dejaban huecas por dentro para ahorrar bronce y
abaratar costos.

■■ Los griegos esculpieron tanto el bulto redondo como el

relieve. La escultura se policromaba y el aspecto que tenía era
mucho más llamativo que el que tienen ahora los ejemplos
que conocemos.
Las obras originales que conservamos son escasas y están
deterioradas; los ejemplares que han llegado a nosotros son en
su mayor parte copias romanas. Nos ocuparemos a continuación
de la evolución de la escultura griega.

Los dioses griegos

Nombre griego Nombre romano Función Atributos
Zeus Júpiter Dios del cielo. Cetro, rayo, águila,
Niké
Hera Juno Diosa del hogar y del Cetro, carroza, pavo
matrimonio. real.
Poseidón Neptuno Dios del mar. Tridente, delfín, ani-
males marinos.
Afrodita Venus Diosa del amor, de la Concha, manzana,
belleza y de la fertili- carro tirado por cisnes
dad. o palomas.
Atenea Minerva Diosa de la sabiduría Casco, escudo y lanza,
y de inteligencia. lechuza, égida (coraza
de piel de cabra) con
la cabeza de Medusa.
Apolo Apolo/Febo Dios de las artes; se Arco y flechas, lira,
identifica con el sol. corona de laurel.
Hermes Mercurio Dios del comercio, Caduceo (vara con
mensajero de los dos serpientes), ropa
dioses. de viajero, alas en
sandalias y sombrero
Ares Marte Dios de la guerra. Casco, coraza, escudo
y espada.

34
Unidad 1 Grecia

2.3.1. Periodo arcaico (siglos VII-VI

a.C.)
La escultura representa los ideales estéticos de la aristocra-
cia terrateniente; manifiesta gran influencia oriental, sobre todo
egipcia, debida a los intercambios comerciales y culturales con
estas culturas. Se caracteriza por los siguientes rasgos:

■■ La figura humana se representa de tamaño natural o

superior al natural.

■■ La influencia de la escultura egipcia y oriental es evi-

dente: ello se manifiesta en el uso de convencionalismos ta-
les como frontalidad, hieratismo, inexpresividad, anatomías
de formas cúbicas y geométricas, simetría del cuerpo, despro-
porciones anatómicas, adelantamiento de una pierna para
darle movimiento a la figura, empleo de la sonrisa arcaica
(mueca) en el rostro para aportarle expresividad, etc.

■■ La representación de figuras de animales fantásticos;

característica esta de influencia oriental.
Las principales manifestaciones escultóricas son:

■■ Los xóana (en singular xóanon). Eran tallas de madera

usadas como exvotos, que aparecen con posterioridad a las
invasiones de los dorios. No se conservan restos.

■■ Los kuroi (en singular kurós). Son estatuas masculinas

de jóvenes desnudos de robusta e idealizada anatomía, que
muestran la perfección corporal y espiritual, según el modelo
aristocrático de belleza. Eran el arquetipo de raza atlética y
sangre noble que probaban sus destrezas en los juegos at-
léticos, reservados a la aristocracia griega, que servían de
preparación militar. Presentan los convencionalismos antes
citados. Eran exvotos ofrecidos a los dioses para conmemorar
un triunfo deportivo, un hecho singular, una victoria militar,
etc.; también representaban dioses o difuntos.

■■ Las korai (koré en singular), estatuas femeninas ves-

tidas con el peplo o vestido dórico, o con el jitón (túnica) e
Kurós de Anavissos. (Wikimedia himatión (manto) jónicos; aparecen en actitud oferente y te-
Commons) nían un carácter votivo, de ofrenda a los dioses. En ocasiones
representaban a las propias diosas o a difuntas.
Los ejemplos escultóricos pueden agruparse por sus escue-
las de procedencia:

■■ De la Escuela de Creta destaca la Dama de Auxerre ,

koré vestida con el jitón e himatión jónicos, de formas muy
geométricas y convencionales, cuyo cuerpo recuerda el fus-
te de una columna. De la Escuela jónica, la Hera de Samos,

35
Unidad 1 Grecia

también vestida con jitón e himatión, mide casi dos metros de

altura y sus formas son geométricas y sencillas.

■■ De la Escuela del Peloponeso, los gemelos Cleobis y

Bitón, figuras de kuroi, rígidas y simétricas, con anatomías
de formas geométricas, que adelantan una pierna sugiriendo
movimiento.

■■ De la Escuela cicládica, el Kurós

de Ptoion; y de la Escuela Ática, la Koré
del peplo, vestida con el atuendo dórico;
el Moscóforo (o portador del carnero), ku-
rós vestido que lleva sobre sus hombros
un ternero como ofrenda, con rostro inex-
presivo que dibuja la sonrisa arcaica; y el
Jinete Rampin, que posee también una
estilizada sonrisa arcaica y su cabeza apa-
Hera de Samos (Wikime-
rece inclinada, marcando un ligero aban-
dia Commons) dono de la frontalidad.

El Moscóforo. (Wiki-
media Commons)

2.3.2. Periodo severo o de transición

(primera mitad del siglo V a.C.)
Desde el siglo VI a.C. las polis griegas vivieron una etapa de
cambios económicos y sociales, debido al fenómeno de las co-
lonizaciones. La economía agraria de la etapa arcaica se trans-
formó en otra urbana y comercial, al tiempo que una nueva cla-
se social de ricos comerciantes y financieros rivalizaron con la
aristocracia por el poder político. De los viejos gobiernos aris-
tocráticos pasamos a los gobiernos autoritarios impuestos por
Cleobis y Bitón. (Wikimedia legisladores y tiranos, que con el apoyo de la burguesía urbana
Commons) disputaron el poder a la aristocracia. Este proceso culminó en
algunas polis, como Atenas, con la instauración de sistemas po-
líticos democráticos en el siglo V a.C. La lucha contra los persas
(guerras médicas) y el triunfo de los griegos sirvió de motivo de
inspiración y propaganda a los artistas.

Las características de la escultura de este periodo son:

■■ Pervivencia de convencionalismos arcaicos (frontali-

dad, hieratismo, falta de expresividad, simetría, geometris-
mo, etc.), pero con tendencia a anatomías menos geométri-
cas, más curvilíneas y naturalistas, a plasmar un movimiento
contenido en las figuras mediante el uso del contraposto (o
contraposición armónica de las distintas partes del cuerpo y
ruptura de la simetría, representando unas partes del cuerpo
en movimiento y sus simétricas en reposo) y el escorzo (repre-
sentación de una figura o parte de ella en posición oblicua o

36
Unidad 1 Grecia

perpendicular al plano). Con estos recursos se pretendía que

las esculturas no fuesen tan estáticas y frontales.

■■ Creación de un nuevo modelo de figura idealizada mas-

culina que sustituye a los kuroi arcaicos: el efebo. Es un jo-
ven en la plenitud física, de cabello corto y rizado, sin barba,
de rasgos regulares y anatomía musculosa y proporcionada,
inexpresivo –pues la expresión de los sentimientos y pasiones
humanas era contradictoria con la calma y la reflexión– y en
actitud serena y armónica, que representa el ideal de perfec-
ción y belleza griego. Con este modelo se realizaban dioses,
héroes, personajes mitológicos y atletas vencedores.
Como los escultores no tenían interés por los personajes indi-
vidualizados, siempre esculpían modelos ideales, independien-
temente de su edad. Por ello adolescentes, jóvenes y viejos, po-
seen anatomías musculosas y proporcionadas.

Algunos ejemplos relevantes de estas esculturas son:

Auriga de Delfos. (Wikimedia
Commons) ■■ El Auriga de Delfos, escultura estática y rígida del joven
auriga de una cuadriga desaparecida, fundido en bronce, con
el brazo adelantado sujetando las riendas (en escorzo) y deta-
lles naturalistas en los pliegues de la túnica (que se asemejan
a las estrías de una columna); su rostro de efebo es bello e
inexpresivo.

■■ El grupo de los Tiranicidas, obra de Kritios y Nesiotes,

conmemora el asesinato del tirano ateniense Hiparco (514
a.C.) por Harmodio y Aristogitón. Los dos tiranicidas, converti-
dos posteriormente en héroes de la libertad, aparecen en mo-
vimiento, adelantando al unísono un brazo y una pierna en el
momento de apuñalar a su víctima. Ambos están en escorzo,
rompiendo la frontalidad. Sus anatomías están idealizadas,
aunque el segundo aparece con barba pues era un individuo
maduro.

■■ El Poseidón de Artemision, figura de bronce que repre-

senta al dios de los mares y océanos, con pelo rizado y barba
como corresponde a su edad madura, aunque con muscula-
tura poderosa y proporcionada; está en escorzo: sus piernas
abiertas y sus brazos, lanzando el tridente, están despegados
Poseidón de Artemision. (Wikime- del tronco para darle movimiento.
dia Commons)
■■ Los guerreros de Riace, son dos figuras de bronce ori-
ginales cuyo significado se desconoce, pero posiblemente
sean dioses o héroes. Ambos tienen una posición similar, en
contraposto, aunque se cree sean obras de distintos autores
y fechas. Seguramente fuesen armados con lanza, escudo y
casco, que se han perdido.

■■ Los frontones de los templos de Zeus en Olimpia y de

Atenea Afaia en Egina. En ambos hallamos referencias a la

37
Unidad 1 Grecia

guerra con los persas, identificados siempre con los perde-

dores.
El primero, el del templo de Zeus en Olimpia, representa la
lucha de lapitas contra centauros (se trata de una centauroma-
quia), donde predomina el dinamismo y desaparece la frontali-
dad en algunas figuras. El dios Apolo, esculpido según el modelo
de efebo, es la figura principal y está en el centro del tímpano.
Con su brazo extendido da la victoria a los lapitas. Los centau-
ros son más dinámicos y naturalistas que los humanos, pues,
como seres que representan las bajas pasiones, no son dignos
de idealización.

El segundo, el de Atenea Afaia en Egina, se basa en la guerra

de Troya, utilizando como fuen-
te la Ilíada de Homero. Repre-
Apolo del frontón oeste del templo senta escenas de lucha entre
de Zeus en Olimpia (Wikimedia griegos y troyanos, con escenas
Commons)
dinámicas y naturalistas. Los
personajes conservan la sonri-
sa arcaica, pero sus anatomías
son más correctas y propor-
cionadas. Destaca la variedad
de posturas para adaptarse al
marco triangular del tímpano
(ley del marco), así como la rup- Frontón templo de Atenea Afaia en
tura de la frontalidad en algu- Egina, Gliptoteca Múnich. (MC.G.CH)
nas figuras, vistas de perfil. Los
relieves solían policromarse para dar una mayor sensación de
Reconstrucción de los frontones realismo.
del templo de Atenea Afaia en
Egina. (Wikimedia Commons)

2.3.3. El primer clasicismo (segunda mitad

del siglo V a.C.)
Tras la victoria sobre los persas y la consolidación de los sis-
temas democráticos en distintas polis griegas, Atenas desempe-
ñó un papel predominante en el ámbito griego. Su hegemonía
coincidió con el gobierno de Pericles, que como hemos señalado,
emprendió un vasto programa de construcción de edificios en
la Acrópolis, al tiempo que favoreció la creación de todo tipo de
obras artísticas. El clasicismo supuso la plenitud de la escultura
griega, tras las innovaciones de la etapa anterior. Las guerras del
Peloponeso y la derrota de Atenas a finales del siglo V a.C. provo-
caron una profunda crisis en las polis griegas.

Lo que define el clasicismo es la síntesis entre naturalismo

e idealización en la escultura. Los artistas profundizaron en la
representación naturalista de los personajes restringiendo la
frontalidad, plasmando el movimiento –aunque nunca violento,
sino contenido–, esculpiendo el cuerpo humano de forma más

38
Unidad 1 Grecia

correcta y detallada, menos geométrica. Pero al mismo tiempo

los personajes se idealizaban embelleciendo sus rasgos físicos,
buscando la proporción y armonía de las partes, la regularidad y
suavidad de los contornos, la simetría de los volúmenes, etc., la
virtud moral y la gracia divina. Esta idea está presente en la filo-
sofía de Platón (según podemos ver en su diálogo Fedro). Por ello
las figuras nunca pierden la compostura, la elegancia y la armo-
nía ni trasmiten las emociones humanas, consideradas vulgares.

Características de la escultura del primer clasicismo fueron:

■■ La profundización en los principios estéticos del perio-

do severo y el interés por la representación del cuerpo huma-
no, a través de temas mitológicos y atléticos.

■■ La pervivencia del modelo masculino de belleza ideali-

zada de la etapa anterior (el efebo); el aumento del naturalis-
mo y del movimiento, mediante el contraposto y el escorzo y la
utilización de la perspectiva en los relieves, recurso ilusionista
que sirve para producir la sensación de profundidad.
Los principales escultores de esta etapa son Mirón, Policleto
y Fidias.

■■ Mirón (trabajó entre 480-440 a.C.) en su Discóbolo

plasma el esfuerzo y el movimiento contenido del atleta lanza-
Discóbolo. (Wikimedia Commons) dor del disco, sin perder la visión frontal de su torso, influen-
cia oriental, ni mostrar tensión en el rostro para no romper
la armonía y serenidad. El movimiento del cuerpo del atleta
parece congelado, pareciendo realizar un movimiento heli-
coidal.
Estudia la composición de la forma desde el punto de vista
geométrico: Triángulos y curvas. La cabeza, las caderas y los
pies forman una media circunferencia que se opone en equi-
librio un tanto precario a la otra media circunferencia que es
dibujada por los brazos extendidos, derecho hacia atrás para
recoger el disco, izquierdo apoyado en la rodilla derecha. So-
bre esta composición se impone una línea en zigzag formada
por el brazo del disco, desde el hombre a la cadera, de está a
la rodilla y de aquí al pie

■■ Policleto (hacia 480-420 a.C.) es el autor del Dorífo-

ro –o atleta lanzador de jabalina–, obra en la que creó un
modelo de ritmo y de equilibrio ideal utilizando un canon de
proporción de siete cabezas –la altura del cuerpo es siete ve-
ces la medida de la cabeza– y del llamado ritmo policlético
Líneas compositivas en el Dis- –contraposto logrado mediante una ligera flexión de la pierna
cobolo (MC. G.CH. Elaboración izquierda, que hace que el peso del cuerpo recaiga sobre la
propia
derecha–, para dar gracia y movimiento contenido a la figura.
En su Diadúmeno –o atleta que ciñe en su cabeza la cinta
de la victoria– utilizó los mismos recursos. Debe recordarse

39
Unidad 1 Grecia

que el canon de siete cabezas es similar al egipcio de diecio-

cho puños.

■■ Fidias (hacia 490-431), amigo de Pericles, considera-

do el máximo representante del clasicismo, fue director de
la decoración escultórica del Partenón. Empleó la técnica de
los paños mojados (representar las telas pegadas al cuerpo,
como si estuviesen mojadas, dejando ver la anatomía) en sus
figuras femeninas. La mayoría de sus realizaciones no han
llegado hasta nosotros. Entre sus obras destacan las que de-
coraban el Partenón:
□La
□ Atenea Parthenos, figura monumental de la diosa de
doce metros de altura realizada con alma de madera y recu-
bierta de oro y marfil (crisoelefantina).

□Frontones:
□ el frontón oriental con el Nacimiento de Ate-
nea; el occidental con la Disputa entre Atenea y Poseidón por
el dominio del Ática;
Diadumenos. (Wikimedia Com-
mons)
□□ Los frisos con la Procesión de las Panateneas–la fiesta
anual en que los atenienses subían en procesión hasta el Par-
tenón para regalar un peplo a su diosa protectora–;

□□ Las metopas con luchas míticas –gigantomaquia, ama-

zonomaquia, centauromaquia y de la guerra de Troya–.

Destacan estos relieves por su adaptación al marco arqui-

tectónico, su composición equilibrada, sus formas idealizadas,
Jinetes. Friso oeste del Partenón.
(Wikimedia Commons)
el naturalismo de los pliegues de las ropas y la representación
de la profundidad mediante la perspectiva. Para ello se tallan las
figuras más o menos salientes respecto al plano, dando la sen-
sación de que cuanto más sobresalen del fondo más cerca están
del espectador. Otras obras famosas de Fidias fueron el Zeus de
Olimpia, monumental estatua sedente crisoelefantina del dios,
la Atenea Lemnia y la Atenea Promacos, obras de bronce que
estaban en la Acrópolis.

Grupo de Afrodita. Frontón este

del Partenon (Wikimedia Com-
mons)

Las tejedoras. Friso este del Partenón. (Wikimedia Commons)

Cidead.jpg Copia Metopa Parte-

nón. Neues Museum Berlín (MC
G.CH)

40
Unidad 1 Grecia

Guion de análisis de una obra de escultura

1. Tipo de escultura: bulto redondo, relieve (alto, bajo, medio, hueco)se puede describir si es:
abstracta, figurativa, individual o grupo escultórico, total (cuerpo entero) o parcial (busto, cabeza,
torso...), actitud (sedente, orante, ecuestre, yacente...)

2. Técnica:

a. Material: piedra, madera, barro, bronce, yeso.

b. Tallado (madera), modelado (barro), esculpido (mármol u otra piedra), fundido (bronce),
vaciado (yeso, metal.

c. Localización: dependiente de la arquitectura (friso, capitel, tímpano, jambas, parteluz, din-

tel, arquivoltas...) o independiente (plazas, jardines...).

d. Elementos formales:

- Textura: lisa y pulida; o áspera y rugosa.

- Volumen: frontalidad o multiplicidad de puntos de vista

e. Composición: distribución de los elementos (piramidal, helicoidal, diagonal...)

f. Movimiento y expresión: hieratismo, rigidez, movimiento ficticio (ej: contrapposto) o real,

actitud, expresión de sentimientos, dramatismo...

g. Incidencia de la luz: homogénea o contrastada.

h. Color: existencia o no de policromía; y naturaleza del color (naturalista o simbólico).

3. Comentario:

a. Contenido y/o función: religioso, mitológico, político, didáctico. Si se conoce, se puede des-
cribir el tema representado: los personajes, la escena.

b. Clasificación de la obra: clasificación de la obra, razonada y fundamentada en los rasgos

previamente analizados.

c. Estilo (escuela o periodo del mismo).

d. Cronología (aproximada).

e. Localización (si se conoce).

f. Autor.

g. Título de la obra.

4. Contexto histórico: análisis del entorno histórico-cultural, circunstancias concretas de su

realización (quién mandó hacerlo, para qué...), relación con otros estilos (posibles antecedentes,
trascendencia en estilos posteriores importancia en la producción total del artista...
Comentario de obras de arte

41
Unidad 1 Grecia

Comentario de obras de arte

1. Tipo de escultura: La imagen muestra una escultura de bulto redondo, repre-
senta una figura individual de cuerpo entero).

2. Técnica:

a. Material: obra realizada en mármol. La obra original era de bronce, la que vemos
es una copia romana.

b. Composición y movimiento: es una figura masculina idealizada, que representa

el modelo de efebo surgido durante el periodo severo o de transición de la escultura griega,
pero con mayor naturalismo en la anatomía y en el movimiento contenido que recrea, propios
del clasicismo. Su rostro, que tiene facciones regulares y bellas, es inexpresivo; su cuerpo
desnudo, que mira de frente al espectador, es musculoso y proporcionado; está en contra-
posto, es decir, representando unas partes del cuerpo en movimiento y otras en reposo para
romper la simetría y el hieratismo, de modo que su brazo y pierna izquierda aparecen en
Doriforo. (Wikimedia distinta posición que el brazo y pierna derechos. La figura sigue el canon de las siete cabezas
Commons) creado por Policleto (el cuerpo mide siete veces la medida de la cabeza), considerado el más
proporcionado y bello, y el denominado ritmo policlético, o ligera flexión de la pierna izquierda
que obliga a cargar el peso de la estatua sobre la derecha. Por ello tiene un apoyo que impide
que se caiga.

3. Comentario:

a. Clasificación: es el Doríforo de Policleto, en esta escultura divulgó el canon de las siete cabezas. Este canon se
inspiró en el egipcio de los dieciocho puños.

b. Cronología: pertenece al periodo del primer clasicismo, que abarca la segunda mitad del siglo V a.C.

c. Localización. Existen muchas copias, una de las mejor conservadas es la del Museo Arqueológico Nacional de
Nápoles

d. Autor: Policleto

e. Título: El Doriforo

4. Contexto histórico-artístico. La obra original fue realizada tras el fin de las guerras médicas, durante
la época de hegemonía ateniense propiciada por Pericles. En esta etapa la estética clasicista trató de mostrar la supe-
rioridad cultural y moral de los griegos y de sus clases dirigentes, creando unos modelos de belleza ideal que llamamos
clásicos, considerados superiores a cualquier otro. Junto a Policleto destacaron escultores como Mirón y Fidias, de gran
trascendencia posterior.

42
Unidad 1 Grecia

2.3.3. El segundo clasicismo (primera

mitad siglo IV-323 a.C.)
La crisis que afectó a las polis tras la guerra del Peloponeso y
la formación del Imperio de Alejandro Magno, provocó una serie
de cambios que se reflejan en la estatuaria griega. Este periodo
se caracterizó por una serie de rasgos que vamos a enumerar:

■■ Un avance del naturalismo, que se plasma en la repre-

sentación más realista y menos contenida del movimiento, la
humanización de los personajes, la expresión del dramatis-
mo, la ruptura de la visión frontal del cuerpo humano, que se
esculpe para ser visto desde cualquier lado.

■■ Una nueva visión del modelo de belleza ideal mascu-

lina más sensual y gracioso, menos solemne y heroico. Las
figuras de dioses y atletas tienen formas más redondeadas
y sensuales, anatomías más esbeltas y menos robustas y se
representan muchas veces en actitudes cotidianas.

■■ La valoración de la belleza del cuerpo femenino desnu-

do y la creación de un modelo ideal de formas redondeadas
y sensuales (estatuas de Afrodita). Hasta entonces apenas
se representaban mujeres desnudas, pues sus cuerpos no se
consideraban bellos ni se las creía dotadas de cualidades es-
pirituales comparables a los hombres.

■■ Mayor interés por lo individual y subjetivo. Ello explica el

tratamiento de nuevos temas como el retrato y las escenas de
la vida cotidiana, junto a los tradicionales temas mitológicos y
atléticos. Se realizan los primeros retratos realistas, que enla-
zan con los helenísticos.
Los principales escultores de esta etapa del segundo clasi-
cismo son Praxíteles, Scopas, Lisipo y Leocares.

Praxíteles (hacia 400-320 a.C.) creó unos modelos de dioses

llenos de gracia y sensualidad, de formas suaves y redondeadas,
más esbeltos que los de Policleto. Para ello empleó la curva pra-
xitélica (colocación del cuerpo en forma de S de tal forma que
las figuras apoyan todo el peso en una pierna y así curvan la
cadera opuesta), haciendo que el cuerpo describiera una línea
curva y tuviera que apoyarse en una columna para no caer. Otra
aportación suya fue el esfumado praxitélico (o pulido de los con-
tornos de las estatuas), que contribuye a dar morbidez, blandura
y sensualidad a sus mármoles. Sus estatuas de dioses carecen
de solemnidad y heroísmo, están humanizadas y aparecen en
actitudes cotidianas, como si fueran mortales. Obras suyas son
la Afrodita de Cnido, modelo de belleza ideal femenina de gran
Sátiro descansando, de influencia posterior, donde por primera vez en el arte griego se
Praxíteles.
(Wikimedia Commons)
valora la sensualidad del cuerpo desnudo de la mujer; la diosa
se representa saliendo del baño, como si fuera una escena de

43
Unidad 1 Grecia

género

El Hermes con Dioniso es una de las mejores piezas de Praxí-

teles, está concebido como escena de la vida cotidiana; ambos
dioses juegan entre sí y se comunican, Hermes sostiene en su
mano derecha un racimo de uvas que Dioniso quiere coger. El
cuerpo se desplaza del eje vertical y forma una línea en “S” in-
vertida que da movimiento, sinuosidad y cierta sensualidad, esta
sinuosidad destaca más por el contraste vertical de Dionisos y la
túnica de pliegues verticales y paralelos.

El Apolo sauróctono representa al dios matando un lagarto. El

Sátiro descansando aparece apoyado sobre un tronco, en postu-
ra indolente.

Scopas (hacia 380-330 a.C.) prefirió los temas dramáticos e

imprimió a sus personajes gran dinamismo y fuerza expresiva.
Afrodita de Gnido. (Wikipedia
Commons)
Su obra más conocida es la Ménade furiosa, que representa a
una sacerdotisa de Dioniso que, en estado de ebriedad y agita-
ción, se contorsiona violentamente llena de euforia, rompiendo
la visión frontal. El cuerpo retorcido, los profundos pliegues de la
ropa y el movimiento violento que manifiesta rompen la conten-
ción y serenidad clásicas.

Realizó algunas estatuas del Mausoleo de Halicarnaso.

Lisipo (hacia 370-318 a.C.), escultor preferido de Alejandro

Magno, fue el creador de un nuevo canon más alargado y esbelto
de ocho cabezas, que sustituyó al de Policleto. Sus figuras apa-
recen en escorzo y rompen con el frontalismo, al poder ser con-
templadas desde cualquier punto de vista. Su obra más famosa
es el Apoxiomenos, luchador que se limpia la piel con un estrigilo
después del combate, adelanta los brazos en escorzo y rompe
la visión frontal del torso. No tiene nada de heroico o victorioso,
sino que está en una actitud vulgar.

Hermes con Dionisio niño (Wiki- Otras obras son el Ares Ludovisi, en posición sedente, y el
media Commons)
Hércules Farnesio, de poderosa musculatura
que acentúa los contrastes de luces y som-
bras, y aporta dramatismo al personaje.

Como retratista se preocupó de reflejar

los rasgos individuales y psicológicos del re-
tratado aunque con una inevitable idealiza-
ción, propia de la época. Se conservan varios
retratos suyos de Alejandro Magno, que fue-
ron modelos de posteriores obras.

Ménade furiosa (Wiki- Leocares (350-300 a.C.) trabajó con Sco-

media Commons)
pas en la decoración del Mausoleo de Ha-
licarnaso. Su principal obra es el Apolo de
Belvedere, donde se aprecia la influencia de
Lisipo en sus formas esbeltas y en la ruptura de la visión frontal.

44
Unidad 1 Grecia

2.3.4. El periodo helenístico (323-30

a.C.)
El Imperio macedonio puso fin al sistema autárquico de las
polis griegas y creó una gran estructura político- económica don-
de se fundieron la cultura griega y oriental. El resultado de esa
mezcla de culturas fue la cultura helenística, que se desarrolló
entre la muerte de Alejandro Magno y la conquista romana. Mo-
narcas y clases dirigentes, enriquecidos por el comercio entre los
reinos, impulsaron el mecenazgo como propaganda de su poder,
al tiempo que decayeron los encargos públicos.

La diversificación de la clientela privada favoreció la coexis-

Apoxiomenos. Museos Vaticanos tencia de diversas corrientes estilísticas: por una lado los encar-
(MC.G.CH) gos cortesanos, recargados y monumentales, por otro los de la
aristocracia griega, apegados al clasicismo y la idealización, fi-
nalmente los de la burguesía, más naturalistas y desenfadados.
Esta última corriente fue la más significativa y novedosa, pues
supuso la superación de la estética idealista del arte griego teo-
rizada por Platón, y el interés por una estética naturalista. El prin-
cipal teorizador de estas nuevas ideas fue el filósofo Aristóteles,
que en su Poética afirmó que el arte debía imitar la naturaleza.
Esta evolución ya se aprecia, como vimos, en las obras del siglo
IV a.C.

Las características principales de la escultura helenística

son:

■■ El predominio de las obras naturalistas, que coexisten

con otras idealizadas de influencia clasicista.

■■ El interés por nuevos temas apenas tratados anterior-

mente, como las escenas de la vida cotidiana, la niñez y la
vejez, lo feo y lo deforme, escenas sensuales y amorosas, la
diosa Afrodita, etc.

■■ Los retratos son naturalistas y reproducen fielmente

los rasgos físicos y la psicología del retratado, sin ennoblecer-
los. Hay muchos ejemplos, como el Homero ciego o el Pseu-
doséneca. Influyeron en el retrato romano.

■■ La representación del dramatismo, el movimiento y la

búsqueda de la expresividad. En los relieves se emplea la
perspectiva, tallando los distintos personajes en planos de
distinto volumen para sugerir la tercera dimensión.
Las principales escuelas del periodo helenístico son las de
Pérgamo, Rodas, Alejandría y Atenas.

Escuela de Pérgamo
Destacan en ella los encargos de los gobernantes de este

45
Unidad 1 Grecia

reino entre los siglos III y II a.C., que conmemoran sus victorias
sobre los gálatas (celtas).

El Gálata moribundo nos muestra un guerrero desnudo caído

en el suelo, en diagonal, que agoniza herido de muerte con ges-
to de dolor pero sin perder la dignidad; el Gálata suicidándose
aborda con dramatismo el tema de la muerte y la valentía del
guerrero, que se da muerte mientras sujeta el cuerpo inerte de
su mujer.

El Altar de Pérgamo con el tema de la Gigantomaquia en su

zócalo, la lucha de los dioses contra los gigantes; es una compo-
sición muy recargada (por la conocida tendencia del horror vacui)
donde prima el movimiento y el dramatismo; las poderosas mus-
culaturas de los personajes producen un fuerte contraste de luz
y sombra que los acentúa. Las escenas son una metáfora de las
guerras de los griegos contra los bárbaros, entendidas como el
enfrentamiento entre la razón y la barbarie.

Escuela de Rodas
Galo moribundo, (Wikimedia Destaca esta escuela por sus composiciones dramáticas y
Commons)
recargadas. Así, el grupo de Laoconte y sus hijos, esculpido por
Agesandro, Polidoro y Atenodoro en el siglo I a.C., reproduce un
episodio de la Guerra de Troya en el que el sacerdote troyano y
sus hijos son muertos por dos serpientes enviadas por Atenea,
por alertar a los suyos para que no introdujeran en la ciudad el
caballo regalado por los griegos. La obra tiene una composición
diagonal que refuerza el movimiento, el dramatismo de los cuer-
pos tensos y los gestos de dolor de los personajes. Los cuerpos
musculosos e idealizados tienen un fuerte contraste de luces y
sombras, acentuado por los cabellos y barba de Laoconte, rea-
Detalle del Altar de Pérgamo. lizados con la técnica del trépano (con incisiones pequeñas y
(INTEF) profundas).

El grupo del Toro Farnesio (siglo II a.C.) se inspira en una tra-

gedia de Eurípides.

Es una recargada composición piramidal, que representa el

momento en que los hijos de Antíope atan a Dirce a un toro en
venganza por el ultraje de esta a su madre; es una obra diná-
mica, aunque los rostros no tienen expresión dramática, por in-
fluencia clásica

La Victoria de Samotracia (siglo II a.C.) se atribuye a Pitócritos

de Rodas; conmemora una victoria naval y representa a la diosa,
vestida con el jitón y el himatión, andando sobre la proa de un
barco. Destaca el naturalismo de los pliegues de los paños, que
Laoconte y sus hijos. Museos Vati- se pegan al cuerpo por efecto del viento (técnica de los paños
canos, Roma (M.C.G.CH) mojados), así como la minuciosidad y el detallismo de las plumas
de las alas.

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Unidad 1 Grecia

Escuela de Alejandría
A ella pertenecen obras como la Enana bailando, dinámica
figura de una mujer deforme, o la Alegoría del Nilo (siglo III a.C.);
esta última representa al famoso río de Egipto como un anciano
recostado del que surge la vida y la abundancia, simbolizadas
por el agua, la vegetación, los animales y los innumerables niños
que lo rodean.

Toro Farnesio. (Wikimedia Com- Escuela de Atena

mons)
Tiene marcadas influencias de Praxíteles y Scopas. El Niño
de la espina es una representación naturalista de un niño sen-
tado, con anatomía sin idealizar, en una escena cotidiana como
es arrancarse una espina del pie. El Torso de Belvedere posee
una marcada musculatura que recrea poderosos y dramáticos
efectos de luz y sombra.

La Venus de Milo (siglo II a.C.) está inspirada

en la venus de Praxíteles; es de grandes dimen-
siones y representa el ideal de belleza femeni-
no, destacan los contrastes de luces y sombras
de los paños, el torso descubierto pero de la
cintura para abajo está vestida diferenciación
táctil, el paño da volumen y es rugoso, contras-
ta con la suavidad del desnudo. La curva praxi-
télica, triunfo de la línea curva, es una prolon-
Victoria de Samotracia (Wikime- gación, una línea S. Tiene un carácter inestable
dia Commons) no tiene contraposto, es el manto el que le hace
de soporte. Sus contornos difuminados, que le
Cidead.jpg Venus
dan sensualidad. Es una de las más famosas de Milo, Museo del
representaciones de la diosa Afrodita Louvre, Paris (Wi-
kimedia Commons)

No hay referencia de los brazos pero lo más

probable es que los tuviera cruzados o tal vez ni
siquiera los llegó a tener nunca.

Torso Belvedere. Museo Pio

Clementino. Roma (Wikimedia
Commons)

47
Unidad 1 Grecia

ACTIVIDADES

16. ¿Qué es un kurós?

17. Realiza un cuadro cronológico de los periodos de la escultura griega.
18. Define brevemente los siguientes términos, nombres y conceptos: Fidias, canon, contraposto,
esfumado praxitélico.
19. Cita cuatro ejemplos de escultores griegos e indica una obra representativa de cada uno.
20. Analiza brevemente la Victoria de Samotracia.

RECUERDA

●● La evolución estilística de la escultura fue notable y dependió de los cambios socio-

económicos, políticos e ideológicos del mundo griego.
●● La escultura arcaica tuvo unos convencionalismos de influencia egipcia y oriental.
Los kuroi y las korai fueron sus ejemplos principales.
●● La transición al clasicismo significó, durante el siglo V a.C., una evolución a una es-
cultura más naturalista, aunque idealizada. Surgió un modelo de belleza masculina que se
mantuvo en los siglos posteriores.
●● La escultura clásica de los siglos V y IV a.C. supuso la síntesis y el equilibrio entre
naturalismo y belleza ideal. Escultores como Policleto, Fidias, Praxíteles o Lisipo encarnaron
la etapa de esplendor de la estatuaria griega.
●● La escultura de los reinos helenísticos tuvo una orientación más naturalista, que se
plasmó en la representación del dramatismo y el movimiento, el gusto por nuevos temas
como la niñez, la vejez, las escenas de género o el retrato.

48
Unidad 1 Grecia

2.4. Pintura y cerámica

No hay restos de la pintura griega y solo a través de las fuen-
tes literarias, la cerámica o las copias romanas podemos hacer-
nos una idea de lo que fue; su influencia en la pintura romana es
considerable. Existió tanto pintura de caballete como mural, y se
usaron distintas técnicas como el fresco, el temple o la encáus-
tica (pintura en que los colores se disuelven en cera fundida).

Del siglo V a.C. destacó Polignoto, con expresivas pinturas

murales como la Conquista de Troya o la Visita al Hades, ambas
en el santuario de Delfos. Se cree que este autor ya utilizaba el
claroscuro en sus composiciones. Otros pintores de este siglo
fueron Parrasio y Zeuxis, con temas dramáticos y uso del esfu-
mado o difuminado de los contornos. Del siglo IV a.C. son Deme-
trio, pintor de paisajes y bodegones y Apeles, cuya obra Alejandro
vencedor de Darío conocemos gracias a un mosaico romano.

La cerámica fue una de las artes aplicadas más importantes

en el mundo griego, y se difundió por todo el Mediterráneo gra-
cias al comercio. Su tipología era variada: cráteras para mezclar
agua y vino, oinochoe para servir el vino, kylix, rhyton, skyphos, y
kantharos para beber, hydrias para contener agua, stamnos para
conservar el vino, ánforas para conservar sólidos y líquidos, ala-
bastron para contener perfumes, pyxis o joyeros, lekythos para
contener aceites y pomadas de uso funerario, etc.

Los temas decorativos eran variados y se pintaban sobre la

arcilla; abundan los motivos geométricos, figuras de animales
reales y fantásticos, escenas mitológicas, literarias, cotidianas,
deportivas, etc.

Existieron distintos estilos en la decoración cerámica:

■■ Estilo protogeométrico (1050-900 a.C.), de influen-

cia micénica, a base de círculos concéntricos, semicírculos
y otras formas geométricas, líneas rectas y onduladas, etc.,
pintadas de color oscuro sobre la arcilla.

■■ Estilo geométrico (900-700 a.C.), caracterizado por su

decoración de motivos geométricos, animales y figuras huma-
nas esquemáticas, distribuidos en bandas horizontales. Tiene
influencia oriental, con motivos de color oscuro sobre fondo
claro. Destaca la cerámica de Dypilon (Atenas).

■■ Estilo orientalizante (750-600 a.C.), en el que destaca

la cerámica de Corinto, decorada con animales fantásticos y
motivos vegetales en bandas horizontales. Se pintaba con va-
rios colores (negro, rojo, blanco) sobre fondo claro. Están muy
recargadas (horror vacui) y se inspiran en las telas orientales.
Posteriormente también se pintaron motivos mitológicos.

49
Unidad 1 Grecia

■■ Estilos áticos (675-400 a.C.); se caracterizan por sus

tema narrativos, generalmente mitológicos, y por la tendencia
a pintar pocas figuras de gran tamaño, dejando el fondo libre.
Entre los años 675 y 500 a.C. floreció la cerámica de figuras
negras sobre fondo rojo y entre los años 530 y 400 a.C. la de
figuras rojas sobre fondo negro, donde se aprecia un mayor
naturalismo.
Tras la guerra del Peloponeso, Atenas perdió su hegemonía
comercial y fueron las colonias del sur de Italia las que inunda-
ron el mercado con sus vasos. Durante los reinos helenísticos
la influencia oriental aumentó, y aparecieron junto a los temas
Vaso ático de figuras rojas sobre mitológicos, cotidianos, galantes, etc., otros motivos vegetales y
fondo negro (Wikimedia Com-
mons)
florales.

Lectura

El arte griego en España

Colonizadores griegos llegaron a la península ibérica des-

de el siglo VIII a.C., buscando metales y mercados para sus
productos. Comerciaron con el reino de Tartessos primero
y luego con los pueblos ibéricos. Rivalizaron con fenicios y
cartagineses y fundaron sus principales colonias en la costa
oriental de España, donde destacaron las ciudades de Am-
purias y Rosas (ambas en Girona). Su mayor actividad co-
mercial coincidió con el apogeo de la cultura ibérica, en el
siglo V a.C.

Los griegos introdujeron su moneda y difundieron su ce-

rámica, que era objeto de lujo entre la aristocracia ibérica,
usada como ajuar en las tumbas. Entre las obras griegas en
España podemos destacar la ciudad de Ampurias, de planta
hipodámica, amurallada, con varios templos; en artes plásti-
cas destacan en ella las esculturas de Esculapio y la Cabeza
de Afrodita, ambas de mármol.

La escultura ibérica recogió influencias griegas y orien-

tales, como se aprecia en las figuras humanas talladas en
piedra de la Dama de Elche, la Dama de Baza, etc., o en
las figuras de animales, realizadas entre los siglos V y IV a.C.

50
Unidad 1 Grecia

ACTIVIDADES

21. ¿Existió la pintura en el arte griego? Razona la respuesta.

22. Indica los diferentes estilos de la cerámica griega.

23. Explica las principales características de la cerámica de estilo geométrico.

RECUERDA

●● La pintura tuvo en Grecia un considerable desarrollo e influyó en la romana.

●● El auge de la producción cerámica griega fue debido a que se exportó por todo el Medi-
terráneo.

●● Existió una gran variedad de vasos griegos, según la función para la que se destinaban.

●● La evolución estilística de la cerámica griega puede resumirse así: estilo protogeométrico

y geométrico, estilo corintio, estilos áticos (figuras negras sobre fondo rojo y figuras rojas sobre
fondo negro) y cerámica helenística.

●● La temática decorativa de la cerámica fue muy variada: figuras geométricas, animales y

motivos vegetales, figuras humanas, temas mitológicos y cotidianos, etc.

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Aviso legal
Los contenidos de esta unidad son una adaptación del libro de Historia del arte para Bachillerato
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Ángel González Uceta .

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