PINTURA

Renacentista

Arte Renacentista
Arte Renacentista
Empieza a
Técnica
aparecer
fresco temple
el estudio Temas
y oleo.
de la luz religiosos,
profanos y
Retratos.
Expresión
Preocupación
de la
por
belleza
representar el
idealizada
paisaje

Importancia
Ordenación del
del dibujo
espacio en base
(la línea).
a las leyes de la
perspectiva
Arte Renacentista
Etapas
Quattrocento Massacio, Fra Angelico, Boticelli, Paolo
Florencia Ucello y Piero Della Francesca

Cinquecento Los autores son los grandes genios del Siglo

Roma XVI: Leonardo, Miguel Ángel y Rafael.

Jacopo Robusti “Tintoreto”, Paolo Caliari Il

Manierismo Veronese y Doménikos Thotokópoulos “El
Greco”

Arte Renacentista
 La pintura renacentista está plena de
religiosidad, sin embargo, cada artista
busca su propio estilo, en donde el
retrato y la representación del paisaje
tienen mucha importancia.

Durante el renacimiento surgen

diversas escuelas, estas adquieren el
nombre de la cuidad donde se
desarrollan: Escuela florentina,
veneciana, siena, Parma, Verona,
Padua, Milán y Carrara.
Arte Renacentista
 Porque, expone historias y sucesos, reales
o ficticios, sacados de la religión, mitología o
de la historia.

Porque las figuras humanas o de animales,

y los objetos inanimados están reproducidos
con el mayor cuidado porque se parezcan
en todo a sus modelos reales.

El punto de vista del pintor suele estar en el centro del

cuadro. La composición está sometida a esquemas
intelectuales, es decir razonados. Suele preferirse la forma
simétrica en la distribución de las figuras.

Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya

anatomía se estudia y copia cuidadosamente
Arte Renacentista
Al igual que en escultura, los temas a tratar van a ser religiosos,
profanos, mitológicos y retratos; en algunas ocasiones se mezclan.

Desde el punto de vista de la técnica, se pintará mucho al Fresco

(sobre todo en Florencia) pero también al temple. Avanzado el
Quattrocento y por influencia flamenca se utilizará el óleo y ya
sabemos que este sistema proporciona más detalle a la obra.

El dibujo (como en el gótico en la escuela se Siena) va a tener una

gran importancia y será un elemento capital en la pintura. Grandes
dominadores del dibujo serán Fra Angélico, creador de escenas
religiosas de un gran misticismo; Botticelli, con un dibujo nervioso
tratará de conseguir la belleza ideal con obras de gran elegancia.

Empieza a aparecer el estudio de la luz. Piero della Francesca será el

principal representante de esta tendencia. Con todo, será en el
barroco cuando el estudio de la luz se convierta en una obsesión.

Ordenación en base a las leyes de la perspectiva

Arte Renacentista
Temática
En primer lugar, pervive la temática religiosa, en segundo lugar el retrato y
por último los temas mitológicos.
Técnicas
El pintor renacentista es versátil, las principales técnicas que utiliza son el
fresco, el temple, aunque se potencia principalmente el óleo.
En la Italia del siglo XV, en la ciudad de Florencia, gobernada por los
Médicis, surge una nueva pintura que rompe con todos los esquemas
anteriores. Un nuevo gusto por la Antigüedad clásica lleva al interés por la
naturaleza. Las proporciones del cuerpo humano se normalizan, aparece el
desnudo como gran tema de arte y el paisaje se incorpora definitivamente a
la pintura. La perspectiva y el estudio de la luz y del color se convierten en
retos entusiásticamente afrontados por los artistas del Quattrocento. Con
Fra Angélico, Massaccio, Paolo Ucello y Filippo Lippi nace la pintura
renacentista.

Existieron las “Escuelas” (denominación equivocada), no existían escuelas

de arte donde los jóvenes eligieran que estudiar, si no se llamaba escuela
cuando el joven lo llevaba su papá como aprendiz del arte que a él le
gustara. Si le gustaba la pintura tenía que ir con un pintor.

Arte Renacentista
PINTURA
Cuattrocento

Arte Renacentista
 Preocupación por la perspectiva,
tratando de representar la profundidad.

Interés por el naturalismo (captar al ser

humano en su ambiente)

Florencia Realismo: por ello se estudia la

anatomía humana (es un ensayo de lo
que se plasmará en el período siguiente)

Autores: Massacio, Fra Angelico,

Boticelli, Paolo Ucello y Piero della
Francesca.
Arte Renacentista
Fra Angélico, fraile dominico cuyo estilo refinado
alterna con formas aún incipientes del nuevo
renacimiento resueltas con un delicado
tratamiento del color. Su obra se caracteriza por
su dulce y elegante espiritualidad religiosa que,
aún siendo de espíritu medieval, se reviste de
formas renacentistas, como refleja en sus
anunciaciones (La Anunciación, 1430-1432,
Museo del Prado, Madrid). Fra Angelico fue
especialmente innovador en la representación de
paisajes. Su obra incluye una serie de frescos
pintados en los años 1430 y 1440 ayudado por
sus compañeros dominicos en el convento de San
Marco en Florencia.
Arte Renacentista
Fra Angélico 1387-1455
Religioso y pintor, es el nexo de unión entre el gótico internacional de siglo XV y el
nuevo estilo. Es gótico en sus temas puramente religiosos, en la presencia del
dorado o en las figuras muy estilizadas; pero es renacentista en el uso de la
perspectiva o los edificios de inspiración clásica, por ejemplo en la Anunciación del
Museo del Prado.
La Anunciación (1430-1435). El
tratamiento idealista de la Virgen y
el ángel es aún de gusto gótico,
con evidentes referencias a la
Escuela de Siena. El Fra Angélico
renacentista aparece en la
distribución del espacio pictórico a
partir de la perspectiva de un
pórtico, y en los elementos de
fondo: el jardín del Edén parece
surgido de una pintura de
Pompeya, y las figuras de Adán y
Eva reproducen un hombre u una
mujer “normales”, de gusto
naturalista.
Su pintura es el puente entre
el Gótico y el renacimiento Arte Renacentista
 Fra Angélico Anunciación Museo del Prado

Perspectiva lineal

Arquitecturas Colores
renacentistas rutilantes

Imágenes
Dibujo sinuoso
estilizadas
Y aristocrático
Luz uniforme

Detallismo y
minuciosidad
Jerarquización de
personajes

Arte Renacentista
Se considera el pintor que marca el final del Quattrocento y del Cinquecento.
Es de los primeros en tratar temas mitológicos, siguiendo para ello las
narraciones clásicas, como el Nacimiento de Venus o la Primavera, sin dejar de
lado los temas religiosos.

Su estilo destaca por la elegancia de sus figuras marcado sobre todo por el
dibujo y por la sutíl iluminación de sus obras, en composiciones muy
complejas. Su fama fue tal que fue el pintor preferido de los Medici.

Arte Renacentista
 Eolo el Viento
(Céfiro)
Mercurio Las 3 gracias Venus Cupido Diosa de la fertilidad Cloris

1 3 1 3

8 personajes Arte Renacentista

Esta obra es representativa, en ella muestra la presencia
de seres propios de la mitología greco - romana.
Mercurio, las Tres Gracias, Venus, la diosa de la
Fertilidad, una ninfa, Eolo (el viento) y sobre ellos
Cupido.
La composición es musical, presenta agrupaciones de
figuras en orden uno, tres, uno, tres, mostrando además
simetría, la suma da ocho, que no es considerado un
número de buena suerte, por lo que el autor incorpora un
noveno elemento: Cupido, con ello el número final es
nueve.
Vemos entonces en esta obra, conocimiento de la figura
humana, proporciones, perspectiva, como fondo un
paisaje; un tratamiento ordenado de los componentes del
cuadro, pero están presentes además la superstición y
mitología propios de la época.
Arte Renacentista
 Botticelli La primavera
Colores en
Estratos sucesivos
Figuras Rostros
estilizadas melancólicos

Líneas con tinta

Oscura diluida

Reflejos
luminosos

Detallismo Veladuras
Y transparencias
Arte Renacentista
La célebre Primavera, una escena muy imaginativa llena de figuras de la mitología clásica,
representa un nuevo tipo de pintura, muy valorado en los círculos renacentistas cultivados.
La pintura equivale a un poema lírico que invoca al espíritu de Venus, la diosa del amor y de
la primavera, e invita al espectador a entrar en el reino de la belleza y la abundancia
perpetuas.
Las nueve figuras de la pintura de Botticelli tienen su origen en un mito de la Grecia antigua
y de Roma. Están representadas casi a tamaño natural y se las identifica tal y como están
encima de estas líneas. A todas se las asocia a las antiguas celebraciones primaverales, en
especial la “Floralia” (los festivales de Flora). Venus simboliza la fertilidad de la estación,
mientras que a Mercurio y a Flora se los asocia al mes de mayo.
El idilio bucólico de Botticelli se centra en la figura de Venus, que levanta la mano haciendo
el tradicional saludo de bienvenida. Está acompañada por su hijo, Cupido, el dios del amor,
que está apuntando con su flecha ardiendo. Sus acompañantes, las Tres Gracias -diosas del
encanto, la gracia y la belleza-, bailan junto a ella. Aparecen “cogidas de las manos,
sonrientes y juveniles, vestidas con trajes livianos y transparentes”, según las describió
Séneca. Éste escribió sobre una pintura clásica desaparecida en la que Mercurio está de pie
junto a las Gracias. En el Renacimiento, Alberti recomendó a los pintores utilizar la
descripción de Séneca como elemento imaginativo.
Botticelli alude sutilmente en esta obra al emblema de las palle (pelotas en italiano) del
escudo de armas de los Medici en los naranjos cargados de fruta redonda y dorada
(derecha).
A los pies de Mercurio, el mensajero de los dioses, crecen gran cantidad de tallos. Mercurio
aparece tirando de las nubes con su vara, que está adornada con serpientes en forma de
dragones. Puede que Botticelli los incluyera aquí porque es él quien gobierna los vientos
que dispersan las semillas.

Arte Renacentista
Botticelli, es sobre todo, un gran dibujante: su dibujo es eléctrico, retuerce las
formas, de trazos curvilíneos; sus rostros son bellos y, aunque cargados de
pesimismo, transmiten gracia y armonía.

Es un gran admirador de la belleza femenina, con figuras de gran voluptuosidad, de

cuerpos sinuosos, casi etéreos y de largas cabelleras ondulantes. Las viste con
finas ropas que dejan traslucir su anatomía. En sus obras también tiene importancia
el paisaje, que trata con gran detalle.
Arte Renacentista
Como pintor de
obras religiosas
nadie le iguala al
representar a la
Virgen, llena de
dulzura y veladuras.
Pero va a sr más
conocido como
pintor de obras de
temática pagana,
como su nacimiento
de Venus, inspirada
en la mitología
clásica

Arte Renacentista
Inspirado en la antigüedad - Las tres
figuras que aparecen a la derecha de la
Primavera proceden de un antiguo mito
que Ovidio narra en su obra Los Fastos. En
el relato, la ninfa griega Cloris cuenta
cómo se convirtió en “reina de las flores”.
Un día de primavera que iba paseando,
Céfiro la persiguió y la violó, pero luego se
casó con ella y la convirtió en diosa de la
primavera, a quien los romanos llamaron
Flora. De la boca de Cloris salen flores,
como prueba de su origen bucólico. En
palabras de Ovidio, “respira las rosas de la
primavera”. Botticelli representa a Cloris
con flores que salen de su boca, como si
se convirtiera en Flora al ser abrazada por
Céfiro. La figura junto a ella se identifica a
menudo como la renacida Flora. También
se ha interpretado como la “Hora” (otro
antiguo espíritu) de la primavera.
Vestido de fiesta.- El vestido de Flora
puede haberse basado en el vestido blanco
“pintado con rosas, flores y semillas” que
se llevó en un torneo de los Medici en
1475.

Arte Renacentista
Lic. JoséArte
Contreras
Renacentista
Botticelli. El nacimiento de Venus

Arte Renacentista
Nacimiento de Venus. Boticelli
El momento que presenta el artista es la llegada de la diosa, tras su
nacimiento, a la isla de Citara, empujada por el viento como describe Homero,
quien sirvió de fuente literaria para la obra de Botticelli. Venus aparece en el
centro de la composición sobre una enorme concha; sus largos cabellos rubios
cubren sus partes íntimas mientras que con su brazo derecho trata de taparse
el pecho, repitiendo una postura típica en las estatuas romanas de las Venus
Púdicas. La figura blanquecina se acompaña de Céfiro, el dios del viento, junto
a Aura, la diosa de la brisa, enlazados ambos personajes en un estrecho
abrazo. En la zona terrestre encontramos a una de las Horas, las diosas de las
estaciones, en concreto de la primavera, ya que lleva su manto decorado con
motivos florales. La Hora espera a la diosa para arroparla con un manto
también floreado; las rosas caen junto a Venus ya que la tradición dice que
surgieron con ella. Técnicamente, Botticelli ha conseguido una figura magnífica
aunque el modelado es algo duro, reforzando los contornos con una línea
oscura, como si se tratara de una estatua clásica. De esta manera, el artista
toma como referencia la Antigüedad a la hora de realizar sus trabajos. Los
ropajes se pegan a los cuerpos, destacando todos y cada uno de los pliegues y
los detalles. El resultado es sensacional pero las pinturas de Botticelli parecen
algo frías e incluso primitivas.
Arte Renacentista
El nacimiento de Venus, fue
probablemente un encargo de la familia
Medici; pintado al temple sobre lienzo,
presenta una rica gama cromática y una
composición triangular donde el
personaje central capta toda la atención.

Los personajes son ligeros, sinuosos y

sensuales, dando sensación de
ingravidez; el tema es mitológico,
inspirado en la Venus clásica, a la que
se consideraba engendrada por Saturno
y nacida del mar. Muestra el momento
en el que una pareja de céfiros (dioses
del viento) en vuelo empujan a Venus,
representada desnuda sobre una
concha; en la orilla, espera la hora de la
primavera para vestirla con un mando
de ramos. El mar de fondo y la costa,
salpicada de olas y flores, aluden a los
orígenes de la diosa.
Arte Renacentista
Lic. JoséArte
Contreras
Renacentista
Lic. JoséArte
Contreras
Renacentista
El primer gran pintor del renacimiento italiano fue Masaccio, creador de
un nuevo concepto de naturalismo y expresividad en las figuras, así
como de la perspectiva lineal y aérea. Su pintura es realista, sobria y
claramente definida, y se adelanta en casi cien años a la maniera grande
de los pintores del siglo XVI. A pesar de que tuvo una carrera corta (murió
a la edad de 27 años) la obra de Masaccio tuvo una enorme repercusión
en el curso del arte posterior. Los frescos (c. 1427) que representan
episodios de la vida de san Pedro pintados para la capilla Brancacci en la
iglesia de Santa Maria del Carmine en Florencia, muestran el carácter
revolucionario de su obra, sobre todo en lo que se refiere al empleo de la
luz. En una de las escenas más famosas, El tributo de la moneda,
Masaccio reviste las figuras de Cristo y de los apóstoles con un nuevo
sentido de dignidad, monumentalidad y refinamiento. Los frescos de la
capilla Brancacci sirvieron de inspiración a pintores posteriores, entre
ellos el propio Miguel Ángel. En el fresco de la Santísima Trinidad
(c. 1420-1425, Santa Maria Novella, Florencia) Masaccio, aplicando
algunos de los descubrimientos de Brunelleschi relativos a la perspectiva
lineal, creó por primera vez la ilusión espacial.
Arte Renacentista
Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai (Masaccio)

Es, junto a Brunelleschi y Donatello, uno de los máximos

representantes del Quattrocento; es el verdadero introductor
del nuevo estilo en pintura. En su corta vida cimenta las bases
de la pintura italiana de XV. Los dos ejes básicos de su estilo
son la perspectiva matemática y el uso de la luz para crear unas
figuras realmente volumétricas.

El paisaje y los edificios se adecúan al tamaño de los

personajes. La principal característica de las obras de
Massaccio es el volumen en sus fuguras, son como el dibujo de
una estatua: monumentales, robustas, escultóricas, pesadsas...
Y consigue sombrearlas e iluminarlas son dibujar los
contornos; es el heredero directo de giotto y su continuador
será Miguel Ángel. En sus sobras capta el sientido plástico y
v9lumetrico, que hace que no den sensación de planitud.

Arte Renacentista
Frescos de la Capilla Brancacci de Florencia

Arte Renacentista
Masaccio, fue un gran compositor de escenas, como se aprecia
en los Frescos de la Capilla Brancacci de Florencia, entre los
cuales destaca el Tributo de la Moneda, donde coloca tres
escenas en el mismo cuadro: en esta pintura el volumen está
plenamente conseguido con el sombreado de los cuerpos,
presenta la perspectiva por la colocación de los personajes.

Arte Renacentista
Frescos de la Capilla Brancacci de Florencia

Arte Renacentista
Renueva totalmente la pintura. Elimina los fondos dorados y los sustituye por paisajes, con los
que crea un espacio pictórico para seres reales. Su naturalismo le lleva a veces, a prescindir de
la aureola dorada que tradicionalmente circunda la cabeza de los santos, que se convierten así
en hombres normales, con sus vestidos “a la moda”, sin ningún tipo de exotismo.

Massaccio representa la plena asimilación de la perspectiva (La crucifixión de Santa María

Novella, Florencia), el monumentalismo de reminiscencias romanas (La moneda del César de
Santa María del Carmen, Florencia) y la afirmación del desnudo de gusto clásico, como
demuestra su Adán y Eva expulsados del paraíso.
Expulsión del Su estilo es monumental y naturalista Tributo de
Paraíso Masaccio Fresco de la capilla Brancacci la moneda

Arte Renacentista
 Masaccio: Tributo de la moneda
Paisajes
pobres Contrastes
colores
Tres escenas
Perspectiva
lineal
Figuras Espacios
Actitudes
volumétricas Matemáticos
expresivas

2
3
1

Arte Renacentista
 La Trinidad
De toda su producción, destaca otra
obra que se encuentra en Santa María
Novella de Florencia (Iglesia gótica en
la que Alberti realiza la fachada Dios
principal). Padre

La Trinidad realizada al fresco en

Dios
1427. aparece la Trinidad (Padre, Hijo Espíritu
y Espíritu Santo, en forma de paloma Santo
en el centro del cuadro) enmarcada en
los principios arquitectónicos y de
Dios
perspectiva matemática, con punto de Hijo
fuga. El marco arquitectónico es una
bóveda de medio cañón de casetones San Juan
que protagoniza la profundidad en el
cuadro.
María
Las partes más alejadas del edificio
son las más pequeñas, así Masaccio
crea un espacio pictórico basado en
rigurosas leyes matemáticas, donde la
simetría preside la composición, y el
eje es la luz Donantes Arte Renacentista