Aisthesis

ISSN: 0568-3939
aisthesi@puc.cl
Pontificia Universidad Católica de Chile
Chile

Donoso Macaya, Ángeles

Arte, documento y fotografía: prolegómenos para una reformulación del campo fotográfico en Chile
(1977-1998)
Aisthesis, núm. 52, diciembre, 2012, pp. 407-424
Pontificia Universidad Católica de Chile
Santiago, Chile

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AISTHESIS Nº 52 (2012): 407-424 • ISSN 0568- 3939
© Instituto de Estética - Pontificia Universidad Católica de Chile

Arte, documento y fotografía: prolegómenos

para una reformulación del campo fotográfico
en Chile (1977-1998)1

Art, Document and Photography: Prolegomena

for a reformulation of the Photography Field
in Chile (1977-1998)

Ángeles Donoso Macaya

SUNY New Paltz, Estados Unidos
donosoa@newpaltz.edu

Resumen · Este artículo aborda los espacios discursivos de la fotografía en Chile en el

período de la Dictadura y la Transición. A partir de algunos planteamientos de Régis
Durand, Rosalind Krauss y Jacques Rancière, se sugiere la necesidad de redefinir
«lo fotográfico» para, primero, poder repensar la división que se da en las prácticas
fotográficas del período en relación a los usos y valores asignados a la fotografía
«documental» y la fotografía «creativa» y, segundo, reflexionar sobre la irrupción
del aparato fotográfico dentro del territorio de las artes visuales y de la crítica.
Palabras clave: fotografía documental y experimentalismo, campo fotográfico, memo-
ria y representación visual, Mario Fonseca, Asociación de Fotógrafos Independientes.

Abstract · This article explores the discursive spaces of photography in Chile from
the mid seventies until the mid nineties. Departing from notions developed by Régis
Durand, Rosalind Krauss, and Jacques Rancière, it argues that it is necessary to rede-
fine «the photographic» in order to, first, be able to rethink the divisions, uses, and
values assigned to both «documentary» photography and «creative» photography,
and second, reflect upon the irruption of the photographic apparatus into the spaces
of the visual arts and of academic criticism from this period.
Keywords: Documentary Photography and Experimentalism, Photographic Field,
Memory and Visual Representation, Mario Fonseca, AFI.

1
El siguiente artículo forma parte de una investigación en curso financiada por el FONDART 2012 en
el área Investigación y Actividades Formativas (Folio 13991), titulada «Memoria fotográfica: estéticas
y políticas de la representación en Chile, 1980-1990».

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Hay que saber mirar en las imágenes aquello de lo que ellas son sobrevivientes.
Para que así la historia, liberada del puro pasado (ese absoluto,
esa abstracción) nos ayude a abrir el presente del tiempo.
Didi-Huberman, Images Malgré Tout2.

La apertura de un espacio de exhibición dedicado exclusivamente a la fotografía es

uno de aquellos hitos que consolidan su estatus dentro de un campo cultural deter-
minado. En este sentido, la inauguración de la Galería AFA, en el año 2006, marca
un hito en el campo de la fotografía en Chile. La fotógrafa Andrea Jösch, curadora de
AFA 01 (la primera muestra realizada en la galería), celebra en su texto de presenta-
ción aquellas iniciativas (gestión de espacios, ventas, muestras, coleccionismo, crítica,
etc.) que «han ido configurando nuestra no historia de la fotografía chilena» (34)
y evoca los hitos de lo que ella denomina la «transición fotográfica [de] los últimos
18 años» (34), estableciendo una correlación entre la historia política del país y la
historia de la fotografía. Entre estas iniciativas, Jösch destaca el Día Nacional de la
Fotografía como «el punto preciso de este tan anhelado término de transición: el he-
cho de reconocer públicamente, luego de 17 años de espera, a nuestros antecesores de
la cámara» (36). Sin lugar a dudas, desde mediados de los años noventa el campo de
la fotografía se ha visto energizado y revalidado por iniciativas como las descritas por
Jösch: festivales, bienales y congresos internacionales, homenajes, muestras, apertura
de espacios y galerías. Cabe mencionar todavía otra veta (de carácter más meta o
autoreflexivo) de esta primavera fotográfica: en la última década, fotógrafos, artistas,
especialistas y académicos, así como diversas instituciones privadas y organismos
públicos, se han dedicado a fomentar la investigación, conservación y difusión de
la fotografía en Chile, a través de la publicación de catálogos, antologías, libros de
autor y estudios. En definitiva, tal como sugiere Jösch, ha sido posible atestiguar en
el nuevo milenio el interés cada vez más creciente por parte de fotógrafos, académi-
cos y críticos en reconstruir –o mejor dicho, construir– la historia del campo de la
fotografía y de la producción fotográfica nacional desde sus orígenes3.
2
Dice el original en francés: «Il faudrait savoir regarder dans les images ce dont elles sont les
survivantes. Pour que l’histoire, libérée du pur passé (cet absolu, cette abstraction), nous aide à
ouvrir le présent du temps» (226, el énfasis es original).
3
Ver, por ejemplo, Fotógrafos en Chile durante el siglo xix (2001) y el recientemente aparecido
Fotógrafos en Chile 1900-1950 (2012), ambos de Hernán Rodríguez Villegas y editados por el
Centro Nacional del Patrimonio Fotográfico. Sobre el período que me atañe directamente (desde
fines de los setenta hasta mediados de los noventa), se han publicado varios libros de fotografía,
entre ellos Fragmento fotográfico y Marcas crónicas, de Kena Lorenzini; Irredimible de Marcelo
(y Christián) Montecino; Álvaro Hoppe: el ojo en la historia y Luis Navarro: la potencia de la
memoria, ambos a cargo de Gonzalo Leiva Quijada; además de los estudios AFI: Multitudes en
sombra y «Fotografía y conflicto en el campo expandido de la estética dictatorial chilena (1981-
1989)» (del mismo Leiva), ¿Quién es el autor de esto? Fotografía y performance y Yo, Fotografía
de Rita Ferrer; Fotografía o la cotidiana finta de la experiencia, editado por José Pablo Concha; y el
número especial de Aisthesis dedicado a la fotografía en 2005. La sección sobre fotografía de www.
memoriachilena.cl también ha jugado un importante rol, así como el Área de Fotografía del CNCA,
creada en el 2005.
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En contraste al prometedor panorama que se delinea en intervenciones como

la de Jösch –así como en tantos otros catálogos, libros, revistas y presentaciones de
fotografía en esta última década–, los años setenta y ochenta parecen marcados por
una ambivalencia discursiva que se mueve entre dos extremos: por un lado, voces
que celebran el relativo renacer o despertar de la actividad fotográfica a inicios de los
ochenta; por otro, discursos que dan cuenta de una sentida precariedad en la que se
habría desarrollado la fotografía en Chile durante todo ese periodo4. Este afecto de
precariedad se hace manifiesto, por ejemplo, en el conocido texto que acompañara
la selección fotográfica de la exposición Chile Vive, realizada en Madrid en 1987.
En las primeras líneas, Mario Fonseca anuncia, tajante: «No hay historia, no hay
crítica, no hay mercado. Hacer la fotografía en Chile es hoy una aventura, como
también lo es escribir este texto» («A propósito de la fotografía» 33)5. Paradójica-
mente, un estudio detenido de los discursos y prácticas de la época revela un campo
de una complejidad y riqueza extremas que difiere bastante del paisaje que pintara
Fonseca en su texto. El sentimiento de que asistimos al despertar, o reemergencia de
la fotografía, se hace palpable en el tono de urgencia de muchos de estos discursos.
Así, por ejemplo, en el Primer Anuario Fotográfico Chileno, publicado en 1981 por
la Agrupación Cultural Puliwen-Antu, los editores anuncian:

Hemos visto, a partir de 1980, un despertar en el quehacer fotográfico de nuestro

país. Se han dado a conocer nuevos nombres y nuevas búsquedas. Nos parece que
esta generación, la generación del 70, se muestra fortalecida, equilibrada […] En este
momento resulta ineludible canalizar un movimiento que ya es visible. Debemos
hacerlo palpable (s/p).

Ideas como las manifestadas en este Primer Anuario no invalidan la aseveración

de Fonseca, al contrario: la tensión y la urgencia presentes en los distintos discursos
son los que nos invita a estudiar el aparato sobre el que se sostiene aquella sentida
precariedad, la cual se percibe, sobre todo, en el discurso de los mismos fotógrafos.
El siguiente estudio tiene como objetivo, entonces, indagar críticamente en los
espacios discursivos de la fotografía en el período que va desde mediados de los años
setenta hasta mediados de los años noventa. Con espacios discursivos me refiero a
los espacios de difusión, debate y crítica, así como a las prácticas y los discursos de
fotógrafos, artistas visuales y críticos. Este período resulta particularmente signifi-
cativo por varias razones. En primer lugar, a fines de los años setenta irrumpe con
mucha fuerza el experimentalismo en las artes visuales, y el documento fotográfico
adquiere una relevancia sin precedentes en las prácticas de artistas visuales y en el

4
Digo «sentida» en cuanto la precariedad da más cuenta de una «estructura de sentimiento» derivada
de ciertas posiciones teóricas conscientes e inconscientes que de una real precariedad del campo en
cuanto a circulación y producción.
5
Vale la pena mencionar que, con motivo de AFA01, Fonseca ofrece una revisión de su ensayo de
1986 a la luz del panorama actual. El ensayo se titula, notoriamente, «Chile (sobre) vive: Fotografía
en Chile 1986-2006» y aparece publicado en el catálogo de la exposición.
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discurso de críticos de arte y académicos6. Dos referencias casi obligatorias en este

contexto son Márgenes e instituciones: arte en Chile desde 1973 (1986), de Nelly
Richard, y Del espacio de acá: señales para una mirada americana (1980), de Ronald
Kay. Como se verá, perspectivas como las de Richard o Kay piensan la fotografía
casi exclusivamente a partir de su relación con el arte, más específicamente, a partir
de «la introducción del referente fotográfico en el arte chileno» (Richard, Márgenes
44)7. De hecho, Richard destaca los trabajos «más reflexivos» –en especial los de
Eugenio Dittborn– en tanto «se preocuparon especialmente de deconstruir [el] mito
de objetividad fotográfica basado en la ilusión referencial de una transparencia del
sentido que naturaliza el mensaje» (Márgenes 44). En segundo lugar, la fotografía
documental se profesionaliza y se institucionaliza a través de la fundación de la
Asociación de Fotógrafos Independientes (AFI) en 1981; este grupo de fotógrafos,
además de su trabajo en distintos medios de prensa, gestiona una serie de iniciativas
(exposiciones colectivas, talleres, cooperativas) y funda la revista Punto de Vista,
que se convierte en el primer canal de difusión de eventos, debates y estudios en
torno al campo fotográfico, editado por fotógrafos profesionales. En tercer lugar,
la aparición de revistas tales como Apsi, Hoy, Análisis y CAL, desde fines de los
años setenta, y luego Cauce, La Bicicleta y el diario La Época (para nombrar solo
algunas publicaciones), las cuales, si bien abordan temáticas distintas, ponen en
circulación las fotografías «no oficiales» tomadas por muchos de estos fotógrafos,
evidenciando, además, el tremendo potencial político de la imagen mediática8. Así,
en medio de una contingencia histórica que provoca distintas posturas, respuestas
y teorizaciones, surgen diversas voces que piensan los espacios y los límites del arte
y la fotografía, y su relación con la política, la sociedad y la cultura.
Como se trata de un periodo que recorre gran parte de la Dictadura y el periodo
de la Transición, he organizado mi investigación en torno a tres momentos, que co-
rresponden a un conjunto de hechos o hitos que infieren en el campo fotográfico. El
primer momento (1976-1977) coincide con la aparición de las revistas Apsi (1976),
Hoy y Análisis (1977), y con las exposiciones Nueve relaciones inscritas en el paisaje
urbano (1977) de Carlos Altamirano y Fotografía: Sn. Diego esq. Tarapacá, vista:
norte-sur, 23 agosto 1977, 12.30 hrs. (1977) de Francisco Smythe. El segundo momento

6
Por ejemplo, en el editorial número 4 de 1979 de la revista CAL, se lee: «Publicamos la traducción de
parte del ensayo de Susan Sontag On Photography introducido por Adriana Valdés, como estímulo
al necesario desarrollo de una reflexión acerca de la fotografía, cuyo uso es hoy generalizado en
el arte chileno; dedicamos también espacio a la reproducción de trabajos de fotógrafos chilenos
(Villaseca en el número anterior, Paz Errázuriz en el actual) como contribución a la difusión de la
expresión fotográfica» (2).
7
En Márgenes e instituciones, Richard argumenta que la preocupación por el medio fotográfico,
demostrada tanto en las obras como en la discusión crítica de la «avanzada», «desplaza» y
«reemplaza» a la preocupación que antes manifestaba el grabado (41).
8
Esto se hace patente luego del Bando 19 del Ministerio de Defensa de Chile, el cual aparece en 1984
y consiste en la prohibición de la inclusión de imágenes en revistas y periódicos de oposición (APSI,
Análisis, Cauce, Fortín Mapocho). Esto impulsó a revistas como Cauce a responder de manera
creativa y crítica. Una lectura clave al abordar este tema es la respuesta de Enrique Lihn publicada
en sus Notas de arte, «Sobre la fotografía: el reportaje gráfico y las fotos censuradas».
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corresponde a un período más extenso (desde 1981 a 1988), el cual se inicia con la
fundación de la Asociación de Fotógrafos Independientes (AFI) y la inauguración de
la revista Punto de Vista en 1981, e incluye varias iniciativas y exposiciones colectivas,
entre ellas, Calle San Diego (1982), Acá y allá, Ahora Chile y Artes e industrias de
la sobrevivencia (realizadas en 1983), Colectivo AFI (1984), 13 fotógrafos (1986),
Somos +, Colectivo AFI y Chile Vive (realizadas en 1987), las publicaciones de dos
anuarios (el Primer Anuario de Fotografía Chilena en 1981 y el Segundo Anuario de
Fotografía Chilena en 1982) y Ediciones económicas de la fotografía chilena (1983).
El tercer momento (1996-1998), corresponde a tres exposiciones realizadas en el Mu-
seo de Bellas Artes: en 1996, Los límites de la fotografía, curada por André Rouillé y
la retrospectiva de Mario Fonseca, Fotografías c. 1986-1995, y en 1998, Fotografía:
Intervenciones, Cruces y Desvíos, curada por Enrique Zamudio.
Estos tres momentos, entonces, se componen de una serie de hitos o hechos
que van a conformar la base de las plataformas discursivas de esta investigación. En
una primera etapa, la tarea ha sido trazar, desde la teoría, ciertos lineamientos que
me permitan replantear, por un lado, la división que se da en las mismas prácticas
fotográficas del período en relación a los usos y valores asignados a la fotografía do-
cumental y la fotografía artística, y, por otro, la irrupción del documento fotográfico
y del aparato fotográfico dentro del territorio de las artes visuales y de la crítica. Es
decir, cuestiones que tienen que ver con la autonomización de la fotografía (Durand
15), la cual –y aquí agregamos algo al modelo de Durand– se refiere no solo a la
autonomía de la fotografía llamada «creativa» o «puramente artística» en relación
a sus «funciones tradicionales (reportaje, documentación, publicidad, etc.)» (15),
sino que también al desplazamiento del valor de documento del reportaje gráfico y
su revaloración (añadida) como objeto estético, lo que se aprecia en el caso de fotó-
grafos como Álvaro Hoppe, Kena Lorenzini, Paz Errázuriz o Marcelo Montecino,
entre otros. En definitiva, más que de un problema relativo a los «límites» del campo
artístico y de la fotografía en función al campo del arte, mi planteamiento es que se
trata de un problema del campo de la fotografía y de los límites y desplazamientos
de la noción de lo documental en este campo.
Para analizar el campo de la fotografía en el Chile de la Dictadura y la Transi-
ción, entonces, se vuelve fundamental examinar el fenómeno de lo fotográfico y su
lenguaje específico. Con «lo fotográfico» me refiero tanto al conjunto de prácticas
fotográficas como a los discursos sobre éstas, a las oposiciones entre fotografía artís-
tica y documental, a los desplazamientos del documento fotográfico en el campo del
arte y a las teorizaciones que a partir de la fotografía se dan de la imagen mediática.
El fenómeno de lo fotográfico circunda y pone en relación todas estas cuestiones.
En palabras de Philippe Dubois, lo fotográfico es una categoría «fundamentalmente
epistémica […] que da paso a una relación específica con los signos, el tiempo, el
espacio, lo real, el sujeto, con el ser y el hacer» (54). Esta noción de lo fotográfico no
nos reenvía tanto a la (s) fotografía (s) como objeto (s) de estudio, sino que más bien
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abre el campo de los estudios visuales a las relaciones entre medios de comunicación,
artes visuales, fotografía «documental» y/o «artística», estética y política, a partir
del fenómeno fotográfico y de los espacios discursivos ocupados por la fotografía.
La noción de «lo fotográfico» es pensada como categoría teórica por primera vez
en una serie de ensayos escritos por Rosalind Krauss reunidos en Le Photographique:
pour un Théorie des Écarts [Lo fotográfico: por una teoría de los desplazamientos].
A partir de lecturas sobre los precursores del medio –Nadar, Talbot– y en diálogo
con las ideas planteadas por Walter Benjamin y Roland Barthes, Krauss propone dos
ideas fundamentales: primero, que la historia de la fotografía durante el siglo xix
no puede ser elaborada desde los parámetros de la historia del arte (esto es, desde
categorías como estilo, autor, obra, etc.), para lo cual se vuelve necesario identificar
los espacios discursivos de la fotografía en cada período; segundo, que la fotografía
como aparato modifica, a partir de Duchamp y el surrealismo, el campo del arte
(sus modos de producción, apreciación y crítica). Esta modificación no pasa por la
inclusión de la fotografía como material o herramienta dentro de la obra, sino que
por un desplazamiento total de la obra desde el modelo icónico al modelo indicial.
A partir de los años sesenta, sugiere Krauss, se da un cambio o una sustitución den-
tro del campo del arte, de las reglas de la iconicidad por las de indexación (en sus
palabras, Duchamp remplaza a Picasso). Este desplazamiento propone una nueva
interpretación del signo estético. Para Krauss, entonces, la cuestión no pasa por ha-
blar «sobre fotografía»9 –la autora repite en distintas ocasiones que la fotografía no
es su objeto de estudio–, sino sobre la naturaleza del índice y sobre las condiciones
indiciales en que la fotografía sumió al campo antiguamente cerrado del mundo del
arte (14). Para eso, Krauss utiliza lo fotográfico como objeto teórico. Según Krauss,
es la especificidad semiológica de la fotografía en tanto «índice» (más que como
«ícono») lo que permite transformarla en objeto teórico por medio del cual las obras
de arte puedan ser vistas en términos de su función como signo (13).
Si bien el modelo de Krauss puede resultar productivo para pensar en el campo
del arte, no resulta suficiente para pensar en el campo de la fotografía. El problema
reside, por un lado, en que la postulación de «lo fotográfico» como categoría teórica
le sirve a Krauss para hablar exclusivamente sobre el campo del arte; por otro, Krauss
destaca o prioriza la naturaleza indicial o indexical del signo fotográfico, dejando de
lado su condición de símbolo. El signo fotográfico es, en todo momento, un signo
complejo: parte índice, parte ícono y parte símbolo, como sugiere José Pablo Concha
(La desmaterialización 37-8); complejidad que se hace manifiesta también en los
espacios discursivos de la fotografía. Por eso, si bien tomo como fundamento los

9
«Para [Barthes], la fotografía está constituida por el hecho bruto de su estatus como prueba, testigo
mudo sobre el cual ‘no hay nada que añadir’. En este preciso instante, cuando lo que le da valor
de prueba se esencializa, la fotografía cambia de estatus y se convierte en objeto teórico, es decir
en una especie de casillas o de filtro mediante el cual es posible organizar los datos de otro campo
que se halla con relación a él en una posición secundaria. La fotografía es el centro desde el cual se
puede explorar dicho campo, pero debido a esta posición central, la fotografía se convierte, de algún
modo, en una mancha ciega. Nada que decir, o al menos nada sobre la fotografía» (Krauss 14).
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planteamientos de Krauss y Dubois sobre lo fotográfico, lo hago sin limitar el signo

fotográfico a uno u otro aspecto semiológico, sino que considerándolo como signo
complejo. Esta reformulación de lo fotográfico es necesaria al estudiar el campo de
la fotografía en el período de la Dictadura y la Transición, ya que permite revisitar y
repensar un campo que se delineó a partir de ciertas oposiciones, contradicciones y
cruces, las cuales tienen que ver, muchas veces, con distintas formulaciones del signo
fotográfico como huella o como artificio, como traza o como símbolo.
Una de las oposiciones que se articula en el campo discursivo de la fotografía
en esta época es la oposición entre el modo de hacer documental de la fotografía y
el uso «experimental» del documento fotográfico en el campo de las artes visuales;
otra oposición, esta vez dentro del mismo campo de la fotografía, es la que se delinea
entre la fotografía de registro documental y la fotografía creativa o artística. Ambas
oposiciones tienen que ver con un cierto modo de comprensión de «lo documental»
y de la cualidad indicial del signo fotográfico. Una consecuencia fundamental de esta
formulación es que la fotografía «creativa» y aquella realizada o utilizada dentro del
campo de las artes visuales tiende a ser privilegiada, en el discurso crítico-académico,
en desmedro de la fotografía documental, entre otras razones, porque la fotografía
documental es apreciada casi exclusivamente en relación a su referente (su valor
informacional predomina por sobre cualquier otro valor). Como se verá en el Apar-
tado I, la posición marginal de la fotografía documental en relación al campo del
arte y en relación al discurso académico sigue imperando hacia fines de los noventa.
Pese a que el debate de si la fotografía es arte o no parece ser «tan viejo como
la fotografía misma» (Durand 15), el hecho de que aparezca en distintos momen-
tos y bajo distintas ópticas lleva a Durand a sugerir que es «parte integrante de
la historia de la fotografía» (15). Y es que la imagen fotográfica, según Durand,
parece estar constantemente «en un estatuto indecidible: ni significante ni insig-
nificante […] ni índice ni icono […] Ese carácter indecidible contribuye […] a la
fascinación que ejerce y explica la riqueza de los usos a los que se presta en la
creación contemporánea» (15). Examinar el fenómeno de lo fotográfico, entonces,
nos permite productivizar esta indecidibilidad de la fotografía, dentro y fuera del
ámbito de la creación artística: indecidibilidad presente en la tensión inherente
a la imagen fotográfica, la cual se manifestaría en la capacidad que tienen las
fotografías de decir o no decir, de producir semblanzas o discrepancias entre lo
visto y lo no visto, lo dicho y lo no dicho; indecidibilidad manifiesta también en la
oposición entre fotografía artística y fotografía documental, en los desplazamientos
del documento fotográfico desde los medios de prensa y el archivo hacia las artes
visuales, así como en los debates en torno a la imagen de registro documental en
tanto imagen mediática. Esta indecidibilidad se hace patente también, por cierto,
en el complejo entramado de discursos que aborda el fenómeno fotográfico a lo
largo de este período.
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I. LA FOTOGRAFÍA ANTE EL MUSEO: PRÁCTICAS Y DISCURSOS

En el año 1996, se realizan en el Museo Nacional de Bellas Artes dos exposiciones

que, en el contexto de esta investigación, resultan paradigmáticas. La primera es la
exposición titulada Los límites de la fotografía, curada por André Rouillé, en la cual
se exhibieron obras de artistas chilenos, argentinos y franceses. Entre los chilenos
se encontraban los artistas visuales Gonzalo Díaz, Alfredo Jaar, Eduardo Vilches,
Alicia Villareal y Enrique Zamudio. La curatoría de Rouillé pone el énfasis en artistas
visuales que aluden al lenguaje fotográfico desde variadas plataformas (video arte,
instalación) o que usan el medio fotográfico para pensar, entre otras cosas, en la
artificialidad de la obra y en la relación entre presentación y representación o en las
ideologías de la mirada. A pesar de que el título de la exhibición nos invita a pensar
en cuestiones relativas al campo de la fotografía o, al menos, en aquellos límites y
condiciones que tendrían que ver con el aparato fotográfico, uno puede plantear
que no es la fotografía per se, sino el advenimiento de lo fotográfico como material
artístico y teórico aquello que el proyecto curatorial de Rouillé intenta destacar. Si
bien las obras de los artistas congregados plantean cuestiones del todo relevantes en
torno al fenómeno fotográfico y su inferencia en el campo de las artes visuales, en la
introducción del catálogo de la exposición Rouillé plantea una separación bastante
tajante y simple entre lo que reconoce como fotografía artística o «postfotografía»
y fotografía «útil» (emparentada aquí con la tradición documental), la cual queda,
en este contexto, fuera del espacio del Museo. Dice Rouillé:

El proceso por el cual la fotografía ha pasado de ser útil a convertirse en un material

del arte contemporáneo corresponde a lo que yo he llamado «postfotografía» […] Este
pasaje del útil al material […] es lo que opera una ruptura decisiva entre la tradición
documental y su opuesto: la fotografía artística; es lo que separa a los artistas que son
fotógrafos a un tiempo de los fotógrafos-artistas (5).

El catálogo de esta exposición incluye un recuento del panorama chileno a cargo

de Nelly Richard. En este recuento histórico-crítico, la autora intenta explicar por
qué es la obra de artistas visuales –y no la de fotógrafos– la que se congrega en esta
exposición: «A diferencia de lo ocurrido en [el] campo de las artes visuales [Richard
está hablando aquí del período de la Dictadura], la falta de vinculaciones entre la
red de la fotografía personal y otros circuitos de reflexión crítico-cultural sobre la
imagen influyó para que las prácticas de los fotógrafos chilenos tendieran a perma-
necer alejadas de todo entrecruzamiento de soportes y técnicas» («Bordes, límites»
7). Pero aquellos fotógrafos supuestamente desvinculados de estos «circuitos de
reflexión crítico-cultural» que Richard menciona realizan una cantidad considerable
de exhibiciones colectivas y eventos en espacios como el Instituto Chileno-Francés,
la sala Arturo Edwards del Instituto Chileno Británico, la sala El túnel del Instituto
Chileno Norteamericano, el Instituto Goethe, todos espacios de gran circulación, es
más, son los puntos neurálgicos de la actividad cultural a lo largo de la década de
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los ochenta y noventa. Es decir, los fotógrafos no estaban tan desconectados como
sugiere Richard. Lo anterior refleja una clara división del campo y explica, en parte,
el hecho de que se lo describa como precario y hostil, como se verá a continuación.
La segunda exposición es precisamente la retrospectiva del artista visual y fo-
tógrafo Mario Fonseca (Fotografías c. 1986-1995). Fonseca fue uno de los gestores,
por así decirlo, de la escena de las artes visuales en la década de los ochenta: organizó
exhibiciones, abrió galerías y contribuyó en la publicación de libros y catálogos de
varios autores y artistas, entre ellos los de Ronald Kay, Paz Errázuriz, Eugenio Ditt-
born, Raúl Zurita, el grupo CADA, Lotty Rosenfeld, Gonzalo Díaz y Alfredo Jaar.
Sin embargo, como artista visual la posición de Fonseca fue más bien marginal –en
una entrevista reciente confiesa que «[sintió] que [le habían dado] el espacio [de la
Galería Sur en 1982] por compromiso, por la ayuda que [él] venía dando a la movida
en aquella época» («Habeas Corpus» s/p)10–. En el catálogo, Justo Pastor Mellado
se refiere en extenso a la trayectoria fotográfica de Fonseca. Lo más notable, sin
embargo, es un pasaje en el que destaca la continua labor de Fonseca en el campo
de la fotografía en Chile a lo largo de los ochenta, reparando,en el mismo pasaje,
en que críticos como Richard y Kay:

se plantean como críticos de artes visuales y abordan el campo fotográfico desde

plataformas discursivas respecto de las cuales las obras consideradas aparecen como
complejos síndromes ilustrativos […] el objeto no es la fotografía en términos espe-
cíficos, sino la validación discursiva de las nociones de base puestas en operación por
estos autores […]. Aun así es curioso que en 1987 no sea [ni Richard ni Kay] quien
escriba sobre la situación del campo fotográfico chileno. En verdad, Fonseca es el
único que en ese momento reivindica la identidad discursiva autónoma para dicho
campo, declarando las dificultades conceptuales de esta constitución. Es lamentable
que no exista un corpus discursivo que reivindique la obra de Antonio Quintana,
Jorge Sauré, Sergio Larraín y muchos otros. No se trata de una constitución gremial,

10
En 1982, Fonseca realiza la exposición Habeas Corpus en la Galería Sur. En una entrevista concedida
a la revista online Escáner con motivo de la nueva exposición de Habeas Corpus en la Estación
Mapocho, Fonseca comenta: «La muestra original de Habeas Corpus no fue muy feliz para mí, se
escribieron textos sin firmar individualmente, casi sentí que me dieron el espacio por compromiso
por la ayuda que venía dando a la movida en aquella época (publicación de Del Espacio de Acá
expo Dávila en CAL, etc.), pero creo también que la potencia de mi cara tapada con un rectángulo
negro y la frase Habeas Corpus debajo, en pleno 1982, le resultó muy ‘complicada’ a la Escena de
Avanzada y Cía. Ltda. Algo así le pasó a Jaar con su muestra de 1979 en CAL y su participación en
los concursos de la época, él salió adelante con su carrera fuera de Chile, ya sabemos el resto […]
Lo que me movió a hacer esos trabajos entre 1979 y 1982. En síntesis, hay una doble metáfora que
se cruza: el recurso legal del habeas corpus–presentar el cuerpo– utilizado en aquel periodo, aunque
con pocos resultados, para exigir la presentación de las personas detenidas por la Dictadura, muchas
de las cuales simplemente desaparecían, y la demanda que me hago a mí mismo, conminándome
a dar la cara como artista autocensurado y autodesaparecido. A este cruce se sumó una tercera
‘metáfora’ impensada, que fue la censura y desaparición de mi persona como artista, por parte
del poder dictatorial de entonces ejercido por ciertas personas de la escena de avanzada, situación
que ha persistido hasta hoy sin ningún viso de reconocimiento de lo obrado ni reparación a tantos
artistas de la época, a pesar que ya van 20 años de democracia» (Fonseca, «Habeas Corpus» s/p).
Quizás, la retrospectiva de 1996 en el Bellas Artes pueda ser apreciada como un reconocimiento a
posteriori a su labor artística.
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sino patrimonial. Hay una imagen de la fotografía chilena que no ha sido ligada (s/p,
énfasis en el original).

Mellado se refiere aquí al texto que Fonseca escribiera como curador de la

selección de fotografías que formó parte de Chile Vive, citado en la introducción
de este artículo.
Al considerar Los límites de la fotografía y la retrospectiva de Fonseca en con-
junto, resulta notable la existencia de, al menos, dos tipos de discursividad en pugna
en torno a lo que se entiende o se percibe como «fotografía» en Chile. El balance de
Mellado apunta a la manera en que la fotografía es teorizada desde el campo de las
artes visuales en ese período. En gran parte de estos discursos se cruzan, por un lado,
la oposición entre fotografía artística y fotografía documental, y, por otro, debates
sobre la pertenencia de la fotografía dentro del campo de las artes visuales y sobre
la autonomía discursiva de la fotografía como lenguaje y como práctica. Rita Ferrer
destaca en este sentido el impacto que genera el fenómeno fotográfico en los discur-
sos que emergen al interior del campo de las artes visuales ya en los años setenta:

La reproducción mecánica de la imagen fotográfica y su consecuente valorización como

imagen precaria fueron detonantes para la producción de ciertos discursos sobre lo
fotográfico a fines de los años setenta en Chile. La reflexión en torno a la fotografía
alteró de un modo determinante el devenir, hasta ese momento más o menos tranquilo,
de las prácticas artísticas cuya estratificación de los géneros solo llegaba al grabado
numerado (25).

El complejo entramado de discursos que emerge hacia fines de esta década se

compone de voces que provienen de áreas diversas: teóricos y críticos de las artes
visuales como los ya mencionados Richard, Kay y Mellado; escritores como Enri-
que Lihn, académicos como Adriana Valdés o Claudia Donoso; fotógrafos como
Fonseca, Paz Errázuriz, Álvaro Hoppe, Claudio Pérez y Kena Lorenzini; periodistas
y aficionados. Estos discursos proponen ideas divergentes sobre lo que se entiende
o se percibe como «fotografía» en Chile. Algunas de estas voces (como el caso de
Fonseca) reparan en la falta de un lenguaje crítico y especializado que da cuenta del
fenómeno fotográfico de manera autónoma. Otras llegan a plantear la inexistencia
de una «historia de la fotografía» en Chile. Varios, sobre todo los fotógrafos pro-
fesionales, plantean desde muy temprano el lugar imposible de la fotografía dentro
del espacio de las artes visuales. Así, por ejemplo, se lee en una nota publicada en
1983 en Punto de Vista: «En fotografía […]no hay ni siquiera buenos comentaristas
‘oficiales’ y se toma en general un lenguaje prestado de la plástica. Nadie se interesa
realmente en el problema que plantea la fotografía, porque aún no se la acepta como
arte. Se la siente como un METETE, una AMENAZA que viene a desestabilizar
códigos y estructuras» (s/p, énfasis en el original). Al mismo tiempo, mientras fotó-
grafos y reporteros gráficos señalan la precariedad del medio en el que se desarrolla
ÁNGELES DONOSO MACAYA · Arte, documento y fotografía...
417

la fotografía, algunos críticos van a oponer el trabajo «de denuncia» o contingencia

realizado por estos individuos a las obras realizadas por «fotógrafos artistas»11.
Los distintos discursos develan asimismo el complejo estatuto de la imagen fo-
tográfica como mecanismo de mediación: y es que al tiempo que la imagen mediática
opera como aparato reproductor de la ideología oficialista –en periódicos, revistas y
en la televisión– también opera en sentido contrario, es decir, criticando el carácter
controlador, propagandístico, repetitivo y, por ende, anestésico de aquella imagen me-
diática12. Sin embargo, para algunos, incluso aquellas imágenes que intentan destrabar el
sentido terminan produciendo una «alienante visualidad previsible». Así lo va a sugerir
Lihn en 1985 en una de sus reseñas, sobre las cuales volveré en el próximo apartado:

Ha llegado a ser lamentablemente fácil captar imágenes truculentas de la batalla

desigual en que los oprimidos son metáforas del martirio y los opresores, emblemas
del terrorismo de Estado. La reiteración de visiones semejantes propaga el terror,
anestesiando, a la vez, la sensibilidad del público que puede habituarse, como al toque
de queda, a la violencia institucionalizada (458).

En estos términos va adquiriendo forma, en el Chile de los ochenta, la conocida

oposición entre fotografía documental (o reportaje gráfico) y fotografía artística o
estética, esta última más emparentada con las artes visuales y con propuestas teóricas
sobre lo fotográfico13.
Una de las consecuencias de esta oposición es que en la coyuntura de los años
ochenta, y en un intento por desligar las artes visuales y el debate teórico sobre la
llamada «Escena de Avanzada» de los discursos y prácticas de una izquierda más
tradicional y comprometida, cuya denuncia era, por así decirlo, más frontal, cierto
sector de la crítica académica ignora, o no sabe ver, por ejemplo, el significativo
aporte que hacen para instaurar un lenguaje fotográfico los fotógrafos de la AFI.
Fonseca es uno de los pocos que destaca la importante labor de la AFI, lo que se
hace manifiesto en su ensayo de presentación y, por supuesto, en la curatoría de
11
Esta distinción sigue operando en el modo en el que la crítica se refiere hoy a la fotografía del
período: «Las consideraciones sobre la fotografía chilena en el siglo xx tienen un capítulo destacado
en la década de los ochenta, donde fotografía de autor y fotografía de compromiso se imbrican,
articulan y coordinan una inédita renovación en los campos de la visualidad nacional» (Leiva
Quijada, Multitudes en sombras 15, énfasis agregado).
12
Richard, por ejemplo, destaca el hecho de que «la fotografía relaciona al artista con la tecnología
visual del entorno en medio del cual y con el cual compite la obra de arte, al ocupar las mismas
técnicas de procesamiento mediático que controlan las sociedades de masas. Al insertar la obra en
la red comunicacional de los mensajes de prensa, el recurso crítico-social de la fotografía patentiza
la materialidad informativa de la sustancia ideológica que el arte se propone corregir en la imagen
reproducida» (Márgenes 47).
13
El hecho de que Richard privilegie lo documental de la imagen fotográfica al reflexionar acerca de
la polémica que se dio en el campo artístico nacional entre «lo documental (la neutralidad de la
técnica en la fotografía) y lo representativo (la expresividad del gesto en la pintura)» (Márgenes 47),
no contradice esta idea. Es el desplazamiento de la imagen fotográfica y su puesta en operación con
otros elementos al interior de la obra lo que se destaca en la lectura de Richard, no la fotografía
documental en sí. Por ejemplo, en Dittborn, es la reutilización de las fotografías de carné lo que
viene a otorgarle un sentido «otro» o a resignificar la imagen fotográfica (Richard, Márgenes 47-
50).
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418

Chile Vive, donde más de la mitad de los fotógrafos seleccionados son miembros de
la AFI14. Así presenta a este grupo de fotógrafos en dicho ensayo:

Han concurrido […] quienes coinciden en un pensamiento exigente sobre la fotografía

como instancia de expresión, valoran la calidad y la disciplina en su ejercicio, y postulan
un compromiso con la realidad social y política del país, tan crucial como inevitable.
La vocación de este incipiente movimiento cultural, a la vez que agrupación gremial,
se consolida en los breves años que transcurren. Participa en numerosas exposiciones
individuales y colectivas dentro y fuera de los ámbitos habituales –van a parroquias,
poblaciones marginales, galerías alternativas, además de ocupar el circuito que aparece
en las guías culturales–. Participa también en la organización de encuentros y publi-
caciones en los que priman objetivos básicos como dignificar la profesión y generar
calor entre colegas, frente a un medio institucional indiferente cuando no hostil («A
propósito» s/p, énfasis agregado).

Aquí se aprecia cómo Fonseca aprovecha el espacio de esta plataforma inter-

nacional para manifestar su descontento ante las divisiones y oposiciones generadas
en el campo cultural chileno de la época.
A pesar de la relevancia y propuesta fotográfica de varios de los miembros de
la AFI y de su reconocimiento en el extranjero a partir de exposiciones como Chile
Vive, iniciativas curatoriales como la de Rouillé, por ejemplo, siguen «segregando»
la fotografía documental realizada por estos fotógrafos. Esta, al parecer, no habría
logrado constituirse, a diferencia de la así llamada fotografía artística o experimen-
tal, en un medio para reflexionar sobre lo fotográfico y sobre la especificidad de ese
lenguaje. Lo anterior se percibe también en uno de los primeros recuentos críticos
(sin dudas indispensable) de la fotografía del período; me refiero al texto de Claudia
Donoso escrito en 1990 para un número especial de Cuadernos Hispanoamericanos
sobre la cultura chilena bajo la Dictadura. En ese ensayo, Donoso comenta:

Poniéndolo en palabras de Barthes la fotografía de estos años ha trabajado bastante

con el studium pero tal vez no se ha preocupado demasiado por el punctum. Esto
ha producido cierta distorsión en el camino de liberación del ojo propio, en favor de
una trampa retórica: demasiadas imágenes de pacos apaleando civiles, mucho carro
lanzaaguas desaforado, exceso de niños y madres sufrientes en ollas comunes, pérdida
de intensidad de tanto puño levantado desafiando al fascismo (31-2).

Debo advertir que mi ánimo no es el de reivindicar la labor fotográfica de la

AFI en el período de la Dictadura –académicos como Leiva Quijada y otros ya se
han abocado a esta tarea– sino que, como planteo en la Introducción, reevaluar las
distinciones y oposiciones entre los modos de ser y hacer de la fotografía, así como
examinar la discrepancia manifiesta en los espacios discursivos de la fotografía en
el Chile de esta época15.

14
Como plantea Leiva Quijada, la AFI «se constituye en una refundación de la visualidad chilena»
(Multitudes en sombras 18).
15
Esta discrepancia entre los modos de hacer y ser de la fotografía, por supuesto, no se circunscribe
al campo chileno de este período, sino que es de larga data. Desde su invención en el siglo xix, la
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419

II. DEL REPORTAJE GRÁFICO AL TRABAJO FOTOGRÁFICO:

LAS RESEÑAS DE ENRIQUE LIHN

Para finalizar, me detendré brevemente en algunas reseñas y notas escritas por Enrique
Lihn durante los años ochenta (recientemente recopiladas en Textos sobre arte), ya
que en ellas se delinea claramente la oposición que formulo en el apartado anterior.
En estas reseñas y notas, Lihn reflexiona sobre distintos aspectos, temáticas, autores
y eventos relacionados a la fotografía. Al ser considerados en conjunto, es posible
apreciar en estos textos la elaboración de una especie de teoría sobre el lenguaje
fotográfico, coherente con las ideas de Lihn respecto del arte y el fenómeno estético.
De estas reseñas se desprende, por ejemplo, la idea de que la fotografía documental
«informa», lo cual la posiciona del lado de la historia y del archivo. Según Lihn,
reporteros gráficos y fotógrafos llevarían a cabo la tarea de «documentar» e «infor-
mar» «de espaldas a una estética de las artes visuales», tal como lo plantea en una
breve reseña aparecida en Cauce en 1986 sobre Felipe Landea –cuyas obra, eviden-
temente, no sería parte de esta tendencia–. El siguiente pasaje ilustra esta cuestión:

La mayoría de nuestros fotógrafos, agrupados en la Asociación Gremial de Fotógrafos

Independientes de Chile (AFI), son o fueron reporteros gráficos. La regla […] desaconse-
ja la presencia del operador mismo como objetivo y estimula, a la inversa, la soberanía
de la contingencia, el encuentro fortuito del ojo de la cámara con las particularidades
inquietantes de la realidad individual o social, y deslinda así el trabajo del fotógrafo
de cualesquiera estéticas que lo asocien, en tanto fotografía de arte, a la belleza de lo
imaginario […] De espaldas a una estética de las artes visuales, nuestros fotógrafos
preferirán la proximidad a la antropología o la sociología. Hacen historia a su manera,
levantando el catastro de una catástrofe (483, énfasis agregado).

En el argumento de Lihn se deja traslucir la idea de que existirían dos formas de

representación que se perciben como opuestos o excluyentes: el modo documental
(ligado a una dimensión testimonial, informacional o de denuncia) y el modo expe-
rimental (ligado a una dimensión estética o artística). En este tipo de formulaciones,
la fotografía de denuncia o informativa va a depender casi por completo del contexto
en la cual es presentada y observada. Esta idea aparece también expresada en una
reseña de 1985 dedicada al libro Cada día, que reúne las fotografías de Álvaro Hoppe:

El reportero gráfico documenta situaciones o retrata personajes de los que el periodista

habla o a los que hace hablar, con imágenes ocasionales a las cuales les falta, pues,

fotografía ha estado siempre acompañada de una serie de discursos que han debatido su valor, ya sea
artístico, científico, histórico o documental. Dubois distingue tres grandes tendencias o discursos: en
el siglo xix habría predominado, según el crítico, el discurso de la mímesis y la visión de la fotografía
como «espejo de lo real» (31). En el siglo xx , según Dubois, habrían prevalecido dos discursos: el
de la deconstrucción, el cual percibiría «la fotografía como transformación de lo real» y como una
manifestación culturalmente codificada; y el discurso del índex y la referencia, el cual pensaría la
«fotografía como huella de un real» (el ejemplo paradigmático sería La cámara lúcida de Roland
Barthes) y cuyo precedente serían las ideas de Walter Benjamin. La teorización de Krauss también se
insertaría en esta tercera corriente.
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el texto, la leyenda, o el diálogo. No son suficientes en sí mismas. Un buen reportero

gráfico puede hacer así un trabajo documentalmente eficiente, pero fotográficamente
irrelevante. Al hablar por sí mismo, el reportaje gráfico traspasa la frontera y se con-
vierte en un trabajo fotográfico. Es decir, es un mensaje visual afectado […] por la
lengua, desde la visualidad misma (455, el énfasis es mío).

Lihn, al mismo tiempo en que insiste en el valor informacional de la fotogra-

fía documental y del reportaje gráfico, sugiere que la obra fotográfica de Hoppe
se distinguiría de la fotografía del «reportaje gráfico» en que iría más allá de la
dimensión documental o informativa. Lihn sugiere de todos modos en que para
«‘leer’ adecuadamente Cada día, la colección fotográfica de Álvaro Hoppe. […] es
mejor que el receptor del mensaje conozca la historia reciente de Chile a partir de
las protestas» (456)16.
Como es posible apreciar, las ideas de Lihn en torno a la fotografía documental
coinciden con las de otros discursos de los años ochenta. La posibilidad de una re-
flexión teórica sobre lo fotográfico y la conformación de un lenguaje visual «otro»
se produciría en el espacio de las artes visuales, en la obra de aquellos que Rouillé
denomina fotógrafos-artistas, o en la obra de aquellos fotógrafos que logran «tras-
cender» la dimensión informativa y denotativa del reportaje gráfico. La diferencia
cualitativa entre reporteros y fotógrafos que se aprecia en la última cita de Lihn
no rompe con esta lógica: el reportaje gráfico es de una mayor complejidad que la
foto informativa del reportero precisamente porque «nos comunica algo» desde la
visualidad misma. En las fotografías documentales, parece decirnos Lihn, no habría
nada que descifrar, ya sea porque la información está contenida en la imagen, o
porque la imagen viene a ilustrar lo que dice un texto. Al parecer, a los fotógrafos
o reporteros no les quedaría más que denunciar o informar acerca de un estado de
la situación por medio de sus fotografías.
De estos discursos se desprende la idea de que las fotografías documentales no
podrían no decir, ni muchos menos sugerir, una diferencia entre lo visto y lo dicho.
El propósito de la fotografía documental sería atestiguar, quedando restringida
al ámbito de lo útil. Si bien no pretendo desestimar el valor de documento de la
imagen fotográfica –esta es, sin lugar a dudas, un arma efectiva de denuncia–, sí me
parece importante insistir en la opacidad y el potencial movilizador de la fotografía,
sea artística o documental. Como sugerí en la introducción, el signo fotográfico es
un signo complejo: índice, icono y símbolo. Esta complejidad la vuelve un signo
indecidible (al decir de Durand), esto es, un signo en tensión constante. Entonces,
la tensión del fenómeno fotográfico se hace manifiesta en la posibilidad que tiene

16
Gonzalo Leiva Quijada también destaca el hecho de que la fotografías de Hoppe trascienden, de
cierta manera, la contingencia: «Álvaro Hoppe, logra compensar la precariedad anímica producto
de empujones, bombas lacrimógenas y golpeaduras, con una lucidez visual que conserva una
auténtica, dinámica y convulsa belleza» (Álvaro Hoppe 81); «La demanda contemplativa en los
trabajos de Hoppe indica un momento acucioso de visualización, pues si bien en muchas de sus
imágenes el mensaje es directo, sus atractivos componentes y las informaciones sostenidas pueden
abrir nuevos sentidos e interpretaciones» (Álvaro Hoppe 140).
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421

cada fotografía, de decir o no decir, o de decir diferente. Pero la recurrente división

en dos sistemas de legibilidad de la imagen –un modo documental «transparente»
y un modo artístico «opaco»– parece impedirnos apreciar la indecidibilidad de la
imagen fotográfica en la fotografía documental.

III. LA TENSIÓN DE LO FOTOGRÁFICO

Articular históricamente el pasado no significa conocerlo

‘como verdaderamente ha sido’. Significa apoderarse de un recuerdo
tal como este relampaguea en un instante de peligro.
Benjamin, La dialéctica en suspenso.

Enrique Lihn privilegia en sus reseñas la fotografía artística o experimental (la fotogra-
fía de Paz Errázuriz, Álvaro Hoppe, Felipe Landea o Inés Paulino) por sobre aquella
que levanta el «catastro de la catástrofe»; André Rouillé deja la fotografía documen-
tal fuera del espacio del Museo porque ve en ella un medio de inscripción (y no de
representación) de la contingencia. Ambas perspectivas coinciden en que piensan, y
exhiben, la imagen fotográfica documental como imagen transparente o, al decir de
Jacques Rancière, como «imagen desnuda». La imagen desnuda, sugiere Rancière, «es
la imagen que no constituye arte, porque lo que nos muestra excluye el prestigio de
la no semblanza y la retórica de la exégesis» (22)17. El problema de esta hipótesis,
tal como apunta el filósofo francés, es que la imagen fotográfica nunca se presenta
completamente desnuda: lo dicho revela lo no dicho, lo que aparece exhibe la traza de
aquello que se esconde18. Rancière sugiere por este motivo que la fotografía devino arte
«only by exploiting a double poetics of the image, by making its images, simultane-
ously or separately, two things: the legible testimony of a history written on faces or
objects and pure blocs of visibility, impervious to any narrativization, any intersection
of meaning» (11)19. Si bien concuerdo en que existe una tensión permanente entre lo
visible y lo no visible, lo dicho y lo no dicho, me interesa reclamar esta tensión como
un atributo inherente del fenómeno fotográfico, y no solo como una cualidad de la
imagen artística (como sugiere Rancière). Así visto, aquello que Rouillé denominara

17
«[is] the image that does not constitute art, because what it shows excludes the prestige of dissemblance
and the rhetoric of exegesis»
18
Susan Sontag decía que «una fotografía es a la vez una pseudopresencia y un signo de ausencia»
(25). Pero aquello que está ausente de la imagen fotográfica no tiene que ver solo con el signo de
muerte que acarrea toda fotografía–tropo, demás está decirlo, comentado en extenso por fotógrafos,
críticos, especialistas y aficionados–sino con aquello que está ausente en y del mismo campo de lo
visible: tanto aquello que no vemos dentro del encuadre (zonas borrosas, oscuras), como aquello
que queda, por así decirlo, fuera del marco. (Ver Didi-Huberman, capítulos 1 y 2).
19
«[…] al explotar la doble poética de la imagen, al hacer de sus imágenes dos cosas simultáneamente:
por un lado, el testimonio legible de una historia escrita en caras u objetos y por otro lado, bloques
puros de visibilidad, impermeables a cualquier narrativización, cualquier intersección de sentido»
(Rancière 11; la traducción es mía). Según Rancière, es en esta tensión inherente de la imagen
fotográfica en donde aparece la fotografía como operación artística (Rancière 6-7).
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422

«los límites de la fotografía» o «posfotografía» puede ser pensado y abordado a partir

de la noción de lo fotográfico y desde dentro del campo de la fotografía.
Las fotografías «de archivo», «documentales» o «artísticas» son todas ellas so-
brevivientes silenciosas que pueden, sin lugar a dudas, ayudarnos a abrir el presente,
tal como sugiere Didi-Huberman en el epígrafe citado al comienzo de este ensayo. Las
fotografías de Kena Lorenzini, Álvaro Hoppe, Jorge Ianiszewski o Marcelo Monteci-
no, por ejemplo, establecen una relación entre temporalidad, instante y pérdida que
tiene directa relación con el modo de inscripción propio de la fotografía. Asimismo,
estas fotografías proponen relaciones entre sujetos, tiempos y espacios, entre signos,
modos de ser y de hacer que se actualizan y modifican cada vez que una persona
las observa20. Al poner el énfasis en los discursos –y no ya en el valor documental
o artístico de las fotografías–, y al atender a aquello que en estas imágenes fotográ-
ficas aparece en tensión o no resuelto, es posible reconfigurar y repensar el campo
fotográfico; un campo que tal y como fue formulado en los espacios discursivos de
la fotografía desde fines de los setenta, se encuentra dividido y limitado a ciertos
modos de hacer y de ser de lo fotográfico. En las fotografías documentales, sin lugar
a dudas, hay huellas de significativos eventos del pasado (bombardeos, protestas o
vigilias), pero no hay que olvidar, y este reclamo es de inspiración benjaminiana, que
los sujetos que aparecen en estas fotografías son poseedores «[…] de un secreto que
nunca conoceremos, un secreto velado por la misma imagen que los trae a nosotros»
(Rancière 15)21. Si atendemos a este reclamo, este período emerge como un espacio /
tiempo de una extraordinaria riqueza para indagar en la doble poética de la imagen,
reformular el campo fotográfico mediante un delineamiento de los espacios discur-
sivos de la fotografía y así arrojar nuevas luces sobre nuestra memoria fotográfica.

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Cambridge: Belknap Press, 2005. 507-30. Medio impreso.

20
En las fotografías de Lorenzini, tal como plantea Luis Alegría, «el lente no se guía por ninguna ética
o moral, pues al descubrir el gesto rígido de ciertas autoridades o el rostro de personajes anónimos,
la imagen devela algo más que la simple realidad y la crudeza de su existencia» (s/p).
21
«of a secret we shall never know, a secret veiled by the very image that delivers them to us» (Rancière
15, la traducción es mía).
ÁNGELES DONOSO MACAYA · Arte, documento y fotografía...
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