Luminotecnia y Sonorización

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Taller coreográfico-Luminotecnia y
sonorización
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INTRODUCCION
La danza, además de una refinada forma de arte, que tiene múltiples
expresiones a lo largo y ancho del mundo, propias de cada cultura o

tiempo, o ya bien de la fusión de estos elementos, es una manifestación
clara de la necesidad humana de comunicar mensajes y emociones a través
del movimiento y de la música. Eso la convierte en un vehículo excepcional
para el aprendizaje y la formación, cuando se utilizan herramientas
didácticas apropiadas. En ese sentido, la danza produce beneficios, tanto

afectivos, como fisiológicos y neuropsicológicos y está asociada a un mayor

desarrollo cognitivo (desde una perspectiva de las inteligencias múltiples),
motriz, social y en los valores ciudadanos.
TALLER COREOGRAFICO
hace referencia a las creencias, prácticas y costumbres que son

tradicionales de un pueblo o cultura. Esto incluye a los relatos, las
artesanías, la música y los bailes, por ejemplo. La danza, por otra parte, es
la acción de bailar, es decir, la ejecución de movimiento al ritmo de la

música.
forma de ensenar la danza, de modo que lo más importante es utilizar el

movimiento como “material” de creación o crear nuevos materiales para

los fines de la propia danza. Los alumnos tienen que aprender que ellos
mismos son capazes de dar forma al movimiento para sus propios fines.
Otros aspectos
Utilizamos pues la danza para trabajar necesidades que intervienen en el

funcionamiento de una persona con enfermedad mental, sabiendo que
afecta a la esfera física, psíquica y social. El baile, o movimiento del cuerpo

usualmente con música, se utiliza como forma de expresión, comunicación
e interacción social. Por otro lado, este tipo de actividades estimulan la
capacidad de creación y hacen que la persona ‘esté presente’ en el
momento construyendo algo que antes no existía.
Objetivos específicos que se persigue el Taller de Coreografía
• Mantener, recuperar, y/o fortalecer capacidades y destrezas motoras,
cognitivas y de interacción y comunicación, implicadas en el movimiento,
danza o baile y expresión corporal ligadas al desempeño de otras
actividades básicas o instrumentales de la vida diaria y de participación
social.
• Mejorar la volición (impulsar la acción) y el deseo.
• Desarrollar estrategias de afrontamiento de la enfermedad: generar un

sentimiento de control de su propia vida, evasión de los síntomas,

afrontamiento de la ansiedad, aportar metas significativas y restaurar la
propia imagen, por citar algunos ejemplos.
• Incrementar el sentimiento de satisfacción, logro y mejorar la autoestima:
gracias al valor intrínseco del hecho de producir un trabajo o idea original,
con independencia del valor económico o social de lo realizado.
• Facilitar la autoexpresión: la danza o el baile, como actividad artística,
puede convertirse en un vehículo de expresión aceptable de sentimientos.
• Promover hábitos de vida saludable y promoción de la salud.
• Explorar áreas de interés asociadas a las áreas de ocio y participación
social.
• Aumentar el repertorio de actividades desempeñadas.
• Fomentar el equilibrio en el desempeño de actividades entre las áreas de

ocupación.
Elementos de la coreografía
Generalmente se admiten por lo menos cinco elementos fundamentales
son: Cuerpo, Acción, Espacio, Energía, y Tiempo. Estos cinco elementos de
la danza son las 24 características desde las cuales se puede definir o

explicar los modos culturales propios que se manifiestan en el arte de la
danza popular o la danza profesional.

Cuerpo
El cuerpo es la dimensión antropológica central de la danza. Una danza

siempre se inicia y finaliza en las corporales de sus protagonistas. Más allá
de los recursos materiales como los instrumentos musicales, el vestuario, el
maquillaje, siempre es el cuerpo viviente quien realiza la danza
El cuerpo se transforma en el principal recurso de la danza, y puede ser
utilizado como un recurso manipulable con la intención de puntualizar el
mensaje que se quiere transmitir de modo artístico. En este sentido, de

acuerdo a Abad (2004), el cuerpo se manifiesta enfatizando alguna de sus
dimensiones:
• Destacar alguna parte del cuerpo: a veces una danza centraliza la

visualización del público en alguna parte específica del cuerpo en sus
movimientos y gestostales como la cabeza, el rostro, los ojos, el
torso, las piernas, los pies o los brazos, según la naturaleza del
mensaje.
• Figura tridimensional del cuerpo: la figura o forma que adquiere el
cuerpo en cualquier etapa de la danza es otro modo artístico en la

que se manifiesta la dimensión corporal humana. La forma
geométrica y artística que realiza en vivo un danzante con su
dimensión corporal puede ser, por simétrica, asimétrica, estirada,
encogida, doblada, redonda, angular o trenzada, normal, exagerada.

• Expresiones vivas del cuerpo: el cuerpo se expresa en una danza a
través de sus manifestaciones biológicas de su existencia. Es decir, el
modo en que un bailarín utiliza la respiración, los movimientos
coordinados del sistema muscular, las condiciones de su estructura

esquelética, su estatura, su masa corporal (gordo, delgado), todos los

elementos que conforman la estructura biológica del cuerpo son
esenciales en el desarrollo artístico de la danza.

• Toma de conciencia de la dimensión corporal de la danza: la
capacidad de percepción de estímulos sensitivos, los sentimientos
reales, confianza, temores, pensamientos, e intenciones que el
bailarín le imprime a la ejecución de la danza produce la conciencia

personal del acto que se está realizando, y este nivel de conciencia
se convierte en fuente de mensajes profundos que le imprime “ese
bailarín” en modo personal a la danza que está realizando.
Acción
La Acción es el modo humano del movimiento, ya que implica la conciencia
de la ejecución. La acción en la danza apunta a todos los movimientos

artísticos que el bailarín realiza con consciencia del mismo, y que puede ser
aprendido y perfeccionado; y en algunos casos, personalizado.
Estas acciones o movimientos incluyen pasos específicos de baile; también

pueden incluir movimientos cotidianos como caminar, o expresiones
faciales, que, aunque sean ejecutados con apariencia de naturalidad,
realmente son intencionados; y muchas veces esta naturalidad debe ser
ensayada. Además, la acción, durante la ejecución de una danza puede

incluir las pausas y momentos de quietud existencial e intencional, que
suceden dentro de una Las acciones en una danza se pueden dividir en dos
modos de movimientos que generalmente se alternan a lo largo de las

diferentes etapas del baile :

• Los llamados Movimientos Cortos o “no motores”: se trata de
aquellos movimientos que se realizan en un mismo punto, sin

traslaciones significativas, tales como una caída, señalar con las
manos, el estiramiento de una parte del cuerpo, o un giro en sitio,
un saludo, llevar la mano al rostro, cualquier movimiento que se
realiza “ahí, donde se está parado”.

• Movimientos de traslación: evidentemente se trata de movimientos
en el espacio tales como correr, saltar de un lado a otro, girar por
todo el escenario, perseguir, huir, pasear; en fin, todos los

movimientos de traslación a través del escenario.
Espacio
el espacio es una de las dimensiones más esenciales que conforman la
danza artística. el espacio es un mensaje en sí mismo, que no tiene que ver
solamente con el entorno físico, sino, que se manifiesta como la "envoltura

existencial” donde se desarrolla la trama de la danza. En el fondo, desde
sus orígenes el protagonista de la danza interactúa con el entorno natural
o elaborado, desde sus inquietudes y vivencias más íntimas. Las
características del espacio :
• El tamaño físico del espacio en sí, o con el espacio que ocupa
realmente el bailarín durante el desarrollo de la danza. No es lo
mismo el desierto, que una habitación.

• La localización específica donde se realizará la danza, puede ser en
un sitio o en varios sitios.

• La dirección, durante la danza resulta esencial determinar la
dirección de los movimientos, hacia adelante, hacia atrás, girando, a
la izquierda, a la derecha, abajo, diagonal; la dirección es un
elemento trascendental en la realización de todos los movimientos

durante la danza y conforma la dimensión artística de impresionar al
público.
• La coordinación grupal de los movimientos. Todos los movimientos

personales de los bailarines cobran sentido artístico en la
coordinación de la ejecución grupal de las acciones.
Tiempo
El tiempo en la danza posee dos dimensiones diferentes, pero
complementarias. Por una parte, el tiempo define el Ritmo de una danza,
ya sea un ritmo programado, o un ritmo espontáneo. La otra dimensión es
la Duración en minutos o en horas de la danza en sus partes, escenas, o en
su totalidad.
El Ritmo programado se refiere al baile o a la danza que se rige por

unidades musicales artísticas que siguen patrones preestablecidos, según
el estilo o género propio del baile o la danza específica, que se expresa en
acentos, compases temporales que se establecen para este tipo de baile.
Por el contrario, el Ritmo Libre es espontáneo, y está a cargo de los

protagonistas del baile, quienes pueden crear sus propios ritmos de
acuerdo a su madurez artística. El Ritmo libre posee su medida musical

determinada, y una vez ejecutado el baile, el ritmo utilizado puede ser
identificado con un género específico, pero el libre en cuanto que su

ejecución no está preestablecida, y su desarrollo lo determina libremente
el bailarín. La Duración en el tiempo, simplemente es la dimensión natural

del transcurrir de la danza, entendida como los segundos, minutos y horas
que toma la ejecución da las diferentes escenas, etapas o la totalidad del
baile o de la danza.
Energía
La energía es la dimensión humana de la danza más difícil de definir y de
explicar racionalmente. Tiene que ver con el “como” realiza la persona

concreta la danza a su cargo, la emoción al realizarla, los gestos humanos
de alegría, tristeza, angustia, indiferencia; en definitiva, se la de la
intensidad de vida que muestra en cada movimiento el bailarín. La energía
puede incluir la fuerza o la flexibilidad con que se ejecuta la acción del baile
la energía determina la identidad del bailaría con el mensaje de la danza,
si es indiferente, o es algo con lo que está comprometido. La energía tiene
que ver con la vocación artística de los bailarines,sin esa identidad con el
arte de la danza no puede surgir la verdadera energía colmada de
sentimientos y convicciones del espíritu del hombre. La energía hace

posible que la danza no se reduzca a una simple sucesión mecánica de
movimientos.
Beneficios
• Mejora el estado de ánimo. Se trata de una reacción química, bailar

ayuda a generar endorfinas, que son las famosas endorfinas de la
felicidad, así que el estado de ánimo mejora porque canalizamos la
adrenalina y disminuye el estrés.

• Nos ayuda a descansar mejor. No es nuevo que hacer ejercicio y
dormir mejor es algo que está íntimamente relacionado.

• Nos ayuda a mejorar nuestra memoria y concentración. Cuando
bailas aprendes pasos, coreografías, rutinas… Para todo ello,
necesitas concentrarte y mantener la atención.
• Nos ayuda en la mejora de decisiones, porque con las rutinas de baile

se favorece la plasticidad neuronal. Como los pasos y coreografías
van cambiando, tienes que mantener la concentración y hacer un
trabajo mental que en otras actividades deportivas no es necesaria.

• Mejora nuestra relación con nosotros mismos. ¿Cuántas veces te has
prometido que tenías que hacer algo de ejercicio? Cuando realmente

te pones a ello, te sientes bien, disfrutas y conectas contigo mismo.
• Mejora la sociabilidad y trabajo en equipo. Las coreografías son cosa
de todos (del grupo) y tienes que adecuarte a un grupo, participar y
adecuarte a él.
Y éstas son solo algunas de las ventajas a nivel psicológico, pero

evidentemente las ventajas a nivel físico de las clases de danza adultos,
no se quedan cortas:
• Mejora la movilidad, tonificación y fondo físico
• Correcciones posturales
• Pérdida de peso y definición de la figura

• Aumento de la capacidad cardíaca y circulación sanguínea

Fisiológicos
La danza es principalmente un ejercicio corporal. La danza fortalece y

desarrolla la dimensión corporal de ser humano hacia el equilibrio de la
masa muscular y mejora formidablemente la flexibilidad de todos los
elementos del cuerpo. La danza, en cuanto a ejercicio corporal es garantía
de salud en todas las dimensiones del cuerpo humano. No solamente

desde el punto preventivo, sino, además, como terapia (Luna, 2012). En este
sentido se pueden señalar algunas ventajas de salud corporal que produce

la práctica constante y disciplinada de la danza:
• Mejora el sistema cardiovascular, ya que al bailar se incremente, en
modo favorable, la circulación sanguínea; lo que permite la
purificación y desarrollo del todo el sistema respiratorio; y se
fortalecen los órganos que participan en el proceso de la respiración¸
en modo el desarrollo saludable de los pulmones. Al mejorar el
sistema respiratorio, se obtiene la mejora integral de todo el cuerpo
humano.
• Facilita el equilibrio en el peso de la masa corporal. La danza, en

cuanto a ejercicio aeróbico posee un nivel de animación y diversión
que la hace más agradable, aumentando el tiempo de los ejercicios
o de la ejecución del baile; este elemento aeróbico de la danza
permite la pérdida de peso, o el aumento de la masa muscular, según

la necesidad específica del participante. También favorece el drenaje
de líquidos y toxinas con la finalidad de purificar el torrente
sanguíneo; en definitiva, la danza ayuda a poner fin los problemas

de obesidad enfermiza, y purifica los niveles altos del colesterol
negativo.

• Aumenta la energía, la resistencia y la potencia. Desde hace siglos la
danza se practicado con la intencionalidad de aumentar los niveles

de energía, de resistencia y de potencia; el baile puede mejorar el
rendimiento físicos integrales, y aumentar los niveles de energía
biológica de todas las personas que practican regularmente el baile,
sin importar la edad de los bailarines. En consecuencia, se obtiene

una salud integral, “cuerpo sano, mente sana”.
• Ayuda a corregir “las malas posturas”. El ejercicio disciplinado y
guiado por profesionales, puede ayudar a corregir las llamadas malas

posturas, que se originan en costumbres corporales que se dan en la
vida diaria. Sin duda, con la práctica del baile, teniendo en cuenta el
reto de corregir las malas posturas, en tiempo relativamente corto,
el practicante obtendrá un porte más elegante y armonioso, con la
cabeza más erguida; no sólo por cuestiones de estética (que son
importantes para la autoestima), sino por la salud integral del cuerpo.
• Cuerpo sano, Mente sana. La práctica de la danza, fortalece la
dimensión subjetiva del ser humano, principalmente las dimensiones

de la mente que tienen que ver con el aprendizaje, como la
capacidad de atención y la memoria. La danza en sí misma requiere
de capacidad de observación y de aprendizaje de movimientos y

escenas; lo cual mejora todos los elementos psíquicos de la
subjetividad. Desde la perspectiva de la neurociencia, el cerebro se
mantiene saludable, lo que facilita el desarrollo mental

Luminotecnia y sonorización
La iluminación se basa en los ángulos, en particular en las obras de teatro

y danzas. Cuando decimos ángulos, nos referimos a la dirección en la que
la luz proviene y cómo se enfoca en el sujeto. Consigue una luz direccional

pequeña (como una antorcha), y fíjate cómo, alumbrando desde
direcciones diferentes, crea atmósferas diferentes alrededor del sujeto.
Reflexiona sobre cómo estos ángulos pueden complementar tu

presentación y dónde los usarías en el guion.
ECTOS DEL COLOR EN RELACIÓN CON LA LUZ UTILIZADA
Los colores sustractivos, son colores basados en la luz reflejada de los
pigmentos aplicados a las superficies. Forman esta síntesis sustractiva, el
color magenta, el cyan y el amarillo. Son los colores básicos de las tintas
que se usan en la mayoría de los sistemas de impresión, motivo por el cual
estos colores han desplazado en la consideración de colores primarios a
los tradicionales. La mezcla de los tres colores primarios pigmento en teoría

debería producir el negro, el color más oscuro y de menor cantidad de luz,
por lo cual esta mezcla es conocida como síntesis sustractiva. En la práctica
el color así obtenido no es lo bastante intenso, motivo por el cual se le
agrega negro pigmento conformándose el espacio de color CMYK.

Rojo + verde= amarillo
Violeta + verde= azul cyam
Rojo + violeta=magenta
Rojo + verde= luz blanca
Violeta + verde= luz blanca
Amarillo + magenta=rojo anaranjado
Magenta + azul= violeta
Azul + amarillo=verde
Amarillo + violeta=negro
SEGUIDOR o CAÑÓN
–iluminación Proyector especial, utilizado para “seguir” con su haz de luz a

los actores, bailarines, etc.
BAJO VOLTAJE
–iluminación Una lámpara de bajo voltaje tiene 4, 5, 6, 9, voltio, equipada
con un transformador en 12 o 24 voltios. Los proyectores equipados con

una lámpara de 250 o 500 vatios son alimentados por un transformador de
230 voltios en la entrada.

CAMBIADOR DE COLORES
–iluminación Elemento que se coloca delante de las Pares, para obtener
varios colores en un mismo artefacto; estos cambios se comandan
electrónicamente.
CANDILEJAS
–iluminación Antiguo sistema de iluminación instalado delante y en el
borde del escenario-proscenio. Originalmente la escena era iluminada con

velas o “candelas”, de ahí el nombre de “candilejas”. Hoy casi no se utilizan,
salvo para algún efecto especial: debido a su ubicación dan una luz muy
marcada de abajo hacia arriba, dibujando un rostro muy fantasmal.
CONTRALUZ
–iluminación Luz que refuerza la imagen tridimensional de actores u
objetos, al iluminarlos por detrás. Puede abarcar todo el escenario o bien
un punto determinado.
CRUZAR LAS LUCES
– iluminación Para evitar sombra en el rostro de los actores, se “cruzan” dos

focos de izquierda a derecha y derecha a izquierda, que provienen de frente
y a 45º.
DECROICA
–iluminación Lámpara equipada con un espejo

ELIPSOIDAL
–iluminación Proyector de tres lentes con un de cachas para remarcar el

ángulo. Los hay de muchos tipos, con diferentes ángulos de proyección. En
la Argentina se los llama Lekos, una marca muy difundida
ESTROBOSCOPICO
–iluminación Lámpara que emite muchos flashes instantáneos. Bajo esta
iluminación, los movimientos normales dan la impresión de los del cine
mudo, por la visión entrecortada (luz-apagón-luz-apagón).
HALÓGENA
–iluminación Lámparas incandescentes cuyos filamentos son regenerados
por un compuesto de bromuro y yodo
LÁMPARAS
–iluminación Hay dos grandes familias de lámparas: las incandescentes (de
tungsteno halogenado) y las lámparas a descarga a gas (mercurio, sodio,

xenón). Las lámparas PAR tienen la óptica incorporada, con un muy buen
rendimiento luminoso.
LUCES RASANTES
–iluminación Fuentes de luz colocadas en el piso y laterales. Se utilizan
mucho en danza y para crear efectos dramáticos
PAR
-iluminaciónLámpara con reflector incorporado. Las hay en diversos
ángulos –aberturas de iluminación-:abierto, cerrado o mediano

PAR 64 LED
Este tipo de iluminación lleva mucho tiempo entre los organizadores de
eventos y shows gracias a sus prestaciones en escena y ahora mejora con
la utilización de bombillas led y direccionadores dmx para que también

puedan ser completamente controladas desde un operador dmx son
perfectas para crear iluminacion perimetral para fiestas y eventos
publicitarios con estilo y elegancia
El tratamiento de la luz en escena abarca una extensa serie de conceptos
técnicos y estéticos a la hora de realizar esta tarea para la puesta a punto
de un montaje, sea de danza o cualquier tipo de espectáculo escénico. Para
mí es uno de los temas fundamentales por el simple hecho de que sin luz
el espectáculo no se ve; salvo que se haga con luz natural o al aire libre.
l gran desarrollo de la iluminación escénica comienza realmente a partir de
la aparición de la luz eléctrica, un poco más tarde con la evolución de los

equipos técnicos, (focos, espectro y temperatura de las lámparas) y
finalmente a través del diseño lumínico como soporte fundamental para
contar la propia escena. Hay un elemento que acompaña al hecho lumínico
y que también entra en juego: las sombras que provocan en los ejecutantes
y sobre el propio escenario.
Existen varios profesionales encargados de desarrollar los aspectos

involucrados en este tema, aunque en pequeños teatros o compañías estas
labores suelen estar centralizadas en muy pocas personas. Podemos

mencionar al diseñador, los técnicos de montaje, el técnico de mesa y hasta
un maestro de luces en caso de espectáculos con orquesta en directo.
En la actualidad la iluminación ha dejado de ser un mero medio para que
el espectáculo simplemente se vea, sino que además forma parte
fundamental en la expresión de la propia obra: focalizando escenas,

creando ambientes y transmitir el lado emocional de la representación, por
medio de la ubicación de los focos, los colores, la duración, las transiciones
y hasta las formas o recortes de los ases de luz.
La técnica de iluminación requiere, además de oficio, conocimientos

relacionados con la composición plástica, los colores, las texturas, colores
de vestuario-maquillaje y un largo etcétera que muchas veces se dejan de
tener en cuenta para que sirvan de apoyo y que pueden llegar incluso a ser
la verdadera protagonista o soporte fundamental en escena, como a veces
sucede también con la escenografía, objetos, maquinaria o los propios
bailarines.
Aunque sabemos que los espectáculos grabados pierden algo de la
espontaneidad y expresión en una pantalla, espero que sirvan los ejemplos

que presento, teniendo en cuenta que muchos son solo extractos de obras
de más larga duración.

sonorización
quien con su cuerpo de bailarina produce su propia banda sonora y en un
viaje alucinante a través de diferentes identidades, autoimágenes y
recreación de personajes fantásticos se cuestiona quién, cómo y qué puede

ser. Los sonidos que la acompañan revelan al espectador movimientos en
situaciones cambiantes e inesperadas. Su expresión corporal recombina

estados de ánimo extraídos de la memoria individual y colectiva, en una
superposición lúdica.
Cada respiración suya es audible y cada uno de sus movimientos se

convierte en sonido dialogante a un nivel de juego. Se trata de una
interacción en la que simultáneamente se expresa sorpresa y la expansión
física de texturas y figuras en trance.

FUNCIONES DE LOS SISTEMAS DE SONORIZACIÓN
El sistema de sonorización permite:
Reforzar la señal acústica, particularmente en espacios grandes donde el
sonido directo suele resultar insuficiente y se necesita reforzar la fuente
sonora o bien en lugares donde el ruido ambiente es muy elevado.
Distribuir el sonido en diferentes zonas, es decir, en recintos distintos a

aquel donde se encuentra la fuente sonora.
Distribuir señales de alarma y avisos en instalaciones de seguridad que

cuentan con un sistema avanzado de megafonía y evacuación por voz para
poder emitir mensajes y señales acústicas en situaciones de emergencia.
DISTRIBUCIÓN DE LOS ALTAVOCES
Ubicar los altavoces correctamente en el espacio a sonorizar es

fundamental para conseguir nuestros fines, es decir, reforzar o distribuir
adecuadamente la señal de audio. Existen tres tipos de instalaciones según
cómo se coloquen sus altavoces:
Sistema centralizado o concentrado, que consta de un solo altavoz desde
el que se emite todo el sonido. También hablamos de sistema concentrado
cuando hay varios altavoces ubicados muy juntos, ya que emiten desde un
mismo punto para todo el recinto.
Sistema zonal, que está conformado por varios sistemas centralizados que
van sonorizando diferentes áreas de la instalación.

Sistema distribuido, donde los altavoces se reparten uniformemente por
toda la instalación de manera que la distancia entre ellos sea mayor que la
longitud de onda de sus señales.
Cuando se desea sonorizar un espacio abierto se recurre a sistemas
centralizados o zonales, utilizando altavoces tipo bocina que proporcionan
alta directividad y sensibilidad. En el caso de los sistemas zonales, pueden

ser lineales (para áreas largas y estrechas) o espaciales (para superficies más
grandes y amplias).
Si trabajamos en un espacio cerrado, se optará por un sistema concentrado
o bien distribuido. En el primer caso, utilizaremos columnas acústicas que
se orientan hacia el oyente más alejado para así garantizar una cobertura
óptima. Los sistemas distribuidos implican repartir los altavoces por todo
el recinto y proporcionan un nivel sonoro homogéneo.
¿Quieres más información o asesoramiento sobre sistemas distribuidos de
megafonía y evacuación por voz? Contacta con nuestro departamento de
soporte y estaremos encantados de resolver tus dudas.

¿Qué actividades se realizan en una academia de danza? | Amantes de la
danza
El baile en una academia de danza se puede interpretar desde diferentes

perspectivas. Se puede ver como una actividad física con beneficios para la
salud, como una terapia emocional, como una práctica social para conectar
con más personas o como un entretenimiento sin más propósito que
disfrutar de un buen momento. Te hablamos desde la experiencia de una
academia de danza de Barcelona.

Actividades más habituales en una academia de danza
Por ofrecer tantos puntos positivos es que están surgiendo cada vez más
academias de danza en todas las ciudades, en las que se ofrecen distintas
actividades para todos los gustos, edades y condición física.
Bailes de salón y bailes sociales
Una de las actividades más demandadas por los alumnos de una academia
de danza en Barcelona son los bailes de salón, que suelen incluir una serie
de estilos, como los bailes estándar y los latinos, el vals, el pasodoble, la

bachata, la salsa, la samba o el rock and roll, entre otros. En algunas
academias se prepara a los alumnos con el propósito de participar en
concursos y exhibiciones profesionales, tanto de carácter nacional como
internacional. Además, se enseñan otras disciplinas que no entran dentro

de la categoría de ‘salón’, como algunas variantes más modernas, y otros
bailes tradicionales, como sevillanas o flamenco.

Danza para niños
También cuentan con clases de danza para niños, que se suelen clasificar
por edades y niveles. El baile es, para los más pequeños, una actividad muy
beneficiosa y positiva en su formación y desarrollo, a nivel físico y social.
Les ayuda a encontrar nuevas formas de expresión, estimula su creatividad
y mejora su autoconfianza y su autoestima. Además, canaliza toda esa

energía que les sobra a los más pequeños. Para ellos se suelen ofrecer
clases de ballet clásico, dancehall, hip-hop, funky, modern jazz o danza

creativa, así como talleres específicos para que descubran nuevas
capacidades.
Formación en danza
Los adultos que quieran formarse como profesores también pueden
hacerlo en una academia de danza. En estos centros pueden recibir una
formación técnica completa de los distintos estilos de baile, a través de
la danza clásica y la contemporánea, que son los dos pilares de este arte. A
la vez, se incluye formación en otras disciplinas como danzas urbanas,
modern jazz o composición coreográfica. El propósito es que el alumno se

convierta en un profesor versátil y capacitado para enseñar a una gran
variedad de alumnos. Este tipo de cursos se suelen acompañar de clases
teóricas que incluyen información importante, como historia, pedagogía,
anatomía o nutrición.
Perfeccionamiento
Estos cursos que puedes encontrar en una academia de danza están
orientados a bailarines que ya cuenten con el curso de formación, en la

propia academia o fuera de ella. También para aquellos bailarines
profesionales que quieran aprender nuevas técnicas, ampliar sus

conocimientos y mejorar su nivel para ajustarse las altas exigencias de este
sector. En ocasiones se confeccionan cursos a medida en función de la

salida profesional a la que se enfoque el alumno. Las principales opciones
son el escenario y la docencia.
Coreografías para grupos
Otra de las actividades demandadas en una academia de danza son las

coreografías, en muchos casos con un propósito totalmente lúdico. El baile
nupcial es uno de ellos, pero también se suelen preparar coreografías para

cumpleaños, flash-mobs, etc.
Además, existe la opción en algunas escuelas, de tomar clases particulares,

muy productivas para alumnos que tienen un enfoque profesional. Si
buscas una academia de danza en Barcelona acércate a Dance Emotion y
te explicaremos con más detalle todas las actividades que se realizan en
nuestras clases.
Las coreografías se pueden clasificar de la siguiente forma.
1. Grupales. Se ejecutan por más de 2 personas.
2. Expresivas. Incluyen expresiones interjectivas y otras formas de danza.
3. Distributivas. Las ejecutan varios grupos de bailarines que se
diferencian unos de otros por los pasos de baile. Es decir, cada grupo
ejecuta una coreografía distinta a la vez que los otros.
4. Principal. Coreografía única ejecutada por un sólo bailarín o bailarina.

5. Folklórica. Se trata de danzas populares originadas en pueblos rurales,
forman parte de su idiosincrasia.
6. Histórica. Recrea un acontecimiento histórico o de valor reseñable.
7. Simétrica. La repetición de pasos se hace igualmente de izquierda a
derecha. El equilibrio es una característica importante en este tipo de

coreografías.
8. Asimétrica. Se componen de forma opuesta a las simétricas, es decir, las

unidades de pasos son distintas las unas de las otras y no se repiten de
derecha a izquierda.
9. De espacio parcial. Ocupa sólo un espacio del stage (a veces la mitad).
10. Individual. Consiste en el solo de un bailarín o bailarina.
¿Cómo hacer una coreografía de baile?
Para crear y desarrollar una coreografía de baile es necesario seguir
unas pautas ordenadas que aporten coherencia al trabajo que se realiza.

Os aportamos en este artículo las indicaciones más básicas.
Escoge la música.
Elige una música que te sugiera pasos de baile y sobre todo que te motive.
Elegir la música me cuesta mucho trabajo, ya que para mí es muy muy
importante. Necesito sentirla. Necesito escuchar algo que me inspire y que

me mueva. Tardo mucho en seleccionarla porque tiene que ser una música

que pueda escuchar un millón de veces y no me canse. El proceso de
ensayarla o mostrarla conlleva esa repetición
Analiza la canción
Desde la letra hasta el argumento de la historia que cuenta, sus detalles,

contextualízala con respecto al momento social, económico, político y
artístico en el que se compone o se convierte en mainstream. Estudia su

estructura y otras características.
Respecto a este punto Sara del Pino añade que cuando elige la canción
para crear su coreografía cuenta los tiempos musicales y lleva a cabo otras
fases del análisis musical. “Depende de lo que vaya a montar lo hago de

forma diferente… si es un espectáculo en directo sobre un stage, una pieza
para teatro más clásico, una creación en grupo o si lo bailo yo… Hay que
tener en cuenta el tipo de espectáculo y el medio en el que se va a
desarrollar”.

Monta los primeros pasos de baile
Permite a tu cuerpo expresarse con los movimientos que le sugiera la

canción, déjate inspirar por la música que has elegido ejecutando los
primeros pasos de baile que le vayan bien a esa melodía. Los que te gusten
resérvalos para combinarlos con otros e incluirlos en la coreografía.
Fija los pasos que te gusten
Fija los pasos para la coreografía y anótalos en un cuaderno. Si dispones

de la tecnología necesaria también puedes grabarlos, pero si los dibujas los
recordarás mejor (aunque sea de forma esquemática).
Sara del Pino nos comenta lo siguiente sobre las fases 3 y 4 que comprende
el proceso de creación de una coreografía, declaraciones tan inspiradoras
como útiles para los que sueñan con ser coreógrafos. “Cuando ya tengo la
música y sé que me llena y me hace sentir no tardo mucho en montarla. Mi

cuerpo se mueve solo, crea pasos y hago repeticiones para memorizarlos y
fijar lo que es la propia coreografía. Esa es la base”.
Sara, que tiene una extensa experiencia sobre los escenarios, previene a los
amantes de la danza sobre ese momento en el que tienes que montar una
coreografía por encargo sobre una música que quizás no te inspire
demasiado. “Si la música no la elijo yo y no me motiva, saco la inspiración

de otras cosas. Me cuesta más. Quizás la creo de forma más comercial, pero
no descuido el aspecto técnico, es decir, cuento incluso más minuciosamente
los tiempos, las estrofas, los estribillos…”.

Graba la coreografía completa cuando esté lista
Puedes grabarla completa tantas veces necesites, ya que se recomienda

que vayas actualizando las versiones a las que vayas añadiendo pasos
nuevos, detalles o formas diferentes de ejecutar algunos movimientos. De
esta forma cada vez que esa coreografía se ensaye se partirá de la versión
más completa. La tecnología es un buen apoyo para enriquecer este tipo

de trabajo artístico.
Ensaya la coreografía para lograr la mayor perfección
De esta forma los bailarines y bailarinas adquieren soltura. Cada vez que se
ensaye la coreografía se ejecutará con una técnica más pulida y la esencia
artística irá destacando poco a poco.
Los ensayos y las repeticiones constituyen la base para lograr perfeccionar
una coreografía. Pero no debemos perder de vista que el nivel de la
coreografía será directamente proporcional a la formación, técnica y

talento del coreógrafo y los bailarines. Por ello es importante estudiar con
profesores de nivel y en buenos centros.
Elige la ropa para ejecutar la coreografía
Además de ser un vestuario adaptado a los movimientos ha de estar
contextualizado según la danza que se represente. Según la historia que
cuente la coreografía, el estilo que recree, etc. Ensaya con el vestuario

elegido puesto.

Adapta la coreografía al stage y a los recursos técnicos
Tanto el stage como los recursos técnicos conforman elementos que

influyen en la interpretación de la coreografía, por ello es conveniente que
estén en armonía con la danza. El atrezzo, la iluminación, los elementos
móviles etc. usados de forma provechosa pueden enriquecer mucho el
montaje.
Modifica la coreografía si lo consideras oportuno
Aunque la coreografía esté terminada no dudes en mejorar lo que creas
necesario. Una creación artística es algo vivo, puede evolucionar para llegar
a convertirse en una obra mejor.
Disfruta creando
Disfruta el proceso, es uno de los mejores pasos que puedes dar para
crearla. Desde el momento en que logres disfrutar, la experiencia se va a

convertir en un aprendizaje divertido, inspirador y más creativo.

EXAMEN N°
NOMBRE Y APELLIDO: __________________________________________________________
CODIGO: ____________
FECHA: ____________
CUESTIONARIO
1. MENCIONA SOBRE EL TALLER DE COREOGRAFIA
2. COMENTE SOBRE LOS OBJETIVOS DE TALLER DE COREOGRAFIA
3. COMENTE SOBRE CONCEPTO DE LUMINOCTENIA

4. MENCIONE LA CLASIFICACION DE LA COREOGRAFIA

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Diplomados Cursos y Especializaciones – Nuedus / Informes y WebOficial: www.nuedus.

Prohibida La Reproducción Total O Parcial De Este Libro Página 1 de 31

La danza, además de una refinada forma de arte, que tiene múltiples

expresiones a lo largo y ancho del mundo, propias de cada cultura o

clara de la necesidad humana de comunicar mensajes y emociones a través

del movimiento y de la música. Eso la convierte en un vehículo excepcional

para el aprendizaje y la formación, cuando se utilizan herramientas

didácticas apropiadas. En ese sentido, la danza produce beneficios, tanto

Prohibida La Reproducción Total O Parcial De Este Libro Página 2 de 31

desarrollo cognitivo (desde una perspectiva de las inteligencias múltiples),

motriz, social y en los valores ciudadanos.

hace referencia a las creencias, prácticas y costumbres que son

la acción de bailar, es decir, la ejecución de movimiento al ritmo de la

forma de ensenar la danza, de modo que lo más importante es utilizar el

Prohibida La Reproducción Total O Parcial De Este Libro Página 3 de 31

Utilizamos pues la danza para trabajar necesidades que intervienen en el

afecta a la esfera física, psíquica y social. El baile, o movimiento del cuerpo

e interacción social. Por otro lado, este tipo de actividades estimulan la

capacidad de creación y hacen que la persona ‘esté presente’ en el

momento construyendo algo que antes no existía.

Objetivos específicos que se persigue el Taller de Coreografía

• Mantener, recuperar, y/o fortalecer capacidades y destrezas motoras,

cognitivas y de interacción y comunicación, implicadas en el movimiento,

danza o baile y expresión corporal ligadas al desempeño de otras

actividades básicas o instrumentales de la vida diaria y de participación

• Mejorar la volición (impulsar la acción) y el deseo.

• Desarrollar estrategias de afrontamiento de la enfermedad: generar un

Prohibida La Reproducción Total O Parcial De Este Libro Página 4 de 31

afrontamiento de la ansiedad, aportar metas significativas y restaurar la

propia imagen, por citar algunos ejemplos.

• Incrementar el sentimiento de satisfacción, logro y mejorar la autoestima:

gracias al valor intrínseco del hecho de producir un trabajo o idea original,

con independencia del valor económico o social de lo realizado.

• Facilitar la autoexpresión: la danza o el baile, como actividad artística,

puede convertirse en un vehículo de expresión aceptable de sentimientos.

• Promover hábitos de vida saludable y promoción de la salud.

• Explorar áreas de interés asociadas a las áreas de ocio y participación

• Aumentar el repertorio de actividades desempeñadas.

• Fomentar el equilibrio en el desempeño de actividades entre las áreas de

Generalmente se admiten por lo menos cinco elementos fundamentales

son: Cuerpo, Acción, Espacio, Energía, y Tiempo. Estos cinco elementos de

la danza son las 24 características desde las cuales se puede definir o

Prohibida La Reproducción Total O Parcial De Este Libro Página 5 de 31

El cuerpo es la dimensión antropológica central de la danza. Una danza

de los recursos materiales como los instrumentos musicales, el vestuario, el

maquillaje, siempre es el cuerpo viviente quien realiza la danza

El cuerpo se transforma en el principal recurso de la danza, y puede ser

utilizado como un recurso manipulable con la intención de puntualizar el

mensaje que se quiere transmitir de modo artístico. En este sentido, de

• Destacar alguna parte del cuerpo: a veces una danza centraliza la

movimientos y gestostales como la cabeza, el rostro, los ojos, el

• Figura tridimensional del cuerpo: la figura o forma que adquiere el

cuerpo en cualquier etapa de la danza es otro modo artístico en la

dimensión corporal puede ser, por simétrica, asimétrica, estirada,

encogida, doblada, redonda, angular o trenzada, normal, exagerada.

través de sus manifestaciones biológicas de su existencia. Es decir, el

modo en que un bailarín utiliza la respiración, los movimientos

coordinados del sistema muscular, las condiciones de su estructura

Prohibida La Reproducción Total O Parcial De Este Libro Página 6 de 31